视觉艺术创作精选(九篇)

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第1篇：视觉艺术创作范文

动作意识即书法创作者挥毫运笔的操纵意识，它与审美意识有着极其密切的内在联系。

人们往往把审美意识当作纯粹的精神现象，其实它还是一种身体性的体验，因为审美意识融合着动作意识，所以，审美意识应是精神现象和身体体验，或曰心理活动与生理活动二者的完美统一。所谓动作意识，是指人类深层心理中保留的动物意识结构，它属于行为意识的一种，是人类最基本的生存方式和生命形式。从个体心理上来说，它是成年人心理中保留的婴幼儿的意识结构，存在于生理层面上。并主管着身体运动和生理反应。

动作意识首先是身体对环境的能动应答反应，支配着人的各种动作。例如，人们所从事的杂技、舞蹈、骑自行车、体操等各种劳动技能和艺术行为的肢体运动，都不是单纯的精神现象和思维过程，也不仅仅是大脑的思维，也有肢体的思维、身体的体验。运用这种思维，也就是身体的感觉，在不知不觉中使各种肢体动作得以协调完成。动作意识还有另一面，那就是欲望、身体的或痛感，以及伴随身体的其他器官而活动，如呼吸、心跳、脉搏加速或减缓等。在日常状态中，动作意识与心理意识联系紧密，但又有所区别，二者不能达成完全的一致。而在艺术审美活动中，艺术审美主体在审美理想的作用下，动作意识与其联结着的感觉经验得到升华，完全融合为一体，转化为审美意识，二者不可分离。诸如艺术主体在进行艺术创作时，尤其是在进行那些技能、技巧、技法操作(动作)性很强的艺术创作时，不仅有看不见的意识支配活动，同时也有看得见的“自动化”地把意识转化为肢体的动作(操作)活动，凭借身体的感觉，细致入微地进行着符合艺术创作要求的身体动作，表达着艺术追求和审美意识。器乐家在进行乐器演奏时，不仅有情感的喷发和精神的激越，同时也连接着演奏动作和身体反应，二者完美融合，配合默契，无法分清哪是情感体验，哪是身体体验。因此可以说，审美意识不是脱离身体的“纯粹意识”，而是融合着动作意识的身体性意识。另一方面，审美意识也不仅仅是一种动作意识，它还具有精神层面的指向性，达到了精神的极致。所以，审美的身体性，并不意味着精神的沉沦而返回到欲望的层面，而是一种精神的升华，既悦心又益身，是身心合一的愉悦和快乐。

具体到书法艺术来说，书法艺术的创作属于身体体验和动作意识(书写挥运的操纵)很强的艺术创作活动，在很大程度上，其艺术追求的表达和审美意识的实现都是由肢体的动作来完成的，正是动作意识的调配作用，才使得书法艺术的形式和风格追求化为了现实。动作意识在很大程度上决定着书法艺术创作的成败。因此，书法艺术特别讲求法度严谨，强调功力深厚。书法艺术创作是一特殊的行为过程，在这个行为过程中，书法艺术创作者的艺术审美思维活动、情绪(情感)活动、书写动作循环反射活动，以及身体姿势转换活动几乎都同时性的产生。其中，艺术审美思维和情绪(情感)活动属于内在的、隐蔽的、不可视的。而书写系列动作和身姿转换活动则是显现于外、公开而可视的，具有生动、具体、直观的特点，并且与内在的活动协调一致，默契无间。所以，书法艺术的创作和审美也是身心合一的，精神的愉悦伴随着身体的快乐。书法艺术创作不只是精神的活动，意识的功劳，而是书法艺术创作主体全身心的劳作。

书法艺术的简单形式背后隐藏有复杂的运行机制。书法艺术创作，或曰书写活动，有一系列的协调动作和身体转换：包括执笔、运笔(指运、腕运、肘运)，及其运笔的速度、幅度和力度昀动作控制，提、按、使、转、顿、挫等，坐姿、立姿、俯身、侧身的协调转换，身体的各个部位基本上都参与其中，“全身力到”，所谓“尽一身之力而送之”。书写活动是创作者的智力、体力、人格力量完美融合的创造行为过程。挥笔运作，既有可见的物质行为，又有不可见的精神活动的支配调控。它以生理动力(动作意识)定型为基础，同时又为心理(审美意识)所制约，它是物质与精神、生理与心理、理智与情性的高度集中与协调。而这一系列的执笔、行笔动作和身体转换，都是书法艺术创作的生理技能、技巧活动，属于动作意识，在书法艺术创作的某种程度上起着决定性作用。下笔之前，创作者审美意识中的书法艺术形象，或曰笔墨意象，必须由创作者的书写来实现，使之迹化到载体上。审美意识必须化为动作意识，没有动作意识的作用，再美的书法艺术形象永远是脑海中的虚幻想象，这就是动作意识的生理(身体)的物质功效。

第2篇：视觉艺术创作范文

【关键词】视觉传达设计 艺术创作 数字技术 渗透

作为现代化的新型发展技术，数字技术在很大程度上可以说是社会、经济以及文化的重要掌控者。然而，在数字技术背景下，无论是视觉传达设计，还是艺术创作，都以迅猛之势强烈冲击着传统的视觉传达设计和艺术创作。

随着数字化信息时代的来临，数字技术也将持续影响并不断改变人们的学习、生活及工作等相关方式。故此，人们应该跟随时代潮流，在数字技术背景下，不断对视觉传达设计以及相关艺术创作进行探索和研究。

1 数字技术背景下的视觉传达设计和艺术创作简述

（1）数字技术背景下的视觉传达设计。从客观方面理解，视觉传达设计就是一种复杂的表达行为。对某种事物、某种理念，或是某种情感进行准确传达，就是该行为的根本目的。然而，在数字技术背景下，视觉传达设计的理解和内涵又所有不同。充分融入数字技术的视觉传达设计不仅视觉语言形式有所变革，其视觉传达整体面貌也焕然一新，既活力无限，又现代感十足。同时，视觉传达设计作品的交互性和可感知性也得到了大幅度提升。总体而言，数字化的视觉传达设计将艺术和技术进行了充分融合，不仅激发了视觉传达设计的设计新思维，还对其创作方式进行了拓展，对整个视觉传达设计的发展和进步有着极大的促进和推动作用。

（2）数字技术背景下的艺术创作。从艺术境界层面理解，艺术创作就是指美术家、音乐家、雕塑家等各种艺术家进行作品创作的过程。从某种程度讲，在具体的艺术创作细节中，创作者往往会对现实生活进行仔细观察，真实体验并不断深入研究分析。从真实的社会经历和社会活动中选择、提取具有创造性和价值性的创作元素，并对其进行充分加工，或将其进行造型，或将其赋予人文含义。总之，这种运用科学合理的创作方法进行创造性劳动的行为就是艺术创作。在数字技术影响下，人们进行艺术创作的方式和素材获取的途径越来越广泛。数字技术背景下的艺术创作不仅对作品审美的需求更加严格，还要求艺术创作必须具备相应的技术特色和时代气息。

2 数字技术背景下视觉传达设计与艺术创作的相互作用

从艺术层面分析，视觉传达设计其实就是艺术创作中的一种。艺术创作的方式很多，范围也及其广阔，分类也可细分为很多类别。众多艺术创作形式中，视觉传达设计对视觉的依赖度最高。随着数字技术在视觉传达设计中的不断融合，越来越多优秀的视觉传达作品被设计创作出来。对比传统的视觉传达作品，这些作品更为优秀。无基于商业角度理解，融合数字技术进行的视觉传达作品创作不仅可以大幅度提升产品的推广力度和销售水平，还可以给企业或公司，甚至是整个国家或社会带来丰厚的经济、社会方面的双重效益。

受数字技术影响，视觉传达设计的思维方式和创作方式已有较大程度的改革和创新。从某种程度上理解，这也是艺术创作思维及其方式的发展和进步。就基本的表现技法方面，数字技术的融入让视觉设计不断趋向多元化。较为经典的是结合了文字、音频、图像等信息多样化的新型图文一体化技法。这些技法的出现使得人们的视觉感官获得了最大程度的延伸和享受，从而能够刺激设计师创作出独特且富有价值的视觉传达作品。从本质上讲，数字化背景下的视觉传达作品设计过程就是艺术创造的过程。在数字技术的不断促进和推动下，无论是视觉传达的设计创意，还是其设计形象，亦或是设计理念以及价值取向，都越来越趋于艺术创作。同时，越来越多的艺术家进行艺术创作时，也越来越突出视觉享受和视觉延伸。

结语

综上所述，在数字技术背景下，视觉传达设计和艺术创作无论是在设计理念，还是在创作手法上，都有着越来越多的共同点和相通点。两者在持续向前发展的基础上，既相互渗透，又相互影响，始终在不断发展和进步。

参考文献

[1]薛曼君.基于数字化技术的视觉传达设计创新研究[J].文学界（理论版），2011，02：251.

第3篇：视觉艺术创作范文

[关键词] 视觉设计 诱导创意 灵感捕捉 广度与深度 侧向与逆向思维

工业设计是由科学与美学、技术与艺术相互交叉、渗透、结合形成的，以机械化方式生产的工业产品为主要研究对象的一门新兴的边缘学科。工业设计活动是对人为事物的认识、再创造过程，它基于对自然以及改造自然的人为行为和阶段成果的分析。由表及里、由此及彼地寻找工作的切入点，将创造性与简洁、清晰、有序的解决问题的方法结合起来，这就形成了视觉设计的目的、内容、方法及本质。

视觉设计的发展离不开这个科学迅速发展的社会，不管理念是模糊的，或是较为清楚的，都必须接受的事实是理性因素越来越多地渗透并深入到视觉设计之中，我们越来越强烈地感觉到设计语言的那种逻辑、抽象、科学的叙述风格。设计者自己从作品内容、符号、表现、技巧处理等方面给我们解释了视觉设计对其浸的程度。在我们这个时代，设计者不再是世外桃源客，而是推动科学化、商品化、全球化发展的一支力量。因而，社会也赋予了从事于艺术设计行业的艺术家们一种社会责任感，那么视觉设计训练就显得尤为重要。

一、诱导创意

由于艺术创作中有许多具体的形象或形式存在，在视觉艺术思维训练的过程中我们可以结合这些特点进行带有诱导性的提示。如视觉艺术思维能否对艺术用材的选择进行有目标的诱导，对形象的构成用不同的方法进行重新处理，形成新的艺术形象；对相同或相近的对象（同类成异类）用类比的方法加以诱导，使我们的艺术创作在进行过程中受到较多较好的提示，从而增强视觉艺术思维的效果。

从形态处理方面进行诱导组合主要有：渐变、添加、简化、打散重排、颠倒；从各种因素的类比方面进行诱导：综合类比、直接类比、拟人类比、象征类比。根据这些有意识的提示以及具体的思维途径，我们在进行艺术创作时对此加以分析、探讨，不要忽略任何一个小小的细节和相关的因素，从中做出正确的判断和评价，选择那些具有挑战性的、最赋美感的思路进行进一步的创作。视觉艺术思维的训练更要从培养思维的创造能力和发展智力的角度着眼。

二、灵感捕捉

灵感思维是视觉艺术思维中经常使用的一种思维形式。在创作活动中，人们潜藏于心灵深处的想法经过反复思考而突然闪现出来，或因某种偶然因素激发突然有所领悟，达到认识上的飞跃，各种新概念、新形象、新思路、新发现突然而至，犹如进人“山穷水尽疑无路，柳暗花明又一村”的境地，这就是灵感。

辛勤的劳动、艰苦的探索，善于观察、勤于思考，是灵感发生的先决条件。同时，我们还要学会及时准确地捕捉住转瞬即逝的灵感火花，不放弃任何有用的、可取的闪光点。灵感出现的机遇对每个人是公平存在的，灵感就在每一个人的身边，尽管它有时是稍纵即逝，甚至令人百思不解，难以捕捉。那些努力追求、刻意进取、随时留意并敏锐地感觉、捕捉到灵感的人是成功的典范。

三、广度与深度

思维的广度是指要善于全面地看问题。假设将问题置于一个立体空间之内，我们可以围绕问题多角度、多途径、多层次、跨学科地进行全方位研究，因此有人称之为“立体思维”。

从广阔的宏观世界到神秘的微观世界，从东方与西方的文化交流，从传统理念与现代意识的融合，都是我们进行视觉艺术创作所要涉及的内容。在现代视觉艺术设计中，思维的广度似乎更加重要，有时设计一件艺术作品，不仅仅要依靠艺术方面的知识来指导，还要得到其他学科诸多方面的支持。

思维的深度是指我们考虑问题时，要深人到客观事物的内部，抓住问题的关键、核心，即事物的本质部分来进行由远到近、由表及里、层层递进、步步深人的思考。在视觉艺术思维过程中，思维的深度直接关系到艺术创作的成败。我们在进行艺术创作时，要善于透过现象看本质，客观、辩证地看问题，不要为事物的表面现象所迷惑。视觉艺术是以塑造形象达到审美愉悦为主要目的的，在形象的塑造过程中，不要只罗列现实中的一些表面现象，而要注重形象的精神面貌、意境表现。

四、侧向与逆向思维

在日常生活中常见人们在思考问题时“左思右想”，说话时“旁敲侧击”，这就是侧向思维的形式之一。在视觉艺术思维中，如果只是顺着某一思路思考，往往找不到最佳的感觉而始终不能进人最好的创作状态，这时可以让思维向左右发散，或作逆向推理，有时能得到意外的收获，从而促成视觉艺术思维的完善和创作的成功。

逆向思维是超越常规的思维方式之一。按照常规的创作思路，有时我们的作品会缺乏创造性，或是跟在别人的后面亦步亦趋。当你陷入思维的死角不能自拔时，不妨尝试一下逆向思维法，打破原有的思维定势，反其道而行之，开辟新的艺术境界。在艺术创作过程中，运用逆向思维方法，在人们的正常创意范畴之外反其道而行之，有时能够起到出奇制胜的独特艺术效果。

综上所述，视觉设计促成原来相互严格分离的不同部分和区域之间相互有机联系，使设计者终于能够超越自己过去被严格限定的领域，到这个新的领域去表现自己。

参考文献：

[1]尹定邦：设计学概论[M].长沙：湖南科学技术出版社，1999

[2]何洁：平面广告设计[M].长沙：中南大学出版社，2004

第4篇：视觉艺术创作范文

1新媒体环境与视觉艺术创新共生

新媒体对于传统媒体的冲击是显而易见的，这些变化也是促进视觉艺术创新的重要元素。首先，新媒体能够以即时性的形式来进行视觉艺术的传播和互动，新媒体相比于传统媒体而言成本更加低廉。在新媒体环境下，人们越来越要求刺激感、新鲜感，传统的艺术形式已经远远无法满足观众们越来越强烈的视觉要求。视觉艺术需要通过不断的创新才能满足人们的视觉化认知与审美，也可以说，新媒体环境与视觉艺术创新共生共存。

2打破传统设计思维

以往的传统艺术作品的欣赏，都有一种距离感。但是新媒体形式下的视觉艺术作品却改变了这种固有的模式。一件艺术品的创作如果能邀请大众进行参与，那么传统形式上的崇拜形式就被打破了。通过一些技术手段或者是硬件设备的设计，已经可以完全满足观众想要的真实感，这无疑给观众带来了前所未有的视觉体验。比如：曾经有一部优秀的视觉艺术作品《旗的踪迹》，利用一条长达250米的旗帜，穿透了所有的展厅。利用影像传送信息到屏幕之上，让游客们触动旗帜，然后把旗帜飘动的踪迹以及游客参与的过程，整个用影像录制下来。通过这样的作品改变了人们在欣赏一件艺术品时“严禁触摸”的限制，改变了大家参观传统展览时的感受。这样的设计思维对于艺术作者来说，是一种灵感的创新，同时也是拉近与观众距离的重要手段。这种视觉艺术作品，很容易打动观众，不仅让游客感触到艺术，还零距离地参与到艺术作品的创作当中，就是一种创新，就是一种创造。审美标准的转化新媒体技术下的视觉艺术已经慢慢地改变了人们的审美标准。让人们模糊了艺术与非艺术的界限。新媒体的发展，越来越趋向于消遣性、娱乐性、即时性。这也慢慢成为了现代人们对艺术审美的标准。就像当初摄影艺术初期，大家都在质疑这是不是一门艺术。当大众的审美标准发生改变时，无论新媒体能否给视觉艺术带来奇妙的效果，但是作为一种艺术形式的存在，艺术制造者创造艺术作品的动力是不会改变的。新媒体只是带给了视觉艺术一个平台或者是一种手段，但是艺术的本质是没有改变的。通过新媒体这个媒介，视觉艺术得以高速发展；数字化技术给人们带来了更为震撼的视觉享受，逐渐成为了当前视觉艺术发展的不可忽视的重要标准。从另一个层面来说，这也将成为未来视觉艺术发展的重要参考方向。

3文化消费形式的改变

第5篇：视觉艺术创作范文

关键词：泛在学习；视觉艺术；通识教育

共时性空间退化，历时性时间暨越，观看场域的转变，视觉艺术资源从各种渠道奔涌而至，复制技术、网络传播，艺术随意移植、拼贴、再造，堂而皇之地移入到设计、摄影及与生活息息相关的物质和精神范畴，庄重而神圣的经典艺术化为生活中的细小环节，褪去了历史赋予的神秘，标志着一个“泛艺术”时代的来临。在“泛艺术”主控的视觉文化时代，视觉无处不在场，在此环境影响下，通识艺术视觉课程的教育由传统固定的教学模式向多元、多样的方式转向为历史的必然。

一、“泛在学习”与视觉艺术教育有效融合的可行性

“泛在学习（Ubiquil-Learning）”专指任何人在任何地点、时间，基于计算机设备和网络资源获取任何所需的学习知识，享受无处不在的学习服务、学习过程。“泛在学习（Ubiquil-Learning）”具有可获取性、永久性、即时性、交互性、适应性和学习行为场景性等特征，集课程内容设置历时性和媒介传播共时性于一体。持后现代主义课程观的学者们认为：只要我们有效、合理地应用媒介来开展艺术教学，这种新型的“泛在学习”教育模式、教育教学方式将为我们提供广阔的艺术教育视野。数字化媒介对艺术教育的介入，不仅体现在课堂教学中，更拓展了课堂教学内容，丰富了课程实施的方式，甚至将艺术教育充实到广阔的“泛教学”的大环境之中。当下，计算机数字拟像的虚拟时代的来临，开启了集三维动画、游戏、互联网络、空间数据、多媒体交互等日常生活中视觉媒介的视觉革命。艺术教育学者清醒地认识到，艺术教育须与生态环境和人文因素结合作为教育的主导思想，将艺术各学科以及文、理、史、地、科学等内容融合为一体。如贝伦特•威尔逊(BrentWilson)建议教师采取一种“把社区艺术文化带出来，把在外面的艺术文化带进去(InsideOutandOutsideIn)的交互、沟通策略”[1]，强调生活环境中的社区是艺术教育的存在场域，在艺术教育实施中力求形成一种全球和当地文化融通的效应。众所周知，相对艺术资源的丰富、种类的繁多，鉴别、赏析的不确定性、多样性、多角度性，传统的课堂教学显然力不从心，不可能满足艺术素养的提升和艺术实践的开展。网络时代为“泛在学习”提供了可能性和可行性，也为艺术教育突破制约，提供了具体的可操作性。视觉艺术到视觉文化的演绎可以说是视觉媒介和材料的不断推进、变化、生发，进而在日常生活中延展出的一部文化转向史。从古希腊古罗马的青铜到文艺复兴的雕塑，从印象主义的创作到现代视觉艺术的综合材料表现，呈现出多种艺术承载媒介，具有典型的历时性和动态性。“泛在学习”教育模式与艺术教育有效融合，突破原有课堂教学的时间、空间的限制，将课堂与课外学习过程相结合，学生既受到课堂的引领又能与课下学习环境融为一体，只要有无处不在的学习资源和无所不能的网络服务，此类学习便可以在师生之间、教师之间、学生之间进行。以当下大型开放式网络课程（MOOC）、爱课程等为代表，学习者可以借助新媒介，享有高效、高质、便捷和针对性的艺术教育资源整合的学习机会，无疑能极大的唤起受教育者充分的自由、兴趣，提高媒介素养和艺术创作能力。

二、“泛在学习”通识教育模式以“日常生活”为依托

进入20世纪之后，西方思潮中存在着回归日常生活的潮流，艺术逐渐走入大众的日常生活中并有意识的消解着艺术与日常生活中的界限，倡导“审美日常生活化”。“‘日常生活’是自发性、自在（in-itself）的生活样式，包括日常消费、日常交往、日常意识等领域，与之相对的‘非日常生活’则是自为（for-itself）的、自觉地生活样式，包括物质、精神领域以及理论、科学宗教、艺术等实践形式。”[2]现代以来，艺术与生活的界限被打破，一方面在于日常生活中的“现成品”取代了艺术品或成为艺术品，另一方面，艺术可以呈现在日常生活中的任何地方。艺术家应用日常生活中的对象、空间、行为等元素，进行艺术创作形式的变革，展示空间、场所的转向，艺术创作和艺术参与、互动的尝试，甚至应用现代媒介的声光电效应，跨界、融合变换着艺术创作的过程和结果。视觉文化理论研究的发起人，美国学者尼古拉斯•米尔佐夫认为：“视觉文化是一种策略，每日的生活就是视觉文化。”我国台湾地区视觉文化研究学者郭祯祥先生指出:“每天的日常生活中能建构并传达吾人态度、信念以及价值观念之视觉经验。”[3]中国美术教育大陆学者张舒予教授提出：“人类创造的文化形式丰富绚烂，在我们的生活里，新的视觉曾出无穷……大众传媒渗透于日常生活中。”[4]“以日常生活为核心的视觉艺术教育”[5]兴起于20世纪30年代，它将艺术看成一种生活方式，一种提高普通人生活的工具。“日常生活中的艺术”是这次思潮的口号，是“审美日常生活化”的具体表述形式，它的目的在于利用艺术解决那些影响现实生活的、实际的审美问题。视觉艺术通识教育离不开对日常生活中视觉事件的解读，对视觉文化事件的解读借力于视觉文本或视觉语言，以合理的视觉语言或视觉文本从视觉事件的材料和媒介分析开始。视觉艺术通识课程涉及视觉传播的内容、元素及手段，涵盖精神与物质两个方面，无论是实体的诸如建筑、雕塑、影视等还是虚拟的如视觉现象、事件，共同构建个体的视觉感知，诸如动漫艺术赏析、设计与生活、视觉文化与媒介素养等，他们不断丰富学生的视觉经验、视觉感受，共同构成学生的日常生活空间，为“泛在学习”模式打下坚实的融合平台。“泛在学习”是一种普适计算机技术支持下的新型学习模式，即让学习与生活融合，实现真正生活中的学习，狭义的学习彻底淡出或消失。这一全新的学习模式非常适合通识艺术课程教学，它将艺术教育引入生活、导向社会，朝服务与人本的方向发展，以“日常生活”为依托的“泛在学习”成为必然。

三、以“泛在学习”通识教育模式提升艺术素养

当今艺术教育已经普遍使用信息技术为支撑，多媒体教学替代了板书，机房也实现了网络覆盖，高亮度的投影直接取代了黑板。教学工具到媒介实现了质的飞跃，但就技术本身而言，教育媒介多被理解为一种简单的物化工具。“教育媒介技术所代表的是学生的学习活动，是学生以不同于传统学习的精神状态和行为方式所开展的主体活动，新式教育技术较传统教育技术的创新之处，其本质特征不是使用某种新型传播技术，而是在应用了这种技术之后所带来的教育转变，这种转变包括师生关系的变革、教学活动结构的变化等等。”[6]全球丰富的艺术资源在数字化技术支撑下变更着艺术教育的理念，将数字化的“泛在学习”模式应用于视觉艺术教学成为艺术教学的发展趋势。此外，大众的视觉经验在日常视觉文化艺术之中难以构建个体的价值观，在文化交流中不能表现出身份的认同，艺术创作欲望的达成、实现记忆和想象未能落到实处，迫切需要由“数字化教育（E-Learning）”向“泛在学习（Ubiquil-Learning）”转向，提升学生自身的认知、解读、思辨能力，在通识艺术教育中进行有效的艺术素养训练。信息技术的发展，网络环境的营造与架构，必须打破教学资源的局限，借助视觉艺术通识课程提升媒介素养，成为学生应该具备的、能够适应终身发展和社会发展需要的品格和能力。“20世纪90年代初，澳大利亚格里菲斯大学的卢克和彼得推出四个资源模型的素养教育。该模型假设，成为一个有文化的公民需要:编码能力(解码文本的能力，即拼音)、语义能力(尽意的能力，即理解)、语用能力(日常读写功能，即写支票、看报纸、填写工作申请等)；关键能力(批判性地选择和分析文本的能力，如避免诈骗，确定可靠的信息来源等)。”[7]艺术是人类社会生活的重要组成部分,学生可以通过学习艺术来了解社会。所以“艺术教育的目的不是仅仅教授艺术的技巧和形式,而是去拓展艺术背后的意义,以及显示艺术在人类生存中的重要作用。”[8]“即分析读图时代和媒介文化环境下的‘观看’行为特点，剖析艺术作品中视觉素养、媒介素养、信息素养的概念内涵及其三者的关系。”[9]众所周知，认知一种文化最有效的表达方式是观察它的交流工具，解读一种文化最重要的能力是媒介素养，屏性媒介及因特网是我们可以支配的工具。在大数据时代背景下的视觉文化时代，优质的通识艺术教育将结合媒体技术与艺术的知识和技能，运用视觉素养和媒体素养相交错的方式，进行对模型中图形图像的编码能力、语义能力、语用能力和关键能力的培育与拓展，毋庸置疑，视觉艺术通识教育起着重要作用。

四、结语

艺术类通识课程基于网络科技的支撑，集文字、图像、音频，融声光电于一体，教学内容丰富，优势明显，融入“泛在学习”教育模式，可以紧密结合互联网和多媒体等多种教育媒介，根据实际需要，在课程教学实施中调用各类优质教育资源，甚至将全球的艺术作品以全方位、多角度地展现在学生眼前；此外，视觉艺术课程的教学与研究乃至艺术表现离不开日常生活中视觉事件等相关材料的构建，依托“日常生活”，借助“泛在学习”教育模式，在人文底蕴、审美情趣、身心健康和实践创新等视觉艺术素养方面有所提升。

参考文献：

[1]刘仲严.艺术教育学新论：后现代艺术教育[M].香港：香港艺术发展局，2004:87．

[2]汪民安.文化研究关键词[M].南京：江苏人民出版社，2007:268.

[3]郭祯祥.视觉文化与艺术教育——台湾地区“实施视觉与人文”课程的现状与思考[J].中国美术教育，2004（5）:43-47.

[4]张舒予.视觉文化概论[M].南京：江苏人民出版社，2003:7.

[5]王伟.从现代到后现代：20世纪美国视觉艺术教育的模式变迁[J].美育学刊，2012（2）:85-90.

[6]彭少健.2016中国媒介素养研究报告[M].北京：中国广播影视出版社，2016:303.

[7]钱初熹.视觉文化的转型与学校美术教育的发展[J].美育学刊，2014（3）:1-8.

[8]DuncumP.VisualCulture:Developments,definitions,andDirectionsforArtEducation[J].StudiesinArtEducation,Vol.42,No.2.(2001)103,106.

第6篇：视觉艺术创作范文

【论文摘要】：信息数字化后的虚拟世界，将艺术创作带向超越时间、空间、与影像经验的新创作思考领域。在艺术创作的领域里，不管是否运用科技，艺术作品都是用来记录和反映当代生活。如今越来越多的视觉艺术创作者，尝试以计算机、网络、虚拟实等高科技为一个艺术的新形式。在与数字媒体互动的过程中，我们不难发现数字视觉艺术，不仅仅是一个科技与高度文明的产物，更是人类纯化心灵的“高感度”作品。

艺术活动反应时代的现象，且在各种意义上，艺术与时代革新或改造的根本精神，有着密切的关系。在艺术创作的过程中，感情的自发形成占了大部分，但在有些状态下理性的计划性成分亦占有相当的比例，尤其在新媒体、新美学观念、新素材及新的科学技术高度发展的今天，以理性为诉求的创作灵感，已占有绝对的重要性及审美价值。

科技的革新，从计算机、网络到虚拟现实，在艺术创作上产生极大的变化，具有实验精神的先驱艺术家们热衷于新媒体与材料与新艺术形式的探求，从十九世纪末到今天，其中发生了难以计数的艺术运动，一部新媒体艺术史，几乎就是一部近代科技史，而我们仍然活在其中，变化日新月异，很难去归纳风格，或下任何定论。到目前为止，网络艺术、包括虚拟实境的交互式装置，似乎是互动艺术的主流。科学的发明与发现，大量地运用在改善人类生活上，不过是近五十年的事，却带给人类前所未有的便捷与刺激。改变的不仅是物质的层面，在精神上的意义也相当深远。

尤其是60年代末70年代初，当电子媒体与计算机科技开始普及之时，媒体深深影响我们对世界的认知，人们视野变宽了，世界变小了。当时，艺术、科技与科学间的关系常受争议。艺术与科技运动吸引许多艺术家、科学家、工程师以及业者参与，意图发展出跨领域的合作架构，然而时至今日，这种系统化的合作模式，仍然只是一个理想。因为科技、艺术都是文化有机整体的一部分，原本就不容分割。

运用科技的视觉艺术，一个明显的议题便是科技带来的艺术品复制性与真实性的问题，一切展演都只是以复制品呈现，要观赏者破除原有的观赏习惯，在传统上的艺术价值包含了独创性、唯一性、与真实性，都将被重新思考。

数字化科技成熟后，讲求光与速度，去物质化的虚拟影像透过媒体四处传播，复制已经不再是模仿、替代真实或是真实的幻觉，数字世界已然成为另外一种真实。因为影像可被转换为数字语言，可被任意操弄，因而影像成为一种信息，于是艺术行为也大大不同于前，艺术家在庞杂的影像信息中，选择、过滤、重新组装，不只是利用技术来解决视觉问题，开发新的视觉经验，更利用新媒体去呈现人们生活中的种种困境，作品意义的产生存在于事件的脉络还有与观赏者的互动中。观赏者从最早的被

动接受，到目前已然成为参与者，甚而是展演内容的提供者。以往视觉艺术的形式，可大分为平面的绘画与立体的雕刻，而影像的领域今后将与前述二者并列为视觉艺术的重要形式之一。未来随着计算机图像处理，多媒体、高画质等新媒体技术的高度发展，传统的录像技术也将面临新的整合。

十九世纪八十年代以后高科技产品发展迅速，计算机、雷射光线、传真机、复印机、卫星传播等。这些尖端科学技术，都成为创造想象和架构的创作工具，这些新的媒介能仿真真实世界，也能创造出幻想境界中的奇景。高科技艺术是十九世纪八十年代以后，兴起于美国的新艺术。它是泛指以运用高科技创造的现代美术作品，诸如计算机艺术、雷射光艺术等作品，在美学领域中带来明显意义，结合了人类智能和科技产生的大量新颖技巧。潜藏在这种深具潜力的新视觉技巧下，有一个更深入的意义：在高科技的辅助下，视野更加瞭阔，并为艺术创作，提供了新的美学向度，跳跃连结代替线性思考，多向度空间取代绘画透视，前所未有互动。

尤其是，自从计算机出现以后，因为可以储存、修改，容易重新绘制及复制，所有有关绘画的行为起了很大的改变。1952年美国的BenF.Laposky利用计算机做出一个抽象的图像，1956年才开始能创作出彩色的电子影像，1960年德国K.Alsleben及W.Fetter发表最早的计算机绘图作品，直至1994年网际网络开始盛行，四、五十年间，人们对于空间的思考模式随之改变，我们离开了复杂而趋向一个快速沟通、大纲式了解的理想。我们不再需要画一堆很复杂辅助线去处理放置一个三维物体于二维平面上的问题，计算机影像帮我们解决了这些问题。因此，艺术家已把兴趣放在如何避免复杂的建构，因为人们想象的空间已经改变，波浪的、拥挤的西方绘画已被纯粹的、无限空间的现代绘画所取代。

计算机对现代艺术造成的冲击及影响之巨，超乎想象。计算机一般被认为是一个空间可视化的简单辅助工具，但它不只是一件工具，一种媒体和材料，更重要的是一种新的美学方向，新的再现可能。多数计算机艺术的创作者，深信虽然计算机本来不是为艺术创作的理由而发明，但它会持续发展出特有的本质，继续为艺术家提供最好的工作伙伴。

通常，计算机比传统铅笔的方式更简单、便宜、快速地生产，计算机让艺术家与音乐创作者更快速的生产，这也就是我为什们称之为“罐头艺术”的原因，然后，计算机也可提供一种艺术替代品更快速的方法，这也是我为什么称其为“麦当劳艺术”。当然，计算机艺术有它的隐忧。虽然计算机为艺术带来发展的新契机，却也有不少令人不安的地方。

第一：由于计算机也是科技的产物，自然有现代和传统的冲突，如何把过去的传统艺术，配合新的计算机媒材，加以融合表现出来，呈现附合时代的新风貌而被接受，是值的深思的问题。因为全世界都是用相同的软件和设备，如果一窝蜂的跟着主流，则艺术创作则会划地自限，而显露大量复制和类似的肤浅平面感，失去艺术的美感和深度。第二：如同前面提到的，工具的方便，却造成个人风格的丧失，并且

失去敏锐度，因为一旦创作者习于依赖计算机的修改功能，创作的动力则渐渐退去，例如：惯用PHOTOSHOP的摄影者很可能因此，不在意拍照的决定性时刻，因为可以透过计算机仿真修改，不怕拍不好，但即使效果逼真，却失去艺术价值了。

第三：即是计算机艺术虽然有决然不同于过去的表现方式和媒体，但本质上，仍脱离不了过去模仿、拼贴等创作风格，如何走出过去的艺术观念，找到属于计算机艺术的观念、想法和创作空间，将会是影响他是否能自成一派的重要关键，而非只是为艺术带来新的表现法。身处一个新世纪的黎明阶段，审视当今现代艺术的表现形式，千变万化、无奇不有，可说是前所未有的新美学创作年代，传统的美学概念及体系，起了一些新的转机及变化，属于二十一世纪的新视觉美学体系，以包含瞬息万变的新美学思潮，是亟待建立的。

科技帮人类突破了心灵的藩篱，也改变了人们思考与创造的方式，但相对的，科技高度发展也带来了一些危险与不安，因为人们几乎忘了所处的地球仍然有其极限性，而艺术心灵的可贵其实是在于透过限制的穿孔，呈现出无穷的创造力。艺术的价值不在艺术品本身，而是艺术的哲思，有非常多科技艺术家同时也是大自然的爱好者，不管用的是高科技或低科技，来自生活的智能与大自然的启发，才是艺术创作最好的素材。不论世界如何转变，也只有艺术家意志延伸的作品，才算是“高感度”的创作，也才有美学上的价值。

【参考文献】：

[1].张恬君.从艺术观点看科技与人文的对话.艺术观点[J].第四期,2000

第7篇：视觉艺术创作范文

文艺复兴时期的视觉艺术主要是以14世纪至17世纪的意大利及北欧部分国家盛行的艺术形式如绘画、建筑、雕塑以及工艺美术品等为主，作为物质文化的基本组成，视觉艺术在文艺复兴时期的物质生活方面发挥着重要作用，它们被看做功能性的物品，通过精心选择的意象服务于明确的宗教或世俗目的，通过特定形式传递着信仰和价值观。比如，遍布市井街区的教堂及壁画形成的反复且持久的日常经验就起着维系着群体意识与的作用，而文艺复兴时期的最重要的文化氛围无不与基督教有着密切的联系，从基督教艺术形式的变化中可以逐步显现出人性精神的高扬。从形式上看，文艺复兴是对古希腊和罗马艺术的隔代复兴，这一时期基督教精神与人文主义精神的张力构成了艺术创作的内在驱动力。

不同于中世纪宗教观念一统天下的局面，文艺复兴时期除继承了古典时期的人本主义和理性主义之外，对世俗化倾向、个人主义和科学自然主义等人文主义的新观念的表达也达到了前所未有的高度。这一时期艺术创作的主题、题材的选择、宗教人物及世俗生活、宗教意蕴的表达，以及空间、色彩、线条等形式要素描绘的图像都充满了象征意义，透过符号语言可以揭示文艺复兴这一特殊的历史阶段处在中世纪和西方近现代社会的过渡期表现出的独特文化精神。文艺复兴时期的艺术90%以上是以宗教为题材或者为宗教服务，但是世俗化的倾向仍然可以从宗教绘画中描绘的家族事务和贵族人物身上体现出来。

建筑及工艺品中的宗教意象也往往是为世俗生活的目的，而非宗教的目的服务。艺术创作除了在精神内涵上表现人的觉醒之外，在形式方面，比如透视法的使用也是通过平视的视觉方位彰显了人的地位，在这一时期流行的肖像画和家族形象画同样也是个人主义高扬的表现。还有一个值得注意的特点是文艺复兴时期理性主义彰显的文化价值。对希腊理性主义传统的继承使这一时期艺术与科学的结合更加紧密，对几何学、解剖学、数学、透视等原理的运用，不但使艺术家成为博学广识的通才，对艺术鉴赏者的知识要求也极高，理性主义深刻影响了这一时期的创作和欣赏过程，同时艺术家地位的凸显甚至影响了当时的教育和学术观念。

第8篇：视觉艺术创作范文

举办年度展当然需要每一届的不同面貌。如果说第一届年度展显现了学院学术与专业诉求的高度，让富于创造性的造型艺术在“形象的对视”中尽显张力，尽显艺术家的创造力度，第二届年度展则既要与上届拉开距离，又要与上一届形成关联，以显现持续。首先，就是主题设定――“视觉的维度”，与上届年度展主题“形象的对视”构成可持续的应对。进而，2013年“年度展”试图着眼于学院丰富多样的创作资源，以及当代视觉文化背景下的视觉维度，展现出作品的丰富多样，这显然构成与上一届的极大反差！2013年“年度展”形态发生的巨大变化，或许恰恰成为学院年度合乎内在逻辑演绎的外化形式，显示出年度展可持续发展的必然。

生逢一个多元时代，艺术的一个当代重要特征就是多样化的共生。2013年“年度展”正是对一种共生形态的视觉表达与思想诠释。创作性是视觉艺术的生命之源，创作状态成为年度展作品选择的重要依据。中青年教师顺理成章地成为被选主体，他们的作品更大胆、更自由，更富敏锐性与想象力，尤为可贵的是，大多数年轻艺术家尚未被名利羁绊，进而展现出对艺术的基本忠诚，在生存多艰的时代，这种对待艺术的爱是特别值得珍视的。

视觉艺术维度或共生，还表现为对界限的打破，打破学院的专业界限，打破专业的固有模式界限，打破自身与外界、学院与社会、艺术与生活的界限，还要打破体制、身份地位、个人内心的界限，从而展现更加自由和富有创建的艺术创作。

让不同专业、媒介、形态、观念的艺术作品共处一个空间，共享一个展览，共存一本画册。实现这样的想法，是一种挑战和冒险。2013年“年度展”最终确定的58位参展艺术家几乎涵盖了上大美院的所有专业，从材料、技术、方法、观念等不同艺术层面多样呈现了学院诸多专业的创作资源。我将之归纳为装置、雕塑、版画、水墨、岩彩、油画、摄影、陶艺、玻璃、首饰、漆艺、扇面12大类别，这样的分类更意在表达学院教学与创作的资源特点及现状。

第9篇：视觉艺术创作范文

关键词：视错觉 平面设计 视觉 心理

一、什么是视错觉

视觉也就是视知觉，从心理学角度讲是脑对作用于人体视器官的客观事物整体属性的反映，即人的心理过程中对客观刺激物的外部形状、大小、色彩、明暗、远近等个别特征的低层次认知现象。[1]视觉现象本是一种自然现象，并无对错之分。然而，主体在认知过程中受多种因素的干扰和刺激，使眼睛欺骗了知觉后对客体本质产生了歪曲、变形，从而使知觉背离了客体，并将这种不真实的假象形式当作主体对客体的外化，这种不符合事物的客观情况的错误的知觉就叫错觉。

我们通常认为能以同样的清晰度看清视线内的任何事物，但假如我们的眼睛短时间内保持不动，就会发现这是错误的。柏拉图曾说：“同样的东西，在水里看和在水上看曲直是不同的，或者由于对颜色所产生的同样的视觉错误，同样的东西看起来凹凸也是不同的，并且显然在我们的心理也常常有这种混乱。”[2]

因此，也可以说，错觉图形的形成是建立在人的视觉心理的基础之上，并不断挑战着固有的视觉经验和视觉心理结构。在视觉艺术心理上只有以视知觉规律为内容，以艺术表现为形式，两者相辅相成才能更好的展现和传达视觉信息。

二、错觉效应在平面设计中的应用

了解错觉效应产生的原因，是为了从视觉艺术心理的角度，利用错觉效应所创造出来新颖别致的艺术效果，更好地运用到平面设计当中。错觉效应所表现出来的形式种类繁多，从艺术的角度来看，错觉是一种特殊的视觉构成形式，是有效的视觉图形创作手法。从古至今，众多艺术家都利用了视错觉的规律创作出了奇妙而又震撼的视觉效果。错觉的表现形式有很多，主要有以下几种：

第一种是运用错觉效应形成的规律来避免不盛要的错觉效应的产生，使人达到“知觉准确”的效果。例如法国国旗中三种不同颜色由于张力不同，所以如果是同等的宽度，则三种颜色看上去会显得白色比红色宽一些．而蓝色最窄。因此必须使红、白．蓝三种颜色的宽度比例35：33：37才能使三种颜色“看起来”显得宽度一致。（图1）

第二种是通过图纹的不同趋向，来调整张力的倾向性，使其产生特定的错视效果；比如两条本来平行的线段，在不同方向的射线的牵引下分别向射线的方向弯曲。在服装设计中，衣服上不同趋向的条纹可以呈现出不同的身材。

第三种，色彩的叠加和同化的错觉表现形式是比较常见的，比如在单调的色块上叠加不同的色彩和不同方向的条纹，就可以在原本单纯的色块上表现出变化丰富的艺术效果。把色彩对比的强度提高，则会产生炫目和波形效果，例如幻起幻灭的黑点图。(图2)

第四种表现形式是把色彩和光影对比加以调控，使其产生具有闪烁感的光效应艺术效果。光效应艺术（Op tical Art)又称视觉派艺术、欧派艺术。它流行于20世纪60年代中期的欧洲和美国、是用几何形象制造出各种富光色效果、运动幻觉的一种视知觉绘画抽象形式。其产生的令人炫目的效果常在平面设计和立体作品中得以展现。该派的艺术家重视对色彩和光影的光学原理。

图2 瑞士设计师 Nik laus Troxler 海报设计

的运用，强调绘画色彩形式和人的心理因素之间相互作用的关系。在艺术创作过程中主张用科学的绘画仪器来进行补色，调节色度深浅，增强空间透视效果，给人一种视觉错知上的“光效幻象”。(图3)其代表人物是瓦萨雷里．他一生都沉迷于线性结构当中。

在二维的空间上表现出三维空间中不可能存在的图形，也是应用于平面设计中最广泛、最频繁的错觉效应表现手法。如图，我们从这个楼梯走到何处去？此图给你一种错综复杂的游戏感和反常态空间感的视觉情趣。当人的大脑知觉到所看到的事物相互矛盾时，其轮廓已经深深的印在大脑中，让人难以忘却，又浮想联翩。(图4)

错觉效应所产生的形式美主要体现在数学美、动态美和奇趣美三个方面。三种表现形式相互作用，常常挑战着观众的知觉判断，冲击着观众的内心，并迅速将外在的视觉感官转化成为内心知觉探索的动力。现代平面设计中的视错觉效应与视觉艺术心理已被广泛重视。当平面设计正朝着信息化，多元化和人性化的方向发展的同时也为视错觉效应所产生的特殊视觉效果提供了展示和发展的平台。

当今时代，平面设计开始从静止形态的表现向动态的传达转变。光效应艺术原理的运用就显得尤为重要、光效应所产生的动态效果可以满足观众对信息流动的心理需要。平面设计中从二维平面延伸到三维立体和空间转化的设计理念，也是与错觉效应的表现形式相吻台。人性化的平面设计越来越强调从心理的角度出发来谈视觉艺术，因此以视觉艺术心理为内容以艺术手段为表现形式的错觉图像在平面设计中的应用更为广泛。

三、平面设计中错觉效应与视觉心理艺术的未来发展趋势

艺术创意需要新的思维和新的视角，研究错觉效应的视觉艺术就是为了引入创造性的思维和方法，打破陈规，启发新的思维方式，给观众以全新的感官体验。错觉效应中的不确定性给观众留下想象和变换视觉角度的空间，对错觉图形所产生的视觉心理效应进行分析。不仅可以很好的运用并设计出独特的设计作品，还可以反过来修正和弥补错觉效应所产生的误导和错视。人们对图形的知觉程度往往受到自身以往经验的影响，因此利用知觉恒常的规律来创作错觉图形也具有一定的效果。

错觉效应的研究不仅对平面设计有着实际的意义，更体现了对视觉艺术进行心理分析的重要性。平面设计的未来发展趋势正朝着多元化，空间化的方向迈进，错觉效应在维度转换上的表现手法的运用正可以满足这样的发展需要。重视人性化的平面设计，需要从视觉艺术心理的角度出发，打破人的视觉心理定势，给人呈现出一种全新的异于常规的错觉图像。当我们在平面设计中需要表达一种显而易见的图像信息时，如何运用错觉效应原理打破人的心理视知觉经验，从另一个或几个完全不同的角度去阐释平面设计所要表达的视觉艺术信息，应该是值得我们去追求和探讨的。

参考文献