素描学习论文精选(九篇)

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第1篇：素描学习论文范文

自从上个世纪初素描传入我国，经过近一个世纪的实践和体会，人们日益地把素描作为一种独特的绘画形式来看，并把它作为高中阶段的基础课。如果说素描是造型艺术的基础，那么静物素描写生更是造型基础训练的“入门课程”。它的目的是在写生过程中让学生获得利用黑、白、灰关系或者是利用结构描绘物体的各种技法，训练人眼睛的准确性和手的果断性，提高准确地抓住形体比例的技能以及对物体的空间、质感的把握能力。素描基础教学最主要的最根本的是解决造型和结构，如果这个主要问题解决不好，那么在以后的学习中将会举步艰难，遇到几乎是难以克服的困难，而这恰恰又是在教学中最常遇到的问题。所以，我们在教学中一定要遵循素描教育的规律去研究、掌握它，在工作中正确地运用它。

现在的学生由于这样或那样的原因，普遍存在着美术基础差，对形的把握能力弱，对结构缺乏认识，学习主动性较差等问题，但是个体的程度又不一，表现的方式各有差异。如2002年暑假开学，我接手高二美术特长班的专业教学。当时，学生的情况是刚开学，暑期经过15天的几何形体训练，但学生普遍基础较差，有些甚至一点也不会画。这个学期一共有近20个周的学习时间，而学校安排的课时是一周12课时，时间很少，于是我就分层次教学：1～8周（几何体静物组合结构素描）、9～10周（静物素描临摹）、11～13周（静物素描写生,主要要求形体结构准确，会找大的明暗关系，增加难度）、14～20周（提高要求，部分同学半开静物素描，进行深入塑造）。每天安排半小时的速写。第13和20周分别进行静物素描的考试。应该说经过暑期的几何体训练，在这样的基础上这样的教学安排是遵循由易到难的规律的。

但学生的具体情况差异很大，必须单一辅导。于是我就把静物进行分解，几何体是绘画的基础之基础。任何复杂的物体都可分解成简单的几何体去表现它。这样在教学中碰到难题，学生就可以根据掌握的几何体，把它归纳到几何形体中去，这样就容易抓准形体结构，理解了结构就容易掌握物体的塑造了。也有一些同学基础好一些，有几位同学还具备了一定的能力。针对这种情况我一开始安排了静物写生，甚至提前安排他们画石膏五官模型的写生。这样，摆上几组难易程度不同的写生对象，使程度不一的学生能根据自身的情况有所选择。在讲授中主要讲了素描教学的一些基本法则，及这张作业的主要教学要求，根据情况我再进行范画示范，让学生对静物素描有直观的认识，更容易掌握绘画技法。我把这学期20周课时的素描课分成了若干教学单元，由浅入深，一个教学单元解决一个大的问题，要求非常干脆明确。如第一张作业就要求重点解决画面的构图、透视和“形”的问题；时间可以不限制，单形体必须准确，可以把线条轻重、画面虚实等素描中的一些要素放一放，待以后解决。并在课堂上通过大量的个别辅导，结合示范讲解及具体问题的分析，反复强调教学要求，把普遍存在的问题，用具体的方式提出，帮助其加以理解。其实这样的训练持续了很长一段时间。还有在开始阶段的时候，学生由于基础差，画面上暴露的问题较多，画面进展的很不理想。如，刚开始时，有的同学不会起稿；有的同学构图起稿很草率、随意；有的同学在对写生对象的观察上，缺乏整体观念。很多同学在画面上表现出用笔生疏、构图零乱、松散、没空间感、构图不美的现象，更主要的是“形”的问题很突出，比例、透视严重不准。有些同学由此而影响了信心，使学习积极性下降，不愿意学，有的同学甚至退出美术班。此时，对这些现象，需要的是和同学一起去找出问题，耐心地去帮助解决，并对他们画面上的一些好的因素加以肯定，而切不可嘲讽打击。当时，班上有位同学造型能力较弱，缺乏基本的练习，作画时不假思索地拿起笔就画，在构图上、比例上反复很大，很难达到基本的要求。但他又有个优点，用笔大胆、线条有力，在画面感觉上很大方。这时，在解决他不足的同时，鼓励不丢掉自己的特点。一个单元结束，在下一个教学单元时，我又提出一个新的“重点”问题，围绕它重点解决，如：学生的观察不细、理解及认识能力不足，在画面上表现出来就是“简单、苍白”，这时要求学生先不要急于去画，首先在观察、理解上下功夫，要充分深入地去认识对象，从内在结构上去了解，结合外在形象特征，把这二者有机地联系起来，在把握住“形”的基础上，多做“加法”，只有主观上认识到了，才能在画面上表现出来。

在具体教学中结合课程设置分阶段地向学生讲解素描中的一些概念和要求。根据我的教学经验和其他著名画家的理论，我归纳为：线条、形体、结构、明暗、空间、质感、效果。

（一）线条

在线条讲解中理解色交界线、面交界线、外边线、轮廓线等基本概念。让学生理解用线条造型。比如用线条来画物体，首先对物体的结构有一定的了解，从而可以用线条结成网和结成面的方法来表示物体体面结构的转折关系。当一个面转到一定程度，那个面就成为一条线，也就是线条可以表现体面关系。用一根线表示出其面的关系就应该在这根线的头尾用心刻画，同时注意线条的穿插关系和线条的轻重变化。另外，通过指导欣赏一些用线造型的作品和透明物体的写生去感受它。

（二）形体

形体就是物体的轮廓线。掌握形与形的比例、体块与转折细节等。掌握形的比例的几种基本校正法：A、垂直线与水平线的校正法。B、斜线校正法。C、点的校正法。D、对比校正法等。把各种形体分解归纳成几种比较简单的几何形体。

（三）结构

结构即物体的骨架，物体的结构也可理解成物体的构造。利用线条的穿插、轻重去表现形体、前后、虚实。用水平线、垂直线、中轴线、斜线、切线以及曲线等分析手段来表现出物体的结构关系。

（四）明暗

物体受光以后出现的明暗关系，要掌握明暗的形成、明暗五调子、明暗的观察方法和表现技法等。要求学生在作画时，在涂明暗调子的过程中始终树立形体结构的观念。

（五）空间

静物素描就是要求学生绘画时在一维空间的纸面上表现物体的三维空间。让学生理解实空间和虚空间，注意物体边缘线的处理，物体投影的处理，注意从明到暗或从暗到明的转折处，此处是关键点，起到表现体积和空间的作用。空间的一般表现法：前实后虚，主实次虚，互相衬托。

（六）质感

第2篇：素描学习论文范文

中国

    论文摘要：素描是造型艺术的基础,基础素描是造型训练的初级阶段,它对学生的专业发展很重要。素描教学的一门技术性很强的课,需要给学生解决许多具体造型认识、造型表现的技能问题;依据形体造型法则教会学生画好自然物象。

中国

今天的造型艺术，以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛，令我们的视觉眼花缭乱。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延，甚至无法定义。在基础美术教学过程中我逐渐摸索，积累了些许经验，现阐述如下：

素描传入我国让我们认知了解剖、透视、体积、空间，对我们继承的传统美术有巨大的影响，从此改变了我们的美术面貌，人才有如雨后春笋般冒出，培养了无数著名画家，繁荣了艺术市场。我们看到的大师素描杰作，达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家杰作，我们也系统从苏联那里学习素描，以培养我们对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力，以期达到基础训练所必须具备的各项要求，掌握好基础知识和技能，同时，指导我们以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。培养正确的观察方法和整体表现的能力。

中国

真理不是绝对的，只是相对一个特定的时期才是真理。现在是二十一世纪，我们学习前苏联契斯卡可夫的教学体系，我们从不知到知，已经走了几十年了，从不会到掌握，早在七十年代就已经全面发展成熟了。时至今日，我们是不是该在继承的基础上与时俱进，有所创新，有所变化，有所发展？艺术就是要多元化，就是要创造，素描也是，有什么样的素描就有什么样的艺术，不求创新不求发展就要走进死胡同，继承我们做到了，而且做得很好，剩下的是要怎么发展，怎么去创新了。

（1）素描现状

从事教学多年，了解了些教学的实际情况，现在的教学是要把我们的学生教成机械的画匠，开始是教打线条，要打的整齐、干净，再就是开始上明暗，把物像画出来，把画面画满，画面不能画乱，只要是认真完成就是好画了。就像小学生的课堂作业认真干净，年复一年，循环反复。我认为这是工厂的流水生产线，要这样培养艺术家是不可想象的。还有，更多的老师是在教技术，把三大面五调子、空间、立体、质感，还有宁方勿园、宁脏勿洁、宁笨勿巧等等一一灌输，我们的教学变成了倒石膏像，而且还在甜蜜的欣赏自己的作品！都知道大师的画，名字背的滚瓜烂熟，可就是把大师的成长当成别的门类，束之高阁，事不关己。齐白石说的好：“学我则活，似我则死。”可我们的教学还是和十六世纪的一样，这就要我们当老师的要去思考了！ （2）在传统与创新中如何教学

时代不同了，世界的中国已经进入现代的时代。随着社会的变革，科学技术的进步，人的思想也应该得到充分地解放，人的个性也应该得到充分发挥和发展。因此，我们的绘画教学也必须充分地发挥人的主观性，使它能更加自由地抒发人的灵性。使绘画从传统的束缚中解放出来，成为现代的绘画艺术。我们在鼓励学生画画时不是常讲吗：你要大胆画，放开去画。可我们当老师的在教学上就没有做到，没有打破传统的教学套路，我们是在不知不觉中给文艺复兴时期的教学当了奴隶，它那个时代还在左右着我们的大脑，时下一张素描要画一周才把对象表现出来，用线不也能表现吗？用线画素描是以概括、简练的线条为基本语言，相对忽略明暗、光影变化及质感，着重研究对象造型、空间及内部结构，我们这样不也能解决问题了吗，光影易变结构是不会变的，不画光影。博巴就是这样画的，他高度赞扬中国画，我们的线有丰富的变化为何不能用在素描上，用了就是创造，凡高就用了。面对所描绘的物像，兴趣和注意力集中在物象吸引人的某些细节上或明暗变化丰富的光影上，不加选择地试图把这些客观因素表现出来，虽然花费了很大精力，结果却事倍功半，缺少有支撑作用的“内在骨架”；究其根本原因，是结构观念淡薄，再究其原因是目的不明，缺乏创造，缺乏对物象在结构本质上的深入观察和深刻理解。急功近利和盲目模仿客观表象的习画方法如果不加以纠正，艺术感觉得不到培养，必然会导致习画时走老路，甚至停滞不前。我们用设计的目的去画素描，只要开动想象力，创造力，把想象创造为目的，就能画出意想不到的画面，把各种形体进行组合改变，就能创造新的东西，我们把教学和某一目的进行结合也能探索一条新路。龙生九种，各个不同，不是说当个画匠不好，本着为国家培养人才出力的原则，按国家需要、按社会需求去培养。

具体怎样教在教学中没有套路，法无定法，这是因人而异，只要去思考，去在实践中去探索，那就是条条大路通罗马。在教学上我也是在探索，只是有点想法而已。

参考文献：

[1]《基础素描教学》杨景芝，人民美术出版社。

[2]《外国美术简史》第三章。

第3篇：素描学习论文范文

    一、首先要认识学生撰写乡土地理小论文的意义

    学生撰写地理小论文,作为地理作业的新形式,具有调动学习积极性、促进知识迁移、锻炼研究能力、培养创造性等作用。已得到许多教师的认可。认真评阅小论文,利用小论文开展相应的活动,可以进一步挖掘小论文的利用潜力,提高学生的素质,促进学生的全面发展。

    二、地理作品的形式

    中学生地理作品大体上可以分成三类形式,第一类是在野外考察活动的基础上,经系统总结成书面报告或专题性的小论文、游记,即是将野外的所见、所闻、参照有关资料写成调查报告,按要求分门别类地描述。第二类是结合本地区有代表性的问题,诸如环保,资源开发等进行专题调查与分析,提出看法或方案的专题性论文,第三类是编写乡土地理志。本次指导学生的获奖作品就是属于第二类。

    三、如何辅导学生撰写地理小论文或其他小作品——写好作品的注意事项

    1、对掌握的各种资料及时整理,认真分析。一次地理野外考察活动内容害死相当丰富的,考察活动结束户欧教师要辅导学生及时整理所收集的材料进行认真地分析。对地理标本进行整修,分类,制作卡片,对野外拍摄地典型地质构造、植物外貌以及风景照3片进行冲洗放大,并加上文字注释,对素描和野外填图加以精绘。最后整理收集来地文字,数据资料以备写作时用。

    2、积极欺负,充分讨论。为使作品不是照抄材料或生搬教师所讲地内容,而是有自己地见解,教师要积极启发学习思考问题和发现问题,开好讨论会,会上首先应由教师提出问题让学生讨论分析解答,即使是学生自己不能解答问题,教师也不要急于讲解,要让他们想想在提高求知地欲望后,教师再讲,甚至还可作“抛砖引玉”或启发式问题、让学生围绕某一中心提出更多地问题,启发思考应是写出有创造性地调查报告或论文地关键,而讨论也会促进学生思考地力度。

    3、拟好题目讲解示范。再考察活动开始前,根据考察地区地情况,教师应提出一些调查地题目,让学生再活动时,有重点地进行观察,分析。讨论收集和阅读有关资料,这为以后撰写地理作品打下牢固地基础,在学生动笔之前教师应对学生的题目、写作提纲和内容,逐一进行具体的指导和帮组,时调查的每项内容都有人写,但各有侧重,为了写好地理小作品,可以先拿出一两篇好的作品作是否,讲讲作品的要求、特点及范文优点等,要求注意文章流畅、说理明白。

第4篇：素描学习论文范文

[论文摘要]立足于高校美术教育对当代社会人才的创新思维、创造能力、独立思想、批判精神、合作意识以及在当代文化下的应变、反映能力的多方面培养要求，对高校造型基础课程教学方法进行研究和探索。 

造型基础课程是高等艺术设计院校开设的一门基础课程，多年形成的传统思维模式，许多高校一直把素描作为造型基础课程的授课内容，在当代开放多元的艺术语境下，艺术教育特别是艺术设计教育面对的是包括传统以及当代艺术在内的整个艺术史及多元化的艺术样式，造型基础课程的教学目标和教学重点将区别于传统素描教学模式。作为现代艺术设计基础教学随着时代的发展，造型基础课程教学，是引发学生的创造力，扩展思维空间的过程，从而实现从基础教学到设计教学的桥梁学科。 

一、教学目标的转变——从传统素描到创意素描 

高校艺术教学造型基础课程开设的教学目标与传统素描教学目标在教学观念和思维模式上有所区别。传统的素描教学目标使学生能够掌握正确的观察方法，并培养其坚实的写实造型能力，提升其造型艺术的素养。不可否认，这种方式曾为我国培养出大批优秀的艺术创作人才与艺术教育工作者，为艺术文化的繁荣做出过贡献。但随着时代的发展，艺术的面貌、样式在发生着翻天覆地的变化，这样的素描教学、课程设置已不再能满足艺术面貌的多元化的趋势逐渐形成。 

创意素描的教学目标是培养学生的设计思维，设计创意；扩展创造力和想象力，丰富设计表现方法、手段和设计语言，创意素描的教学目标一方面延续了包豪斯“感知教育”的教学原则，试图建立一个与现代设计概念和方法相吻合的视知觉基础，同时以视觉思维训练的整体性和生态性为主线，发展了一套集成式的训练方法。 

二、把创意素描作为造型基础课程教学重点的优势 

1.创意素描是使学生的观察、感受和视觉化的一种特有的表达方式和技巧，它意味着可以使用任何媒介在一个可以绘画的表面上做一些定形的视觉形象来表达内容。 

2.从设计的观点出发，将素描训练引入其造型训练之中，结合设计教育的整体特征，利用其中原理部分，如视觉传达的原理与规律，形式法则等。 

3.以视觉思维训练为目的，以视觉思维的整体性作为出发点，以现代艺术实践作为教学的源泉，打破了一般训练分门别类，以及先基础后综合，先简单后复杂、先技能后运用的单一教学方法，特别是为现代设计态度和方法相适应的问题提出了一种可能性。 

4.强调整体性、科学性、研究性的一面，又注意其表现性、生动性、完整性的一面，是设计创意表达的重要手段之一。 

三、造型基础课程创意素描的教学方法 

谈到创意思维的开发和培养，很多高校艺术设计教师在激发学生的创造能力的同时，都把灵感最为创意思维开发的教学方法，在实际的教学中我发现把灵感作为创意开发的教学方法有一定的局限性，灵感因人的天赋特性不同而强弱不同，可遇而不可求，无法当做创意素描教学的主要方法。以下两种方法是我在实际的教学工作中摸索出的具体教学方法。 

1.等价变换教学方法 

设计是一种创造性的劳动。在设计过程中，设计者思绪万千。设计者要善于将自己的构思及时地记录下来，表达自己的思路，把这种记录构思的形式我们通常称之为画小稿，从若干小稿中进行选择、综合反复推敲、定稿、再绘制成效果图。 

然而，在教学中，我们常常发现这样的现象：许多学生在画传统素描时画得头头是道，可谓“栩栩如生”，十分到位。而一到上专业设计课就暴露了问题，叫他画草图却动不了手；心里想得出却表达不出来；本来很简单的形体，弄了半天还是不对劲儿，要么比例失调，要么透视不准。究其原因，以前画的素描是“有口无心”依葫芦画瓢式地摹出来的，多归功于时间和橡皮功夫，只注意不厌其烦地刻划细部和“浮光掠影”地涂明暗调子，而不注意去理解、分析、研究对象的形体结构与透视关系；没有在大形的把握上和本质刻划上下功夫。所以，一旦离开了对象便束手无策。这是素描教学的失败。 

等价变化法是通过对不同事物的一方或双方经过适当的思考，找出原来五官的两个事物的共同点，把两者的等价关系体系化。该法的创立者市川龟久指出：“创造性开发的生物模式存在于凤蝶的成长过程中。”他认为，在由幼虫变成蛹进而变成漂亮的蝴蝶的变态过程中，存在着创造性开发的最完美的基本模式，并以此作为等价变换理论提出来。即在事物发展过程中，初期的外形被舍弃了，但是内容却进入了高级阶段，走进了新秩序之中，终于选择了新形态。创意、创造过程也完全相同，此时“新阶段的外形”等价变换为“新的形态”。在创意素描教学中等价变换方法的运用是使学生养成先思考、先创意后动手的行之有效的教学方法。 

2.为设计而素描的教学方法 

我们的素描教学中，以环艺方向的造型基础课教学为例，引导学生“单刀直入”重透视、重理解、重默写、重速写、重创意，以线为主的素描训练方法正是我们艺术设计专业基础训练应采取的方法；那种直接而快速、生动而活泼的素描才是未来设计工作者的“童子功”。 

因此，在素描课程教学中，在教学中尽量避免长期作业，加强默写、速写的练习。让学生根据推测，想象表现出多种不同。同时，鼓励学生把创意和开发素描表现的无限可能性作为研究目标，充分调动学生的学习主动性，加强学生的理解能力；要求学生不仅要表现出眼前所见的形象，还要能表现出眼前所见不到的形象角度的形体来，以培养学生的想象能力。加强线描训练，培养学生快速表达对象，把握对象本质的能力。这样的训练将大大提高素描教学的效果，真正为专业学习与设计打下良好的基础，为在环境艺术设计工作中构思草图和效果图表达服务，取得了很好的效果。 

以创意培养为主线，为设计而素描的教学思路和方法是我在实际的造型基础课教学中的一种体会，同时也是在开放多元语境下探索当代艺术教学的尝试。就像艺术发展具有无限可能性一样，面对当代艺术教育的现状，多元是语境，同时也是一种鞭策和提醒。 

参考文献： 

第5篇：素描学习论文范文

关键词：艺术设计；素描；教学；探索

当前，改革素描基础课教学体系的要求日益迫切，这是因为现行的这一教学体系满足不了培养创造性人才的需要。改革现行的素描基础课教学，并非是完全拒绝传统素描教学的有益经验，而是对传统素描教学体系的调整、补充与完善。

一、在素描教学中提高学生视觉创作素养

素描教学是视觉艺术的重要基础课程。在今天，无论是专业的还是业余的素描教学，大都习惯采用光影素描与结构素描这两种表现形式，以此来培养学生的观察力、理解力、表现力和渗透着主观审美理想的创造力，期望他们具备日后多种视觉艺术形式创作所必须的基本功力与艺术素养，这几乎已成定式。大凡经过以上两种素描形式严格训练的学生，无论是光影素描式的对客观对象做出诸多因素的准确观察与完整表现，还是结构素描式的“基于对作为结构实体的形的思考，通过省略烦琐细节和理解形态功能来实现对形的恰当的认识与分析”，或是在绘制中容纳“一定”的主观成分，都是游刃有余，收放自如的。但是，这是否说明这样的基础训练就能够给学生提供出了视觉艺术创作所必须具备的全新的基础素质呢?

我认为，素描教学既然被列为视觉艺术基础课，起码应使学生经过系统的训练后，对于诸多视觉艺术门类的形式表现，无论是具象的还是抽象的、传统的或是现代的、普通绘画还是装饰工艺，都能有较强、较宽的适应能力。也就是说，素描教学相对于学生的专业选择和日后多种类的视觉艺术创作，应具备多向锲入性。

目前，我国各类院校中素描基础课教学的现实是，许多仅以传统的素描教学形式光影素描、结构素描训练起步的学生，虽然能较顺利地进入诸如国画、油画、版画等画种的学习与创作，但如果要求他们在表现上做更为大胆多样的形式突破，和容纳更丰富的激情与理智，则常常表现为力不从心。尤其是艺术设计专业的学生，在经过以上两种素描形式训练后又转入装饰工艺学习的时候，往往会产生重新起步的不适之感。因为装饰美术的表现，要求高度概括，“在具象和抽象的广阔视野里，毫无拘束地探求，大胆地运用形式美的规律，用夸张、变形等手法，对自然物象进行加工”，以自由地体现作者的创作意识和审美观念。因而，凡是一些，以光影素描和结构素描为基础课的工艺类专业的学生，大都感到与本专业一些必备的基础素质的培养相脱节。

究其原因，光影素描与结构素描的训练在培养学生对客观物象或是全因素的把握，或是高度概括、逻辑地体现形体的功能，以及主观因素一定的容纳上，虽然都有积极的作用，但由于这二种素描形式都以写实性居于主导，较强地受到自然物象的特征与内在本质的制约，因而对主体意识和潜在的艺术创造灵性的早期适时开掘则显得远远不够。传统素描基础教学具有以下特点：(1)教学缺少理性指导，注重感觉与表面效果，缺乏对设计专业素描基础教学自身的挖掘；(2)缺少针对设计基础方面的教学内容；(3)缺乏现代意识和对视觉形态的理解与创造力培养。大量的事实说明，仅凭写实之“功到”以期求得创作上的“自然成”，往往是靠不住的。

我认为，必须在素描基础训练中做到“全面性”，既重写客观之“实”，又重写主观之“意”；既重视觉艺术的一般规律、法则的把握，又重视独特的艺术创造灵性的开掘；既重视“纯绘画”基础能力的培养，又兼顾随市场经济大潮而日趋发展的装饰美术“自身功力基础训练的需要”。只有这样，才能在不同的素描表现形式中，提高艺术设计专业学生的设计语言水平；只有这样，才能更好地与设计接轨，迅速进入真正意义上的设计状态，为以后的设计专业课打下坚实的基础。

二、在素描教学中融入装饰构成因素

现代社会的高速发展，不断更新着人们的理念。作为设计专业的学生始终保持求新的心态是至关重要的。这就要求我们的基础教学要具有多变性和灵活性，让学生在素描基础训练中，提前接触设计理念和设计风格。在素描基础教学中，素描与装饰相结合，会产生一种装饰构成素描。“构成”，“是近代装饰绘画的新术语，它研究的范围很广，包括构图、色彩、造型以及材料的选择手法的运用等等”。它“是造型艺术中具有横向联系的全方位的共同基础要素。因为它在限定的范围内，根据客观事物的存在和运动规律的安排，由内到外，由隐到现，由虚到实，逐渐创造一个新的视觉世界。另外，构成除研究点、线、面在造型上的布局之外，还要进一步考虑形和线的动势走向，以及在画面上所形成的轨迹和作者的意向、情感在画面上的流露。装饰构成就是对画面的全面经营，使之产生丰富的、变幻的、强烈的形式美感”［1］。而构成素描就是以开掘作者艺术创造潜能、表达作者主观审美理想为主导，汲取装饰构成的基本特点及其一些表现手法，并且对光影素描与结构素描的表现形式也引以为一定参照，从而单色调地对自然物象进行更为大胆、自由的艺术表现。这种表现形式，具有以下特点：1.有自然物像素材参照。与光影素描和结构素描一样，也是面对自然物象写生。不同的是，它更倾向于捕捉由观察对象而得到的创造启发及感情激发。所绘之物与原形有较大改变。如(1)主要特征被大胆夸张；(2)具象转化为抽象；(3)主体转化为平面。

2.表现手法灵活开放。在表现上既可采用平面构成中透叠、渐变、发射、切割等手法，又可容纳经过概括、装饰处理的影调，还可以用多种类型的线来表达主观审美理想。

3.要有装饰感。构成素描展现出的形，均是有主观的想象、参与并对之加工过的“情趣形”、“情感形”，在造型上或构图上可以渗透大量的装饰美术成分，因而在形式上往往显现出装饰感。

4.具有一定的制作性。构成素描在绘制上可采用一些一般绘制方法，也可进行“程式化”的精心制作。工具上可使用铅笔、炭笔、木炭条等，也可使用界尺、喷壶、滚筒等特殊工具，展现出丰富多彩的绘制效果。

5.单色性。构成素描以简明概括的同一色的有限变化来绘制，以方便基础内容的学习。

装饰构成素描教学中应根据物象的不同，让学生注意以下三点：一是“立意”。即在绘制作品前确立由自然物象生发出的主观审美“意象”。“意象”是主观感受的精神产物，决定着形式表现手法的选择。所以，“立意”的训练是学生最根本素质的训练，是走上艺术成功之路的重要一环。尽管另两种素描形式对此也给于一定程度的关照，但远远没有构成素描来得更为直接和强烈，对后面的专业影响较深。二是不脱离艺术表现的基本规律。在具体的表现形式上，构成素描同所有艺术形式的表现一样，都对艺术表现一般规律与法则给以一定的关注，具有对比、和谐、节奏、韵律、变化和统一的形式美感。三是保持基础训练特色。构成素描虽然借鉴了装饰美术的一些表现手法，但不是在任何时候都像装饰美术那样具有精致完整的创作，它虽然可以进行完整考究的展现，但也可以只注重一方面，做不完整的美的探索。

三、在素描教学中提高学生的综合素养

未来的发展需要满足人的多方面的高层次的需要，这是社会发展的必然。这就要求从事设计的人群具有较深厚的文化修养和较高的审美品位。作为基础课所提供的对视觉的深刻而细微的训练，无疑是对设计专业学生基本素质的深入开发和培养。同时在这一过程中所渗透的审美体验、美学思想和人文精神，对学生的发展也起着至关重要的作用。以往素描基础课训练往往依靠感觉作画，离开对象，学生脑子空空如也。今天，作为一名未来的设计人员还应该具备灵活多样的设计意识和创新能力。这就要求在素描基础训练方面应该增加与之相适应的内容。增加内容如下：

1.装饰结构素描训练

选择结构较强的物体进行训练，要求由立体转换到平面的构成形态，从而形成的有意味的教学形式。即讲授物体透视、投影等规律，要求学生用装饰的要素表现出来，最终达到把装饰要素利用程式化的绘制方法精心绘制出来。同时，要求学生掌握科学的观察方法、表现方法和基本理论，并将其同装饰美术结合起来，追求个性语言。这也是学生自我了解的过程。

2.综合因素素描训练

以学生身边的熟悉的大小、形状、色彩不同的物品为主，要求学生表达装饰构成因素，具备对比、节奏、变化的刻画能力，对形式有一个适度的把握，且所表现的内容要有一个主题，以期通过装饰构成性语言，培养学生人文精神。

3.同一主题、多种形态的表现训练

要求学生充分体现现代意识、新观念，能借鉴不同形式的作品进行训练。所谓现代意识，首先要解决审美问题，了解精神内涵，明确表现理念，体味艺术风格，采用不同手段进行表达。要注重理论与技能并进的原则，要求学生具有创造性，进行灵活主动的学习。要达到上述目标，对构成素描增加一定课时比例是必要的。凡经过此种训练的学生，同样还是面对着自然现象，在观察中其主观精神就显得更为兴奋活跃，在绘制表现上更敢于大胆探索，并能运用相应的艺术语言充分表达自己的看法和兴趣；同样写生一组物体，完成的效果则是明显提高，对形式上的突破与较强的形式美感，传达出学生的主观“心声”与艺术“灵性”也提升到了较高的层次。当这些学生中的一部分进入装饰工艺课学习后，则显得后劲充足，能较快地把握其特点，表现力更趋于大胆、活跃。

第6篇：素描学习论文范文

［关键词］速写 人物画 造型能力

一、西方与我国在艺术需求上对速写人物画造型的不同要求

一幅人物画的看点，毋庸置疑就是形、神这两点的结合。因此，要画好一副好的人物画作品，人物造型能力的锻炼就十分重要了。

古人云："拳不离手，曲不离口。”而我国曾经就有着一段“拳不离手”的历史。徐悲鸿、刘海粟等人从西方学习西画回国后，在国内办起了新式美术学校，这也许是中国美术的转折阶段。在西画将近一个世纪的普及中，中国画画家逐渐把速写练习做为一种提升绘画基础的重要方式。自此，中国画的风格也更多变；人物造型也更灵动。

素描是从西方引进而来的，而我们传统国画的画法所需素描、速写的训练是与西方素描、速写追求的方向有着重大差异的：速写就是短期的素描。速写，顾名思义是：快速写生的方法，速写被译为英文就是sketch，有草图的意思，速写与素描一样，不仅是造型艺术的基础，还是一种独立艺术形式。对于初学者来说，速写是一项提高造型综合能力的方法，对现代大学教育内容来讲，是对培养学生艺术修养、创作技能的整体、全面意识的应用和发展。在西方传统素描、速写中注重刻画光影、明暗、质感等等。而今天我们要在强化素描、速写中，重点在于理解人物内在的形体结构，突出表现出人物的精神气质。而充分发挥线的丰富表现力，利用线的虚实、粗细、深浅、曲直和穿插去表现对象。所以，可以看出我们要在西方速写、素描的理念上有自己的发现和领悟，并做到突破。认识到自己在练习素描、速写中应该深入挖掘的“机密”。

二、现实中人们对速写人物画造型的认识误区

现在，在国画界对于“初学者在学习人物画时，要对素描、速写加强训练”这一理论有着两种说法：有的人认为素描、速写的练习会对学习人物画有着重大的帮助；而有的人则认为不学素描、速写也可以把中国人物画画好。并已提出，古代画家也没有学过西方素描，勾过速写，也不曾知道，不也大作倍出么。甚至认为练习了素描、速写反而会使画面人物木板化、僵硬化。笔者认为学习素描、速写是完全有必要的，在人物绘画上，有利于准确的把握造型规律，快速提高造型能力和熟悉人物形象结构。

速写是造型艺术训练的重要手段，创作素材积累的主要方法。对此，郎绍君曾讲到：“大量的速写、默写练习，可以培养敏锐的记忆，概括生活的能力，特别是对画写意人物画的人来说尤为重要，有很多优秀的写意人物画家，速写功夫是很深的[1]。”例如，在我们老一辈的画家中徐悲鸿、陈丹青、陈逸飞、何家英、刘大为,等。他们在自己的早期绘画上下了不少功夫，他们都曾满怀激情的一笔一画做着长期练习，为以后的发展奠定了坚实的基础。现在看他们的速写作品，不抵都是一幅颇博具欣赏意味的独幅画，美丽逼人。许多成功的画作最初都是来自于草草几笔的速写，这样的例子也数不胜数了！

三、如何通过有效的方法提升学生速写人物画造型能力

（一）注重人物画局部的练习

都说：“手，是人的第二张脸。”而在现实中，多数的学生在学习人物画的最初都在手和五官上表现出明显的弱势，所以，现实的教学中我时常对自己的学生做一些关于这方面的要求。比如，我会时常提醒他们“你们在日常生活中不妨对自己感兴趣的或是自己难以克服的某个动态、人物形象做一精确细致的刻画，可以自己试着去用最简单的方法表现他，可以随手去记录，去练习，去发现。”在其中提升自己观察力，做到精确刻画一部分，如，有动势的一双手、有意韵的一张脸、有代表性的一个背影等等，都追随自己的兴趣去做出局部的速写练习，这样更有效，更快地达到自身对人物形神两方面的表现。若是学生在平时的生活中能够以这种随时、随地、随手练习速写的方式养成习惯，我相信学生也会在今后不管是在个人的艺术修养上面，还是在个人创作上面都会有很大的提高！

（二）注重人物画速写的分类

速写分快速写，慢速写两种（以时间的长短做为区别）。快速写的练习不能像慢速写那样可以在着手画之前对对象的位置、装饰等做细致的考究，而是，一要落笔肯定；二要出笔有形。这种速写方式可以用简练概括的线条获得最肯定的形态。还要额外强调的是，速写是有时间限制的。由慢到快是人们学习常规。慢，会以较慢的速度把对象较准确的记录下来，更丰富，更细致的表达对象。当然，慢速写有很多好处，快速写也会呈现出不一样的优势。生活中的人物不会像课堂上的模特，有时间延续，有固定动势的站或坐。去画时，他们会经常在动，如果慢写的话，他们一些美好的动作神情常常就会容易变化消失了，为了能迅速的捕捉到这些眨眼即逝的神情或动态，我们必须去寻求一种快写的本领。

（三）汲取速写艺术名家所体会到的精髓

在中国画画坛上有着主导地位的画家叶浅予先生，可以说就是靠速写起家的，不管是在他最开始的连环画，还是后来的封面绘画上，都是以国画形式做一表现的。他是在用自己的方式绘画，展现个人内在的一位画家，从他的绘画的一生当中，我们可以看到一位名家在自己绘画生涯上的不断坚持，这也是我们要学习的可贵精神。

黄宾虹先生的铅笔山水写生画稿，都是寥寥几笔，但，就是其神而定。再之，齐白石先生画虾几十年，就为了达到神似，不断的在造型上推敲，他到了60岁以后，又进一步的删去虾的一些小腿，增添几根长须，以求更好的提炼画中虾的造型，使虾的造型更显完美，从而塑造出一只只能在水里嬉戏、充满生命力，令人喜爱的虾的形象。名画家在自己的艺术人生中，不管是对绘画的表现上，还是在自身生活中，都有着超越一般人的态度。徐悲鸿先生也常常对他的学生说：“画不了一万张速写就成不了大画家[3]。”他也十分重视各类基本功的训练。

综上所述，速写训练与其他基础训练是一样的，不可拈轻怕重，这也是一个艺术工作者要毕生坚持的一种信念。只有经过大量的速写练习；才可能练就独立见解名流的变形形式；才能透过客观物象的外衣看到其本质；才能通过自己的眼、脑、心、手的同步配合，展现出心灵物象。正如丢勒所说：“没有一个人有能够用自己的灵感来创作形象，只有当他已依靠了无数的速写而在自己的智慧中积累了形象之后才能创造出来一个个灵动的人物！”

参考文献

[1] 郎绍君.论中国现代美术[M].江苏美术出版社,1998.

第7篇：素描学习论文范文

目前市场上与环境艺术设计相关的企业，其岗位分工、职责越来越明确，要求有一定素质的技能型、应用型专门人才来充实市场。这就要求独立学院环境艺术设计专业课程要重视并将重心放在提高专业课教学的实践性和实用性上。

二、独立学院环境艺术设计专业专属课程体系优化构建探索

1.专业基础课优化

专业基础课主要有素描、色彩、三大构成、建筑制图、设计思维与表达、计算机辅助设计课等。其目的是培养学生的审美能力，多训练学生基本的绘图、识图能力，了解建筑结构的构造组成及空间的组合关系，对形式、色彩以及肌理有整体把握。

具体可从以下几方面进行优化：基础素描以设计素描为主方向；基础色彩课程以装饰色彩的训练为主；适当加大三维设计课程的课时；同时在基础制图课程中按照企业绘图规范进行实用性教学；计算机辅助课程以市面上企业常用软件为导向有选择地开展针对性教学。整个专业基础课程控制在一年到一年半时间完成，为后期的专业课教学做准备。

2.专业课优化

环境艺术设计专业课主要有居室空间设计、公共空间设计、景观设计、展示设计、家具设计、装饰材料概预算等，其目的是了解各空间特点，掌握设计方法。

具w可有以下几方面的优化：以市场需求为导向，协调好各专业课程的关系，增强实用性；增强学生实际动手操作能力；与企业需求相结合，调整计算机辅助设计课题内容；开设项目模拟课程，加深专业课实践教学效果；课程中引入企业培训教学环节，增强教学与社会企业需求的联系。

3.实践教学优化

目前独立学院的校企合作基地大多是靠“人情关系”组织维系，如果教学实践形式单一，单纯依靠企业，完全指望企业参与培养，在目前的情况下很难长久维系下去。因此需要优化构建独立学院环境艺术设计专业新型产学研基地，让教学实践形式多样化，推动完善产学研基地建设。优化创新以教师带队的新型的教学项目工作室产学研基地，在非利益驱动的情况下进行实践性教学。此类工作室的学习以模拟企业工作方式进行案例教学，让学生熟悉企业操作流程，培养企业必备的基本工作能力。与此同时，教师承接实际工程项目，直面社会，可直接提升其实践能力，更完善地组建双师型教学队伍。同时学校适当让学生自主实践，或由毕业生发挥传帮带的作用开展实践，让实践课程有更多方式。

4.考核评价机制优化

环境艺术设计作为一门“艺术” 与“技术”并重的专业，是典型的应用技术型专业，其考核评价机制除了传统的考核评价方式，更应该注重对实践应用能力的考核评价。需要转变传统观念，将企业课程考核、企业项目规范化操作考核、教师项目工作室教学考核、国家资格证书课程考核纳入新的专业考核评价机制中，同时在毕业设计 和论文的设计指导制作中更注重社会性、 实用性，改变传统的毕业设计论文模式，更实际、更全面地考核学生的全方位能力。

三、总结

在高校转型的大趋势下，独立学院环境艺术设计专业需要根据社会企业需求进行大胆的专属课程系统优化构建，培养出适应社会企业需求的实用性人才，以提高独立学院环境艺术设计专业毕业生的核心竞争力。

参考文献：

第8篇：素描学习论文范文

论文关键词：素描；教学；创造；线务

西方美术史上所有杰出的大师，无一不是从学习素描而走上艺术之路的，‘“素描是形成绘画的最重要的要素。素描的意义在绘画上不仅仅是表现轮廓，它同时可以表现质感、运动感和韵律节奏的动态、谐和安定的静态，更可以表现画家的个性。所以，古往今来许多艺术大师都把素描看作是艺术的灵魂，绘画的生命，素描练习甚至伴随他们一生的艺术创作。所有复杂深奥的学问都必须依靠最简略的训练方法，绘画所依靠的就是素描，素描是我们通向自然和心灵的最直接通道，也是我们探索已往艺术大师奥秘的钥匙。素描训练对画家的艺术能力成长的影响是全面的，它不仅训练画家的造型能力，同时也是画家智能训练、审美能力训练的重要途径。素描基本功能的训练对提高画家的艺术素养，形成画家独特的艺术风格起着十分重要的作用。

在古典大师那里，素描主要是通过最简单的素描语言塑形以构成画面来体现画家的创作意图的。然而现今我们所因袭的素描教学模式中的素描训练已很难体现这种创作意图了。那种单调，表面、几乎是保守的训练方法体现在素描观念上是模仿，拷贝生活，它的特点是在.“全因素”的口号下孤立地强调明暗层次光影虚实的照片效果，追求表面的肖似、华丽和面面俱到。这种素描需要很长时间作业且不能离开模特儿，时间短了，无法完成，离开了模特儿，便画不下去。

应该说这是苏派教学模式的传统遗留，重写生能力而非创造能力，重模仿能力而非表现能力。后果是受其影响的画家往往只能以模特儿写生代替创作，他们的画从创作意图上看是含糊不清的，形象往往较之生活原形逊色而且雷同。目前，仍有人把这种模特儿型素描看作是唯一的素描方法，许多教师还用这种素描方法来训练学生，甚至对许多有创造性的学生的素描不加以鼓励和诱导，而是加以贬低。使学生失去了自信心，也就失去对艺术的兴趣，只会跟着教师去进行机械复制，完全扼杀了学生的创造性，从而使我们的素描训练最终失败，我们的素描也就失去了表现创作意图的作用。

生活是艺术的源泉，但艺术决不等于生活。艺术不应该是模仿，绘画更不应该是生活的模仿。绘画艺术的创新.要求建立相应的素描观念，以正确的素描造型观念去进行创作。我们提倡与模仿型素描不同的创造型素描。我们同样重视生活，但只是把它作为塑造艺术形象的依据，以形象构成的本质因素为基础，注入作画者的真情实感，追求形象的艺术感染力。素描没有特定的方法，每个人眼中都有可信的、有自己审美趣味的东西，能表现出作画者所感受到的现实对象生动的、和谐的、合规律的美:

当然，我们在强调艺术表现力的同时。并不是就讲不要写实能力，而是在基本的训练中把写实能力和表现能力等同看待。在素描教学中技术与艺术应整体上同步发展，不要企图越过基本的造型能力先去追求表现与发挥，这也就要求教师不应该把艺术家和学生截然分开。教学生时，将他(她)看作学生，要教得透彻、耐心、毫不保留，但评价他的作品时要把他看成艺术家，严格要求，除了功力以外，要特别审视他的艺术观念、艺术个性的发展，重视从艺术素质上去培养，防止纯技术的观点。

首先谈谈素描中的比例。初学素描的学生应该先学比例，因为他必须考虑作品中各个部分之间或整体在大小、数量上的关系。但在学生的素描有创造性时，他就可能把物体画变了形。因为他这时想的最多的是美学上的比例，而不是严格意义上的正确比例。早先的素描教学中有些老师对比例只求准确。以尺码的准确来束缚学生的手脚，使学生陷入苦恼的局部比较当中，忽略了最重要的整体感和认识上的自信心，以及必要的夸张和自觉处理，过多的强调了共性特征，把个性特点限制到了很小的范围内，画出来的形象不可能有很大的变化和艺术上的感染力，很容易千人一面，同时学生的艺术才能、创造性被轻易的扼杀了。

比例在艺术上应不完全是尺度上的准确，它有着更重要的自身规律，这就是整体上的谐调，比例谐调来自客观形象及画家经验的总结和智慧的发现。要使学生认识到，眼前的物体，无论是一个人、一只凳子还是一根绳索，都只是意识的载体，不只是技法功能的实在物，应该说在“似与不似之间”。在凡·高的素描作品《樵夫》中，画家没有受到传统严谨刻画表达方式的束缚，而是用略加夸张的造型、充满激情且呈长条放射状的笔触藉以寄托再现其对对象近乎狂热的内心感受。正因为这样，凡·高走上了艺术王国的颠峰。所以，教师应要求学生及时抓住客观形象的启发，大胆地去创造鲜明的、属于自己的形象。比例的谐调，要求只在印象的舒适感及表现艺术对象的个性特征，不应该是简单的尺度上的准确。它在艺术上只是相对的，当然应是合理的。

其次，在我们传统素描训练的观察方法中，主要是明暗层次.光影虚实的观察法。在素描训练中应当改变这种方法，采取形体、结构的观察法。这并不是在教学中反对利用明暗变化来表现对象。而是要求在素描造型中不要把它作为形象的本质因素来对待。因为明暗光影的变化是被结构形体所决定的，常常在只有表现结构、形体时才能显现它本身的光彩，所以这些明暗层次和光影虚实都会因不同的形体结构而使它们发生改变，但形体结构却不会因光影和明暗的变化而变化。

另一方面在传统素描教学中往往过分强调以明暗层次光影虚实为主体的面造型手段，而忽视线条的表现力。一幅好的素描作品，往往除了讲究造型、结构以外还具有线的表现力。“画家所用的线往往是风格的最明显体现，线是最引人注目的一种艺术元素，也是画家主观意图的传递者。线条与素描的关系，“犹如色彩之于绘画，形体之于雕塑。”“只要在纸上画几条线，就可以看到‘明暗关系’已经作为素描的成分进人素描中去了，因为已经考虑到线条的明暗值。在瑞士著名画家贾克梅蒂的素描作品(达格拉斯·库帕肖像》中，人物与桌椅只是画家摹写的实存物体在瞬间留下的景象。大师将线条融入整体之中，画面中的线条在叠交运行中形成一种内聚力而指向中心，对于画家来说，物体的颜色、外形以及上面的光线只是一点点难以定义的东西，画家认为这点东西可以通过点、线表现出来。这些足以说明线条在素描作品中的重要作用。假如我们在造型时，不考虑线的变化关系，统统用一种线条去刻画，可以想象作品会如何的单调和乏味。如果根据物体的造型体态、结构关系、空间层次、透视关系去表现，视觉效果就会截然不同。而失去变化的线条，不能产生节奏和韵律，无法达到造型的目的。我国古代画家通过长期积累所倡导的铁笔十八描:如钉头鼠尾描、游丝描、兰叶描等，表现对象的质感、量感、运动感，注重线条的疏密变化，都是基于通过凝炼的造型以提升表现力的考虑。

纵观世界著名的绘画大师，米开朗基罗、达·芬奇、拉斐尔、鲁本斯、提香、伦勃朗等等，他们对线条的运用和理解都达到纯熟的境界。比如鲁本斯松动而准确的线条，寥寥数笔却赋予人以生命力。凡·高的素描线条稚拙中见深刻、朴实中见真诚。仔细读来，大师的素描精练而到位，下功夫去领悟、推理，每一处转折、每根线条都表现出了生动丰富的形体，因此带来的感觉是舒畅、有信心的。

第9篇：素描学习论文范文

首先，在课堂教学中充分利用新课改精神，安排教学内容。如在涉及古代山水或现代风景画欣赏教学中，可以让全班学生集体外出，在操场或校园内集合，教师启发学生用什么观察方法去发现风景，展示风景，然后分小组在学生熟悉的校园内抓取风景，观察风景。可以用速写的形式，也可用文字描述的形式。这样，既调动了学生参与的积极性，也能让学生在实践中学到具体的风景画的相关知识。在美术专业辅导中，除去大量的训练，还可灵活安排一些多媒体教学资料展示给学生，尝试用专业的角度去分析，用专业的眼光去鉴赏美术作品。还可对同一幅作品发表评论，如有不同意见，在教师引导下展开讨论或辩论，从而加深学生的印象。

其次，在教学方法上，还可灵活运用多种手段，让师生互动，生生互动。课堂中，可以大胆地让学生上讲台示范，或发表主题评论，甚至放开思路或话题，延展到社会层面或相关的美学知识等，这样大大拓展了学生感知、领悟美育的机会。也可以尝试让学生写美学论文、评论文章等，然后全班交流，集体讨论。对专业训练的同学则可以鼓励他们大胆交流，互相帮助，如让学生互评自己的作品并写下建议等。通过这些可以让学生在较轻松的氛围中学到知识。

在教学效果呈现阶段，要注意反馈，及时总结，不断改进。通过一段时间（至少两个月）的教学实践，学生应该渐渐熟悉这一安排，这时还可让学生广泛建议，听取他们的想法，调整教学内容，改进教学方法，以期在不断改进的基础上达到最佳的成效。曾经一位学生在课堂上提出，他很喜欢卡通动漫。我让他用近两个月的时间积累作品，在一次课堂教学中，推出了他的作品，搞了一个专场的个人作品展。同班的同学都很震惊、羡慕，而这位同学也从别人的认同中感到了自己的价值，从而大大增强了学习自信心。后来，他以优异的成绩通过了美术专业的学习，考取了一所重点本科院校，而他所选的专业正是动漫专业。在他上大学后放假回家与我交流时感叹，正是那一次个人专场作品展改变了他的人生。

素描作为一切造型艺术的基础，有着严格的作画要求及对作品的评价标准，所涉及的研究对象也最为广泛。针对近几年全国美术专业高考素描多为人物头像写生的现象，我主要谈谈对素描人物头像写生的几点看法。

首先，要注重画前对模特的观察。有的考生往往坐下来即提笔开始画，对模特特征的基本判断都没有，肯定在接下来的造型阶段中失分。当你认真观察一个特定的人的头像时，你会发现有很多打动你的有趣的地方，头型、脸型、发式、五官的特征等。在你动手画之前，这些通过认真观察得来的印象会潜移默化在你的画中。要知道，“千人千面”，只有抓住了对象的特征，才能在画中做到胸有成竹。只要能表现出这些，作品就是成功的。在观察中还要注意角度，这点很重要。模特相对你是一个什么角度，正、侧、四分之三。因为角度一确定，相应的动态、透视也随之确立，这对于抓准形体尤为重要。

其次，严格作画的步骤。考试的时间一般为三个小时，只要把握得当，作画步骤控制得好，时间还是很充裕的。开始时的观察，不过三五分钟即可；接下来大概需花大半个小时来造型，这一步至关重要，后面的一切都需在此基础上完成；深入刻画最需时间，要一个半小时左右；调整只需要十来分钟到半小时即可。这只是时间的分配，在大的时间范围内，一定要有清晰的认识，到了该做下一步骤的内容时，一定要果断，否则，肯定感到时间太短，而不能完成考试。绝大多数同学对时间控制较好，这也是平时良好训练的结果。

另外，在作画过程中，牢牢把握整体与局部的关系。雕塑大师罗丹曾说过：“绘画，就是要解决画面整体效果与局部的细致刻画之间既矛盾又统一的关系。”学生在深入作画的过程中，往往忽略整体大效果，只是一直专注刻画，而其他地方跟不上，整体效果脱节。当然，一幅只有整体大效果的素描作品还远称不上完整，它也必须要有深入细致的刻画，以及强烈的虚实、强弱对比，才能产生丰富动人的艺术效果。所以，学生的平时训练就要注意循序渐进深入的过程中，一定要牢牢把握整体大关系，随时停下来观察比较，一旦发现画过或不够，就要及时调整。这样，才能保证整体与局部的统一。