古典主义文学的特征精选(九篇)

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第1篇：古典主义文学的特征范文

关键词：浪漫主义现代主义诗歌

一、浪漫主义文学的背景及渊源

浪漫主义是18世纪末、19世纪初欧洲普遍流行的一种文艺思潮。它是法国大革命催生的社会思潮的产物。大革命所倡导的“自由、平等、博爱”的思想推动了个性解放和情感抒发的要求，对个人独立和自由的强调，成为浪漫主义文学的核心思想。[社会背景]

德国古典哲学和空想社会主义为浪漫主义文学提供了思想理论基础。康德、费希特等古典主义哲学家强调天才、灵感和主观能动性，把自我提到高于一切的地位，因而对浪漫主义文学强调主观精神和个人主义倾向产生过深远的影响。空想社会主义对资本主义的尖锐批判、对未来理想社会的展望预测，也对浪漫主义文学有不小的影响。[思想基础]

在文学传统上，中世纪的骑士传奇与浪漫主义有直接的渊源关系，浪漫主义一词即来源于传奇一词。而18世纪英国的感伤主义文学和卢梭对感情抒发的崇尚，为19世纪浪漫主义文学的兴起和繁荣铺平了道路。[文学传统]

二、浪漫主义文学的思想特征

1、偏重于表现主观理想，抒发强烈的个人感情。浪漫主义对法国大革命后的现实极为不满，往往把非资本主义的生活加以理想化；浪漫主义作家深感古典主义所宣扬的理性对文艺创作是一种枷锁，于是强调创作的绝对自由，反对古典主义的清规戒律，要求突破文学描绘现实的范围，把情感和想象提到首要地位。他们特别重视爱情题材，对人的梦境也进行了大量的描写。

2、描写自然风光，歌颂大自然。由于厌恶资本主义物质文明，反感庸俗丑恶的现实，对工业化的恐惧和憎恶便成为浪漫主义诗人共有的特点，而雄伟瑰丽的大自然和远方奇异的情景，则成为浪漫主义作家寄托自由理想之所在。在他们的笔下，大自然的美和崇高往往同城市生活的丑恶鄙俗形成强烈的对比，一些非凡的人物往往出没在大自然中间或奇异的和具有异国情调的环境里。他们标举卢梭的“回归自然”的主张，把自然看作一种神秘力量或某种精神境界的象征。浪漫主义作家不仅歌吟本国自然之美，而且乐于描绘异国风光，如美洲的丛林和大草原，地中海沿岸各国，少数民族的生活风俗，哥特式的建筑，古代的废墟等等。

3、酷爱描写中世纪和以往的历史。从司各特开始，至雨果、大仲马等浪漫派小说家，许多以历史题材为描写对象。他们的描写不重在反映历史真实，而在表现自我的想象，往往只是撷取历史的一个小插曲，这个小插曲在史书上语焉不详，可以任凭作者自由驰骋。有的浪漫主义者美化了中世纪封建宗法制度，把中世纪当作“黄金时代”以与资本主义来对立。

4、重视民间文学，尤其是中世纪的民间文学。在德国和英国，浪漫主义都是从搜集中世纪民间文学开始的，为此还提出“回到中世纪”的口号。这是因为中世纪的民间文学不受古典主义的清规戒律的束缚，其想象丰富，情感真挚，表达自由，语言通俗。

三、现代主义文学

现代主义文学又称现代派文学或先锋派文学，是20世纪前期欧美各种反传统的资产阶级文学流派的总称。现代主义文学的美学原则可以说是19世纪浪漫主义文学的美学原则在新时代的继续和发展。现代主义作为一种由多种流派组成的文学思潮，其观念演变和价值取向是多元、复杂的，不同的流派与团体往往各有各的主张，但它作为20世纪极富创新和反传统精神的文学思潮，在总体上又有以下几个特征：

第一，现代主义文学突出地表现异化主题。文化是人的外化与象征，也是人类文明发展的标志。现代主义倾向于文化批判，本质上基于对人的生存状况、人的本质问题的探索。

第二，现代主义文学强调表现内心生活和心理真实，具有主观性和内倾性特征。在一些现代主义作家看来，传统文学那种看似逼真的人物和物象描写其实是一种假象。因此，必须摈弃对人物性格和一切相关的附属品的描绘，使读者进入人物的心理现实，这就拓展了文学表现的领域，改变了传统的艺术思维模式。

第三，现代主义文学普遍运用象征隐喻的神话方式，追求艺术的深度模式。神话式象征的意义在于对未知领域的诗性揣摩，是将最内在的、最深刻的心灵体悟转化为认识的对象，因而，它的价值不在于对象本身，而在于它所包含的内在体悟，这种体悟往往是多义性的。

第四，现代主义文学提倡“以丑为美”、“反向诗学”，大量描写丑的事物。现代主义作家处在20世纪那个失落、传统价值观念失落的社会，他们往往从更深层次上思考着人的命运、人的本质和人类前途问题。他们觉得人类自身具有恶的根源，人的本质力量有美的一面，又有丑的一面。因而希望通过艺术来表示与人性之恶的抗争，表示对丑恶的反抗。但是他们反传统的个性又使他们不愿像古典艺术家那样一味地高唱人性美的赞歌，而是着意于描写丑，暴露丑。现代主义作家对死亡、黑夜、堕落、犯罪、畸形、变态、疯狂、瘟疫、尸体等的描绘大大超过了传统文学，表现出“以丑为美”、“反向诗学”这一新的美学倾向。不过，现代主义作家的“以丑为美”不是把生活中的丑作为美来肯定，而是无情地解剖、否定现实与自我平庸，通过与丑的撕斗来表达对美的追求。因此，在这种美学追求的背后，蕴含着对人生的严肃而崇高的爱。

四、浪漫主义诗歌与现代派诗歌的联系和区别

从总的艺术方法来看，现代派采用表现法，而非白描法。这里所谓的表现法是指现代派作家用歪曲客观事实的方法来曲折地表现自己的思想感情，而不像浪漫主义者那样描写客观事物或直抒自己的胸臆。不妨举两首诗来做对比：

The Lake Isle of Innisfree

by William Butler Yeats

I will arise and go now, and go to Innisfree / And a small cabin build there / of clay and wattles made / Nine bean-rows will I have there / a hive for the honey-bee / And live alone in the bee-loud glade / And I shall have some peace there / for peace comes dropping slow / Dropping from the veils of the morning to where the cricket sings/ There midnight’s all a glimmer / and noon a purple glow / And evening full of the linnet’s wings/I will arise and go now / for always night and day / I hear the lake water lapping with low sounds by the shore / While I stand on the roadway / or on the pavements gray / I hear it in the deep heart’s core.

这首叶芝早期的著名作品是典型的浪漫派后期唯美主义的诗篇。他直抒胸义的道出要离开这个充满的痛苦的世界去过隐居生活的愿望。他对因纳斯弗利岛景色的描写也是一种白描法，没有加以主观色彩的渲染。虽说因纳斯弗利岛只是爱尔兰的一个小岛叶芝是把他当成是隐居生活的象征，但这是摆在纸面上的，显而易见的。虽说他抒发了自己的一些感受，但只是一种白描的艺术方法。请读另一首诗：

豹――在巴黎植物园

它的目光被那走不完的铁栏 / 缠得这般疲倦，什么也不能收留 / 它好像只有千条的铁栏杆 / 千条的铁栏后便没有宇宙 / 强韧的脚步迈着柔软的步容 / 步容在这极小的圈中旋转 / 仿佛力之舞围绕着一个中心 / 在中心一个伟大的意志昏眩 / 只有时眼帘无声地撩起―― / 于是有一幅图像浸入 / 通过四肢紧张的静寂―― / 在心中化为乌有。

这是里克尔1903年的作品，与其说他在描写被困笼中的豹子形象，不如说诗人是在体会豹子的心情，甚至还可以说是他借豹子的心情来表现自己当时的心情。这里的拟人化自然是常见的艺术手段，但从常理看，即使把豹子当成人来看也不可能有这么复杂的感情。显然是里克尔发掘自我的结果。整天关在笼中的豹子无疑会讨厌身后的铁栏杆，但他不可能感受到这么深刻的程度，以至认为“千条栏杆后没有宇宙”他可能感到有力无处使的苦恼，但不会认识到力之舞的中心一个伟大的晕眩。这些诗说明里尔克是用自己的思想歪曲了豹的感受能力来表现他与现实世界的矛盾。这还是他以对客观的忠实描写著称的早期作品，如果拿他后来书写主观情思的杜伊诺哀歌来作比较，浪漫派与现代派在创作方法上的差别就更明显了。在写法上，里克尔不像早期的叶芝那样直抒胸臆，而有曲折隐含地把把抽象观念和具体形象相结合的特点。

总起来看，现代派文学的艺术特征与近代文学中出现过的新古典主义，浪漫主义，文学是颇为不同的。现代主义吸收了其他文学的特征---------特别是浪漫主义---------的某些因素，但他与浪漫主义的区别大于其联系。虽然浪漫主义中有些作品已开风气之先，具有象征主义或表现主义色彩。

参考文献：

[1] 宋寒冰.元杂剧与佛教母题研究[D]. 中国博士学位论文全文数据库,2010,(08)

[2] 柳东林.西方文学的非理性特点及禅意研究[D]. 中国博士学位论文全文数据库,2010,(08)

第2篇：古典主义文学的特征范文

俄罗斯高等院校的学制一般为4～6年。高等教育的学位制度与其他国家有所区别。在西方国家，类的某些部门是艰难的大致上都设有学士学位、硕士学位、博士学位。但俄罗斯却只有候补博士（即副博士）和博士两种学位建制。对于大学毕业生不授予学士学位，而且在研究生教育中也没有硕士这一学位。目前，在俄罗斯已出现私人或集体开办的学校。

在莫斯科西地势较高处是闻名遐迩的列宁山（现在已更名为麻雀山）。山脚下，莫斯科河蜿蜒流过；山上就是俄罗斯最高学府——莫斯科大学。莫斯科大学全称国立莫斯科罗蒙诺索夫大学，以其缔造者俄罗斯18世纪著名的学者罗蒙诺索夫命名。莫斯科国立大学，成立于1755年1月5日是俄罗斯 历史 上第一所大学，也是目前全国规模最大的综合性大学和教学科研中心。

俄罗斯文学和 艺术 是俄罗斯文化历史宝库中瑰丽的奇葩。俄罗斯文坛曾为世界造就了普希金、托尔斯泰、果戈理、莱蒙托夫、陀思妥耶夫斯基、叶赛宁、高尔基、法捷耶夫、屠格涅夫，车尔尼雪夫斯基等一大批文学巨匠；俄罗斯画坛涌现了列宾、列维坦等艺术大师。

17世纪上半期诞生了俄罗斯的第一部小说《萨瓦·格鲁津传》。?进入18世纪的彼得改革，通过实施，银行大西方启蒙思想开始在俄罗斯社会中广为传播，并对俄罗斯的社会生活、文学艺术等诸多方面产生深远的影响。俄罗斯文学在这一时期实现了质的飞跃，进入了古典主义文学产生和繁荣的新时期。

在古典主义兴盛的18世纪，涌现了一些杰出的文学家，其中包括特列季亚科夫斯基、罗蒙诺索夫和苏马罗科夫等。特列季亚科夫斯基是俄罗斯语言文学和诗歌的革新者和推动者，他的诗歌创作以新的体裁和形式丰富了俄罗斯的文学宝库。他也是“一个简短的培训，新的俄罗斯诗歌和文学的文件说：”这是，证明俄罗斯语言适合于写作轻重音格律诗，为以后俄罗斯的诗歌 发展 奠定了坚实的基础。

罗蒙诺索夫是这一时代的最具代表性的人物。他不仅在科学领域创造了光辉的成就，在文学领域也是硕果累累。他在《文法与修辞》—书中，将一般文体分为英雄史诗、讽刺诗文与戏剧和民歌、喜剧等三类，并为每一类作品制定了写作的标准。他的抒情诗为俄罗斯的诗歌创作开创了一个新纪元。苏马罗科夫则创作了一大批悲剧、喜剧、歌剧、歌谣、情诗、寓言等作品。他说，“霍列夫”创建一个悲剧，树立一个是俄罗斯古典悲剧的例子。

到18世纪末，俄罗斯文坛又出现了新的文学流派——感伤主义文学和现实主义文学的萌芽。感伤主义文学的特征是崇尚 自然 感情，注重人物的心理描写。这一文学流派的代表作家是卡拉姆津，他在欧洲旅行的过程中陆续发展了散文体的作品《一个俄国旅行者的书信》，被视为俄罗斯感伤主义文学的力作。卡拉姆津的小说创作取得了巨大成就，他写的中篇小说《苦命的丽莎》，则被别林斯基誉为“最早的出色的俄国小说”。卡拉姆津后，后，茹科夫斯基又成为俄罗斯感伤主义文学新的代表。他的代表诗作是《乡村墓地》、《柳德米拉》和《斯维特兰娜》。

在现实主义作品中，最为著名的是丘尔科夫的长篇小说《漂亮的厨娘——或一个女人的奇遇》。

进入19世纪后，伴随着法国大革命的爆发和自由民主思想在欧洲的传播，俄罗斯文学创作摆脱了古典主义的重重樊篱，丢弃了感伤主义的多愁善感，迈上了资产阶级浪漫主义和批判现实主义的新路。

第3篇：古典主义文学的特征范文

关键字：舒曼；克莱斯勒偶记；浪漫主义音乐

一、浪漫主义音乐产生的背景与风格

浪漫主义作为一种音乐风格形式，它注重的是个人内心情感的抒发，具有夸张、不真实的特点。把创作者自己的个性特征、情感世界完全融入在自己的艺术世界中，自己幻想与不真实甚至是荒诞离奇的灵感加入到创作中，所展现出来的艺术形式。浪漫主义也出现在18世纪末的文学领域中，它是多种社会思潮汇合而成的，形成了一股无法阻挡的潮流，出现在各个艺术领域。浪漫主义音乐的出现，与其它艺术形式相比，对音乐情感的直接感受最能体现浪漫主义的美学特征，完美的与浪漫主义融合。当浪漫主义思潮与音乐相融合之时，就预示了音乐史上一个辉煌时刻即将到来。当时的社会经受了思想的启蒙，社会整体成员的文化程度得到了提升，与资产阶级革命的失败相冲突，使他们不得不在一个与理想相冲突的世界挣扎，于是浪漫主义音乐作为一个情感的出口受到大众的追捧，越来越多的浪漫主义音乐在音乐沙龙、餐厅、音乐厅、剧院等地流行着。但是由于浪漫主义强烈的个人情感特征，呈现出片段化、零散性的特点，没有一个统一的系统形式和特别清晰的美学归类。“德国狂飙”运动给当时的音乐带来很大的冲击，音乐作品开始与文学作品相结合。浪漫主义音乐受资本主义发展的影响，“法国大革命”让人们开始有了对未来社会有美好憧憬，但是革命的失败与欧洲封建王朝复辟后，人们在这种社会环境与个人理想之间挣扎。于是作曲家们开始从文学作品中寻找自我的内心世界与音乐的灵感，主张采用自由的曲式结构，和色彩丰富的和声表达自己内心的真情实感，向当时社会的种种不公正和恶俗的社会现象表达不满。早期浪漫主义音乐作品的曲式结构还是比较规整，和声的运用也有古典主义音乐相似，但是旋律线条已经较为明显，抒情性很强。如舒伯特的音乐作品也深受文学作品的影响，创作了600多首艺术歌曲。浪漫主义中后期，出现了舒曼、李斯特、门德尔松、柏辽兹等音乐家，他们很多优秀的音乐作品都与文学相关。舒曼音乐创作富有诗意并与文学相结合。李斯特有《但丁奏鸣曲》，是在读了但丁的文学作品之后写出的。门德尔松创作了非常著名的钢琴作品集《无词歌》，每首作品都像没有歌词的抒情歌曲。柏辽兹创作了标题幻想交响曲，借鉴了文学的创作方式。之后出现了瓦格纳、罗西尼，他们都在歌剧方面有着巨大的贡献。浪漫主义音乐与多个诗歌、戏剧、小说、油画等多个艺术领域相结合，充斥了人文气息，还与大自然相融合，森林、湖泊、大海、山脉、小溪等都是浪漫主义音乐所表现的对象，在音乐中为人们营造了一个世外桃源。浪漫派作曲家所采用的对象有些是因为逃避现实而选用了大自然，虽然具有消极意味，但是这也给浪漫主义音乐注入新的活力。它融入的复杂的艺术形式把人们内心的情感表达到极致。

二、舒曼的生平

舒曼是19世纪德国优秀的作曲家、音乐评论家。舒曼的父亲是一位书商，他从小就在充满人文主义色彩的环境成长，文学作品对于他的影响显然是巨大的，在舒曼的人生过程中，学习音乐的经历充满坎坷，他的母亲认为音乐并不是一个好的谋生之计，非常反对他学习音乐，让他选择了学习法律，好日后成为一名律师，刚开始的舒曼妥协了，大学选择了法律专业，可是他内心一致在动摇，最终命运还是让他选择了音乐。他开始拜师于维克，并与维克的女儿克拉拉相识。舒曼他不认同维克的古老、刻板的教学方法，开始自己研究练琴的方法。舒曼把手指用绳子吊起来，高强度并且错误的练习方式，使他的手指伤残，不能练习高难度的钢琴作品，他想成为钢琴家的心愿已经无法实现。他的种种行为都充分体现了浪漫主义时期人们冲破传统的枷锁，追求个性解放的思想。他也因此走向了音乐评论家的道路，在19世纪音乐评论界文学家、哲学家、政治家这些更有逻辑思维的人掌控着，而音乐家在评论界的地位一直被压制着，直到舒曼的出现。舒曼著有《音乐与音乐评论家》，在这部著作里他批判了庸俗、华丽、没有内心听觉、退步的音乐，向人们大力推荐了当时不受人们重视的贝多芬、海顿等古典的音乐作品。鼓励了新出现的一些音乐家，赞扬了充满情感的音乐作品。舒曼出生于出版商家庭，从儿时起就阅读了大量的世界名著，深受文学的熏陶，在他学生年代就已经开始创编诗集，开办文学社，与同学一起讨论当时的文学著作，并且写了三个戏剧剧本和两篇长篇小说，甚至当时舒曼的父亲认为舒曼会走向文学写作的道路，但最后舒曼选择了音乐，不过舒曼的一生都与文学有着深切的羁绊。在文学和音乐两方面过人的才能使他成为了一位优秀的音乐批评家。一流的音乐评论家少之又少，就是因为音乐过于抽象化，是用音响表现出来的艺术形式，用文字工具难以表达的到位、准确。舒曼的音乐评论是浪漫主义描述，用文字生动形象的描绘出了音乐所表达的情感，多以主观感受描述，“我”开始的主观性描述较多，这种形式的评论多给人主观臆想强，但舒曼在文字上准确的拿捏和他具有严谨作曲理论知识、逻辑思维，具有理性的分析，把感性与理性的思想交融。在舒曼优异的文化底蕴和他的作曲技术理论的能力下他的音乐评论自然具有很强的说服力。

三、《克莱斯勒偶记》作品鉴赏

舒曼深厚的文学底蕴使他创作出了《克莱斯勒偶记》这部把浪漫主义文学与浪漫主义音乐相结合的钢琴套曲。作品创作于1834年，这部由8首小品组成的钢琴套曲，每一部小品都有着充沛的情感，整部作品的结构像是一部小说向人们诉说着其中的故事。这首作品是献给肖邦的，创作之时正是舒曼与克拉拉感情受到反对的时期，舒曼在情感上饱受痛苦，受到霍夫曼小说《雄猫穆尔的生活观》中所创作的一位小说人物克莱斯勒的启发，在这部作品中充斥的荒诞、幻想与现实相互交织，书中的许多观点都与舒曼的思想奇妙的相似，让舒曼产生崇拜之情。书中的克莱斯勒是一位不受重视，不屑于世俗世界的音乐家，与另外一个角色雄猫穆尔所形成鲜明的对比，雄猫穆尔为了名与利而放弃理想。而舒曼受这本书所影响，创作出了《克莱斯勒偶记》，虽然这部作品并没有描绘书中的情节，但是它所表现出来的情感的挣扎与作品之间的对比是与这部小说有着强烈的共性的，乐曲时而能感受到焦急难耐的情绪，时而能挺会到宁静甜美、抒情的旋律，充分抒发了舒曼内心的感受。在舒曼的钢琴作品中我们能感受到片段式的音乐，以《克莱斯勒偶记》为例，分为了8个小品，它们每一首都是一个片段式的乐思发展起来的，很像是小说中的一章或是表现了某种情节，在整体结构上没有体现出很强的完整性，而这种结构正是浪漫主义音乐的特点，浪漫主义美学中反对了系统化的结构，要表现出强烈的个性、个人特征。但是这种特征将音乐所存在的特定结构趋向瓦解的趋势，尤其体现在奏鸣曲式和交响曲中。在浪漫主义音乐高度发展的同时，奏鸣曲式也走向了瓦解，浪漫主义音乐的发展特征会组织音乐主题的回归，它并没有特定的音乐发展规律，并且有着不规则的节奏和夸张的情感表现，自由的发展使音乐不能规律性的发展，在调性和主题上没有办法自然的回归，这对奏鸣曲式的冲击无疑使巨大的。

四、浪漫主义音乐的发展过程

浪漫主义音乐处于欧洲经济发展的黄金时期，同时带动了文化经济的发展，这些原因在音乐上带来一些消极因素。德国音乐在舞厅、歌剧院都出现了风格华丽，过于炫技的音乐作品，像是在歌剧院的意大利歌剧，和在音乐厅演出的音乐作品都出现了这种情况。舒曼曾经在音乐评论中反对过这种情况“一味追求单纯技巧，只注重外表，不注重内容的反艺术倾向”，在浪漫主义音乐时期，无论是在钢琴或者歌剧、或是其它乐器上都出现了炫技的形式，钢琴作品上过多的经过音，歌剧上声音技巧的展示，小提琴华丽的演奏手法。舒曼认为在音乐中出现的过多的华彩和经过音是不必要的，单纯为了炫技的音乐是没有意义的，严肃抨击了这种夸张、华丽的音乐表现方式。在浪漫主义音乐发展晚期越来趋向唯意志论的音乐美学思想，夹杂过多的个人情感欲望的表达，富有丰富多彩的形式同时存在着零散、混沌的形式。浪漫主义音乐在和声进行方面，也开始突破古典主义音乐的和声进行，不是循规蹈矩的使用功能和声，而是开始大量使用了小二度的半音进行，给人以不和谐的听觉效果，表达内心躁动不安的情感，例如忧郁的、愤慨的、激烈的情感倾诉。笔者认为，这种不和谐的和声进行是一种无意识的内心表现，是为了将内心本身的情感用音乐的形似表达，用不和谐的和声进行来烘托这种神秘感，模糊了和声之间原本程式化的进程，给人朦胧的音乐色彩。大家都知道大小三和弦给人的感觉是比较规整的，和声色彩是正统的，古典音乐的和声进行主到属的正格进行的情况较多，大多都使主-下属-属-主，是有秩序在结构内的发展，给人色彩上是明亮的，音乐的感觉是明快的，这是古典主义音乐的一个特色。当时的社会神的地位比较高，人的天性被压抑着，音乐也是在一种较为规律的形式下创作。而浪漫主义音乐的和声开始大量使用了变和弦，不协和音的加入造成了音响上的神秘感，而这种音响上的张力必然加强了音乐传达给人情绪上的紧张感，浪漫主义音乐的矛盾与冲突这与人的琢磨不透的情感有着很大的相似之处。多使用主到下属的半格进行，这种和声的半格进行，模糊了和声的功能性，增添了和声色彩的变化，让音乐听觉更为朦胧与婉转。音乐好像一直在流动着、发展着，好似没有终止的音乐。尤其到了浪漫主义音乐的晚期瓦格纳创造了无穷动的音乐发展方式，音乐一直不断的发展着。在浪漫主义音乐中，不止是和声的变化，在调式上有了更丰富的变化。在调式上频繁的转调，和远关系转调手法的运用，赋予了音乐更强的动力，在古典音乐中大多是主调和它的关系大小调或者进关系大小调之间的转换，而浪漫派的音乐完全突破这一规律，他们强调的自由在这里也体现的淋漓尽致，有时调性的转变给人紧张感，有时给人舒缓的感觉，使紧张和松弛相结合的音乐体现。在舒曼的音乐我们可以看到有的乐句一直在调性上不断的变化。在调式上的频繁转换，使得奏鸣曲式这一曲式结构趋向没落，这一曲式本就是强调主调的回顾，浪漫乐派的创作方式使主调无法按照规律回归，给这一曲式结构的发展带来了严重的影响。浪漫主义音乐的节奏也变得丰富起来，大量出现了复杂的节奏，例如：切分音、三连音、复节奏、符点节奏。这些节奏类型的出现通常使连续的，长时间的出现，从节奏上带动音乐的发展。而在古典主义音乐时期，节奏类型也是较为规整的。舒曼还创造了一种叫做“赫米奥拉”的节奏型，这种节奏性是由连续不断地切分音构成，具有“舒曼风节奏”。虽然浪漫主义音乐在和声进行、调式发展和节奏型上都变得非常自由，但这种自由还是由一定的内在逻辑，与之后的无调性音乐有着本质的区别。浪漫主义音乐中带有更多的个人情感倾诉，其中每一部作品都竭尽全力的展现着自己内心最深处的情感。浪漫主义音乐家比任何流派的音乐家都能意识到生命的短暂与意义，他们竭尽所能表现着对美好生活的追求，反对庸俗的音乐。

五、结语

浪漫主义音乐在音乐史的发展历程中，是一座难以逾越的高峰。它在音乐体裁、创作手法上都有极大的突破，运用新奇的创作手法试图表现出作曲家他们内心最真实的情感，人们通过浪漫主义音乐获得了一种超越现实、摆脱功利，实现人精神的升华。浪漫主义音乐在音乐美学范畴很难有一个具体的表述，因为它的音乐是片段化、零散化的形式并且有些凌乱混沌。但这些都十分接近当时社会人们的音乐审美需求，接近音乐的本质。

参考文献：

[1]周颖.试评舒曼音乐评论思想风格[J].艺术教育，2010（03）：82-83.

[2]廖家.准确、生动、深刻——关于音乐评论的表述[J].人民音乐，2003（05）：57-60.

第4篇：古典主义文学的特征范文

关键词：德彪西；拉威尔；音乐风格；比较

一、德彪西与拉威尔的概述

克劳德·德彪西(Claude Debussy, 1862-1918)是法国最伟大的作曲家，“印象主义”的概念最开始是由德彪西引入音乐领域的。早在巴黎音乐学院就读时，德彪西就已经显示出他的音乐才能。德彪西于1873年考入巴黎音乐学院，并在那里进行了长达12年的学习。他不仅具有卓越的钢琴演奏水平，并且创作才能十分突出。德彪西在他的音乐学习进程中，不断地打破传统的束缚，他大胆的和声处理方式及非正统的创作态度，令他的师长们十分为难。尽管如此，德彪西的音乐才能还是得到了认可。

莫利斯·拉威尔（Maurice Ravel, 1875-1937）是20世纪初法国杰出的作曲家、钢琴家，和德彪西一样，拉威尔也有在巴黎音乐学院学习的背景。拉威尔7岁开始学习钢琴，14岁考入巴黎音乐学院预科。在巴黎音乐学院就读期间，他跟随贝里奥学习小提琴，并师从佩萨尔和福雷学习和声和作曲。拉威尔并没有受到循规蹈矩的学院环境的影响，不断大胆追求音乐上的创新。尽管五次失利罗马奖的角逐，但这却给拉威尔在创作上带来了源源不断的灵感。

二、德彪西与拉威尔各自的音乐风格特征

1.德彪西的音乐风格

德彪西的创作几乎囊括了所有音乐形式：管弦乐、钢琴、室内乐、合唱、艺术歌曲以及歌剧等。德彪西是一位杰出的钢琴家，因此他的大多数作品都是为钢琴而作的。德彪西早期的音乐创作受到印象主义绘画的影响很大，为了营造出一种模糊、飘渺的意境，他在创作中不断地运用不协和的音程，七度、九度、十一度，并经常在这个调的和弦上叠置另一个调的和弦，产生多调性的感觉。此外，德彪西在创作中还使用了许多平行的纯音程，如五度、纯四度和纯八度。

值得一提的是，德彪西虽然是印象主义音乐的代表人物，但事实上印象主义只是德彪西音乐创作风格的一个方面，他的许多作品中并没有出现印象主义的痕迹。他在《儿童园地》的《木偶的步态舞》中讽刺地引用了瓦格纳的《特里斯坦》，在《练习曲博士》中开车尔尼的玩笑，完成于1888年的两首《阿拉伯风格曲》更是接近于浪漫时代的沙龙音乐。晚期作品中，芭蕾舞《游戏》、双钢琴作品《白与黑》等也不是印象主义音乐的风格。

2.拉威尔的音乐风格

在拉威尔的整个音乐创作生涯中，西班牙音乐给他带来了很大的影响。由于他母亲的西班牙血统，拉威尔在创作中更加偏爱西班牙音乐。在他的作品中，经常会出现模仿西班牙民间乐器、采用西班牙特色节奏进行的创作，如拉威尔创作成熟期的代表作之一《镜子》中的第四首《丑角的晨歌》就具有典型的西班牙音乐特点：曲中的节奏型采用了极具感染力的西班牙舞蹈的节奏，拉威尔还运用了同音轮指的演奏技巧来表现出西班牙民谣吉他拨弦的效果。

相比于德彪西大量的钢琴作品，拉威尔的钢琴作品在数量上并不算突出，他的主要钢琴作品有《帕凡舞曲——为夭亡的公主而作》《水的嬉戏》《镜子》《库普兰之墓》。《水的嬉戏》是拉威尔音乐创作过程中里程碑式的作品，充分显示了拉威尔对曲式结构的重视，这部作品受到李斯特《艾斯特庄的喷泉》的启示，作品中丰富的和声色彩的变化以及最后一连串的十一和弦、属九和弦、大小七和弦的运用，展现了拉威尔高超的创作技巧。

拉威尔晚期的音乐创作流露出了明显的古典主义音乐风格，创作于1917年的《库普兰之墓》采用了拉威尔十分喜爱的法国羽管键琴作曲家库普兰时代的舞曲体裁。拉威尔在创作这首作品时不仅运用了优美典雅的古典主义音乐线条，而且融入了现代的作曲技法。

第5篇：古典主义文学的特征范文

关键词：欧美文学 个性自由 意义

引言

希腊文学是欧洲文学的起源，各国文学和民族文学的发展基本都是以口来传播，口是最早的文学小说传播形式，后来发展到书面文学中。其中“个性自由”。作为欧美文学中最长用的命题“个性自由”，我们从欧美文学作品及发展的历程中得以认识。

一、古希腊文学中的个人特性

古希腊英雄传说中的所有重要人物，除少数神祗和传说（如普罗米修斯及其故事）外，他们的个人行为动机都不是为了民族集体利益，而是满足个人生命价值的追求；或为爱情、或为王位、或为财产、或为复仇。荷马史诗中英雄们对荣誉的崇尚，表现了古希腊人对个体价值的执着追求和对现世人生意义的充分肯定。极端的个人英雄主义，极富张扬的个性特点成为古希腊文学的核心内涵，也成为古希腊文化的基点。虽然说古希腊文学中体现的世俗人本意识是原欲型的，但以“我”为中心，以“人”为中心的个性张扬和个体自由是十分鲜明的。

古希腊古罗马文学之后是千年的中世纪文学。重视人的精神和理性本质，强调理性对原欲的限制，是中世纪基督教文学之文化价值观念的主要特征。

中世纪基督教义提出的人之原罪，救赎，禁欲主义，乞求来世，让古希腊的人本意识蜕变为神本意识。14至17世纪初的文艺复兴是一场针对中世纪的资产阶级反封建反教会的思想文化运动。这一时期欧洲文学的主流就是人文主义文学。 “人文主义”，亦即人道主义，它强调以人为本，肯定人的价值，维护人的权利，以“人类的本性”作为观察历史的准绳，反对神的绝对权威。人文主义其实质是个人主义，即强调把个人放在一切社会关系的中心，充分肯定个人的意志，个人的利益。文艺复兴是对中世纪基督文学、文化的否定和对古希腊文学、文化的复兴，是对古希腊文学中提出的个人自由和实现个人价值的进一步倡导。意大利诗人彼特拉克，最早提出了“人学”与“神学”的对抗，他的抒情诗集《歌集》，其中绝大部诗作是抒发对自己所钟爱的劳拉的爱情，大胆讴歌建立在人的自然本性基础上的爱。薄伽丘的短篇小说集《十日谈》彻底否定了中世纪的宗教观及禁欲主义的道德观。总之，这时的许多作家，如彼特拉克、薄伽丘、拉伯雷、塞万提斯和莎士比亚，他们在自己的作品中显示了人的尊严和权利，展开了精神个体的无限多样性。当然人文主义决不只是古希腊古罗马文化的单一性延续与继承，更不是简单的重复；人文主义思想体系中也拥有了人人平等、仁慈宽恕等基督教观念，在一定程度上，人文主义又是古希腊、古罗马文化与基督教文化结合的产物。从中世纪的“人是实现某种目的的工具”转变到文艺复兴的“人应成为独立的精神个体”，这是西方文化史上极为重要的转变，它标志着中世纪文化的终结、近代资本主义文化的开始。

二、17世纪后文学作品中的“个人主义”

17世纪的古典主义文学中的“人”比人文主义文学中的“人”疏远了与上帝的联系，也显得更理智、冷静和成熟，但也缺少热情、缺少自由意识和生命意识。18世纪欧洲各国发生了继文艺复兴运动之后的第二次思想革命运动――启蒙运动。如果说人文主义者的注意中心是如何从宗教束缚下解放人的个性，肯定人享有世俗幸福的权利，那么，启蒙时期的资产阶级思想家们更要求破除宗教迷信，摧毁宗教偶像，反对贵族特权，主张在法律面前人人平等，进而封建统治，建立合乎资产阶级理想的社会。自由与平等是启蒙运动最鲜明的两面大旗。作为一个广泛的思想革命运动，也影响到文学的发展。许多启蒙家直接进行文学创作，把文学作为宣传启蒙思想、批判封建制度的有力工具。卢梭的文学作品中对个性自由的崇尚是其的启蒙主义、丰富的感情自由的典型，基督教的原罪说他予以否定，因为人至善是人的本性，这种至善是美的，及发自原始的人性和欲望要求是人类的合理的，在人类创造文明的发展过程是对人性的污蔑和罪恶的孳生地。歌德在他的作品中一个很广袤的天地中深刻地体现了人类的思想问题。这种启蒙主义文学思想对人类的“个性自由”、“情感自由”的理想追求，为浪漫主义文学奠定了坚实的基础。

在反古典主义的伟大斗争中发展起来的浪漫主义文学、更强调自我人性自由与追求。浪漫主义文学中表现“人性自由”不再是表现在人的理智和情感上、个人的私欲和人类社会道德之间找平衡，他表现的是个人及自我的人生价值。比如“沉浸在天地合一”，人溶于美好的自然景色，天地合一的这种忘我境界，幻想描述一个美好的文明社会，塑造一个世界大同的美好理想。这种体现是浪漫主义文学的个人自由观和人生观的理想境界和归宿。

19世纪中期，随着工业科技的发展，欧美国家的工业进程发生很大进步，这时的文学作品，主要以现实主义为代表作。人类历史的进步是物质和财富的创造来推动。这种创造财富的过程是人性的发展过程，随着科学技术的发展，人类个性随着财富的变化而发生了很大的失落。现实主义文学更多的是对人性处境和人生命运的关注，从人道为出发点，它的思想武器是以人性论为基础的人道主义。现在的作品通过文学彰显了物质化的社会现实，深深地解剖人在物质欲望的驱动下人性深处的心灵变化，揭示和引导警告人们在物质面前人的脆弱及对人性的泯灭。也是对这种物化下失去人性自由的批判。

20世纪的欧美现代文学呈现出纷繁复杂的局面。随着资本主义的科技发展、工业化程度的不断提高，人类在这个世纪里付出了惨巨的代价，一战和二战对每个民族及全人类最基本的生存空间、权利和尊严发出挑战。使人类文明的发展和生存空间发生了对立的很大变化。那种人与万物、社会、自然及民族语民族人和人关系变得不再美好。从思想内容看，现代主义文学表现的是“现代人的困惑”，即揭示周围世界的荒诞、冷漠、不可理解，以及人置身于其中的孤独、陌生、焦虑、痛苦的情绪。到18世纪，西方人认为自己凭借着理性的力量可以摆脱“命运”的支配而走向自由，但到20世纪初，仿佛从云端一下子跌入深渊，而且带着远比古代人更加浓重的悲哀和绝望。卡夫卡小说中的人变成了“甲虫”；艾略特的《荒原》中，物质世界使人的精神世界毁灭，世界也就成了生命死寂的“荒原”。人“原欲”的自由没有了，对于回归原始状态、获得非理性意义上的“自由”的人，又是充满着忧虑 ，而现代物质文明下的“自由”也丧失了。总之，一种比19世纪更深重的恐惧、焦虑、痛苦，乃至绝望的情绪弥漫了20世纪西方社会。但是20世纪欧美文学在人本意识上的变化，说明了20世纪作家在对“人”自由和个性问题上的探索更加深化了，只是在人性“自由”问题上还没有找到理想的境地，或说，在寻找过程中的失落和痛苦，因此只能继续像“戈多”一样等待，或像塞林格《麦田里的守望者》一样地守望。

三、结论

古希腊古罗马文学表现的“自由”是把对原欲追求和个人荣誉当作人生幸福和实现个人价值的主要内容。中世纪的宗教文学对此加以了否定，今世赎罪和来世才是他们向往的地方，精神的追求代替了古希腊古罗马的声色享乐。文艺复兴时期的文学是对中世纪宗教文学的又一否定，它重新呼唤人的自然属性的回归，但在否定中世纪对声色、的摒弃外，也部分吸收了宗教文学的博爱仁慈等理性的内涵。古典主义、启蒙主义文学，更是在对人的自然属性的自由和个性追求之外，探讨人的理性下的自由和个性。浪漫主义文学，对个性自由更强调人的自然天情和自由情感，想与大自然的恬静形成一种默契，而弱化了自然属性和理性的平衡。现实主义文学警告人们不要无限制地追求物质享受，不要被物化而丧失人的自由的天性。现代主义文学，指责现代文明对人的生命和尊严的严重贱踏，使个性自由和个人价值几乎丧失殆尽，作品表现的是物质文明给人带来的更沉重的异化和危机感的情况下，表达出的一种失望甚至绝望的情感。

从以上的分析中我们知道，首先，欧美文学对个性自由的文学探讨从关注人与外部世界关系、个体与集体关系到理性与的冲突内容直至更加深入地展开了内部的诸多矛盾，包括潜意识层面。因此，随着历史的进程，欧美文学对个性自由所探讨的内涵在不断地丰富和深化。其次，争取个性自由，正是在追求实现个体人生价值的最大化，追求在有限的生命里如何过得幸福、活得有价值，个性自由的实现程度正是一个人幸福感强弱的最集中体现。由此可见，欧美文学对“个性自由”命题的持恒热衷正是在探讨人的有限生命如何更具幸福感和如何实现人生最大价值的大命题。第三，无论命运如何坎坷但却始终不屈，因为欧美人把个人荣誉和个人价值最大化视为人生最高的追求，视为人生最大的幸福，他们宁可选择自由而短暂、光彩的人生。这就让我们明白欧美文学关于命运和个性自由这两个命题实际上是一个命题下的两个集点，两者之间有着千丝万缕的关系。

人类的极境是实现“建立在个人全面发展和他们共同的社会生产能力成为他们社会财富这一基础上的自由个性”。（《马克思恩格斯全集》，第46卷，上册，第104页）。命运的多舛和对命运的不屈和抗争，争取个性自由，让在有限的生命里实现个体价值的最大化，欧美文学对这一命题的探索还在延续，虽然现在还没有找到一个最佳的答案，“达到这一境界需要付出异常艰辛的努力，走过极为漫长的路程。”但欧美文学关于命运和个性自由的两个命题的探讨对人类的发展有着方向性的启迪和指导性的作用，其意义极其深远。

参考文献

第6篇：古典主义文学的特征范文

    一、美的本质问题

    美的本质问题,是美学中最基本的理论问题,也是解决其他美学问题的前提和基础。弄清美的本质与特征,不仅关系到美学理论的发展、美的欣赏与创作,而且还关系到整个社会与人生的进一步美化。

    关于美的本质的研究历史来说,它主要涉及到内容与形式的关系以及理性与感性的关系问题。把次要的看法抛开,主要的看法就有5种:(1)古典主义:美在物体形式;(2)新柏拉图主义和理性主义:美在完善;(3)英国经验主义:美感即,美即愉快;(4)德国古典美学:美在理性内容表现于感性形式;(5)俄国现实主义:美是生活。这五种看法的出现大致顺着时代的次序,在发展中当然也会有些交叉或互相影响。

    二、形象思维:从认识角度和实践角度来看

    (一) 从认识角度来看形象思维

    认识论首先涉及心理学常识,人凭感官接触到外界事物,感觉神经兴奋起来,把该事物的印象传到头脑里,就产生一种最基本的感性认识,叫做“观念”、“意象”或“表象”。这种观念或印象储存在大脑里就称为记忆,在适当时机可以复现,单纯的过去意象的复现是被动式的。文艺创作所用的却是一种“创造性的形象思维”,就有各种具体意象进行组织、安排和艺术加工,创造出一个新的整体,即艺术作品。

    (二) 从西方美学史来看形象思维

    在西方,从古希腊一直到近代,被奉为文艺基本信条的是“摹仿自然”。摹仿自然实际上就是反映现实,但这个提法也可能产生误解,以为摹仿即抄袭,因而忽视了文艺的虚构和创造作用。柏拉图就有过这种理解。

    (三) 马克思肯定了形象思维

    马克思在他的经典性着作里多次肯定了形象思维,最明显的例子是《政治经济学批判》“导言”里关于神话的一段话。

    (四) 从实践角度来看形象思维

    从实践观点出发,一向把文艺创作看作一种劳动生产力。生产劳动,无论就现实世界这个客体还是就个人主体来[本文转自lunwen.1kejiAN.com]看,都经历了千万年的发展过程。

    过去美学家们在感官之中只重视视觉和听觉这两种所谓“高级感官”和“审美感官”,对这两种感官也只是注意到他们的认识功能而没有认识到它们与实践活动的密切联系。

    (五) 近代心理学的一些旁证

    近代心理学的发展也给感性认识与实践活动的密切联系提供了一些旁证。第一个旁证就是法国心理学家夏柯、耶勒和库维等人根据变态心理所发展出来的“念动的活动”说。第二个旁证就是关于筋肉感觉或运动感觉的一些研究。

    (六) “艺术作品必须向人这个整体说话”

    从以上所述各点可以看出形象思维这个问题是很复杂的,决不能孤立地作为一种感性认识活动去看,认为它是既不涉及理性认识,也不涉及情感和意识的实践活动。

    三、典型人物性格

    (一) 从古代到黑格尔的演变

    美的本质问题在历史上一直是与典型问题密切联系在一起的,特别是在德国古典美学家和俄国现实主义美学家们的着作里,这一点更为明显。

    (二) 的典型环境中的典型人物性格的论断以及学习马克思和恩格斯关于典型的论述亦涉及了此问题。

    四、浪漫主义和现实主义

    (一) 浪漫主义与现实主义作为文艺流派运动

    作为流派运动的浪漫主义具有下列3种显着的特征:第一,浪漫主义最突出的而且最本质的特征是它的主观性;其次,浪漫运动中有一个“回到中世纪”的口号,这说明浪漫主义在接受传统方面特别重视中世纪民间文学;第三,浪漫运动中还有一个“回到自然”的口号,这个口号卢梭早已提出。

    (二)作为创作方法,浪漫主义与现实主义的结合

    现实主义与浪漫主义的结合是艺术的唯一的康庄大道。这当然只是就这两种创作方法的精神实质而言,并不是把18、19世纪的西方流行的两个文学流派糅合在一起,让它们在今天复活起来。我们不能这样做,因为它们毕竟是一定历史时期社会的意识形态,与我们的社会主义社会现实基础。两结合的原则是可以肯定而且必须肯定的,至于对这个原则的具体运用则只能通过长期实践探索得来。

    【作者单位:山西师范大学美术学院】

    【参考文献】

    [1]朱光潜,《西方美学史》,北京:金城出版社,2010

第7篇：古典主义文学的特征范文

关键词：中国古典戏曲文学；西方现代戏剧文学；冲突

戏剧冲突通过人物表现社会性的抵触、矛盾和斗争。它是戏剧情节的基础，是戏剧动作的本质，也是塑造鲜明生动人物形象的重要手段。中国古典戏曲文学的戏剧冲突与西方传统戏剧文学的戏剧冲突差异，分别表现在冲突形态、冲突方式两个方面。

一是冲突形态差异。西方传统戏剧侧重外在型的冲突形态，中国古典戏曲多倾向内在型的冲突形态。

外在型的冲突形态在古希腊戏剧中表现地极为充分，并对之后法国和意大利的新古典主义戏剧家影响深远。例如，索福克勒斯的悲剧《俄狄浦斯王》，取材自希腊神话传说中关于俄狄浦斯杀父娶母的故事，描绘了俄狄浦斯与命运女神的一场力量悬殊的斗争。俄狄浦斯越是顽强抗争，证明自己的清白无辜，越是不可逃脱地陷入命运陷阱中，杀父娶母的命运如影随形地追随着他。在整部悲剧中，冲突始终呈现为一种外在斗争的场面，具有震撼人心的悲剧感和发人深省的哲理情趣。当然，西方传统戏剧的冲突形态是在不断发展改变的。到英国莎士比亚时期的戏剧中，冲突发展成为情绪之间或思想之间的冲突。后来，内在冲突才发展为意识与下意识之间、人的关系与心灵关系之间的纠结，成为戏剧主要冲突。

而中国古典戏曲文学则侧重展示人物内心意志，强调外部冲突的形成过程和感受过程。中国古典戏曲文学“事必丽情”、“大率皆情词也”，以人物内在冲突取胜的抒情戏剧比比皆是。例如，元人郑光祖的《倩女幽魂》杂剧中，女主角张倩女内心强烈憧憬着幸福爱情和美满婚姻。同封建礼教、封建意识的精神重负发生了激烈的冲突。中国古典戏曲文学偏好在婉转留长、委曲尽情的内心律动中展开戏剧冲突，多以单纯的抒情性为主。汤显祖的《牡丹亭》传奇里，《惊梦》、《寻梦》、《魂游》，女主角杜丽娘大都是一个人在舞台上独歌独行。以此表达她内心中个人自然本性与社会伦理意识的激烈冲突。这种内在型冲突形态，把大家引导到人物内心世界窥探、体会其心理过程。

虽然中国古典戏曲文学的冲突形态是内在型的，但究其内涵往往仅是一种情感冲突，在整体上或稍显浅薄。剧本多以伤春、闺怨、相思、惜别、失意、诉冤为范式，缺少以人物性格与情境为转移的震撼人心的审美效果。

二是冲突方式差异。中国古典戏曲文学往往着力表现戏剧冲突对人物命运的影响以及在人物内心的回想，从侧面揭示戏剧冲突。外在冲突往往只为内在冲突提供特定戏剧情境。中国古典戏曲文学中，主要的戏剧冲突发生以及进展过程通常简洁有力。随后作家着重描绘这一戏剧冲突所产生的强烈效果。

王实甫《西厢记》杂剧的主要冲突，是崔莺莺、张生、红娘同崔老夫人的冲突，即青年男女追求自由恋爱及幸福婚姻同封建门第、封建礼教和封建道德的冲突。但纵观全剧，直接展示这一冲突的只有《赖婚》、《拷红》两折，其他十多折戏却通彻表现这一冲突影响下崔莺莺、张生、红娘相互之间以及他们各自的内心冲突。作家虽是从侧面展示对立面冲突，却深刻地从心灵层面表现了人物的性格特征，塑造出鲜明生动的人物形象。同时也充分表现了人物的强烈情绪和冲突的强烈效果，使观众在形象的感受及情感的交汇中深切体会到戏剧冲突的社会意义。

对比莎士比亚戏剧《罗密欧与朱丽叶》的冲突方式，剧幕拉开，首先是意大利的蒙太古和凯普莱特两家的一场械斗。为了扑灭世仇之间的怒怨，两家激烈打斗，殷红的流泉从血管里喷涌而出。而此时此刻，蒙太古之子罗密欧却和凯普莱特之女朱丽叶倾心相爱了。爱情与世仇的矛盾势不两立。剧作一方面描写了罗密欧与朱丽叶的爱情，他们希望靠结合使两家重归于好，另一方面描写了两家的世仇如何毁灭着他们的结合，罗密欧杀死了凯普莱特家族的提博尔特，被亲王下令遣送出境，而朱丽叶则被逼迫要嫁o帕里斯，于是他们不得不殉情而死，黑暗终究吞没了光明。剧本重点主要集中在爱情与世仇的强烈冲突上，从各个角度、各个层面正面再现这一冲突，戏剧冲突以两场械斗、多次争吵等公开的、表面化的形式，在舞台上频频出现，牵动观众的心弦，观众在形象的画面和情感的震撼中认识到戏剧冲突的社会意义。

戏剧总是具有一种矛盾，形成冲突，并将戏剧推向。西方戏剧理论家劳戏剧冲突称之为“意志的冲突”。他认为人物对其周围事物的有意识思考或潜意识活动都能使他产生一种需要，这需要便是意志。意志在与外部现实碰撞时就会产生冲突，或是行动冲突、或是思想冲突，或是情感冲突，都是意志冲突。 无论是中国古典戏曲注重内在抒情，还是西方传统戏剧注重外在公开，剧作家都需要辨别冲突实质，使多种矛盾集中表现一个主题。

参考文献：

第8篇：古典主义文学的特征范文

关键词：高中美术；鉴赏教学；方法

一、关于美术鉴赏

根据《普通高中美术课程标准》编写，又经过教育部审查推荐使用的《美术鉴赏》课本，应该是我们的首选。目前，通过教育部审查通过的高中《美术鉴赏》总共有5本，他们分别由5家出版社出版，我们习惯上把他们分别称为人美版、人教版、湘美版、山东版和广东版。这些课本各有特色，凝聚着许多学科专家和优秀美术教师的智慧和经验，如果担负高中美术鉴赏教学的老师有条件，找齐这5种不同版本的教材进行研究，既是对教学内容的全面了解，也是自己对美术史和作品背景的系统温习，对于承担好美术鉴赏教学的老师不无好处。高中阶段的美术课堂，主要以鉴赏为主。美术鉴赏课不仅要求学生对于美术作品有一般的欣赏，还要培养学生有能力对美术作品做出判断，包括作品的艺术成就、美学价值、内在涵义等。要做到这些，需要多方面的修养和知识，美术课不能与其他学科分裂开来，需要很多学科的知识养料才能真正的理解美术作品，比如文学知识、历史知识、地理常识等。要有对艺术以及美学的见解，还要熟悉社会背景、人文风俗等。

二、教学方法的创新思考

（一）教师主导型。我认为在美术鉴赏教学活动中，教师主导型的教学方法应该作为主要的教学方法。但是要考虑到学生的审美心理和能力，要结合现代的多媒体技术，提供更多的图片、影音和实物，加强学生在听觉和视觉的结合等。这样才能突破教师的“一言堂”式的美术鉴赏课，增强学生的学习兴趣，提高学生的美术鉴赏能力。

以新古典主x派画家大卫的作品《荷拉斯兄弟的宣誓》为例：

我们要运用到多媒体，上课前要准备好包括文字的、图片的和相关影音的资料，做好课件。首先利用多媒体向同学展示这幅作品，用语言讲述作品的背景：

这幅作品创作于法国大革命的前夕，大卫选取了一件震撼人心的古罗马的传说作为创作主体。罗马城选了荷拉斯三兄弟，对方选了居里亚斯三兄弟，但这两组兄弟中却有婚姻关系。画面中妇女的哭泣与三个勇士的激昂气概，形成鲜明的对照。为了祖国，必须牺牲个人和家庭的幸福。

此处以教师的语言讲授为主，在讲解完作品的背景后，我就请学生自己谈一下对于英雄主义情结的理解，学生们被作品背景深深吸引，也对画面中人物的命运唏嘘不止，学生的对于这种战争更多的注入了人文主义情结。这样开头很好的调动了学生的求知兴趣。然后在此基础上分析了该画面的特征：

作者以朴实无华的写实风格、精确严谨的构图和英雄式雄浑的笔调进行描绘，所以这幅画后来成为绘画艺术的典范。这样便能够使学生对于新古典主义绘画具备了基本的认识。

深入分析作品：作者用明暗及其所形成的渐变关系来处理点、线、面以塑造形体，使之在空间中形成具有厚度和重量的体量感。明暗的渐变使形体产生了向画面深处延伸的立体感。再次观看作品，同时播放激昂、凝重的角斗士背景音乐。

经典的优秀美术作品是人类文明的结晶，作品的诞生往往有着独特的文化背景和动人的创作经历，当这些封存的历史记录随着作品鉴赏而复活时，会同时带给学生以审美享受，帮助学生理解这些美术作品和美术现象。优秀的美术教师伴随美术鉴赏教学，把关于美术和历史的知识讲活，甚至给学生留下终生难忘的印象。此作品的鉴赏，运用了多媒体图片和音乐的穿插教学，给学生带来真切的感受，使学生认识到美术作品来源于生活的真谛和真实的情感。此鉴赏以教师为主导，加入了互动环节，也很好的引导了学生的自主学习。

（二）师生互动型。互动教学的目的是帮助学生实现角色转变，真正有勇气把美术鉴赏活动看成是自己参与的主动性活动而非对老师观点和技术模仿的被动性活动。进而真正达到教与学的统一。此方法应该在学生掌握了一定的美术鉴赏基础知识并具备一定的洞察力、判断能力的条件下方可运用。

同样以新古典主义流派的代表大卫的作品《马拉之死》为例，事先准备好此画的高清图片，设置几个与教学内容相关的问题和学生共同讨论。比如：马拉是谁？作品表现了什么？个人怎么理解这幅作品？怎样去鉴赏这幅作品？等等。我们通过这么多问题开展教学，让每个学生参与进来。通过一个个问题来引导学生鉴赏，传递知识。

（三）学生自主型。现代教育学告诉我们：学生是具有主体个性的人，教育教学影响只是在得到学生主体意识选择、支持后，才能对其知识、个性品质、身体等各方面的发展起作用。学生的主体性主要表现在学习的独立性、对教育影响的选择性和学习的主动性创造性等方面。包括游戏法、探索法、观察法和纠错法等。

在教学中，我们应该明确，“重要的不是学生外表的活跃，而是学习强度和效率的提高，是学生独立、能动、富有创造性地解决”美术鉴赏课题。

第9篇：古典主义文学的特征范文

关键词：康德 判断力批判 审美 无利害性

康德在他的美学著作《判断力批判》中提出“审美不涉利害”的命题，这是美学发展史上一次划时代的革命。“审美不涉利害”这一命题的提出是使美学独立出来的理论基石，也是现代美学和传统的古典美学的分水岭。因为传统的古典美学是和认识论、伦理学搅和在一起的，现代美学才使二者分离。因此，美国美学史家杰罗姆・斯托本尼兹曾说：“除非我们能理解‘无利害性’这个概念，否则我们就无法理解现代美学理论。”［1］可见“审美不涉利害性”这一概念在美学史上的重要地位。

一、“审美无利害”理论的来源

关于“审美无利害”的论述，古希腊的柏拉图在其《文艺对话集――大西庇阿斯篇》认为，美不是有用、有益或善，也不是视听所产生的。柏拉图将美本身不是效用与文艺除美以外还应该有效用明确区别开来。圣・托马斯・阿奎那认为：“善是能使欲望要求得到满足的东西，而美的事物一被察觉即能予人以。”［2］这里就有“审美无利害”的含义。

18世纪英国美学家夏夫兹博里认为审美判断的衡量标准主要是审美主体情感的快与不快，他认为用“无利害性”来描述具有美德的人作为一个旁观者在自己的举止行为和美德上去“观察和静观”美的时候，“无利害性”就只是一种注意和关心而已。这种方式后来被发展为静观的、不涉实践和伦理考虑的“审美知觉方式”，“审美无利害性”这个概念也由此而诞生。所以一般人们认为夏夫兹博里是第一个真正系统地提倡“审美无利害”的美学家。

继夏夫兹博里之后英国美学家博克在他1756年出版的《论崇高与美两种观念的根源》一书中认为美是“物体能引起爱或类似情感的某一性质或某些性质”。［3］爱与欲念不同，欲念迫使我们去占有某物，而有欲念吸引我们去占有的事物并不一定是美的，具有“高度的美”的人令我们喜爱，却并不引起欲念，可见美与欲念无关。其他像艾迪生、荷姆等也都谈到过“审美无利害”的问题，但相比之下，夏夫兹博里以后的美学家的观点都没有超出他，他们或者把审美和道德混在一起，或者从经验的角度去描述，如博克的美学理论。但是到康德那里，“无利害感”不再是从伦理学价值论引向审美领域的概念，也不再是零散的经验描述，他明确提出“审美不涉利害”这一美学命题，作为他的美学理论大厦的基石，对其做了最系统、最完备的论述。

二、康德“审美无利害”理论的特征

康德在《判断力批判》美的分析论里认为：“鉴赏判断是审美的。”［4］为什么呢？康德认为：鉴赏判断不是寻求知识，而是凭借想象力联系于主体的和不，它是主观的审美判断，而不是逻辑判断，它“只是这主体因表象的刺激而引起自觉罢了”。［4］康德还进一步指出：鉴赏判断是非功利的，它所获得的美感“没有任何利害关系”。［4］他断言：“一个关于美的判断，只要夹杂着极少的利害感在里面，就会有偏爱而不是纯粹的欣赏判断了。”［4］因此，他主张对客观事物不能有任何偏爱，而必须保持“纯然淡漠”的态度。

首先，康德立足于对“快适”的分析，提出“审美不是官能的享受”，因为“对于快适的愉快是和利益兴趣结合着的”。［4］比如当人们处在天气十分火热的夏日，口渴时喝下一杯清凉饮料，顿时会感到十分舒服，如果面对一杯清凉饮料只是看而不喝下去，那是绝对享受不到这种舒服的。

其次，康德驳斥了自古希腊以来从伦理角度去理解美，认为“美是善”或“美是与善的统一”的传统观念，他认为美不是善。因为善是人们的一种理性的评价，如果说感官的愉快仅限于人的肉体，那么善所引起的愉快也只作用于人的精神。也就是说“道德的善”，“带着最高的利害关系”，“善是意欲的对象”。［4］由意欲而产生的善的愉快不是审美的愉快。

而审美则不同于前两种，当人们欣赏某一事物的美的时候，不存在着什么欲望，纯粹是静观的、淡泊的、毫无利害之感的。美除了使人们感到“满意”、“愉快”之外，再也谈不上别的什么了。观赏花时所产生的美感就是如此。

通过对于三种不同特性的愉快（即官能快适、善的愉快、审美愉快）之比较研究。康德说：“在三种愉快里只有对于美的欣赏的愉快是唯一无利害关系的自由的愉快；因为既没有官能方面的利害感，也没有理性方面的利害感来强迫我们去赞许。”［4］

从以上分析可以看出康德严密的逻辑判断。他首先抓着美的本质特性，确认鉴赏判断是审美的；然后进一步论证这种审美判断是无利害关系的；紧接着便对无利害性进行剖析，并把它作为鉴别三种愉快中的审美因素与非审美因素的标准。最后，他“从第一契机总结出来对美的说明”是：“鉴赏是凭借完全无利害观念的和不对某一对象或其表现方法的一种判断。”康德的结论是：鉴赏判断是审美的无利害的。

三、康德“审美无利害”理论的意义及影响

康德是从纯学术的角度，为了确定审美的独立领域，提出审美不涉利害这一命题。“审美无利害”是康德建立审美范畴的基石，是康德美学中一系列重要概念的理论前提，也是康德及其以后诸多现代美学家把审美及艺术同现实分开的审美（艺术）自律论的理论基石。在审美无利害这个概念出现以前，艺术有认识价值、理论价值，唯独没有审美价值。审美无利害关系确立后，才真正确立了艺术本身的价值。

其次，康德提出的审美不涉利害这一命题，也是对强调美和艺术的功利作用的封建古典主义的有力冲击。西方古典美学自苏格拉底到伏尔泰、狄德罗，都美善不分，把美和效用、利害联系在一起，把艺术当作认识和道德教育的手段。而“审美无利害”的命题可以说是美学发展史上一次划时代的革命，这一命题为浪漫主义的兴起推波助澜，也引发了唯美主义的文艺思想，并且作为新的美学理论基石，影响了现代美学的诸多流派。

浪漫主义是以反对代表封建贵族利益和审美标准的古典主义为目标。“审美无利害”是康德美学的核心命题，和这个命题关联，康德强调艺术的自由本质，想象特征和天才创造。浪漫主义首先在德国出现，和康德这些观念有关。早期浪漫主义耶拿派代表人物之一奥古斯特・史勒格尔说：“一座房子是用来在里面住人的，但是，在这个意义上，一副画或一首诗有什么用呢？……不愿意有用，才是艺术的本质。”［5］英国浪漫主义代表人物柯勒律治，年轻时曾到德国学习康德哲学和美学。他强调艺术不涉利害，不关真理，只是为了，而这种是创造性的想象力把个别具体的事物统一于永恒的观念、对象统一于主体心灵的结果，因此他强调天才，反对模仿，把想象力看成诗的根本运动。法国浪漫主义早期的理论家史达尔夫人，通过《来自德国》与《论文学》等著作，为法国了解康德美学与德国文学及其影响下兴起的浪漫思潮做了很好的准备。与浪漫主义相比，更明显受到康德“审美无利害”美学思想影响的是19世纪末首先产生于法国的唯美主义思潮，唯美主义的代表戈蒂叶认为，艺术没有实用性，与道德、政治都无关，艺术唯一的目的就是创造美，艺术与美应该划等号。其他如英国唯美主义代表佩特与王尔德，他们的观点都不同程度地受到康德审美无利害说的影响。但唯美主义对康德思想采取为我所用的态度。康德讲审美与利害无关，讲的是纯粹美，而文学艺术不属于纯粹美，属于依纯美，依纯美是涉及目的、认识和道德的，因而与功利有关。康德观点中的艺术和美不是同一概念，而唯美主义试图把二者等同，以论证艺术是纯粹美。除去浪漫主义和唯美主义，康德“审美无利害”命题还促进了近代美学中“游戏说”与“距离说”的产生，康德在《判断力批判》中区别艺术和手工艺时说，艺术是自由的，“好像只是游戏……他是自身愉快的，能够和目的成功”。［4］从席勒的“游戏冲动说”到斯宾塞、谷鲁斯的进一步修正和发展，无不受到康德的影响，他们纷纷抓住游戏不涉利害，以此和艺术联系去说明艺术。英国艺术家布洛更进一步发展了唯美主义人物王尔德强调艺术和现实、时代脱离的主张，提出审美活动是主客体在“距离”概念上的综合观点，建立了“距离说”。“游戏说”和“距离说”都是建立在康德的“审美不涉利害”理论基础上的。

康德美学中这个基础性命题其实也并非无矛盾可言，他强调审美判断的无功利性、无目的性，但作为审美主体的人却是一个社会性存在，人的劳动所具有的意义以及人的精神活动与物质生活间千丝万缕的联系，都在“无目的”中被忽视，这样就不可避免地陷入主观唯心主义。“审美无利害”命题并未把艺术提高到纯粹美层面，但第一个使美学独立，使艺术成为美学的基本理论方向和研究领域的人确是康德。他不仅影响了黑格尔、马克思，还几乎影响了整个20世纪西方美学。

参考文献：

［1］解至熙.美的偏至［M］.上海：上海文艺出版社，1997.

［2］伍蠡甫.西方文论选：（上）［C］.上海：上海译文出版社，1979.

［3］西方美学家论美和美感［C］.北京：商务印书馆，1980.