绘画论文精选(九篇)

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第1篇：绘画论文范文

华多是18世纪法国罗可可时期的著名画家。他所创作的瓷器画样《海南岛的女神》，可以说是最能展现中国趣味的西方绘画作品。图中作者所刻画的海神一角虽然是法国女人的形象，但不管是从会话对象的服装造型还是绘画道具等方面，细节处俨然已融入了丰富的中国美学元素，从而使作品由内而外的宣泄出一种中国风情。除此以外，这一时期，在西方绘画领域，饱含中国情调的绘画作品还有很多，如佛兰德斯画家彼得布尔的《地球仪和豪华器皿的静物》、荷兰奥西亚斯贝尔特的静物画《盛在中国碗里的草莓和樱桃等静物》、荷兰画家彼得盖里茨凡鲁斯特拉腾的《有银灯和茶具的静物》、扬丹凯塞尔的《亚洲》等。总而言之，以表现中国题材或通过不同形式来表现中国情调的绘画创作热情在西方国家的广泛传播，很大程度增强了中国绘画在西方国家的影响力。

“中国特色”在西方绘画中的表现

中国的水墨风景画向来飘逸典雅、轻盈洒脱、它与众不同的创作风格也让众多西方画家为之痴迷。怀着对中国绘画强烈的仰慕之之情，他们竞相模仿，尽情发挥，甚至追逐中国画审美品位最终发展成为了西方绘画艺术领域的一种风尚。例如，1328年意大利政府邀请著名画家西蒙尼马尔蒂为锡耶纳市政厅会议室设计壁画。西蒙尼马尔蒂充分汲取了中国宋代以来建筑描绘中的写实手法，弧形的栅栏由近及远依次展开，远远望去犹如一道水波婉转悠长，在半山之间依稀可以看见星星点点的旌旗营帐，作品给观众呈现出了一幅淡然空旷的大自然景观，笔墨间无不凸显出中国特色的创作风格。

收藏在锡耶纳绘画陈列馆的《海中的城堡》，更是富于中国画技的一幅风景画。整幅作品的画面空间并不大，但画家巧妙的运用中国画创作位置错落、疏密相间、深浅映景的绘画技巧，极大的拓宽了画面的视界范围，使得作品呈现给观众的风景却是显得极为广袤。在画面的前景右侧坐落着一座逶迤挺拔的蓝色高山，紧挨着高山的左侧便是一片浅绿色的大海，山的蓝、高与海的绿、宽相对应，山变得更加雄伟壮丽，海则变得更加清澈辽阔。高山的右上方是一湾碧蓝色的湖泊，湖泊旁似有一丛丛树木在那里树立，画面被作者无限的延伸至飘渺的远方……不禁给观众带来了无尽的联想。这正是体现出了中国水墨画的意境之美，可以说是一幅吸收了中国传统绘画美学精髓的杰出作品。

西方绘画一向看重形的塑造，要求客观真实的描摹物象，尽可能逼真的再现物象的形态。因此，西方绘画在创作时对色彩、几何大小比例等的要求颇为严格。形象、逼真是西方绘画创作的最终目标。然而，中国绘画理论却是将美学的最高境界定型为神韵的艺术表现，而对形的塑造则并不是太重视。在中国绘画家们看来，“形”只是肤浅的外在客观描述，而“神”却是发自于绘画作者自身的一种主观情感表达，是深挖于事物表象、对事物内在涵养、品质、精神等的呈现。由此可见，中西方绘画在审美理念上存在着严重的分歧。随着中国绘画在西方国家的广泛传播，“传神”的美学思想精髓逐渐渗透于西方绘画创作中，使得西方绘画越来越多的富有了中国特色。例如：俄国著名画家安康萨弗拉索创作了《乌鸦归巢》图，这幅作品被俄国公认为具有时代性标志的成功之作。它不同于以往绘画追求客观求实的创作风格，而是融入了中国画朴素隽永的笔法和抒情的格调，简单的蓝和白两色，却意味深长的描绘出早春时节那湛蓝如洗的天空和那洁白如雪的云朵，无不创作出唯美畅神的绘画意境来。除此以外，这一时期还有很多西方著名绘画作品也都无不展现出了中国画经久不衰的艺术魅力，如波列诺夫所作的《莫斯科的小院》和《杂草丛生的池塘》、希施金创作的《松林里的早晨》等等。

中国绘画传播为西方绘画的创新提供了精神营养

中国绘画就犹如一棵千百年来的古松，世界各国艺术家在它身上闻到了树脂的清香，触动到郁勃生命的涌流，中国绘画诱发了他们的艺术生命中朦胧昏睡的那一部分，使他们的审美心理结构受到一种苏醒后挑战性的刺激，致使西方一代艺术大师产生了强烈汲取中国绘画艺术营养的渴望。因此，与西方现代化的绘画相比，中国绘画所呈现出的视野更加开阔，绘画技巧也更加精湛，中国画的这些优良特质在西方传播的过程中，也为西方绘画带来了历史性的转折和创新，其主要表现在以下几个方面：

1.西方绘画家对中国绘画美学思想的的汲取

西方绘画大师在不断探索和学习中国绘画特色的道路上，对中国绘画的了解和认知越来越深刻，尤其是对于中国画讲求内在精神、气韵的传统美学核心思想，更是深有感触，赞叹不绝。它像一条纽带，把中国和西方的艺术联系在一起。法国著名现实主义画家华多在他年轻时曾认真学习和专研过中国的传统画法。因此，从他的绘画作品中，我们或多或少的可以感受到中国画创作的一些蛛丝马迹，尤其是他的《百戏图》所表现出的中国韵味最为浓烈。作品中的人物形象线条简约疏散却略带些写意性韵致，与以往西方绘画相比，其显然已摆脱了“形”的创作束缚，而逐渐向中国画的“意境”、“传神”美学思想靠拢。再如他的《发舟西苔岛》，画家为读者幻想出了一幅无忧无虑的爱情王国蓝图，美丽的苔岛上一群男男女女在那里过着纸醉金迷的逍遥生活，蔚蓝的大海映照着郁郁葱葱的树林，金色的霞光笼罩着整个海岸，画面烟波浩渺，到处弥漫着浪漫、诱惑与神秘的意蕴。人们在欣赏图片时，仿佛亲身走进了这一梦幻爱情国度，无不产生一种身临其境的感觉，而这正是中国传统绘画美学思想中所强调的“意境美”。

继华多之后，艺术家布歇也开始将目光转移到了绘画意境的渲染上。在他的绘画作品中，很大一部分都汲取了中国画的螺旋形构图和漂浮意象，从而使作品具有了明显的中国特色。例如他的《垂钓图》，在画面中一位面目慈祥的老人安静的坐在河岸边垂钓。河水清清一同将老人身后的两间中国式老房和天上的一轮红日倒影在水中。一个年幼的小孩为老人撑着伞，旁边的妇人目光凝视着水面，仿佛在思考着什么。一幅淡然幽静的中国式山水画呈现在观众面前。

在现代世界艺术绘画领域，中国画的“意境美”、“传神美”等思想已经被越来越多的西方绘画家所认可。美国画家惠斯勒在观摩了中国传统的水墨画之后，不禁对西方绘画进行了深刻的反思。他认为，美术不应该像西方绘画那样一味的“重叙事”，而应像中国绘画那样“叩出音韵”。他善于从中国画中汲取韵味来丰富自己的画作，因此，从他的《艺术家的母亲》、《瓷器公主》等多幅绘画作品中，我们都不难看出中国画浓烈韵味的存在，其画面意境让人心驰神往，极大的受到西方美术界的一致肯定。

2.西方绘画家对中国绘画造型艺术特色的汲取

第2篇：绘画论文范文

1布置形式单一

现代城市园林绿化设计越来越注重科学搭配和合理组合，不过因为花卉养护工作量较大、资金投入过高，一般不宜选择大面积栽植，所以花台和花坛依然是最为主要的布置形式。而这在园林绿化应用中就带来了花卉布置形式单一的问题，许多非常好的花卉应用形式无法得到实践检验，最后造成花卉群体效果无法得到全面彰显。

2应用范围狭窄

由于未能充分认识到花卉在园林绿化中的重要性，很多城市花卉的应用范围比较狭窄。现阶段，城市园林绿化中的花卉应用范围基本限定在广场点缀和绿地点缀2方面。不过，随着规划设计理念的改变，在许多城市中，花卉的应用范围开始变得广泛，绿地形式也十分丰富。尤其是近年来，以花卉地被的方式应用在城市主干道区域，取得了非常显著的景观效果。

3花卉品种单一

目前，城市园林绿化所应用的花卉品种相对单一，始终以几大常见品种为主。一方面因资金投入不够，不能将品种丰富的商业花卉全面应用到园林绿化中；另一方面因缺乏传统品种和乡土品种的应用经验，片面地认为这些“节能型”花卉毫无用处，所以就忽视了这些花卉品种，最终导致园林绿化中花苗严重不足，加剧了花卉品种单一的问题。

二花卉在现代城市园林绿化设计中的应用思路

1大力引进优质花卉

我国花卉品种繁多，包括观花类、观果类、观叶类。目前我国城市园林绿化设计中主要使用园林花卉，而且以观花类为主，例如玉兰、月季、桂花等。随着我国花卉育种事业的崛起，丰富多样、品质优良的花卉越来越多。通过到园林绿化水平较高的城市实地考察便可发现，其实许多花卉品种都适宜在自己城市的气候条件和地质条件下生长，这需要我们开阔眼界、拓展思维、大力引进。若是加以精心培育，必然能够将品种丰富的花卉广泛应用到自己城市的园林绿化之中。例如，千日红、羽衣甘蓝、矢车菊、百合、美女樱、金鱼草和凤仙花等优质花卉就适宜于沈阳市的气候条件。

2开发利用乡土植物因传统绿化理念的制约

当代城市园林绿化通常会忽略掉乡土植物的园林绿化作用。随着花卉品种单一问题越来越突出，对乡土植物资源加以开发利用，重视传统花卉的园林绿化作用，已经成为亟待解决的重要问题。传统落后的绿化理念下，传统花卉和乡土花卉无法和园林绿化中的花卉相媲美，并错误地认为这些花卉有伤大雅。从根本上来讲，乡土花卉在形态和色彩上丝毫不输于商业花卉，并且具有较强的生态适应能力，不仅能够全面降低园林绿化的成本，而且可以有效丰富园林绿化植物的品种。

3扩大花卉应用范围

目前，花卉在许多城市园林绿化方面的应用范围还比较狭窄，基本以小面积公用绿地栽植为主。实际上，城市中的许多场所都可以配置花卉，比如，人行道上的树池中，如果合理配置花卉，不仅能够覆盖地被，而且能够美化街道。在环岛绿化中，大量的花卉应用能够形成丰富的色彩对比，充分彰显花卉的群体之美。此外，在学校、医院等附近场所进行花卉合理配置，能够起到意想不到的绿化效果。

三结语

第3篇：绘画论文范文

在当前的中国农村，传统的田园牧歌生活在社会主义市场经济的浪潮下变得无比脆弱，大量的剩余劳动力出于利益目的向着城市进发，原本相对固定的熟人交际圈由于流动人动面积的增大逐步面临解体的尴尬窘境。在这种情况下，增进人和人之间的交际关系就显得尤为重要，而群众文化活动则提供了一个连接的纽带和桥梁，使得人和人之间的交流轻松化休闲化，为促进社会主义人际关系提供了一个十分便捷的平台。实际上，无论是在什么时代，人们都需要基于群体构建下的娱乐活动和交流思路。当我们从传统社会的低效率生产模式转向工业化大发展甚至是后工业的高效生产模式时，我们都可以感受到基于娱乐以及交流的框架对于个人能力的全面发展以及促进全社会和谐稳定进步的重要意义。群众文化活动能够对于一定程度上的社会娱乐和交流进行满足，对社会稳定起着十分重要的作用。

2基于文化价值体现的群众文化含义探索

在的学说当中，文化建设构建下所代表的层次是属于上层建筑的内容，是基于当前社会对政治以及经济构建下的一种集中反映，是人类在满足了基本生存条件下的更高追求。一个社会进行的文化主导就是对这个社会文化进行支配和领导的行为，从宏观角度来看就是一种策略的构建。在当前，我国的群众文化主导地位是通过有中国特色的社会主义得以体现的，也就是说，基于中国自身特点的社会主义群众文化引导着中国社会的精神文明发展，这也是中国特色社会主义的核心价值体系的建立来源。这种中国特色核心价值观的构建成分主要包括马列主义指导思想、中国特色社会主义的共同构建以及爱国主义教育为框架下的民族意识和民族精神以及三个代表、八荣八耻和中国梦构建下的社会主义发展观念。上述这些理论和观念支撑着我们国家的政治精神，也是对我国特色的文化支柱发展的指导依据。同时，正是上述精神支柱能够保证我国有能力也有勇气兼收并蓄，在多元价值理念以及多元文化进行发展的前提下坚守本心，不轻易被外力所左右的支撑所在。运用群众文化这一有力武器可以使得社会主义的核心价值观通过人民群众喜闻乐见的方式深入广大人民的生产和生活当中，引领整个社会的思想潮流，对全社会共同发展的思想基础进行充分的维护，这已经是当前社会各界的共识。有中国特色的核心价值观是我们国家灵魂的基础，也是我们国家意识形态上的灵魂之所在，这种价值观应该通过各种方式让全国人民所接受和掌握。但是如果使用传统原始的方式进行强行灌输和教化效果只会适得其反。毕竟，离群众越遥远，这种主体思想植根于人民群众的土壤就越浅薄。但是群众文化则可以充分的扬长避短，通过改变自己的方式，使得复杂而又严肃沉重的话题通过轻松有效的方式进行充分普及，策略性的利用群众文化参与人数众多、方式活泼不死板以及参与者身心愉悦的特点进行雅俗共赏的文化活动构建，寓教于乐，把主体思想和主导文化利用最高效有序的方式武装给人民群众，使其深深的植根于人民群众的思想中。在这样的基础之上，群众文化相对于主导文化来说，就可以利用自身特点，充分的发挥出自身的平台作用。

3结论

第4篇：绘画论文范文

西安，是一个古都，古城长安城，多少古今中外的名人为此地驻留，留下诗句，留下笔墨。这个城市，在世人眼里就像一部鲜活的史书，记录着中华民族的历史和沧桑。如今，西安进入了高速发展的时期，它展现给大家的是经济繁荣、文明进步的现代城市感，它用历史留给它的财富打造了全国甚至是全世界著名旅游城市。目前的旅游经济情况和游客情况显示，旅游业是西安经济的支柱产业之一，发展速度迅猛，旅游设施设备不断完善，吃住行游购娱全面配套发展，旅游服务质量也稳步提升，尽显现代化旅游文化名城的风范。这个古都为每一个游客的行囊都装的满满的，里面不仅仅是些景区的名字，更多地是文化的沉淀，可与此同时，西安的社会文化也在悄悄地发生着变化。

二、旅游带来的社会文化的积极影响

旅游活动给西安的社会文化的积极影响是显而易见的，不仅表现在对本地居民与外来游客之间的积极影响，而且还表现在为人类文化传承的积极影响，比如说肉眼文化的传承，兵马俑的震撼呈现，华清池的妩媚，更有精神层面的文化传承，西安民众对价值观的朴实感的积极触动。

(一)增进了不同国家、不同地区人们的文化交流来西安旅游的游客，外国人很多，不比现代化城市中旅游的人少，因为在马可波罗的游记中，曾这样记载着，把西安作为古丝绸之路的起点。这是多少外国游客慕名前来的理由，而当他们来到了西安，看到了古城墙，看到大规模的兵马俑，文化在交融。游客在旅游的过程中，在导游的带领下，难免会和当地的旅游经营者和当地的居民进行接触，在这过程中，文化就在交流，比如说西安很多的商家都会说各国的基本语言。旅游地的开放，促进了不同国家、不同地区的文化的交流，增进了不同文化的了解和理解，实现了不同地域文化互补的愿望。

(二)旅游者经过在当地的旅游活动，体验了当地社会文化，影响着旅游者的身心素质来到西安的游客的旅游目的，不仅是一览西安的旅游风景，还要体验民族地域文化，最典型的便是饮食方面。羊肉泡馍，肉夹馍，油泼面，裤带面等等，即使很多游客觉得味道一般，亦或是难以接受，但是总归给他们留下深刻印象，这便是当地的饮食文化，当地居民的喜好。曾经，在和出租车司机的聊天当中，他们当地人是认为米饭吃不饱，只有面条，能够管饱，有时一天就吃一顿早饭，就可以熬大半天，我们都觉得十分惊讶，并且我们让他带路，去了本土居民爱去的面店，吃面条，感受北方文化，体验南北方的差异，身心愉悦。在这旅游活动过程结束后，回到我们生活的地方时，能够让我的包容性增强，改变了某些世界观，另一方面提升我们旅游者的素质，促进了客源地社会文化的进步。

(三)爱国热情，保护历史，传承文化，来自心底的呼唤国内游客在没有到西安时，觉得兵马俑就是这么回事，电视上看到过很多次，觉得去不去无所谓，但是当你真正面对上千座兵俑呈现在你面前时，顿时被震撼到了，还有陕西省历史博物馆，游客在文物古迹中感受了中国千年的文化，民族荣誉感油然而生，对民族传统文化进行保护的观念顿时浮现，更是容不得别人对它们进行破坏或诋毁。这样的民族传统文化保护情谊得到了传播。

(四)民族风情和现代化元素的融合，体现社会文化的现代化为了适应新时代旅游业发展的需要，方便游客的出行，还有其他的旅游要素，各地的旅游直管部分纷纷向政府提议，加大旅游业投入，不仅是景区景点的改造更新，更多的是关注物质文化条件的改进。比如，在西安的大雁塔下，音乐广场的建造，大量的浮雕在灯光下若隐若现，这是现代人文景观，给西安的旅游增添了新的现代文化风采，同时体现了当地科学技术水平。又比如，景区景点直达公交车的出现，让游客在火车站，汽车站等游客集聚地能迅速的找到交通方式，方便快捷，很实惠。

三、旅游带来的社会文化的负面影响

旅游活动，同任何事物一样，是具有两面性的。旅游业的发展，或者说旅游活动给当地的经济、社会、文化和环境方面以积极的作用的同时，也对上述方面带来了一些负面的影响。如同此次“十一”黄金周一样，各大媒体争相报道著名景点的游客接待量，数字惊人，当然我们关注的不仅是数字，还有类似“垃圾海滩”，“垃圾山坡”等等不文明现象的出现，让一些对旅游抱有偏见的人士认为其在社会与文化中产生了消极的影响。主要体现在以下三个方面:

(一)民族文化味道越来越淡随着旅游业的发展，旅游接待地接待游客的开放，当地文化接受着外来文化的“入侵”，本土文化在渐渐被同化，这是一个普遍的正在悄悄发生的现象。在古城区的西安，除了城墙还屹立在提醒着人们你们所在城市曾经一个文明古城，其他时间，你走在大街上，看着全国各地都出现的品牌标志，无论吃穿用，都没有明显的差异，有时候你真的会突然懵了，我这是在哪个城市呢？回民街上卖皮影纪念品的有，但是制作皮影类纪念品的店家，却消失了，这些令当地人引以为荣的手工制造艺术品凝结着劳动者的智慧与创造力，被迎合消费者需求的加工厂，以其他加工方式，机械化批量制造了这些商品，且价格低廉，把传统手工业者逼的无路可走。异曲同工的还有文物仿真和伪造者，西安的兵马俑纪念品是特色之一，去游玩的游客，总要去带一两件回家，作为纪念，仿真品充斥着整个工艺品市场，随处可见。

(二)崇洋思想变重因为曾经提到很多外国的游客，和学者都十分愿意来到西安旅游，有些外国游客来自于发达国家，而我们国家正在发展中，中部地区经济相比东部地区的发展还略显的慢，面对来自经济发达国家和地区的富有游客，本土居民的自卑感和的思想会加重。有些人，过高评价西方社会，贬低本国社会的福利差，甚至谩骂中国的游客素质差、穷、小气，一味的去模仿外国旅游者的生活方式，这给当地的社会文化产生了强烈的不良反应。所以西安回民街上的商铺，看到外国游客，很愿意与他们交流，兜售他们的商品，而看过国人，热情度降低，甚至不愿意理睬。

(三)旅游活动还不同程度地破坏了当地的物质文化旅游地物质文化遗产被旅游活动破坏的原因，是来自于两方面的：一方面，开发了旅游景点，就必然会对景点周边的物质文化遗产产生影响，对居民生活产生影响；另一方面，就是游客在旅游过程中，不雅的行为给景点带来的困扰造成的。第二个方面的影响，是通病，存在于每个旅游景点，不仅国内，也有国外。早几年，是每到一处，都有人留下“到此一游”的字迹，甚为流行，而近年来是“垃圾战”盛行，对此行为保护的最厉害的景点之一，就有四川的九寨沟，武警官兵，每走几步路，就有一队列在你身边走过，监督你的行为，保护自然环境。可是，不是每个地方都能有这样的规模，受如此的重视，付如此的代价的。我们每个城市都依靠大量的环卫工人，来维持干净整洁的环境，每周末晚上，大雁塔的音乐喷泉结束，地下都有零零散散的垃圾，有意无意的，兴奋的，一时间认为只是一个纸团而已的。对于开发造成物质文化破坏，我们也很无奈，对于出土的秦始皇兵马俑，供众多游人观赏，无法保持它存放的温度和湿度，直接导致文化遗产的流失，显示了我们在这方面环节的薄弱，对物质文化遗产的保护不够。

四、总结

第5篇：绘画论文范文

然而，所有这些见道之言，却并未能引起人们应有的正视。因为，正如吴湖帆在生前的日记中所言，以他所过从的并世的一些“传统”大家，真正懂得传统之精义的，世不一二!这样，当大批不懂传统、误读传统的专家，控制了对于传统的话语权，对传统的弘扬，沦於束施效颦、南辕北辙的局面，也就是必然之事了。于是，而有了明清的文人画，尤其是野逸派是“表现”的、“先进”的艺术，唐宋的画家画是“再现”的、“落后”的艺术这样的传统观；有了以吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿为“传统四大家”这样对於20世纪中国画的总结性结论。

1995年，上海人民美术出版社出版了我的《当代十大画家》一书，而吴湖帆正是其中的一家。当时，北京有一位专家见到我，认为以吴湖帆作为“当代十大画家”之一不够格；我便问他谁够格？他表示应以石鲁替换吴湖帆。我当即表示怀疑：石鲁尽管有少量精心之作，但他的大多数作品都是精神失常情况下的渲泄，不免过于草率了吧?该专家竟说：“这才是表现的艺术!天才的艺术家就是与疯子只有一步之遥!”如果这样的言论，出之于一位“前卫”的青年之口，自不足为怪；然而，它竟是出之于一位“传统”的专家之口!

这里，不是要否定自徐渭、、石涛直至吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿和石鲁的成就。作为传统中奇文化的一格，毫无疑问，他们在中国画史上的成就自足以辉映千秋。然而，把仅具特殊性真理的奇文化传统作普遍的推广，显然是不可取的；把奇文化传统作为唯一的传统，并以此来否定正文化传统，更是不可取的。

出身于世代簪缨诗礼之家的吴湖帆深知传统的奇正之辨。所谓“奇正相生，循环无端”，从普遍性而言，只有立足于正文化才有积极的价值。因此，他尽管也十分欣赏奇文化，包括、石涛，但他个人的价值取向，则是更倾向于正文化的。这，从他的人品、画品，书品、词品乃至藏品，概可以反映出来，清真平和，堂皇典丽，一片雍穆气象，而绝去怪力乱神，狂肆怒张的酸颓落拓。

论他的人品，他的一生也颇多挫折，接二连三的打击降临到他的身上，一点也不比那些野逸派的画家轻微。再加上他的祟性，又是一贯的高高在上，不甘人下。然而，他却并没有丧心病狂地怨天尤人，愤世嫉俗，而依然恪守温良恭俭让的准则宠辱不惊。

论他的画品，虽由董其昌、四王的正统派南宗起手入门，但却以眼界之富，见识之高，不为所囿，进而取法唐寅，赵孟頫、郭熙等倾向于刻画的北宗风格。堂堂正正的千岩万壑、云泉掩映，严重恪勤的十日一水、五日一石，心平气和的惨淡经营、勾皴点染，气象高森的水墨丹青，金碧辉耀，一种人与自然相和谐的高华韵致，温文尔雅，足以使作者和观者愁烦中具洒脱襟怀，满抱皆春风和气，暗昧处见光明世界，此心即晴空青天，从而涵养人们对于美好理想生活的追求，化解人与社会的不和谐。

无疑，对于社会精神文明的建设，对于传统的弘扬，我们需要野逸派的奇崛风格，但更需要而且应该大力提倡，普遍推广的，则是如吴湖帆那样中正平和的艺术风尚。

第6篇：绘画论文范文

那么中国的艺术体系融合了儒、释、道的哲学思想，是在特定时期，特定的地域，特定的文明制度下产生的特有的艺术形式。在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。“外师造化，中得心源”是中国画创作的原则，师造化可以理解为：1、向古人学习2、向大自然学习其修成的正果由胸中抒发出来，变成自己的作品，这是形而上的内修外练的过程。庄子《秋水篇》云：秋水时至，百川灌河，径流之大，两涘渚崖之间，不辩牛马。于是河伯欣然自喜，以天下之美为尽己。庄子认为大自然山水中，天地是无穷大的，其他以外的事物再巨大都极其渺小，“不见水端”的北海在天地间就像“小山小木在大山”，四海在天地之间就像“礨空之在大泽”，这种“无穷的天地”时空转到今天来讲也是高深莫测的领悟，甚至可以升华为人们的精神世界里一种寄托。北宋画家郭熙提出了“三远法--平远、高远、深远”，“平远”类似于西方绘画里的焦点透视，从高处往低处俯视。“高远”是站在低处抬头看前方迎面而来的高大山峰。“深远”是借景步步移，层层推进，层层有奇景。都是由近至远地观察方法，这就说明中国古代绘画很早就研究“空间感”了。一副好的山水画，人看了会“身临其境”，融入画中，山水“造境”之法就是空间气氛的营造之法。

二、中国山水画的绘制是利用的散点透视

这跟西方的焦点透视观察方法不一样。古人创作山水画不像今天画画的人要提着画板，拿着纸笔对景写生，这太局部。他们不带任何工具，只是用纪游的方式到山中有眼睛观察，用大脑记忆。把大山中的特征，美好的事物默记于心，回家通过描绘一些草图创作出全景山水来。前面是一丛婀娜多姿的绿树，参差不齐地长在几处很有特点的土石之上，往后推移是亭台楼榭和小院，院内有芭蕉数丛，假山怪异嶙峋，周边有小桥流水围绕。走到园后是一片幽竹和树林，树林间瑞霭穿梭萦绕至山脚。中间层次是一座座山脉相连，苍翠雄浑，大山深处更有山居人家。最后举目眺望，层云浮动，远山若影若现，或高或低，犹若仙境。这就是借步移景法，空间的压缩，用自己的体会来表现大自然，提炼出其精髓，师自然不完全抄袭自然，将大自然的规律和法则融入心中，用笔墨展现出山川云野的博大。充分展现了我国古人对绘事的奇思妙想。在《芥子园画谱》中，树法的第一讲就是画出树的出枝空间关系，即“树分四枝”，古人称：画树必须分清阴阳相背，左右顾盼。我们可以理解为“前后左右”四个方向，用线条的穿插连断，来表现树枝的空间关系，精练凝重的线条经过墨色的浓淡变化，长短虚实变化，能概括出树与大自然的空灵感。李成《寒林平野图》中的松树线条勾得苍劲有力，墨色滋润饱满，将自然界所见的松树化腐朽为神奇，其造型“奇”而不怪，“秀”而不薄，树与树之间相互倚让，相互照应，表现出松树的劲挺多姿和旺盛的生命力。古代画家还把画石头的方法称为“石分三面”，跟西画不同的是，山水画只用“勾、勒、皴”表现出了石头的阴阳关系，西画则用“黑、白、灰”的调子不断塑造来完成。哲学可以根据客观规律归纳万事万物的势态及变化，科学是以严谨的态度来对待，中国画和西画

三、在特定的条件下就是哲学和科学的体现

这是“和而不同”。“树有穿插，石亦有穿插，树之穿插在枝柯，石之穿插在血脉。”这是画石大间小小间大之法，层纍取势即成大山。五代董源《夏日山口待渡图》将丘陵以大小相间之法叠画出了秀润华滋的江南山。这种一望无际的空间，恐怕只有中国山水画才能表现出无穷的魅力，这跟画家的蒙养和气度，阔达的胸襟相辅相成。“诗中有画，画中有诗”，中国古代的诗词歌赋也展示了空间的浪漫。唐代诗人王维提出画中要有诗的意境，诗里要有画的无穷景象，《鹿柴》原文：空山不见人，但闻人语响。返景入深林，复照青苔上。短短几行字，概括出了诗中山水画的大气局，使人构想出一幅林木深深的山中有行人往来，虽看不到，却容每个读者去想象的巨大空间。这个无形想象空间远比人们在现实中看到的美景要广阔得多，这么深厚的功力，没有几十年的积累是无法达到的，也体现了诗人在诗画方面的禀赋和灵气。同样，书法也讲究线条空间跌宕起伏的线条充满了无穷大的气息，篆书、隶书、楷书、行书、草书，虽然每种书体笔法形式不一样，但是其空间布白之理想通，它的用笔线条需要千锤百炼，追求的是圆、厚、润、畅，结体在严整的条件下，每一笔要用气来完成，笔断意不断。横、撇、竖、捺、折、勾是写字的基本笔画，当它们被气连贯起来形成文字的时候就会出现空间布白来。由此类推，每个字与字之间也会形成空间，即所谓的行气。所以一幅好的书法作品就有一种真气充盈，其阴阳布白是由气生成了让人舒坦的空间感。宋代米芾的《蜀素帖》很能说明其中的道理，线条的粗细长短变化体现出通篇文字的丰富感，顿挫使转的有力线条便产生空间气息，随意却不失章法，用高山流水之势直抒性情，大气、个性、有条不紊。由一笔产生出的千万笔，是时空转换的过程，万法归宗，归根还是一笔之气。《石涛话语录》第一章：画者，众有之本，万象之根，一笔也是一样，中国根深蒂固的哲学美学思想更多引用了老庄思想，将太极的阴阳辩证法运用到主观审美中来，一笔一个太极，即一个空间。

四、在绘画这个艺术大体系中

第7篇：绘画论文范文

关键词：传统的继承个性创造墨守成规

关于传统与创新似乎已是老生常谈。对它们的把握许多人容易在不知不觉中走向偏颇，重视一方面而轻视另一方面。有的“艺术家”研究了一辈子的传统也没有形成自己的风格，顽固守旧。不愿直面现实生活的美术家，他的审美观念永远得不到更新的机会，只能停留在陈旧和保守的基础上，他的艺术情趣因此也会显得与时代格格不入，也就谈不上创新了。也有的“画家”对传统的精华尚是一知半解，就忙着抢夺“观念”，标榜“创新”，常是在建立空中楼阁，“墙上芦苇根基浅”，经不起时间的推敲和考验，这两种人其实都走入了误区。传统是一定要继承和发展的，任何事物都有其产生发展延续的过程，个性创造、风格的形成是我们对艺术追求的目标，但只一味地继承或一味追求出新都不能真正形成自己的风格。

什么是传统？传统就是一种已经形成并对后世发生影响的东西。在艺术范围内，可以说传统是极为重要的，无论是东方的还是西方的，传统都在影响我们，因此我们必须正视和研究它。继承发扬有利于艺术发展的因素，清除掉阻碍艺术发展的因素，真正能吃透传统的应当是精神非常强大的人，他既不畏惧于西方现代艺术观念的涌入，也不非难各种对传统的批评。只有这样，我们才能够既吸收前人的养分，又不为之所困，始终以明智开放的心态去学习和创作，使我们的艺术更加饱满充实。

中国绘画从古典形态转变为现代形式，始终没有离开继承传统艺术的精神脉搏，只有这样，才能创作出真正有生命力的感动人的作品。有人主张完全摆脱自然和文化传统的束缚，也就是完全割裂传统的继承与开拓创造的关系。事实上这是不可能的，如果我们过于夸张个性，这种个性一定是单薄和短命的。我们从西方绘画史了解到：无论是野兽派、表现派还是立体派，不论其造型方法如何各异或者表现主观感受的程度如何不同，他们最终都有一个明显的继承脉络。

人类浩瀚的优秀文化成果就像展现在我们面前的山花烂漫的原野，每个人都可以根据自己的需要去采摘，从而发展自己的艺术风格。回顾整个中外艺术史，有哪位大师不是踏着前人的肩头向上登攀的？独创性总是相对而言的，历史上没有绝对的、凭空的独创性的东西。艺术史上所保留下来的，是一个个相互关联的环节，这些环节织成一张大网，每一种艺术品在此都有一席之地，这张网就是传统，没有传统也就没有创新。传统提供出一块坚实的平台，以便使艺术家向上跳跃，跳跃的结果构成另一高度，又成为下一跳跃的基础。我们判断一件作品是否有创造，也是基于传统框架下决定的。

我们更应认识到，开拓创造是艺术传统得以发展的动力，只一味墨守成规那是对传统作无意义的重复，更难言发展了。傅抱石先生曾说过：“时代变了，笔墨不得不变”。其意义就在于他认识到了传统的真正精神所在的同时，也认识到突破传统的重要性。正因为他的这种认识，才使他创造出了“抱石皴”，事实上传统在其发展的过程中，也包容了诸多逆传统而行的因素，才使传统变得愈加丰厚。中国水墨在其发展过程中不也出现过如徐渭、石涛、林风眠这些不守成法的艺术家吗？中国传统的精神历来是宽容创造鄙视守旧的。历史证明，守成型的画家多，开拓型的画家少，但美术史总是由开拓型的画家来书写的。

创新与传统的关系是艺术发展史上的一个永恒的命题。如何做到借古开今，既继承优秀的传统精神，又不囿于古人成法、陈法,这关系到艺术家的创造力、生命力以及个人努力探索等方面。人人皆知艺术要创新，从古至今的从艺者可谓众矣，然而真正能做到创新者的并不多。这与社会人文环境、画家个人秉赋等诸多因素都有关系，是一个综合复杂的原因。一个人在青少年时期就应逐渐培养对事物的敏感判断力和认知能力。如果这个时期不能使自己的感觉提升到一定水平，那么，艺术家的成年至老年很可能在其作品中显现感觉上的迟钝，表现出僵化保守。这就是有的画家一生都在画着同一个水平的作品的原因之一。有些大师如凡·高、高更虽然从事绘画较晚，但在此前他们一定具备敏锐的感觉，所以后来才有天才的发现。又如齐白石先生六十岁后的变法并不仅仅是陈师曾等人的提醒，关键是他具有敏感的艺术神经从而形成超常的创造力。一个艺术家如发展到高层次的感觉和感情的升华阶段，他可以靠敏感的直觉发现常人不易觉察的自然和内心之间那无限的丰富感，其艺术作品自然会表现出独到的新鲜感。

在人类文化史上，尤其是艺术史上，每一次艺术形式、意识、审美经验的嬗变都是一些具有“先锋”性质的创新者开辟了一个新的空间。西方艺术史上从法国的浪漫主义、印象主义、后印象主义、野兽派、立体主义、抽象主义均产生于对陈旧的艺术形式的扬弃。艺术作品的创作没有开拓、没有创新，作品的价值就会降低。艺术的开拓与继承并不矛盾，它们相辅相成，关键在于你的认识、你的选择。学习过程不仅是技艺的提高，而是艺术品位、艺术素质的培养。这样就有了一个高度，我们尽可以在这个高度上再向上攀登。

参考文献：

[1]鲍诗度.西方现代派美术.中国青年出版社，1993．

第8篇：绘画论文范文

我们大多是在幼儿园、小学里上美术课的时候才接触过绘画，但这还不能称其为对传统绘画的学习，只能算是对绘画的一种启蒙教育。但也正是这种启蒙教育，才为一些人将来走上专业道路打下了良好的基础。等到了初中，虽然也开设美术课，但是随着学习任务的日益加重，画画就成为了一些热爱绘画或将来想走专业道路的人的“专利”。在高中开设美术课的学校则更是少之又少。除非拜师学艺或到一些美术机构里学习，否则，直到大学，才会有继续系统学习绘画的机会。实践证明，要想在某一领域取得一定的成就，最初的兴趣起着很大的作用。教育要从娃娃抓起，所以加强对学习兴趣的培养是第一要务。从事绘画方面工作或爱好绘画的人，他们对绘画的兴趣往往也是从小时候培养起来的。如果一个人对一件事物不感兴趣，你还能指望他对此有什么更高的热情和投入吗？所以说，加强对绘画兴趣培养的确非常重要。在这里我不否认有一些学生出于某种考虑，选择报考专业性较强，或者是开设艺术类专业的院校，这其中不乏“临时抱佛脚”者，并不是从兴趣和爱好出发。但是，要想真正学好绘画，还真得加强对兴趣和爱好的培养。我们如何培养人们对绘画的兴趣和爱好呢？当然最好还是从小开始。然而，我们不能一上来向其灌输较为专业的绘画知识。试想，我们对一个四五岁的小孩子讲什么绘画产生的历史背景、笔法、技法等，他们会听得懂吗？其实，他们只是对那些画面上五颜六色的色彩感兴趣，属于纯感性认识，所以，我们要从他们的感知入手。孩子们对色彩的认知，往往要超过他们对文字和说教的理解。我们要先给他们看一些色彩艳丽的美术作品，激发他们的兴趣点，再辅以教他们画一些简单的小动物、小花等常见的事物。等他们画完了，无论画的好坏，我们都要给予孩子们一定的鼓励，使其有一定的成就感。不过，不能急于求成，毕竟小孩子的兴趣点容易多变。在这个阶段里，除了为了培养其对绘画产生兴趣之外，主要还是为了陶冶情操、培养美感、增长见闻，使其受到多方面的培育。

二、随着孩子们年龄的增长

如果他们对绘画的兴趣还能够继续保持，条件也允许，那么，就应该让他们对绘画进行继续深入地学习。即使将来不走专业之路，也可以适当地向其讲授一些绘画的相关知识。这就好比老人在向自己的子孙讲述光荣的“家史”一样，让每一个中华儿女都了解我们中华民族的辉煌历史，使其既学到了知识，又增强了民族自豪感。在绘画相关知识的讲授方面，对于学画的人来说，我们在教学上主要还是应该先以普及传统绘画基本知识为主，采取循序渐进的方式，使其了解到我国传统绘画艺术是有着五千年悠久历史的一门高雅艺术。在传统绘画产生的初期，人们在生活中就已经学会了用矿物颜色在岩石、陶器、青铜器等物体上面描绘各种美丽的图案。经过数千年不断地革新和发展，人们创造了具有鲜明中华民族风格和丰富多彩的形式手法，形成了独具中国意味的绘画体系，在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。为了增长绘画方面的阅历，还可以带其到博物馆、美术馆等地参观美术作品展览，或向其展示一些不同风格的古今知名画家的绘画作品。然后通过讲解，使其较为直观地了解中国传统绘画在工具和材料方面有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢；在题材方面有人物、山水、花鸟；在技法方面有工笔、写意和兼工带写，还有各种流派等之分。托物言志，寓情于诗、于画是我国文化作品中较为常用的一种艺术表现手法。作为一名教育工作者，除了要向学生们讲授绘画知识，更应该让学生们通过对先进的传统绘画艺术内涵进行了解，从而使其充分地认识到绘画者、绘画作品在思想和艺术创作上也都凝聚着中华民族奋发向上、自强不息的民族精神和不屈不挠、敢于抵抗任何外来侵略的民族气节。这是除了相关的基本知识之外，我们向学生进行传统绘画教育的另一个重点，体现了传统绘画艺术的先进性。

三、在绘画作品中

第9篇：绘画论文范文

关键词：文人画 发展 特色 画家

一、文人画的代表画家

文人画的代表画家有王维、苏轼、李公麟、米芾。

唐·王维（701-761），字摩诘。善画人物、山水，作品诗意赫然，被后人赞为“诗中有画，画中有诗”。他开创文人画以佛理禅趣入画的先锋，把画意和禅心结合起来，形成一种禅意画，这种禅意画后称为墨戏，到明代又称作画禅。王维的泼墨山水可以说是开一代绘画先锋，并且从此以后扭转了中国画的绘画风格，并最终推向中国绘画的最高峰。为文人画找到了最恰当的表达语言——水、墨，王维虽然没有在理论上明确的提出文人画，但是他以自己的作品明确的表达了文人画的形式。

宋·苏轼（1037-1107）第一个在理论上明确提出“士人画”，也就是后来的“文人画”概念。如果说王维文人画的实践上先行一步，那么苏轼就是提出了文人画的内在追求。他提出“写形传神，形理两全，然后可以言晓画”，“论画以形似，见与儿童邻”。他使绘画从实用功能中脱离出来，强调画家的主观感受，将绘画作为一种自我消遣的载体，即在笔情墨趣中融入自己的心境。在艺术创作上他主张“画以适意”，是性之所发，笔之随之，无法无派，不拘泥古法。在观察描绘对象时、进行艺术构思时，强调画家主观情感与客观对象合二为一，融合成为审美意象，再通过艺术手段将审美意象物态化，从而更好的表达情思，达到“适意”的目的。所以说不管以后文人画如何衍变，其所追求的最高境界就是苏轼提出的“意”。

宋·李公麟（1049-1106），字伯时，能诗善文，绘画技巧全面而且娴熟。李公麟对绘画史的重要意义是，他在总结吸收前人的笔墨语言的基础上，创造了不着彩色，以单线勾勒来表现对象的形体、质感、量感、动感和空间感，完全以笔墨线条塑造形象的画法---“白描”。这种单纯洗练、精密严谨、朴素优美的艺术形式，充分体现了文人士大夫的审美情致，成为后人的一代宗师。

米芾（1051-1108）北宋末年时期的著名书画家和鉴赏家，米芾在绘画上努力使书法和画法想贯通，他的成就主要是在山水画上，他在基于王维的水墨方式上，开创了一种用浑圆凝重的水墨横点错落排列，连点成线，以点为皴，干湿并用，再辅以渲染，贴切的表现出云雨微茫的江南山林景色。后来人们称这种画法为“米点皴”，米点画法是从巨然的“矾头皴”的印象派效果脱胎而得的。这种创新的画法丰富了文人画的语言形式。

二、文人画的产生、衍变、成熟

中国文化在唐安史之乱之前一直呈上升趋势，例如汉代的大气，盛唐辉煌。但自安史之乱以后，中国封建社会就处于下降态势，文人士大夫之间普遍存在一种失望，他们的心里状态变得封闭、内向，个性也趋向细腻，多愁善感。中国文化由注重外观的宏大转到注重内在的精神世界，后期的社会出现一种阴柔美的气氛，并且这种气氛被推波助澜，并最终在中国传统思想中占有重要地位。在绘画方面，这种思潮形成了中国的特色，使人只要提起中国画就让人想到文人画，想到水墨画。封建社会发展到宋朝时推行“重文抑武”的政策，文臣儒士出任要职。经过五代十国的社会动荡，宋朝的政治稳定，物质生活富足，人们渴望一种平淡自然的生活，转向追求内心精神世界的充实，表现在绘画上就是这时苏轼提出士人画。

士人画在元达到鼎盛，明清成熟。元代社会急剧变化，同时带来了审美趣味的变异。元代是异族治国，民族等级制度很严格，汉族知识分子受到严厉打击，他们被迫或自愿放弃官位，把精力和情感寄托在文学艺术上。因此，元代的画坛上，绘画题材多是对古今文人雅士及文学作品的描述，流露出一种隐逸的特征。元代的院体画基本上处于销声匿迹的状态，绘画的主导权落到在野文人的手里。人的“主观意兴”被极力的张扬，对笔墨情趣的追求达到了痴迷的地步。他们将自身的情感完全投射于对象世界，再将对象世界转化为笔线墨道，继而又将笔线墨道转化为自己独特的情感符号。在元人的笔下，笔墨表现为一种净化了的审美趣味。线条自身的流动转折，墨色自身的浓淡、干湿，他们所传达出来的情感、意兴、气势及时空感，构成了重要的美学境界，其本身成为了一种被净化了的“有意味的形式”，把文人画推向高峰。

文人画的成熟是在明末清初。明末清初的画家石涛提出“一画”说。一画的意义为三个合一，画道与天道合一，自然与心灵合一，本原与境界合一。“一画”说表明文人画与传统文化合而为一；文人画与中国传统文化相互影响，文人画以传统文化为营养，同时文人画又脱离了匠技的地位，而具有了“道”的大用；文人画与诗文、音乐、建筑、园林实现了融合，也就是说文人画已经达到了“化境”，这标志着文人画走向成熟，同时表明文人画的气运与传统文化相呼应，同盛衰。

三、文人画的主要艺术特色——“平淡天真”

文人画带有一种书卷气，也就是说题材上取材典籍，画意上注重理趣，画品上文品规定画品，风格上推崇冲和温润。文人画是艺术与文人的结合，文人画中的“文”是“天道之像”和“圣人之言”的内外统一体，这个“文”是内、外合一的一体。文人画表现及追求的是平淡天真的画风，如意象的孤洁，情思的高远，意境的空灵。文人画是集文学、书法、绘画后来又有篆刻为一体的绘画样式。文人画与书法的关系较为密切，书法的点、线、面和书法的结构组合是书法艺术的基本艺术形式，书法运笔的轻重、疏密、粗细所给人的视觉上形成的节奏和韵律，几乎被绘画全部吸收进来，同样通过这些书法的语言来传达画家的情感、性格、气质和文学修养。文人画主张不为物役，不拘泥与古法，更加突出画家的主体地位，只以最简单的工具（笔、墨、纸）和最概括的语言（黑、白、灰）传达画家最丰富、最深刻的生活感受。文人画家们同样注重个人修养，画品就是人品，追求深厚的文学、道德修养，以高尚的情操为豪。文人画的艺术追求强调书法主观情趣，画面不求形似，以自娱为主，画面最终追求典雅沉静、平淡天真的境界。其画面的具体形象不外乎有寒林、疏石、远山、孤亭等，用这些来衬托画面萧条、悲凉的气氛，体现画家脱离尘世、疏远人间的思想，表达玄远的志趣。画风体现出的风格最终是由人的品格修养决定，文人画是将自己的心性映射到笔墨当中的产物。绘画追求平淡天真，其人必定“平淡天真”。