艺术设计学精选(九篇)

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第1篇：艺术设计学范文

一、艺术设计中蕴含的功能之美

从本质角度来看，产品所具有的实用性功效与自身所产生的功能之美并无过多的联系。可是从主体范畴而言，实用性质的功能对它的审美评价具有十分深远的影响。功能范畴所产生的美感从某种程度上深刻体现了对它审美体系的评价，在其中所能表达出的东西都能深刻体现出一种极致的美感。功能范畴的设计对十八世纪以来仅是注重外在的表现形式且忽略内在的错误理念进行了最大范畴的纠正。与此同时也形成了一种尤为简洁，具有现代气息的崭新风格，能对功能范畴的结构之美进行深入细致的挖掘。

二、艺术设计蕴含的材料之美

当前形势下，在整个人类生存与发展的进程中，材料实质上发挥了尤为重要的功效，材料从某种程度上甚至可以视为现代文明的重要支撑，在社会的发展方向也产生了不可小觑的影响。在现代化科学技术能有效转化为社会生产力上，材料也扮演着极为重要的角色。所以，现代社会的艺术设计与材料也是息息相关的，务必深入细致地处理产品结构层面以及环境设计范畴，产品在形态范围，颜色范围，质感角度和肌理层面的处理，如此一来就能够充分展现出新颖材料所具备的重要特点。运用各种恰当有效的方式去有效处理各种材料，就能从多角度满足人们的审美需求，从而在通过艺术设计之后的材料中获得一种美感享受。对于各种不同的材料来说，工艺上所采取的手段也是大相径庭的。例如我们经常说的材质漂亮，工艺巧妙，对于各种迥异不同的材料必须彰显出与众不同的特征，这就对产品所具有的功能性与美感产生了相当大的影响。对于手工艺品来说，需要制造者务必真正意义上用手去触摸材料，深入细致地了解材料自身所具备的质地优势。譬如我国拥有古典风格的各种家具中，具有明式特点的家具就充分展现出了一种质地层面的美感。各种不同的器具，在材料的选用上、制作方式上、技术加工上都彰显出各种与众不同的特点，艺术设计者务必深入了解材料自身所具备的特征，采取与之特征相适应的设计方案，方能让器具在设计上通过材料体现出一种极致的美感，最终让产品、材料、美感、设计融为一体，这样就能彰显出艺术设计中的材料之美。

三、艺术设计蕴含的形态意境之美

所谓意境实质上是指艺术层面的形象与情境融为一体所展现出的情境交融景象。从艺术设计层面而言，意境通常不是一个十分具体的形态，可是意境绝对是通过形态所生发出来的，人们看到某种具有美感的形态产生丰富的联想，从而进入一种想象性的境界，最终达到“此时无声胜有声”的最高艺术境界。从上述角度来说，艺术设计蕴含着形态意境之美。所以，从艺术设计范畴的角度看，形态意境是能够让艺术设计作品产生审美价值的重要因素，它能让欣赏者产生“余音绕梁，三日不绝”的美感。艺术设计的形态意境之美主要体现在以下两方面：第一，就是将设计者的感情转化为具体的形态，切实做到借助具体事物抒发感情，让感情与意境和谐，让感情与具象融为一体；第二，设计者务必通过设计表现出一种暗示与象征的意向，让意象在具象中体现出来，最终达到虚实相生的境界。我国古代私家园林设计中很多借物造景的手法，就是形态意境在环境艺术设计中的最佳体现。总之，形态意境是中华民族美学的重要内容，也是充分体现设计产品审美价值的完美概念。对艺术设计作品的欣赏，完全可以让欣赏者进入一种情景交融的自我陶醉境界，从而领悟到艺术设计的形态意蕴之美。

四、艺术设计蕴含的科学之美

在艺术设计的进程中蕴含着科学之美，这种美是一种极为独特的审美态势，充分体现出理智层面的相关问题。从形态范畴对艺术设计的科学之美进行思量，主要包括科学层面的伦理之美与科学层面的产品之美。从创作学范畴对科学之美进行思量，主要包括理论层面的创造之美与科学层面的实验之美。然而，科学范畴的设计美感并非是积极展现在研究成果之上，而最为重视的是科学创造的进程。科学之美务必经过理智层面的熏陶方能深入理解。这就充分体现了艺术设计科学之美的独特之处。艺术设计中的科学之美并非是在自然常态下存在的，更加展现出一种对实践生活的深刻感悟。在这种独特的审美体验中，最重要的是体现了自然常态下的一种和谐与融洽。不管是外在层面的设计，还是内在层面的设计，都能让人产生一种极致的享受之美，领悟到一种至上的全面之美。实质上，科技之美也完全能够作为美感体验中的一种最高形式，在归纳出审美的必然规律之后，进行无限创造。人类在不断创造发明的过程中，总结出各种符合自然规律的审美经验，这种审美经验完全可以和艺术设计融合起来表现出最高境界的科学之美。

五、结语

第2篇：艺术设计学范文

一、我国现阶段的设计类现状

如果从数字上看，中国设计教育在近10年来发展迅速，在中国的高等教育体系中，目前几乎所有高校都纷纷开设了艺术设计专业，一时间，艺术设计突然成为国内的热门专业。虽然国内高校目前学费最贵的是艺术设计类，但每年上百万的考生也没少。艺术和设计院系俨然蜕变为一家家盈利企业，其产品是一批批从有缺陷的教育流水线上培训出来的次品毕业生，每年达数十万人。可这些设计学生，刚出校门就无法适应全球化经济浪潮对设计人员的要求，更遑论去担当设计师的重任了。一直到今天，中国仍然没有培养出自己的汽车设计大师、家具设计大师等。中国的当代设计教育进入了一个十字路口，目前我们培养的学生与制造业的要求距离越来越大，同时社会与产业对高等设计专业的要求也越来越高。这些显现集中体现了我国重“道”轻“器”、重“艺”轻“技”的中国设计教育体系。我们可以参考下现代艺术设计教育的起源学校包豪斯的课程，这些课程由以下几方面的实践性教学组成，即石、木、金属、玻璃、黏土、织物、颜料等得运用；材料与工具的特性；以及形态课。形态课又分为几个方面：材料性质研究、几何学、构造与制图规范，根据体积、色彩与构成所做的设计研究。此外还加上古代与现代艺术以及科学讲座。国外的艺术设计类专业发展到现在也基本延续了这个办学系统，并且与社会、企业、工厂等联系紧密。

二、目前教学的现状

我们目前的教学基本参照了国外的设计类专业的教学体系，最早我国设计类教学由于社会工业的发展滞后，同时物资匮乏。各行业部门联系不够等，造成设计与工业不能很好结合，反映在教学里就表现为实践、动手能力不足。现阶段社会发展后，情况得到了较大的改善。不论历史的发展呈现何种风格，其工艺美术的元素是恒久不变的——材、工、形、构。因此在学习设计的过程中这四者也是密不可分的。那么这意味着我们的教学也要保持这4者间的相互关系，同时分配好这4元素的课时比例。在教学的实践中，可以观察到，首先，从学生学习的主动性来说，采用有选择性的学习，学生具有较大的积极性。但选择需要加以引导。从课程结构来看，要引入操作性强的社会实践机会，但这需要教师学校与工厂、社会团体、公司等协定一些实践条款，否则单靠学校或者教师本人是无法提供学生机会均等的实践。

三、学生现状分析

虽然我们是艺术类的专业，那是不是我们的学生的美育历程是完整的呢？其实，即便是我们的艺术类学生，其美育历程也是不完整的。我们非美术专业人员绝大多数的审美鉴赏能力也有限。我们的学生虽然经过了一定的考前培训，但应试的痕迹抹杀了它们对艺术的感受，变成了固定的笔触和色彩。其次，因为我国的艺术类招生在考分上要低于其他专业，加上扩招带来的负面影响，使许多学生态度上不认真，学习方法上不正确的学生轻松的进入大学。然而，我们现有的宽松的大学学习环境，让他们更轻松的毕业进入社会，造成一方面社会需求大，学生就业率低。因此可以说我们的学生很大部分还是在经过4年的教育后仍然和社会的要求有差距。

四、如何培养学生

在此，我只能就我的理解来表达对学生的期望。18世纪德国美学家席勒在《美育书简》这一美学理论名著中系统阐述了他的美育思想，席勒已经不限于仅仅从道德教育特殊方式的角度来看待美育，而是从自然与人，感性与理性等基本哲学命题出发，从而改变近代人的存在方式，使人重新获得自由、和谐、全面的发展。实现人性的复归这一更加广阔的领域来论述美育，使西方的美育理论进入到一个更新的阶段。他认为人的天性是完整和谐的，具有完美的人格，但近代文明社会由于大工业的发达，造成了科学技术的严密分工和职业等级的严格区别，这样一来，不仅使社会与个人之间产生了严重的分裂，而且使人的天性遭到了严重破坏。

我们国家的设计理论总结起来，其实萌发得很早。石器时期时代人们对人类自己制造的物品的审美意识是“光滑规整”。是最早的设计思想，当时人们的全部活动旨在熟练地介入自然力量的运动。希望保持平衡，吸取“善”的力量，退却“恶”的力量。这个观点放在现在来看反而并不过时。夏商周时期《周礼•冬官•考工记》载：天有时、地有气、材有美、工有巧合此四者，然后可以为良。宋学形成，提出造物设计用科学的方法引导。至明朝传统设计之集大成时期，艺术设计集中反映四点要求，材料美、结构美、工艺美、意匠美。西方美育教育出现的问题，同样也反映到了我们的美育领域。在我们的学生身上体现得尤为明显。过量的信息、尚未成熟的心智、片面的社会宣传、过分强调个人的激进等，学生在片段中吸取自己要的东西，他们迷茫中急功近利，但渴望善意完整的人生。设计艺术作为与社会紧密结合的艺术，受到分裂特性的影响也最深刻。目前社会分工中由于行业细化，材、工、形、构这4个元素被隔离开，他们都从属于不同的工种。同时，当学生缺乏设计道德和设计思想的培养时，就会忽略设计对自然和谐带来的负面影响。于是，我们从学生身上看到的也是破碎的设计体系。

我认为，我们的学生不同于职业教育和技能教育的最大特色是，知道设计的完整体系，能够让设计4元素和谐发展，才是艺术设计类专业的基本能力。我们的时代是个全球化的时代，没有唐代的强风故没有“吴带当风”的宏丽；没有魏晋时期全国大范围的就造不出“敦煌宝窟”；没有争鸣的氛围也不会有“曹衣出水”的超脱。我们的民间艺术也逐渐被渐进的西风所掩盖。不同的经济利益主体多样，超出了我国历史的任何阶段。但我们作为设计人员要清楚认识自己对社会各方面造成的影响，这点是无疑的。在这种全球化的时代，人们怕忘记了自己本来的面目，提得最多的也就是民族化的问题。我个人认为，民族的特点是共同的心理特征，这是几千年也没法改变的事实，我的拙见是，民族符号不等于民族特色，符号中渗入的心理特征才是我们民族维系的纽带。我们的学生在了解设计的完整体系，能够让4元素和谐发展后，上升到用生态的科技的现代4元素来表达民族共同的心理特征，才是我们培养学生的目标。才能算是合格的学生。

第3篇：艺术设计学范文

艺术设计是一门伴随着工业化生产而发展起来的新兴学科，近年来，随着“艺考热”的升温，艺术设计类专业成为最大的“热门”专业之一，随之而来的就是毕业生所面临的巨大就业压力。高职艺术设计教育是以培养艺术设计高等实用技能型人才为办学宗旨，以艺术设计专业职业技术岗位能力培养为主轴，重视实践教学多于理论教学，高职艺术设计专业毕业生未来如何在激烈的竞争环境中脱颖而出，实践能力就是最大的利器。只有具备超强的实践能力，才能在众多本科生至研究生毕业生的围追阻截中闯出属于自己的一片天地。高等职业教育简称高职教育，它是高等教育的一个重要组成部分，其根本任务是培养高等技术应用性专门人才。艺术设计是一门伴随着工业化生产而发展起来的新兴学科。设计与社会的现代化、经济发展和产业发展密切相关。根据高职教育的培养目标及结合艺术设计的特点，如何进行高职艺术设计教育是目前高职教育急需解决的一个实际课题。

2实践能力是高职艺术设计教育的核心

艺术设计教育不等同于纯粹的美术教育，主要区别在于设计艺术教育以培养出适应社会需求的创造性职业技能人才为首要问题。而高职教育的特点是适应社会需要为目标、以培养技术应用能力为主要方向。因此，高职艺术设计教育目标在于培养学生成为具有基础艺术设计理论和素养、掌握现代艺术的表现能力、拥有综合应用与创新能力的实用型设计人才。教学探索方向应与学生的学业、就业与创业紧密结合，在人才的培养上具备对未来职业岗位的明确定向性与良好适应性，从而使高职艺术设计毕业生获得就业与创业的技能与本领。所以，实践能力是高职艺术设计教育的核心问题。近年来，艺术设计类专业成为最大的“热门”专业之一。在“艺考热”过后，随之而来的就是毕业生所面临的巨大就业压力。如何在激烈的竞争环境中脱颖而出，实践能力就是最大的利器。只有具备超强的实践能力，才能使众多的高职艺术毕业生在众多本科生至研究生毕业生的围追阻截中闯出属于自己的一片天地。

3以实际案例与理论教学相结合作为艺术设计教学的主要手段

艺术设计专业是一门综合性很强的学科，它以实用艺术为主，涉及商品的形态与作用、价值与艺术、现代的方法与手段以及有关视觉传播形式与规律等领域。要成为一名出色的艺术设计师，就必须具备基础艺术设计理论和素养。因此，在重视实践能力的前提下，也不能忽视艺术理论的教学。但是过分强调理论教学，往往就就忽视了艺术设计学生的技能能力的培养，会与社会需求远远脱节。如何使学生在掌握艺术设计的基础理论的前提下，又能最大限度提高实践能力呢?切实的实际案例与理论教学相结合是一个行之有效的教学手段。单纯的理论教学往往比较枯燥，也往往提不起学生的兴趣，若在实际的解决问题中教授相关理论知识，其接受度也相对较高。以VI设计教学为例，VI设计是艺术设计人员最常接触到的一类设计项目，是否具备较强的VI设计创意与制作能力成为衡量艺术设计人员专业水准的重要标尺之一。如仔细翻阅各高职院校艺术设计专业在校学生的vI设计课程作业，发现普遍存在整本VI手册除了基础部分的前半部标志设计略有不同之外，后半部设计乃至应用系统的设计几乎如出一辙的现象。大部分的设计内容都像出自一个模板，独特的、针对性强的设计内容匮乏，基本是对现有的或老师所提供的vI设计模板的机械套用，VI设计项目的整体视觉效果平淡，设计定位与设计风格不具有代表性，完全没有彰显项目企业独有的文化型和品牌特性，这无疑是很致命的。

当前就业形势日益严峻，针对大学生就业，国家提出“自主创业”的号召，“自主创业”已经成为高职艺术设计毕业生的就业趋势之一。如开办自己的设计公司、设计工作室、各式特色小店、商铺等，其公司、店铺的视觉形象设计必不可少。显然，在VI设计实践中，个性鲜明的、小而实用型的VI视觉形象设计需求更广，也更能激发高职艺术设计专业学生的创新意识与创业欲望。同时，根据高职院校的教育教学培养特色，艺术设计类毕业生的就业也大都趋向中小企业，因此首先引导学生将选题重点转移到中小企业VI的设计制作。并遵循高职艺术设计教育的办学方针和教学理念，通过实题与虚题结合的实训手段，力求培养其较为全面的、与市场实际需求相接轨的VI设计与制作能力，有助于学生认识社会、识别市场，使学生真正体会到今后工作中的真实设计环境，为就业拓宽道路。在教学实践过程中，首先使学生了解基本的CIS的发展历史、组成等理论知识和成功案例，重点掌握vI设计的内容、原则、方法、技巧等，形成较为全面的、与市场要求相接轨的VI设计与制作能力。然后引导学生通过市场调研、资料收集、分析整理，将实训中与企业的相关资料信息汇总，充分理解并消化企业的经营理念。此阶段工作十分关键，往往是形成设计概念的源泉和切入点，将获得的信息符号化、视觉化，才能够形成符合客户需求的设计概念与创意灵感。而在标志设计草图的初期阶段，鼓励学生进行多稿设计方案，充分利用手绘这一快捷有效的表现方式，任意思考，尽情发挥，在草图中不断涌现出好的创意，总结出明确的设计形象。然后进入制作完成稿阶段，应引导和训练学生对整套VI设计的整体把握能力，这是验证与锻炼学生制作技能是否得以应用到实践中的关键。学生通过应用电脑软件及字体设计、色彩搭配等各种具体操作，力求VI设计项目最佳视觉效果。

必须严格把关学生是否具备娴熟的软件操作能力与规范的制作工艺。下一阶段进行反馈修正，在此过程中引导学生学会如何与客户进行有效且直接的沟通，培养其快速的应变反应能力与表现能力。最后进行修正与编制设计手册，要求学生及时解决排版及印刷等相关问题。通过这样的教学方式，在VI设计具体制作的不同阶段中分别进行及时讲授，可以提供学生为实际设计项目服务的实践机会，实现学以致用，充分体现了基础知识和基本技能并重的高职院校特色，也最大限度提高了学生的实践技能。然而，以实际案例为中心的教学方法，对教师也提出了更高的要求。因为在实际案例实施过程中，类似于“模块教学”，涉及多门课程及方面，这就需要教师具备宏观的调节能力及扎实的理论基础，对于那些需要重点讲解的理论点必须了然于胸；同时还需教师具备较强的设计能力及思路，对于不同的学生方案都能有不同的修改思路及见解。实践证明，实际案例与理论教学相结合的教学方法，往往能最大限度激发学生的学习兴趣。正如爱因斯坦所说：兴趣是最好的老师。具备学习兴趣才能为良好的学习效果提供动力。

4强调培养学生的创新能力

美国哈佛大学校长普西曾经说过：一个人是否具有创造力，是一流人才和三流人才的分水岭。由此可见，创造力或者说创新能力往往是决定某个人能否脱颖而出的关键因素。艺术设计尤其需要创新，若在艺术设计中缺失了创新性，设计生命力也就终结了。如何培养学生的创新能力呢?

(1)创新性的设计思维的培养是教育中的核心问题。没有创新的设计理念，也就不会有创新的设计作品。达利是众所皆知的艺术大家，他通过对人的潜意识世界的洞幽察微的心理分析和表达能力，通过精妙的写实语汇和永不枯竭的想象力的结合，创造出一种迥异于现实世界的、完全不同于他人的专属于达利的艺术世界。人们深深为他的独树一帜的创新作品所折服。达利的创新能力来自何处，靠的是他深厚的美术功底。因此，培养创新思维的前提，首先需要学生学习具备扎实的美术基本技能及理论。没有种下基础这个种子就发不出创新这颗芽。

第4篇：艺术设计学范文

（一）园林设计中的仿生学

仿生学在园林设计中的应用十分广泛，因为园林设计多是室外设计，有着广阔的环境背景和天然的自然环境气氛，在园林设计中使用仿生学理念，不仅能够体现出园林设计的匠心所在，还能使园林的自然感显得更加活泼和生动。很多园林设计中的仿生学应用都极具代表性，例如，长春和吉林、哈尔滨等地的小区园林设计中，经常放置仿生的小区景观小品，如假山、仙鹤、小鹿等仿生雕塑作品，这些作品，使小区的园林景观更显东北物产丰富的状态，也使得小区景观的审美价值有所提升。

（二）家居设计中的仿生学

仿生学应用于家居设计，是家居设计进入后现代设计阶段以后盛极一时的设计理念。家居设计中的仿生学被应用到许多方面，大到房屋的室内设计整体构思，小到杯盘器皿，都有仿生学的痕迹。与园林设计中的仿生学应用有所不同的是，室内设计的仿生学应用经常表现在材料和生物理念上，因此大多数家居设计中的仿生学作品，都具有高度的抽象性，作品的美感在于体现出生命力，审美的价值在于传达生命的意义。例如，现代设计家居设计中的沙发座位是有意凹陷下去的，靠背也是不规则的内陷型，还有些阳台椅是明显的蛋形，这些家居用品都给人一种舒适、安全、被保护的感觉，无论是从外形还是从使用感受上，都更像一颗“蛋”，这就是仿生学要表达的生命、安全的意义。

（三）服装设计中的仿生学

服装设计是设计艺术中的重头戏，随着人们对服饰审美标准的提升，服装设计已经从简单的满足人们穿衣需要发展成为展示人们生活艺术的重要领域。在服装设计中应用的仿生学也成为人们直接表达穿衣理念以及对自然的态度的方式。服装设计中的仿生学应用之中重要的一点在于服装材料的变革，科技的进步以及环保主义的盛行使得那些直接使用动物皮毛的服装材料发生改变，仿生学理念促使动物皮毛演变成皮毛的仿制品；另外，在服装设计中，许多裙装的轮廓与花朵的形状类似，这种设计的目的在于体现女性如花朵般的美丽，还有些服装设计直接将仿生动物安置在衣服上，如蔡康永在主持“康熙来了”的节目时，服装上经常停着一只仿生的鸟儿，以此体现他主持风格的活泼和睿智，这也是服装设计中的仿生学应用。

二、仿生学在艺术设计中应用的意义

（一）展示艺术设计的自然魅力

大自然的魅力在仿生设计中得到了充分的体现，自然界万物为设计师提供了源源不断!取之不尽的灵感与素材，并为设计思想的表现提供物的载体。师法自然，进而激发出设计师的设计灵感与思想火花，汲取自然界中生物形态优化!合理的一面,再运用科技成果加工改造自然，创造人工生态美的环境，达到人工环境与自然环境的融合。设计师借仿生设计固有的意义，将其出神入化地融合在载体意义上，创造出更符合人们心中理想的意境。仿生设计因其自然美妙的魅力丰富和美化了人们的生活，而受到广泛的青睐。

（二）体现人类生存的基础

自然界中各种生物都蕴含着造物者赋予的自然美感。例如对称美、自然重复、无序排列、有序无序的构成等等。自然界中许多生物（包括人类在内）的身体蕴含着比例的美感，有“黄金分割点”的呈现等。人类诞生之初就受到自然物象的熏陶，也形成了人类对于生物外表一定的审美取向。仿生学应用在艺术设计中，能够对人类生存的基础进行完美的展示，使人类的生活环境美感提高。

（三）使艺术设计的思想得以发展

仿生设计的运用丰富了社会的物质文明，得到了人们一直的喜爱。在当代社会环境下，仿生设计运用在陈设设计里，完全是现代工业社会心灵的解药，艺术家们正逐渐把眼光由繁复奢华的创意，转向大自然赋予心灵平静的力量。仿生设计把大自然的力量附属在了人们日常最贴近的环境，让人与自然时刻都亲近，把自然的平静带进了人们的生活中，让人感受和触摸到了大自然的质朴，宁静与温馨，极大地满足了现代社会人们渴望回归自然的心理需求。

三、艺术设计中的仿生学未来发展

（一）仿生学应用范围扩大

仿生学在艺术设计中的应用，会随着艺术设计本身的发展以及人们对仿生学理念的理解而扩大范围。目前的仿生学主要应用在人们日常生活中经常应用的那些艺术作品中，而在未来的发展过程中，仿生学理念可能被应用在高精尖艺术设计领域中。

（二）用仿生学表达“人本”的创意理念

仿生学理念表达了人类对“自然性”的追求，因此，未来的仿生学将把“人本”理念的展示作为创意的基础，通过艺术设计去展示、追求人类需要中最基本的东西，使人们与艺术设计作品之间的共鸣不仅在于应用性，更在于精神方面的满足和交流。

四、结语

第5篇：艺术设计学范文

艺术设计作为一门应用型的美术种类存在于人们的生活中，与人们的生活密切相关，影响着现代人类生活的方方面面。而人类在实践过程所取得的新的科学技术也影响着艺术设计，改变着艺术设计的具体实现形式。如人类商业历史上第一种销量超过百万件的商品是托内特椅，这种椅子首先出现于19世纪中叶，很快成为当时十分著名的酒店椅子，而其被发明的直接原因就是当时托内特工厂发明了弯木与塑木新工艺。托内特椅子直接启发了之后钢管椅的诞生，而这种商品至今还是咖啡厅中最常见的椅子。技术是艺术设计人员实现设计思维和设计理念的有力工具，科学技术的进步为艺术设计者提供了更多新工艺和新材料，对于拓宽艺术设计者的思路具有重要意义，对艺术设计产生了直接影响。如，在汽车领域，福特汽车流水生产线的发明降低了汽车生产成本，使汽车成为普通大众消费得起的商品；而汽车商品的大众化使工作地点与生活地点的分离成为可能，在工业时代各种城市化问题凸显的背景下，方便了城市中的中产阶层迁居到城市郊外生活，进而改变了城市各种功能区的布局设计和规划。对于建筑业，钢材料的应用和建筑技术的进步直接催生了摩天大楼的设计，使城市面貌发生了翻天覆地的变化。然而，对商品进行大批量生产的前提是拥有庞大而均匀的市场，消费者必须购买标准化的产品，这就要求商品生产者对市场拥有较强的控制力，使得广告设计行业应运而生并蓬勃发展起来。此外，以数字科技为基础的新媒体迅速发展，信息传播日趋快捷，数字科技广泛而深入地渗透在人们的生活中，改变着人们的沟通和互动方式，甚至改变着人们对世界的认识和感知。同时，新的信息传播方式也改变着艺术设计的工具、载体、传播介质和表现方式，影响到艺术设计的思维层面，深刻影响艺术设计的美学功能，导致艺术设计对设计师素质要求的改变。

2数字时代艺术设计的发展态势

数字环境为艺术设计构建了一个新的发展环境，同时也对设计人才提出了新的要求。由于在现在的艺术设计中需要使用大量新技术和新工具，这要求未来的艺术设计者必须具备熟练使用数字科技的能力，并具有流畅的数字设计思维。

2.1艺术设计行业范围更广

随着数字科技的迅速发展和普遍应用，网络媒体成为集信息、通信及影音传播为一体的新媒体的核心，强大的网络互动功能与良好的信息传播环境构成了今天的数字信息时代，也催生出一个以提供服务和非物质产品为基础的社会，同时派生出基于计算机和网络技术的新的艺术设计门类和品种，如数字动画、网页设计互动和数字媒体设计等，使艺术设计行业的涵盖范围更加广泛。新媒体使信息传播变得相对便捷和公平，不仅为人们提供了更多信息交流渠道，在很大程度上也改变着人们的信息感知习惯。如，人们的生活被很多碎片化的信息切割，注意力成了一种稀缺资源。为了提高信息传播效率，信息的面貌必然会趋于视觉化、动态化、多感官化和界面化，以实现外貌的悦人程度并减少互动的障碍，这也要求信息的制作更加专业，带来了艺术设计应用在计算机和网络、媒体等领域的拓宽和深入，扩大了行业范围。

2.2艺术设计门类更加多样

在数字时代，传统的视觉传达设计会被非物质化的数字视觉信息传达设计逐渐取代，在商业的推动下重视吸引受众注意力。人们关注一个主题、一个事件或一种行为的持久度是有限且无法复制的，因此，动态形象取代静物形象、数字化的视觉形象取代纸媒印刷形象、多媒体感官体验取代单媒体视觉感受、虚拟非物质数字产品取代物质的纸媒产品、数字手段取代传统的手工制作工艺会成为艺术设计行业的整体发展趋势。由于激烈的注意力竞争，设计者会寻求更丰富的表现、方法和形式。在环境艺术设计方面，设计者在设计时不再单纯依靠手工制图来实现设计构思，甚至可以不再进行手工制图。数字化技术为艺术设计提供了更丰富的设计语汇，如增强现实技术可以使设计在现场直接模拟完成，环境艺术设计也不再拘泥于真是的空间布局与六个界面和陈设的处理，其设计范畴可以超越到“虚拟现实”场景的搭建，或者利用计算机三维技术生成多样而逼真的设计形象。数字时代对服装设计最大的冲击来自虚拟现实的数字化人体数据采集和应用，上述技术使“人体工学”的探索得以实现，服装产品从设计、打版到剪裁和制作均可以实现自动化，为艺术设计提供了更广阔的实现路径，客观上也使艺术设计门类更加复杂多样。

2.3艺术设计教育思维发生转变

我国的现代艺术设计教育发端于美术教育，在“实用美术”和“公益美术”等基础的传统设计教育中发展而来。在多年的发展历程中，我国的艺术设计教育一直依赖精英教育大背景下学生个人领悟能力和个人审美素质的自然养成，强调对学生个体表现技法的培养。这一教学传统形成了固定的教育模式，且根深蒂固、影响力巨大，这决定了将数字化融入艺术设计教学会是一个逐渐深入地缓慢过程。20世纪90年代中期，我国设计行业开始引入数字化设计手段，尤其平面设计和三维设计方面使用较多。因其多样化的设计工具和便于修改和储存等数字技术所起特有的优势，设计软件吸引了大量设计者使用，数字化辅助设计很快在行业中流行开来。相应地，各大院校设计专业也陆续将计算机辅助设计引入教学，并在教育中占据了越来越多比重，甚至成立了电脑美术设计等专业。

3结语

第6篇：艺术设计学范文

1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上，更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程，在艺术设计教学中，充分利用双主教学模式，能够强调学生的主体地位，使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构，使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化，并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外，双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用，学生在教师指导下组建学习团体，通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论，使学生间形成思维共享，共同实现知识的意义建构。

2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序，课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷，利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点：

（1）教学中的课题选择（Project）：教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习，教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想，在保障课题要求符合教学大纲的基础上，选择具有可操作性与时代性的课题，并根据实事求是原则制定规范的评定标准，便于学生把握艺术设计方向。

（2）课堂教学质量（Process）：教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目，对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升，在学生课堂项目评定上，教师要根据教学目标，结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评，最大限度激发学生的教学参与热情。

（3）设计说明（Description）：教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素，培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力，在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。

（4）课题陈述（Presentation）：教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量，结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题，在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。

二、艺术设计教学理论体系的完善策略

1、与时俱进，提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科，在具体教学实践中，若只关注于学生对事物形态的描摹能力，则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此，要建立完善的艺术设计教学体系，教师首先要对教学手段加以创新，在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素，充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用，利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值，从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。

2、推进教学目标分层化。教学活动开展前，教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定，例如大一学生要加强对基础课程的巩固，大二学生要实现专业课程的初步入门，大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时，可采用多种手段辅助教学，充分利用现代信息技术，艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要，让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。

3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面，有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中，务必保证课程间的相互联系，建立系统的课程体系，使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。

第7篇：艺术设计学范文

关键词:符号学;符号特性;符号设计

中图分类号:J0

文献标识码:A

文章编号:1672-3198(2010)05-0252-01

1 符号学概述

符号学是研究知识的符号系统,它研究了象征性,符号的发展和在不同情况的象征意义的法律变化以及符号和符号之间的各种活动,和人类的关系。符号学是首次由美国哲学家和实用主义哲学,皮尔斯在20世纪创始。符号学理论的自然科学,社会科学,美学,科学和行为科学的重大意义,现代符号学的方法现在应用于语言学,电影戏剧,造型艺术,建筑设计,广告设计,工业设计等。

(1)符号与符号学。早在春秋,中国著名思想家庄子在他的著作“庄子外篇”中已经提到:“因此,发言者关心,得意而忘言”,即:语言之间存在的事物,特点和存在的对象之间的关系复杂的特性,语言是由物质的东西的特点,语言是由物质的东西,语言的特点,我们的任务是传达信息,事物,语言的作用是传递信息的媒体。象征是某些媒体来代表一个事物或东西方向,成语“雁泥鸿爪”生动而准确地描述了符号的概念,鸿雁在泥沼与雪地上留下的爪印,使人们得知曾有鸿雁经过这里的事实,因此可以推断的数量和及其他信息的大小。爪印是一个迹象,而鸿雁不存在,而由爪印代表或指示出来的。

(2)发掘符号特性,准确运用符号语言。

①符号运用,赋予想象的空间。现代艺术设计不再仅仅是一个商品信息直接的方式显示,而是使用夸张,幽默,意味着通过改造和整合这些做法,是一种生命的符号的大量使用,含蓄地表达了生活概念、商品和时尚信息的特点,获得不善于用言语表达的目的。有时符号是直接适用,人们马上会想到,理解其含义,如音乐等的符号在设计来传达给观众的音乐,旋律和主题和信息的感觉。

②符号深化,赋予更广泛的含义。从符号与它指涉对象标志(即,其指向与涉及的事物或领域)与当前的象征符号,一般被认为相关领域的理论研究,可以进一步发展成三种不同类型,而且还象征三个层次:①图像符号:通过模拟对象或类似物体的图像,符号组成。它有它的通过可以识别的形象直观的认识。 ②指标:指示符号和所指对象之间的关联或时间和空间的参考对象之间的因果关系。 ③象征符号:与所指涉的对象间没有必要的或内在的联系,这是约定的结果参照符号。是很长一段时间许多人的感情产生了协会汇集了一些社会习俗实物。例如绿色代表生命,在中国眼中乌龟是一种长寿的象征。上述三种类型的符号共存,不能互相代替,而且逐步符号的三个层次的深化,从图像符号的指示,然后向象征符号,是深化的过程中更广泛的范围信息内容

2 现代艺术设计中符号的特性

(1)认知性。设计,认知生命的象征性的语言。例如,在中国几大银行已经采取了古代钱币的象征,为基本模式,恰恰是因为古钱币可以准确地表达这一信息的金融机构,具有很强的认知。如果一个设计工作不能为人的认识,让人不得而知,那就完全失去其意义。

(2)普遍性。现代艺术的大规模工业生产服务的设计,设计工作的结果将广泛散发群众。普遍性设计是只提供给广大公众。此功能,在一个公共场所标志中得到深刻体现。如:公共厕所的男女标志,我认为不论其性别和年龄,文化的深度,可以清晰辨明。

(3)约束性。只可在一定范围内的任何语言的理解,只有与相关的文化背景,以获得所传达的信息符号。例如,德国的海报艺术家冈特•兰堡的通常包含在工程的形象,只知道对德国的马铃薯具有特殊的意义可以理解土豆设计师们喜爱的原因。

(4)独特性。符号一般强调的‘球同”很容易理解和记忆,但在设计追求的差异往往是关键。正处于一个主题要求,我们必须找到尽可能以创造独特的工程有关的各种表现。然而,''转达他的想法“是创作的根本,不要为了“独特”而独特,真正把握适度的原则。

3 符号在现代艺术设计中的应用

符号在现代艺术设计,而且还直接和间接的一些设计工作,可以找到的象征性元素,而在另一些设计工作,似乎难以发现存在的符号,它并不意味着设计无关的符号。事实上,符号是无处不在,但根据我们的方法的需求是不同的。这里的情况,可分为三种类型的问题:

(1)对符号的直接运用。这项工作本身就是符号。如标识类的设计,图形作为这种基础上的设计,以表达自己的思想生活,小而细,所以压缩得几乎等于符号本身的重点。中国电信标志的“中国”与中国的传统模式,“一作为三个形成三维空间分布格局,生动地表达了科学技术,现代的,传输的基础文件”,和企业发展的特点。在这种类型的设计作品,往往是几个元素巧妙的组合,然后它的简化,将与图形符号,即图形符号,一个独特的视觉语言的形成。

第8篇：艺术设计学范文

一、艺术设计素描构图构思体现设计意识

“构图是指平面分割表现形式美的规律，其表现形式应具有独特的感染力、作用力并能引起观者的共鸣”。学生在进行习作训练时通常采用传统构图方式，客观物象的取舍居于画面中心并始终处于一种平衡状态，长期的训练模式束缚了学生对构图构思的进一步探索，局限于构图认识的“标准化”。作为艺术设计专业的基础课程，最初的构图构思意味着设计理念的融入，如何安排客观物象与环境空间等因素关系，体现自身认识和感受有着直接关系，我们通过构成原理的分割、组合、归纳、整理等主观意识分析活动后，在二维平面中运用视觉形象语言组织构成新的视觉效果图像，这是在教学中应该思考的问题。课堂上不去追求客观物体的摆放设计，随意的放置是自然的堆砌，有利于学生在自然中进行选择，视域范围扩大，学生选择余地增加，摒弃常规习作的模式化，让学生进行某种情节的选择处理，挖掘学生对构图构思的深层理解，使其主题思想鲜明，视觉形象突出，从而揭示出客观物象情节与细节的表现，更好地塑造出客体形态的典型特征。这些最初构图构思活动都具有主观设计成分，如在初始限定的平面材质上怎样确定画幅的形状和视觉形象并能表达出思想的形式感，通过构成关系使客体形态与形式因素成为既有丰富性又有条理准则，在变化中求和谐统一，其中使作品集中生动地展现出客观物象重点区域和主要形象，使观者能够有意图地欣赏画面所表现的内容，创造出具有全新形式感的图式。这种以表达设计意识为目的的构图构思训练使学生能够独立分析问题，摆脱以往被动单一地构图方式，在构建新图像的同时使学生们进一步对设计理念有一个较为深刻全面的理解。

二、艺术设计素描主体与客体关系的表现体现设计意识

面对客观自然物象，以往我们首要任务是对物象客体的再现，以准确的透视关系和物体色调层次变化等要素进行表达，在平面上表现出物象存在的三维空间状态，而在艺术设计素描训练中则更多地强调去发现客体物象审美价值的内涵，从而超越其表面描摹并达到主动地认识与创造。这里如何运用有效的素描语言来掌握具象与抽象的造型表现规律，并从物象客体获得表现创新形式是解决物质表层向精神层面拓进的重要环节，其目的是通过物象客体而达到自身表现要求，激发学生对物象客体产生强烈兴趣并进行典型选择、概括提炼、归纳整理，形成鲜明生动的新图式以此达到真实的可信性。视觉艺术对客观物象形式表达往往通过有效手段作用于观者的感官，不同的视觉形式都由客体内容要求而决定的。造型与设计同属视觉艺术范畴，但其表现形式和出发目的各不相同，前者侧重客体存在表现，后者则以主体思想地体现为方向，带有一定的主观传达性，其表现形式在某种程度上沿袭和借鉴了造型艺术的方式方法，但它所描绘的客观物象、形体关系、空间关系等已经突破了造型艺术的表现而走向平面构成形式，这一过程通过视觉感应把客体物象的形体关系、色度层次、光感变化等元素与设计的功能性和实用性相联系，使客观物象形态的视觉效果演变为设计技能的造型形式，并有效地传达出客体形态的功用性，探索出新的创意图式技巧。艺术设计素描教学在逐步摆脱人为因素影响的同时，注重培养学生的观察能力、想象能力和主观驾驭画面能力，试图通过视觉化表现出适应人们感官审美的心理需求，因此，艺术设计素描重视主体者的感性认识和心理体验，在表现形式上呈现出主观表达的倾向，“艺术很真实地存在于自然之中，谁能把它从自然中拉出来，谁就掌握了艺术。”我们对客观物象观察思考的同时，还能从其中按照审美规律去挖掘美并创造出符和与人们生活相关的某种境界，以满足人们的情感诉讼，这种发自内心深处的创造集中体现于作品表现形式的某种感受，我们从主体与客体之间寻找艺术美的表现法则，这一法则也是艺术创意的根基，它传达出人们物质生活上的需求和精神上的需要，反映了创造者们内心的体验和意念的表白，如果主体意识得到强化呈现，那么视觉图式艺术效果将呈现出很强的张力，我们的艺术设计素描作品才能够推陈出新。艺术设计素描教学目的并不是简单地为造型，而更多地倾向于设计意识、审美意识、综合能力的培养，艺术设计素描注重其主动性，而不拘泥于被动地描摹，一个新图式的创造集中了诸多素描语素，而创造者内心的体悟与思辨方式才是最直接、最有力地表现。

第9篇：艺术设计学范文

2002—2005年国务院先后两次召开全国职业教育工作会议,都做出了大力发展职业教育的决定;这为我国职业类院校的蓬勃发展奠定了政策基础,也是我国艺术设计类教育从传统型向现代型转变的关键时期。从教育部新颁布的学科目录上没有“工艺美术”这个词后,“艺术设计”似乎就成为一个更为复杂的名词[1]。1980年至今,我国当代艺术设计教育已走过近40年的历程,这40年,可以说是我国职业类院校艺术设计教育从小到大的发展历程,这期间培养了许多从事艺术设计的专业人才,他们现已成为我国当代艺术设计及艺术设计教学领域的中坚力量[2]。目前,我国高职艺术设计教育的主要学科体系大致如下:装潢艺术设计、服装设计、环境艺术设计和工业设计;进入二十一世纪后,动漫设计与制作、影视广告设计等如雨后春笋般蓬勃发展,几年时间就在全国遍地开花。然而,在办学近十年的历程中,这些专业又面临怎样的局面、存在哪些问题呢?做为多年从事高职院校艺术设计教育的老师们该做些什么?在此从设计实践和教学管理等方面,谈一下个人观点和认识。

一、高职院校艺术设计专业目前的现状

(一)基础课教学方面的现状

完成了“工艺美术”向“艺术设计”的转变后,以前的基础课教学体系被淘汰,基础绘画课的功用发生了较大的转变,从只注重形、体、色彩、艺术审美向记忆、联想、想象、再创造为目标转变;笔者做了这方面的尝试,但在有限的时间内内,基础造型能力和色彩配置审美的掌握和运用就被边缘化了。

(二)专业设计课方面的现状

近几年,全国的高职院校都在申办艺术设计类专业,在社会上出现了“艺术设计热”。高职院校的艺术设计类专业看似“很火”;但毕业生的就业情况却不尽人意。(1)装潢艺术设计专业面临的最大的问题就是过热。各院校的办学规模都在成倍增长,办学的基本硬件都很难保证,各种“软件”设施更是捉襟见肘。如今毕业生的作品呈现形式都是在电脑上呈现,缺失了必要的设施情况。(2)服装设计和环境艺术设计专业的情况也不乐观,培养的学生几乎没有人愿意到生产第一线去,他们多愿做设计,而且多是时尚设计,但对服装的精细加工和环境艺术设计的施工工艺特别是高精度的施工工艺缺少兴趣。时装设计倾向于纯艺术,实用价值不大,这一领域的服装生产厂家也很少,所以服装设计专业的毕业生改行比例很大[3]。环境艺术设计方面的毕业生会直接受到“民工式”的冲击;因为很多装饰工程公司无论在招、投标或者“揽活”时,设计方案基本免费,甚至一些中、小装饰工程公司根本不做设计,由甲方负责人提出想法或直接参考优秀的建筑装饰效果图资料,这种做法在我国装修市场主流的民营企业、特别是民工装饰队中十分普遍。(3)工业设计专业是四个专业中唯一没有过热的专业,也是影响未来我国工业设计的重要专业。其未“热”原因有很多。其中,企业领导者多半持拿来主义态度,仿制国外产品,导致我国的工业设计几乎没有自己的知识产权。鉴于上述原因,此专业的就业市场一直低迷,毕业生改行率高,所以国内院校很少开设工业设计专业[4]。

(三)学生培养方面的现状

艺术设计强调的是个性、独创和与众不同,它要求既不能重复他人又不能重复自己;在教学过程中,每一门课程、每一项作业都要创新,在这样的教学要求下培养出来的学生创新能力和个性都较强,具有以创新为荣,以重复和模仿为耻的精神[7]。在高职类院校毕业生中从事设计工作的毕竟是凤毛麟角,少之又少,而大多数毕业生要进入技术工人的行列,技术工人各工种的相互协调,统一管理对整个工程的顺利、高质量完成显得尤为重要,学生培养看似微不足道,但离开了学生培养谈教学就显得无凭无据、软弱无力。以上种种都给专业教学带来意想不到的麻烦,让很多专业教师面对学生无所适从,职业类院校培养目标本身就是动手操作能力,就是一种个人的施工工艺能力的掌握,而学生对这方面的能力掌握从本身来讲就没有兴趣,再加上高职类院校在基础实践方面的投入很少,设施很简陋,甚至根本没有实践设施,“自找单位、分散实践”在高职类院校艺术设计专业中很普遍,现状却是如此。

二、高职院校艺术设计专业的教材、教师队伍、教学管理方面的现状

从教材方面看,近几年虽然高教社和各地方出版社也出版了很多教材,还标明适用于艺术设计类专业、或高职艺术设计专业,但没有几套、甚至是几本真正和教学实际相吻合。除了外部原因,学界本身就自觉不自觉的夸大设计在社会中的地位,教材编写的出发点和现在的社会条件、资金投入、质量标准、市场潮流相去甚远,用这样的教材培养的学生是很难就业的[5]。从教师方面看,目前我国高职院校艺术设计专业的师资,多半是引进本科院校艺术设计专业的毕业生或研究生直接作为教师启用;这一部分人基本上是从学校到学校,是从学生向教师的转变,对社会行业、企业实践大都知之甚少;在教学中不会“说外行话、做外行事”,但只凭着“我的老师怎么教我、我就怎么教学生”的热情来从事艺术设计教学,混淆了本科教育和高职类院校的培养目标,与高职院校以培养高级技工为重点的方向不相符[6]。另一部分则是从绘画专业转行当艺术设计教师的,这一部分教师面临着“转型培训”问题,他们中有一些在绘画上小有成就、自恃学高,而忽视了自己面临着一个全新的领域,就妄自尊大、凭经验办事———对新人、新事置若罔闻,等等。这就是目前我国高职院校艺术设计教育教师队伍的现状!从教学管理方面看,艺术设计专业教学管理在人员结构上就不合理。首先,由于我国的艺术设计专业起步较晚,专业教师职称相对较低,很难进入管理岗位,哪些不懂专业的人又无法真正从事教学管理工作,这是我国艺术设计院校普遍存在的现象。其次,艺术设计专业的管理是科学与艺术的结合,有一定的特殊性,需要深入研究,并形成一套具有艺术设计专业特色的教学管理和质量评价办法。如何在管理体制上形成一套科学、实用、又行之有效的教学质量评价机制,是老师一直在探索的问题,对学界来说,最痛苦的事情莫过于看到了事物的本质却对此无能为力。

三、现代技术的发展对艺术设计行业的冲击

技术对艺术的冲击在近代历史上发生过多次,每一次都产生新的艺术门类、绘画形式及新的艺术教育学科。第一次是摄影技术的诞生:摄影技术的诞生,对写生绘画艺术产生了很大的冲击,使以再现真实和虚拟真实见长的绘画艺术相形见绌,进而催生了所谓的现代绘画及流派。第二次是电子、影像、媒体技术的诞生,对现代艺术设计的表现形式产生了致命的打击,他们是动态的视觉形式,进而摧生了形象与情节的真实,有一定情节的电子音乐以及影视广告、MTV等。第三次是电子计算机的诞生,作为目前最先进的视觉表现手段首先在艺术设计领域应用,以往人们用手工很难实现的视觉效果,被电子计算机轻而易举地完成;电子计算机所提供的各种迅捷的设计手段和方式,将设计师的双手从繁杂及重复性的劳动中解放出来,从而深化了人脑的艺术创造力和最终的视觉艺术效果[8]。#p#分页标题#e#

四、高职艺术设计专业面对未来的思考

1.今天,高职类院校已经到了一个发展的关键点,我国高考学生的总数在下降,优胜劣汰之路谁也无法绕过,有特色、有特长的院校生存发展,办不出特色的必将淘汰,艺术设计类专业可能会首当其充。

2.艺术设计类专业的发展也到了转折点,从侧重艺术绘画转向实用设计,从侧重纯设计转向设计施工,从侧重手绘设计转向电脑设计。

3.从学生培养方面看,学生的就业率是衡量一所学校办学水平的重要指标,特别是职业类院校,学生的就业率上不去,你就是将学校说的天花乱坠,没人会相信。久而久之,学校的生源就会出现大问题,一所没有学生的学校就是笑谈。学校的一切教学活动都必须围绕学生的就业来开展。必须把毕业生的团队意识和相互配合意识放在学生工作的中心点来加以重视。

4.从教学方面看,必须坚决贯彻职业类院校的培养目标不动摇,就是以学生的动手操作能力为出发点,加强熟练技术工人的培养,相应的实验、实习设施要跟上,有些学校实行了学生出一部分钱、学校出一部分钱,让每一位学生都有一台电脑的做法,来提高学生对设计软件的掌握和熟练使用,这些都值得我们学习和推广。

5.从教材方面看,目前为了某种利益而编写的教材可真不少,到学校找领导的络绎不绝。笔者认为可以借鉴本科院校的办法,学生使用的教材不一定必须统一征订,教材加贴合实际的教师讲义的形式,可能对学生的专业学习更有实际意义,这样做也不视为一种好办法。

6.从教师队伍方面看,有实践经验的兼职教师占一定比例的办法必须落到实处,只要实践经验丰富,其他条件可适当放宽。