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一、民间美术
在我国传统文化中,民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式,经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术,其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点,并将自身的审美观、价值观融入艺术创作,这也是民间艺术最主要的特色。此外,民间美术在基层人民中诞生,其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富,包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上,以物质的形态出现,但其本质依然是一种精神象征。
随着社会经济的发展,现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制,成为一个国家或地区重要的文化体现,反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段,在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透,所以,对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说,其主要以体现社会意识而存在,能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响,并以科技的发展为基础。因此,科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响,还拓展了现代艺术的设计思维。
三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨
1.现代艺术设计源泉来自民间美术
优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活,生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段,其在现代艺术中以源头的形式存在,并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体,是民间美术中不可或缺的重要组成部分;精神则反映出当代人的审美意识与审美追求,是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化,现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此,设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓,从而创造出独具一格的艺术作品,进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。
2.民间美术深化现代艺术设计创造力
民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的,其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合,充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术,不但可以培养设计者的想象力,还能探索与发现素材所具有的规律性,从不同的视角观察和思考事物,促进思维的发散性。
3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术
随着各种现代艺术活动的开展,更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现,走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化,借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现,这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。
4.两者之间的文化内涵共通
在创造民间美术的过程中,必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念,将这些因素融入创作主题,将人民生活的情感接通,融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践,不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变,民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外,民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感,让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源,从而促进两者之间文化内涵的共通。
结语
将中国质感(脸谱、纹样、图案等)纳入中国设计,传统与现代的结合正是时下流行的设计思潮。在现代装饰艺术设计中,追求艺术上的独创性和鲜明的个人风格使得传统纹样在保持传统形式和风格的基础上各自发挥自身的优势,努力创造出属于设计人自己的艺术个性。回纹所具有的严密性、规律性和节奏性的造型形式以及“绵延不断、富贵不断头”的吉祥寓意使得它在现代装饰艺术设计中居于重要位置并被广泛运用。新技术、新材料的开发,人们审美观的转变,在装饰艺术领域不断渗入新的形式法则和构成原理,回纹纹样已通过装饰手段及构成原理充分用于视觉传达设计、产品设计、室内设计和服装设计之中。从现代的广告包装、书籍、纺织品、家具、建筑中都可以看到回纹的身影,与传统形式不同的是多了几分现代情韵。现代设计中的回纹也是从古代的回纹发转而来,只是将传统的回纹纹样进行了更高层次的创新与应用。它在运动性、抽象性和规律性上有了进一步的发展,对形式和内涵进行了变化与融合,提炼出回纹中“形”的元素进行新的立意与设计组合。
1回纹在标志设计中的应用
在标志设计中,标志的表现手段通常是利用图形文字构成具体可见的象征性的视觉符号,并将这一视觉符号中的内容、信息通过简洁的形式传达给观者,从而达到树立品牌形象的目的。回纹因其干脆、齐整的构成形式产生了一种简洁而稳重的视觉张力,被广泛地应用在现代标志设计的领域之中。如中国联通的标志,是一种回环贯通的中国传统吉祥图案“盘长”演变而来的。迂回往复的线条象征着现代通信网络,蕴含着信息社会中国联通公司的通信事业井然有序,同时也象征着联通公司的事业无以穷尽,日久天长。无独有偶,中国邮政电信总局,中国移动总公司的企业形象也用了吉祥纹样——“回纹”。可见,回纹这一吉祥纹样在现代企业,特别是高科技领域里,也有其独特的、丰富的象征意义。如华鼎传媒标志设计,其外形契合与文字呼应,标志设计用回纹构成一个形象的鼎字,外形契合与文字相互呼应,给人以深刻的印象。杭州南宋御街标志,设计把回纹和南宋建筑特点相结合,从构成形式上传达了视觉感受,从纹样内涵上表达了历史悠久的时空感。
2回纹在现代服装设计中的应用
在现代服装设计中,回纹这一传统中国纹饰不仅在国内得以运用,而且在外国的著名服装品牌的设计中绽放异彩。例如2011春夏范思哲推出的系列礼服明显表达出设计师对中国传统回纹的钟情,这个充满中国古典韵味的花纹,被大量镶嵌或印染在平整的紧身、性感、充满异域风情的礼服上。范思哲的立体剪裁让露腰细节成为重点,给了女人们更多展现自信的空间。回纹纹样镂空透视设计更添神秘感。印入眼帘的主角是一袭中国红色礼服,几何拼接剪裁同整齐划一的回纹形成反差和对比,既富有中国韵味又个性时尚,气场强烈,尊贵高雅。展示的礼服各有特色,不同的颜色搭配不同形式的回纹,不论是镂空还是拼接,回纹的魅力被散发得淋漓尽致,或大气或婉约,或性感或柔和,或高贵或典雅,让人不禁赞叹设计师将回纹运用得巧妙与独特,让中国传统纹样在现代服饰中散发出另类、神秘、大气的独特魅力。又如北京服装学院建校50周年概念中山装的设计,在装饰图案及工艺上融入了中国传统元素,体现了中国的传统文化和当代时尚的完美结合。回纹,分别运用于领口、肩部、胸部、袖口等位置,彰显这款中山装的大气磅礴。
3回纹在现代室内设计中的应用
回纹运用重复、简化、拓展、解构、重组等造型手段多次运用到现代室内设计中,形态简约却不简单,中国味道浓厚。如运用在二维化的地毯或屏风时,常见有单体回纹,也有二方、四方连续回纹等。又如墙顶、吊顶运用回纹解构重生、三维立体形态的表达,赋予新时代的风采。2010年上海世博会中国馆设计是回纹纹样形式应用于建筑、室内外观装饰设计中的经典案例。柱子剖面上以及导向牌上回纹的应用正是从细节体现出了中国特色和时代精神,使整个设计内涵更加厚重。又如西安大明宫国家遗址公园建筑小品长椅设计,运用回纹作为边角的装饰,把中华传统文化融入现代设计之中,简约大方,风格独特,同时符合科学力学原理的特点,带有观赏性和实用性。不难看出,回纹在现代各个领域的装饰艺术设计中演绎着它独特的民族理念和文化魅力。它不只是一个装饰符号,更多蕴藏人文理念和文化思想,其方正、严谨规整的构成形式与丰富的内涵寓意是其艺术价值的集中体现。时代赋予回纹新的生命和内容,传统回纹也为现代设计增添了一抹别样的东方风情。它的古为今用,传统与现代的结合,得到了设计行业的一致推崇。通过对大量的现代艺术设计案例的归纳与研究发现:无论传统回纹纹样被应用于何种领域,它在应用的过程中依然遵循对称及均衡、连续与重复的装饰法则,形成了一种庄重、平稳、规则有序的视觉冲击,画面生动与多彩。当代回纹的应用最重要的是维持并保护某些原生态特征,结合各种艺术形式特点,赋予回纹更加丰富且深远的民族文化内涵。
二、回纹的设计创新视角研究
1回纹元素创新视角设计的思考
创新是一种精神,更是一种勇气。创新的意义在于把已经取得的进行再一次发展和升华。因此,我们要努力将传统文化与现代艺术设计紧密结合,努力发扬与传承传统文化,形成中国式的设计风格,这也是艺术设计人员们不断思索和探索的新课题。对传统纹样的研究与探索需重新审视并深入分析研究,从而使其得到更好的继承与发展。首先,要提高民众对中国传统文化的理解与重视,维护并保存传统纹样的形式;其次,要加强中国传统文化及其表现形式的发掘;再次,要重视中国传统图形符号的研究。回纹在古代的应用精彩还是在现代设计中更胜一筹,笔者认为因其展现风貌是截然不同的,所以各有其精美之处。因此以回纹的原貌作为设计的灵魂所在,还原其本意,升华设计主题。回纹的纹饰并非简单而没有过多用武之地,其实它本身就是中国纹样史的一个重要符号,意义极其深远。在古代的装饰设计中,回纹多数作为辅助纹样,衬托主体。但在现代艺术设计中,以回纹为灵魂的设计多是利用回纹本身作主体,重组与升华,让回纹做真正的“主角”。回纹在现代设计中大放光彩,不仅是因为它的外表质朴,更是它所积累的无穷深远的文化内涵。选用回纹,取其一部分进行衍生再造,在古老的图形中注入适合时代的意义。
2回纹元素的设计案例分析
在笔者的设计案例中,回纹将作为灵魂线索贯穿其中,赋予设计更深一层的内涵与意义。现在的生活中慢慢的被现代化所充斥,手边随意的物品都是冷冰冰的印刷品,没有手感,没有温度,更没有情感。回纹为混,形如回,意深远,回归质朴、充斥情感为设计的主要目的。意图通过设计重温没有污染、没有机器、更多情意的质朴年代,回到纯净的手工艺中,将一汪情感寄托于回纹,又透过回纹感受纯朴的本质。实现途径:通过印章手工艺回归原始的印刷状态,将质朴的印章元素融入其中,以回纹的深刻内涵作为主要灵魂,展现印章所饱含的浓厚情意和现代元素,传统与现代碰撞之后突出主题,升华内涵。选择印章是因为其雕刻时间比石刻、木刻短,也不需要繁杂的技艺,章的表现内容也极为广泛和随性。图5印章工作室的标志设计,主体运用回纹的单体形态,结合印章的方正概念而绘制出来,通过细节的增减让回纹图案同章法二字紧密结合,以留下印记的方式,呼应设计的理念。感动我的不只是那一刀一刀的刻痕,更是那与世无争的质朴、刻章人的情意。这一点与回纹的情感相似,朴素而又质感。回纹纹样需要结合现代生活因素,本着装饰的原则,改变较为单一的表现形式和手法,应用现代化的材料,使其形式丰富多彩,富有现代感、时代感。将回纹融合其他艺术门类、科技领域,不仅能将传统艺术和现代艺术新旧结合,还体现出设计师冲破束缚、勇于创新的现代设计理念,运用现代高科技满足现代观众的审美需求。
三、总结
由于科学技术在不同各学科之间,它们相互间彼此渗透又互相促进,这样就会使任一学科,需要在整个科学体系的发展,需要在相互联系中才能得到,因此,现代科学体系结构在发展中,呈现整体化的趋势。随着自然科学的大量涌现,人类对客观世界的认识不断深化。在这种情况下,在研究摄影艺术中就产生了综合研究的必要。科学工作者从特定的视角,对自然科协揭示了本质联系和运动规律,这不仅为现代科学技术提供了新思路和创新的思路,这样就使科学有了共同的概念和方法。使科学社会学和自然科学相互促进,互相渗透,使它们成为相互作用的产物。因此,本文将从以下几个方面分析现代科技对摄影艺术观念的影响。现代科技可以有效地改善摄影艺术观念,将数字技术和信息科学作为载体,其特征包括了三个方面:首先,现代科技可以有效地将高科技、多媒介、多技术三者融合在一起;其次,现代科技可以通过加强信息传送的即时性和互动性,这样就可以极大提高摄影艺术中的一些互动因素,就可以改善摄影艺术创作周期过长的弱势;其三,现代科技可以充分地改变媒体传播渠道和传播方式,这样就可以有效地把摄影艺术的范围扩散得更加的广范,可以让能够感受摄影艺术的人群,得到大幅度提升,让更多的人群享受在摄影艺术之中。
二、现代科技与摄影艺术观念
(一)现代科技可以改变视角定位
近些年来,随着现代科技的发展,我国也在不断地蕴育着自身文化色彩的发展,例如摄影艺术观念的发展,这些摄影艺术观念的发展,其中既包含了抽象的哲学概念,也包括了具体的唯物主义理念。在传统的摄影艺术中,主要的发展方式都是通过第三人称的方式,其中的意义主要是描绘一种环境和一些人物,这样就可以将其中的艺术内涵集中突出在人物上,这种传统的方式,虽然在早期的摄影艺术展览中获得了巨大的成功,是获得者成为世界名人;但是,在现代社会,由于物质需要的增长和平均文化水平的提升,当代人类已经开始对这种第三人称的艺术审美感觉到疲劳,随着现代科技的发展,摄影艺术中采用第一人称报道和研究的作品很多都取得了巨大的成功,这种变化是因为现代科技采用超文本和网状传播方式实现摄影艺术的传播,实现了时间和空间的完美结合,让人们能够真实地感受到三维的存在感。
(二)现代科技可以改变摄影方式
现代科技的发展,使摄影技术发生了深刻的改变。一方面它改变了传统的冲洗照片的过程,使摄影方式改变成了现在的即时冲照技术,这种技术的发展有效地提高了摄影的便捷性和瞬时性,从根本上改善了摄影艺术观念。另一方面,由于摄影镜片制作工艺的工业化,大量的高清晰的摄影设备和大规模的摄影人群加入到了摄影艺术之中,现代科技将这些原本局限于艺术家的创作艺术范围,提升到了全民创作的历史阶段。如今一大批的草根创作者,已经涌入到摄影的创作之中,在他们的创作之中,有很大一部分摄影品,是以往的艺术家所没有涉及的摄影领域,这些草根摄影者的创作,使现代科技不仅为广大草根摄影者创造了摄影的便利条件,也更加为草根摄影者提供了充足的拍摄时间,让草根摄影者拥有更多的精力,来开拓新的摄影艺术观念,同时还可以使摄影艺术的叙述方式发生了翻天覆地的变化,更好地使摄影艺术融入广大的大众,使广大的人民大众享受摄影艺术的魅力之中。
(三)现代科技可以改变摄影概念
现代科技将摄影技术引入更大数量级的人群之中,由于现代的艺术创作架构得到极大的变化,已经无法再和传统的摄影艺术相类似,这就使现代的摄影艺术家们感到身上的压力,他们开始探索主观概念方面的艺术创作,这些艺术创作可以使摄影艺术通过对摄影作品的模拟扩展和再造,在观赏和效果上得到极大的提高,这样他们也可以对这些文化产品进行技术化处理,使传统的虚拟摄影题材不再是无中生有的文化。现代摄影艺术利用自身传播速度快的优势,已经在进行摄影艺术的传播,并带来很大的影响,同时它又是可以采用平等、虚拟、开放的方式;此外,它又可以依照陈旧的审美观点,将摄影艺术转化为较为高雅的精神力量,使摄影艺术来源于生活,却又高于生活,使摄影艺术成为一种文雅的艺术食粮,满足当代人类的需求。
三、结语
关键词:木雕艺术;现代室内设计;融合
作为我国艺术领域中的重要组成部分,木雕艺术与室内设计的关系源远流长。木雕艺术促进室内设计的统一,与现代元素相融合,形成多元化发展需求。木雕艺术在现代社会中,更趋向于实用性、私密性以及公共性的发展趋势,这也为传统木雕艺术的发展奠定了基础,从而促使它与现代室内设计的融合。
一、传统木雕艺术与现代室内设计
传统木雕艺术起源于石器时代,是我国悠久历史文化底蕴的体现,木雕将一些传统纹样或是历史故事等形式进行意象转化,用来表达古人的思想,从周朝时期开始,我国古代工匠就开始将传统木雕艺术运用到室内设计上,其设计思想给我国现代室内设计的应用提供了许多灵感。目前室内木雕艺术的发展大多数还处于传统艺术的状态,更多的是一种艺术摆设功能的应用。随着人们对于传统艺术的追求以及国家对于传统艺术的重视,木雕越来越受欢迎。近几年,人们生活水平的提高以及国家经济政治的蓬勃发展,越来越多的民众开始了解和喜爱传统文化。在很多居住、休闲、娱乐的室内空间中都会有传统木雕艺术的体现以及运用。中国传统木结构建筑的室内空间,其特色主要体现在建筑室内空间与室外空间交替,并运用木质构件或雕花物件的虚实空间节奏产生的美感上,又体现在利用隔扇、花罩等建筑构件分隔室内空间组织所产生的空间流动美上,不仅能够借用于现代传统家具、传统陈设物品来装饰室内空间,而且以此来共同塑造传统室内空间,丰富其传统文化艺术内涵。现代室内设计虽然不具备像传统建筑风格中虚实空间相互和谐的节奏形式,但可以通过传统家具或室内陈设物品来分隔和装饰室内空间,同样可以营造动静统一的设计美感。很多设计大师通过结合现代化的设计手法,将木雕中的各种艺术元素进行提炼和重组,将木雕所蕴含的传统文化与室内设计形成一种新的文化氛围,使现代室内设计具有亲切感的同时兼具设计感。
二、木雕艺术是室内设计的眼睛
从目前现代室内设计领域的发展以及其表现形式和作用上来看,木雕艺术得到广泛的应用与开发,说明了木雕艺术在室内设计中占据了重要的地位。
(一)木雕艺术在现代室内设计中的应用意义
在现代社会中,人们对于环境较为重视,尤其是室内设计整体格调的布局。将室内整体布局、格调得到统一后才会以此为基础进行进一步的细化设计,并在设计中求得变化与变通。使得室内设计更具有特色性,同时提升其舒适以及协和度。就因为如此,木雕艺术在室内设计中才受到越来越多人的喜爱。在室内设计整体的应用过程中,木雕艺术可以利用图案及色彩等,促使室内设计更富有变化与统一。在家居设计方面,设计师首要考虑的是室内整体的协调性,首先将沙发、茶几、天花板、背景墙、沙发等主要设计部分的风格、样式等进行统一,在此基础上进行细节上的变化,木雕艺术与时代元素紧密的结合在一起,促进整体设计的现代感。在现代室内设计中,木雕艺术留下了优秀的图形遗产。而这些图形遗产的产生为现代室内设计的应用带来有效的视觉资源。其次,丰富的题材为现代室内设计提供了广泛选择性的空间。同时,木雕艺术的构图进一步满足现代设计的形式,给予现代室内设计更多有利的题材,促进整体的发展趋势。传统木雕家具和木雕艺术作品在组织分隔装饰室内空间方面,有着极高的艺术性和装饰成就,是中国传统室内装饰上杰出的艺术成果,至今仍然具备旺盛的生命力。木雕不仅仅需要在本身的表现形式上突出艺术性,在室内设计中更要展现出实用性以及装饰性的效果。在如今社会中,木雕艺术在现代室内设计中占据了重要的位置。随着时代的发展,木雕艺术在室内设计中被赋予更多现代化元素,同时也赋予木雕更多的艺术文化内涵。木雕艺术除了对室内实用性有要求之外,也提出个性化与装饰性的要求。这为木雕艺术在现代室内的发展与生存提供了更多空间,也进一步的说明木雕艺术在室内设计中的审美作用。
(二)满足与现代元素紧密结合的多元化需求
在室内设计中,木雕艺术并不是一成不变的,具有较高的变通性以及发展性,与现代元素紧密的结合在一起,与社会时代的审美趋势紧密结合在一起。在设计风格上需要注重风格的多样化,与周围环境的紧密结合,实现其基本的功能性和实用性的前提下,进一步促进木雕艺术的发展。传统木雕应该根据现实的设计理念和现实需求进行再造,从而可以产生新的设计形式,一方面,可以选用现代化的材料以混搭的形式,将传统木雕与新型材料结合来体现现代化的设计理念,能够在满足室内设计对传统文化的需求的同时,体现创新的思想,另一方面,可以将木雕和其它的媒介进行组合,搭配色彩和科学技术等媒介,使木雕艺术在现代室内设计中变得更加现代,为室内环境增添鲜活的设计感。[2]室内设计中与现代各种元素相融合的木雕艺术,能够较为全面的满足不同阶层的人们品位上的追求。及时调整木雕艺术的设计趋势,与时代元素相融合,为木雕艺术的发展提供广泛的空间。
(三)结合室内结构,塑造舒适的室内空间
现代室内设计中,人们注重的是实用性,在家居生活以及办公方面更注重效率使用性。因此,木雕艺术室内设计中应该以室内结构为基础,合理利用空间。木雕可以利用自身的特点,可以调节大小、宽窄以及样式来满足室内设计的需求。在设计中,最常见的是木雕隔断的应用。传统建筑室内的灵活分隔主要是以空间隔断来完成,在传统室内空间中无论以何种隔断形式,其共同特征都是通过分隔,使大空间局部化,以满足各类空间职能的需要,对空间具有一定的组织划分作用。[3]隔断是我国传统室内空间布置和装饰分隔空间常用方法,常用来分隔室内空间或增加室内空间层次作用。利用木质屏风进行隔断,可以根据大的空间来进行有效划分,同时不会影响整体设计的需求。木雕隔断可以有效的塑造中空间的实用性,满足现代人家居空间的需求。
三、木雕艺术在室内设计中的发展趋势
对于现在的室内设计,木雕艺术所发挥的功能与应用越来越多。木雕艺术在室内设计的发展趋势,包括其空间性和实用性应用、以及私密性空间设计的概念。
(一)更多的应用于室内公共空间
公共空间主要指客厅、餐厅等,成员可以出入的地方,就此为依托进行沟通的环境,这是室内设计中最重要的环节。木雕艺术主要应用在不破坏整体的区域进行有效的划分,赋予空间更高的立体感,同时美观也不会受到破坏。为了确保餐厅与客厅风格上的统一,多数会利用门与屏障将客厅与餐厅有效的划分。现代室内设计注重的是房屋整体的统一,而不是简单小空间的统一。我国房屋设计客厅与餐厅往往是紧密相连的,将这两部分视为整体进行统一的构造。利用功能的不同,在设计以及色彩、理念中,更为有效的结合在一起。最大程度的确保整个设计的协调性,增加室内的美观。
(二)室内空间实用性设计的发展方向
实用性的设计主要包括厨房、卫生间等具有用途的空间设计,有效的保证家具设计符合人们的使用需求。而这部分空间的装修设计,更具备实用性的特点。在室内设计中,虽说应用型较为重要的,但是确保实用性增强其美观也是非常重要的。木雕艺术的应用满足了室内设计格局的统一需求,同时也满足了人们对于住宅整体审美的需求,提高人们的使用质量。
(三)私密性空间设计概念的应用
所谓的私密性空间主要是指卧室、书房,人们用来休息的地方。这部分的设计往往会根据人们实际的需求以及意愿来进行设计。而木雕艺术在这里主要展现出美观性与可塑造性的特点。在现代室内设计中,会根据人们不同的格调需求以及使用性的需求、空间色彩的搭配需求,充分的利用木雕艺术来展现,满足人们对于私密性空间的使用,而私密性空间的设计也成为木雕艺术在室内设计领域中重要的构成。[6]
四、总结
虽然木雕艺术属于传统艺术范畴,但是木雕艺术的发展与室内设计之间存在着一定的关联性。同时又能与现代因素紧密的联合在一起,有效的满足人们对于家居设计的要求。因此,室内设计领域进一步的促进木雕艺术的发展与传承,为木雕艺术的发展带来更为广泛的空间。而室内设计的发展中,木雕艺术将发挥更大的功效,促进整个行业发展,为人们家居生活带来更多更好的设计。
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[4]中国非物质文化保护名录———宁波朱金漆木雕[J].中国生漆,2008:51-52.
1.装饰艺术概述
装饰一词泛指艺术修饰,在西方,装饰一词起源于17世纪中期,而在中国,这个词的出现更为久远,早在5世纪到6世纪,对于依附于某一主体的绘画或雕塑工艺,统称为装饰。这一艺术形式不仅仅包含追求形式美感的装饰艺术,也包括了抽象性和象征性的因素。这是比较广义的概念划分,对于装饰一词的狭义定义是指一件事物按照形式美的规律来对艺术对象进行抽象、变形或者加工整理,从而使其产生形式美的一种艺术风格,其中,这些艺术加工运用到了平衡、秩序、韵律、节奏、统一等的形式法则。
2.服装设计概述
服装设计是一门综合性很强的学科,它涉及到了美学、心理学、材料学、市场学、工程学、文化学以及色彩学等。服装设计是一项系统的过程,从对设计对象的构思到实际图像的绘制,再到效果图的完成,最后到服装的剪裁、缝纫等一系列的流程,都是服装设计里面的范畴。其中最重要的是,服装设计不等同于普通衣物的制作,它在实用性的基础上要求个性化,要求设计者设计出集实用、美观与个性化于一体的服装。
3.装饰艺术与服装设计的关系
装饰艺术在某种程度上依附于服装设计,因为它要依靠服装这个载体来展现自己的美感,如新时期时期彩陶器上面的装饰都是经过夸张变形之后的图形,这些装饰艺术为彩陶器增添了艺术美,在服饰的装饰上亦是如此,特别是发展到现代,装饰艺术与服饰设计更加密不可分,服饰脱离不了艺术装饰。
二、装饰艺术对服装设计的影响
1.装饰艺术对服装设计观念的影响
艺术家在创造作品时,先是从日常生活中选取素材进行加工制作,最后完成艺术或文学形象的创造,在这个过程中所动用的思维活动则是形象思维的活动过程,在人类历史千百年的流变中,服装设计的灵感来源丰富多样,有生物学的因素,也有传统民族文化和社会文化的缩影,因此,装饰艺术对现代服饰设计的思想观念产生了巨大的影响,其中包括一些夸张的造型、艳丽的色彩、环保理念等现代思维方式。
2.装饰艺术对服装设计实践的影响
现代服装设计师在灵感的来源上不再局限于自然事物和传统抽象思维,在实践过程中,更多的是运用装饰艺术中的灵感,比如中国的龙图腾、摩洛哥的靠垫、巴布亚的屏风,这些意象直接成为现代服装设计师的取材来源,这种直接现实性也是现代服装设计的一大特点,但是究其根本,还是因为装饰艺术的发展充分成熟,灵感的来源能够直接作用到服装设计中,在当下大热的豹纹图案、复古军用鞋上面,设计师们在用装饰艺术潜移默化地影响着我们的日常生活。
三、装饰艺术在服装设计中的实际应用
1.装饰艺术色彩在服装设计中的应用
色彩对人的感官影响直接而鲜明,因此在服装设计中对色彩的运用于把握是一项重大的课题。色彩具有自然与社会双重属性,其自然属性比较固定,因为基于人类的生理属性,在对颜色的反馈上具有一致性和稳定性,但是其社会属性则会随着历史文化的变迁而被赋予不同的内涵,甚至在不同的地域间,其意义也不尽相同。这就造成了色彩在装饰艺术运用上的丰富性,特别是在服装设计上,色彩的运用影响到了服饰的视觉效果、心理效果和文化特征。
2.装饰艺术材料在服装设计中的应用
随着人类文明的进步,服饰的材料选择上面也在不断出现新变化。从最初的动物皮毛、树叶草皮等就地取材的原料选择,到如今的棉、麻、丝绸、雪纺、牛仔、呢绒、皮革等等材料,这极大地丰富了服装设计的选择性,而装饰艺术上的材料也发展为金属、石器、木材、贝壳、绳索等,这些材料因为自身天然属性的特征,在装饰艺术中呈现出诸如透明、粗糙、莹润、奢华、细腻等视觉效果,通过装饰艺术对现代服装设计的思维进行重组,创造出富有个性和时代感的作品。
3.装饰艺术图案在服装设计中的应用
广义图案是指某种器物的造型样式、结构色彩,而在服装设计中,图案则专指设计艺术中的装饰纹样,它包括了几何图形、人像、花卉、动物、风景以及其他抽象的图形,这些图案以或规律或杂乱的形式布局在衣物上,造成强大的视觉冲击力和特殊的艺术魅力。得益于现代科学技术的发展,现代服装设计中对于图案的应用技巧更为灵活方便,由此衍生出多种多样的服装图案,为现代服饰文化增加了丰富性。
四、结语
一、立体主义的形式对现代平面设计的影响
立体主义是现代艺术中最重要的运动。这个运动起源于法国印象派大师保罗·塞尚。他在1900年前后,开始探索绘画的“真理”。他创作了大量的风景绘画,采用小方格的笔触来描绘山脉、森林,他认为用这种方法,才可真正捕捉到山林的本质,而不至于仅仅浮在事物的表面。追求找到描绘对象的实质表达对象的精神,达到神似,而不是简单的表面写实主义再现的形似,这成为塞尚创作的核心。他的作品,也深深影响了青年一代的艺术家特别是来自西班牙的青年巴布罗·毕加索和法国青年艺术家乔治·布拉克。他们在1907到1908年之间开始以小方格的笔触描绘人物和风景,他们不断交流,互相影响,而他们的创作,遭到当时法国主流艺术界的抵制,但是他们依然坚持不懈,创作丰富。而在具体的创作上,他们的风格日益抽象,并且开始把印刷文字、废报纸剪贴等加入画面,把以前依稀可辨的对象发展成为基本抽象的几何图形构成,色彩上也越来越单纯,笔者认为这在一定的基础上具备了平面设计的意味,把当时的平面设计从具体的文字、绘画表现手段中逐渐解放了出来。因为这个运动的中心形式是由对对象的理性解析和综合构成。因此,它的发展具有某种程度的理性化特点。对于当时正处在探索20世纪新形式的平面设计来说,立体主义提供了借鉴的基础。立体主义在第一次世界大战前后成为影响各个欧美国家的国际运动。它包含了对于具体对象的分析、重新构造和综合处理的特征,这个特征在某些国家得到更加理性的进一步发展,这种发展造成对平面设计结构的分析和组合,并且把这种组合规律化、体系化,强调纵横的结合规律和理性规律在表现“真实”中的关键作用。这种探索,特别是在德国的世界最早和现代的设计教育中心——包豪斯设计学院中得到发扬光大,并体现在平面设计中。因此,笔者可以说,立体主义提供了现代平面设计的形式基础。
二、现代平面设计中的未来主义的版面编排
未来主义运动是意大利在20世纪初期出现于绘画、雕塑和建筑设计的一场影响深刻的现代主义艺术运动。对于平面设计来说,笔者认为未来主义体现在它的众多的未来主义诗歌和宣传品的设计上。费里波·马里利蒂为了进行未来主义宣传和树立未来主义精神,在运动一开始就撰写了大量的诗歌,这些诗歌的创作和文学作品根本无法通读。在这种前提下,版面的无政府主义式、反常规的编排就成为提倡这个运动精神的方式。他们认为目前的语言,包括文法、句法等等,都是陈旧的象征,没有存在和发展的意义,新时代的语言应该是不受这些规律限制的自由组合。在版面编排上,未来主义主张所有的传统编排方法,以完全自由的方式取代:编排自由,纵横交错,杂乱无章,字体各种各样,大小不一,在版面上形成一个完全混乱的、无政府主义的形式。因此从这里开始,意大利未来主义形成了自己的平面设计风格,称为“自由文字”——版面和版面的内容应该是无拘无束的、自由自在的。这种主张,在未来主义艺术家设计的海报、书籍和杂志设计中得到了充分的发挥。文字不再是表达内容的工具,文字在未来主义艺术家手中,成为视觉的因素,成为类似绘画图形一样的结构材料,可以自由安排、自由布局,不受任何固有的原则限制。笔者在这里想表达的是未来主义在平面设计上提供了高度自由的编排借鉴,当现代主义平面设计风格形成后,特别是第二次世界大战之后,在西方确立,成为了国际平面设计风格,这种趋向反理性和规律性的风格就基本被主流设计界接受了。特别是20世纪80年代末到90年代,未来主义风格在西方的平面设计界中取得了重视,电脑在设计上的广泛应用,使类似未来主义风格的设计变得非常容易,因此成为时髦和风尚。对现代平面设计的版面编排形成了独到、经典的应用效果。
三、现代平面设计中的超现实主义思想观念
超现实主义是欧洲出现的另外一个重要的现代主义艺术运动,在文学、戏剧和艺术上都有不同程度的发展。顾名
思义,“超现实”是指凌驾于“现实主义”之上的一种反美学的流派。
超现实主义在艺术上取得非常丰硕的成功。这个运动应该说是从1917年阿波里奈尔提出“超现实主义”这个名词的时候就开始了的。契里科的作品最具有典型意义,他的绘画反映了他对意大利都灵的印象,反映的不是真实的都灵,而是梦中的这个文艺复兴加上工业化的都市——冷漠、严峻、人的失落、荒凉和非人情的隔膜,是知识分子在这个时候的惶恐心理状态的描绘。他的作品揭示了一个人类存在的,但是从来秘而不宣的精神世界,震动了艺术界和文化界。这些神秘而不为人知的精神世界正是超现实主义对于现代平面设计在意识形态和精神方面的影响。它揭示了人类的潜在意识方面,并且通过艺术创作表达这种思想,对于日后现代平面设计在观念上、创造性等方面的启迪是有一定的促进作用,促使现代平面设计走向意识形态化的创作,使现代平面设计的表现更具备意念性和理性化。
当现代艺术走上人类艺术舞台时,受其影响现代平面设计的一些流派在不断地形成与发展,它们有的是世界性的,也有的只限于某些特定的地区,而这些在现在,我们很难评估它们在设计史上的价值和地位,也难推断其将来发展的可能性。但是笔者仍试图从几个方面概述受现代艺术影响的现代平面设计的一些发展趋向。由于各种条件的限制,这种概述肯定具有一定的片面性,因为只有随着时间的推移,人们才能逐步地正确认识现在正在发生的这部分“历史”。当然,在最后,艺术也罢,设计也罢,它们虽然在分离中各有所求,但有一点是一致的,那便是通过视觉的魅力与精神显现,共同满足了人类的多样需求和与之相对应的对理想生活方式的期望。
参考文献:
[1]世界平面设计史王受之著中国青年出版社2002年
[2]现代招贴艺术史朱国勤著上海书店出版社2000年
关键词:中国传统文化元素;现代平面设计;“中国设计”;传承与发扬
21世纪是一个全球化和充满竞争的时代,设计的竞争实质上是文化的竞争,中国的设计作品若要在激烈的竞争环境中持久地屹立于世界民族之林,就要善于发掘自身的文化特色,并运用于设计艺术中,让“中国设计”焕发中华民族的独特魅力。另一方面,今天的平面设计是现代平面设计,需要符合时代的发展和全球化的潮流,这就要求我们的设计师在采用传统文化元素的同时,将这些文化元素与时代的特色相结合,做到传承与发展并重。
1 中国传统文化艺术元素
一个国家的历史积淀造就了这个国家的文化,中华上下五千年,铸就了代表中华民族文化特色的一系列文化元素,这既是我们祖辈们的智慧,也是我们的设计在世界舞台上拥有特性、不被同化的保证。
传统文化元素,即从中国传统文化中筛选出来的具有代表性的东西,如国画、书法、篆刻印章、中国结、瓷器、笔墨纸砚、中国结、凤凰、京剧脸谱、太极拳、中国传统节日(元宵节、端午节、中秋节、重阳节、春节)、中国美食(水饺、馄饨、寿桃等)等。这些东西作为中国文化元素被传承下来,是我们区别于其他国家的标志。设计师在设计时可以将这些传统文化元素与时代特征进行融合,向世界展现博大精深的中国文化,增强中华文化的实力。
2 现代平面设计中融入传统文化艺术元素
2.1 中国平面设计的现状
中国的平面设计相对于经济发达国家来讲,兴起较晚,在迅速发展的同时,显现出一系列不容忽视的问题,对中国现代平面设计的发展有着极大的阻碍作用。主要有以下两个方面:
(1)缺乏文化内涵。设计作品缺乏文化内涵,也缺乏民族特色,使得中国设计走向世界时缺少了核心的竞争力。正所谓“只有民族的才是世界的”,在全球文化融合交流的背景之下,中国设计师不能一味地借鉴模仿国外的作品,因为背离传统的设计必将成为无源之水、无本之木。[1]
(2)照搬传统文化。我们知道,传统文化是中国几千年发展得来的,是千百年来中华民族的血液,而时代是不断发展、日新月异的,虽然许多设计师意识到了传统文化元素对设计的重要性,但并没有加以良好利用,只是一味地复制。照搬传统文化必然会使设计艺术丧失时代个性,难以满足当今消费者的需求,不利于增强中国设计作品的竞争力。
2.2 现代平面设计中融入传统文化元素的意义
(1)有利于突破现代平面设计的瓶颈。中国传统艺术元素题材广泛、源远流长,其形式多样、虚实相生,可以为设计师的设计灵感带来前所未有的启发和触动。在现代设计中融入中国传统元素,有利于突破一直以来的设计瓶颈,打通中国设计的前进之路。
(2)有利于促进中国文化的对外发展。在设计中融入具有中国韵味的文化元素,可以在很大程度上促进中国文化的对外发展。
(3)有利于创造具有竞争力的民族品牌。国际竞争也是品牌的争,在品牌的设计中,注入适当的中国传统艺术元素,可以使品牌形象焕然一新,使外国大众更好地了解中国,让国民自信、自豪。比如中华、同仁堂等百年老字号。
3 中国传统文化艺术元素在现代平面设计中的正确应用
设计是创造文化艺术的一种方式,任何一种想要长久发展的文化,必然要在继承的基础上创新,继承是对前人智慧的欣赏和传递,创新是对前人作品的破旧立新,即取其精华,去其糟粕,二者缺一不可。中华文化博大精深,我们的设计师要懂得挖掘富有文化内涵的元素,将其合理地与现念相结合。
3.1 书法元素的应用
书法被称为“东方人的艺术”,它是中国传统文化的精髓。从甲骨文开始,篆书、草书、隶书、楷书、行书等不断演进和发展,书法将运笔、线条、汉字、黑白空间紧密结合,极具东方气魄,往往具有极强的视觉冲击力。这正是设计作品所要追求的目标,值得现代平面设计师思考。北京奥运会的会徽就选取了“京”字的书法艺术,运笔有神,展现了中华传统书法底蕴,给人们带来了全新的视觉感受。
3.2 传统中国图案的应用
传统中国图案,是指流传于民间的、代表民间艺术的吉祥象征,它传达了劳动人民对吉祥、美满生活的期待。“艺术源于生活”,中国传统图案的存在和发展也是广大劳动人民的生活演进和发展的见证,是他们智慧的结晶。现代平面设计应该深入了解民间艺术,向最朴实、最真诚的劳动人民学习,创新自己的设计思维和设计理念,合理地选取中国传统图案,与现代设计作品结合起来。
3.3 篆刻艺术的应用
篆刻艺术也是中国特有的艺术元素,它经历了几千年的传承和积淀之后,成为中国风的重要象征,成为中华艺术的精髓。篆刻有阳文和阴文之分,其色彩和式样具有独特的视觉冲击力,如果将“中国印”与现代设计结合起来,寓现代于传统,为作品注入厚重的中国意味,将印章的“诚信”之表征体现到作品中,定能缔造出完美的“中国设计”,北京奥运会会徽就是印章艺术在现代设计中运用的典范。
3.4 传统元素,现代表达
所谓破旧立新,首先要实现突破。传统的艺术元素如果能通过现代人的审美方式表达出来,顺应现代人的需求,便能实现文化效果和经济效益双赢。运用这种设计思维,可以设计出“既传统又现代”的富有竞争力的产品。红色罐装王老吉的设计即是“传统元素、现代表达”的典范,“王老吉”名称在包装上采用中国传统书法“隶书”的元素,同时,包装采用易拉罐的包装形式,极具现代感,迎合了现代消费者的审美和实用需求,通过文字和色彩、传统和现代的独特结合,缔造出民族品牌。
3.5 中西结合,创新发展
全球化正深入发展,中西方文化融通是大势所趋,传承传统文化不能故步自封,现代设计一定要顺应时展走向国际化。首先,中国传统文化艺术是精髓和根本,这是中国设计走向世界的前提;其次,西方先进的设计理念也是值得学习和借鉴的,但如英文等西方文化元素则也有必要进行适当的选取和运用。这种中西方文化的融通并非简单相加,而是在对中国传统文化深刻理解上的融合,利用各种各样的形式语言处理版面,使西方文化元素和中国传统文化进行对比,创造出新的造型表现手法。[2]
时代在发展,设计理念也应随之演进。设计师要提高自身素养,在传承的同时创新,破旧的同时立新,运用现代的表达手法结合传统的艺术元素,推动中国平面设计向前发展。
参考文献:
[1] 冯正未.中国传统艺术元素在现代平面设计中的应用[J].徐州工程学院学报(社会科学版),2006,21(7):48-50.
[2] 谢文创.传统文化元素在现代平面设计中的“破”与“立”[J].科技信息,2009(23):340-341.
关键词:创新;实践性;艺术设计
信息时代、全球经济一体化的到来改变了人类的生存方式,这必将给艺术设计的设计需要、设计观念、设计方法带来变化。艺术设计教育改革势在必行。教育部在高等教育面对21世纪教学内容和教学改革中提出:改革的根本目的是改革更新培养模式,调整课程结构,用现代文化科技发展新成果充实和更新教育内容,逐步实现教学内容课程体系、教育方法和手段的现代化。独立学院也要从教育思想、教育观念的转变和人才培养模式几方面进行改革,有意识地加强创新素质教育,使学生更具市场竞争优势。
一、全面认识艺术设计专业的创新教育
1.创新教育与社会发展的关系
近年来,随着社会经济的“全球化”发展,旧有的教育体制、教学管理及许多陈旧的教学方法、教学观念都已不再适应社会的
发展和需要了,社会需要新型的具有综合素质的人才。培养高素质的、服务于社会的有用人才,既是社会和市场的需要,也是我们面临的最紧迫的任务,并且势在必行。尊重学生个性发展是现代艺术设计教育的一个特点,也正是这个特殊性,决定了艺术设计教学与文理科教学之间的差异性。
2.设计创新教育的内涵
那么,究竟何谓创新教育呢?创新教育也称创造教育。广义的创新教育指对人的创造力的影响、开发、培育活动,主要是创造技法和创造性思维的训练。狭义的创新教育是指在学校教育中对学生的创造品质和创造性思维能力的培养。
创新教育是以培养创新型人才为目标的教育。心理学家认为,“新颖”是创新的本质特征。从“新颖”的层次来讲,分为原创和再创。既包括了前所未有的发现,也包括对原有材料的重新组合和再次发现。由此可知,创新可以分为两个层次:一是前所未有的发明创造是创新,是一种原创;二是再次发现或重新组合也是创新,是再创造。创新性人才必须具有扎实的基本素质、基本知识、基本技能、基本能力和基本的价值观念、人格品质,这是一个人持续发展的基础素质,是创新型人才必须具备的基础素质。
3.设计创新教育的内容
设计创新教育的第一方面内容是创新意识的培养,也就是推
崇创新、追求创新、以创新为荣的观念和意识;设计创新教育的第二方面内容是创新思维的培养。它是指发明或发现一种新方式用以处理某种事情或某种事物的思维过程,它要求重新组织观念,以便产生某种新的产品;设计创新教育的第三方面的内容是创新技能的培养。它反映创新主体行为技巧的动作能力,是在创新智能的控制和约束下形成的,属于创新性活动的工作机构;设计创新教育的第四方面的内容是创新情感和创新人格的培养。创新过程并不仅仅是纯粹的智力活动过程,它需要以创新情感为动力,如远大的理想、坚强的信念、诚挚的热情以及强烈的创新激情等因素。
二、艺术设计专业学生创新教育能力培养的途径与原则
人才培养模式是根据人才培养目标和质量标准而设计的知识、能力和素质的结构以及实现这种结构的方式。人才培养模式所确定的是“培养什么样的人”和“如何培养”的问题,反映了一个学校的定位和教育宗旨。创新型艺术设计人才培养模式是适应新时代的要求,培养创新型艺术设计人才所定制的培养模式,与传统艺术设计人才培养模式有本质的区别,其区别是通过知识教育、能力培养、综合素质塑造,达到创新精神和创新能力的培养。
1.改变学生思维模式,拓展创新思维
艺术设计的本质是创造,创造始于设计师的创造性思维。包豪斯认为:“设计教育的核心是创造让学生探索个人的设计道路,发展学生的独立思维能力,而不是把自己的设计观念、方法或是某种风格传授给学生。”包豪斯确立了三大构成作为现代艺术设计的主要内容,训练学生运用事物共同的构成因素及构成法则进行创造,至今西方许多国家的设计学院还参照包豪斯的方式还组织教学。强调设计的创造性,这一点从专业确立之初就被视为艺术设计的
灵魂。也正因为这一点,艺术设计才得以蓬勃发展。因此,培养学生的创新思维是设计教育的核心。
2.完善学生知识结构,建立科学的课程体系
以往艺术设计教育过于偏向单一人才类型的培养,注重专业
技能,除纯理论性的艺术设计专业外,设计理论课程、科技知识和人文学科在艺术设计课程中所占的比重很少。
三、艺术设计专业课程体系建设构想
高等教育是培养社会需要的人才,建立专业理论体系的特殊教
育阶段。高等艺术设计教育也不例外,艺术设计教育课程体系设
置、教学内容、课程建设及教学手段反映了社会对高等艺术设计教育提出的要求。而课程结构设置、教学内容合理与否,直接关系到艺术设计教育课程体系能否顺利进行,是人才培养模式的具体
体现。因此,调整和优化课程结构,从创新思维的角度改革艺术设计专业的课程体系与教学模式是我们必须重新审视和探讨的
课题。
1.建构一体化的专业课程新体系
目前,大多数学校采用的学科课程呈各自分离的知识体系状态:一是设计基础课,二是专业设计课程。
(1)对设计基础课程进行整合设计
设计基础课程是艺术设计学科课程结构中的重要组成部分,它对学生创造意识的培养与专业潜能的训练具有独特的作用,设计基础学科之间的选择与设定,技能体现出各个专业的差异性,又能反映出各个专业的交叉点与联系性。
比如,对于三大构成的学习,它们是深化视觉体验的表达方
式,强调观察认识分析能力决定表现的能力,掌握视觉表现的基础方法,要求学生对不同材料与技法进行各种不同的实验,并能用科技产品媒体与技法进行高水平的交流,作业有:涂鸦、碎片、写实、抽象、装置、文字、图像、拼贴、表现、秩序、版式等,但是不同专业授课的侧重点和布置的作业都不一样,视觉专业侧重形象之间的构成与表达,人物更侧重于色彩搭配的学习。
(2)整合专业结构,突显专业方向
强化专业特点,化整为零,让学生在相对完整的时间段里去体验事物,体会和消化课堂教学的内容,可以有相对集中的时间学习自己感兴趣的东西,并将知识连贯起来。同时,也培养了学生的自主学习意识。
(3)重视实习教学,贴近学科前沿,加强实习基地的广泛性、多样性
让学生了解现代科技设计手段,熟悉传统手法与新型材料工
艺,观察设计家的表述手段,可以开阔学生眼界,激发学生的创作欲望,通过亲力亲为的教学形式加强学生的实战经验。例如,我们的展览展示课程,除了让学生构思设计方案,表达设计方案之外,更要了解市场,了解材料,学会做出工程预算,并且做出等比例缩小的模型,它全方位地考查了学生的设计能力、控制能力、空间把握能力和执行能力。
2.“个性化”培养模式是教学体系的原则
就教育的性质而言,其对于人的素质培养比例重于“专业”的高等艺术设计教育更有凸显性,随着我国经济的不断深入发展,需要各种不同个性的人们去共同协作,充分发挥其创造才能,因此具有个性化的设计人才是社会发展的需要。
(1)开放式教学模式
①要开放思想。从教学模式的单一化,走向多样化、趣味化、灵活化,利用各种教学手段,为学生提供有利的上课平台。
②要开拓思路。在专业教学中,不保守、不僵化,除专业角度外,也可从人文科学、自然科学方面去学习分析,锻炼学生的阐述能力,辨析能力。这样,掌握的东西更带有普遍性与规律性。
(2)引导式教学模式
采用引导式的教学模式,就是避免填鸭式教学。要通过观察了解学生的个性特点,进行启发、引导式的教学方法。从理论上讲,良好个性的最佳特征之一就是创造性的发展,而设计教育的重点是
什么?是创意。因为创意是设计的灵魂、技法,程序只是一种手段,创意是设计思想的瞬间迸发。因此,从某种程度上看,创意是不可教的,不可教又要教,这就是教学的难度所在,开发学生的创造性思维,引导学生的思维方式向个性创意的方向发展,是艺术教育的根本性方向,是提高艺术设计教学质量的重要方面。
(3)讨论点评的教学模式
在每项课题即将完成时,通过完成的每项作业来测试学生的
能力是十分重要的,它能让学生对自己的作业理解和诠释,使他们更清楚地认识到自己所擅长的领域。通过讨论点评的方法,教师可以更好地发现学生的个性特点,以便因材施教。
(4)毕业论文创新模式
毕业论文是毕业生四年理论水平的体现,为了以防学生论文
陷入假大空的境地,我们要求毕业论文和毕业设计相结合,让学生有感而发,把解决毕业设计中遇到的问题总结到毕业论文里。这样的毕业论文模式具有两大优势:一是巩固了学生对专业知识
与技能的综合把握;二是加强了对学生专业理论素质的培养。
3.重视商业实践
进入企业设计、包装设计、广告设计、标志设计等专业设计课程阶段时,要以模拟命题的方法和寻找实际商业项目相结合的方式进行实践。创作意为有创造性的作为,它能检测学生自身的全面素质能力。学生自身的理解和诠释也使教师清楚地认识到他所擅长的领域。
观察比较每个学生所选用的方法与创意,帮助他们寻找一种途径,从而把他们引向能充分发挥自己创造性的领域。
4.重视展示形式的创新
毕业设计和毕业展览是每一所毕业院校每一年都要经历的一场视觉盛宴,我校把毕业设计分为动态展览和静态展览。静态展览是有展台的常规展览,动态展览是有真人演示的T台秀,它考查了学生全方位的素质,造型、服装、化妆、演示、舞台设计等等的综合能力。动态展览比静态展览更具有视觉冲击力,影响力和延展性都很强。
创新是艺术设计的生命所在,艺术设计教育应以拓展学生的创造潜质为主要目标,通过开放式教学,即教师与学生之间、多学科之间、学校与社会之间的对话与互动,在课题辅导中引入创造性思维训练,培养学生独立思考问题、发现问题、解决问题的能力,使学生成为素质全面并能持续健康发展的创新设计人才。
注:本文系北京化工大学北方学院科研课题。
一、我国环境艺术设计专业发展的现状
现在艺术院校招生人数明显比以往多,一些学生的艺术功底较弱,考生报考艺术类专业的执着程度也没有之前的考生高,适应学习的能力也没有以往的学生强。目前,艺术类院校的招生人数不断增长,对于学生综合素质的要求降低了,从而使以往的艺术教育模式面临越来越大的挑战,其难以适应当前艺术教育专业的教学。设计实践教学对于艺术类专业教学而言非常重要,然而在实际的教学中,部分院校并没有落实设计实践教学,同时也欠缺有效的实践平台,学生的设计实践偏向虚拟化。另外,学生对一个单元的教学内容还没有完全理解,教师往往就已经开始下一单元的教学,长此以往势必会对学生的学习产生影响。
二、完善环境艺术设计专业教育教学的措施
1.优化课程体系
我国艺术类院校首先应合理科学地安排大学四年的教学课程,明确教学目标,从创新意识和创业能力两个方面培养学生的综合素质。在教学环节上,教师应该把培养学生的艺术设计修养和专业实践能力放在教学的首要位置。对于艺术基础比较薄弱的学生,教师应该通过论文写作课程提高其文化素质,采用目标训练的方法启发学生的创造性思维。教学中,教师一定要注重学生的现场感受,通过案例分析和实际操作训练提升学生的专业设计能力。另外,在保持教学目标一致的基础上,教师在课程设置上可以结合课题进行一定程度的知识渗透,同时在专业方向和相近学科之间进行交叉教学,最终达到优化课程体系的目的。
2.注重课外拓展,加强合作交流
艺术类专业教师在教学中应该注重和相关企业进行合作,引入其设计专家开展团队教学。学校应通过企业及时了解市场对人才的需求,广泛地进行教学改革,不断完善教学措施。环境艺术专业的教师除了在学校教学,还可以到一些相关企业兼职,从而实现教学和社会相结合。教师在教学中可以把学生分成不同的小组,使其在实践中和教师、企业进行交流,加强互动。实践过程中,教师应该给学生布置一定的学习任务,如现场调研、过程设计、课堂汇报设计成果等。教师还需要引导学生运用相应的设计语言形成完整的设计实验。组织学生参加各种教学活动是艺术类专业教学不可缺少的一个环节。学生通过参加各种教学活动,可以增强自己的目标意识,提高自己的专业素养。在假期中,学生可以向教师学习一些专业实践知识,使理论知识和实践知识能够很好地结合起来,这样能够有效避免课堂时间和实际工程进度发生冲突。此外,教师应不断总结教学经验,完善教学方法,以取得教学相长的效果。
3.建立创业教育模式
工作室制度侧重强调实践教学,艺术类专业院校的教师可以从教学体系和教学团队以及教学方式等相关的方面对工作室制度进行创新。教师应该调整单元式授课,将课程结构具体化,分阶段授课,让课程设置具有系统性,从而提高教学效果。毕业论文的选题非常重要,论文选题不能脱离实际,学生应通过大量的实地调研并接受企业的设计建议,让毕业论文设计具备可行性。
4.在多种专业背景下,构建多元化思维模式