音乐学习论文精选(九篇)

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第1篇：音乐学习论文范文

论文关键词：儿童，视唱练耳，音准，教学

 

儿童视唱练耳课中音准的训练是非常重要的一项内容。音准的训练包括音阶训练、单音训练、音程训练、和弦训练和视唱训练五项内容。

一、音阶训练

音准教学的第一步是音阶的训练，我认为采用练耳和动作相结合的方法，形象地教音阶是十分有趣的，这里介绍几种教学方法：

1．柯尔文手势，

柯尔文手势是通过摆放手的不同高度的位置训练音阶。这套手势是1870年

由英国人约翰·柯尔文首创，用于音准训练效果非常好，是很有价值的教学技巧。柯尔文手势包括7种不同的姿势，各自代表着音阶中的固定的某一个唱名，并通过在空间所处的不同高低位置，显示音阶中各音之间的高低关系和调式音级倾向性。

手势的说明：“dou” 手放平，掌心向下，放在腰部。

“re” 手放平，掌心向下，放在下肋部。

“mi” 手放平，掌心向下，剑突部。

“fa” 手向下，掌心向里，胸部。

“sol” 手放平，掌心向下，颔部。

“la” 手放平，掌心向下，鼻子前。

“si” 手向上，掌心向上小学音乐论文，额前。

“dou” 手放平，掌心向下，头顶部。

在这个手势中只有“fa”手向下，掌心向里；“si”手向上，掌心向上，这是由于“fa”和“mi”之间为半音关系，所以“fa”向下靠近下方的“mi”音；“si”为导音，具有向上方“dou”音进行的强烈倾向性，所以手势向上。其他的音级都是手放平，掌心向下，比柯尔文手势更加简单、易记，需要注意的是一定要把手的高低位置摆放准确。使用这套手势不仅可以训练音阶，还可以训练单音、音程、和弦的构唱、简单的视唱等。

2．参照达尔克罗兹的体态律动学训练音阶

这种方法更像做游戏。具体方法是这样：让学生们排成一排攀登一个想象的具有8格梯级的梯子，每个梯级就相当于音阶中的8个音符期刊网。教师就用这8个音在钢琴上即兴弹奏，例如教师弹出“la”音,学生们就可以向前走6步并唱出这个音，这是上楼梯，如果教师接着弹“fa”音,学生们要向后退2步，下楼梯。通过这个练习也可以让学生们了解音阶中音级的位置和关系。

还可以把学生分成7人一组，每个人分别担任音阶中的一个音，按音阶顺序排好位置，当教师弹“re”音时，任“re”音的学生必须向前走两步并唱出这个音。照这个方法反复练习，当学生熟悉自己的位置和音高后可以不必向前走，直接唱自己的那个音。这个方法还可以继续深入，如教师不弹琴，而是指到哪位学生，那位学生就迅速的唱出自己担任的音高，教师甚至可以按节奏指挥学生们唱出简单的熟悉的歌曲或正在学习的视唱曲，这个游戏练习使学生们亲身参与，精神高度集中，充满乐趣。

3．排队列

用这种方法可以练习各种音阶，如在学习五声调式中的同宫系统各调时，把

孩子们分成五个人一组排好队，分别充当五声音阶中的宫、商、角、 羽音，当唱C宫调式音阶时，由担任C宫音的孩子打头，合作唱出C宫调式音阶；唱D商调式音阶时，由担任D商音的孩子打头，合作唱出D商调式音阶；依次类推，这样，孩子们就在游戏中学会了C宫的同宫系统各调。其他的调式音阶也可以这样学习。

在整个视唱练耳教学过程中，音阶的构唱是无论处于何种程度的学生都要反复练习的重要内容，其重要性相当于器乐学习中的音阶练习，它是良好的调性感和音准的基础。

4．在教学过程中音阶的构唱也可以有多种形式。如：

（1）用不同的节奏、节拍来构唱音阶，

（2）可以空出一个音、两个音、甚至三个音来构唱。这样还能同时培养学生的内心听觉。

以上的练习还可以移到其他的调上做构唱练习，练习的多样化可以缓解训练的枯燥感。

二、单音训练

对于单音的训练要根据循序渐进的原则小学音乐论文，有步骤地逐渐加入不同的音级进行练习。如开始让学生听辨并构唱dou,mi.sol这三个音，在学生能快速准确的听辨出来以后，教师可以用这三个音弹奏采用不同的节拍，不同的旋律让学生做听辨练习，要求学生先用“a”或者“la”模唱，再用正确的音名唱出来教师所弹奏的曲例。

在这三个音级完全掌握好以后，再加入“re”和“fa”两个音级，和“si”音级，基本音级都掌握好以后再加入变化音级，练习的方法同上。教师在编旋律时要采用丰富的节奏型和尽量好听的旋律，或选取孩子们熟悉的儿童歌曲片段，使即使是简小的练习也充满趣味，引人入胜。

三、音程训练

音程训练的第一种方法是分辨不同音程的色彩对比。

在学习不同的音程时可以让学生们带着想象来听辨，比如在听二度音程时，有的同学说听小二度音程感到惊悸，听大二度时感觉也很提神，但是比小二度稍微平和一点，还有的同学说听二度音程想到了马戏团的小丑的形象，连续的二度音程还让人想到跳跃的袋鼠、机灵的小兔子……，每一种音程的色彩都是不同的，在学习这些音程时可以引导学生们想象不同的形象，这样不仅教会学生认识和听辨不同的音程，更重要的是让音乐带给学生想象的空间，这对学生学习和理解音乐有着重要的意义。

音程训练的第二种方法是采用短音阶和琶音搭桥的方法构唱或听辨。比如要唱re到sol这个纯四度音程，可以用短音阶re-mi-fa-sold的方法构唱；要唱dou到si这个大七度音程，可以用dou-mi-sol-si的方法构唱。

音程的训练除了传统的训练方法，还可以变换训练的形式。例如：

1．用手势训练法构唱音程。由教师用双手做手势。比如右手位置指示音程的冠音，左手指示音程的根音。学生分组，根据教师手势的不同位置唱出音高。

2．把学生分成两组，一组同学唱根音，一组同学唱冠音。练习时要按照和声音程来练，先练习一个音程的听辨，然后是两个音程、三个音程、四个音程……，唱时两个声部要互相倾听，既要唱准横向的声部旋律，还要注意纵向和声的色彩变化，通过这个练习既可以训练学生对音程的听辨与构唱，多个音程的构唱还可以锻炼学生的音乐记忆力，并且学生亲自参与教学活动会调动他们学习的积极性，活跃课堂气氛。

3．选取二声部的视唱曲来学习音程，还可以选择一些中外优秀的带有二声部的歌曲如《纺织姑娘》、《深深的海洋》、《红河谷》、《七色光》等等这样的歌曲让同学们分声部演唱，体会不同音程的色彩和丰富的变化。

4．音程的进一步学习可以引导学生们进行创作。方法是由教师给同学们一段旋律（可以是几个小节，也可以是一个乐段），学生用所学过的音程为所给的旋律配根音，教师在训练开始应选择简单的、四分音符和二分音符多的旋律，以后再逐渐增加难度小学音乐论文，学生编配写好以后可以演唱出来或者在钢琴上演奏，也可以在其他乐器（如小提琴、长笛等）上演奏，甚至可以两个同学各演奏一个声部，演奏时倾听音响效果，大家共同修改，使作品更加完善。创作练习会使学生更加主动地去学习乐理知识，是对学生综合能力运用的考验，作品的完成还会大大增加学生学习的信心和成就感。

四、和弦的训练

1．听辨和弦性质

听辨和弦性质，包括四种三和弦和四种七和弦的原位及转位。根据它们各自不同的色彩，分辨出是哪一种和弦。比如大三和弦的原位及其转位和弦听起来协和，而且色彩明亮；小三和弦的原位及其转位和弦听起来也是协和的，但色彩暗淡，柔和；增三和弦的原位及其转位和弦由于包括了增五度这个不协和音程，因此听起来不协和，有向外扩张的感觉；减三和弦的原位及其转位和弦由于包含了减四度音程这个不协和音程，听起来也不协和，有向内收缩的紧张感。

2．构唱和弦

（1）构唱和弦的原位及转位。

（2）构唱相对两个和弦中有一个音不同的和弦。如：dou-mi-sol到dou-mi-la，再唱dou-fa-la ……,依此类推，用这种方法分辨和弦间的细微差别期刊网。

（3）用和弦的结构来构唱和弦。例如：唱减三和弦的六和弦，根据它的结构是小三度+增四度音程，可以在任何一个音上作构唱练习。

3．分析和弦

和弦的练了听辨、构唱以外，还可以选择一些典型的、包括所学和弦的合唱曲目中的片段来进行分析。在分析时，首先要了解作品的作者所生活的时代背景，及其音乐作品要表达的思想内容，音乐情感，以及其他的音乐要素，然后进行和弦分析，最后进行分声部演唱训练，体会不同和弦的色彩变化，使视唱练耳的技术训练与音乐作品的艺术性相融合，唤起学生的求知欲望与对音乐美的追求，激发起他们对音乐的热爱。

五、视唱训练

视唱训练也是使儿童获得良好音准感觉的重要途径。

1．视唱曲目的选择要循序渐进，可以根据所学习的音程来选择典型视唱曲目，如先唱以级进为主的旋律，再唱包含三度、四度小跳音程的旋律，最后再选择包含大跳音程的旋律进行练习，视唱前可以让儿童先找出并用记号画出来所学的音程，有目的地练习。

2．要尽量选择儿童喜欢、熟悉的歌曲或者中、外国优秀曲目来进行练习，唱词和唱谱相结合。儿童唱会以后，可以让他们有表情的演唱和背唱，在感受到音乐美的同时，获得所学音程的感觉。

3．为了激发儿童练习的兴趣，练习视唱的形式可以多种多样。如齐唱、轮唱、分组唱、部分小节默唱、背唱等。背唱时要求他们要音高准确、节奏准确、分句清晰准确、发音尽量优美，像小歌手一样有表现力地、动情地演唱，把乐曲的感情化为自己的心声。当他们在完美的演唱时，自身会得到美的享受小学音乐论文，同时产生成就感，激发他们学习视唱的动力。

六．利用多媒体进行训练

21世纪的教学形式更加多样化，利用多媒体进行视唱练耳教学已经是很普遍的现象了。一些视唱练耳软件的功能非常强大，教师可以选择适合的软件进行音准专项练习。比如有的孩子需要加强和弦的听辨，电脑可以播放各类和弦，他听后进行正、误的选择，如果选择错误，电脑会及时地纠正错误，给予评分。儿童也可以在课下自己做练习，这使得学习更加方便、更有效率，而且儿童利用教学软件进行练习会增加其学习兴趣，变被动学习为主动学习。

“兴趣是能力的源泉”。作为视唱练耳教师，绝不能把音准训练硬向儿童灌输，一定要从感性训练出发，注重学习兴趣的培养，激励和调动儿童的学习兴趣与欲望，通过多种形式和手段，营造轻松的学习环境，活跃课堂气氛，使他们的学习变消极为积极，变被动为主动，提高音乐素质。

高级讲师，2006年—2009年在东北师范大学音乐学院攻读视唱练耳教学与研究

方向硕士学位， 现在主要研究方向是视唱练耳教学。

第2篇：音乐学习论文范文

1.1音乐游戏的融入能够促进小学生身体协调能力的增强

在以往的音乐课堂教学中，大多数的时候是采用老师传授，学生被动学习的教学方法，这就在很大程度上限制了学生的自主能动性。而在音乐课堂上加入音乐游戏的元素，可以使得小学生可以通过各种音乐活动来促进自己的身体协调性的加强。正所谓儿童的天性是好动的，三四岁的幼儿听到好听的音乐就会手舞足蹈，但随着他们年龄的增长，这些肢体语言会在不知不觉中减少衰退。特别是现在的小孩子，由于大部分是独生子女，在家中就什么事都有父母包办，简直是衣来伸手，饭来张口，并且也不注重身体锻炼，大部分的时间是在电视机和电脑面前度过，这就造成了小孩子出现身体协调性差的现象。但在音乐教学中，使用音乐游戏的教学方法，不仅可以通过多种多样的音乐游戏来促进学生身体协调性的发展，还可以锻炼小学生的肢体配合能力，促进实践能力的加强。

1.2音乐游戏的融入能够使小学生的集体意识得到加强

当小孩子在游戏时，是最容易形成合作意识与朋友关系的时候。在游戏中，小学生会有一个共同的目标，这就会使得同学之间相互交流自己对游戏的想法，并且采纳别人合理的意见，从而形成共同努力的局面。因此，在音乐课堂上进行音乐游戏的教学，能够培养好学生的团体协作能力及人际交往能力，使学生形成集体意识，达到合作要求。

1.3音乐游戏的融入能够使枯燥的乐理知识变得生动有趣

音乐课堂和其他课程的课堂是没有什么区别的，在音乐课堂上，音乐教师需要向同学们讲解一些乐理知识，这些乐理知识对于小学生来说是枯燥乏味的，并且讲解起来也是有一定难度的，这就使得老师在上课时对于这些乐理知识无从下手，学生也很难接受并了解。所以，将音乐游戏带入音乐课堂后，可以将相关的乐理知识带入游戏中，使其学起来不再枯燥乏味，变得生动有趣，易于接受掌握。

2将音乐游戏融入小学音乐教学课堂中需注意的事项

2.1音乐游戏的设计要注重符合小学生的身心特点

在小学阶段的学生，正是处于蹦蹦跳跳的年纪，也是他们身体快速发展的一个重要阶段，他们的身体内部随着年龄的增长逐渐趋于成熟，个子越来越高，身体也越来越结实，大脑的思维系统也随之不断完善。并且从另一方面看，学生的认知水平也在不断提高，思维能力在不断加强，情感的表达逐渐清晰丰富，但低年级学生情绪不稳定的现象时常发生。所以，音乐老师在设计音乐游戏时，要考虑不同年龄段学生的心理情况与身体素质，因材施教地加强不同学生的音乐审美能力，让每个学生能够在游戏中放松自己，在游戏中宣泄情感，在游戏中学到音乐知识，加强自己的音乐审美能力和提高音乐素养。

2.2音乐游戏要以音乐教学为指导并服务于音乐教学

在小学音乐教学课堂中，音乐游戏的设计并不是随随便便的，其需要以音乐教材为依据，根据不同的教学内容和不同年龄段学生的综合能力来设计。因此，具有一定的目的性。同时，在音乐游戏的编创上，还需考虑到这个音乐游戏能否满足教学的需要，学生是否能够通过这个音乐游戏来感受音乐的妙趣，加强自身听辨音乐的能力以及掌握好音乐知识的能力，是否能够达到进行音乐教学的目的，所以说，音乐游戏要注意服务于音乐教学，从而促进教学课堂效率的提高。

2.3音乐游戏要以音乐为元素来展开活动

音乐作为音乐游戏中的基本要素，是设计音乐游戏过程不可或缺的重要内容。音乐游戏的设计必须要有音乐元素的参与，才能达到音乐教学的目的，所以，音乐游戏的开展要围绕音乐中的各要素来进行。这样才能够使学生在游戏过程中学习音乐，了解音乐，掌握好音乐知识，感受音乐的流动、旋律的起伏、节奏的跳跃、音色的转变以及速度的变化统一，并使得学生能够随时根据音乐的变化起伏作及时的反应，进而使得音乐课堂内的学习变得更加的生动活泼，更易于学生掌握。

2.4音乐游戏要依据不同的教学内容贯穿在音乐教学中的各个环节

音乐的教学内容并不是一成不变，音乐游戏也不是单一的。在不同的音乐教学的环节放入不同的与之相适应的音乐游戏会使得音乐课堂上的效率达到事半功倍。例如，将音乐游戏放在教学课堂的导入环节中，能够创造一个良好的学习意境，提高学生的学习积极性和注意力，让学生能够放松心情，全心全意地投入到音乐学习中。因此，在不同的教学环节中，使用合理有效的音乐游戏不仅能够提高课堂效率，还能够促进学生自身能力的加强。

3结束语

第3篇：音乐学习论文范文

一、初中音乐课堂流行音乐教学的现状

首先，受到传统的音乐教学理念的影响，学生在课堂上学到的都是古典音乐和民族音乐，教材的内容就决定了流行音乐很难融入课堂教学。教师在教学过程中，很少教学生学习流行音乐。就算学生有类似的想法也会被扼杀在摇篮之中。其次，教师的教学理念十分传统，对流行音乐有一种偏见，认为流行音乐没有展现艺术性，演唱缺乏科学指导，流行音乐的旋律和歌词也没有古典音乐正式，那样振奋人心。因此，很难将流行音乐贯穿到音乐教学的过程中。最后，初中生学习流行乐的热情没有那么高，教师对流行音乐不了解，在教学过程中没有采取正确的手段对学生进行引导，会导致学生对流行音乐的理解偏差，在一定程度上影响学习的积极性和创造性。

二、流行音乐引入初中音乐教学课堂的重要性

（一）激发学生的学习兴趣

由于社会的发展，很多学生在很小的时候就听流行音乐，流行音乐在他们的心中已经有了一定的分量，这对引进流行音乐有一定的帮助。流行音乐在当今社会的传唱度比较高，音乐形式新奇，对初中生来说是一种全新的体验，接受起来也比较快。教师在将流行音乐引入初中教学的过程中，要进行合理的筛选，选择有积极健康的音乐元素的曲目，提高教学的质量，不断激发学生学习音乐的兴趣，挖掘他们的音乐潜能，让学生在学习流行音乐的过程中，不断提升主观能动性，充分提升学习音乐的积极性。

（二）提高学生的音乐素养

传统的音乐教学过于死板，教学模式单一，学生长时间受古典音乐等音乐形式的影响，禁锢了思维的发展。流行音乐的引入，将学生带入了一个新的音乐体验模式，激发了学生的潜能，让学生从不同音乐视角去鉴赏艺术，在全新的领域充分发挥想象力，提高学生的音乐素养。

（三）促进学生的全面发展

在初中教学的过程中，音乐虽然不是重点的学科，但是对学生今后的发展仍然有重要的作用。在素质教育的背景下，社会发展需要的是全面的人才，音乐教育提升的是学生的艺术修养和审美情趣。音乐是一种艺术形式，长时间的音乐熏陶能对学生产生潜移默化的影响。健康的音乐能促进人的性格朝积极的方向发展，不断提升学生的素质。

三、流行音乐在初中课堂教学中的策略探讨

（一）创新教学内容

流行音乐在初中教学中有重要的作用，流行音乐的引入改变了传统的音乐教育形式，激发了学生的学习兴趣。教师在教学的过程中适当引入流行音乐的教学模块，能提高学生的鉴赏能力。创新教学内容的手段有很多。首先，教师要根据初中生的特点，结合他们学习的实际状况，尊重他们在音乐学习中的意见，在教学中尽量引起和学生之间在情感上的共鸣，不断地进行音乐上的交流，在讨论中增进了解，提升课堂的效率。其次，在学生学习音乐的过程中，教师要注重对学生的引导，音乐知识的学习固然重要，但更重要的是在学习理论知识的过程中，培养学生的音乐思维，让学生能够自主进行创作，对音乐有自己的理解，能够从音乐中获取情感意志，在以后的学习和生活起到积极的促进作用。最后，由于初中生年龄的限制，他们的思想意识还不够成熟，对是非判断的能力还比较弱。这就需要教师在教学过程中对学生进行积极的引导，尽量引入一些有积极意义的旋律和歌词的流行音樂，这样让学生在学习的过程中能够跟作者产生情感上的共鸣，被作者的积极一面所影响。

（二）选择积极向上的流行音乐

随着社会的不断发展，流行音乐的形式也在不断改变，流行音乐应用的范围也越来越广。将流行音乐引入初中音乐教学的过程中，教师一定要对教学的内容进行筛选，选择有积极意义的流行音乐，引导初中生从音乐中寻找情感共鸣，今后积极地面对学习和生活、通过曼妙的音乐，潜移默化地对学生的思想和行为产生影响，形成正确的思想观和价值观，让学生在健康的环境里长大。同时，教师在音乐教学的过程中，要充分尊重学生的想法，听取学生的意见。如果双方在流行音乐的理解和选择上发生分歧，教师要耐心听取学生的意见，不能独断专行，这样才能让学生在交流发展中形成正确的价值观，激发学生的潜能，促进学生的不断发展。

（三）科学设置课程，打造高水平的教师队伍

在初中音乐教育中引入流行音乐，不是取代传统的音乐，而是二者在交融中发展，流行音乐符合时代的趋势，传统的音乐对人的艺术性的提升更不能忽视。因此，在课程安排上，要进行穿插，以传统音乐为主，流行音乐为辅。同时要提高音乐教师的整体素质，改变对流行音乐的偏见，采用合理的教学手段对两种音乐形式进行授课，全面提升学生的音乐素养，促进学生的全面发展。

（四）结合多媒体进行教学

多媒体教学是全新的教学手段，利用多媒体进行流行音乐教学，将音乐通过多媒体播放出来，在吸引学生兴趣的同时，激发学生的学习热情，加深学生对流行音乐的理解，充分展现流行音乐的魅力。

（五）选择符合学生心理的流行音乐

不同阶段的学生有着不同的心理特征，精神需求也不同。初中生的年纪处于叛逆期，心理上容易受一些波动。这时候青春向上的音乐更加适合他们，可以激发他们学习的热情和对生活的积极性，这样的歌曲旋律欢快，情感真挚，没有复杂的感情，适合初中生。

（六）运用形式要注意

每一首歌曲的背后都有一个故事，流行音乐也是一样，在创作的过程中作者是注入了一定的情感的。因此，教师在教授音乐的过程中，要帮助学生了解音乐背后的故事，这样才能更好地与作者产生情感上的共鸣，才能更好地理解流行音乐的内涵。

第4篇：音乐学习论文范文

论文关键词：高校；音乐教育；创新；培养模式

目前我国的高校音乐教育，还存在着某些滞后的观念，这与高速发展的社会和日益更新的文化是极不谐调的。这种滞后与不谐调，使我们愈来愈深刻地认识到，转变和更新教育观念的重要性与紧迫性。

观念之一：重音乐技巧轻文化知识。

这种观念，有一定的历史背景。我们对高校音乐教育专业招生的文化录取分数稍加留意就不难发现，这种观念是其录取标准的“派生品”。尽管近些年我们已经意识到降低高校音乐艺术专业的文化录取分数的危害性，但由于历史的因素，社会上已经形成了一种根深蒂固的意识：“高校艺术专业录取的文化分低”。言外之意，考不上普通院校，考艺术院校。报考艺术专业是部分考生开启大学之门的一把“金钥匙”，是通向大学之门的一条“捷径”。抱有上述观念的学生在每年的师范艺术考生中占60％左右，其中一部分考不上其他专业的考生把眼光转向音乐专业，从而日夜加班突击音乐技巧，以尽快实现大学梦。那么，其他40％的艺术考生呢，对音乐的热爱是真实的，同时文化知识也开始“滑坡”，但是他们并不担心考不上大学，原因不言而喻。不管抱什么心理，这些学生进入高校之后重音乐技术，轻综合文化知识，是必然的结果。

上述学生带着业已形成的观念进入高校后，尽管教师每天强调综合文化知识的重要意义，也很难从根本上改变这种先期形成的观念。从我们所了解到的情况来看，学生宁愿每天在音乐技巧上花更多的时间，宁愿在音乐技巧上投更大的“资“，宁愿在音乐技巧上吃更大的苦，也不愿在综合文化知识的学习和提高上下功夫。因此，原本进校之前文化知识水平就较低，进校之后，对英语、大学语文、大学心理学、哲学、艺术概论等课程，又如何能学进去、学得好?某高校音乐系在每年文化考试中，尽管考前均采取强硬的杜绝考试作弊的措施，但每年仍然有不少学生抄袭、作弊，领导、教师对此感到非常棘手。但仔细分析就会发现这是一种必然的现象。音乐专业的学生，录取时文化课的分数均在不及格甚至更低线上，进校后学校又不单独为这些学生补课，这样的文化基础要想考及格，只有一条路——作弊。

观念之二：重音乐技术轻音乐理论。

学生的具体表现：对音乐技术学习有直接作用的课程感兴趣，对基础理论课，如史论、音乐美学、和声、配器等课程均不感兴趣。有些课程即使在教师的严格要求下学生被动学习，也不能真正深入进去。学生们认为，这些课程与所学技巧并无太大的关系，这些课程不能帮他们在毕业后“谋生”。加之教师强调某些专业技巧课的重要性，从而使学生把越来越多的时间和精力投入到年复一年、日复一日的技巧练习方面。

即便是有些学生对某门音乐理论课感兴趣，但他们并没有意识到，仅有纯音乐技术的提高，而没有音乐理论水平的提高，是不能促进音乐全面素质的提高的。二者之间是相互促进，缺一不可的辩证关系。因此，往往造成音乐技术与音乐理论学习的失衡。实质上这种失衡对高校音乐教育专业培养目标会产生潜在的影响。

观念之三：重视本专业轻视相邻专业。

搞声乐专业的学生买歌曲集，搞钢琴专业的学生买练习曲，搞小提琴专业的买小提琴练习曲。

总之，从部分音乐专业的学生购书、借书、存书这一侧面，就会发现一个问题，即有多少学生在学习自己专业的同时又注意学习相邻专业知识?“学好本专业知识，考出一个好成绩，就算是一个好学生。”这是我们目前高校音乐教育专业培养人才的现实标准，这是一个无奈的标准，因为在学好本专业的同时，又学好相邻学科的知识是一个高级的目标，是一个对大多数学生显得过高的目标。学好本专业是一条通向事业成功道路的独木桥，一些学生的思维往往被限制在狭窄而封闭的空间，他们意识不到借鉴并学好相邻学科的知识，是音乐教育专业学生走向更高境界，向更深层次发展、研究、探索的阳光大道。

观念之四：重文本知识，轻实践能力。

首先，随着我国改革开放的深入发展，社会对人才的要求，已开始由以前的学历型、知识型转变为综合型、能力型。但由于在我们的教学内容中，音乐技术课，音乐理论与文化知识的选修课，几乎占据了90％以上的课时，而对学生的教育实习，被迫将以前的统一安排、统一指导的集中实习，变为个体自主、宏观指导的分散教育实习，使学生失去了更多的提高能力的机会。其次，对锻炼学生动手能力、动口能力、教学能力的艺术实践活动，有些院校并没有真正在教学活动中形成制度化、规范化。因此，高校音乐教育专业培养出来的一些学生“四不像”，“高不成，低不就”是可想而知的。根据调查了解，高校音乐教育专业相当数量的毕业生走上教学岗位后，因综合知识贫乏和艺术修养的肤浅，十分渴望重返校园。

前面所谈的几种观念，在高校音乐教育专业的教学中既有典型性又有普遍性，其中有教师的原因，也有学生自身的原因，但根本的问题还在于我们对陈旧教育观念的承袭。只有观念的转变，才能有教育创新。要改变高校音乐教育的现状，必须在人才培养模式上做到以下几个转变。

其一，由单一型、封闭性向开放型、综合型人才观念转变。即由只注重音乐技巧，仅从音乐本学科接受知识，转变为以音乐为主、多学科吸纳营养。只有如此，才能培养学生的综合文化素质，提高学生的艺术品位。任何艺术，虽然都有技术、技艺的成分，但纯技术永远不可能成为艺术，因为艺术问题首先是人生问题，艺术是一种人生观，艺术式的人生才是有价值有意义的人生。培养音乐人才只有注重培养学生的艺术化的人生观，才能真正洞彻艺术的奥秘，只有深入理解人生，深刻体验生命，才能理解和把握艺术。生命、价值和意义是艺术的核心所在，文学、哲学(特别是生命哲学)、历史是熔铸智慧、通向艺术殿堂的秘密所在。

其二，由技能型向思考型、理论型人才观念转变。即摆脱艺术院校人才培养模式，从机械的技能练习，转变为思考式、思辨式、智能式的理论把握和理论指导，从而提高学生的理论素养和理论水平。

长期以来，高校音乐教育以传统教育学理论为指导，其结果造成技巧课机械模仿和理论课被动重复、记忆的局面。“从心理学角度来分析，技巧练习与其说是练习动作，不如说是练脑，即：练习对动作的控制。在练习中产生的表演动作的困难，究其原因还是大脑对动作的调节控制产生的困难，明白了这个道理后，在进行技能练习时，应展开积极的思维并分析造成演唱、演奏动作困难的原因，以聪明的大脑指挥来排除练习中的困难。”’。因此，教师引导学生学会运用科学的方法学习是至关重要的。著名教育家陶行知先生曾说：“与其把学生当作天津鸭儿填入一些零碎的知识，不如给他们几把钥匙，使他们自动地去开发文化宝库和宇宙的宝藏。”事实上，教师引导学生学会运用科学理论指导自己学习，应成为高校音乐教育的一条主线贯穿整个教学过程。因此，教师一定要深入了解现代学生的心理趋向和个性特征，善于激发学生的学习积极性，逐步使音乐专业的学生摆正文化知识与音乐知识、音乐技巧、音乐理论学习之间的关系，使其相互统一、相互促进。

当今时代，知识积累和知识更新日益加快，要想让学生在校期间学到将来工作所需要的全部知识，显然是不可能的。事实上，人们在工作岗位上所需的知识，绝大多数是在工作实践中重新学习的，在学校期间的学习只是奠定一个基础。联合国教科文组织总干事纳伊曼说：“今天所教的百分之八十、九十都应该放在科学方法论、教学方法、推理方法、收集资料的方法、从事实中做出结论以及分析事实和综合事实的能力上。方法比事实更重要。”激发学生内在的潜力，培养学生积极思考的能力和运用获得知识去解决面临的新问题的能力，培养学生善于选择、获取、吸收新知识和总结新经验的思想方法，这是高校音乐教育转变传统观念，全面提高学生文化素质和专业水平的最佳途径。

其三，由培养知识型、技巧型向培养能力型人才观念转变。即将学生对文本知识的把握转化为实际能力的提高。

培养学生的实践能力和参加社会活动的能力，为学生将来走向社会在综合素质和基本能力等方面做好准备，是高校音乐教育的又一项十分重要的任务。因此，艺术实践应规范化、系统化、多样化，新观念、新方法和新兴课程应纳入常规教学，而不应仅是某一学生或教师的个人行为。

第5篇：音乐学习论文范文

罗伯特?亚历山大?舒曼(Robert Alexander Schuman,1810-1865)是十九世纪上半叶欧洲浪漫主义艺术家之一。他一生创作涉及交响曲、协奏曲、室内乐、钢琴作品和声乐作品,而由短小乐曲连成的钢琴套曲及歌曲集中体现了舒曼的创作风格。作为一位集音乐创作与音乐评论于一身的音乐家,舒曼一直致力于用音乐表达文学内涵,用文学渲染音乐色彩,因此他的作品中时刻闪耀着“音乐与文学”交织的光芒。通过音乐与文学两种思维的交织碰撞,舒曼笔下的音符涌动出一个个鲜活的灵魂,诉说着舒曼对人生无尽的幻想以及内心的挣扎。如果说音乐评论文字下“大卫同盟”是舒曼双重性格的真实证据,那么其音乐作品中强烈多变的音乐情绪则是舒曼双重性格的情感体现。 《克莱斯勒偶记》作为一部音乐与文学融合的典范之作,无论是段落并置的作品结构、爱情主题(克拉拉主题)的贯穿、复调对位的写作手法,还是独具特色的音乐语汇,都鲜明地刻画出了笼罩在幻想与现实、情感与理智挣扎下的舒曼。

八个分曲并不是情节的解读而是意蕴相通,其渲染出的音乐情绪似乎将舒曼短暂的一生浓缩于其中,诉说成一部音乐的“传记”. 对于这样一部内涵深厚的音乐作品,演奏者需要具备的不仅仅是超凡的演奏技巧,更需要具备扎实的音乐修养和文学内涵,从而能够透过音符品味文学,通过文学感知音乐,通过各自不同的体验去内化一部音乐作品,从而在指尖流露出一种不仅忠实于作者、更能引起听众情感共鸣的音乐艺术。着名小提琴大师梅纽因曾说过:“演奏家的任务是什么?他处在作曲家和听众之间,把活的因素传给写在谱表上干巴巴的音符,把它们的生活脉动恢复起来。”因此,作为一名演奏者应明确一定的演奏理念,树立正确的演奏观念,完善良好的演奏习惯,用深厚的文学内涵和良好的音乐修养来支撑演奏实践。 第一章 《克莱斯勒偶记》的文学内涵-----舒曼精神世界的反射钢琴套曲《克莱斯勒偶记》创作于 1838 年的夏天,据记载,舒曼仅用 4 天便完成了创作,在这部堪称为舒曼“自传”的音乐作品中,其深刻的文学内涵究竟展现着舒曼怎样的精神世界是本章节论述的要点。

一、钢琴套曲创作的来源

(一)深厚的文学底蕴(舒曼精神世界的形成)---创作的根本因素

1、生长环境

因此在父亲的熏陶下,舒曼对读书写诗产生了很大的兴趣。在沿袭了父亲热爱文学的天性下,舒曼在中学时期曾组织文学社,研读德国古典浪漫主义作家的名着,并尝试写作小说、戏剧和抒情诗,展现出极高的语言天赋,并在 13 岁时就编纂了自己的诗集。在对知识的无限渴望下,舒曼还曾涉及到艺术、美学和伦理学的领域,不断地扩大着他对于生活和世界的认知与感受,因而由此奠定了舒曼坚实的文学基础。 2、人生经历 在舒曼 15 岁的时候,姐姐艾米丽由于难以治愈的身体疾病和由此产生的极度抑郁而自杀身亡。在 16 岁时父亲因无法承受丧女之痛继而离世。在父亲去世后,为了能够抚慰母亲,舒曼便按母亲的意愿前往莱比锡学习法律。但这并不是舒曼心中所向往的,因为早在中学时期舒曼就曾在研读文学之余组织业余的乐队,参与演奏、作曲和指挥,并擅长用钢琴即兴演奏,用音乐为朋友“素描”性格的肖像。在热爱的音乐和枯燥的法律面前,舒曼愈发感受到内心的压抑,曾经的聪慧与健谈已经逐渐被伤感和沉默寡言代替,在痛苦的思想挣扎下,舒曼最终还是放弃了法律的学习,经母亲的同意,转学到海德堡,开始了自己的音乐生涯。 面对来之不易的机会,急于求成的舒曼自制了能够随身携带的键盘模型,除了大量的正规练习以外,还见缝插针地使用这种机械器材练习,就是为了能够在音乐聚会中一展才华。但恰恰是这种生硬的、过度的练习方式断送了舒曼想要成为一名钢琴演奏家的愿望。在 1832 年,舒曼的右手肌腱永久性损伤,从此再未进行过公开演出。在精神上短暂的创伤后,舒曼仍坚强地坚持着音乐的梦想,最终将目标转向了音乐创作和音乐评论

第二章 《克莱斯勒偶记》的音乐特征---音乐与文学的交织与碰撞..........8

一、作品结构的模仿性 ...........8

(一)段落并置的结构特征.........8

(二)主题贯穿的写作手法..........8

二、音乐语汇的象征性 .........10

(一)不规则重音...........10

(二)节奏型的运用..........11

(三)和声...........14

第三章 关于《克莱斯勒偶记》的演绎探索.......18

一、演奏诠释 ...........18

二、不同的演奏版本 .............29

第四章 关于演奏《克莱斯勒偶记》的思考.........32

结 语

第6篇：音乐学习论文范文

想象是一种高级、复杂的认识活动，在人们的学习中起着重要的作用。爱因斯坦指出：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动进步，并且是知识进化的源泉。”在传统的音乐欣赏教学中，学生对单一的听老师演奏（唱）或放磁带录音感到枯燥、单调，这往往使学生在欣赏音乐时显得很被动，学生的注意力也容易分散，老师的教学也达不到很好的效果。而现代信息技术的运用，将抽象的音乐语言转化成形象生动的声像音画，充满美感的MIDI音乐、文字、图片、动画、影像等多媒体综合信息，能自然地调动起学生欣赏音乐的积极性、主动性，学生会在老师的引导下主动去感受音乐的力度、速度、情绪，学生在欣赏优美画面和音乐的同时，脑海里产生种种生动的想象，好像身临其境一般，并激发起了强烈的音乐表现欲、创造欲。在欣赏并教唱《天堂》这首歌时，首先，利用多媒体技术让学生欣赏绿毯如茵的草地，幽静深邃美丽如画的草原风光，并通过背景图片让学生充分了解了草原蒙古族的风土人情。欣赏那草原骏马的优美姿态，为学生营造了良好的视听意境。那空旷悠扬的草原音乐，那诗情画意的草原风景映入学生的眼帘。学生的心情也随之活跃起来，产生了丰富的想象力。学生边欣赏、边体验，感知音乐作品的艺术形象，接受潜移默化的艺术感染，培养了学生鉴赏音乐的素质。学生只有理解音乐，用音乐要素去掌握作品的内涵，才能激发学生的真实情感。学生的想象力是无穷无尽的，教师应在平时的音乐教学活动中因地制宜、恰如其分地为学生创设情景，引导他们多角度看问题、思考解决问题，培养他们创作和创新的能力。

二、与信息技术整合，可以充分调动学生的学习兴趣

音乐欣赏课上，经过多媒体视听技术处理的音像资料，而且能充分激发学生的主动性和求知的欲望，实现真正意义上的主动参与。如：在欣赏器乐合奏曲《森林的歌声》时，通过多媒体功能，屏幕中动人的画面与美妙的音乐交织在一起，把那些可爱的小精灵们，如：秧鸡、枭、山羌、飞鼠等与笛子、提琴、吉他等乐器一起奏响了奇妙的森林之歌，五彩缤纷的森林奇景，大自然中的真实音响和各种动物的鸣叫声，全部都展现在学生眼前，把学生带进了神奇美妙的森林中，使学生享受到大自然给予我们的无穷乐趣，在愉悦中增强了学生对大自然的热爱和保护意识，也激发了学生的欣赏兴趣。

三、与信息技术整合，可以充分激发学生的创造精神

运用多媒体技术进行教学，充分利用教师提供的资源、运用已学过的知识，充分发挥自己的想象力，进行音乐创作，在完成作业并体验到成功乐趣时取得最好的学习效果。这不仅使学生的才能和个性得以充分展示，而且提高了学生的音乐素养，更加激发了他们的创造精神。如，在教学生唱《爱我中华》这首歌曲的过程中，从培养学生的音乐素质及创新入手，让学生在充满情趣的歌唱、朗诵、游戏、创造活动中激发兴趣和表现欲望。在学唱前用多媒体直观呈现手段，播放了由著名歌唱家宋祖英演唱的《爱我中华》，这首歌曲让学生看到我们祖国日新月异的腾飞变化及五十六个民族大团结的民族精神，和各族人民载歌载舞、喜庆热烈的场面。同学们被这欢歌笑语所吸引着，引起了感情上的共鸣，拨动了学生的心弦，极大地调动了学生的积极性，同学们在愉快和谐的气氛中不但学会了唱这首歌，而且强化了热爱祖国的情感。利用信息技术辅助音乐教学，不仅提高了教学效果，更重要的是激发了学生的学习兴趣，使音乐教学得以普及，在普及中提高，在提高中发展创新。

第7篇：音乐学习论文范文

一般来说，人们都是有意识地学习知识，掌握其内在逻辑性，并利用所掌握的知识对身边的人和事做出恰当的反应，这是大家所熟悉的外显学习。其实在很多情况下，人们还会无意识地获得某种知识，我们把它称之为内隐学习。内隐学习是人们无意要学某种知识的情况下，能了解并利用这种知识。生活中内隐学习的现象随处可见，最典型的就是婴儿并不了解母语的语音和语法规则，却能在1～3周岁的短短几年内学会母语的口语，并应用自如。内隐学习的特征有自动性、抽象性和理解性，除这三种特征外，也有人提出了内隐学习的“三高特征”：高选择力、高潜力、高效性。高选择力主要是指内隐知识不依赖于当前刺激的表面特征，具有较高的迁移易化能力。高潜力指无意识领域蕴藏着巨大的潜力及无限的心理容量，在学习过程中表现出强有力的可塑性，具有很大的潜力。高效性是指通过内隐学习人们能更深、更快、更好地掌握知识、技能和方法。

由以上分析可知，教学中如果能充分调动学生的内隐学习机制，可极大地提高学生的学习效率，从而取得事半功倍的教学效果。而阅读教学中尤其可充分发挥学生的内隐学习机制，提高学生的阅读水平。

二 语文阅读体现的内隐性

阅读是一种心智活动，它需要智力因素和非智力因素共同作用来实现自我解读和感悟。阅读材料中的知、情、意都潜移默化地影响着读者，语文阅读教学所传授的信息寓于文本之中，因而其教学过程与理科的逻辑推理完全不同，它是呈现文本结构，激活读者潜意识积淀的知识和经验，引导读者自己与文本进行对话，具有很强的内隐性。

第一，无意识性。如今学生获取读物的渠道非常多，市场上的读物也是目不暇接，无须引导，学生就会凭自已的兴趣爱好选择读物。而且在阅读过程中，几乎每个学生都有自己独特的感受，并且这种感受不受意识控制，正所谓“一千个读者有一千个哈姆雷特”。可见，无论是从动机还是结果来看，语文阅读具有很强的无意识性。

第二，高潜力、高效性。有教育家提出，若要提高孩子的成绩，阅读能力的培养不容忽视。确实是，阅读具有高潜力、高效性，我们在阅读时，潜意识会参与其中，其巨大能量会随着阅读渐渐发挥作用，于是产生直觉、灵感和顿悟。另外，潜意识在特定的文本中遇到相关情境时会自动激活，使得读者能更深刻地理解自己所读的内容，于是就产生了阅读的高效性。

可见语文阅读的内隐性很强，所以在语文阅读教学中，教师应重视内隐学习，并充分发挥其积极作用。

三 语文阅读教学中如何应用内隐学习

新课标对学生阅读能力又有了新要求，要求学生广泛阅读名著，能初步理解、鉴赏文学作品，丰富自己的精神世界，在阅读中形成良好的语感，一个爱阅读的学生在学习上常常能应付自如。高效阅读离不开内隐学习，那么作为教师，在教学中如何应用内隐学习呢？

第一，扩大学生的阅读面，从而形成良好的语感。语感的形成是个日积月累的过程，其形成过程即是内隐学习过程。大量实践证明，丰富的课外阅读有利于语文学习，拓宽知识面，形成系统的文学底蕴，要想提高阅读能力，形成良好的语感，必须进行课外的大量阅读。因为只有尽可能多地阅读作品，才能聚水成河，用时可信手拈来。所以，在平时的教学中，教师应有意引导学生进行课外阅读，多读书、读好书，这样对提高课堂的效率是事半功倍的。否则，仅靠老师在课堂上灌，难以从根本上提高学生的阅读能力。

第二，重视学生个体的阅读体验。阅读是一种个体行为，它受到读者身心影响，也与读者本身的文学素养有关。教师在教学中可让学生自主阅读。让他们在教师无指令阅读任务安排下，与所读对象无拘无束地对话，以激活学生的想象力和感悟力，深化其对文本的理解并内化成自己的知识体系。《雷雨》一直是学生比较青睐的作品，学生尤对周朴园和鲁侍萍的感情问题颇有争议，有学生用“虚伪”来形容周朴园对鲁侍萍的感情，也有学生认为周朴园对鲁侍萍的怀念是真的，俗话说：“一日夫妻百日恩”，更何况鲁侍萍还为他生了儿子呢？更有学生认为周朴园对鲁侍萍是假的，有学生提出中庸的说法，认为周朴园对鲁侍萍的感情是时真时假……真是一百个学生就有一百个周朴园，学生的看法都有一定的道理，是他们自己的情感体验，作为老师应鼓励他们大胆设想，不能用非此即彼的分析束缚学生的思维，这样既可提高学生的阅读兴趣，又能培养他们探讨思考问题的习惯。

第8篇：音乐学习论文范文

摘要：声乐表演具有较强的艺术审美价值, 通过现代音乐美学研究, 分析音乐中的文化内涵和艺术表达, 能够更好的表现声乐表演带给观众的审美价值。鉴于此, 本文拟通过分析现代音乐美学对声乐表演艺术的影响, 分析声乐表演艺术发展趋势, 以明确现代音乐美学对声乐表演的启示。

关键词：现代音乐美学; 声乐表演; 艺术;

一、现代音乐美学研究对声乐表演的影响分析

(一) 音乐美学的现象学理论对音乐创作的理论指导

对于声乐表演来说, 优秀的音乐作品是声乐表演价值的一种体现, 因此, 也就强调了在声乐表演艺术中音乐创作的重要性。如何更好的进行音乐创作, 积极的利用音乐美学理论作用明显。上世纪初期, 现象美学开始萌芽, 自此现象美学理论被提出, 该理论一经提出就得到了音乐界专家的普遍关注, 且针对现象美学的研究也逐渐深入, 在很大程度上推动了现象美学的研究发展, 也进一步丰富了现代音乐美学的理论体系。从哲学角度上来说, 每一项事物都是两面性的, 因此现象学美学的研究同样遵循了哲学上的这一观点, 并分为主观和客观两个方面进行研究:从客观角度上来说, 其研究的重点主要是针对事物的本身特点;而从主观的角度上来说, 主要是针对人的主观意识为研究对象, 进而通过对人的感官体验和审美需求进行研究, 具体到声乐表演艺术中, 其研究的对象则主要是针对声乐表演艺术的观众, 通过对声乐表演的创新和技术提升, 达到声乐表演与观众之间的统一性, 满足观众视听审美, 这也是现象美学研究对声乐表演艺术质量的一种重要的衡量标准。那么对于声乐表演艺术中的衡量标准是什么?笔者认为应该是在对声乐表演作品、表演形式等方面实现与观众的共鸣, 满足观众角度的感官、心理、精神上的审美需求。

纵观我国声乐表演的发展, 从传统单一的声乐表演形式, 到经过不断的创新与发展逐渐成为一种形式多样、内容丰富的声乐表演艺术, 另外在现代美学研究中现象美学不断的进入我国的音乐艺术中, 东方音乐艺术与西方艺术实现了结合, 不断的丰富了我国声乐作品内容, 其创新发展的理论价值也更加增强。由此可见, 对于声乐表演艺术来说, 现代音乐美学中的现象学理论对于声乐表演艺术的观赏性、审美性具有较强的影响价值。

(二) 现象学音乐美学理论对声乐表演中“同一性”的解释

现象学美学的研究已经近一个世纪, 可以说现象学美学的研究也为音乐艺术带来更多的理论价值, 尤其是从音乐作品的创作以及声乐表演这两个方面, 其中在音乐作品创作中, 现象学为其提供了创作理论基础, 而在声乐表演方面, 现象学则为其提供了表演的艺术效果和表演目的。具体到对声乐表演的“同一性”问题上, 现象学音乐美学理论进行了特殊的解释, 具体如下。

众所周知, 声乐表演艺术主要是由表演者、乐谱、剧本三个部分组成。可以说, 这三个部分之间并没有直接的联系。具体来说, 声乐表演的表演者根据乐谱的内容进行歌唱和表演, 但是不同专业水平的表演者对于乐谱的演绎也会呈现出不同的表演风格, 因此观众的审美享受也会存在一定的差异性, 也就是我们所说的“同一性”问题, 针对声乐表演中的这一问题, 现象学美学理论进行了解释, 现象学认为在声乐表演中, 表演者可以结合自身的专业水平和对乐谱的创新, 用一种独特的方式演绎出来, 突破一成不变的乐谱演唱, 将乐谱的符号和音节进行创新, 编创过程中融合表演者的特殊风格, 而“同一性”问题也能够很好的避免。现如今, 现象学音乐美学理论对声乐表演中的“同一性”问题的解释, 已经被广泛的认可, 并通过表演者进行编创展现。可以说现象学美学理论的这一解释, 促使声乐表演艺术更加具有生命力, 表演形式也更加鲜活。

(三) 音乐美学中的释义学理论对声乐表演的美学影响

释义学是现代音乐美学的重要理论之一, 且对现代音乐美学研究具有一定的推动作用, 也是不断促进现代音乐美学发展的主要动力。释义学美学理论的研究, 主要是从客观的角度对历史进行解释, 在声乐表演中, 则主要是针对声乐表演的发展历程, 释义学于19世纪正式的融入到声乐表演中, 在声乐表演的过程中, 融入对音乐艺术历史的编创, 通过表演者、乐谱的演绎反映出某个阶段的音乐艺术, 可以说, 释义学在声乐表演中的运用, 促进了现代艺术和传统艺术的完美结合, 尤其是在传统音乐形式逐渐淡化的背景下, 释义学美学理论在声乐表演中的运用, 更加具有历史价值。

总之, 现如今, 很多优秀的音乐作品都多多少少受到了释义学理论的影响, 可以说音乐作品对于时代的表现力越来越强, 但是还需要注意的是释义学理论过于注重对事物表面的研究, 其研究深度不够, 对此20世纪初期伽达默尔进行了深入的研究, 并挖掘了音乐作品中更加深层次的艺术内涵, 例如某个音节和旋律所展现的音乐历史和年代, 进而更好的丰富现代音乐作品的创作符号。由此可见, 释义学理论对于声乐表演中音乐作品的内涵、历史等研究都有重要的理论参考价值。

二、现代音乐美学对声乐表演的启示

(一) 现象学音乐美学理论引领声乐表演的艺术延伸

从现象美学理论来看, 其注重对事物的全面发展, 因此声乐表演艺术的研究, 能够从现象美学理论中得到一些在客观和主观上的启示。

一方面, 有利于提高表演者的专业技术水平。对于表演者来说必须要不断的提高自身的专业水平, 例如音乐理论、基础知识等, 不断的扎实表演者的专业技术, 以便对音乐作品和乐谱进行创新, 更好的发现音乐作品的内涵魅力, 创作符合演唱者自身且独具特色的音乐作品。与此同时, 现象学音乐美学理论还强调对音乐的历史、文化内涵研究, 因此, 表演者在进行声乐表演中, 还可以提升自身的文化修养, 更加准确的表达音乐作品的历史性和审美性, 达到音乐作品、表演者与观众之间的审美协调。

另一方面, 有利于丰富声乐表演艺术的作品形式。同一种音乐曲目, 进行不同的演绎, 所展现出来的艺术形式也是不同的, 通过现象学音乐美学理论的启示, 可以不断的丰富声乐表演艺术的形式, 民族、美声、流行等音乐形式相互融合与创新, 对于丰富声乐表演艺术作品形式, 完善声乐表演理论有着重要的借鉴价值。

(二) 释义学音乐美学理论对声乐表演艺术的理论支持

声乐表演艺术不同于一般的语言艺术, 因此音乐作品所表现出来艺术内涵也具有其独特性。在某个音乐作品的演绎, 所要传达的音乐内涵往往不仅仅是音乐表面的意思, 还包括音乐作品创作、演唱者以及欣赏者的情感, 因此, 从现代音乐美学理论角度来看, 声乐表演对于音乐符号的呈现, 就不能够机械化的进行乐谱演唱, 还应该从释义学理论出发, 深度挖掘音乐作品内在的价值, 通过表演者对音乐作品的理解, 注入相应的情感, 这样演奏出来的音乐作品才更加能够走进欣赏者的内心, 赋予音乐作品从内而外的生命力。可见, 声乐表演艺术需要释义学音乐美学理论作为支撑。

三、现代音乐美学研究下未来声乐表演艺术的发展

(一) 加速声乐表演艺术历史文化与时代的结合

随着音乐文化事业的不断发展, 需要越来越多的音乐界专家和声乐表演者不断的开拓创新, 运用现代音乐美学理论, 创作出符合新时展需求的音乐作品, 提高新时期音乐美学的审美价值。现代音乐美学的研究, 不仅是对声乐表演艺术全面的创新, 同时也是对音乐历史文化、艺术内涵的一种全新解释, 可以说, 现代音乐美学研究在很大程度上加速了声乐表演艺术历史与时代的融会贯通, 无论是音乐作品、历史文化、表演形式, 都让音乐作品拥有历史和时代的双重角色, 这也是新时期、新思想、新理念的一种结合, 不仅丰富了声乐表演的理论基础, 而且强化了理论与实践的有效结合。

(二) 全面客观的看待声乐表演艺术

在未来的声乐表演艺术发展的过程中, 必须要针对现代音乐美学中提出的现象学、释义学等理论基础, 全面客观的分析和认识声乐表演艺术, 这也是声乐表演艺术未来发展的必然需求。具体来说, 可以从以下几个方面进行全面的认识:一是全面客观的认识声乐表演的主体。声乐表演者作为声乐表演艺术的主体, 其不仅是单纯的将音乐内容表达给观众, 更重要的是能够利用现象学理论, 充分的发挥表演者自身的专业知识, 不断的进行艺术创新, 满足观众的音乐审美需求, 达到情感艺术、审美艺术与音乐艺术的统一。二是注重声乐表演的实践过程。实现理论与实践的结合, 才能够更快的推进声乐表演艺术的发展, 因此, 在声乐表演过程中, 必须要紧密的联系实践, 将现代音乐美学理论融入到表演中, 突出作品的现代化风格和历史文化气息, 并在实践的过程中, 发现和补充音乐作品的不足之处, 并积极的借鉴西方先进的音乐理论, 用实践促进艺术发展。

(三) 充分的认识音乐作品的时代性和艺术性

时代赋予了音乐不同的艺术魅力, 因此, 对于音乐表演者来说, 就需要充分的认识不同时代背景下的音乐作品需求不同的角度对于音乐作品的需求也存在一定的差异性, 这就需要全面的认识到音乐作品中的创作思路和音乐作品所要表达的情感。综合多个角度和层次需求充分的认识音乐作品的时代性和艺术性, 正确的演绎和表达音乐作品。

充分认识声乐表演风格的时代性和艺术性。表演风格是音乐作品的另一种表现形式, 不同的表演风格能够表达不同历史内涵的音乐作品, 而且通过历史角度对音乐作品进行诠释, 然后再结合表演者的风格, 演绎音乐作品的内涵。需要注意的是在现代音乐美学研究下声乐表演的风格, 不仅要体现音乐的历史文化艺术, 同时还要融入时代的表演风格。

(四) 不断的追求声乐表演的创造性

在未来的声乐表演艺术发展中, 需要不断的追求声乐表演的创造性, 这种创造性也必须要充分的运用现代音乐美学理论, 并敢于对音乐美学理论进行深层次的研究, 例如现象学理论对声乐表演中观众需求的挖掘, 结合对现代音乐美学理论的认识, 进行艺术创新等。

第9篇：音乐学习论文范文

一、应时性

当前,随着音乐教育改革的不断推进,国家新制定的《音乐课程标准》和《艺术课程标准》非常强调音乐课的创新性、人文精神,关注音乐与相关文化的联系,同时在评价标准、教材编写方面变革了传统的教与学的关系,鼓励学生互动式、交流式、探究式学习。这些都对音乐师资提出了更高的要求:社会需要复合型、研究型的一线音乐教师。研究型教师需要能够掌握严格的哲学思辨、严密的逻辑推演、规范的学术语言、严谨的研究方法、善于按照自己选择构筑的问题域和确定的研究目的解决本学科当中的学术问题。然而,传统的音乐院校师生中普遍存在“重技轻艺”,即只强调技能技巧的学习而轻视人文素养和研究能力培养的问题。正如金铁霖老师在本书序言中所说:“由于多方面的原因,音乐院校的学生(除音乐学或有关理论专业外)向来有注重演唱演奏技能、技巧训练的传统,这是一个很好的传统。但是由于他们的人文学科理论根基还不够深厚和坚实,再加上缺乏自觉的文字功力的训练,使其在论文写作上常常难以驾驭,尤其是对学术层面上的研究。我认为,这是我们音乐院校学生中的一个弱点,它限制了我们在音乐研究与论文写作中前进的步伐,使我们难以超越自己而进入一个新的、更高的学术境界。音乐不是技术而是一种文化,音乐院校的学生不应将技术与理论对立,要使理论与技术之间统一起来。”

所以,在这样的音乐教育学科发展的背景潮流下,各个音乐院校的领导师生对培养科研创新能力这一问题日益重视。学校层面加强了对师生科研创新成果的认定评价与激励,如采取科研成果与教师晋升、学生保研毕业等直接挂钩的方法等。师生们普遍认识到了提高科研创新能力与论文写作水平对于个人实现与发展的重要性与必要性。此时,他们迫切需要音乐论文写作方面的全面指导。傅利民老师的《音乐论文写作基础》恰在此时及时出版推出,迎合了时代与社会的强烈需求。

二、全面系统性

诚然,近年来音乐学界的与学位论文所暴露出的问题已经引起了学界的关注,也有一些专家学者撰文指出,这些论文散见于国内的一些音乐理论期刊。如:武汉音乐学院的蔡际洲从音乐编辑学的角度发表系列论文指出近年来在编辑审稿过程中发现投稿论文所存在的选题、重复研究、材料运用、学术规范等方面的问题。《音乐中国》学社的周勤如也以多年编辑工作中发现的问题为例,以音乐学术通信的形式发表系列论文与国内音乐专业研究生探讨。这些论文都从某一角度提出了关于论文写作的一些很有价值的参考与建议。而傅利民老师所著《音乐论文写作基础》是在教学实践中不断总结思考的一部全面系统、具有教材性质的编著。正如作者傅利民在本书后记中所说:“自2001年至今,我在中国音乐学院音乐教育系教授音乐论文写作课已三届了,在长期的音乐教学与科研中使我清楚地认识到音乐论文写作课程在音乐院校学生中开设的重要性。然而,目前关于音乐论文写作的教材还很少。为此,我在教学中一边教学,一边撰写音乐论文写作教材,以便于学生的学习。从而,我拟定了该书写作的基本框架。”

从《音乐论文写作基础》的章节设计,我们可以看出本书是目前一部比较完整的研究与探讨音乐学术论文写作的论著。本书共分八章,第一章音乐论文的概念、类别及格式,作者分三节对之进行详细论述。其中第二节音乐论文的类别,作者依据不同学科、选题和研究目的,将音乐论文进行分类。“按学科分类,音乐论文可分为音乐学论文和音乐表演研究论文。按写作方法和文体属性分类,音乐论文可分为科学论文、评论性论文、论述性论文、调研报告、实验报告、教研论文、学位论文等基本类型。按科学研究的两个组成部分分类,音乐论文可分为创造性研究论文和整理性研究论文两大类。”每一种类别作者均给予清晰详尽的说明,并列出范文与点评。论文分类这一节,笔者认为是本书论述较为精彩的一个部分,它内容丰富;信息量大;体现了作者对于当前音乐论文写作现状的分析与思考;适应不同音乐专业方向的师生进行选择阅读。第二章音乐论文的必备条件,作者分三节详述了论文写作的科学性、学术性和创新性。第三章选题,作者分三节论述了选题的意义与原则、选题的途径与方法、课题申请书与开题报告的填写。第四章资料的搜集与整理,作者分三节向读者介绍了搜集资料的意义;搜集资料的方法与资料的梳理、筛选和使用等。第五章撰写提纲,作者分两节论述了撰写提纲的意义;提纲的基本内容与形式。第六章论点和论据,作者向读者详述了论点确立的过程及思维方法;中心论点和分论点;论点的表达方式;论点句的推敲;确立论点常见的问题。论据部分作者则论述了论据的类型与要求等。第七章论证,作者向读者介绍了五种常用的论证方法:道理论证,举例论证,归纳论证,比较论证,分析论证。第八章论文答辩及评分标准,作者分两节阐述了答辩的意义;答辩的程序与评分标准等。

通过作者的章节安排,我们可以清楚地看到本书详尽论述了论文写作从选题、资料搜集与梳理、提纲的建构、论点与论据、论证到答辩的全过程,并涉及到科研申报书填写及开题报告的写作等,足见作者这部教材性质的论文写作指导论著的全面系统性。

三、实用性和可操作性

正如作者傅利民老师在本书后记中所说:“在写作中,我力避空泛的理论漫谈和枯燥性,注重实用性和可操作性。”在笔者看来,作者在本书中从头至尾贯穿着一个理念即以解决读者实际需求为写作出发点,所以实用性和可操作性成为了本书另一个突出特点和优点。

首先,在本书中作者将平时科研工作学习的经验体会转化为实用指导性的论述表达,力求使读者在实际的科研工作中少走弯路歧路。如在选题的原则一节中,作者告诉读者:“选题时要根据自己的主客观条件,选择自己专业范围的、难易适中、大小适宜的课题。选题时,只有考虑好主客观条件,才能避己之短,用己所长,发挥自己聪明才智。比如,欲想对民族音乐进行研究,如果你从事过民族器乐的演奏,就可以从民族器乐理论的角度去研究定题;如果你演唱过民歌,就可以从民间歌曲的角度去研究,去定题;如果你曾经学过说唱音乐,就可从说唱音乐的角度去研究,去定题。只有扬长避短才能写出称心如意的音乐论文来。”而对于选题难易程度的把握问题,傅老师用篮球框的高度来进行类比。他说:“如果篮球框的高度设计太低,人人都能轻而易举地投中,这就失去了篮球运动的意义;但如果把篮球框的高度设计过高,无论怎样的高手,怎样努力,也不可能投中,这样也不行。论题的难易适中程度,正如目前篮球框设定的高度,让一般人不易个个投中,又让人经过努力训练,有可能成功。这个比喻贴切地论证了选题应难易适中的道理。”又例如在答辩技巧的运用一节,傅老师将答辩技巧总结为四点:1.简洁回答;2.领会主旨;3.平静谦恭;4.巧妙应对,提醒答辩同学注意。在领会主旨这一问题上,傅老师说:“面对主辩教师的提问,答辩人首先要全神贯注,并且要边听边记,防止遗漏,同时要沉着冷静地思考,仔细推敲专家提出问题的要害,了解所提问题的实质,分析质疑的指向,看是针对论点的,还是针对论据的;是针对论证过程的,或还是针对结论的,等等,千万不可弄错题意,否则将出现答非所问的尴尬场面。只有专注地听取主辩教师所提的问题,弄清问题的主旨,才能针对问题进行有效地回答。”书中这样的实用并具有可操作性的论述还有很多,每当看到这些文字,就仿佛一位经验丰富的学者老师在身边谆谆教诲,令学生受益。

第二,本书的可操作性还体现在傅老师精心选择的论文范例与切中肯綮的点评上,这些内容使书中大量晦涩难懂的学术创作理论变得易于理解。例如在音乐论文的分类一节中,作者将音乐实验报告定义为围绕某一音乐事项进行实验方法的介绍,讨论各种条件对实验的影响,描述、记录实验过程和结果的一种文体。实验报告通常由实验过程、实验结果、及分析构成。为了让读者更加直观清晰地了解这一文体的写作方法,作者全文引述了一个音乐实验报告实例:《一种符合中国学校音乐教育实际的视唱教学法“四同步视唱教学法”的实验报告》。文后作者附上点评:“本报告以实验为依托,具体报告了用手风琴左手伴奏、右手指点板书、指挥、范唱的四同步视唱教学法的实施方法与过程。文中提供了相应的数据与典型事例,并以简明的图表显示。尤其报告中运用相关理论分析,把实验结果与同类研究结果进行了比较,分析出优劣与得失,用实验结果回答了实验目的。材料客观,分析科学。”此范例与点评使读者对于音乐实验报告的写作不再陌生,音乐实验报告离基层教师的教学生活也并不遥远,只要在平时的教学工作中勤于思考、探索,视唱教学的改革也可以写出优秀的音乐实验报告。又如在论点句的推敲一节,作者提出分论点句应放在文章显眼的地方,语言清晰,句式明了。为了说明这一问题,作者把张学昕的论文《当代小说创作的寓言诗性特征》作为范例。该文的几个分论点是:一、解构时间:实现主体对现实的超越。二、象征营构:民间叙述与审美寓意化。三、戏访问本:寓言走向新的叙事空间。傅利民老师认为:“该文作者不仅追求行文的科学性和学术性,也全面地照顾了论文的形式美。该文的三个分论点,采用了相似的句式表达,字数相同,从视觉和听觉上首先给人以均衡对称的美,且表意准确,体现了学术论文的本质要求。”从这一范例不难看出,傅老师对音乐学术论文写作的要求是非常高的,论文不但应有创新的学术价值,也应具备行文的形式美,所以,作为一名音乐学术论文的创作者应不断提升写作能力给读者提供完美的学术成果。

四、鲜明的个性

傅老师作为音乐学界一位成果颇丰的学者,在本书的论述中也常常渗透着作者鲜明的个性,很多章节中的内容即是作者科研学习经历的直接体现。

在本书第三章中课题申请书与开题报告的填写一节,作者为了举出实例便于读者理解,更是无私地将自己2003年获得全国艺术科学“十五”规划立项的《课题申请书》全表与《斋醮科仪 天师神韵――龙虎山天师道科仪音乐研究》的开题报告全文引出,供读者学习参考。近年来,申报社科基金项目日益受到各音乐院校的重视,但如何申报,怎样才能填好课题申请书,并没有相关指导教材推出,而且出于对自己知识产权的保护,学界知识分子一般都不会向同行展示自己的课题申报书。当笔者看到傅老师全文出版的课题申报书的时候,由衷地感受到了一个学者的无私与豁达。而本书所附开题报告《斋醮科仪 天师神韵――龙虎山天师道科仪音乐研究》更是作者用实例手把手地教授读者如何写作课题国内外研究现状述评,课题研究的理论与实际意义;课题主要思想、观点与内容,重点与难点分析;课题研究方法、论文框架及写作进行计划;本人准备情况及前期研究成果、主要参考文献及有关资料等开题义项。

纵观全书,这是一部通俗易懂的科研工作实用指南。在当前的音乐教育背景下,它所拥有的优点与特点,使之成为一部能够给读者实实在在帮助的音乐论文写作教材。如果本书有机会修订再版,笔者认为本版《音乐论文写作基础》由于篇幅所限,有些论述之后没有例证,读者的理解常会受到影响,所以,再版此书时,笔者希望书中例证能够更为丰富典型,理论论述之后均能有恰切的例证与点评。另外,如能再版此书,笔者希望在音乐表演类论文的写作指导方面能够增加篇幅,毕竟在各个音乐专业方向中,他们的理论水平较为薄弱,是真正需要帮助而又渴望帮助的一个专业方向。

参考文献