舞台设计精选(九篇)

前言：一篇好文章的诞生，需要你不断地搜集资料、整理思路，本站小编为你收集了丰富的舞台设计主题范文，仅供参考，欢迎阅读并收藏。

第1篇：舞台设计范文

舞台吊标分为电动和手动两种,它主要用于悬吊和升降各种幕布、灯具、布景等物，是上下左右频繁移动机械,所以吊杆也是舞台安全的主要系数。电动吊杆的作用可以降低工作人员的劳动强度，起至事半功倍的效果,如果一个舞台的深度有14米,我们可以为他设置电动吊杆38道，其中24道景杆（含一道前沿幕）、14道备用吊杆【包括2道二维侧光灯架】，一道升降电影银幕架、1道灯光渡桥及无极均匀伸缩大幕机1套。

通过我们多年使用舞台吊杆机械的经验,我们认为泰州长江影视工程设备厂生产的产品，性能最稳定，安全最可靠，已经被上百家剧院采用。其运用了蜗轮蜗杆减速系统、材质为锡青铜，磨擦系数小，传动效率高。有防冲顶保护、上下限保护。滑轮为镀锌防跳绳花轮，安装不须焊接在滑轮梁上，如焊死，以后维修、调整极不方便。长江影视设备厂的滑轮都是用抱箍罗栓固定。当吊杆升、降至某一位置时，ABS抱死系统立即断火紧锁马达，这样确保吊杆停至此位置下滑系数最小,安全性达到最高。且强弱电分开控制。

所以在这里设计了舞台机械的具体参数:

A、景物吊杆技术参数如下：

电机功率：2.2KW吊点数：4个

升降速度：0.27m/s杆体长暂定：16米

电机转速：1400转/分速比为：40：1

提升荷载为：400KG杆体为钢管

控制方式：点控

该型吊相具有上下限位，冲顶保护装置。制动形式：蜗轮、蜗杆自锁，电磁抱闸。噪音≤45dB.

吊杆杆体用两根Φ50黑铁管焊接成吊杆，中间接头内衬钢管。最后均刷防锈漆两遍，外层喷黑色油漆。

B、灯光吊杆技术参数如下：

电机功率：3KW吊点数：4个

升降速度：0.18m/s杆体长暂定：14米

电机转速：1400转/分速比为：50：1

提升荷载为：600KG杆体为?50黑铁管吊杆

控制方式：点控

该型吊杆具有上下限位，冲顶保护装置。制动形式：蜗轮、蜗杆自锁，电磁抱闸。噪音≤45dB。

吊杆杆体用Φ50；黑铁管焊接成吊杆，中间接头内衬钢管。最后均刷防锈漆两遍，外层喷黑色油漆。

舞台机械设计原则

（节选）1、钢结构

a)所有承重的钢结构件，其结构刚度大于1：1000

b)钢结构件应设计合理，钢结构及其接头应能承受最大额定载荷和由紧急停车造成的冲击载荷；

c)钢结构件所用材料应符合有关标准；

d)钢结构焊缝须符合有关规定，主要焊缝应进行无损探伤检查；

2、吊物与卷扬装置

①卷扬机卷扬机上的电动机和制动器应联合动作，只有电动机电源接通时，才能许可制动器打开；万一制动器打开，而电动机没有接通电源时，只许吊杆（负载）静止或低速下降；

②卷筒组件

卷筒直径不小于钢丝绳直径的30倍；

卷筒用优质灰铸铁或厚壁无缝钢管焊接并经精确机械加工而成；

钢丝绳屿卷筒绳槽中心线的夹角应中于2.5度；

卷筒组件应设计防止钢丝绳在负荷或松驰状态下跳槽的装置。

③滑轮

滑轮的节圆直径，不应小于钢索直径的28倍；

滑轮及滑轮组应采用滚动轴承支承；

滑轮及滑轮组应有防止钢丝绳脱槽的保护装置。

钢丝绳与滑轮的偏角不超过2.5度。

④钢丝绳

悬吊钢丝绳应为带有人造纤维芯的软钢丝绳；

预先检验：供货时所有的钢丝绳均应分批测试；

现场处理：钢丝绳在安装期间应小心处理，不能以任何方式技术打结或损坏；受损或变形的钢丝绳不予接收。所有切断头都应妥善处理；

安装：钢丝绳不应与设备的固定或移动部分磨擦，在有损坏或卡住风险的地方，应采取正确防护措施；

悬挂支承：穿过顶楼的转向滑轮或在其它需要悬挂支承的地方，钢丝绳应在滑轮上进行支承。

⑤钢丝绳配件

钢丝绳配件应采用表面镀锌的标准配件；

钢丝绳配件规格尺寸与钢丝绳匹配；

使用钢丝绳夹的地方，每个接头至少使便用3个正确安装的绳夹。

3、吊杆

a)吊杆采用圆管杆或桁架杆，管子或构架应平直、无扭曲变形；

b)管杆采用优质无缝钢管制造；

c)杆的接头应尽量少，接头采用实心圆棒与管子配合；

d)悬吊钢丝绳的端头用单独安装于杆上的调节装置进行调整；

e)管端：管端应配有带醒目颜色的永久性塑料帽或钢封头；

4、限位、定位、超程开关

a)限位及定位开关

i.行程终止限们开关：行程终止限位开关应能测出设备正常行程绺并使之停车；

ii.中间定位开关：在合适的地方配置中间定位开关和减速开关；

iii.直接碰撞限位开关：行程终止限位开关也可选用直接碰撞限位开关。

b)超程限位开关

超程限位开关：所有电动设备都应安装单独的超程限位开关，以防行程终止限位开关发生故障导致机械损伤。

4、电动机

a)工作循环：舞台机械按断续操作设定。每个工作循环规定为在载荷条件下6次全行程运转并有15min停顿；

第2篇：舞台设计范文

摘要：阐述舞台设计与导演相互配合，相互依存的关系，分别从舞台设计和导演两个角度，论述在戏剧演出中两者如何密切合作以达到最佳的演出效果。

关键词：舞台设计；导演；戏剧；视觉空间舞台设计为导演提供三维的立体空间，是整个戏剧演出环境的创造者。如果说导演是全剧的总指挥，那么舞台设计就是全剧视觉的导演，当然舞台设计也可以利用声响来加强剧目的感染力，但舞台设计的主要任务还是为导演提供可视的形象空间，舞台设计对视觉总体样式的把握是极为关键的，因此舞台设计常常被称作是第二导演。舞台设计与导演是相互依存的关系，是1+1>2的关系。在舞台设计没有为导演提供视觉形象空间之前，导演的想象可以是天马行空的，不受任何限制，然而这种无限制的自由却会成为一种不自由，将不利于导演创作的统一性。导演需要为全剧寻找一个统一的舞台样式，并将自己的导演理念及个人体验融入其中。同一个剧本，在不同的舞台空间中，导演会创作出风格迥异的作品，一旦确立了全剧的舞台样式，导演便会积极主动地在这样的空间中安排演员的调度和表演。同时，舞台样式的确立也给会导演带来创作上的灵感，启发导演如何更好地利用空间来为表演服务。舞台设计与导演只有相互配合，相互启发，才能创造出完整的艺术作品。

从文本的一度创作到导演和舞台的二度创作，实际上就是将语言转化为视觉的一个过程。不同时期的戏剧受到当时戏剧思潮的影响，不同戏剧思潮展现不同的人文情怀与艺术追求，就要求有不同的视觉表达方式。导演不能脱离某种文艺思潮而独立存在，舞台设计样式也是在各种思潮的作用下呈现的。现实主义戏剧是艺术家对现实世界忠实的描绘，就要求舞台设计在舞台上设计出符合剧情的现实环境；象征主义戏剧以联想、想象、梦境和人的心里外化为特征，就要求舞台设计将一些布景作为符号使用，追求一种潜在的意义和单纯而含蓄的美；表现主义戏剧强调作者的自我感受和主观意向，在舞台上常会利用灯光变幻各种光怪陆离的梦幻效果，并运用各种歪曲变形的、抽象的舞台美术手段，以制造强烈的震感观众心灵的舞台效果；未来主义戏剧宣称要彻底摧毁传统戏剧僵死的手法，舞台设计把幻想和荒诞作为手段，用反传统、反真实、反理性的视觉形式来表现人的主观感受；超现实主义戏剧试图表现人的精神活动的本来面目，从而达到它所标榜的超级真实，这就要求舞台设计运用出其不意、偶然性和无意识的手段，为演员提供足以释放人的潜能的视觉空间。导演和舞台进行创作的过程中，首先依据的便是文本。导演对剧本的阐述，对演出的构想或多或少都会受到剧本题材的制约，而舞台设计也不能完全脱离剧本任意设计，导演和舞台设计对文本的理解若能首先达成一致的认识，对今后的合作将是非常有利的。

导演的创作，一方面会受到所处时代的文艺思潮的影响；另一方面也贯穿了自己的导演理念，并对舞台设计有一定的要求。舞台设计在为导演提供视觉空间时，也必须尊重不同导演对各自理念的表达，在此基础上帮助导演更好地完成剧本的构想。梅宁根公爵要求布景和服装必须经过严格的历史考据和复原，舞台设计应尽可能的贴近真实；安德烈・安托万作为法国第一个有成就的导演，尤其强调布景和道具的逼真性，要求舞台设计把现实生活中的物件直接摆放在舞台上；斯坦尼斯拉夫斯基作为体验派戏剧的代表，是推崇现实主义传统的，因此舞台设计要提供一个真实的环境来完成斯坦尼的戏剧理念；莱因哈特的戏剧理念则更加自由，他认为戏剧是一种无所不包的艺术样式，因为它可以利用各种风格或者不同的时代手法来实现自己的目的，各种类型的戏剧，甚至每一出戏都应有它独特的风格样式，都需要有截然不同的舞台处理，这样就留给舞台设计以更加开阔的空间去想象；布莱希特理论的核心是他的“间离效果”，为了达到这一目的，他要求舞台设计消除幻觉，把装置明显暴露给观众，好让观众意识到自己是在剧院看戏，此外他让舞台换景在观众视线之内进行，于众目睽睽之下完成，以便把观众的情感充刚才的剧情中召唤回来；梅耶荷德更加强调演员的肢体动作，要求舞台设计提供构成主义式的布景，把一些不具意义的平台、坡道、台阶、秋千等组合在一起，提供给演员在上面攀爬表演，舒展自己的肢体。舞台设计在完成导演的理念的同时，还应该利用自己对视觉把握的优势，积极主动地创造出具有形式美的舞台空间。导演和舞台设计绝不是一种附庸从属的关系，而是一种相互尊重，共同合作的关系。

同样，舞台设计在构思的过程中，必须带有导演的思维，了解导演的意图，才能设计出即具有视觉形式美感，又符合导演构思的舞台空间。导演在设计演员调度时，也会考虑到舞台提供的支点和路线来组织戏剧动作。舞台设计对舞台样式的把握是极为关键的，舞台样式一旦确立，可以说整个剧的演出风格就已确立。在创作时，导演和舞台设计要多交流，在碰撞中擦出火花，为最终剧目的呈现共同努力。

第3篇：舞台设计范文

世界上最早的剧场出现在公元前6 世纪的雅典- - - 戴欧尼斯, 在当时的戏剧演出中就有了立体布景如山石、祭台等。到了古罗马时期, 剧场开始出现了开场大幕,从马建筑家维特鲁威的《建筑十书》中得知, 古希腊和罗马剧场的舞台上已经出现了“三棱柱景”和分类布景。

中世纪的欧洲, 戏剧布景开始应用“同台多景”形式, 即把剧情所需要的不同景点, “同台”并置在一个演出场所。此时的中世纪舞台, 还常运用舞台机关装置、魔术变幻等特技效果。

16 世纪初, 欧洲掀起了文艺复兴运动, 舞台布景设计从此成为一门专业。论文百事通镜框式舞台和透视布景开始流行, 焦点透视法和多种造型手段在舞台上得到综合应用。本镜框式舞台形式, 增加了透视布景的幻觉, 促进了写实主义的发展。当时的一些大艺术家如达?芬奇、拉斐尔等都参加过舞台布景的设计工作。此后, 又出现了完整的侧幕体系与三面墙布景。

近代西方, 随着科技的不断进步, 机械台与声、光、电这些现代技术手段引进舞台。舞台设计对布景结构的个性表现更加强化, 造型艺术与舞台艺术在布景设计上更加综合, 演出的空间结构创造已成为舞台布景设计的主要课题。

中国的舞台艺术在历史上也有过具象布景的尝试。早在秦汉的“乐舞”“百戏”中, 已有了手持道具、优美服装及机关布景; 两宋时期, 舞台布景与烟火、杂技相结合, 出现了爆炸、冒烟、喷火等效果; 据张岱《陶庵梦忆?刘吉晖女戏》中记载, 在演出《唐明皇游月宫》就使用了活动景片、音响效果与照明的配合。演出帷幕拉开, 舞台恍如月宫, “境界神奇, 忘其为戏也”, 创造了浪漫的神话气氛。清代康熙年间, 舞台布景在《长生殿》和《桃花扇》的演出中, 又有新的发展。清末与民国初年, 机关布景也一度流行, 但由于和传统戏曲的表演相矛盾, 未能流传发划圈移动重心而产生的顶胯动律, 它的动律来源于脚下的碾劲, 而前顶胯则是腿的上颤动。前面一拍动作是辅助, 它为后面碾顶打基础。

柔顶胯: 小八字步站, 面对l 点, 准备拍后半拍, 左主力脚后跟外碾立半足,右脚对1 点迈出掌着地, 同时左胯带动躯体左转对7 点, 双手小臂随体右摆起,吸气, 眼视8 点。1~2 拍, 双脚慢放下半足, 重心移右腿上全脚着地, 左脚掌着地, 双膝弯屈, 同时右胯对8 点慢慢顶出, 体对7 点, 吐气, 双手右下, 视8 点。柔顶胯准备拍后半拍动作是由脚下发力带动胯和上身的转动, 脚下发力关键是由跗骨的楔骨推动跟骨往外碾推, 使小腿后面的趾长屈肌往上提, 这样使后跟外顶并立半足。后面下沉顶胯, 又是由大腿股四头肌下压, 迫使膝关节弯曲, 脚下犹如采弹簧一样, 慢慢并有韧劲下踩, 同时由于重心移动, 双膝又处于半蹲状, 所以使右髋关节外顶, 那么, 柔顶胯准备动作力来于脚下, 而顶胯的动律又是由上而下的。

旋转顶胯: 右脚正步全脚着地, 左脚正步脚掌着地靠右脚心处, 面对1 点站。一拍: 右脚原地起步落地为重心, 左脚也同时快离地, 膝盖与右膝交叉, 然后脚掌再着地, 右膝下颤, 胯部由右至左旋转顶动, 双臂屈肘于胸前, 手心向下, 从右至左划圈, 眼视l 点。旋转顶胯与前顶胯由下至上, 单顶胯由里往外, 柔顶胯由上至下的动律有所不同, 这是由脚下的小踮步和左的关开而引起右髋关节推动右臀大肌和左臀大肌至左胯顶出, 左胯转顶使腰和上身产生了相反的运动,本 这样就使整个身体成螺旋式转动。其胯部的顶力小而快, 动作灵巧、洒脱、俏丽。

三、确立以顶胯为内核的羌族民间舞的教学构想

羌族民间舞中的顶胯动律不仅是舞蹈的动作和技巧, 而且还存在着丰富多样的内在表现力, 柔中有刚、快中有慢。如果在羌族民间舞的课堂教学中, 以顶胯这个动律为内核, 配合腰、肩、脚、手等部位, 这样才能全面地展现出羌族民间舞独特的风格, 表现出羌族人民质朴、粗犷的性格, 同时也能体现羌族人原始古朴的审美意识。所以我认为在教材进入课堂时, 应运用纵横并进的教学方法, 让学生们更好的去掌握羌族舞蹈。

纵线上, 首先给学生前顶胯、柔顶胯等几个羌族民间舞中最具有典型代表意义的和有训练价值的顶胯动作, 目的是使学生的脑子里有羌族舞顶胯风格的形象和概念。但要让学生真正掌握好这一民族舞蹈的风格特点, 就必须要求学生胯、腰、脚、手、膝几部分在松弛的状态下运动, 并协调各部位的运动, 尤其重要的是对胯部的放松。所以要解决好以上几方面的训练。横线上, 在几个具有典型代表意义的和有训练价值的动作中找出他们的基本动律, 并以它们为主干, 规范出一套胯、手、肩、脚、膝等具有形象和意境的训练短句和训练组合。比如, 1.节奏明快、性格开朗的横转动律训练短句, 目的是训练学生掌握好居住在山地的羌族在往来于山谷之间, 上下山时肩与胯动律。2.活泼、灵巧、趣味性强的晃肩压腰顶胯动律训练。3.轻柔而沉稳的甩手前顶胯组合训练。4.柔性深沉的单顶胯组合。5.奔放、激情的步伐与顶胯组合。另外,羌族舞蹈特有的节奏和动作, 表现了羌民族洒脱、纯朴、自然的心理特征, 所以在教学中, 也应注意培养学生把握这种特殊心理性格和审美兴趣的能力。

通过这几个不同性质的训练短句和组合, 使学生不光是从单纯的外部形态去模仿, 更应该让学生们从内到外、形神兼备地去体验、鉴别、掌握, 以不断地发现、捕捉羌族民间舞蹈特有的顶胯风格。

展。到了近代, 西方戏剧传入中国, 本舞台布景才逐渐被我国的众多剧种所普遍使用。

二、舞台布景形式的审美特性

着名戏剧家先生说“没有舞台美术, 就没有戏剧”, 舞台布景的形式美是舞台最直观的形式。雷勃曼说: “艺术的形式即生命的形式”, 舞台美术形式应在内容的制约下, 具有诗中有情, 画中有意, 似诗如画的艺术效果, 充分体现情感形式的描绘性表现。从这里可以看出, 舞台布景设计者是具有诗人气息的艺术家。舞台布景的形式美具有独立的审美, 德国戏剧家、导演布莱希特认为:“布景要有艺术的价值, 还要有个性特色”, 才能体现形式本身所包容的内容与意义。在舞台设计里, 构成形式美的要一、舞台布景结构形式的出现

世界上最早的剧场出现在公元前6 世纪的雅典- - - 戴欧尼斯, 在当时的戏剧演出中就有了立体布景如山石、祭台等。到了古罗马时期, 剧场开始出现了开场大幕,从罗马建筑家维特鲁威的《建筑十书》中得知, 古希腊和罗马剧场的舞台上已经出现了“三棱柱景”和分类布景。

中世纪的欧洲, 戏剧布景开始应用“同台多景”形式, 即把剧情所需要的不同景点, “同台”并置在一个演出场所。此时的中世纪舞台, 还常运用舞台机关装置、魔术变幻等特技效果。

16 世纪初, 欧洲掀起了文艺复兴运动, 舞台布景设计从此成为一门专业。镜框式舞台和透视布景开始流行, 焦点透视法和多种造型手 段在舞台上得到综合应用。本镜框式舞台形式, 增加了透视布景的幻 觉, 促进了写实主义的发展。当时的一些大艺术家如达?芬奇、拉斐尔等都参加过舞台布景的设计工作。此后, 又出现了完整的侧幕体系与三面墙布景。

近代西方, 随着科技的不断进步, 机械台与声、光、电这些现代技术手段引进舞台。舞台设计对布景结构的个性表现更加强化, 造型艺术与舞台艺术在布景设计上更加综合, 演出的空间结构创造已成为舞台布景设计的主要课题。

中国的舞台艺术在历史上也有过具象布景的尝试。早在秦汉的“乐舞”“百戏”中, 已有了手持道具、优美服装及机关布景; 两宋时期, 舞台布景与烟火、杂技相结合, 出现了爆炸、冒烟、喷火等效果; 据张岱《陶庵梦忆?刘吉晖女戏》中记载, 在演出《唐明皇游月宫》就使用了活动景片、音响效果与照明的配合。演出帷幕拉开, 舞台恍如月宫, “境界神奇, 忘其为戏也”, 创造了浪漫的神话气氛。清代康熙年间, 舞台布景在《长生殿》和《桃花扇》的演出中, 又有新的发展。清末与民国初年, 机关布景也一度流行, 但由于和传统戏曲的表演相矛盾, 未能流传发划圈移动重心而产生的顶胯动律, 它的动律来源于脚下的碾劲, 而前顶胯则是腿的上颤动。前面一拍动作是辅助, 它为后面碾顶打基础。

第4篇：舞台设计范文

作为舞台美术设计人员，应当明确舞台美术的功能和作用，它是要给晚会或联欢会等活动一个比较完美和艺术。的演出空间，为演员提供演出所需要一的布景和环境。此外，舞台美术设计要突出活动所要表达的主题，以及其精神内涵。从活动导演的角度来看，舞台美术设计要揭示活动的主体思想和深层涵义，要为导演对整个活动的构想和设计提供服务，还要在一定程度上加强导演的艺术构想和活动的主体思想表现深度。

二、校园舞台设计现状

校园舞台是展示校园文化的窗口，同时也体现了师生们的生机与活力、诗意与灵气。因此，我们在设计校园舞台时就要把握其整体特点进行设计，因此校园舞台应当是充满生机和活力，而且要具有强烈的时代感，体现出学生的青春气息。此外，校园舞台的用途比较简单，因此，我们在设计的时候要根据活动的内容和主题，对学校现有的环境和器材进行配置，用有限的“材料”搭建出不凡的舞台。在校园舞台设计中，设计人贝常常因为经费和器材，以及其他各方面的限制，很多学校的舞台设计本着能省就省的原则，不注重舞台设计的审美，使其呈现出比较单一、陈旧的结构形态，甚至大有粗制滥造的倾向。如何解决此问题，一直是不少舞美工作者所面临的挑战。就这一问题我们进行了多年的探索和反复的实践，还对目前的校园舞台美术设计同时做出了艺术设计、经济发计、商业设计等等的尝试，取得了一些区域性的成果，以飨同行。

三、校园舞台美术设计分析

舞美设计者是以个人的主观感受授送他人的感受，舞台背景演出内容、导演构思和舞台美术设计的意图，将舞台幕布、平台等，运用于平面绘画、立体造型、光形技巧等装置艺术，为表演者设计出特定的演出环境，为演员塑造最佳的表现力。各学校的舞台美术设计主要应用于庆典、会议和文艺演出当中。在会议及庆典中的舞美设计的是庄严与秩序感，布景不像文艺演出那样要求灵活多变，较容易把握，这里就不多做分析。

学校举办文艺演出的资金及技术投入有限，舞台美术设计在L是以‘当十，以少胜多，以局部替代整体，以虚代实。少花钱办大事设计的信条。舞台美术设计更是受到种种限制的实用艺术。在众多的舞台设计背后，也遇到了这样和那样的限制：如资金、设备陈旧、技术条件等，有些情况是很难解决的。尽管如此，但也产生出了舞台美术设计的独特个性与别样风味。所以说，演出气氛是舞台行动的速度，演出节奏是演员行动的环境，声、光、电则是营造演出气氛的巨佳手段，它既反映演出的主题，又体现出舞台二下的生活节奏。例如：我校建校2O周年纪念晚会上的情景歌舞剧《在路上》，演绎的是艺术中专学生在校的学习和生活。我在该剧中采用了电影蒙太奇的舞台转接手法，反映了艺校学生在校园里的日常生活情景。开场伴随独白逐渐进入清晨练功的音乐，夹杂盆桶相撞的声响，演员们手挥“抹布”，肩扛“扫帚”，以舞蹈的再现了学生晨起的生活场景。接着学习与课堂的场景利用灯光和舞台背景黑白幕布的连续转换，把观众的视线移到了“舞蹈练功厅”，一群学生在专业老师的指导下认真的练功。节奏很强的音乐、流动的把杆和镜子、变幻的灯光及演员们热情洋溢，认真刻苦的表情，顿时把观众带到了艺校练功厅的学习场景中，并为之感叹。舞台L所有描绘，瞬息放射出的忽而炽热、忽而宁静、忽而变幺j、忽而清晰的光色，无处不呼唤着观众心灵深处对青春的眷恋和渴望，于是观众想象力被点燃了!所以演出取得了巨大的成功，并应中央电视台之邀赴京，在央视3套《舞蹈世界》全场录播。舞美的简洁、流动、变化，生动的诠释出整场歌舞剧的思想和精神内涵。

舞台美术设计追求细节的具象和，细节的会是僵死的，也不产生生命的张力。在编排的舞蹈《阳关故人》中，舞关工作者追求细节，但并非完全采用自然主义的模仿，史是存制造幻觉的基础之上，完美的制造出时空转换的窄问，使舞台在时空中来回穿梭。正如瑞士舞台美术家阿庇业所说：“不要抹去森林的幻觉，而应抹去的是森林气氛巾人的幺J觉”，“寻找感动，感动他人。”这正是舞台设计的追求。

在设计《阳关故人》的舞美表现中，没有传统的软景硬景，布景就是黑幕，全部采用定点光源和侧逆光，整个舞台犹如时空隧道，舞蹈所折射出的光华仿佛净化了一切，让我们的心灵浸入到那遥远历史的暗河的波澜中。观众的心忽而在浪尖上颤抖，忽而又在波涛里沉沦，顿时，宇宙的万象仿佛纷至沓来，又似乎一下又回到了尘封的记忆里，只觉得有团不可思议、难以名状的情感从四面八方扑将而米，计人忘了时间，忘记了空间，穿越在历史中。波澜壮阔，荡气回肠!灯光炽热了!音乐沸腾了!现代和历史扑面而来，舞台人物在观众心中站立起来了!正如罗伯特·埃德蒙·琼斯所说的“舞台设计就是人物的风度和情调……它是共鸣，它足鼓舞，它是期望，它预示着整体舞台的张力”。

四、未来校园舞台美术设计的发展趋势当代舞台美术设计是“科学技术的艺术再现和艺术的科技升华”。可以预料，未来校园舞台美术的设计与体现，随着国家对教育投入的增加和科学技术的迅猛发展，舞台美术将会逐渐形成程序自动化，舞台空间将会多维化和体化。

第5篇：舞台设计范文

舞台服装作为舞台艺术中的一部分，与舞台中其他艺术表现形式是紧密相关的，并且会受到其他艺术表现形式的影响与制约，如在舞台艺术表演中，舞台空间与服装的搭配程度、演员与演员之间的关系、角色自身的形体条件等都会对舞台服装造成一定程度的影响。所以在舞台服装设计中，舞台艺术中的其他方面也是要考虑的重要因素，只有实现舞台服装设计与舞台其他表现艺术的和谐，才能够取得相得益彰的效果。舞台艺术中的舞台与观众席会有一定的距离，而这种距离效应会使舞台服装强调的内容不在于缝制工艺，而是在于整体的轮廓与造型，尤其表现为对材质和色彩的重视。同时由于距离效应的存在，舞台服装在再现生活服装方面的材质选择上通常会以假代真，即利用类似的色泽与质地来仿制生活服装。而事实也证明，这种以假乱真不仅经济，而且在表现效果上也更加事半功倍。这也就决定了在舞台服装的设计中服装样式、材质、色彩的选用应当放在突出的地位上。

舞台服装设计与舞台其他艺术表现形式的关系

（一）舞台服装设计与化妆造型的关系

由于舞台服装设计与化妆造型都是为塑造角色外貌服务的，所以舞台服装设计与化妆造型是一个不可分割的整体，它们都能够通过直观的视觉效应来使观众感受到角色的内容，为角色的外部形象起到定位的作用。两者不同的是化妆造型在舞台艺术中难以做出改变，而舞台服装需要根据不同的场景做出不断的变换。无论如何，在舞台服装的设计中，重视与化妆造型的相辅相成应当是重要的原则之一。

（二）舞台服装设计与舞台美术的关系

舞台美术应当包括舞台服装设计，因为舞台服装能够塑造良好的舞台形象，为舞台艺术的受众提供更好的视觉享受，所以舞台服装设计应当属于舞台美术的范畴，但是舞台服装设计又与舞台的设计、灯光、道具、效果等各个部门在媒介语言方面存在着很大的差异，这是由各个部门的本质特征所决定的。要将舞台艺术做到相对完美，就必须实现舞台服装设计与舞台美术的相互融合与互补，在与道具、灯光等默契匹配的基础上保持舞台视觉形象的整体性。

（三）舞台服装设计与表演艺术的关系

舞台服装设计与表演艺术的体现载体都是演员，在舞台艺术中，舞台服装设计是否贴切也将影响表演艺术所能达到的高度。二者之间的关系主要体现在以下几个方面：一是舞台服装能够促使演员尽快进入角色。舞台服装作为演员的外部形象，能够折射出角色的特点及情感状态，所以通过对舞台服装的定位可以诱发演员去体验角色，从而促使演员能够更形象地表达角色的感觉；二是舞台服装设计需要与表演艺术互补。舞台服装设计是舞台角色的外在特征，而表演艺术需要演员通过表情、心理活动表现出来，所以这种表现手段的差异应当通过互补来达到完美的统一，这就要求设计者在服装设计中能够对角色进行正确的定位与把握。

现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承与创新

（一）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承

现代服装设计对传统服装设计的传承主要体现在两个方面：一是对传统舞台服装设计构成样式的传承。在舞台服装设计中，坚持创新势必会带来发展，但是事实上舞台服装设计领域中的许多方面必须受到表演艺术形式的局限而不能随意做出改动。例如在一些传统的舞台戏曲表演中，舞台服装中的样式、花色等方面都是经历了很长时期的发展而固定下来的，也使受众形成了一种审美习惯，这也是许多老戏迷通过人物的服装就能辨别出角色的原因，所以这些具有“写意性”以及“符号性”的舞台服装应当继承而不能进行随意的创新；二是对传统服装设计审美观点的传承。同样是以传统戏曲为例，传统戏曲重视整体美与对比美，在舞台服装颜色上包括黑白对比、华素对比、同调对比和援例对比，这些色彩的运用十分独到并且对现代舞台服装设计仍旧具有很大的气势与借鉴作用。

（二）现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新

现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新主要体现在以下几个方面：一是观念的创新。随着文化交流的国际化，现代舞台服装设计逐渐体现出国际化是发展的必然趋势，在现代舞台服装设计中我们应当在传统舞台服装设计的基础上实现国际化，从而保留舞台服装设计的本土性与民族性，而无论是背离传统性还是国际化都是不符合现代舞台服装设计发展趋势的；二是科学技术的创新。现代舞台服装设计应当挖掘和发挥出传统舞台服装设计中所不具备的优势，随着科学技术的发展，舞台服装设计在服装造型、服装面料、服装制作的设备、服装的材质工艺、服装的装饰工艺等方面都具有了更多的选择，以科学技术为基础对现代舞台服装设计进行创新将使舞台服装设计成为科技发展的一个符号，使舞台服装设计具有更深的人文内涵。

现代舞台服装设计思路

（一）重视与角色形象和情感的结合

舞台服装的设计能够塑造出舞台角色的形象、体现出舞台角色的情感，也正因为如此，舞台服装设计由于受到舞台人物形象的局限，必须要表现出特定人物的特点，如通过服装的颜色来体现角色的情感变化，蓝色表现出角色的悲伤与忧郁；粉色来体现出角色的柔情；白色来衬托出角色的高贵和纯洁等，符合舞台角色的舞台服装设计能够成为一种传情的工具，通过给予观众视觉冲击来使观众体会到舞台艺术要表达的内容，所以重视舞台服装设计与角色形象和情感的结合，能够对舞台表达起到很大的推动作用。

（二）重视服装的统一与变化

舞台服装设计的统一能够使舞台艺术更加整齐与单纯，而舞台服装设计的变化则会使舞台艺术更加活泼，没有变化的舞台服装设计只会使舞台艺术显得过于呆板。所以舞台服装设计要重视统一与变化的结合，统一的准则是和谐，而变化的准则则是适度，只有和谐的统一才会给予观众更好的视觉享受，而适度的变化才能够实现与统一的互补，并且没有杂乱的感觉。

（三）突出服装的时代性

在一些传统的舞台艺术中，尊重传统的服装设计构成样式能够得到观众的认同，但是在一些具有现代感的舞台艺术如现代音乐剧中，服装设计应当体现出时代性的特点，即要具有时代感与时尚感，在这个过程中，可以对当前时装设计的原色做出借鉴，在角色衣着的风格中也可以适当地运用夸张来突出角色的个性化，从而加强观众对剧目发生背景的印象及对角色的印象。

第6篇：舞台设计范文

1.经济环境对舞台美术设计的影响经济发展能够带动科学技术和文化的发展，在经济发展日新月异的今天，同时造就了文化艺术的飞速发展。人们在生活中越来越注重精神层面的需求，庆祝春节时，如果人们只是简单的吃饺子，没有春联欢晚会，那么这个节日就会让人感到索然无味。人们的对文化生活的需求使得这些艺术活动蓬勃的发展起来，同时也促使舞台美术设计有更广阔的发展空间。可以说经济发展带来舞台美术设计的发展。2.中西文化对舞台美术设计的影响舞台美术设计必须以表演的内容为基础。各个国家文化的不同，使得表演的艺术形式也不同，从而使舞台美术设计也相互区别。表演有关我国民族文化的艺术时，舞台美术设计就会以该民族独有的特征为出发点，重点突出该民族人们的生活习俗和生活状态。西方国家的舞台美术设计也是根据他们的文化特点进行创造的。不同的文化造就不同的舞台美术设计风格。在文化融合的今天，我们要本着“取其精华，去其糟粕”的思想，吸收不同文化在舞台美术设计中良好的方面。将传统文化和现代文化、中国文化和西方文化的舞台美术设计相结合，创造出独特的舞台美术设计。3.设计者的理念对舞台美术设计的影响一个好的设计理念，是一个成功设计的开端。设计者在进行舞台设计时首先要对艺术所表达的内容有理性的认识，把握艺术中所蕴含的精神和表达的主旨。通过这些理性的认识之后再加入一些自己的感性认识，探索出该艺术所适合的舞台美术设计。实践中，相同的剧本相同的地方，不同的设计者设计出来的舞台效果却千差万别，观众的反响也是褒贬不一。有些舞台作品取得巨大的成功，有些舞台作品却无人问津。可以说设计者的设计理念是舞台美术设计成功的重要因素。

二、新形势下开创舞台美术设计的新思路

新形势下，在舞台美术设计方面，我们面临更广阔的艺术空间和更多元化的艺术表现形式。同时我们也面临着更多的难题和挑战。墨守成规已经被社会所淘汰，如今社会需要的不是一成不变，而是敢于打破常规，走不同于前人的道路。根据自己对舞台美术设计的理解和感悟，我认为我们应结合时代形势，在舞台美术设计上开辟新的思路。1.将舞台美术设计和科技创新融合在一起我们在欣赏舞台艺术表演时，很多时候会被美轮美奂的舞台美术设计所震撼。舞台美术设计要想取得完美的效果，离不开科技的支撑。可以说，科学技术已成为舞台美术设计创新的动力。舞台上强大的视觉效果是靠现代科技呈现出来的。电脑设计和控制灯光的多样化，光色变化的无限自由和造型的丰富多彩，液晶屏幕，投影技术的高科技化等。这些都是新媒体技术给舞台美术设计带来的新突破。在新媒体技术被各个领域所采纳的今天，舞台美术设计当然不能离开对新媒体技术的采用。把握科技创新的新动态，将科技创新和舞台美术设计结合在一起，是我们在新形势下必须要做的事情。2.结合观众的欣赏能力进行舞台美术设计舞台美术设计的最终目的是能被观众接受，取得观众好的反响。那么在进行舞台美术设计时，设计者就要考虑不同观众的接受能力。我们可以结合生活中的元素，考虑观众所处的文化环境和所具有的文化理念。比如中国的观众比较喜欢抽象的，具有丰富色彩的舞台美术设计，而西方国家的观众则更喜欢直观和冷色调的舞台美术设计。当然，考虑观众的欣赏能力，并不是所要毫无限度的迎合每个观众，而是在大的环境背景下对观众群体进行考察，把握舞台美术设计的方向。

三、结语

第7篇：舞台设计范文

大幕是观众厅与舞台之间起分割作用的幕，是舞台的门户，也是舞台的主要幕布，主要用于会议或演出开始和结束时的开闭，有时也可用作场幕。位于镜框舞台台口的内侧，镜框舞台与假台口之间。大幕有多种闭形式，例如：对开式、升降式、串叠式提式、单侧开闭式以及斜拉式等。对其操作控制系统也分为手动和电动两种形式。本海宁文化中心大幕设计为均匀伸缩对开式，此方式为时下较流行的一种，其性能稳定，使用寿命长，不易损坏。

大幕的颜色和面料可直接影响观众的视觉，要求庄重而典雅。本方案大幕采用紫红色麻绒带本色衬里做面料，通过三折一的艺术制作，给观众以强烈的立体感。

(2)前沿横帘幕

前沿横帘幕是大幕前上台口上的横幕，用它作舞台上沿，挡住观众对舞台前沿上空的视线柱，它起装饰美化舞台的作用。

前沿横帘幕与大幕形成配套，因而衬托了大幕，前沿横帘幕也称会标幕，可要根据不同的会议、演出，自如更换标语。

(3)二道幕

为独唱、独奏、曲艺等节目服务，起突出主角，烘托氛围的作用。位于舞台大幕之后，与第二道沿侧幕相近的一道幕。通常是以三倍打摺制成对开幕，本方案由于升降空间不够，只能为对开或提升两种形式供选择，从经济角度出发，本方案选择滚轮对开式。

(4)三道幕或会幕(供选择的)

主要为如开会议作后场的隔断作用，突出会议的重要性，烘托会议气氛。

(5)横帘幕(横条幕)

常用墨绿色，悬挂在普通吊杆和加长杆上，位于镜框舞台台口上方的幕布。与左右两侧的侧帘幕相配合，起到控制演出空间的视线的作用。

(6)侧帘幕(侧条幕)

侧帘幕位于舞台左右两侧，颜色与横帘幕一致，其对舞台表演区域起限制作用，其平行、正“八”字、倒“八”字等吊装方式可以改变舞台表演区平面的开头对舞台后部空间进行遮挡，引导、控制观众的视线集中在规定的表演区内。其主要是美化舞台，遮挡观众对侧台的视线。

(7)白天幕

白天幕位于镜框舞台演出空间最后部位，作为表现演出背景环境的幕布。其高度和宽度通常大于台口尺寸，可根据演出需要，将其设计成平面幕或弧型宽幕。

白天幕朝向观众席的内侧，可用天排灯、幻灯等进行照明或投射各种色彩形象，与整个舞台空间形成一个整体的画面。本方案采取白色细帆布为材料，色白、吸光性能好。

黑底幕

黑底幕位于舞台后部天幕之前，适合于表现为黑暗的场景空间，在歌舞伎戏剧中表现室外以及夜或者虚无状态，同时杂技表演时作背景幕用。采用黑麻绒三折一艺术制作。)

第8篇：舞台设计范文

【关键词】舞台美术；背景灯光；服装设计；构成

舞台美术设计由众多因素构成，最终目的就是不断创新舞台艺术表演形式，来增强舞台艺术的表演效果和感染力。根据不同的剧本来对舞台灯光色彩进行设计，表演者通过服装以及化妆设计来增强人物形象的塑造强度，进而推动舞台表演艺术的发展。

一、舞台美术中灯光设计

在舞台的表演中，灯光色彩的设计在舞台的表演中具有举足轻重的地位。灯光的色彩不仅可以改变整个舞台表演的背景，更能创造出一个绚丽多彩的世界，来渲染舞台表演的氛围，进而烘托出每个人物的特点和思想的表达。在舞台灯光的色彩设计中，首先需要对整个剧情进行分析，在不同剧情中设计出更加优秀的灯光色彩来表现出主题。然后，通过对灯光的色彩设计来奠定整个表演的基调，比如在一个以春天为主题的舞台表演，灯光设计师们可以以绿色作为整个舞台表演的基调，烘托出生机勃勃、清新的特点和主题。除此之外，在舞台表演中难免会有一些从白天到夜晚的剧情，通过对灯光的设计，来表现出太阳升起、日落黄昏的过程，进而将灯光色彩调暗来表示舞台表演的时间。通过对舞台灯光色彩的设计，可以让观众们从灯光的改变来推测出整个舞台表演的剧情和氛围，同时可以对观众们的情绪和舞台表演的剧情进行把握，更加表现出舞台表演的效果。

二、舞台美术中服装设计

在舞台服装的美术设计中，通过结合舞台表演艺术的特点进而设计出更加符合和具有针对性的服装色彩。在现代舞台服装设计的时候，服装设计人员要重视创新思维的培养，在现代舞台服装设计中坚持创新，从而带给服装设计领域勃勃生机。随着科学技术的不断发展，现代舞台服装设计师们在进行工作的时候可以利用高精尖的服装制作设备进行服装的快速制作，能够更好地展现设计师们的创新理念，保证现代舞台服装设计既能传承传统舞台表演艺术的精粹，也能展现出更大众化的文化内涵。比如，在很多大型的舞台晚会上，设计师们都会在演员服装上加入灯光特效，使舞台表演更加绚丽，达到更好地烘托气氛的目的，将舞台表演气氛推向。在不同的时期，舞台艺术的表现形式也会随之变化，舞台服装的设计思路也要不断跟进时代步伐。给现代舞台服装设计风格打上时代烙印，做到及时迎合现代人群审美观念。在进行服装设计的时候，服装设计师要注意结合时展趋势，让观众们感受到舞台表演的时代感。设计师要具备深厚的艺术底蕴，可以在传统表现力的基础上保持自我旺盛生命力。服装设计师在参与一些比较需要展现时代气息的舞台剧的服装设计时，比如现代音乐剧的表现中，就需要在服装上体现出所代表的时代的鲜明特征，让观众们很容易产生认同感，但是需要注意的是设计师还需要在设计中加入现代时尚元素，提升戏剧中各个角色的个性色彩，从而让观众们能够迅速了解舞台上剧情人物之间关系的改变。一些比较贴近生活的戏剧环境中，服装设计者就可以考虑将舞台服装生活化，赋予戏剧更多的真实性，让观众们从最客观的角度感受到舞台艺术的魅力，为整部舞台表现增添色彩。

三、舞台美术中化妆设计

在舞台美术的设计中，化妆色彩的设计是塑造和展现人物外部形象和人物特点的重要途径。化妆色彩设计师通过结合整个舞台表演的剧情、所处的时代、人物的基本特点，来设计出更加符合的化妆色彩。比如，在京剧、豫剧等戏曲的舞台表演中，化妆设计师要通过对化妆色彩的加重，将人物的特点表现得更加淋漓尽致。除此之外，在戏曲的脸谱中是化妆色彩的重要方面，通过不同化妆色彩来代表不同的人物特点，比如红脸来代表忠诚正义的人物特点，起源于历史人物关公的事迹。另外还有许多脸谱中化妆色彩的设计，白脸的曹操代表阴险狡诈的人物特点，黑脸的包公代表着铁面无私的人物特点等等。最后，化妆色彩设计师也可以通过对眼线和眼影的化妆来对人物的眼睛进行调整，进而更加符合人物的外部特点。通过对面部底妆的设计来表现出人物的状态，比如运用偏白的色彩作为面部的底妆来表现出人物憔悴和疲劳的状态。化妆色彩的美术设计师根据舞台表演来表现出人物的基本特点和所处的状态，表现出更加优秀的舞台效果。总而言之，通过以上对舞台美术设计的主要构成部分进行详细的分析，可见舞台美术设计在整个舞台表演艺术中重要程度。所以，针对不同的舞台表演艺术来科学性地进行舞台美术设计，进而增强舞台艺术的表演效果和气氛渲染，不断推动舞台美术艺术的再发展。

参考文献：

[1]乔洪琪.浅谈舞台美术设计中的色彩运用[J].戏剧之家,2015,(7):26.

第9篇：舞台设计范文

>> 舞台设计与舞台美术的几点表现与探索 关于秦皇岛市舞台美术发展的几点思考 浅谈舞台美术设计 浅谈舞台美术设计的创造性 浅谈舞台美术设计中的色彩运用 浅谈舞台美术设计的构思和创新 浅谈舞台美术设计中色彩的运用 浅谈《女人九香》的舞台美术设计 舞台设计与舞台美术的表现与探讨 对当前高校美术及艺术设计教学的几点思考 浅谈在中职美术设计教学中的几点认知与思考 舞台美术的设计和分析 舞台美术空间设计的探讨 试论舞台美术的设计与层次 舞台美术设计的表现分析 舞台美术设计的表意功能 对舞台美术设计的认识 浅谈舞台美术与舞台灯光的关系 浅谈舞台美术的重要性 浅谈舞台美术的发展和创新 常见问题解答 当前所在位置：中国 > 艺术 > 浅谈舞台美术及设计的几点思考 浅谈舞台美术及设计的几点思考 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 贺 新")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 摘 要：舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个组成部分，应该是开放的、多元的，更应该在新形势下不断创新，给传统的舞台设计赋予新的含义。关键词：舞台美术；舞台设计；创新中图分类号：J01

文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2010）18-0139-01舞台美术是戏剧及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。包括化装、服装、道具、布景和灯光。按一般演出惯例，舞台音响也归入舞台美术工作部门。舞台设计是由舞台、布景、道具、灯光等成分以及由空间、形状、光色、质感、活动等因素所构成的空间与时间的综合体。在戏剧演出中，为演员动作展开的一切围绕物的造型处理便称为舞台设计。一、舞台美术（一）产生与发展

在演出史上舞台美术各组成部分的发展是不平衡的。最早出现的是同表演关系最直接的化装、服装和道具。在西方戏剧的源头―希腊戏剧中，服装、面具已有不可忽视的作用。那时一出戏的演员只有两三人，要靠不断更换服装和面具来扮演各种戏剧人物。布景是较晚的发明。它有一个从剧场背景向剧情背景的演变过程。（二）功能戏剧是动作的艺术，舞台美术总是直接或间接地结合着动作来发挥作用的。1、刻画动作的形象演员是动作形象的直接体现者。作为主体的人，也由于社会生活和自然条件的种种差异而具有各不相同的形貌、衣饰和精神气质。演员的外形同各种动作形象之间有着大小不等的距离，缩短这个距离，帮助演员转化成为所要装扮的形象，这是化装、服装的基本任务。2、组织动作的空间和时间

动作是在具体的空间和时间中存在、展开的。现代舞台设计对于空间的组织已不局限于演员与舞台、演员与演员之间，也对演员与观众的空间关系做出种种新的处理。灯光不提供实物，但它可以切割空间，可以突显或隐没实物，可以用它的流动性加强演出的节奏感。二、影响舞台设计的几个因素（一）经济、文化等大环境对舞台美术设计的影响1、社会经济、文化的发展推动了文化艺术活动的广泛开展。科学技术的发展会极大地促进文化的繁荣，而文化的发展也会推动科学技术的进步，二者相辅相成，相得益彰，而社会经济的发展，必须有正确的方向和明确的目标，这就要有高层次的文化导向来指导经济的发展，需要文化为物质文明建设提供精神动力和智力支持。2、建设良好的文化审美教育环境对人们欣赏水平的提高和高素质人才的培养具有重要作用。从人类的美和美感诞生开始，审美教育就已随之出现。因为文化艺术活动具有群众基础和丰富的文化内涵，所以审美教育要借助文化艺术活动的审美媒介，按照时代的审美意识，净化性情和心灵，塑造美好人格，以此达到社会的和谐。（二）传统文化与现代文化中的艺术思想对舞台美术设计的影响1、传统文化中的“民族性”在舞台美术设计中的重要作用。“民族性”代表的是各民族历史上的一切优秀的思想道德和文化成果。2、各种文化艺术思想在舞台美术设计中的表现人类又化存在着一个由纵向与横向、时间与空间、传统与舞台美术设计的发展要本着“古为今用，洋为中用”的指导思想，就是在继承和弘扬我国优秀传统艺术与当代艺术成果的基础上，又面向世界，积极地借鉴和吸收外来艺术中一切对自己有用的东西，才能得到真正的发展。（三）设计者的设计理念对舞台美术设计的影响设计者的感性认识与理性认识在舞美设计中的体现。可以认为，舞美设计的最终目的，就在于满足人们的精神需求和享受。舞美设计者对所要表现的内容要有一定的理性认识，就是说要把握住整台演出的精神、主旨，并开启人类的无比精美微妙而又富有朝气活力的意识，充分调动起人们的各种感官，去感知和创造这美好的生活。三、舞美设计中的三个层面的把握（一）传统灯光照明功能的延续与变化