音乐艺术论文精选(九篇)

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第1篇：音乐艺术论文范文

多元文化充斥下的香港文化不仅使香港人在价值取向上出现茫然的状态，而且带给人一种落寞的情怀、命运无常的幻灭感、缺乏依附和承载的无根感，以及疏离克制和理性的冷漠感。王家卫电影中的人物一般都沉醉在自己单向的情感世界中，他们既不愿走出自己的情感世界，又不愿让别人了解自己的情感，孤独地生活在自己的内心世界中。在王家卫的电影中，音乐是配合画面和故事情节的重要元素，发挥着替代角色和剧情的重要功能。

（一）电影音乐发挥着替代角色的重要功能

在王家卫电影中，主要人物都有其特定的代表音乐。《重庆森林》中的女主人公一直想到地球另一端真正的黄金宝地去，而其主题音乐《加州梦游》就直接代表了女主人公的梦想和思想，进而成为女主人公特有的背景音乐和角色隐喻代表。直到有一天女主人公将警察663喜欢的歌曲《多么不一样的一天》换成自己喜欢的《加州梦游》，意味着女主人公想要取代警察内心深处的恋人。《花样年华》中《梦二的主旋律》变化不大的和声、提琴忧郁暗淡的调式风格，带给人一种萦绕于心、难以忘怀的感觉，这与孤独、无助、郁郁寡欢的女主人公的心情十分吻合，以至于成为女主人公角色的隐喻代表。每次画面出现孤独忧伤的女主人公身影时，音乐就会缓缓响起，似乎在向人们诉说着她内心的忧伤、无奈和悲切。《堕落天使》中的台湾歌曲《思慕人》不仅暗示了父亲是一位来香港的台湾移民，真实地再现了父子之间的关系，而且巧妙地表达了父亲对子女的关爱。而在王家卫的第一部科幻影片《2046》中，音乐所代表的角色功能则表现得更为明显：主题音乐《摇摆》节奏舒缓、跳跃，以大提琴的弹拨衬托小提琴，演奏出具有迷人怀旧风格的音乐，代表着表面多情、游刃于各种女人之间，内心却孤傲、失落、焦灼的男主人公周慕云；具有美式拉丁风格的Siboney代表的是余香难留、风尘无依的交际花；而歌剧《诺玛》中的《圣洁的女神》则勾勒出执着的女歌手形象。

（二）电影音乐替代剧情参与叙事的功能

电影主题音乐是电影故事情绪的基调。人物的内心活动有时很难用语言来表达，电影音乐的出现则刚好弥补了电影语言的空缺，积极地表达着人物的内心世界。在王家卫的电影中，电影音乐的使用都是经过精心挑选的，无论是音乐的节奏，还是音乐的风格，不仅能够表现影片人物内心细微的变化，而且对电影故事情节的发展也起着重要的推动作用。《花样年华》中《梦二的主旋律》先后在男女主人公孤独地在面摊吃饭时，在狭窄阴暗的楼梯口擦肩而过时响起，舒缓的音乐将语言无法表达的内心寂寞、徘徊、无奈继而探寻对方内心世界的情感展露无遗。影片《堕落天使》中，男女主人公的身份注定他们之间是不能产生感情的，但感情这东西很难捉摸，在合作过程中两人产生了朦胧的爱意，此时男主人公“借用”关淑怡的歌曲《忘记他》表达了两人间没有结果的爱恋，结局尽在不言中。影片《阿飞正传》中选用的音乐都是具有热带雨林风格的古巴音乐，这与影片故事发生地马来西亚的地域背景是相同的，影片中音乐的选用不仅符合故事发生的地域背景，而且预示着所有挥霍青春的人像梦一样莫名的开始，莫名的结束。电影音乐使碎片式的故成了统一的有机整体。王家卫电影中的音乐不仅发挥着普通配乐的暗示角色行动、推动故事情节发展、奠定影片感情基调的作用，而且具有情节过渡、替代人物角色等参与电影叙事的重要功能。语言是一种抽象符号，传递的是特定的含义，但音乐不同，它比语言更丰富、更生动。在王家卫的电影中，音乐能够替代剧情将非线性的、碎片式的故事情节连贯成有机的整体，揭示影片复杂的背景、人物和情感。王家卫使用大量独特的音乐表现手法既向观众展示了现实的荒诞、异化和虚无，又描写了社会底层人物心理的边缘化、落寞感和无归宿感。

二、王家卫电影音乐的意义

第2篇：音乐艺术论文范文

在某些音乐体裁上也常与绘画相联系。如交响诗、交响音画等。交响诗是李斯特首创的一种单乐章的标题交响音乐的新形式，在构思上，或体现某种哲学思想，或展示某种诗的意境，或与某幅绘画、某篇文学作品相联系。李斯特的交响诗《死神之舞》，就是作曲家于1838年在意大利巡游时，观赏在比萨某教堂墓地的一幅古壁画《死的胜利》以后受到启示而写成的；《匈奴之战》是根据德国画家考尔巴赫的历史壁画而作：《从摇篮到坟墓》则是根据匈牙利画家齐契的绘画而作。柴可夫斯基在谈及他的交响诗《弗兰切斯卡?达?利米尼》时也曾讲述过绘画作品对他音乐想象力的激发。他指出：“法国画家古斯塔夫.多勃为但丁的神曲创作的插图《地狱的旋风》，极大触发了我的灵感。”因此在柴可夫斯基的这首乐曲中，我们可以看到作曲家用生动、逼真的音乐笔触，描绘了一幅恐怖可怕的地狱的景象：“晦暗阴冷的旋风，愈来愈凶，混合着罪恶的灵魂出哀绝的号叫和痛苦的呓语。”毫无疑问，乐思所呈现出的视觉图像在作曲家的笔下喷涌而出，一气呵成，很大程度上是受到了画家的画作感染。捷克的民族音乐之父斯美塔那在耳聋后写成的交响诗歌套曲《我的祖国》，莫不如此，特别其中的第二首“伏尔塔瓦河”从涓涓细流慢慢的汇成大河，流过举办婚礼的村落，流过寂静的夜晚，从南到北流过捷克的祖国大地，最后涌向大海，用音符形象的描绘一幅捷克的母亲河两岸的美丽画卷，令人神往。“交响音画”也是一种单乐章的管弦乐曲，在内容表达上极富于诗情画意。这些音乐作品并不直接取材于画作，但作曲家在创作构思中，却以内心想象的视觉图画为乐思的依据，遂意音画来命名。比如俄国著名作曲家鲍罗廷（Borodin)的《在中亚细亚草原》就是一首典型音画作品。作者在乐曲的扉页，写下了：“在中亚细亚风沙滚滚的大草原上面，远处传来悠静、详和的俄罗斯曲调，伴随着骆驼有节奏的步伐声的从远处慢慢飘来一缕东方旋律，从无垠的沙漠中渐渐走来一队商旅，在威武雄壮的俄罗斯军队的保护下，安然前行、远去，忧郁的俄罗斯曲调与东方旋律相互交融，在广阔草原上回荡，逐渐消失”。文字上的提示，无疑使得听者在欣赏时眼前迷幻出一幅具有异域沙漠风情的优美画卷。中国作曲家罗忠铭有感于智力残疾的儿子罗铮的绘画作品，所创作的管弦乐音画：《罗铮画意——无题之四十八》，结合了中与西、传统与现代的创作思维方式，表现出一种哲学思想。罗铮的音乐绘画是在罗铮欣赏了德彪西、李斯特、布列兹等音乐家的杰作时，在捕捉了音乐中的自然特征的同时，建立了一种发自于内心思维的视觉塑造。作曲家通过组合管弦乐队的不同音响色彩，使用中国五声性的十二音聚合，运用贝尔格的“点彩”作曲技法手段，通过音块及混合音响的组合，增加音乐的色彩性风格，构筑出一种特殊的音乐画面，使音乐充满了一种抽象性的音响直觉感。从整体音乐的飘逸乐风中，还原了罗铮在音乐绘画中的“超我”境界。同时也体会到罗铮绘画对音乐色彩一一冷与暖、蓝与绿的块独特的感悟能力，使这些色彩永远地充满着无尽的“乐思”。

二、存在于音乐中的画家们

很多著名的音乐家，不仅在音乐上有非凡的成就，在绘画上也有着较高的天赋。天才的音乐家勋伯格就是一个天才的画家，他1907年才开始涉猎绘画领域，三年之后，就在慕尼黑、柏林和维也纳举办了“勋伯格画展”，维也纳的博物馆已经收进了七十余件他的画作。他独树一帜的“音色旋律”创作方法，和绘画领域的“点彩派”绘画心契神会。康定斯基对他的绘画才华也赞叹不己，并写出文章对他的作品做了分析。德国歌唱家狄斯考很早就开始接触绘画，他说“音乐的意向可以隐喻地用线条和色彩来再现，有时我真的想表现我所歌唱的事物”，并与于1980年在德国的班贝格，1983年在日本成功的举办了个人画展；法国作曲家古诺髙强的绘画才艺曾让他在选择自己发展道路时左右为难。他获得罗马大奖后被派到罗马去进一步学习音乐的时候，每周都要到西斯廷教堂去做礼拜，他一面玲听弥撒曲，一面观赏米开朗琪罗的壁画，并能把它们临蓽得惟妙惟肖，音乐院院长为此忧心忡忡，他善意地提醒古诺：“天啊!你以为我们给你奖学金是要你来学绘画的吗?”；圣桑的心智包罗万象，音乐上的早慧让他享有"莫扎特第二”的美名，而在音乐之外，他精通几国语言，对美术、数学、天文学、考古学、哲学、动物学、植物学等都有浓厚的兴趣，皇室曾根据他的请求为他拨數购买了一台天文望远镜用于观察星空，他写过不少的科学论文或研宄文章。在美术方面，他著文《论古罗马剧院的装潢装饰》，讨论庞贝城的壁画。17岁就写了著名的《仲夏夜之梦序曲》的门德尔松在他周游世界的时候，总忘不了随身携带的画本，他不仅用音符刻画了优美的名胜风光，也用画笔勾勒所见所想。瓦格纳虽然和门德尔松友谊不佳，但在听过门德尔松的《赫布里底岛序曲》之后，也忍不住由衷的称赞他是“第一流的风景画家”；除此而外，被誉为“钢琴诗人”的肖邦在绘画上所表现出的才能也不容小觑 音乐家与美术家们所结成的深情厚谊，也使得他们在彼此的交流、欣赏中互为影响并推动着音乐与视觉艺术创作的共同发展。如在古典音乐的创始人斯特拉文斯基的艺术生涯中，许多美术家和诗人都是斯特拉文斯基的好友，交往密切，其中对他影响较大的则是画家毕加索。毕加索曾为他的而芭蕾舞剧《炫技》、《普尔欣奈拉》设计了舞台的布景、道具、服装和海报，毕加索由于经常改变风格而在美术界成为最著名的人物，而音乐界的斯特拉文斯基与毕加索恰像是一对孪生兄弟，也并不愿意重复自己的风格，不满足于刚刚创立的辉煌，当人们刚刚熟悉了他的某一风格、或者刚学会对他的某一音乐特征加以模仿时，却又困窘地发现这种风格的创始人己经又开拓了一个新的领域。正如《春之祭》引起的骚乱余波还未平息，斯特拉文斯基又己经开始了他新古典主义风格的探索了。正是对美的共同追求使他们心意相通走到了一起。

三、美术流派影响下的音乐

音乐中一些流派的形成无疑也受到过视觉艺术流派的影响。如以法国作曲家德彪西为代表的印象主义音乐就是在印象主义画派和象征主义诗歌影响下形成的。印象主义艺术首先是在视觉艺术方面兴起的，19世纪末，以马奈、莫奈、和雷诺阿为代表一些年轻艺术家们，他们希望打破学院派的严谨和保守，反对单一的在宗教和神话故事中汲取题材，主张走到大自然中去，把注意力放在自然光色的变化效果上，尽量避开写实体裁，以光和色彩为视角，去捕捉一个个瞬间飞逝的印象，用精细的笔触，模糊的构图，借助光、色的变幻来表现渲染闪烁的气氛与色彩、倏忽朦胧的自我感觉和印象。1874年，这帮年轻人在法国举办了一次叛经离道的画展，莫奈风景画《日出.印象》的出现，在当时更是受到众多的非议和攻击，从而这些年轻的艺术家们被贬为“印象主义者”》正是由于这些年轻艺术家们的“离经叛道”的思想，深深的影响了力求在音乐上突破传统的德彪西、拉威尔等作曲家。开创了一种注重和声的倏忽变幻，音响色彩的细腻斑斓，模糊的曲式轮廓，细致入微的听觉感受，突出精致、纤巧的风格，从此确立了印象主义音乐流派，对后来的音乐创作产生了巨大的影响。20世纪音乐的主要流派一表现主义最初也是受到视觉艺术思潮的影响，1911年，画家康定斯基、马尔克、玛克等人在德国创办了《青骑士》杂志，刮起了一股表现主义运动的风潮，发表了多篇有关视觉艺术的表现主义言论。以勋伯格和他的两个学生贝尔格、威伯恩为代表人物的表现主义音乐，无疑是受了视觉艺术中表现主义画风的影响。他们在艺术上的观点也是相同的，都认为表现主义应该表现的是人们内心，而不是对外界的印象的形象描绘，强调的不是客观物体的外貌，而是人们内心和灵魂深处的感觉和情绪。表现主义音乐与18世纪的理性、均衡与和谐，与19世纪浪漫主义的注重自我世界，关注和听众通过音乐进行情感上的交汇的音乐描述完全不同。对此勋伯格就曾说过：“艺术家为之奋斗的最伟大的目标只有一个，那就是表现他自己……我们的心灵才是客观世界的真实反映……”。如同常用变形和扭曲手法描写真实的表现主义画家一样，他们用怪诞、奇异的音响去表现压在自己内心深处的那种绝望、压抑、恐惧。在当时的社会环境中，他们目睹到种种黑暗、腐败现象，感到强烈不满，却又无力改变，从而陷入迷茫、无助的境地。所以惊悚、死亡等等是表现主义常常关注的题材，充满了精神上的荒诞。伯恩斯坦曾在评论勋伯格的代表作品《月迷彼埃罗》说：“这些歌永远使我感动，但也使我有点恶心。连唱带讲，还加上。在这些歌曲的有些地方，我真想跑去打开窗子，呼吸一下健康而清洁的空气。但这也就是它的成功之处。”另一位评论家却说：“如果这是音乐，求求上帝，别让我下次再听它了。”下面的两幅作品中，僵硬平直线条、变形的构图、大片涂抹的色块，似一声声尖利的喊叫刺透我们的耳膜，充满了绝望、惊恐，形象的表明了这两种艺术形式内在联系。和音乐家爱画、作画相映成趣的，另一边就是画家爱乐、作曲了。在美术史上，出现过许多用绘画表现音乐的大师和杰作，如：美国早期画家华尔特狄斯纳，他曾根据贝多芬的《田园交响曲》创作了三幅画作；被誉为19世纪最优秀的俄罗斯风景画家列维坦所创作的名画《墓地上空》表现的也是是贝多芬的名作《英雄交响曲》中的“葬礼进行曲”。据他的一位女学生回忆说：“当列维坦创作这副作品时，坚持要我为他弹奏贝多芬的曲子”，可见，正是贝多芬的音乐唤起了画家的创作灵感。美国绘画史上第一位纯抽象派大画家斯图尔特?戴维斯(1894—1964)的创作是与他对爵士乐的热爱分不开的，他认为，画家可以从现代爵士乐中发现一种新的绘画观念，他就是利用夸张变形的色块、色调、线条、等绘画语汇，运用抽象化主观化的写意传神手段进行着一幅幅只可以眼观的“乐曲”创作。当观众们走过他1932年为纽约一座新落成的音乐厅所绘制的大型壁画前都不禁感叹这是一幅‘‘可以用眼睛来欣赏的变化莫测妙不可言的音乐作品”。另一位出生于美国近代著名绘画大师惠斯勒(1834-1903),—生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体，并在这方面做了有益的努力，有着突出的成就，可以说是历史上最负盛名的“音乐画家”。他采用音乐术语为他的画命名，如把《白衣少女》称之为《白色交响曲》、《母亲的肖像》称之为《灰色与黑色的交响曲》、《茫茫之夜》则称之为《夜曲》。另外他还用和声、变奏曲、旋律、音调、幻想曲等音乐名词来命名他的画作。这样的画家还有很多，如马蒂斯从小酷爱小提琴，他常一天练六个小时的琴，因此在他的绘画出现了很多关于音乐的主题《钢琴课》、《音乐》、《内景和小提琴》、《爵士乐》等作品也就不足为奇了。俄罗斯抒情抽象绘画的大师康定斯基在绘画中表现出的独创性更是值得一提的，从小表现出很高的音乐天赋，钢琴弹的特别好，作品《送葬队伍》，基本上是从瓦格纳的《众神的黄昏》得到暗示的，还有《相互的和音》、《赋格》、《带伴奏的中心》、《有规律的飞翔》等等与音乐有关的作品，都无不体现出康定斯基在用绘画表达音乐、抒发自己的情感方面，有其独到之处。

四、结语

第3篇：音乐艺术论文范文

Magazine114乐文化鉴赏，注重对我国本土音乐文化的传播与发展。自上世纪初开始我国音乐教育经历了四次浪潮(20世纪初学日本，20一30年代学欧美，50年代效仿苏联，80年代再学欧美!，至今仍存在效仿欧美的现象。欧洲中心论使得大部分音乐院校以西方音乐教育体系作为教学主要对象，而作为本国灵魂的民族音乐却成为附加模式。②全球文化趋向多元化的趋势以及多元音乐文化教育的发展，要求我们首先在音乐教育过程中应重视本国内部音乐文化的传承与发展，注重对本位音乐教育的回归，尊重我国各民族本土音乐文化的传承。在熟知本国音乐文化基础上进而推动对世界音乐文化的学习。作为基础性课程的音乐艺术鉴赏课在学校音乐教育应该承担此任务，并应该在实践教学过程中加大对本土音乐文化的鉴赏模块，包括对各民族音乐历史文化以及相关音乐的认知、辨别及其理解与评价。③推动我国各民族音乐文化的传承与发展，使高等院校培养出来的学子具备本土音乐文化的正确认知意识，以此进一步增强他们对我国多民族地区的民俗音乐的热爱与感知;另外地方院校在音乐鉴赏课程中应增设本地区音乐文化鉴赏模块，使学生在自身固有文化基础上更深刻的感知家乡地区音乐文化的魅力，土曾强对自身文化的认同意识。

2、音乐艺术鉴赏课中应加强对世界其他音乐文化的学习鉴赏

以此推动学生对世界音乐文化的了解，并进一步使学生了解世界各地区各民族的音乐文化是平等的，使学生学会从文化的角度阐释世界各国的音乐，进而引导学生以文化相对主义价值观的眼光来看待世界各国的音乐文化。音乐艺术鉴赏课自开设以来大都以西方欧洲文化为主要内容，其鉴赏发展脉络也是以西方音乐史为主，而对于除此之外的其他国家地区音乐文化提之甚少，对于这些内容有些教科书干脆忽略。自多元音乐文化进入我国音乐教育视野以来，我国许多音乐学者提出了开设世界音乐课程的建议，并在当今音乐教育中已有部分高校已实施，但其普及程度及其教学质量仍不乐观，音乐艺术鉴赏课作为普及音乐文化知识的课程应在此基础上应承担此重任，加强对世界多地区音乐文化的普及认知，一方面有利于多元音乐文化的传播发展，另一方面推动了世界音乐文化的传承，使更多的学生接触并欣赏的不同地区不同世界的音乐文化，提高学生的音乐视野及其文化修养。

3、结语

第4篇：音乐艺术论文范文

伴随着世界经济和文化全球化的发展，构建多元化音乐教育体系逐渐成为我国当前音乐教育改革和发展的新视点和新方向。20世纪中期以来，有很多国家陆续启动了音乐教育改革，在这些国家的音乐教育改革中有一个相似点，即它们都是在通过采取各种方式和措施传承、发展和创造本国或本民族的音乐文化的基础上开展多元文化音乐教育。在全球音乐文化多元化化背景下，我国少数民族乐器的自然传承受到了猛烈的冲击，这使得少数民族乐器的发展与我国音乐文化的发展之间存在割裂、脱节现象。在这种形势下，作为少数民族乐器传承的重要载体，高等音乐艺术院校应改变传统的音乐教育理模式和理念，通过积极探索和改革，开发和构建少数民族乐器教育课程，进一步完善民族音乐教育体系，实现民族音乐文化和西方音乐文化相融合的多元化音乐教育。

二、构建少数民族乐器教育课程的基本思路

2001年，教育部颁布的《基础教育课程改革纲要（试行）》和《基础教育课程改革纲要（试行）》标志着我国教育课程正式实行国家、地方和学校三级课程开发体系。在三级课程开发体系中，校本课程开发在少数民族乐器教育课程构建中应起到核心的作用。各高等音乐艺术院校应充分发挥其传承和发展少数民族乐器的特殊作用，通过利用现有教育资源、开发潜在教育资源，将少数民族乐器传承与高等音乐艺术院校人才培养相结合，构建起少数民族乐器的教学、科研和实践体系，建立一个完整科学的少数民族乐器人才培养模式。笔者认为，少数民族乐器教育课程的构建应从课程构建出发点、课程结构、教学方法和师资队伍等方面进行探索和开发。

（一）明确课程构建出发点

各高等音乐艺术院校必须把握时代精神，以传承和发展少数民族乐器为基本出发点，从少数民族音乐教育的本体价值和人的全面发展等方面出发，以少数民族乐器的音乐价值和社会价值为基础来设计和构建课程，培养能够在学科内系统掌握音乐基础理论、系统知识和专业技能，具有较高的文化素养、较强的艺术表现能力和综合实践能力，能够胜任专业艺术团体活动、科学研究、学校音乐课堂教学、指导课外艺术活动、参与校园文化环境建设的高级艺术人才。

（二）科学合理设置课程结构

科学合理设置课程结构是构建少数民族乐器教育课程的核心和关键。对于少数民族乐器教育课程结构的设置，各高等音乐艺术院校应避免学科本位、科目过多和缺乏整合等情况的出现，整体设置课程门类和课时比例，加强学科体系整体的综合功能，促进理论与实践的有机统一，体现课程结构的均衡性、综合性和选择性。首先，各高等音乐艺术院校应加强对少数民族乐器产生的文化、历史等背景知识的重视，将少数民族乐器的技术和历史文化等要素进行有效的整合。其次，要重视学生的主体地位，少数民族乐器教学的起点应建立在学生的兴趣爱好、审美能力、现存知识和经历的基础之上，教师要通过少数民族乐器教学活动来解决理论和技术问题，培养和开发学生的创造力、演奏能力和合作能力。

（三）创新教学方式

对于少数民族乐器教学来讲，“请进来，走出去”不失为一种很好的选择。我们可以聘请从事少数民族乐器研究的专家和少数民族乐器民间表演艺人来校任课或举行讲座，直接传授少数民族乐器的文化及演奏技巧。这种方式解决了各高等音乐艺术院校少数民族乐器师资匮乏的现状。同时，我们可以让学生深人少数民族地区进行采风，参加少数民族地区民族民俗活动，与当地群众进行音乐交流，体验当地民族文化。这种方式将课堂教学与田野考察体验结合起来，有利于学生加深对少数民族乐器的情感体验，深刻感知少数民族音乐的内涵。实践证明，“请进来，走出去”的方式能让学生更加直观的了解少数民族乐器的历史及文化，从而对少数民族乐器产生更加浓烈的兴趣，唤起学生学习少数民族乐器的热情。

（四）加强师资队伍建设

第5篇：音乐艺术论文范文

素质教育要求把德育、智育、体育、美育等有机地统一在教育活动的各个环节中。而音乐艺术特长培养过程，渗透了德育、智育、体育、美育几个方面。

1.培养过程中的德育

在这里指的是狭义的德育，即学校德育，教育者有目的地培养受教育者品德的活动。在音乐课堂中老师可以充分运用德育的两种模式，使学生培养良好的思想认识和社会品德。①主体性德育模式。这一种模式侧重的是道德认知。音乐教学中可以充分让学生作为德育的主体，培养学生成为具有主体道德素质的社会主体。例如由于音乐艺术的课堂不同于普通课堂，大多在教室环境上需要重新改变，课前需要按需要重新排列椅子。这个时候让学生帮助老师排列椅子，可以激发学生的参与性和学会帮助他人。并且可以让学生自己选择座位，这必定会发生选座的矛盾，会有两个或更多的同学喜欢某一个位置，这时就需要学生自己商量和思考，由此培养学生的谦让精神。②情感德育模式。这种模式侧重的是情感。首先可以让学生“学会关心”，引导学生从原始的情感提升到理性的关心。音乐艺术特长教学中，学习乐器的学生都会有自己的乐器、学习声乐的学生也会有自己的歌谱。所以，在老师的强调下，学生不仅会爱护自己的乐器和乐谱，也会注意不损坏别人的乐器。所以这最终培养的不仅是“关心”的情感，更是一种责任感。其次，在教学过程中，必定会涉及到乐曲背景、作曲家的故事。千百年来，音乐已成为人类抒发感情、寄托思想的最佳载体。国内外都有很多乐曲充分表达了音乐家的爱国主义情怀，例如肖邦，他被誉为隐藏在花丛中的大炮，9世纪初，波兰遭到欧洲列强的瓜分，肖邦悲愤欲绝，他希望祖国能够强大，不希望祖国灭亡，因此写下了《革命练习曲》，以此来表达了他对祖国的思念和民族的期望。在对此类曲子的赏析和演奏过程中，学生会被音乐深深感染，体会到浓浓的爱国热情。我国古代思想家、教育家都强调艺术的道德教育作用，并且大力的提倡。孔子之所以推崇《韶》乐，就是因其“尽其美，又尽善也”。孟子主张艺术应为“善教”服务。荀子提倡以艺术借美的形式传道、扬善、授礼，达到“移风易俗，天下皆宁”的政治境界。所谓“文以载道”就是他们一致的认识和主张，音乐教育则无疑可以增强这一种文化自觉。

2.培养过程中的智育

我国的学校教育有两个较明显的特点：偏重于知识的传授和逻辑、语言能力的训练。正是由于这样，在一定程度上就影响了学生的智力的全面发展。智力一般指观察力、注意力、记忆力、思维力和想象力等。而我国的应试教育进行的是教条式的、严密的培养，对于学生的观察力、想象力的形成与发展是起到阻碍作用的，而观察力和想象力是人类发明创新最需要的动力。观察和想象是艺术的基础。因为有这样一些特点可以在艺术特长教育过程中激发学生的想象力和观察力。首先在音乐艺术特长教育中，少不了音乐欣赏，在这个过程中教师可以利用现代多媒体设备教学。例如欣赏约翰•施特劳斯的《蓝色多瑙河》，可以先让学生看一下多瑙河的图片或者动画，然后闭上眼睛听音乐。当序奏一开始，小提琴琴弓轻轻奏出徐缓的振音，同学们会插上想象的翅膀，好像飞到了多瑙河上空，看到清晨的第一缕阳光拨开了河面的薄雾，平静的河面渐渐荡出波纹。其次，识谱是一个过程，通常的钢琴、小提琴等西洋乐器教学，都需要看五线谱，学生需要通过自己比较，找出每个音位置的不同，这个过程中必然锻炼到学生的观察力。

3.培养过程中的美育

美是抽象化的东西，大众对美的认知是主观的，也会受到社会潮流的影响。在经济快速发展的今天，不可避免的产生了审美乱象。快节奏的生活伴随着巨大的压力使人们赶到压抑，但是又没法找到恰当的途径来释放压力，从而以扭曲的审美方式来表达自己内心的反抗与对自由的向往。所以从小、从课堂中、从教育里去培养学生的审美能力、艺术修养尤为重要。艺术对审美教育的作用人人皆知，音乐艺术特长教育的培养更是能直观的促进学生的审美。大量优秀的音乐作品流传下来，提出很多关于真善美和假丑恶的价值标准问题。在音乐艺术特长教育中，教师不仅教学生唱歌、演奏，还要对乐理知识的讲解、作曲家的相关介绍，这样更可以提升审美能力，因为音乐作品中的节奏和旋律以感性呈现给审美者，审美者又必须具备一定的主观条件，了解有关的形式结构，表现手法和风格流派等，以至有关的背景情况，并且能够懂得乐曲的进行过程，才会有较好的审美效果。现在已经有很多学者提出通过对音乐的理解，可以提高感受美、鉴赏美、表现美、创作美的能力。所以说从政策实施方面来看，加强音乐艺术特长的教育是把素质教育的内在要求充分落到了实处。素质教育从本质来说，就是以提高国民素质为目标的教育。虽然目前不是每一个学生都可以接受音乐艺术特长教育，但是相信随着经济水平的发展，这种形式的教育会越来越普遍。并且必须看到的是当这部分学生将来走进走入社会，必然对周围人群会产生引领作用。公共文化的建立，不是一朝一夕得以实现的，当一群在德智体美全方面发展的人在我们的社会中做出贡献，必然成为大家学习、模仿的榜样，在这样的作用下，才有可能实现人人参与文化，人人享受文化，人人创造文化。虽然本节探讨的的是音乐艺术特长教育的外在价值，其实它已经对学生个人起到了很好的促进作用，随后才才由各个个体聚合对社会产生积极的促进作用。

（二）内在价值

从上文中已经看出，音乐艺术特长教育可以培养学生个人的品德、想象力、观察力、审美能力。那么音乐艺术特长教育过程中还有哪有不可忽视的内在价值呢？

1.自信心的建立

有些孩子出现了胆小、害羞的问题，现在的小问题可能为今后埋下隐患。因为胆小、害羞，不敢和老师交流以至于不会的问题一直没搞懂、不敢在公开场合说话以至于错失很多表现机会。自信心的培养可以完善孩子的人格。学校的音乐艺术特长教育为学生的自信心的培养提供了得天独厚的环境。在音乐艺术特长培养一般是小班教育，所以老师可以充分关注到每一个学生，增加学生的心理满足感，让他更能在课堂上表达自己。教与学是一个互动的过程，也正因为是音乐艺术教育，老师可以让学生站到讲台上表演，这对其又是另一种挑战，在观察中可以发现，即使是平时站在讲台上可以自信的说话的学生，拿起乐器在大家面前表演也会产生紧张的情绪，只有通过这种形式的锻炼，才能全面充分的提升学生的自信心。从某种意义上说，学生艺术教育的实质，就是一个人格化的过程。

2.毅力的培养

虽然有音乐天才，但大部分人都趋于普通，所以想要诠释好一个音乐作品，无论是乐器演奏合适还是演唱都需要反复的练习。练琴、练唱这是从事音乐艺术特长教育的老师反复强调的。其实无论学什么肯定都是要付出努力的，熟能生巧是所有人都懂的道理。为什么有人能走到终点而有的人只能半途而废，这跟个人的毅力有很大关系。而学习音乐艺术特长的过程也是毅力的培养和形成过程，虽然教育家不鼓励被迫学习，但也不鼓励半途而废。所以应该让孩子自己选择是否对这个乐器或声乐感兴趣，然后必须下定决心开始学习。通过反复的练习，学生会发现原来没有那么难，原来音乐那么有意思，学生自己心中也会充满成就感，会懂得坚持的可贵。那么在之后的学习、生活、工作中这么坚持必然得以保存和发扬。

3.情商的培养

艺术教育包括艺术的各种门类和形式。在艺术的各种表达方式中，艺术的要素贯穿于其中。即陶冶性情、愉悦身心，而这些属于情商的教育。音乐艺术特长教育更是对学生的一种最直观的影响。有艺术引发的美感是一种高尚的情感，不同于其他靠逻辑论证和有意识的理解、记忆的教育方式，更不同于那些约束、限制的手段。它是通过美育在审美愉悦中得到情绪的调节、情感的净化、精神的升华。实践证明，音乐能影响人的生理和心理活动，特别是情绪活动。现在有很多用音乐来舒缓、治疗心理的方式。通过音乐艺术特长培养，学生会更懂音乐，甚至自己就懂得用音乐来自愈，调节自己的情绪。

4.学业上的帮助

第6篇：音乐艺术论文范文

研究任何事物都会涉及到概念。因此，我们首先要讨论的是：什么是时间？时间是“物质运动中的一种存在方式，由过去、现在、将来构成的连绵不断的系统。是物质的运动、变化的持续性、顺序性的表现”。是“宏观一切具有不停止的持续性和不可逆性的物质状态的各种变化过程，其共有性质的连续事件的度量衡的总称”。

这种一维的、连续的时间就是物理概念中所说的那种时间。这样的解释对我们理解现实中的时间大有帮助，但是却与艺术中的时间有所不同。音乐是最容易让人感受到时间的艺术。这是因为音乐的一切要素（作曲家创作乐谱，表演者演奏或演唱出实际音响，以及听众感受和欣赏音乐）无一不是在时间中展开。更重要的是，“音乐是流动着的；一种曲调是运动着的；一系列的乐音连续听上去也像是一种行进。……一段完整的奏鸣曲也总是很自然地被称作是一种‘运动’。……我们在其中听到的也完全是一种行进、流动或竞争性的前进运动……通过这种纯粹的外观运动，音乐就为听众展示出一种‘时间’幻象……它并不像我们日常生活进程中所模糊感受到的时间……它的广阔性、复杂性和多样性使得我们把它感受为一种完全不同于时钟测度的时间的另外一种时间……”。

苏珊•朗格把这种由声音创造出来的时间称为“虚幻的时间”，因为“在这种音乐的流动中实际上并没有发生从某一个地方向另一个地方移动的运动，这种运动是虚幻的，……这种虚幻的运动是只为耳朵而存在的运动……”。

不论这种运动是否虚幻，欣赏者听到的其实是某种音型在一个确定的乐音域限之内的运动，是一种从始点到相对的静止点的运动；他听到的乐音强度和音色都会在这个时间运动中占有某种稳定的和鲜明的位置。也就是说，音乐是在一段时间内展开和完成的，它有着完整的结构。

在一段乐曲中，所有的乐音和乐拍都按照一定的时间顺序排列，并有着明确的起点与终点。如果没有这种按时间顺序变化的展开或“行进”，音乐便无法表现出它特有的旋律和节奏，音乐也就不再是音乐了。而“事物在某一段时间内才有效、有意义或有作用的特征”被称之为时间性，因此可以说，音乐是具有时间性的艺术。

派脱（W•Pater）有一句名言：“一切的艺术都是趋向音乐的状态”。如果真是这样，绘画是否也具有如同音乐一样的时间性呢？从表面上看，任何绘画都具有一些时间特征。绘画由点、线、面这些基本因素构成，而线条可以理解为点的移动轨迹，这种移动本身就是一种时间的延宕。

第7篇：音乐艺术论文范文

从音乐艺术管理“内涵式”发展的构成要素上看，目标整合、特色定位、质量提升和大学经营为音乐艺术管理“内涵式”发展的基本要素；构建品牌、现代化管理、文化建设、战略经营为音乐艺术管理“内涵式”发展的发展要素。无论是基本要素还是发展要素，各种要素直接相互支撑，共同致力于整体的发展。其中，基本要素中的目标整合和大学经营互为依存，形成基本发展循环机制。而整个高校的可持续发展以这些要素和要素之间的作用为基础，反过来又强化了要素的功能，从而实现音乐艺术管理更高层次发展。

二、当前音乐艺术管理存在的问题分析

当前，音乐艺术管理的现状不容乐观，还存在着诸多亟待解决的问题，这些问题主要表现在四个方面，分别是音乐艺术管理的学科定位不明、音乐艺术管理课程设置不合理、音乐艺术管理的管理方式落后和音乐艺术管理的人才培养弱化，其具体内容如下：

1.音乐艺术管理的学科定位不明音乐艺术管理的学科定位不明是当前音乐艺术管理存在的问题之一。近年来，随着中国文化事业的不断繁荣发展，音乐艺术管理发展的速度也较快，市场对文化艺术管理专业人才的需求激增，但由于艺术管理专业在我国处于起步阶段，对音乐艺术管理专业的学科定位不明，导致培养目标宽泛、市场针对性不强，直接影响到学生的就业问题。加之艺术活动的发展趋于“跨界”和“综合”，使得人才培养与市场需求难于接轨的矛盾日益突出，迫切需要明确定位音乐艺术管理专业的学科属性。

2.音乐艺术管理课程设置不合理音乐艺术管理课程设置不合理也在一定程度上制约着当前音乐艺术管理的发展。就目前而言，音乐艺术管理专业在课程设置上仍缺乏系统性，音乐艺术类课程设置比例偏低，不能较好地体现音乐因数管理的核心专业能力，也不能很好地处理艺术与管理的关系，现有的音乐艺术管理课程设置不合理的现象还较为突出，没有针对音乐艺术管理专业人才的培养计划，各门课程之间的内在逻辑关系较为混乱，使得音乐艺术管理的知识结构不够完善，这都是由于音乐艺术管理课程设置不合理造成的。

3.音乐艺术管理的管理方式落后音乐艺术管理的管理方式落后是当前音乐艺术管理的瓶颈。音乐艺术管理的管理方式落后主要表现在两个方面，首先是部分高校在招生工作中存在着一定的问题，“宽进宽出”的现象就是其中之一。由于每年的考生数量有限，而高校又在不断地扩招，一些高校不惜降低招生标准来完成招生计划。其次，由于音乐艺术管理的经营管理方式落后，市场意识淡薄，表现出较强的商业性和短期性意识，也不同程度地影响着音乐艺术管理专业的发展。

4.音乐艺术管理的人才培养弱化音乐艺术管理的人才培养弱化使得当前音乐艺术管理陷入困境。目前，音乐艺术管理专业的教育内容、方式及人才培养方案还不成熟，一些音乐专业院校在学生大量涌入的状况下，校舍、器械和师资的投入严重不足。原本一次性完成的课程，现在由于学生数量的激增，被迫分为两个或多个组，成倍地加大了教师的教学任务；学生每天应付出大量的时间在琴房和实践场所进行练习和实践，但扩招后场地不够、师资不足等原因使之无法正常开展下去。加之经费少、教师待遇低，一些院校的音乐专业很难引进或留住高学历、高职称的专业人才，而师资培训因经费短缺也难以正常开展，造成了师资队伍职称结构低、专业及教学水平持续下滑的现象。

三、音乐艺术管理“内涵式”发展的策略

为进一步提高音乐艺术管理水平，在了解音乐艺术管理的构成要素和当前音乐艺术管理存在的问题的基础上，音乐艺术管理“内涵式”发展的策略，可以从以下几个方面入手，下文将逐一进行分析：

1.明确定位音乐艺术管理专业明确定位音乐艺术管理专业是当前音乐艺术管理“内涵式”发展的关键。要想在全国同类院校中彰显特色和优势，明确定位音乐艺术管理专业，使学生清楚毕业后可从事广告主管、经纪人、业务经理、音乐出版商、职业经理人和专业管理者等职业。在明确定位音乐艺术管理专业的过程中，对音乐艺术管理进行市场定位和特色打造，走差异化发展道路，必须在两方面上下工夫：一是理论上，二是在实践上。音乐艺术管理专业的理论定位，通过聘请国、内外（包括院内）专家、引进新的教材（中、外文，特别是外文教材）、双语课程、选送教师出国深造等，通过系统学习艺术管理理论知识，加强对音乐艺术管理专业的学术研究。实践性教学对于应用性强的艺术管理专业来说至关重要。在专业实践教学上，音乐艺术管理专业应注重理论联系实际的教学策略，如在实际演出项目和财物资源有限的情况下建立实践基地。与此同时，引导学生在社会实践中深化对知识的理解，了解市场，拓宽思路，可以为学生毕业后走向社会，走上工作岗位创造条件。

2.合理设置音乐艺术管理课程合理设置音乐艺术管理课程是音乐艺术管理“内涵式”发展的重要内容。对音乐艺术管理课程设置而言，要借鉴其他院校的教学大纲、教学计划，理顺各门课程之间的内在逻辑，完善课程体系，注重知识整体性，构建艺术与管理相融合的课程体系，使学生掌握更多音乐艺术知识。具体说来，一方面应适当增加音乐艺术类课程设置比例，使学生掌握更多音乐艺术知识。另一方面，应巩固、加强已有的中心主干课程，如《艺术管理学》《艺术市场营销学》《项目策划与运作》等。此外，还应增加与中心主干课程、艺术实践活动相配套的课程，《消费者行为学》可作为对目前《市场营销学》课程的补充；《艺术管理原理与实践》，可以作为《艺术管理学》的延伸课程和《艺术管理实务》的先导课程等。

3.适时优化音乐艺术管理方式适时优化音乐艺术管理方式对音乐艺术管理“内涵式”发展也至关重要。音乐艺术管理在管理方式上的变革，应致力于打造“精管理、重艺术”的一流艺术管理专业队伍。在内涵式发展阶段要实现这一目标，我们需要重点解决两个基本问题，一是确保选拔出一流的学生；二是确保为一流学生实施教育的优秀教师。前者要求我们完善招生制度，后者需要我们完善教师队伍，特别是它的梯队建设。为推动音乐艺术管理“内涵式”发展，学校招生时应严把质量关，严格执行招生标准，并根据学校的实际情况拟定招生计划。在完善音乐艺术管理专业教师队伍建设方面，要多给教师提供培训、进修、访学的机会，提高音乐艺术管理专业教师的专业素质，促进音乐艺术管理专业教学现代化的实现。

4.加大培养音乐艺术管理人才加大培养音乐艺术管理人才在音乐艺术管理“内涵式”发展中的作用也不容忽视。纵观音乐艺术管理的发展，艺术管理系的专业教育现已初具规模，目前基本上形成了“艺术管理（包括管理）”与“音乐理论”为基础的两大独立教学块，两者的结合支撑着艺术管理专业的发展。“音乐理论”提供强大的以音乐学为主的课程教育；而“艺术管理”提供管理学的一般理论及艺术管理两个层面的课程教育。在音乐艺术管理的“内涵式”发展阶段，我们进一步所要做的工作是加强音乐学与艺术管理学科间的紧密联系，加大校舍、器械和师资的投入，引进或留住高学历、高职称的专业人才，加大培养音乐艺术管理人才，如采取校内校外多方面人员合作的形式，让学生直接学到社会实践中的许多实务性知识，对于促进音乐艺术管理人才的培养无疑是大有裨益的。

四、结语

第8篇：音乐艺术论文范文

一、高校公共艺术教育中音乐律动教学实践的可操作性分析

目前，各高校的公共艺术课程多以大班授课的形式进行，技术性和实践性较强的课程对于场地、设施的要求相对较高，而音乐律动教学，在很多方面有效的控制了由于人数、空间、条件等各方面问题引起的音乐学习的局限性。律动的元素包括：时间、空间与力量。学生所做的每一个动作都会涉及这三个基本元素。只要学生不断积累表达经验，适宜的空间便可满足教学的需要。同时，最重要的是音乐律动实践并不限定学生身体动作的姿态，也就是说，律动虽然某种程度上与舞蹈相似，都运用身体动作并以视觉效果呈示，但在身体美学的视野里，人的身体本身是接受与传达音乐信息的首要媒介，更是创造音乐的首要乐器，具有不可替代性。人们可以通过更加细致地关注身体审美感受来掌握和训练身体的感知能力，在人的感官、感情和运动中，运用身体意识进行审美感知、回应和表演。律动以身体意识为基础建构直接的音乐元素以及音乐感表达的理念。对精神的控制以及对身体的支配使得律动实践朝着积极的情况发展。

二、高校公共音乐律动教学法的实践探索及体会

首先，音乐律动最本质的目的是结合身体有意识的动作和听觉意识，将音乐中所有的信息视觉化，这种表达将紧紧围绕音乐的结构、音色、旋律起伏的变化而进行，然后在身体动作中表现出对音乐元素的解析和情感的体验。另一方面，律动教学对于参与者的身体条件、动作能力并没有严格的要求，只要学习者通过肢体运动，解放心里和生理的拘束，将自己投入音乐的体验和表达过程即可。但是，问题的关键就在于，每个人如何运用自己的身体去进行不同的律动表达。其次，个体音乐律动的多元性和即兴性为每个人的个性表达提供了更大的空间和可能性。律动并非无规则的身体行为，而是在有意识地控制下将身体的动作组合，归纳为自然的有情感内涵的律动。这就要求学生在学习的过程中必须积累一定的动作行为方式，学习控制和调整自己的动作，完全放松的进入音乐的感悟中。适当的身体动作对应一定的音乐元素构成，因此，对于身体的解放和肢体动作的发掘与探索需要教师在律动教学与研究中进行合理的安排和设计。美国当代哲学家舒斯特曼，在对艺术和身体感受之间关系的更深层次的探讨中总结到：“审美感知必然总是通过各种身体感官而获得的，并且，它可能正在引发一种更加身体化的、肉体化的艺术运用。换句话说，我们可以更多地关注包含在艺术感知过程中的身体审美感受，从而使我们的艺术鉴赏更为敏锐……”，并且HUHUACHUNNI护花春泥“更好的身体审美意识和训练能够在总体上改善我们的感知能力，因为他能够使我们更好地控制我们的感知感官。”舒斯特曼的论断无疑是中肯而准确的，在音乐律动教学过程中，应该始终提倡和鼓励每个人有自己的动作语汇，而不是单纯的模仿。经过不断积累和训练，当听到音乐随即用身体表现出来时，每个人动作的呈现必然具有极大的多样性和即兴性。第三，律动教学是节奏感知节奏与音高训练的完美结合。节奏和音高是音乐构成的两轴，其他音乐元素都在这两轴的基础上向外向上延伸。对节奏进行感知是每个人与生俱来的能力，而对音高的训练却带有强烈的文化因素，相比之下，以节奏训练作为音乐学习的切入点可以非常好地解决学习者在学习过程中的各种不适，并且有利于学习者整合各种音乐元素。早在上世纪，达尔克罗兹就尝试利用身体的律动与节奏相结合的方式来进行节奏的训练，拍手、口哨、响指等等都可以作为节奏训练的素材。发展至今，这种律动教学方法出现了两个分支，一个称为Bodypercussion（身体打击乐），即利用身体各个部位不同的音乐效果结合节奏型，加以灵巧的的身体姿势变化形成极具听觉和视觉冲击的形式；一个称为Vocalpercussion(嗓音打击乐)，即通过嗓音的变化而发出不用音响节奏的方式。在目前的高校公共艺术教育中，采用灵活的律动教学方式，将身体打击乐和嗓音打击乐作为欣赏之外的重要教学内容，具有非常重要的意义。作为音乐教学方法进行体验的音乐律动也将变得更为活泼和生动。经过近几年来对音乐律动教学的实践和探索，笔者发现在这一领域的研究中还有很大的空间和可能性，但在实际的操作过程中还有很多的困难和不足，比如:对上课人数以及教室空间的要求，因为学生和老师都要动起来，所以传统的教室并不能满足我们的需求；第二，对教师本身的素质要求非常之高，一个好的律动老师不是一个指挥者，而是一个引导者，甚至是跟随者，观察学生的特点，然后给予最合适的引导与教育；第三，我们国家长期以来的应试教育导致学生对于情商的培养不足，上课时自愿投入配合教学和大胆探索身体动作可能性的的意愿也各有差异，为教学也带来了一定的困难。但是，从另一个层面去理解，这些问题的存在恰恰为我们今后的研究与实践提供了更大的空间。

作者：梁睿单位：西安交通大学人文学院

第9篇：音乐艺术论文范文

在电影《莫扎特》中，钢琴音乐艺术是一个十分明显的创作特色，音乐不仅推动了故事情景的发展，也营造了另一种十分感人的氛围，对于故事情节的发展有十分重要的推动作用，对于影片中人物形象的塑造也有十分重要的作用，还深化了电影的主题。这部电影中的钢琴音乐艺术可以使整部作品的视觉效果得到深化，钢琴音乐的应用也可以促进情节发展，音乐的艺术表现力很强，对于电影的剧情发展有十分重要的作用，在这部电影中，音乐的出现不仅渲染了气氛，也设置了悬念，对于故事情节的发展有十分重要的意义。此外，音乐在很多时候可以代表人的语言，音乐本身就是一种很有表现力和感染力的因素，在电影作品中巧妙地应用音乐语言，可以使一些不必要的对话得到避免，从而利用音乐语言的张力以及韵味将故事情节推向一个更高的高度。最后，钢琴音乐最关键的一个作用就是对主题进行深化，将音乐用于电影作品中，能够对电影的核心内容进行表达和概况，也能对故事想要表达的主题进行揭示，对于影片想要传递和表达的意思进行有效地传递。这部电影所描述的是莫扎特的一生，莫扎特一生的成就就是钢琴艺术，因此影片中自然少不了钢琴音乐。

(一)莫扎特的钢琴作品与电影情节的融合

影片的背景是18世纪80年代，当时只有26岁的莫扎特到维也纳，由于他的音乐才华使得整个奥地利宫廷都为之倾倒，正是由于这样，使得宫廷乐师萨里埃利对他产生了怨恨，同时也嫉妒他的才华。萨里埃利是一个心胸狭窄的人，于是想尽办法要除去这个对手，年轻的莫扎特是一个不谙世事的人，在生活中不拘小节，在萨里埃利的调唆之下，维也纳音乐界中那些保守、古板的人开始为难他，开始对他发难，莫扎特的乐谱开始遭到修改，最终由于萨里埃利从中作祟，莫扎特在宫廷演奏的机会也没有了，生活一下子就失去了经济来源，并且由于其他的事情出现，使得他的生活变得十分糟糕。在这样的环境中，他的父亲去世，莫扎特的心里受到了更大的打击，身体状况也变得越来越糟，这个时候的萨里埃利竟然找到了莫扎特，要他谱写一首《安魂曲》。受到恐惧以及疾病的折磨，莫扎特谱写了《安魂曲》，终于在曲子完成之后气绝身亡。尽管莫扎特已经被折磨死去，但是萨里埃利却终日活在莫扎特的冤魂纠缠中，被送进了精神病院。萨里埃利渐渐被人遗忘，但是莫扎特一生创作的经典作品渐渐被人们重拾起来，成为了永久流传的佳作。这部电影除了对莫扎特的一生进行了描述，另一个亮点就是电影中的音乐，这部电影中的音乐全部都是莫扎特自己的音乐作品，影片的发展是以莫扎特的人生轨迹为线索的，因此音乐的安排也有一定的顺序。电影中一共引用了54个音乐片段，有很多种形式，比如歌剧音乐、歌剧唱段、钢琴协奏曲、小夜曲、交响乐等，音乐的出现与剧情的发展相辅相成，莫扎特在音乐创作上最大的贡献就是协奏曲，在莫扎特的协奏曲中，钢琴协奏曲占有突出的地位。影片中的54个音乐片段，有6个是钢琴音乐，5个都选用了莫扎特的钢琴协奏曲。在影片中，莫扎特的妻子康斯坦茨为了帮丈夫寻求一份工作，她带着莫扎特的音乐手稿来找萨里埃利帮忙，这本来就是一个错误的决定，由于萨里埃利对莫扎特怀恨在心，因此当莫扎特的妻子来找他的时候，他的心里洋洋得意。剧中的萨里埃利在翻看音乐手稿的时候，背景音乐就是这些音乐手稿的片段，他在翻看这些音乐片段的时候，就被这些音乐作品震撼到了，比如《降E大调第十双钢琴协奏曲》的第三乐章，就是其中的一个。再比如，在电影中，由于萨里埃利的陷害，莫扎特并没有能够当得上宫廷乐师，生活上十分潦倒，但是当时的莫扎特十分单纯，还认为所有人都是好人，对萨里埃利也没有防备心，甚至还请求他帮忙，当莫扎特到萨里埃利介绍的学生家中的时候，他发现这家的主人更热衷于莫扎特弹琴给他的狗听，于是只好离开，当莫扎特离开的时候影片中响起的音乐是《降B大调钢琴协奏曲》的第三乐章，其很好地展示出了莫扎特当时比较落寞的心情。再比如，莫扎特为奥地利皇帝举办的露天音乐会中，背景音乐是《降E大调钢琴协奏曲》的第三乐章，这个音乐片段展现出莫扎特的慷慨激昂，当时的莫扎特不仅在弹奏钢琴，还指挥乐队，正是意气风发的时候。这个背景音乐的开朗奔放产生的热烈气氛正好可以对当时莫扎特的形象进行展示。

(二)莫扎特钢琴作品的音乐特色

在电影中的作用莫扎特是古典主义的杰出音乐大师，在音乐的创作过程中涉及很多领域，在莫扎特的音乐作品中，莫扎特确立了18世纪古典主义协奏曲的结构。在莫扎特的协奏曲中，钢琴占有十分重要的地位，莫扎特的钢琴协奏曲不仅具有歌剧和交响乐的特点，而且对钢琴的个性进行了有效的展示。在欣赏莫扎特的协奏曲的时候，往往可以从比较欢乐的音符中看到一个真挚的、对生活总是充满了乐观情绪的人。比如在电影中，引用了莫扎特《d小调钢琴协奏曲》的两个乐章，这部作品是莫扎特第一部用小调写成的协奏曲，其中又充满了矛盾冲突的戏剧性，而且蕴涵的感情十分丰富。比如第一乐章体现出来的阴暗的悲剧色彩，对于莫扎特的心情是一种很好的展示，电影中父亲的去世对莫扎特是十分沉重的打击，这样的背景音乐就可以很好地展示了莫扎特的内心世界。萨里埃利利用莫扎特对父亲的缅怀，要求莫扎特创作《安魂曲》的时候，对于莫扎特而言又是一种更加沉重的打击，对于他的精神和心灵都是严重的摧残，促使莫扎特最终离开了人世，因此，这是电影的一个转折点，在这个转折点中使用的音乐尤其重要，在这里，电影使用了比较悲怆的音乐，对于莫扎特被打击之后所表现出来的一种伤心欲绝以及绝望的心态是一种很好的体现，这里的音乐很好地顺应了故事情节的需要，乐曲与影片的情节很好地结合在一起。第一个乐章是一种比较轻慢的音乐，这一乐章的音乐明亮而又忧郁，所体现出来的主题质朴而且简单，这种简单中又含有一种美的力量，在电影的最后，当萨里埃利被推出房间的时候，采用的背景音乐是《d小调钢琴协奏曲》的第二乐章。一开始的主乐器就是钢琴，使得观众在听后可以有一种十分真实的感情流露，伤感的旋律在人们的心中久久不能散去，钢琴之后的音乐有管弦乐队出场，并且与钢琴部分进行交替，形成了比较强烈的对比。在影片结束的时候《浪漫曲》的应用，使得情调变化和明暗对比更加丰富，更加传神，对观众的吸引力更大。

二、结语