流行的平面设计风格精选(九篇)

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第1篇：流行的平面设计风格范文

关键词：艺术设计；极繁主义；特征；影响

繁杂奢华与丰富多彩是当代极繁主义设计风格的特征。当代极繁主义风格主要体现在细节上的繁复装饰、多彩的颜色、多样化的拼贴、取材多元化、无尽的奢华感、甚至是多种风格与元素的完美结合，给人以多元化的视觉特点。这样的视觉特征充满着人性的色彩，感性审美的特征。目前当代极繁之风已经引领时尚潮流并且涉及到诸多领域。虽然历史上的繁复风格有其消极的一面，但当代的繁复之美不是照搬历史，而是对繁复风格在当代精神与审美下的扬弃发展，在多元化时代，各种不同风格更应该公平地展现在设计的大舞台上。单一风格满足不了人们的需求，然而极繁主义的包容与折中主义的特点更能很好地融入到这个充满个性化需求的时代中。极繁主义不应该被极简主义排挤在门外，简洁之美，很容易让人产生错觉，认为繁琐复杂就不是美。事实上，简洁与繁复不是一对绝对的矛盾体。过分简洁，只能让人产生单调乏味之感；过分繁复，只能让人感到凌乱无序之感。所以，我们要在设计历史长期灌输以极简主义为美的思潮中解放出来，让极繁主义风格散发出夺目的光环。

一、极繁主义概述

极繁主义是在20世纪80年代由维顿提出的用来描述“新绘画”运动中一种纷杂的艺术现象。在当代的艺术领域中，对极繁主义界定并不是特别的清晰明确，通常元素繁复的作品被冠以极繁的名号。中国的纯艺术中极繁主义强调艺术家本人的创作过程中抑制个人情感的注入，追求极端重复性元素注入。20世纪末，极繁主义在欧美被尝试用在设计领域，所涉及的艺术学科门类有视觉艺术、音乐和设计。主要用在建筑和室内设计中，追求结构和界面设计的复杂和装饰性。今日极繁主义风格在平面设计领域得到广泛的发展，在平面设计中极繁主义不受物质条件和思想以及政治的约束，利用高装饰性图形元素在平面图像进行纯粹的视觉表达。在21世纪时，繁复风格以崭新的表现形式、感性直白的图形语言和深厚的文化内涵被广泛用到西方的平面设计中领域里，那些充满繁复图形元素的平面设计在新世纪登上设计舞台。

二、极繁主义的特征

极繁主义的设计理念在当代获得了迅速发展，是平面设计的一种重要的设计风格。当代极繁主义平面设计的风格特征主要体现在以下几个方面。

（一）打破传统，开放互动，反阐释的设计核心。对于当代的艺术作品来讲，不仅是将平面设计的内容展示给欣赏者，而且在展示的过程中，可以与欣赏者进行一定的沟通和交流，主要体现是：具有开放性的互动语义系统、反阐释意义系统、打破传统图形法则的束缚。

（二）奢华的装饰语言。从极繁主义的设计理念出发，其指导下的平面设计作品追求能够更加细腻深刻地表达作者的个人情感，那么在设计的过程中，就要更加重视传达信息的图形和文字，将这些设计元素作为一种非正式的设计语言，向广大的欣赏者传递作者的一种思想情感。极繁主义在图形语言上的风格主要体现在以下几方面：在平面设计中不论是文字还是图形都极尽奢华；多种装饰元素的混合，如将文字用图形语言来表达；在平面设计作品中图形运用奢华，拉伸不同欣赏者的不同层次的情感。

（三）感性的图形传达方式。在极繁主义的设计理念中，作品往往体现出对于理性的反叛，让欣赏者感受到作者要传递的真实情感，从而使得设计者与欣赏者达到一种感情上的共鸣。感性的图形体现在以下几点：剔除图形图像或者是文字中理性的部分、极繁主义的创造灵感来源于情绪的触发、多维度感性信息的传达方式。

三、极繁主义对于平面设计的影响

极繁主义设计理念是在反叛传统设计理念的基础上兴起的，对平面设计的发展和繁荣起到了一定的促进作用，其主要的积极意义体现在以下几点。

（一）对于欣赏者地位的肯定。欣赏者从传统设计理念中的被动接受角色，转为在极繁主义设计理念中能够与设计者进行交流的角色，这充分体现了极繁主义对于欣赏者地位的肯定。极繁主义设计理念允许不同的欣赏者对平面设计的作品做出不同的阐释，能够不断丰富平面设计作品的意义，对设计者情感的表达也是一种延伸。

（二）推动了感性因素的传达。现代社会在物质生活的层面充斥着较多的理性元素，所以人们在欣赏平面设计作品的时候，希望看到更多感性因素的传达，这能进一步增加设计者与欣赏者之间感情的交流，使得作品表达的情感更加纯粹。

（三）重新肯定了复杂装饰。在极繁主义的平面设计理念中，为复杂装饰提供了发挥其重要作用的场景，能够使得平面设计的作品更加具有包容性，促进了其多元化的发展。

（四）与使用者产生同样的情感。在当代极繁主义风格的平面设计中，追求以纯粹、直观的视觉形式去引发受众产生情感共鸣的感觉经验，实现平面设计的传播目的，所以极繁主义风格的图形传达方式首先追求的就是对理性的拒斥，它以纯粹直观形式为主导，强调作品的感性特质以及作品同受众之间的心理共鸣。

极繁主义风格在当代平面设计中是一种重形式、追求极致的设计风格，它不是模式化的视觉元素的堆砌物，设计者应该明确极繁主义设计的内在精神，了解极繁主义的适用范围，强调极繁主义的感性唯美，而不是简单地聚集图形单元，符合目的、符合语境的设计风格会真正得到社会的认同与赞赏。近年来，极繁主义风格在中国平面设计界也不断的发展，并且同社会文化语境相融合，衍生出具有本土化特征的中国极繁主义。极繁主义平面设计，围绕着开放、互动、反阐释性的特征，正以奢华、时尚的极具装饰性的图形语言和感性的视觉传达方式向世人展示着独特的魅力。

参考文献：

[1]赵春燕.平面设计中的极繁主义回潮[J].艺术探索，2010，01：107-108+151.

第2篇：流行的平面设计风格范文

当今艺术设计领域人才辈出，设计风格在不断创新以后，面临着江郎才尽的空虚景象。因此近年来流行方向转向于复古和趋于民族化、大众化。在创意设计角度看，艺术设计走向民族化，似乎成为了设计师们无法推卸的责任。在文化全球化的需求之下，剪纸艺术以其色彩明快鲜活、感染力强、立体效果明显，成为艺术设计的重要元素之一。剪纸艺术为现代艺术设计创新提供素材与借鉴，使艺术设计有效地与民族剪纸文化结合，二者相结合的例子应用于瓷器、家纺、家具、壁画等诸多领域。互为给养、互为补充。下面谈谈剪纸艺术与当代艺术设计的流行趋势影响与指向。

剪纸艺术给当代艺术设计以灵感

1. 剪纸艺术历史渊源

剪纸，又叫刻纸，窗花或剪画。区别是在创作时，有的用刻刀，有的用剪子，虽然工具不同，但创作出来的作品基本相同，人们统称为剪纸。剪纸是中国最古老的民间艺术之一，它的历史可追溯到公元6世纪，距今已有一千五百多年的历史。剪纸是一种镂空艺术，其在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。有很高的艺术价值和欣赏价值。与中华民族的审美相契合，有特定的需要人群。

剪纸艺术有丰厚的文化底蕴，一直以来深为人民喜爱，唐代诗人李商隐《人曰纪事》中有“镂金作胜传荆俗，剪彩为人起晋风”的诗句。杜甫《彭衙行》也有“暖汤濯我足，翦纸招我魂”之说。由此可见，剪纸艺术对中华民族有深远影响，它有深厚的历史积淀，通俗接近大众的表现形式，完美的诠释了大众心中对于艺术的普遍追求。如此深厚的历史文化底蕴，使当今艺术与之相融合有了更为恰当的理由。

2. 剪纸文化的艺术性为艺术融合提供条件

剪纸文化的最突出特点就是空间立体表达性好，诠释度高。既具有艺术的具象性也不乏有抽象性的因素在其中。耐人寻味又不失美观大方。因此利用现代科学技术将剪纸文化的表现形式与现代艺术设计理念相结合融入到广告设计，装帧设计，平面包装设计，动漫设计，服饰设计，室内装修设计等等诸多领域之中。剪纸艺术蕴含风俗民情，人性化的元素融入现代设计风格之中，使设计创新领域大放异彩。因剪纸文化是中国的本土文化，人们对于这些民间文化热爱甚至有可能超过对其他文化的热爱。

剪纸艺术对现代流行艺术设计的有益启示

剪纸艺术通过夸张和变形将人们心理思想表达出来，饱含人们对生活的美好祝愿。将剪纸艺术的民族性与艺术设计的现代性相结合，使艺术的感染力迸发出来，符合流行趋势的同时又发扬民族精神，弘扬民族文化。剪纸艺术来源于生活，最终必将回归于生活。

1. 剪纸艺术与现代艺术设计相得益彰

剪纸文化与艺术设计二者的结合是互利共赢的，优势互补取得良好的社会人文效应。因此民族文化与现代艺术设计的结合是大势所趋，无论从哪个角度来看都百利而无一害。第一点，剪纸艺术的人文理念感染大众，若艺术设计与之相结合必能取得良好的社会效益，并且由于剪纸艺术的历史沉淀有一定的社会地位，现成的素材和物质基础使艺术设计的创新成为信手拈来的轻松之举。剪纸艺术带来的爱好者也将推动艺术设计创新发展。第二点，国家大力推行传统文化和民间文化走向世界，这就要求民间文化与现代元素相结合，才能以最新形式渗透到世界的各个角落、各个领域。光依赖传统方式做宣传是不够的，文化是民族的，世界的。二者融合的好处在于一箭双雕。共赢的同时还有意外的收获。对于渐渐走向衰落的民间艺术，也许与现代科技的结合将是他们生命的延续，甚至令它们枝繁叶茂开枝散叶。对于民间艺术而言，以这种设计创新的形式与之结合，是最好的宣传手段。而艺术创新在此时也仅仅成为一种挖掘。将原有的元素加以新理念成为一种新的设计风格。也开拓了民间艺术研究的新方向，为传统文化的发展找到新的出路。由此也会开辟许多新兴的产业。

2. 剪纸艺术应用到艺术设计中的方式

首先，剪纸艺术是以镂空、表现轮廓等手段而著称。应用到实际例子中我们可以仿造剪纸的花纹样式，平移到平面设计、广告设计、装饰品、生活家居当中。因剪纸有抽象的因素在里面，我们在改造过程中也应将神似的特点糅合到具体实例之中。剪纸通常都具有吉祥寓意，而中国人也有偏爱吉祥如意的的思想。因此在诸如平面设计、软装设计里面可以加入吉祥如意的意象。这样不仅可以创造新意，也能显示出浓厚的传统文化内涵，是一个很好的契合点。也可在剪纸艺术的基础上把剪纸进行“变异”，结合具体实际例子可以将剪纸文化加入更多的新意，创造更多的亮点。从实践中找到突破口，使剪纸艺术向着多元化方向发展。

总 结

剪纸艺术来源于生活却又不拘泥于生活，从剪纸艺术中独辟蹊径，有效地利用了我们民间文化多元的特点。而将新元素与传统元素结合的过程中也不应该生硬的强加在一起。应将二者融会贯通于一件事物之中。继承与发扬我们的传统文化，同时改变单调的设计理念。注入更加鲜活的血液。取其精华，不断地整合更多新特点，新思路。这样才能真正做到将二者有效的结合。才能真正发挥传统文化的独特魅力。

（作者单位：厦门大学艺术学院）

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第3篇：流行的平面设计风格范文

【关键词】民间;美术元素;现代;平面设计;研究

一、民间美术元素研究

中国文化博大精深，地域广阔，形成了各种各样独具特色的地域文化，所以人们通常将这种和生活密切相关的文化美术形式称之为民间美术元素。民间美术元素绝不仅仅是颜色和图案的组合，更多的是反映某个地域独特的经济、政治、文化变迁史。而我国的民间美术元素呈现着各种各样的形式特征、丰富多彩。

二、现代平面设计现状

我国目前的众多现代平面设计作品都处于形式化的阶段，模仿抄袭较多，缺乏原创性。尤其是在全球化大背景之下，我国的现代平面设计遇到了前所未有的危机，外来设计形式进入中国，使得我国的现代平面设计变得更加盲从，缺少民族元素，丢失了原来的设计风格，所以导致我国的现代平面设计很难出现高质量的作品。面对目前的困境，需要将民间美术元素和现代平面设计进行有机结合，使得我国现代平面设计作品呈现出我国的文化内涵。

三、民间美术元素的现代平面设计中的应用

随着二十一世纪经济社会文化的全面发展，我国的现代平面设计行业也开始不断的走向成熟化，在现代平面设计中，由于西方的设计文化理论已经不能够满足中国审美观念的评价标准。而民间美术元素在现代服装设计上的具体表现就是要求设计师能够将民间美术元素与现代设计特点和理念进行有机的统一，从而可以独创出带有中国传统民族文化的新的平面设计文化，并走出一条带有民族风情韵味的设计之路。由于民族文化有着悠久的历史，带给了现代设计师独特的创作灵感与创作素材，将充满中国文明特色的造型、色彩、材质布料、施工工艺等元素直接作为现代平面设计中的视觉元素，是民族风情最直观的呈现方式，在现代平面设计中被广泛的创新吸收运用，从很大的程度上提高丰富了现代平面设计的创作空间。

(一)民间美术元素为现代平面设计提供了语境效应

尽管目前外国的语境在中国传播的速度惊人，并且为很多大众所接受，但是由于文化之间的差异，我们并不能够对外来文化全盘接受。所以需要对我国现代平面设计进行创新，使其具有个性化的特征，就必须要有相应的语境元素作为支撑。而民间美术元素中的语境效应则完全符合这种要求。对这些民间美术元素进行提炼，能够达到非常好的设计效果。例如，要想传递出喜庆的视觉效果，运用大红色、红灯笼以及烟花爆竹等等，这样就能够很容易使得人们感受到这种信息。

(二)民间美术元素色彩搭配为现代平面设计中的运用

色彩搭配是平面设计最为直接的视觉元素，它体现着设计师的审美理念以及彰显着个性特点。设计作品的色彩搭配集中体现了中华民族文化以及审美理念。所以在现代平面设计中不仅仅要求能够对设计作品色彩搭配加以合理的运用，更重要的是能够将色彩的整体搭配作为平面设计的一门语言融合到现代的设计中去，可以灵活的运用民间美术元素色彩搭配技巧中所蕴含的精神元素，体现中国现代平面设计的深层次意境。例如中国红在现代设计之中有着非常广泛的运用，不仅仅是因为中国红的装饰效果明显，更重要的是中国红有着非常强烈的民族精神暗示，表达着人们对于喜庆美好，吉祥安康的追求，更体现了中国民族的文化韵味以及审美观念。

(三)民间美术元素中的图案在现代平面设计中的交融

我国是有着五十六个民族的文明古国，经过多年来的变化发展，进而形成了丰富多彩的民间美术图案，这些图案特点鲜明，带着浓厚的民族性和区域性，更蕴含着特定民族的文化习俗和审美观念。在现代的平面设计中，要和民间美术图案进行有机交融，不仅仅要取其精美的外在形式，更要凸显出民族的文化内涵。但是传统的民间美术图案对现代设计来讲往往过于繁琐复杂，所以还要对其进行合理适当的简化，使其具备现代流行的理念。

四、结语

由于民间美术元素所具有的独特民族风情，所以得到了一些现代平面设计师的钟爱，不仅仅为现代的平面设计提供了取之不竭的创作灵感，同时也带来了优秀的创作素材。在现代平面设计中对民间美术的元素加以创新吸收和运用，已经成为了一个特色和重要的表现手段。随着现代平面设计师对于民间美术元素的逐渐挖掘吸收利用，大量兼具民族美和现代美的现代平面设计作品呈现在人们的面前，演绎了一个个的民族时尚典范，让民族美和现代美可以结合交融大放异彩。

参考文献：

[1]傅小芳.河南民间美术的市场拓展研究[J].包装工程，2013(06).

[2]李冬冬.新乡地区民间美术发展与保护存在的问题[J].现代装饰(理论)，2013(03).

第4篇：流行的平面设计风格范文

网页设计作为一种网络应用程序被普遍应用在互联网上，设计开发具有创新风格和专业水准的网页已成为高职高专院校许多学生的必备技能。因此，《网页设计》成了目前高职高专院校IT类相关专业学生普遍开设的基础技能课程，甚至在许多高职高专院校也是非IT类专业学生的公共选修课。网页设计作为UI(UserInterface)的一种，体现了设计者的设计思想和专业技能，所以《网页设计》相对于其他专业课程有自己的特点，他不仅体现了技术性，更体现了他的艺术性、个性体现等特点。

(一)技术性网页

作为一种应用程序，开发者必须具备一定的网络知识和编程思维，对基础的HTML语言和CSS规则以及JavaScript技术都要熟练掌握，并且对网页开发软件比如网页三剑客(Dreamweaver、Flash、PhotoShopCS)也要熟练使用。随着网络技术日益发展和多媒体在网页中的传播，客户对于网页的要求也越来越高，例如，交互式动画、在线视频、三维虚拟展厅、在线数据库管理等。所以网页设计课程对技术要求具备一定的知识的积累和掌握。

(二)艺术性网络

已经成为一种互动的大众媒体，由于其他各大媒体包装的越来越商业化，网页作为人们天天交互的界面，人们对他的外观的要求也越来越高。既要把设计艺术中的构成因素整合到网页设计艺术中，又要集多媒体技术于一体。尤其是现在的客户对网页的视觉冲击力和它的艺术感染力提出更多的要求。所以我们的网页设计课程更要培养学生的审美情趣，在课堂上展示更多的国内外的优秀作品，还要学习平面设计及其色彩学等知识，吸取其他平面设计的灵感，使学生的作品不仅有可实用性，更具有可观赏性。

(三)个性网页

作为平面设计的一种，必然体现了设计者自己的设计理念和设计风格，并张扬自己新颖独特的个性。所以在网页设计课程中，要尽量调动学生的自主性和积极性。所以教学过程中，教师不仅要重视学生对书本知识的理解，更重要的是激发学生的创新能力。在课程考核的时候，教师可以结合知识点以项目要求的形式布置题目，让学生分组选择项目或者自己调研确定项目，小组合作进行项目规划和页面设计。

二、网页设计时尚教学注意要点

(一)时尚的网页布局

网页布局是网页给人的整体印象，和其他平面媒体一样将信息分版块清晰的呈现给读者。在过去的几年内，网页设计的布局已经形成了几种固定的格式，大致可分为“国”字型、拐角型、标题正文型、左右框架型、上下框架型、综合框架型、封面型。但是现在的客户要求自己网站在美术上要符合自己企业的文化定位和企业形象，希望自己网页的布局，要不拘一格地给人留下深刻的印象。当下网站已经被企业视为自己宣传和传播的一种重要的媒体形式，所以越来越多的视觉传媒公司加入到网页设计的行业中来，导致大量的美术人才参与到网页创作中来，大大提高了网络中网页版面的艺术气质。这些人设计的网页作品往往构图考究、精美绝伦、简洁明快，富有时尚气息，更重要的是他们的网页的布局常常的出人意料，又显得赏心悦目。所以在教学过程中，除了让学生掌握几种常见的布局形式之外，更重要的是鼓励学生打破常规，以自己青春和具有鲜活生命力的视角，结合颜色、构图、和文字，去大胆地规划网页版面的布局，结果往往会有非常好的作品出现。

(二)时尚的网页色彩搭配

色彩在网站信息传达中发挥着重要作用，透露了每个企业独特的企业文化。网页的背景，文字，图标，边框，超链接等要采用合适的颜色搭配才能准确表达出设计内涵。对于初学者来讲，在设计时往往盲目的胡乱搭配颜色，给人非常纷乱的感觉。那么在教学过程中，就要向学生补充色彩原理的相关知识，以及网页设计中颜色搭配的规则常识，比如网页的颜色不能超过三种，背景和前文的对比尽量要大等等，并向保证网页中的颜色的鲜明性、独特性、合适性。网页作为一种电子艺术形式，和服装、包装一样都有流行的潮流，所以一个网站的版面往往会随着时尚的波动而修改，比如现在流行的韩国清新风格、欧美的时尚简约风格、90后的非主流风格等等。而我们的学生往往对时尚是最敏感的人群，也是互联网最忠实的用户。所以我们在教学过程中，教师要提高学生的艺术品位，准备丰富的教学资源和设计资源，介绍学生使用几种常用的网页配色工具，并鼓励学生大胆合理地使用颜色去创作具有视觉冲击的优秀作品。

(三)网页主流技术的综合应用

网页除了色彩和布局等方面的更新要求之外，网页的表现形式也随着使用者的要求也在更新换代，传统的网页布局方式从表格布局，逐渐得被CSS+DIV布局的形式所替代，所以教师要将新技术要映射到我们的课堂上去，引导学生用?CSS+DIV的布局的理念充斥自己的头脑。教师更可以设置相同的DIV内容，让学生去设计不同的CSS规则，这样可以让学生直接地体验到CSS+DIV的局部优势。除了布局的技术在更新，网站首页的呈现形成也在发生变化，在首页中大幅广告的使用可以让使用者留下深刻印象，Flash交互按钮可以增强使用者的体验乐趣，这些表现形式要用到Flash软件和JavaScript脚本语言，所以在我们的课堂中教师要关注技术流行趋势，将技术代码介绍给学生使用，并指导学生运用到自己的网站作品中。

第5篇：流行的平面设计风格范文

关键词：视觉传达；个性化；创造性思维

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）06-0182-01

一、创造性思想的内涵

创造性思维是一种开创性的探索未知事物的高级复杂的思维，是一种有自己的特点、具有创见性的思维，它是一种主动的，有见地的思维活动，我们通过创造性思维不仅能够发现一般事物的规律，还能在原有事物的基础上拓展出新颖的、独特的、有意义的想法。

二、创造性思维的意义

日本的福田繁雄是我最欣赏的平面设计师之一，福田把异质同构、视错觉等理念，以视觉符号的形式重现在其海报作品上，并将这些原理以客观和风趣的形式呈现，使简洁的图形成为信息传递的媒介，由此其设计作品兼具了艺术性与精神性的内涵。福田的每一种新观念都是他不断探索，尝试不同可能性的方法的结晶。他总是弃旧图新，并系统地将各种创意、革新加以融会贯通。每一批作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他控制和营造作品的匠心。

运用人们对事物本身属性的经验认识的表现手法使事物与人类的生活产生了联系，同时也颠覆了人们对这些事物的经验认识，时代在发展，人类的经验认识也在不停的发生变化，设计师总是不停地在赋予这些事物以新的含义。

所以对于材料运用的创新往往有意想不到的效果，让人耳目一新，它能够引导观众贴切地理解设计师的意图，同时又能引发深层次的含义，回味无穷。

三、如何培养创造性思维

（一）累积知识和经验

这里的累积知识和经验，在视觉传达中主要分为两个方面。一是指学术理论知识的积累。理论是实践的指导，总结前人的经验能够帮助我们更快更好的吸收。有了强大的知识储备，才能从中汲取经验从而创新。另外一方面是专业技能训练提高，结合理论，将之运用，经常参加与专业相关的比赛，让自己的能力得到试炼，看看别人的东西，它会激发我们的思维，给我们新的启发。

（二）随时随地记录创意和灵感

我们常常会有这样的感觉，灵光乍现，但是一闪而逝，如是不去追究，往往就过去了。殊不知，灵光乍现的想法有可能会给你的设计带来巨大的影响。例如广告设计，我们都知道，广告的生命就是创意。但是在飞速发展的广告行业，每天都需要成百上千的广告创意。这么多的广告创意来自哪里呢？就是我们的身边，我们的日常生活中，有时一个笑话，一个误会都会给我们独特的想法，把它润色设计后，可能会变成很好的案例。所以，当我们有了很好的想法是，哪怕是很小的想法，可以将它记录下来，说不定哪天它就会给你带来惊喜。

（三）“以旧换新”

19世纪末、20世纪初，“现代主义”设计影响了20世纪全世界人民的物质文明，它是一个革命的过程。平面设计在这股风潮的影响下迅猛的发展，尤其受到美国、德国和俄国等西方国家设计风格的影响，现代平面设计几乎已经被西方现代主义所占领，形成了系统的体系。

日本，现在作为一个设计大国，在当时它的现代艺术、现代设计、现代文化也深受西方设计思想的影响。重要的是日本的设计家并没有对西方的设计亦步亦趋，而是在国际风格、流行的西方风格与日本的民族设计中找寻结合的可能性，而战后到20世纪90年代的日本现代设计发展过程，表明它的这个探索是成功的，民族绘画、民族传统设计风格、民族文化观念、民族的色彩计划、民族的审美立场、民族的文字等等，都能够在一定水平上得到保存和发展。通过与现代设计的结合，得到了国际的承认。

四、总结：创新是设计的永恒主题

一部设计史，就是创造史。创新对于设计，是个永恒的重要课题。它是人类改造自然，同时改造自己的创造活动中的重要部分。可以说，失去创造性，设计就失去了生命。

二十世纪以来，特别是最初的十五年，世界史的“主要情节就是变”，发明家以“前所未有的速度，把人们带到前所未有的距离，将人们对人和事的观念、态度，带入一个完全展现的境界。变革和创新的社会要求，促使设计从样式的更新，转向比一般艺术更广阔的领域。所以，设计的创新是对它本质描述的重要方面。

人类在利用设计满足种种需求的同时，又在创造新的需求。这些新需求则是刺激设计不断创新的动力。设计起源的基本动机是维持生存。而作为人类满足需求的积极方式，是通过劳动创造物质世界，同时，也在创造人的自身。人就是这样从挥动石斧开始，创造了整个人类文化。但是几千年的文明史，却不仅仅是靠石斧来建造的，人类已是拥有无数物质财富、无数发明专利的富翁和发明家。那么，那种不断创造的动机就是人在创造物质世界的同时所创造的新的需求。满足新需求的冲动，不断刺激着新的设计，新的设计又创造出更新的需求。因此，设计和创造是以需求为轴心的无限循环，并一步步走向更高的层级。

第6篇：流行的平面设计风格范文

1数码印花技术在服装设计中的应用

1.1数码印花在服装设计中的出现在过去的服装设计过程中，设计师们能够自己把握的往往只是服装的款式，而对于服装上图案的设计与创新则较为困难，即便设计图纸上的图案、纹样再如何天马行空富有创意，面对传统的印花技术，设计师们也大都束手无策。尤其是一些个性化创意极强的服装，比如舞台装、创意装等服装，采用市场上现有的图案面料很难将效果准确的表达出来。有些设计师会在设计之前，先去面料市场寻找中意的图案面料，之后再进行服装设计，这样大大局限了设计师们对设计灵感的展现。即便是设计好完整的图案内容，又由于传统印花技术在技术上的局限，往往会导致图案的色彩和层次细腻方面大打折扣。而数码印花这一技术的出现，恰恰弥补了这个缺陷。英国伦敦品牌百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）自2004年实验性地将数码印花应用于服装设计中，数码印花在短短的几年里便席卷了各大时装周。在2014年春夏时装会中，各大时装周上不断出现了各式各样丰富多彩的数码印花图案设计。或抽象或写实的花卉图案，各地的风景名胜、摩天大楼，具有宗教意味的复古花纹，色彩绚丽复杂的民俗风情图案等，都被运用到了服装的设计中。英国插画家兼时装设计师克里斯托弗·布郎蔻（ChristopherBrooke）与巴西平面设计师布鲁诺·百索（BrunoBasso）均毕业于圣马丁艺术学院。在2001年初次相识后决定创建自己的品牌，二人合作的第一件作品于2004年问世，并赢得了伦敦时尚边缘（FashionFringe）大奖，创下了不小的知名度。起初，二人的设计常用大量的几何形和鲜明的色彩，强调视觉冲击力，充满了戏剧色彩和趣味感，他们发挥各自的特长，将平面设计与时装设计相结合。这是一次非常成功并且颇具影响力的创新，使得数码印花在那之后横扫各大时装周，引领起一股印花风潮，各大品牌开始对数码印花技术进行探索试验。1.2数码印花在服装设计中的盛行在2008年的春夏时装周中，百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）的服装不再是单纯的图形与色彩，而是打出了“抽象主义”的旗号，将二维抽象的色彩和创作表现在三维的服装上，设计风格更加自由随意，打破了单元循环的图案，并赢得了众多资深设计师的好评。在其2014年的新品种，百索·布郎蔻（Basso＆Brooke）仍然延续印花设计，图案更加大胆独特，印花内容素材来源于世界各地的文化，改变的不过是灵感来源、设计主题等，不变的仍然是“乱花渐欲迷人眼”的各类数码印花。著名的希腊女服装设计师玛丽·卡特兰佐（MaryKatrantzou）以“数码印花女王”著称，在其设计中以错综复杂的印花为代表。她的设计灵感大多来源于各地风景名胜、现代摩天大楼，丰富却毫不杂乱的配色在质感、层次、轮廓下生动且富有视觉冲击力，俨然一张风景明信片。在普林（Preen）2014年春夏系列的时装秀中，设计师贾斯汀·桑顿（JustinThornton）和西娅·布雷加兹（TheaBregazzi）通过近几年对数码印花的探索，把花卉图案融入极具几何感的流线轮廓服装中，延续了二人设计组十多年“优雅中略带犀利”的招牌风格。美国设计师莫尼克·鲁里耶（MoniqueLhuillier）在2014年早春度假系列中也同样是运用数码印花技术，结合重复的平面构成方法制造出旋涡状眩晕感图案，设计出独立自信、极具个性的时装。杜嘉班纳（Dolce＆Gabbana）在2014春夏时装秀中，服装面料不只是单纯的印花，而是将蕾丝、皮草等面料与印花相结合，以及在印花面料的基础上进行面料二次再造，运用镂空、堆积等手法，制作出立体的花朵，更加推动近几年较为流行的复古潮流，平面与立体的结合突显精致华贵的气息。著名华裔设计师王薇薇（VeraWang）结合花卉图案设计出迷幻彩绘的连衣裙，海尔姆特朗（HelmutLang）将面料变为画板，制作的服装可以当作艺术作品来欣赏，以及亚历山大·麦昆（AlexanderMcQueen）的荧光印花系列，均是在风靡的数码印花的基础上进行的改进、设计和创新。纵观上述品牌的服装，如今的数码印花图案较前几年的相比，更追求细腻。他们不再是用简单的几何图形和大色块来突显电子感的数码味道，而是用柔美的花卉、精致的风景照片、绚丽的晕染效果等来提高数码印花的细腻质感。各大品牌推出的融合着数码印花的服装新品中，虽风格大相径庭，或妩媚妖艳，或文艺复古，或甜美华贵，但都有着数码印花的身影。随着数码印花在服装中的盛行，服装设计师们开始不再满足于数码印花带来的服装图案的革新，而是在数码印花的基础上开始进一步的设计和创新。1.3数码印花在服装市场中的推广服装市场中的印花服装相对时装周上的印花服装而言，减化了服装的造型和结构。一是由于服装周是服装市场的风向标，引领服装潮流的趋势，市场上的服饰并不是直接照搬时装周，要考虑到市场的需求、制作成本以及大众的审美等因素。二是当数码印花在市场上广泛流行起来的时候，使消费者更加注重图案的设计，此时如果加强服装的造型和结构，不仅会弱化服装的功能性和实用性，还会破坏图案的完整性，同时还增加了制作工序提高了制作成本。所以数码印花服装在服装市场中推广时较为审慎，经常采用简约的款式和廓型，容易穿戴，不仅囊括了紧随潮流的繁琐的印花图案，也符合当下消费者的审美，突显一种强有力的简约之美。

2结论

数码印花技术的出现与一步步完善，有利于平面图案设计与服装设计的结合，在弥补传统印花技术不足的同时，也将纺织印染行业的市场对准大众，实现印花工艺的商业化。当下的国内的服装行业的发展趋势早已开始向国外服装行业看齐，追求个性化、高质量，流行周期变得越来越短。而具有生产批量灵活、市场应变能力强等优势的数码印花技术，完全可以适应时下主宰着服装消费市场的“快时尚”。时至今日，数码印花产品充斥在人们的日常生活中，但是数码印花技术并不能完全取代传统印花，而是传统印花的一个较好的补充。工业设计中的新宠—3D印刷术的出现让人不得不相信，依靠科技的发展，数码印花技术必定会更加完善。

作者：崔莎莎 胡丹丹 单位：中原工学院

第7篇：流行的平面设计风格范文

毕业设计构思过程

1课题来源与背景

当前，随着生活水平的不断提高，大众文化价值观的多元发展，人们的着装观念也体现出不同层次的需求。服装不仅要体现实用价值，更要适合多元化的审美趋向，体现个性、时尚、舒适、自由、健康、环保等设计理念的服装成为设计的新宠。南通职业大学（以下简称我校）服装设计专业在设置时注重社会调研，结合企业对高素质、高技能人才的需求呈持续增长的势头，在办学目标、办学理念、办学指导思想等各方面都进行了深入探索、研究和调整，尤其在毕业设计选题方面，均由指导老师按照专业培养目标要求，结合企业设计模式、生产实际、社会实践、实际应用等方面决定大的选题方向，然后要求学生再结合实践单位的设计模式、自身的研究兴趣、学习特长等确立设计主题，以团队合作的模式进行毕业设计。本组设计选题结合校企合作对象———南通世田服装有限公司最新流行设计理念：中性风格糅合女性化细节元素进行综合设计。设计团队通过市场调研和设计分析、研讨，仔细的制定了设计方案，并在设计过程中与企业设计部门保持联系，以保证设计理念的完美体现。

2市场调研

市场调研是设计不可缺少的环节。团队成员通过调研发现，市面上女装的风格较多，但是既能满足消费者实际需要，又能体现其审美需求的服装很少，色彩不是偏向于柔美色系，就是过于职业化。因此，经过多次调研与分析，在色彩应用方面以蓝色搭配黑色来呼应选题的设计风格。在材质运用方面，市场上的面料种类很多，但与设计风格完全符合的基本没有，成员提议，运用现代流行的面料再造手法创造出符合设计的新面料。将再造的面料贯穿运用于整个服装设计中，则会赋予服装独特的设计表现力，又可为消费者带来新的视觉效果。

3能力水平

作为一个团队，成员是否具有团队精神非常重要。团队精神是指经过精心培养而逐步形成的并为团队所有成员都认可的一种理念，是一个团队成员大局意识、协作精神和服务精神的集中体现。团队精神的基础是尊重个人的兴趣和成就。团队精神代表了一系列鼓励倾听、积极回应他人观点、对他人提供支持并尊重他人兴趣和成就的价值观念。团队精神的核心是协同合作。在本次毕业设计中，4名学生是服装设计专业092、093班的学生，在校期间，多次获得奖学金，平时有着很深的友谊，有着良好的默契和扎实的专业基础。小组成员都有其善长的一方面，有擅长设计与表现的，有擅长电脑软件和平面设计的，有擅长结构与工艺的。小组成员协同合作，和睦相处，团结互助，为实施团队设计目标提供了良好的前提条件。在这次的团队模拟设计中，全体成员体现了较好的向心力、凝聚力，将设计的最终目标化作组织内部每一个成员的目标，使总体目标与个体目标重合起来、一致起来，从而调动每一个成员的积极性，发挥了设计群体动力。

4明确分工

在设计中，指导教师也以团队的形式组成，以保证在设计的过程中集思广益，使设计达到最好的效果。团队成员明确分工，对自己负责的项目进行合理规划，同时要做到与团队成员密切联系，探讨设计构思与表现，在规定的时间完成自己负责的子项目。团队成员在导师的指导下通过以下协作安排，体现了很好的团队合作精神（图1）。

5创新手法

本组毕业设计与传统设计的不同之处在于，既体现了服装的实用性，又在最大限度上发挥创新设计的手法，对款式、面料、色彩等进行大胆的创意，面料再造以及将不同类型的面料进行组合设计是本次设计的重点。团队成员在设计过程中认真分析、大胆想象，体现了较高的设计制作水平，团队合作精神得到进一步提高。创新手法表现如下：

（1）面料再造设计作为服装三要素之一的面料不仅可以直接体现服装的风格和特性，也能通过面料的再造设计来表现服装与众不同的效果。服装面料再造设计，指设计师根据服装设计的需要，对现成的面料进行加工和改造，使之产生精致优雅的艺术魅力。由于再造后的面料已经具有很强的装饰性和艺术性，将它运用于服装的局部，使款式显得精致而生动，达到主题突出、层次丰富的艺术效果。“材料之于艺术家或设计师，犹如乐器之于音乐家”，对于设计师来说，面料就是他的合作者。团队成员通过市场调研发现：面料的应用不能仅停留在传统的层面，同时还应将服装设计中需要表现的要素糅合进去，设计师对面料的理解和驾驭能力的好坏，决定了他的设计成功与否。因此，团队成员在进行面料再造时尝试了诸如：刺绣、手绘、作线迹、折叠、抽褶等手法，最后发现故意的撕扯、开口设计最能体现主题的随意、自由，最终在设计中利用针织面料脱散性、卷边性等特性，进行剪口设计，以衬托出内饰面料女性化、华丽的风格特色。

（2）针织面料与梭织面料的结合设计近年来，随着人们崇尚休闲、运动的生活方式，以针织为主的服装逐渐形成流行的一大趋势，针织服装的设计日趋成衣化、时装化。同时，新材料、新工艺和新的组合方式也越来越多地运用到了此类服装的设计当中，针织与机织面料的组合在服装设计中的应用也成为设计师关心和研究的焦点。在本设计中考虑运用皮革面料和针织面料进行搭配设计，针织服装成衣柔软、固型性较差，这种特性造成了针织服装外型不挺括，但从另一方面来看，它柔软、贴合人体造型、穿着舒适；用皮革面料制作的成衣易裁剪，一般来说固型性较好，不易变型，这种特性使得机织面料制成的服装外型挺括，塑造美化形体的功能特性十分显著，但是穿着者会感觉到“板”、不舒服，穿着时间长会有疲劳感。在这种考虑之下，团队成员在多次尝试后发现，可以将单一的针、机织面料在同一个款式中进行结合设计，使设计出的服装既能满足消费者对于美观性的需求，又能使穿着舒适性得到体现。

毕业设计定稿过程

1造型设计

在款式设计时，团队成员从调研的资料着手，围绕设计主题进行了认真的设计展望，设计稿经过多次修改，始终围绕定位中以突出女性的中性帅气、时尚性与实用结合的思路，采用面料的拼接处理与缉线搭配，合体的裁剪工艺，充分表现女性的时尚与帅气（图2）。

2色彩设计

造型稿确定，在色彩的选用和搭配方面，团队成员进行了认真的讨论，刚开始以纯净的蓝色搭配艳丽的玫红色系，但感觉色彩搭配过于艳丽而否定（图3）；第二稿以军绿色搭配稳定的黑色，感觉与时下流行的军旅风格太雷同而否定（图4）；后通过多次配色尝试定下终稿的配色方案：以蓝、黑色为主色调。黑色总是透着沉稳与成熟，在时尚界，黑色赋予不同潮流人群的别样视觉体验，成熟的人讲黑色能展现庄重，前卫的人则认为黑色代表着个性与张扬。在各种浓烈的色彩中，靛蓝是突出的，它象征着纯净，给人多了几分舒心。镂空、亮片的点缀是整个系列服装的点睛之笔（图5）。

3面料设计

在本组设计中，面料以人造皮革与针织面料为主。人造革是在纺织布基或无纺布基上，由各种不同配方的PVC和PU等发泡或覆膜加工制作而成，具有花色品种繁多、防水性能好、边幅整齐、利用率高和价格相对真皮便宜等特点，同时它带有一定的重量、弹性和垂坠感，能表现出挺括的造型效果。针织面料具有良好的伸缩性，在设计时可以最大限度地减少为造型而设计的接缝、收褶、拼接等，还可以利用面料本身的弹性运用褶皱的手法使款式适合人体曲线。另外针织面料具有卷边性，本系列设计即运用这一特性从使服装得到特殊的外观风格，令人耳目一新（图6）。

毕业设计制作过程

1结构设计

结构设计既是造型设计的发展和延伸，又是工艺设计的前提和基础。一方面，它将设计提供的效果图转化为服装的平面结构，将服装分隔成独立的衣片，再对内部的分割线、省道、折裥等细部合理的配合，同时修改款式图中不合理的部分。另一方面，为服装生产提供一整套工业纸样、样衣、样板、模具的全过程，服装结构设计的实质是研究衣片覆盖人体的方法和覆盖以后和衣片形成的空间图形。服装结构设计以体现人体形态与运动机能为目的，是对人体特征的概括与归纳，它是艺术与技术的高度统一，图7为本设计中主要款式、部件的款式平面图与结构设计图的互转。

2工艺设计

任何设计都要经历由思维转向实物物化的过程，服装设计也不例外。服装工艺设计是将服装设计转变为产品的重要环节，主要包括排料裁剪工艺、缝制工艺和整烫工艺。

（1）排料裁剪工艺完整、合理、节约是排料的基本原则。设计所选用的三种面料均具有一定的弹力，因此裁剪前先要铺平，熨烫平伏。皮革面料比较厚，裁剪时必须用力到位，刀口整齐，裁剪平滑，减小误差；亮片面料裁剪时不要把亮片剪坏，否则会破坏面料的完整性，使成衣出现瑕疵；针织面料弹性大，裁剪时，用力要均匀轻微，以防止内应力回缩不匀而起皱。注意裁出的衣片与样板间的误差要小，各层衣片间的误差也要小，裁剪到拐角处应从两个方向分别进刀，根据样板对位记号剪切刀口。

（2）制作工艺服装工艺的可行性，是设计作品过程中必须面对的问题。在进行缝制时要规整美观，缝线均匀顺直，弧线处圆润顺滑，不能出现扭歪、漏缝、错缝、断线、浮线、抽线等现象。人造皮革缝制时，接缝是关键，针号数应根据皮革的重量来选择，缝纫线迹为每厘米3—4针。要使用塑料压脚并检验压脚板压力，比缝制一般面料的压力小一些，因为皮革比较厚，在缝制时需要借助一定的推力，如果压脚压力过大，会增加缝制难度。缝制时尽量避免拆线重新缝制，因处理不当会留下永久性的洞迹。针织服装与机织服装的缝制设备与缝制工艺有很大的不同，由于针织物具有伸缩性和脱散性，要求缝合裁片所用的缝迹必须与针织坯布的延伸性和强力相适应，使缝制品具有一定弹性和牢度，并防止线圈脱散。经常受拉伸的部位要选用弹性好的缝迹。衣片之间的缝合一般采用包缝缝迹，既有弹性又能防脱散，而其他裁片拼接处则多用绷缝缝迹，使其富有弹性，同时缝迹具有平整美观的效果，只有在缝合服装不易拉伸的部位（如订商标、绱口袋、做门襟等）时才使用弹性小的锁式缝迹等。亮片面料表面的亮片具有一定的厚度，缝制时针脚不易进去，所以针脚最好在亮片外缝制，接缝也会相对平整，也不易损坏面料。

（3）整烫工艺皮革本身具有一定的免烫性，所以在制作过程中，整烫的可操作性相对困难。例如省道的熨烫，就不容易熨烫平整，还有皮革的接缝也需要烫平，就需要用力到位。注意亮片面料与针织面料的拼接处是不需要熨烫的，因为亮片遇到高温会融化变黑，影响服装整体效果。

（4）整体协调所有的款式制作完成，团队成员在导师和企业设计师的带领下，请成衣模特进行试穿，检查服装在真人身上的成衣效果，再根据不足进行整体的协调（图8）。

第8篇：流行的平面设计风格范文

关键词：装饰纹样；文物纹饰；平面设计；创意

1983年在广州象岗山意外发现了南越文王墓，该墓是岭南地区等级最高、规模最大、保持最好的汉代彩绘石室墓，墓中出土文物1000多件（套）。我国古代的南越王时期，其历史文化在当时的气候、政治、宗教、制度等影响下，具有一定的独特性，其装饰所用的纹样蕴含了中原、土著、海外异域等艺术特点，形成了多元文化融合的现象。[1]其中“透雕龙凤纹重环玉佩”“金釦象牙卮”“铜印花模板”等文物的装饰纹样对现代平面设计极具有参考价值，本文在充分了解南越国时期装饰纹样后，展示了设计应用成果，以传统和现代结合的表现形式以及深刻的文化内涵为平面设计、文创设计开拓更宽广的设计思路，从而激活传统文化在现代视觉审美中的魅力。

一、南越国时期装饰纹样的艺术特征

南越文王墓中出土的玉器、金银器、青铜器、陶器、漆木器等文物上发现了大量不同类型的纹样，涉及的内容有植物、动物、几何形状、大自然、人物等。南越国时期装饰纹样中的动物类的装饰纹样极为多样化，其中包含不同造型特征的龙纹、凤纹、虎纹、双龙纹、双凤纹、龙凤纹、龙虎纹等，另外还包括马面兽、方头兽、朱雀、饕餮兽、犀牛等兽纹;动物形象有：牛纹、鸟纹、羊纹、猪纹、蝉纹等。植物纹样涵盖了蒜头纹、谷纹、篦纹、蒲纹等。几何图案纹样包括弦纹、涡纹、绞索纹、菱形纹、堆珠纹、线纹、戳印纹、绳结纹、山字纹样等。与大自然有关的纹样有：月亮纹、山纹、云纹、火纹、雷纹等；与人物的活动相关的纹样有：羽人纹、体型各异的舞人纹、力士人操蛇纹等。纹样是一种装饰图案的统称，在艺术的本质上，它并不是独立的，必须要依附于物体，而其最基本的特点就是装饰的含义。其内涵包括符号的意义、功能的基础、美学价值。[2]南越王墓出土文物造型独特，从纹样、器型、工艺上看，不但大量糅合了中原汉文化和楚文化的特点，同时还受到了波斯、西亚等海外文化的影响。文物的装饰纹样作为我国传统艺术的一部分,也为现代平面设计提供了新的思路，设计师应当深入研究传统纹样，将其与现代平面设计建立亲密的联系，发挥传统装饰纹样的艺术价值。

二、南越国时期装饰纹样在设计中的思考与应用

在十九世纪晚期的欧洲，以英国为代表开始将平面设计从美术领域中分割出来，当时的中国并没有平面设计的概念，在二十世纪末随着中国社会进程的发展，才初具现代意义的平面设计概念。我国的平面设计方面与发达国家比较整体起步较晚，从设计思维角度看平面设计元素具有典型的西方特色，盲目顺应潮流，制约了自身独特的发展。传统文化艺术也面临在现代视觉创达设计中如何传承再发展的问题，较为简单的复制、单纯的模仿，会让我们的传统技艺停滞在表层，丧失活力。近年来，随着中国的快速发展，越来越多的设计师积极地把自己的民族传统和民族精神注入自己的设计作品之中，形成了自己的原创的设计品牌，为中国原创设计的国际化发展打下了坚实的基础。目前设计师常常会从我国的传统纹样中寻找设计灵感，以便创作出更加符合国情的中式审美的作品。但是，从具体应用的作品情况看，一些设计师在对传统元素的应用上忽略了传统纹样的内核——民族底蕴。对纹饰纹样的内涵不甚了解，对纹样出现的历史时期及地域文化分析不透，设计出的作品还停留在表象，这样不利于平面设计的民族化发展。因此，平面设计师应对中国传统文化有深刻的认识，充分发挥自身的创造力，通过对原有模式的再创造，创造出符合时代特点的具有民族特色的视觉传达元素，从而提升作品的质量。

三、透雕龙凤纹图案的平面设计创意思路

透雕龙凤纹重环玉佩（图1），材质是一种青白玉，土沁以黄色为主，是一种圆璧形状，通过一个圆圈分成内、外两个圈。内圈中是一游龙，两爪、尾伸向了另一区；外区则是一凤鸟，在龙爪之上，鸟冠、尾羽者是卷云纹样，在外区的上下均有呈现，图案的构思非常奇巧。[3]此件玉佩镂雕精细，构图完美和谐、主次分明，卷曲流畅的线条使此璧造型更具有动感和灵气，是汉玉中不可多得的珍品。图1透雕龙凤纹重环玉佩“透雕龙凤纹重环玉佩”展现了南越王时期艺术和技术的完美结合，本文以“透雕龙凤纹”为例进行设计应用的探究。设计思路分为三个设计步骤：一、将原本纹样构成规律打破，提取原纹样的符号重新依附在一个新的载体上，在原有的图形基础上重新整合元素信息，构成新的模式。二、在新的载体上进行延伸设计，在充分理解文化内涵的基础上保留原图案的象征意义同时传达其思想。三、用现代色彩美学的概念以及文字的解构重组对传统纹样进行再创作，更符合现代人的视觉感官。这种设计思路也可以称之为是一种演变，将传统文化中所传达的民族内涵、传统的美学观念演变为可视的形态呈现出来。传统纹样、图案经过逐步设计演变,是不能完全摒弃原始图形结构的,而是将设计师自身的审美意识，给图形美术以新的形态，再对其进行再塑处理，以使其逐步达到充实、完美的效果。

（一）提取原纹样的符号，寻求新的载体

为了突出动作的张力，南越国的工匠们采用了镂空雕刻技术，将动作的线条勾勒得更为清楚，并以阴线刻画出了动物的腿部、脚部。[4]透雕龙凤纹重环玉佩被选为南越王博物院院徽，整个作品采用了线雕刻和雕刻工艺，对龙凤纹、卷云纹的结构，进行了细致的加工，以削弱了龙、凤的身体轮廓，凸显中部位置。龙的威武庄严，凤的柔美华贵的姿态跃然于璧上，使平面图案更具立体感。南越国的雕刻师也巧妙地处理好龙凤与卷云纹的关系，在雕刻中不仅体现了元素之间轻重、疏密、聚散等节奏韵律感，而且使“形”与“意”达到高度完美结合。《龙凤呈祥》系列设计之一（图2）单独提取了原文物中“龙”和“凤”元素为纹样的代表符号，将两款设计搭配成系列作品，寓意着吉祥美好。“龙”“凤”的头部、胸部以及前爪还保留原纹样的特征，以提高辨识度。打破原有的双环型框架，将龙的尾部以舒展的姿态呈现，还原龙、凤的写实形象，让开阔的空间作为新符号的载体，原纹样的云纹也从框架中分离出来，以自由的形态穿插在龙的四周，设计线条流畅生动，向四周延展扩散开来，具有极强的感染力和扩张力，给人一种凤舞龙蟠的灵动感。在细节上依然部分还原了纹样刻画的线条，同时增添了龙身及尾部的毛发感，使形象更为生动。强调凤鸟的元素中的凤尾部分，以夸张的设计延伸为两个部分，与卷云纹呼应，突出了凤鸟形象的温婉柔美。传统的龙凤纹经过巧妙的现代设计手法加工后，将符号本质从烦琐的龙凤图案中抽离出来，从而使平面视觉传递出一种欢快简单的现代美感。图2《龙凤呈（二）延伸设计——对纹样内涵的理解及传达思想在中国古代各时期龙凤不但具有丰富多变的外在形态，还蕴藏着独特的内在文化。汉代初期，信奉道家黄老思想，提倡无为而治，天人合一道法自然。[5]《易•乾卦》载：“云从龙”。云为水气，从龙以致雨。龙是水神，是水中灵物。[6]凤鸟，自古以来就是一种吉祥的动物，《尚书.益稷》中记载，大禹得胜，“箫韶九成，凤凰来朝。”《尔雅•释鸟》中郭璞将凤凰写成，鸟首、蛇颈、龟背、鱼尾、五颜六色、六尺高。由此可见，凤鸟在古籍中的地位，是随着时间的推移而逐渐变得更为明显。总之，凤凰最大的特点就是五颜六色，突出的是天地一片祥和，是不可多得的吉祥之物。[7]龙凤表达了阴阳交合、天人合一的传统哲学思想。汉代的龙凤图案造型具有很强的工艺化、装饰化的特点，在设计上也更追求龙凤纹样的完美性，极具张力和浪漫主义的情怀，不仅表达了中国人的审美意识也是寄托了精神信仰的符号，具有特定的意义。在此件文物中“凤”头部位置靠下站立在龙爪之上，回眸与龙相望，意味着对龙的归附。在古代，艺术品不仅是为了迎合大众的审美需要，而且也是为了实现君主的政治理想，所以其装饰中所包含的具有权力威严的象征意味。但在现代龙凤纹早已不是权力的象征，而是历史文化的象征，在玉佩中“凤”作为整体纹样的次位，图案小且不完整，刻画精细度和“龙”相差甚远，凤纹常体现出优雅的神韵也是为了衬托龙的矫健与力量。在我国古代，龙多代表男子，凤多代表女子，所以，凤纹一般都会和龙形图案相匹配，而龙形图案则是位于中间，而凤凰则起到辅佐的作用。但是重新设计后，在《龙凤呈祥》系列设计之一（图2）中，提取凤鸟视觉元素独立作为系列设计中的一款，突出其主体地位进行设计，不仅提高了作品的丰富性，更符合现代人的性别平等观念。对于“凤”的处理，依旧采用了“还原主体”“舒展尾部”的方式，使新的两款设计风格是互相映衬的，提高了两款设计的关联性。在主体造型上都采用了云纹与龙、凤纹通过形式美组合在一起，形象舒展优美、风格灵动、突出主题，蕴含了“祥瑞之兆”“龙凤呈祥”“龙凤双喜”等文化内涵。“透雕龙凤纹”在再造的同时，将中国的传统资源、先进的思想、流行的元素以及对传统审美和现代气息的浓缩糅合在一起，展现出了一个国家的文化自创意、个人的创作才华相结合的过程。

（三）现代平面设计配色方案及文字设计对传统纹饰的再创作

传统纹饰背后隐含的文化内涵想要与现代的视觉传达理念融合，在保留原有的符号特征的基础上进行再创造，精炼概括其形态，加以现代人的审美观念的配色和文字设计与原纹饰结合，使其富有时代特色。颜色的组合在图形的设计中占有举足轻重的地位。颜色的改变能带来强烈的视觉冲击力，在平面上通过调整颜色、亮度来表现情绪，在色调、亮度方面；多种颜色的结合，可以诠释一个人的情绪，让人从他的眼神之中，感受到了一股惊人的能量，感受着这三个字所蕴藏的含义。所以，颜色对平面的影响是毋庸置疑的，因为颜色是造型美和传达美的一个主要因素。色彩是文化、宗教和人们传统审美观念的长期积累，其内涵十分丰富，是历史传承、发扬民族文化的主要表现形态。[8]《龙凤呈祥》系列设计之一（图2）大胆地将高饱和色度设计融合在其中，同时又有撞色的设计感，用强烈的色彩对比烘托了祥瑞、喜庆的氛围，符合原纹饰的文化蕴含，也让受众更深刻地去理解其含义。文字也是平面设计的重要组成要素，在网络时代背景下，文字与图像都起到了至关重要的作用，而精炼的文字设计可以增加作品的艺术感染力，清晰、准确地传达作品内容。《龙凤呈祥》系列设计之二（图3）中运用了解构重组的设计风格，将原“龍”“鳯”二字拆分，用透雕龙凤纹重环玉佩（图1）中提取的元素代替具体的某些笔画，但又不影响原本文字的辨识度，确保人们可以准确地接收文字信息，同时增强文字的可观性和视觉形象效果。把龙的刚劲和凤的柔美融合在文字中，意形结合，既保持了原始汉字的基本构图，又使汉字具有鲜明的时代特征、深刻的文化意蕴。传统意义上的纹样，在当前的平面设计、重构再创造中,除了传统价值观念、艺术审美取向的进一步改进和丰富之外,各个时代的文字、文化等特征，通过融合的方式，也必然会使得传统的图案装饰艺术形式本身得到很大的发展，其内涵、形式之美感，也会得到进一步的提高。图3《龙凤呈祥》系列设计之二结语南越文王墓出土的透雕龙凤纹玉佩以精巧的工艺和富有艺术感的造型对现代艺术有多方面的启迪。本文以透雕龙凤纹重环玉佩上的装饰纹样为主要实物依据，分析研究南越国时期装饰纹样造型的独特性，内涵的传承性。深度挖掘纹样背后的文化内涵，通过将传统文化元素的精髓与现代视觉传达系统相结合,可以有效帮助设计师拓展设计思维,在增强平面设计作品观赏性的同时丰富意境,使传统纹样焕发出新的生命力，实现对传统文化的有效传承与发展,有着极大的应用价值与发展前景。

参考文献：

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[7]胡田甜.南越王墓出土凤鸟纹玉器与巫文化[J].文物天地,2019(01):15-19.

第9篇：流行的平面设计风格范文

关键词：生态建筑； 设计；观念；创新

中图分类号：S611 文献标识码： A

1生态建筑的设计原则

1.1与时代和社会发展的主流相适应

生态建筑作为与社会发展息息相关的基础设施，其设计原则要时刻保证与社会发展的主流相适应。社会发展的时代趋势、时代特色、流行元素等等越来越关系到建筑设计的风格。对于生态建筑设计来说，社会发展的趋势就是其风格的指向标，脱离了社会发展元素的建筑设计不是成功的设计，生态建筑就是要能够时刻与时代的发展保持同步，保持较强的流行性的特色，彰显现代建筑设计的特色和内涵。任何一种依附于社会和时代而存在的建筑，都需要紧紧地追随时代的潮流，时刻保持和社会的发展相适应，唯有如此生态建筑的设计才更有前途和强大的生命力。

1.2符合人们的价值观念和思考方式

人们的价值观念和思考方式也是关系到生态建筑设计的重要因素，随着时代的变化和发展，人们对于建筑设计风格的要求也越来越高，既要能够与当地的自然条件相适应，同时也在追求更高层次的美观、时尚和流行等特色。未来的人们将更加时尚和开放，在建筑的设计风格上也更加追求舒适、美观和标新立异，这也在对于生态建筑的设计提出了更高的要求。不同的人群可能会追求不同的设计风格，总体上说，生态建筑在设计上除了要遵守生态性这一前提之外，还要充分地站在人们的立场之上进行设计，力求让大众满意。人们的思维方式和价值观念是决定建筑设计风格的根本，生态建筑设计的理念正是建筑行业发展的新方向。

1.3以促进人们生活和社会发展为原则

在我国市场经济体制的引领下，生态建筑的设计不仅仅是一项普通的工程，同时也是一种无形的经济象征，成为一种财富的聚集力量。所以生态建筑要充分地发挥它的这一力量，以便能够不断地促进人们生活质量的提高，为社会的发展创造更多的财富。生态建筑的意义是多重的，这里的生态不仅仅是一种客观上的自然环境因素的象征，同时也代表了安逸、舒适的生存状态，成为当代人们所追求的目标。也正是这一特点决定了生态建筑要以促进人们生活和社会发展为基本原则。

2生态建筑体现出的新特征

2.1健康、环保、绿色的观念成为建筑设计的前提

生态建筑是时代和社会发展的产物，对于生态建筑的设计来说，其首先应体现出健康、环保、绿色的设计理念，要充分地体现出“生态”的观念和特点。健康和绿色是时展的主题，也是科学发展观践行的必然结果。在生态发展、和谐发展的今天，建设生态文明已然成为一种不可阻挡的趋势。将生态绿色的观念与建筑的设计相结合，不仅仅能够彰显时代的发展潮流，更能够体现出人们的生活方式和生存状态。

2.2技术创新与文化理念的相互交融，呈现多元化特色

对于生态建筑设计来说，技术上的创新和文化理念的相互融合是至关重要的，将这两者相互弥补并加以整合，对于整体的建筑风格来讲是至关重要的。生态建筑的设计呈现出来的是多元化的特点，体现的是多重元素的相互融合，这是文化繁荣的必然结果。在生态建筑的设计过程中，不同的设计风格可能会受到不同地域、不同文化、不同价值观念的影响，但是总体来说生态建筑设计都能够做到与时俱进，充分地彰显时展的潮流，散发出新鲜的活力和能量。

2.3生态建筑越来越体现为一种生活方式

生态建筑是社会发展的必然产物，这一设计理念充分地显示出了人们内心的价值追求，生态元素的提出恰如其分地反映了人们的内心取向。可以说，现代建筑设计的新特征就是体现出较强的生态性，即体现为一种人们所期望的生活方式，响应人们内心对于生态建筑的追求。社会的发展和进步，使得人们在逐渐地追求一种健康、绿色的生活方式，那么生态建筑在设计的时候只有充分地展现这一特点，才能够满足人们迫切的需求，为社会的发展创造更多的财富，推动社会和时代的发展进程。

3生态建筑设计发展新方向探索

3.1结合当地的自然生态条件进行设计

生态建筑归根到底是客观的自然条件下的产物，只有将建筑的设计与自然生态条件相融合，才能够设计出更加实用、更加新型的建筑作品。在进行建筑的设计时要充分地了解当地的地理环境条件，并顺应当地的气候条件进行设计，为人们营造良好、适宜的居住条件。要能够结合传统建筑设计中的布局、构造和空间安排等思路，并结合当前社会流行的建筑设计特色，使得建筑更加生态化，富有时代创新的活力。要充分地考虑到平面设计、空间的渗透与穿插、室内的空气流通情况、庭院的介入及其对气候的调节等情况，将自然生态放在设计的首要地位。

3.2传统设计与本土材料结合，体现地域性

毫无疑问，建筑是一个时代或地区风土人情、自然地理、传统习俗等一切文化及地貌的反映和表现，体现出来的是一个地区的文化，所以在建筑设计的过程中，要将生态的元素与本土材料相结合，体现地域性。针对不同的地区，要充分地利用当地的资源，主动地应用高新技术手段进行创新，使用当地的建筑材料进行装饰，可以引入当地的绿色植物进行室内的妆点，营造良好的环境氛围。从很大的程度上讲，地域性特色的展现就是生态性的集中体现，最能够彰显地域性特色的建筑往往就是最绿色、健康、生态的，传统设计与本土材料的相结合是现代生态建筑设计的根本潮流。

3.3在重视地域性的同时进行文化上的创新

未来建筑的新趋势是多种社会元素的相融合，文化的力量已经逐渐渗透在人们生活的各个角落。对于建筑来说，它已经不仅仅是作为一种必要的生活场所，其实更加是一种文化上的创新和思维的结晶。因此，对于生态建筑的设计和发展来讲，要充分地利用文化的力量，来不断地为建筑的设计增加更加丰富的素材和活力。不同的地域往往体现为不同的文化，这些不同的文化元素正是地域性的强烈体现。将文化元素与设计相结合，不仅仅能够加速城市建设，同时也会为社会的发展创造源源不断的经济收入，促进社会发展的进程和脚步，所以从这个角度上讲，生态建筑的设计还是要结合多个角度进行综合考虑的。生态建筑说到底就是一种理念上的创新，创新的来源有很多，需要综合地域、文化、环境等特点来进行思量，站在时代的前沿进行生态建筑设计的探索和尝试。

4 结语

随着社会各方面发展的多元化，建筑的设计也呈现出多元化的特点和趋势，创新成为生态建筑设计的原动力。生态建筑需要将绿色的生态观念融入其中，同时也要将文化、自然、社会等诸多方面的元素加入其中，打造符合人们价值观念、顺应时展潮流的建筑作品，让生态建筑与社会、自然融为一体，要不断地进行文化意义上的创新，力求设计出既能够体现出强烈的时代特征同时也要彰显别具风格的本土特色的生态建筑设计作品，满足人们对于生态居住、生活环境的要求，同时促进建筑行业的蓬勃发展。

参考文献

[1] 王富平、栗德祥：绿化技术在生态建筑设计中的集成应用[J]；《建筑学报》；2007，（9）

[2] 段国志：试论生态建筑设计与建筑设计生态化趋势[J]；《黑龙江科技信息》；2013，（9）