设计艺术论文精选(九篇)

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第1篇：设计艺术论文范文

    花鸟画也是中国画传统画种之一。以动植物为主要描绘对象。具体还可分成花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等类。以表现技法的精细或奔放,分为工笔类型和写意类型。前者更具写实性并有一定装饰性,精丽雅致;后者则笔墨简练,洒脱奔放。以水墨色彩的区别又可分成水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画和没骨花鸟画。现藏美国的东汉壁画《双鸦栖树图》为已知最早独幅花鸟画。

    唐、五代、北宋时花鸟画极为繁荣,后代画家更广泛发展了花鸟画风格流派。近现代齐白石则在继承前人又发展传统的基础上成为一代花鸟画大师。中国花鸟画的鲜明特点为:以写生为基础,寓志、抒情为情感表达方式。它具有适合中国传统的审美需求而逐步完善成熟的特征。在造型方法上,以齐白石的追求“不似之似”、“妙在似与不似之间”为代表的观点可以概括。它既重形似又高于拘谨的形似,更重视作者的志趣。在构图上,花鸟画以主体突出、虚实相生为特色,至于写意花鸟,更善于将书法以资画,题诗以言志,辅以印章等。

    作为以描绘花卉、竹石、鸟虫等为表现主体的花鸟画历史悠久。在我国四五千年以前的陶器上就出现了简单的鸟鱼图案,可以作为我国最早的花鸟画。唐张彦远《历代名画记》载:东晋、南朝宋时画在绢帛上的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代,已趋成熟,出现了以工笔勾填画风艳丽的边鸾和以墨代色、墨分五彩的殷仲容。五代时发展有两派,即“徐、黄二体”,一宗徐熙、一宗黄鉴。明代沈启南、孙雪居等,涉笔点染,亦追徐熙。经清石涛到“扬州八怪”的花卉,更完善地形成了诗、书、画三绝。

    中国花鸟画主要以折枝花卉的形式规划画面,以小见大,塑造典型的自然空间。花鸟画应如何处理构图呢?以文章作比喻,就是要处理好“起”、“承”、“开”、“合”这几个阶段。

    由于画面的尺幅大小和表现景物的不同,所以“起”、“承”、“开”、“合”,各部也应有繁简、强弱的差异,以使整体协调。特别是较大的画面,还应处理好局部与整体的阶段变化,这样画面就能显得充实,其中“开”、“合”更是关键。沈宗骞在《芥舟学画编》中对此曾有精辟的分析:“干岩万壑,几令浏览不尽。然作时只须一大开合,如行文之有起结也。至其中间虚处,承接处,发挥处,脱略处,隐匿处,一一合法,如东坡长文,累万余言,读者犹恐易尽,乃是此法。于是会得,方可作寻丈大幅。”

    工笔花鸟画的表现形式多样,风格手法各异,但归纳起来主要有白描、勾填色和没骨三种。这几种形式在唐宋时期就已基本定型,经过以后各历史时期的发展,使形式技法更加丰富完美,但基本上仍保持着原来的面貌。20世纪以来,画家们不断地探索创新,已突破了传统的形式。现代的工笔花鸟画在传统的基础上吸收了各种画种的长处以及外来绘画的营养,正向着多元化的方向发展。

    在中国绘画中,花鸟画是一个宽泛的概念,除了本意花卉和禽鸟之外,还包括了畜兽、虫鱼等动物,以及树木、蔬果等植物。在原始彩陶和商用青铜器上,“花鸟”

    充满神秘色彩,遗留着图腾的气息。最早的“花鸟”或许与早期人类的生殖崇拜有一定关系。

    据史书记载,到六朝时期,已出现不少独立形态的花鸟绘画作品,如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等,虽然现在已看不到这些原作,但着录资料已表明当时花鸟画已具有相当高的水平了。

    到了唐代,花鸟画业已独立成科,着录中计有花岛画家八十多人。如薛稷画鹤,曹霸、韩干画马,韦偃画牛,李泓画虎,卢弁画猫,张曼画鸡,齐曼画犬,李逖画昆虫,张立画竹等等,已能注意到动物的体态结构,形式技法上也比较完善。

    五代是中国花鸟画发展史上的重要时期,以徐熙、黄筌为代表的两大流派,确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型,“黄筌富贵,徐熙野逸”,黄筌的富贵不仅表现对象的珍奇,在画法上工细,设色浓丽,显出富贵之气;徐熙则开创“没骨”画法,落墨为格,杂彩敷之,略施丹粉而神气迥出。黄筌之子黄居宷、居宝,徐熙之孙徐崇嗣、崇矩,都是当时花鸟画的重要画家。

    宋代《宣和画谱》所载北宋宫廷收藏中,有三十位花鸟画家近二干件作品,所画花卉品种达二万余种。北宋的花鸟主要还是承接五代的传统,早期以黄筌之风格为主导,基本上用的是“勾勒填彩”法,旨趣浓艳,墨线不显。到了南宋,画院一半以上的画家画花鸟,这一时期的花鸟画是中国花鸟画发展史上一个高峰。在题材上,宋代出现了水墨梅、竹、松、兰,淡墨挥扫,整整斜斜,不专以形似,独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上,这种文入画思想的加入,为花鸟画注入新的内容。以文同、苏轼为代表的这一派,已有别于流行时尚的清新风格,获取朝野称赏,并加速了他们的画风成为新的时尚。

    元代花鸟画受宋代文同、苏轼的影响,出现了一批专门画水墨梅竹的画家,他们以柯九思、倪瓒、吴镇、王冕为代表,表现了文人的“士气”。

    明四家除了山水外,亦擅长花鸟并卓有成就。而徐渭的淋漓畅快、陈道复的隽雅洒脱,代表了文入画的两种风格。

第2篇：设计艺术论文范文

摄影艺术和平面设计是相互依存、互相作用的。影像是平面设计中一个非常重要的组成部分，摄影艺术对平面设计具有重要影响。首先，它能够有效弥补平面设计语言的不足，摄影是通过微妙的光影增加画面层次感，通过对比色彩的饱和与冷暖形成较完美的画面，通过对比各种点、线、面构成画面。对平面设计人员来说，摄影元素所构成真实图像的光影变化及其真实感有效弥补了平面设计语言的不足，给平面设计带来较大创作空间。摄影艺术能够帮助平面设计人员实现其设计创意。当设计人员有较好的构思及创意时，如果仅用计算机技术或手绘方式还不能实现预期效果，但通过运用摄影图像语言、精心组织图像语言、合理进行取舍或变形，就会收到良好视觉效果。当设计人员可以灵活利用摄影工具，并制定如何运用图像语言进行表达时，就会使设计作品收到意想不到的效果。越来越多的广告中，特别是平面广告中出现了很多摄影构成要求，摄影利用其真实视觉艺术及强大的图像表现力，给平面设计人员带来更多的想象空间与创意空间。

二、摄影和平面设计之间的交互关系

摄影和设计的共同点是能够互相补充，摄影讲究布局与构成，平面设计讲究抽象、精炼。作为一名摄影师，一定要努力掌握每一个影、每一束光和每一个布局。平面设计师也一样，需要把握好每一个板、面，每一根线，每一个点。摄影与平面设计的创作都是十分谨慎的，摄影与平面设计的灵魂均在创意上，均需要经过高精度的分析与高层次思维。摄影与平面设计都属于平面造型艺术，摄影中的布局和构成是平面设计的灵魂，专业摄影一定要借鉴平面设计构成方面的规范与严密。创作新的平面设计重在构思，而构思常常来自于认知、概念或形象，构思能够凭设计师自由发挥想象力。摄影创作则没有平面设计师的这种自由度，和平面设计不同，摄影师创作时要面对现实空间，把积累在受触动或感悟里的情结发泄出来，把三维空间变成二维空间作品，摄影师把压缩三维空间的过程也叫提炼或是转换。摄影师所拍摄的作品之所以称为艺术品，是因为它和人们用肉眼能够看到的不同。摄影师要用二维空间很好地表达三维空间，必须运用构成，构成是设计语言，也是摄影语言。设计师设计作品过程中需要了解摄影的局限性与潜力，从而把摄影融进设计作品中。摄影师则要清楚平面设计的元素与思想，只有这样，才能使摄影变成设计作品的灵魂。

三、摄影艺术在平面设计的运用

（一）摄影艺术对平面设计的影响及作用

对摄影来说，摄影艺术对平面设计的影响占有重要位置。在图形、色彩及版面编排方面，摄影给平面带来创新与思路。如果不把摄影当成平面设计表现形式，平面设计就会暗淡无色。虽然摄影不是由于平面设计而出现的，但它对平面设计发展起到了重要的促进作用。现实生活中的很多平面广告设计都是以图片作为主要元素，无论是以明星为主体的摄影应用，还是海报广告、产品包装等，都和摄影有紧密联系。

（二）摄影创新手法在平面设计中的运用

平面设计中常见的摄影表现手法有突出特征法、运用联想法、合理夸张法、对比衬托法、富于幽默法。突出特征法是抓住所表现商品和其他商品的不同特征，突显其特点，商品生产厂家、外部形象都是表现其特征的形式，它是突出设计主题最常用的一种方法。如设计葡萄酒酒瓶时可以把重点放在酒的果香上，可以直接把饱满的葡萄实物样放在瓶身上，瓶身为黑色，增加图像葡萄的神秘感。所谓联想就是触景生情，充分运用事物间的联系，间接表现另一种事物，审美过程中，运用联想方式，能够极强的、跨越式的表达事物，并间接向人们传递好的感受。如伏特加酒广告就充分运用联想法，利用广告画面强调各处都有伏特加酒，乃至利用城市文化联想伏特加酒的文化。合理夸张法是十分常见的摄影手法，颠覆传统过程中，要运用合理夸张技巧反映事情的发展，能够反映人们对新事物的渴望。再如雷诺汽车广告利用显示仪表指针快速转动，甚至指针倾斜，以此表达汽车的卓越动力。

四、结语

第3篇：设计艺术论文范文

1．综合性

传统艺术设计活动仅围绕着社会文明、文化等方面，设计题材内容相对单一，这限制了现代化艺术领域创作的变革趋势。新时期艺术思想强调了题材的广泛性，提出艺术设计也是一门综合性极强的学科，可以从多个方面开展相关的设计活动。数字时代艺术设计更具综合性特点，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。

2．主观性

艺术是被创造的，设计师是艺术的创造者，坚持主观思想表达是数字时代艺术设计的基本要求。数字技术是艺术设计的辅助工具，设计者才是新艺术的缔造者，艺术设计贵在创造活动与实践，是设计者自身综合素质的体现，如：表现能力、感知能力、想象能力。设计师可以结合有关的艺术题材，从背景文化、地理、历史、人文知识等方面，结合个人主体思想或艺术理念展开设计。

3．创造性

随着时代的变化与发展，艺术设计更是呈现了多元化趋势，“创新”是艺术领域永恒的主题，只有创新改革才能塑造出更多的作品。从创造性思维角度出发，数字艺术设计是对生活方式的一种创造性的改造，不论是在商业活动中的信息传达里的应用，还是日常生活的行为方式中的应用，数字艺术根本目标就是让人类获得各种更有价值，这也是数字时代艺术设计的新思想。

4．科学性

艺术是一门内涵深刻的学科，并不是所有创作设计都能称之为艺术，科学理念也是影响艺术设计的新思想。一个好的产品不是的设计者的纯自我的表达，是有严谨的科学精神在里面的，是一个合理统筹的一个有目的的活动。面对数字化发展时代，艺术设计的科学性要求更高，除了从专业领域展开设计外，还要把自己的观点和观念通过科学的调查、合理的流程归划一步步的完善出来的。

5．技术性

数字时代本质上是科技变换时代，依赖于科学技术才能创造更多的艺术作品，科学理论应用于艺术设计也是不可缺少的思想认识。各种材料的研究、电脑技术的应用、数据的整理、工业化的生产以及产品的销售等等，都是艺术设计不能绕开的问题，这类设计活动与人们社会实践是密切相关的。合理应用高端科技辅助艺术设计思想，才能实现数字时代的科技化价值，塑造出更加独特的艺术作品。

二、数字艺术设计思想的应用形式

数字时代开辟了艺术设计领域的新时代，数字技术融入传统艺术设计是必然的发展趋势，这些都依赖于新型设计思想的综合应用。数字艺术设计方案中常常会涉及到多方面内容，无论是设计师或者技术人员都要注重新思想的应用，把最先进的艺术理论、题材、内容等融合起来，创建更加符合现代化的艺术设计体系。本次结合常见艺术设计内容，对艺术设计新思想应用情况进行阐述。主要应用形式包括：

1．广告设计

内容包括广告策划与创意，文案、广告经营、媒体研究、摄像与摄影、 广告设计、市场调查等课程。广告设计是数字化艺术的主要内容，主要适用于新闻媒体、广告公司、市场调查、信息咨询等行业，对艺术设计的数字化水平较高。因而，数字艺术设计阶段要采用高端科技辅助广告设计，利用三维模型技术体现出广告创作效果，将设计方案借助模型体现出最终的效果，这是数字时代艺术的新概念。

2．室内设计

内容包括室内空间设计、室内陈设设计，可用数字技术为室内空间进行详细地规划，自动筛选出最佳室内布局方案。设计师借助数字媒体展示，事先规划出某个空间设计方案，从数字艺术角度编排建筑物结构，全面系统地认识、理解室内设计的特征和规律。此外，数字艺术对室内设计的多个设计环节和表现形式和创意，能够具备较完备的多角度施工效果图的绘制及模型制作能力。

3．网页设计

网页艺术设计包含着主观和客观两方面的因素，在确立了网页主题之后，首先要明确和熟悉设计的对象和构成的要素。网页艺术设计涉及的具体内容很多，可以概括为视听元素和版式设计两个方面，两者都不开数字技术的综合应用。一般来说，网页设计主要服务于商业化运作，利用互联网科技辅助网页制作与编策，从视觉、听觉等方面提升了网页的吸引力，这是艺术设计创造性的主要表现。

4．环境设计

物质生活水平不断提升，人们对生活环境质量要求越来越高，利用数字技术辅助环境设计也是一种科技化方式。在中国，所谓的“环境艺术设计”就是指景观园林设计、室内设计、建筑装饰设计和装饰装潢等。计算机动态展示是环境设计的先进科技，按照设计者要求选用动态模拟器，为设计师提供方案预演过程，对建筑环境、园林环境等提出更多可行的意见，进一步提升了艺术设计成效。

5．版式设计

是指书籍正文的全部格式设计，与艺术设计也存在着密切的关联，强化了书籍版面的视觉效果。数字版面设计体现了综合思想的应用价值，对整个书籍相关内容均展开一系列的设计活动，除封面、环衬和扉页之外，前言也包括在其中。另外，数字软件可取代人工编辑操作，对书籍的版心、天头、地脚、内口、外口等要素，按照标准比例进行自动化边坡，从而提高了书籍整体的编排质量。

三、未来艺术设计师的新要求

艺术设计是不断创作的过程，任何一类艺术设计都要经过详细的编排，融合先进艺术设计思想及题材，才能创造出更加优越的艺术作品。数字时代是艺术领域的必然趋势，数字艺术设计必将打破传统艺术设计思路，改变过去艺术创作领域的不足之处。另一方面。新时代艺术设计在广告、室内、网页、环境等方面的应用更加广泛，其对设计师的创作要求也在提升。

1．勇于革新

艺术创作的流程是从无到有，从一张空白的画布上开始，艺术家将自己的观点或感受表达在作品创作上。数字时代是艺术创作的新领域，革新思想是艺术设计不可少的，这要求设计师具有革新精神，不能满足于现有的艺术设计成就。例如，充分利用数字技术平台进行创作，提高艺术思想带来的不同风格，把创新性与主观性思想综合起来应用，用创新实现艺术方案的最优化。

2．符合大众

艺术设计目的是准确的向受众传递信息，设计师的作品不仅仅在于视觉享受，更需要让作品中所传达的信息准确的被受众所理解和接受。社会群众是艺术设计的“欣赏者、使用者”，一切艺术设计均是服务于社会大众。无论是传统时代或数字时代，艺术设计思想都要满足大众的审美要求，与群众审美艺术观念相结合，这是现代艺术设计最基本的理念要求。

3．持续创作

一个艺术家通常都是具有天赋的，艺术天赋应当长时间应用于设计实践。对于设计师来说，从最开始的时候，艺术家都要经历学习绘画，不断创作来发展自己的艺术特长。对于当前数字化时代，设计师要坚持探索之路，从不同题材实施艺术创作活动。采用最新技术辅助艺术设计活动，体现出数字时代艺术设计新思想的创新价值，把数字产品与艺术理论紧密地联系起来。

四、结论

第4篇：设计艺术论文范文

关键词艺术意义艺术家艺术作品艺术活动

谈到艺术，我们毫不犹豫地可以说出一系列艺术作品，同时我们可以举出无数的艺术家。但是，当我们真正追问是什么使他们（它们）成为艺术家和艺术作品的问题，艺术的内在本质究竟是什么时，我们又变得茫然起来。艺术是什么？对于此，前人已经提出了各种各样的回答，而且接着他们的思考，我们仍可以继续回答下去。在前人已经提出的所有解释中，任何一种解释都不是没有道理，但是任何一种解释也并不是有道理，我们即使将所有的解释加在一起也还无法说明什么是艺术。

“艺术是什么？”这一艺术定义问题本身作为一个传统的形而上学的命题，与“美”的定义等问题一道，在西方现当代美学尤其是英美分析哲学美学中成为一个主要的问题，并且已被认为是一个没有实体的自我循环的假命题而多被诟病。此前从狄尔泰已经开始对艺术的本体问题不作追寻，他的探讨退出了本体问题而讨论艺术的意义。他认为艺术在上下文中才有意义；艺术在特定的历史中才有意义；艺术在人们的兴趣（关注）中才有意义，因此不存在没有前提（先决条件）的艺术。分析哲学的先驱乔治·E·摩尔认为，“美”不是一个自然客体，故不能采用像自然科学下定义的方式来加以界定，而只能采用直觉来把握；早期维特根斯坦也认为美属于不可言说的东西，对不可言说的东西，人们只能保持沉默。著名分析哲学家艾耶尔则断定，由于美学的命题基本上没有实指，所以都是“妄命题”。因此，美国美学家莫里斯·韦兹和肯尼克，都根本否定给艺术下定义的做法，宣称艺术是不可定义的。所以，在这些理论来看，艺术什么也不是，什么都不是的就是艺术，艺术的本体在它的宾词后没有成立的可能性。

但是这种没有可能的可能性，恰恰是我们思考的起点。对艺术的本质问题的追问的不可置否性，在现代艺术中显示的最大意义，就在于它显示着并不具有实体的艺术，也就是这种无有的存在，如何在人的心灵中变现为实体的艺术活动、艺术家和艺术作品。很显然，面对“什么是艺术”这类问题，我们并不是要放弃对艺术的追问，而是要改变这种本质主义的追问方式，必须首先思考艺术之为艺术的心灵特质，放在对人的艺术活动的考察上，使我们的思考直接从“什么是艺术”的问题前的问题开始。通过艺术活动的分析，进而从艺术作品、艺术家、艺术接受等所有的艺术活动的相互关系，也就是艺术与心灵的关系中去寻求艺术的意义。

一、艺术和艺术作品

探讨艺术问题，通常我们首先从分析艺术作品入手。根据经验，我们很容易判断出艺术品与非艺术品，我们在聆听音乐、欣赏绘画、阅读小说、观看舞蹈等艺术活动中，不假思索地认为它们都是艺术品，而且我们会有意识地去评判它们的艺术水平的高低。但问题也就随之产生了，我们凭什么说它是艺术品或是非艺术品，如果作为艺术品，它们的水平高下是如何确定的，我们判断的基准在于什么，也就是说，艺术作品是什么？这个问题的内在含义也就是，在我们所面对的众多物品面前，如何判断哪个是艺术品，艺术品符合什么条件才能被称为艺术品，我们怎样确定艺术品的水准的高低。显然，我们通常的判断是建立在对作为艺术品的基本构成的涵义的理解上，这种判断在我们当下的话语系统中是有效的，比如在特定的时限或氛围中，可是一旦超出这个范围，问题可能会变得复杂起来。究其实，我们对艺术品和非艺术品的追问，回到根本上也就是对艺术问题的追问。因为我们在划分艺术品和非艺术品时，我们已经存有了艺术的观念在指导着我们这样做，不管这种观念是有意识还是无意识地支配着我们。这就是说，我们对艺术品本身的追问，也就隐含着对艺术问题的追问。所以，探讨何为艺术作品的问题，实际上也就成了艺术探讨的奠基性问题。但这一探究从一开始就显得困难重重，问题遍布。

自柏拉图、亚里士多德开始的艺术“模仿说”是雄霸西方千年的艺术理论，模仿说被作为经典的艺术理论在东西方产生了极大的影响，但实际上这一理论是直接以艺术作品为逻辑起点来探讨艺术的。柏拉图认为，世界的本质是理念，现实世界是对理念世界的模仿，作为艺术的艺术品又是对现实世界的模仿，这种模仿也就是不真实的、虚幻的。另一位哲人亚里士多德则肯定了现实世界的真实性，因而也就肯定了模仿它的艺术的真实性。后来古罗马美学家贺拉斯也继承了艺术模仿说，直到17世纪，古典主义艺术家们还提出了“艺术模仿自然”的原则，以再现现实为宗旨的现实主义文艺可以说是模仿说的最高发展阶段。虽然，随着西方现代艺术的崛起，在各种全新观念的冲击下，这一理论遭受严重的挑战而变得如此不堪，但在我国当代的一些僵化和陈旧的艺术理论中还有极大的市场，以一种变形了的“反映论”艺术观的面目出现。这一理论探讨的是艺术的本质问题，但实际上却是从艺术作品的问题开始的，分析了艺术作品和自然、理念、事物的关系。模仿说把艺术与现实世界联系在一起，把艺术看成是再现和认识世界的一种特殊的方式，从艺术作品产生的源泉来把握艺术本质。然而，其根本问题在于，一方面它把艺术局限于“模仿”世界的认识论范围；另一方面，它忽视了艺术创造的主体性。根本的问题也就在于把对艺术的探讨以艺术作品为逻辑起点，这样自然就把艺术的问题置换为艺术作品的问题。显然，严格地讲，艺术和艺术作品是有差别的，这样一来问题就变得含混了起来。

因此，从艺术作品作为逻辑出发点来探讨艺术的本质的主要问题就在于，这种探讨首先就预设了艺术是一种现实的存在，认为艺术品是一种区别于自然、理念等的存在物，然后去探讨它和世界的特殊的联系。但在这其中有两个不可回避的问题：其一也就是我们在前面提到的，在艺术之所以成立的预设中也就包含着艺术之为艺术的本质主义假定，反过来正因为有了这种预设和前提，艺术作品才得以成立和显现。显而易见，这自然就导致了对艺术的真实意义问题的掩盖，其所探讨的出发点即逻辑起点是艺术作品而不是艺术，但我们可以进一步追问，这些艺术作品存在的逻辑前提又是什么？艺术作品是怎样从世界中剥离出来的？我们怎样认定这些悲剧、史诗、雕塑等就是艺术作品而不是其他？这样，艺术的意义的真正问题就掩盖在本质主义的预设之中了，艺术的问题就变为艺术作品的问题。其二，既然艺术作品是艺术的现实存在物，它是对世界的模仿，它所体现的是艺术作品和世界的关系，那么，在这种关系中，艺术家作为这种活动的直接介入者，他的意义又何在呢？艺术家在这种模仿世界或理念的活动中，不介入自己的任何理解而机械、本真地模仿自然或再现理念，这几乎是不可能的。反过来，恰恰是艺术家的活动，使得本真从遮蔽中绽出，使得艺术作品充满了生气，这样，艺术家的活动正是决定艺术作品水准高低的主导因素。所以，单方面地从艺术作品出发来探求艺术问题，显然就掩盖和遮蔽了艺术的最基准的问题。也就是艺术的意义的真实问题。

艺术模仿说以艺术作品与世界的关系为其探讨的主要问题，这在很大程度上限制了艺术的这种无限多样的自由创造性，因为它一味地强调艺术和现实世界的完全的符合。但事实情况是，艺术就是艺术，它和现实就是不一样的，绘画中的颜色在现实中我们可能根本见不到，小说总归是一种编造的故事，但它们却又实实在在地影响着人，使人神情激荡，思绪飞扬。为什么又会如此呢？显而易见，用艺术作品和现实之间的这种生硬的关系来说明这些问题，已显得极为力不从心了。这样，就使得我们不得不又向前迈进一步，把探索的目光聚焦于艺术作品的现实来源，也就是艺术的制作者，即艺术家。

二、艺术和艺术家

艺术家，通常认为，就是艺术的制作者。艺术首先是艺术家制作出来的物品，自然地，是艺术家使艺术成为艺术，没有艺术家，艺术似乎是不可能的，艺术家以及他的艺术制作活动是艺术的主导因素。逻辑地看，艺术活动首先是艺术家的制作活动，艺术作品也是艺术家的制作活动的最后结果。

随着西方近性主义的高扬，人的价值，个性自由，人的主体性等问题得到了普遍的关注，浪漫主义艺术潮流也随之勃兴，艺术强调艺术家个性的自由张扬和展现，自由、创造、天才等概念成了这种潮流的主导性范畴，艺术家成为艺术的主导因素。与之相应的是艺术“表现说”对传统的“模仿说”的反叛。18、19世纪的浪漫主义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，“表现说”于是兴起。表现说批评模仿机械复制，强调艺术必须以表现主体情感为主。康德最早提出“天才”论，强调艺术是天才的创造和表现，提出天才是和模仿精神是完全对立的观点。在康德的先验哲学中，主体性问题被强调到了极致，人是目的的问题是康德哲学的基本出发点，这样，他就是从艺术家的活动出发，肯定了天才和创造在艺术制作中的巨大意义，他认为天才是一种天赋的能力，这种天赋因素是艺术的决定因素，这样艺术家在艺术制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德国浪漫派画家德拉克洛瓦认为，人即使练习作画，感情的表达也应该放在第一位。德国直觉主义哲学家柏格森认为，诗意是表现心灵状态的。意大利表现主义美学家克罗齐更是干脆宣称艺术即直觉，即抒情的表现。表现说把艺术本质同艺术家主体情感的表现联系起来，突出了艺术的审美特性。中国的言志说、心生说和缘情说大致上是与表现说相类似的观点。较之模仿说，表现说不是从艺术作品而是从艺术家作为逻辑起点来探讨艺术的意义问题，更明确地来说，就是把艺术家的情感作为艺术的核心和关键性问题。但同样可以看出，在这种以艺术家以及艺术家的情感为主导的艺术问题的探讨中，照样包含着对艺术更为极端的本质主义化的倾向。

首先，艺术活动是以艺术家为主体的活动，我们绝对不否认艺术家对艺术制作活动的意义，正因为艺术家的存在以及艺术家的制作活动的水准的高低，就自然决定了艺术作品的产生和水准的高低，否则那些非凡、伟大的艺术作品是不会产生的。但是，我们把问题拓展开来看，如果说，艺术家的制作的结果是艺术作品，推而广之，就是艺术。那么，是什么使得艺术家的制作得以成立？也就是说成为艺术作品，成为艺术，是他赋予的他的制作品的风格，还是情感，还是其他？这些都无法说明这一问题，而且会使问题再一次陷入到循环论证中而无法自拔。进一步的问题也就是，在艺术家的制作活动开始之前或进行中，他是否明确或已意识到他正进行着艺术活动，是否明确他的制作的结果将是一件艺术品而不是其他，如果是这样，那他已经就是按照艺术的模式和规则来进行艺术产生，那么，艺术的创造性又怎样灌注其中，艺术家的主体性又如何体现出来呢？这些问题又涉及到了艺术的意义问题，这就促使我们从其他方面而不是从艺术家出发去探究。显然，从艺术家为逻辑起点来探讨艺术的意义，认为艺术家就是艺术的立法者，艺术家使艺术作品得以成立的观点，同样使得问题简单化了。不难发现，艺术创造并非艺术家为遵守规则而遵守规则，实际上只是为了某种艺术创造才去遵守这样或那样的规则，艺术家不是遵循了某些规则而成就了艺术。因此，需要有另一种线索来研究艺术家是如何赋予艺术品的艺术性或者艺术质量以及艺术规则的艺术质量。

其次，艺术是一种以情感为主的活动，情感的激荡构成了艺术活动的基本意义。但是，如果仅仅承认只有艺术家具备情感的表现能力，只有艺术家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最为动人的情感，那么，问题是这种情感能表现出来吗？即使能够表现，我们又如何体验到这种表现呢？这里问题还是不少。正如我们前面已否定的，艺术本来什么也不是，我们不要试图给艺术负载什么文化、情感等的因素在其中，但情感表现主义却把模仿说中的再现自然或理念暗换为表现情感，这种情感中心主义，实际上没有什么大的突破，反而以一种模糊的情感来惑乱视听，使艺术被一种不知所云的神秘主义面纱所笼罩，或是成为肤浅的弗洛伊德主义者的某种阴暗、病态心理的暗示，把崇高的艺术变成了类似原始巫术一样的神神道道的东西。本来情感使艺术充满活力，但情感表现主义所要求的情感的意味和表现，实际上是对情感的一种贬低和严重的曲解。

从艺术家出发探讨艺术的基本思路是，因为存在艺术家，艺术才成为可能，不管来自于理念还是自然，还是表现历史、情感等，它的一个基本的前提是艺术就是艺术家的制作。其中关键的问题是，就是艺术家以及他们的这些有意识地向自然或理念模仿或是表现情感的活动，艺术才赖以成立，艺术品才从自然中分离出来。这样，艺术家成了艺术制作的主体，相应地，艺术家之外的与之对立的自然、理念或情感则成了艺术的源泉和来源，是为客体。这是一种表面化的探求和本质主义的预设，因为根据这一观点，我们自然可以推出，在艺术之前，已经存在着所谓的艺术之为艺术的实体，不管它是在自然或是理念、历史、甚至情感之中，只不过是艺术家把它抽取出来而已，艺术家在这里扮演的是一个抽取的角色。这样，自然而然就形成了两个对立的因素：艺术的本体和艺术的诸现象，即艺术作为艺术的本质和艺术家、作品等，艺术之为艺术的东西自然地隐藏在事物背后，艺术家将它开掘出来，艺术家就成了艺术的代言人。

以艺术家为逻辑起点出发对艺术的意义的追问，使得艺术的意义探寻问题向本质主义更深地推进了一步，沿着这一思路下去，艺术欣赏或艺术接受就成了二次开掘的工作，作为艺术接受者的活动就是猜谜式的或是破译密码式的工作，我们面对艺术，就要愁眉难展、费尽心力地再次去找寻艺术家植入到艺术作品中的这种意义，但是，是否存在这种永恒的意义呢？这种寻找意义的活动是否构成了艺术活动呢？这种寻求意义的意义又是什么？解释学艺术理论便试图从艺术接受方面来完成这样的工作。

三、艺术和艺术接受

当从艺术作品和艺术家出发对艺术的探讨充满问题时，大家不约而同地把目光聚焦于以往的理论中关注甚少或根本没有关注的艺术接受问题上来。艺术接受包括艺术接受者及其接受活动，是对艺术作品的一种体验、感悟和评价；在这种接受活动中，通过对艺术作品的现实的存在的感受和思考，我们可能会和艺术作品一起构成一个属于我们自己的世界，获得一种情感上的体悟和评价。显然，这不单纯是个体当下的评价、接受的行为，同时也是在文化和文明的作用下产生的行为。因为这种接受、评价、体验的行为的复杂多样性和易变性，就使得这一过程变得更加扑朔迷离而难以把握，所以，因其无序性和随机性的特点，以往的研究多不予关注。但它确实是艺术活动中十分重要的组成因素，而且是艺术活动的直接发生者。20世纪以来的解释学艺术理论便试图以此为出发点来读解艺术、艺术作品。

解释学艺术理论把艺术接受作为艺术活动的主体，其基本观点在于强调从艺术接受者出发的对“文本”阐释和读解的多样性，肯定了艺术接受中“前结构”和接受中的误读和解释的合法性，由此达到对传统的艺术理论所认为的艺术的中心意义的消解。解释学艺术理论从艺术接受出发探讨艺术，是针对传统的艺术表现论而言的，这一理论首先要询问的是艺术中究竟有没有这种恒定不变的意义中心，作为艺术接受活动的实质究竟是不是对这种恒定的中心意义的寻找。在这一前提下，他们认为，在艺术接受活动中，这种“前结构”，也即“历史视阈”是影响接受的基本因素，它构成一种“合法的偏见”，所以，对于接受来说，不存在所谓的与文本符合或发现中心意义的问题，而是由文本和接受构成了另一个世界，在这一世界中，文本向接受者敞开，接受者也向文本敞开；故而，艺术接受中对艺术的理解，不是要指向那意义，进入艺术之中，绝对占有艺术所构成的世界，而是将自己是“非现实化”，将自己“暴露”给文本；在艺术接受中，是力图和自我构筑的“他者”不断地对话，形成一个不同的世界和新的视野。所以，解释学艺术理论强调艺术接受对艺术的意义，不但主张艺术接受者对艺术意义的占有，而更为重要的是通过这种占有对接受者自己的创造和激发。这样，传统的艺术的永恒、普遍的中心意义消解了，艺术不再是反映现实或表现情感的东西，它没有普遍的标准，永恒的意义，一切都在解释和对话中不断地展现，不断地开启着新的世界。在这一理论中，他们提出“读者中心主义”的口号，力图解构艺术作品、艺术家的在艺术中的意义，这样，艺术作品的范围大大扩展，艺术家的创造不再对作品具有决定意义，甚至作者彻底地从接受视野中消失了。

但解释学艺术理论的局限也是显而易见的，果真像他们所描述的，任何文本，在认识视界中是真理，而在审美视界中是艺术，全由接受者的读解来决定，那么，艺术的意义的规定性几乎等于零。这样，艺术创造、艺术家甚至纯粹的艺术作品都会从人们的视阈中消失，我们可能面对的一切都会成为艺术的世界，我们的一切活动都可能会成为艺术化的活动，在我们随意性的指称中，艺术就诞生了，那么，艺术还有什么意义和规定性而言呢？所以，这又不得不迫使我们把问题引向纵深。

从艺术接受出发来探讨艺术的意义，对艺术的本质和中心意义的消解，强调艺术接受的意义，从而强调艺术阐释的多元化和不确定性，这是现代哲学对传统形而上学的反叛在艺术理论中的体现。这样，在艺术接受的误读和敞开中，“我”和“艺术”构筑着世界，艺术活动成了艺术的意义探究的核心，艺术经验和审美经验则是艺术中主要强调的因素，对艺术的意义的探讨就直接指向了人的心灵的意义的探讨。在这里，艺术不再是模仿现实或理念等事物，或不再是情感的不断表现，艺术没有这个必要，艺术的意义变成了一种行动，一种构筑着“别样”世界的活动，艺术的意义在于将自己“暴露”在世界中，世界向自己的一种展开和敞亮，正是在这种沉沦和上升中，艺术的意义开启了。所以，解释学艺术理论引人注目的地方就在于将艺术的意义的探讨最终指向了艺术活动，指向了人的心灵。

四、艺术和艺术活动

从前面的分析我们看出，不论是模仿说还是表现说，不管是从艺术作品还是从艺术家出发来探讨艺术，都包含有一个不可克服的问题，都企图从让艺术来负载一些什么东西在里边，不论是作品中对世界的反映，或是艺术家感情的宣泄，都试图把理念或情感的内质强加给艺术，这是一种本质主义对艺术的否定，它在给艺术赋予一定的本质的时候，恰恰就将艺术彻底背离了。所以，我们认为，对艺术的意义的阐释的最大的问题是极端的知识化。人的任何活动都有相应的知识，归纳性的、解释性的或是反思性的等等，艺术作为人的一种活动，也被限制在知识的规范中了，这在很大程度上应该归咎于美学理论。作为艺术的规范性理论，美学理论已严重地背离了艺术，由于它过分的和极端的知识化倾向，使艺术被淹没在空洞的理论中。而要试图探讨艺术的意义，除了摆脱这种空洞理论的束缚外，最主要的还在于溯本逐源，从艺术活动的本初谈起。而解释学艺术理论的努力则扭转了这个方向，它更重视艺术是一种活动，在这种阐释的行动中，艺术和接受对自我和世界的意义的构筑和开启。因此，我们强调，艺术什么也不表现，什么也不反映，什么也没有，什么也没有的就是艺术！所以，对艺术的意义的探讨，从艺术作品、艺术家或是艺术接受出发，最终都要归结到对人的艺术活动的探讨中去。

艺术活动的根本所在就是构筑另一个世界的活动。我们之所以提出艺术什么也没有，什么也没有的就是艺术的极端的观点，并不是彻底的虚无主义和相对主义的遁词，而是要彻底否定所谓的艺术批评和美学理论对艺术是什么的概念化和知识化的思考，艺术开启的本来是一个非凡别样而不同平常的世界，而我们的理论总是试图将它纳入到我们正常的世界中来思考，这就从根本上将艺术背离了。所以，我们所要否定的就是对艺术是什么的提问。因此，问题最后会变为艺术可能的意义，艺术能够给予什么的追问，而这种追问只能再回到艺术活动中去探究，因为艺术活动是艺术的基本的和原初的起点。

如果我们以艺术活动作为艺术的意义问题的起点，那么我们又如何来描述艺术活动呢？人的活动纷繁复杂，究竟那些属于艺术活动？面对这些问题，我们又会变得困惑。但是，我们先验地认为人就是一个活动的主体的话，那么艺术活动也就是人的所有活动中的一种，这种活动的特殊性在于，它是一种再造另一世界的活动，它是一种心灵构筑意义的活动。

首先，人的活动的特殊性，用马克思的话来说，就是创造“第二自然”的活动，活动本身是自然向人生成的过程，马克思在这里看到了人和自然的关系问题，但人的活动不仅仅体现为人和自然之间的活动，人也不仅仅是使自然向着他自己，他的活动的内涵应该更广阔，马克思这里所说的创造“第二自然”的观点却为我们提供了思路。由此可见，人的活动具有某种创造性，这种创造性就体现为人对另一世界的探视的努力，在这种探视中，他不是还原现存世界，而是力图去开启和敞亮可能的世界，这种可能的世界只能是艺术世界。不管是艺术制作还是艺术接受活动，都存在着这样一种可能。所以，不管怎样，艺术活动是一个使我们的世界“陌生化”的活动，这是一个极为朴素的事实，但这正是我们思考艺术的真正出发点。正是在这种制造陌生事物的活动中，我们在不断地超越，超越现存世界有和无的隔离，在心灵中出现了另一世界，这就是艺术世界。艺术世界是心灵不断地展示自己的运动，艺术家、艺术作品、艺术接受都可以包含在这个心灵的运动之中。艺术活动的本意就是心灵自我改造的意义，面对一件非凡的艺术作品，我们感悟到的东西，绝对不是现有的知识告诉我们的，或是艺术理论告诉我们的应该是什么的东西，而是对我们心灵的改造；艺术作品也不是一个常规的现实存在的物，它绝对不是知识的对象，而是一个开启我们的世界面向心灵的物，艺术作品的本意是激荡起我们的感受，是艺术作品驱使着我们，而不是我们审视艺术；所以，真正伟大的艺术家以及他的作品，应该就是不断地刺激着我们的感觉，使我们进入到“我—艺术”的世界中，使之在思考中感受，在感受中思考，艺术就是着力于激发塑造新的心情，新的感受方式，是艺术的方式在制造着我们感觉的方式，而不是我们在不断地规定着艺术的方式。

第5篇：设计艺术论文范文

艺术设计作为人类创造活动的一种重要形式，在当今社会经济高度发展的时代，已与国家的经济命运、资源的开发、国家建设发展、社会的物质文明与精神文明建设密切相关，是一项重大的战略问题。从艺术设计本身的发展来看，设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。首先，因为社会经济发达，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。

当代社会设计已渗透到经济生活的方方面面，艺术设计也已成为提高经济效益和市场竞争的根本战略和有效途径，作为经济的载体，设计是国家和企业发展最有效的手段。重视与推进设计产业和设计教育，已成为关系一个国家发展的重要任务，因此许多经济发达国家都把发展设计产业和设计教育作为一项基本国策，放在国家发展战略的高度上来把握。以人为本的智能化生存方式已经逐渐改变了我们以往习惯的学习和工作模式，人性化设计是对这种生存意义的物化诠释。好的艺术设计往往体现了科技人性的一种外化与内涵，因此，科学与艺术的合作与对话就有其更重要的意义。充分认识设计的重要社会价值，从艺术设计是生产力的角度予以关注和扶植，艺术设计就能够推动国家经济的发展。

艺术设计的经济价值

艺术设计的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。21世纪是一个“知识经济”也是一个“循环经济”时代，所谓的“循环经济”是一种以资源高效率利用和循环利用为核心，以“减量化，再利用、资源化”为原则；以低消耗、低排放，高效率为基本特征，符合可持续发展理念的经济增长模式，其中资源高效利用除物质方面的还有知识方面的资源的整合与利用，而不断地创新设计正是企业可持续发展的重要组成部分，也是新的经济增长方式内容之一。

设计是科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具。在当今世界经济中，制造业和服务业占有重要的地位，而在这两个部门的市场竞争中，需要生产、设计和销售三个环节的紧密配合，而设计便是平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。市场经济的建立及发展和科学技术水平的巨大进步，提供了批量化生产的可能性和必要性，与之相适应的社会结构也发生了很大的变化。商品的制造者是生产厂家，它们的目的很明确：产品必须具有市场竞争力，对于新商品而言还必须有巨大的市场，不管是设计的还是制造者，驱动他们开发新产品、提高设计质量的最终目的都是经济效益，而实现经济效益的惟一途径，就是市场。

艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动做出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的，从这个角度来说，“艺术设计也是一种生产力”、“设计就是经济效益”的说法明确了艺术设计是一种推动社会发展的动力。

艺术设计作为生产力与市场的关系

科学技术是第一生产力，生产工具的改进和创新，新的劳动对象的发现和利用，新的工艺流程的设计以及生产管理水平的提高等，均须依赖科学技术的发展。生产力的发展是生产力的各个要素相互作用的结果，艺术设计具有科学的属性，作为生产力的内在要素，渗透在生产力的其他要素之中，它的变化必然引发其他要素的变化，从而引起生产力整体的变化，推动生产力水平的提高。

艺术设计，是随着市场经济在中国的兴起而兴起的，是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说，在中国，艺术设计从诞生的那天起，就与市场经济发生了割不断的联系。艺术设计的发展是伴随着现代市场的增大则发展的。艺术设计作为一门融技术学科、美学、经济学、环境学、人文科学、销售学、市场学、人体工程学、创造学以及社会学、社会心理学、人类学等为一体的综合性边缘学科，艺术设计的主要功能和使命决定了艺术设计同社会与市场紧密联系，艺术设计必须面向市场需求，科技、艺术和市场的结合点在设计。

市场原理认为，市场是商品经济的范畴。哪里有商品生产，哪里就有市场。市场是人类社会劳动商品生产发展到一定阶段的产物，艺术设计与商品的生产一直是密切联系在一起的。商品的设计质量、生产质量的好坏都可以通过市场得到检验；市场及市场需求在一定意义上成为了艺术设计的一处重要基础和衡量设计成功与否的尺度；艺术设计与市场的关系实际上是设计与消费者的关系。艺术设计推动市场竞争，联结技术和市场，创造好的商品和媒介，拉开商品的差别，创造高附加值，创造新市场，促进市场的细分，降低成本。现在意义上的产品创新是全方位全层次的，不再局限在技术创新，形象创新上，而是进入了设计创新的时代。谁把握住了设计潮流，谁就掌握了市场，市场的竞争也就是设计的竞争，设计力就是竞争力，是一种新型的社会生产力。

艺术设计满足消费者不断增长的物质需求和精神需求

艺术设计是高新技术与日常生活的桥梁，是企业与消费者联系的纽带。在全球化经济日益激烈的竞争中，设计正在成为企业经营的重要资源。未来的发展趋势是设计人员将越来越成为构成利润链不可缺的一部分，好的设计工作越来越被认为是市场中产品的区分者。市场竞争中单单凭借质量取胜已经不够，还要加上出色的设计，设计能够成为企业重要的资源，促进社会经济的发展，主要表现在它满足了消费者不断增长的物质需求和精神需求。

第6篇：设计艺术论文范文

个性表现就是对自我价值的追求。美国人本主义心理学家A.B.马斯洛认为人类需求是由低级向高级逐级形成和实现的，人在基本需要得到满足之后，就会出现新的较高级的需求，并激励个体去满足它同时马斯洛将人类的需求由低级到高级分为七个层次：生理性需求、安全性需求、社会性需求、自尊性的需求、审美的需求、认知的需求、自我实现的需求。社会发展到一定程度，财富积累到一定程度，人的前四个层次需求在中已基本得到满足，尤其是部分发达地区，消费形式正逐步向后三个层次发展，而后三个层次发展，这也正是中国发展和追求的目标。现代商业艺术设计是建立在消费者的满意程度上的，也就是建立在满足个性需求基础上，每个人都具有一种个性，要满足不同消费者的个性需求，就需要设计提供可能是具有相同使用功能的，但是必须是不同形式、外观本质组合审美的产品。，现代商业艺术设计重在参与，充分体现消费者个人喜好的形式。艺术设计表现的最终目的就是充分获得消费者的满意度，即充分满足消费者的高级的需求。艺术设计的最终目标也就是满足人的自我价值的实现，满足人的个性消费，现代商业艺术设计以人为基础充分考虑人的个性发展，使艺术设计得到新的发展。

二、现代商业艺术设计具有时代性

现代商业艺术设计具有时代性表现为两个方面，即求共现象和求异现象，求共现象是一个社会现象，也可能由于某种社会因素（文化、政治等）的诱导作用。如：“世界足球赛”会引起足球热，从而产生足球时尚，于是足球产品盛行。这种求共性时尚的追求现象具有普遍性，表现为一种大面积流行的形式。求异现象是一个个体现象，是对自我价值的追求，是由于自我的个性因素（爱好、文化素养等等）起诱导作用，如：有人因为爱好体育，于是对周围的环境都要求具有体育的氛围，穿运动服装，使用体育的器材、图片来装饰。可见求异现象虽然是一种个体目的追求现象但也具有普遍性。总之，无论是从众的求共想象，还是立异的求异现象，都是现代的人们为了表现存在价值、克服自卑情节、寻求自我满足的现代思想意思，随着时代的变化经济的发展时尚现象会不断更新，艺术设计师就应具备时尚观念，为消费者预设更广大的空间，由消费者自由地追求自己的时尚。

三、商业艺术设计具有更丰富的适用性

艺术设计被认为是适用所有人群，是一种“通用设计”。现代商业艺术设计极富人情味，它追求平等的理念、期盼得到他人的尊重。通过设计师的预设，建立一系列方式，使所有的人不论他的身体条件、智力条件、经济条件、等客观条件如何，都可以根据自己的不同条件充分追求自我需求，这与人本主义理论所倡导极富人情味的关爱设计内容无不吻合，通过各种形式让消费者从设计中找到了他所能理解的情感语言，达到了情感诉求的目的。现代商业艺术设计能满足不同特征、不同类型的人群，这里有两层意思，其一，具有包容意义，即是适合所有的人，不论是人的年龄差别，还是人的身体条件，或是智力条件，都可以获得相应的满足。因此，这种包含是广泛的，它主要反映了的适应面。其二，是具有选择的余地，这种不同满足的通用性并非是指设计追求统一标准的模式化，或者是缺乏个性的机械化，而是提供不同选择富有个性的设计方案。也可以认为它是一种“菜单”的模式，而这种“菜单”的应用，还需要消费者参与、选择，通过这种互动式的消费使这些“菜单”得以实施。艺术设计提供了在不同经济层面上的人群的消费需求，如同饭桌上的拼盘，有经济实力的可选择高档精美的没有经济实力的可选择实惠价廉的。现代商业艺术设计类似这种“菜单式”的模式，满足了在不同消费层次上的消费需求。因而获得较高的满意度。商业艺术设计能使现代经济活动“产消共赢”把“产消共赢”作为现代经济战略目标，“产消共赢”在经济学意义上是相对零和而言的，意即在现实的经济活动中产消双方的关系不再是“此消彼长”的简单的线形关系，而是指在经济活动中互利互惠、共同得利。然而“产消共赢”的关键其实是消费者满意度，在经济活动中消费者想获得的就是只要乐意继续消费这种满意，生产者也就找到了生产的市场空间，从而形成了这种双方满意的良性的“产消共赢”的经济活动。现代商业艺术设计就是依据“产消共赢”原则，而建立的新的产消关系，现代商业艺术设计是设计师为消费者设计的一种消费方式，让消费者参与到产品的设计和生产的过程中，设计师首先必须掌握和了解消费者的消费信息，通过设计师的构划和设计，为消费者提供了一个设计、创造的空间，消费者的这种设计、创造活动，不但获得了一种参与的满足，同时获得了精神上的满足，被尊重的感觉，这种心理需要的满足，提高了消费者的满意度，从而加深了生产者和消费者之间的合作关系，从这个意义上讲，使消费者满意的产品是不可战胜的。

四、现代商业艺术设计符合绿色设计原则

第7篇：设计艺术论文范文

包装设计中的汉字包括了商品的基本信息，进行包装汉字的设计，主要目的在于正确传达商品信息，并使之与商品本身达到统一，给人以美的感受，以达到促销的目的。

（一）汉字设计要求

汉字是中华传统文化的重要组成部分，也是传统文化的主要表现手法之一。汉字的演化过程同时也伴随着中国传统文化的演化，其字形有的秀美大方，有的苍劲有力，都记载和散发着丰富的传统文化魅力。当然，从视觉语言设计的理念来看，汉字设计汲及到更广泛的文化层面。首先，整体风格搭配的统一。汉字在包装中，只有其字体形态与产品包装的表现风格相统一时，才能更好的超到产品的辨识性和带引起消费者的关注，从而清晰准确地表达文字设计时的含义，以及字体所表达出的文化底蕴与特色。第二，汉字笔划的形式要统一。笔划有粗细和比例，在进行字体设计时，同一文字内的笔划和不同字体间相同的笔划都应在粗细和长短比例上保持统一。这样才能保证字体的匀称感和美感。第三，要保持字体方向的统一。方向包含两个方面，一是单个字体倾斜笔划方向的统一，其次是多个字体为营造动感而统一方向的倾斜处理。

（二）汉字的设计内容

汉字的传达性是其重要属性之一。汉字作为一种艺术形式，其发展也受到了多方面的影响。如追求吉祥的观念，与自然和谐共处的观念等。在包装设计中，汉字要表达或传递的信息包括很多，如商品名称，产品信息，企业标识，企业经营理念等。而企业为了宣传自身及产品，往往会将企业名称、产品、商标等放在醒目位置，而汉字也要在设计中起到传递这些重要信息的作用，而且要新颖生动，并能在第一时间吸引消费者的注意。

二、汉字艺术的分类和功能

在字体设计过程中，应利用点、线、面元素表达运动和方向以及形态的变化，使字体的笔划和整体形态表达设计目标，并使得这些汉字在商品包装上具有识别性，清晰性和准确性。让人们凭借这些汉字直接快速了解包装产品的信息。

（一）汉字艺术的分类

汉字形态所表达的感受各有不同，应针对不同的产品设计不同形态的字体。针对女性消费者的设计，应有柔美秀丽的感觉。这样的字体字形端庄，笔划清新，伸展自如。如标准字体中的宋体，具有流畅的线条，给人以典雅的感觉，适合在日用产品及化妆品包装中使用。汉字中的书法字体多苍劲古朴，朴实中透出古典气息，结构不失严谨。这样的字体适合用在传统文化产品的包装设计中，如地方特色产品，民间文化产品等。又如标准字体中的黑体，笔划粗细一致，结构紧密，造型规则。给人以沉着稳重、简洁大方之感。这样的汉字可以用于机械类工业产品的包装设计中，给人以安全感。反之，儿童商品、时尚产品及运动产品需要活泼生动的设计，给人以轻松自由、富有生机和朝气的感觉。

（二）汉字艺术的功能

1、汉字艺术的信息传达功能。汉字设计的首要作用是传递信息，也是其最基本的作用。这一功能主要是对商品所包含的信息能向消费者导致准确的进行传达，而不产生歧义。字体设计的目的，则是在保证信息传递的基础上，增加其视觉的识别性，提高其观赏性，最终是为了使产品能够对消费者产生刺激，起到促销作用。当然，如上文所述，在信息传达的过程中，应注意产品的消费对象，如，儿童用品包装中使用了硬朗、沉着的字体，其风格会对信息的传递产生影响，进而影响消费者对产品的正确识读。

2、汉字艺术的审美功能。在汉字对信息的传达过程中，视觉上的美感会使其起到感情传递的作用。优美的字形设计能给人以愉快的感受，从而对包装的产品产生美好的印象。反之，则会使人对产品产生厌恶感。汉字艺术具有装饰装潢的功能。包装上的文字，除了传递必要的产品信息外，也具有美化商品的重要作用。在设计中，汉字可以作为表达点、线、面的各种元素，使人产生不同的视觉感受，与不同的图案组合，这种促销作用的传递会更加强烈。

三、汉字艺术在包装设计中遵循的原则

汉字的字体结构与包装物风格相搭配原则。汉字的结构实际上包括文字的框架结构和文字笔画的粗细两部分，通常笔画粗细不超过字体宽度的十分之一的字体适合做包装设计的正文，反之适合做标题使用。标题上的文字粗壮有力让作者设计意图轻易体现。特别使用与表现包装物重要内容。在框架结构方面主要看字体，字怀是指字内部空间的大小，字怀越大越适合做正文，因为它能在小字号的情况下认识度高，能让人轻松阅读，特别适合于小件包装的内容性文字设计。汉字的思想性和可识别性原则。汉字艺术必须要有思想性，从而达到文字能生动突出产品的精神含义，增进宣传效果。好的文字设计能及时有效抓住消费者的第一眼，让消费者看到产品文字有赏心悦目的感觉。在具有思想性的同时必须也得完成汉字准确传达商品信息的功能，其识别性要有鲜明的表达，信息传递也应完整无误，通过文字，消费者就能够对内装商品有清晰的了解和认识。设计师在考虑创新的同时也要考虑文字表现得整体的效果，字体，字形和机构都必须清晰。在文字设计时，造型一定要巧妙，形象要优美，不能为了适合特定的形态而强行改变字体笔画，甚至扭曲变形，要巧妙自然，易读易认，不会引起消费者误解，只有这样才能有利于传播。清晰易读的包装文字能引起人们的注意，能引起消费者的购买欲望。因此文字的设计力求给消费者难以忘怀的第一印象。汉字设计的协调统一原则是指包装设计中的汉字与汉字、色彩、图文编排、图形等正确的处理位置等关系，以使他们达到统一和谐，完成商品内涵表达的总体基调。在汉字设计上，汉字的字形必须与商品所传达的内容保持一致，否则完美的设计最终表达的效果也会与设计师的理念背道而驰。要取得最佳的协调原则，关键在于找出不同字体间的内在联系，对其不同的对立因素要给予适当的协调组合，既要表现各自的不同特性，又要取得整体的协调感，个性与共同协调，对比统一，对立统一，使之突显具有审美价值的组合效果。

四、汉字艺术的创意新前景

创意汉字是具有创新和挑战的工作。这意味着设计者需要将思想从已经形成的、常用的汉字固有的形态中解放出来，用新的表现手法，或绘制、或印刷，或笔划创新成图案，并以新的形态显现出来。随着新技术与表现手法的出现，推动了人们对字体设计这一视觉因素的探讨和创新。例如字体从点到线再到面的创新，从平面到立体，从二维到三维的创新。

五、总结

第8篇：设计艺术论文范文

在建筑艺术发展的历史长河中，出现了很多设计理念，每种理念都有一定的设计形式，仿生设计形式就是其中一种非常重要的形式。仿生设计突出的特点就是能够非常明确的表达出建筑结构自身所具有的个性，该设计方式主要是应用在材料中，通过材料来体现建筑结构独有的风格。利用仿生设计理念，最突出的优势就是能够将建筑结构的使用价值提高一个层次，与此同时，也能使建筑与周围的大自然环境有效融合起来，进而体现出建筑的艺术美。仿生设计理念以被应用到世界各国，甚至有些国家别有特色的餐馆都是利用仿生设计理念而成，这为国家的旅游业的发展奠定了良好的基础。每个建筑结构经过仿生设计理念的运用，其结构特性将十分突出，因为自然界中动植物的种类多种多样，只要符合建筑结构设计特点，都可以运用各种动植物来进行建筑的设计，通过该种设计既能够体现出当地的地理与民俗环境，从建筑结构中能够让人有一种赏心悦目的舒畅感觉，与大自然的融合是建筑设计所要追求的终极目标。这本身也是对当地文化宣传的一种良好的方式。仿生设计在建筑艺术中的应用，建筑是主体，周围的环境是辅助，只有将两者有机结合，才能更好的展现出仿生设计的灵性，反之，则会有副作用。

2国外仿生设计的应用

国外建筑设计人员对仿生设计理念的应用时间非常长久，通常情况下，国外都将融入这种理念的建筑称之为有机建筑，其设计的原则也主要是建筑与周围环境的有机结合，这也正是将称之为有机建筑的重要原因。流水别墅是运用仿生理念的最典型的建筑，设计人员运用仿生理念，将其设计为方山之宅，给人一种大自然自己打造的房屋的感觉，因此其设计方法就是运用楼板与山体自然的结合，在具体施工时根据建筑整体来选择所需要的建筑材料，仿生设计与普通的建筑设计相比，其对建筑设计人员的要求更高，而这种流水别墅的设计则有更加严格的要求，尤其是突出体现出建筑艺术美感，而且要保证这种美感不能脱离实际。从上述中，我们能够明显的知道，流水别墅是一个非常具有超越性的设计，该设计将建筑结构与周围环境之间的融合达到最佳的切合点，从而给人一种自然美与艺术美。居住舒畅，身心放松，浑然天成，这是流水别墅给居住者切实的感受。目前国家建筑设计人员越来越多应用仿生设计理念，运用原始自然环境中所拥有的物质进行设计，将自然中天然的美感融入到建筑设计中，使建筑具有大自然的气息。最为重要的是，国外建筑设计人员之所以大量的使用这种建筑设计理念，主要是因为这种设计理念比较自由，主要是看设计人员对自然的理解，对美的追求，而且设计人员完全可以按照自己的感情来设计，其约束力比较少。比如有些建筑设计人员比较喜欢动物，其设计的建筑往往类似于某种动物，尤其是动物中某些细节部分，比如纹理等。

3我国建筑结构的仿生设计

我们就以我国园林设计为例，其特点是动静结合，动中有静，静中有动。用色淡雅，朴实，与自然景观相互融合，既不显建筑的单调，又极好地烘托了主题。同时，苏州园林体现了古人对天时，地利，人和的追求。把山"水"树完美地融入他们的生活之中，增加了许多生活情趣。中国古人的园林建筑，讲求一步一景，步步为景，一景多观，百看不厌。因此，中国的苏州园林，讲究心境和自然的统一，互为寄托，即古人所讲的(造境)一一有造境，有写境，然二者颇难分别。山川草木，造化自然，此实境也。因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，是在笔墨有无间，故古人笔墨具此山苍树秀，水活百润。于天地之外，别有一种灵寄。或率意挥洒，亦皆炼金成液，弃滓存精，曲尽蹈虚揖影之妙。此外，中国的民居建筑和村落也很受国外人士的欢迎。来中国旅游的客人，大都选择住在四合式的小旅社，而不是高级宾馆。不仅是外国人，中国人也越来越重视人与自然的结合。在已批准实施的$中国35世纪议程%中，就将(改善人类居住环境)列入重点内容。强调(森林资源的培育"保护和管理以及可持续发展)和(生物多样性保护)。可见，在人类意识到其重要性后，仿生建筑的概念将逐步深入人心。用仿生学的原理进行城市规划和设计是中国古代传统地理在城市选址"规划"布局和建设的一大特色。中国古代传统讲求天文，地理和人文的相互结合，故而产生了青龙"朱雀"白虎"玄武之说。古代人根据这些条件，创造了许多优秀的建筑。这些环境设计上精心营造(天人合一)意境，刻意体现园林化情调(天人合一)意境和园林化情调，是徽派古民居环境设计中刻意追求的特色和目标。除了这些，还有很多这样能体现本国个性的建筑。而这些建筑，均不是凭空产生，而是建筑师们的精心设计。所谓(设计)，是指在建筑物的外形，色彩，材质等方面的改革，使之更能吸引人们的眼球，间接增加它的物质利益。当今建筑，从低空间到高空间，从色彩单一的白墙黑瓦到各种色调的钢筋混凝土，其风格受西方影响越来越显示出现代色彩，国际建筑风格趋于统一，地域特色逐渐变的不明显。为了使本地的建筑有地方特色，成为地方标志性建筑，建筑师们通常仿照一些物品使人们对其印象深刻。虽说现代城市建筑所用建材及造型相差无几，但每个国家都有它独特的建筑风格，即国家个性。只有反映国家个性的建筑才能流传至今，为后人树立典范。

4结束语

第9篇：设计艺术论文范文

1.1水墨艺术代表的传统文化顺应时展需求著名国画大师石涛曾说过：“笔墨当随时代。”由此可见艺术手法在每个时代的变革和发展中都是十分重要的，把水墨艺术中的思想内涵和表现手法融于海报设计中，展现出水墨艺术与时俱进的时代性，让水墨文化再次根植于大众的心里。由水墨艺术衍生出来的中国传统的哲学观念与文化思想，符合传统审美观的心理需求。在大学课堂以及设计行业，对水墨图形利用设计软件进行后期加工和处理，这种技术使得水墨艺术在海报中的运用变得更加便捷，并且用电脑辅助可以达到一种意想不到的效果，弥补水墨画某些地方的不足，比如色彩的渐变效果和背景色的渲染等。这一技术让水墨艺术变得更加现代化，增加了它在现代化设计中的运用频率。

1.2水墨元素中蕴含的文化特性迎合海报设计的发展需要随着社会的进步和科技的快速发展，东西方文化的交流和融合，使设计师突破常规，他们在注重传达信息的同时，更加注重富有创意的设计和对传统文化的发掘。水墨艺术中的创作者们从没停止过对和谐的艺术境界的追求，这种境界是一种心灵与自然的完美结合。创作者们对水墨元素进行不同的重组和搭配，浓缩成具有代表性的标记和符号象征，来表现不同的设计主题。不同的是，海报是运用带有鲜明现代化特色的元素，而水墨画是运用传统风韵的色彩，这种表现更加单纯直击人心，因此现代设计师更加倾向于用一种中国式的符号模式来表达整体的精神世界。同时将现代化的符号转化为传统的水墨元素，这对水墨画本身也是一种突破和创新，这样的设计符合现代人们的审美品位，又不失中华民族传统文化艺术的韵味。

1.3开辟了传统文化与现代设计理念相结合的新纪元海报与水墨画的完美结合，也为后代的设计师们提供了一个借鉴，让他们可以在此基础上创造出更多传统与现代结合的设计风格，使中国千年文化艺术符号得以重生与弘扬。在现代社会中，设计师拘泥于传统的设计技法已经远不能满足这个时代的发展要求，因此我们需要把传统的文化和思想当成一个巨大的资源库，在实践中灵活运用和提炼其中精华的部分，创造出一种新的艺术设计风格。但不能只拘泥于本土文化的现代化，也需要学习外来文化的现代化风格，确定中国设计文化的定位，才能赋予海报设计新的内涵与意义。

2中国水墨艺术在海报设计中的运用分析

2.1对水墨元素直接运用直接运用就是不改变水墨画的表现形式，把水墨艺术的元素放到整个海报中，这个“鹤云”的景德镇陶瓷广告就是直接运用了水墨元素，把一整幅水墨画作为整个背景，衬托出景德镇茶杯的悠远古雅，茶杯融于水墨画中，既和谐又独特，这是水墨艺术的独特魅力与景德镇茶杯独特的中国民窑工艺相结合后碰撞出来的完美画面，让人印象深刻。海报最初只是为了传达某种信息而出现的一种信息传播手段，但是由于水墨元素在海报中的运用和变革，这无疑给单调的海报设计带来一种新的生命活力，让本来商业化的海报有了一丝文化底蕴的沉淀。让它有了一种新的表达方式，并且从这种表达方式中衍生出更多不同以往的设计风格。

2.2古典元素在现代海报中的创新运用对水墨艺术这一传统文化的解读使得当代设计师从中得到许多启发和借鉴，将现代的审美意识和古典的艺术手法运用到海报中，形成了具有中华民族特色的创新时尚设计。把水墨艺术中的某些主要特点和艺术手法加以变换，如图2泰山地产集团的广告海报，就是运用了水墨画中的留白（图2为泰山地产海报广告）。手法，两条鲤鱼本来应该是在水中游动，可是它偏偏没画水，而是用一大片空白来表现，使画面不至于显得拥挤和繁复，符合该广告所要表达的关于该住所“亲水亲自然”以及优雅格调的主旨。水墨艺术有着一段悠久的历史，承载着中华民族的传统文化和思想，而海报则是现代商业文化衍生出来的一种现代化的广告形式。这两者结合的表现手法也给了受众一种新颖的视觉享受。这种变幻表现形式的设计风格，在运用水墨元素的同时又在其中添加了现代化的设计元素，对它做了细微的处理，变得更具有新鲜活力。这种创新性运用，让具有浓厚现代色彩的商业海报吹起了一股返璞归真的民族之风。

2.3突破传统海报的商业化束缚设计师顺应时代要求，把中国传统的水墨艺术融入到海报设计中，既能引起消费者心理的共鸣，又能提升中国本土文化在大众心中的形象，而且由于水墨元素的运用，使海报原本的商业性也不再明显，加深了海报内在的思想性和艺术性。对水墨艺术元素这一千年文化符号的重新解读，使得当代设计师从中得到许多有益的启发和借鉴，并对其古为今用、推陈出新、将现代审美意识完美地融入到当代海报设计中，形成一个具有本土文化特色的时尚创新设计。2010年意尔康春夏品牌会的海报，随意的水墨线条，勾勒出运动人物，表现出运动的力量和乐趣，表现出中国水墨画形神兼备的特点，或深或浅的墨色中，可以感受到中国水墨艺术的自然、和谐、简约。让原本商业化的海报变得具有艺术色彩和思考价值，水墨画带给海报的不仅仅是它古典传统的艺术特色，还有它意蕴深远的思想内涵，让人们在感受到海报画面美好的同时也增加了对海报内涵的思索，这也是一种变相淡化商业气息的手段，更易被大众所接受。

3结语