吉他入门音乐教学精选(九篇)

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第1篇：吉他入门音乐教学范文

为了提升高中音乐课程的教学质量，我们需要重点把握以下几点原则：

1.以鉴赏为主，提升学生音乐审美水平和音乐素养。高中音乐课程是高中阶段要求开设的鲜有的非考试类课程，因此相对于其他课程而言具有天然的非功利性优势，因此，高中音乐课在教学过程当中要适度减少目的性，更多地借助于轻松活泼的教学氛围，为学生提供以鉴赏为主的教学。这样就能够区别于其他应试型科目，可以更加重视素质的提升，帮助学生提升审美水平和音乐素养，让学生能够实实在在地获得自我的提升。

2.因材施教，主张个性化培养策略。由于高中生在音乐基础方面具有明显的差异，在教学初期每个学生对音乐的兴趣也不尽相同。例如，一些女生对音乐有很强烈的兴趣，领悟能力也比较强，然而许多男生却对音乐难以产生浓厚的兴趣。在这样的条件下，高中音乐教学就可以进行个性化的培养策略，对学生进行学基础上的针对性教学，例如可以对基础良好的学生加大培养力度，安排他们参与更多的表演，另外的同学可以一边欣赏一边学习，在轻松的氛围当中感受音乐的美好。这种因材施教的方式不仅能够提升教学质量，还能减少部分人的学习压力，毕竟，高中阶段的学生在日常的学习过程当中已经压力较大，不适应在音乐课程当中再增加更多超出他们能力范围的任务。

3.重视兴趣培养，突出音乐课程的娱乐性。从我国的教育现状来看，虽然在高中阶段开设音乐课程十分有必要，但是由于大量考试科目的存在，学生精力和时间都十分有限，因此在教学过程当中可以尽量降低课程要求，重视对学生音乐兴趣的培养，将音乐的娱乐功能发挥出来，在培养学生兴趣的同时，也能够让学生的其他课程的学习之余能够有一个很好的放松。基于此，高中阶段的音乐课程教学的内容可以涵盖较大的范围，不仅仅包括基本的音乐入门知识，也可以加入民族特色音乐、地方特色音乐形式、优秀流行音乐等等，通过广泛的涉猎音乐内容能够在很大程度上提升学生的综合音乐素养。让学生既有学习的兴趣，又能够学到真正的音乐审美能力。

基于上述原则，以一节音乐课（45分钟）为例，本文设计的高中音乐课程主要分为以下几个环节：第一步，基本知识讲解阶段。在这个阶段，音乐教师针对高中音乐课程大纲要求进行有关专业内容的讲解，例如，吉他的基本构成和特点、五线谱基础知识入门、歌曲演唱的一般要求以及音乐领域的基本常识等等。在这个阶段，教师主要完成必要的音乐授课，内容可以涵盖学生感兴趣的多种内容，知识要求言简意赅，通俗易懂，难度要适中，能够让学生学到一些在现实生活当中非常容易用到的基础知识。

第2篇：吉他入门音乐教学范文

《最美的音乐史》读后有感

吕大君

《最美的音乐史》内容概要：本书讲述的音乐史，完全是用另外一种方式。作者在讲故事，从古老的童话和传说，直到我们今天的音乐逸事。从最早的骨笛吹奏者，到游吟诗人，从巴赫、莫扎特、门德尔松，到马勒、凯奇、古尔德以及“摇滚之王”埃尔维斯？普雷斯利……

《最美的音乐史》读后感，来自卓越网的网友：我的艺术之旅始于自幼对音乐、绘画的爱好，直到八年前考入中央美院，才开始真正踏上艺术的探索之路，愿用读书、摄影、绘画、以及我现在的艺术教学和设计创作工作填满余生，透过这些经典的艺术图书带给我的视觉火花、创作灵感和内心激荡陶冶自己，提高创作和教学水平，从图文并茂的<数码单反摄影圣经>学习摄影，追求瞬间的感动到？藤的设计整理魔术，从早已远去的吉他琴声到博物馆中穿越时空的画作，从大荧幕上的升降镜头到古代瓷器晶莹的釉面，这些经典艺术书和艺术入门教程让艺术走向大众，成为艺术和学生、公众沟通的桥梁，我愿分享经过我阅读和教学实践所总结出的最经典的25本文化艺术图书收藏，让艺术感动你，打动你……

最美的音乐史-从巴赫到“摇滚之王”普雷斯利的故事的读后感，来自当当网的网友：书中故事趣味性好，了解了很多音乐故事，关于音乐和音乐家，读起来很轻松不枯燥，乐趣喜爱的方式学到了很多，了解了很多。音乐是令人愉悦，陶冶情操，缓解压力的，音乐有很多分类和形式，不专业，只是了解一点常见的，小提琴协奏曲，歌剧呀，现在有流行音乐，民族，美声等吧，但那是音乐知识了，似乎音乐专业研究生要掌握的基本知识。这本书不同的是，大家都可以读，轻松没有压力的读，并且越读越有兴趣。其实真是，可能每个作品，包括音乐作品，都有着背景，主人公，故事，感想，思想。都是作者的精华展示，都能给大家一种东西，或者力量，或者轻松，或者放飞心绪，有人喜欢这明星的歌曲，有人喜欢那明星的歌曲，有时听这个人的，有时听那人的，都很好的。音乐有自己的特点，它不存在具体的形式，通过唱片，乐器，表演者，场地演奏出来，主要是通过声音表达给大家，同时配以灯光，造型，服饰，特定环境表达。讲述自己的故事，陶冶大家情操，缓解生活压力，丰富生活内容。其实音乐无处不在，街上，商场，餐厅。难以想象，没有音乐的世界得多磨单调，就像人们都穿灰色的衣服，可能会缺失太多内容，缩小人们生活空间……

第3篇：吉他入门音乐教学范文

音乐素养是素质教育的重要内容，也是培养高素质音乐人才必不可少的基础。从知识结构上说，音乐素养主要包括读谱、视唱、听音、节奏、和声、写作、音乐史、音乐欣赏等要点；从作用上说，音乐素养重在培养“懂音乐的耳朵和理解音乐的心灵”，直接决定着一个人理解音乐、感悟音乐、表现音乐能力的强弱高低；从培养途径上说，这是一个漫长、复杂、艰辛的过程，需要专业指导、科学训练，更需要学习者持之以恒、反思探索。提高音乐素养虽然无捷径可走，但笔者认为正确的方法、科学的体系却能够使人少走弯路，通过电子琴这一载体可以对青少年提高音乐素养起到事半功倍的助推功效。

自从美国人哈蒙德（hammond）先生在1934年获得专利并成立电子乐器公司，人类社会就迅速进入了电子音乐的新时代，以电子琴为代表的电声乐器迅速普及。如今，电子琴不仅是多种音乐会的主角，而且也走进了幼儿园、中小学、大中专院校的音乐课堂，在各级音乐教育活动中扮演着不可或缺的角色。随着中国社会的全面进步，目前学习电子琴的青少年人群可谓俯拾皆是，因而我们很有必要借助这一社会趋势，认真探索如何利用电子琴来循序渐进地提高青少年的音乐素养。

借助电子琴，使音乐学习的过程充满趣味。音乐是美妙动听的，但是学习音乐的过程却充满了枯燥和艰辛，这也是很多学习者浅尝辄止、难以坚持到底的重要原因。对于初学音乐的青少年来说，他们具有很强的好奇心，但是又有怕吃苦、知难而退等潜意识。利用何种手段和形式使他们的好奇心、求知欲持续下来，是摆在教育者面前必须解决的问题。电子琴作为一种高科技产品，具有超强的音乐表现力，它音域宽广，和声丰富，一台琴可以与一支管弦乐队的演出效果媲美（双排键电子琴可以模仿庞大乐队的演出效果，具有强大的节奏编辑功能，为表现音乐作品提供了更大空间和更大可能）。而且，电子琴不仅能够轻松自如地模仿大提琴、小提琴、吉他、小号、长笛、单簧管等管弦乐器的声效，还能够演奏出其他乐器难以达成的音乐效果，逼真地模仿大自然中的多种音色变化，比如风声雨声、动物声响、宇宙音响，并根据需要可随心所欲地配置类似打击乐器的节拍，并且可以对此进行自由编辑，使音响效果更为丰富、更显个性，尤其适合演奏节奏感较强的现代音乐作品。同时，电子琴通常都装置有效果器，比如，混响、回声、延音、震音轮、调制轮，便于演奏者简便自如地表达丰富的音乐情绪。更为难得的是，电子琴自身通常储存有一百多种以上的各种音乐风格的节奏音型以及打击乐旋律，古典的、现代的、西洋的、民族的，应有尽有。这些音响动听、使用便捷的自动节奏功能，非常便于师生们进行节奏感教学，便于学习者随时随地用心灵、用身体感悟音乐节奏的律动，领会多种音乐风格的艺术魅力。由此可见，电子琴自身这些特点比较契合青少年的认知心理，可以全方位地满足其心理需求。借助电子琴这种乐器将使他们的音乐学习过程变得充满趣味，使之很容易就被音乐的魅力、电子琴的魅力所吸引，激起探索、学习的内动力，在寓教于乐中调动他们学习音乐的自觉性、能动性，促进其音乐素养的全面提升。

电子琴可满足青少年多层次的音乐审美需求，锻炼全面的音乐能力。音乐教育的本质力量在于以鲜明生动的艺术形象感染、影响和培养人。音乐教育不仅培养学生感受美、理解美、表现美和创造美的能力，更重要的是通过美育的手段提高人的素质，从而实现人与自然、与社会的和谐①，电子琴以固定音高、音色丰富、兼容性强、伴奏功能强，以及简单易学等个性特色，从其诞生之日起就受到各阶层音乐爱好者的喜爱，特别适合作为青少年学习音乐的入门乐器。事实证明，通过学习电子琴，可以显著提高青少年的音乐旋律节奏感，显著提升他们在音乐欣赏、音乐感受、音乐表现、即兴伴奏等方面的能力。新一代的电子琴还具有自动伴奏、录音、变调、存储、编辑等多种功能，学习者可借助叠加、分离等操作手段演奏出合唱、混响、延时等音响效果，这不仅便于他们体味音乐迷人的魅力，而且也为他们提供了宽广的探索性学习的空间：他们可以根据自己的审美情趣编辑出新的声效，可以更为个性化地学习乐理、节奏、音准、音色、音区等知识，更生动地感受音乐、创造音乐、表现音乐。而且，他们在感受音乐的同时，还可以开发创造性、创新性思维，锻炼艺术想象力，丰富青少年对经典音乐作品的感知，拓展音乐视野，接近艺术真谛，探索艺术发展规律，循序渐进地在音乐中获得教益，满足青少年多层次的音乐审美需求，全面提升其综合素质。甚至，电子琴演奏对青少年的身体协调能力也有一定的促进作用，比如，双排键电子琴拥有两层以上的手键盘和脚键盘、脚踏板，它的表现能力是其他乐器甚至钢琴所无法比拟的。演奏者通常用右手弹奏主旋律，左手弹奏副旋律或和弦，右脚控制音量踏板或延音踏板，左脚控制脚键盘发伴奏低音，双腿膝盖还可以控制切换音色等。演奏一曲需要全身运动，最讲究的是身体各部位的统一协调②。音乐教育的特性之一是其实践性，不少专业人士都提倡学生直接操持某种乐器，手脑并用地主动学习音乐③，很显然，电子琴非常符合这一趋势和要求。

电子琴比较适合初入门者学习。电子琴音高稳定，初入音乐之门的青少年如果将电子琴作为入门台阶，则可通过听辨、模唱等手段快速而准确地帮助他们建起

转贴于

稳定的音感，为进一步学习音乐寻到正确的门径、打下良好的基础。同时，电子琴自身储存有风格多样的音型和节奏，能够模拟多种乐器的音响效果，并且可以自由编辑、组合，合理利用这些独特的功能，不仅有助于青少年对音色的认识和听辨能力的提高，而且还有助于开发他们的音乐想象力，丰富他们对音乐的理解力和表现力，系统地培养他们对音色、节奏、音效等的整体编排能力，使音乐技能升华为音乐能力。学好了电子琴，对他们进一步学习视唱、练耳、键盘等知识，都有显著促进作用。更进一步说，有了初步键盘知识的中学生或大学生学习电子琴，则更为容易入门和提高。尤须特别指出的是，青少年通过学习电子琴，在有了一定基础之后，可以相对轻松地去学好钢琴、手风琴、管风琴等其他键盘乐器，去感知更为丰富的器乐世界。

学习电子琴的成本较为低廉，普及、提高两相宜。对于青少年来说，电子琴教育的第一属性是素质教育，核心在于提高美学素养和综合素质。在社会主义市场经济环境下，普及音乐教育、提高广大人群的音乐修养，让更多的青少年从中获益，关键之一是必须找到一种或几种成本低廉、多数家庭可以承受的载体。比较而言，电子琴售价较为便宜，中等收入的家庭即可购买得起中高档电子琴，且搬动方便、占用空间较小，师资资源也比较丰富，从学龄前儿童到高中生都可以在零基础之上较为快捷地入门，所以电子琴很是适合作为音乐教育的载体。同时，电子琴音色优美，表现力强，应用前景广泛，适合有志于此者进一步深造、提高，在此基础上学习乐器学、音响学、和声学等知识，获得更大的发展，甚至将之作为终生的事业。

第4篇：吉他入门音乐教学范文

关键词： 奥尔夫教学法 儿童双语教育 应用性

一

教育是我国发展中不可或缺的部分。只有采用有效的教育方式，才能使国家更加繁荣昌盛。但原先我国的“教学方法多以句型训练、语法翻译、以汉语来讲英语的字母、单词、句子的老一套为主，教学趣味性差，不太适合幼儿的身心发展水平和特点，所以教学效果欠佳”[1]。目前，中国正大规模地推广一种新式的音乐教学方式——“奥尔夫音乐教学法”，该方式将枯燥的音乐教育音乐化、情景化，能极大程度地激发儿童的潜能，开发儿童的右脑，同时提升儿童的学习兴趣，旨在寓教于乐。奥尔夫音乐教育法是音乐教育的主流，可以说这是一种十分成熟的创造性教学方式。前人的研究表明，幼儿英语教育音乐化是可行的，能够广泛地培养孩子们学习英语的兴趣和英语语音的敏感度，但并没有明确地应用“奥尔夫音乐教学法”。我将该教学方式应用于儿童英语教学，实践后取得了异常出色的效果和成绩，有效解决了英语教育中存在的问题，认为适合在中国大范围推广。我主要探讨奥尔夫音乐教育法在英语早期习得中的作用，以及把奥尔夫教育中的优势运用到儿童英语早教中去。

儿童双语教育被认为是能启发儿童，开发儿童智力，帮助儿童树立另一种世界观，最终儿童成长为国际性人才的有效教育手段。而如何让孩子们习得英语也是我国一直在摸索的。国内儿童双语教育市场各式各样，有中国教师主持，亦有外国教师主持；有各类兴趣班，亦有各类辅导班；有亲子教育，还有家教式教育。但林林总总的教育方式普遍存在着英语环境严重缺失、语音标准化困难、母语控制强、儿童兴趣缺乏及“哑巴”英语等问题，这些问题正在挫伤儿童学习英语的兴趣和热情，使得很多儿童得不到很好的教育。反思我国儿童英语教育的现状，总的来说，无非是两类形式。其一，过于强调语言习得。部分教育模式仍长期使用以单词、老师上课一字一句解析学习英语的陈旧模式，忽视了学生对英语及音乐的热情和环境对他们学习的影响，忽视学生在通过游戏音乐学习英语的兴趣及吸收的能力。其二，过于强调兴趣培养。我国音乐教育传统模式是单纯地教唱英语，强调音乐性，缺失音乐的律动性、情境性。学生主要是模仿着老师的发音等，很被动。这类教育短期内，学生有一定的兴趣，但长期则无法提高语言习得能力，即学生只是简单地学会唱英文歌而已。这样单一的兴趣培养因为语言习得的缺失而丧失了长效性。在这两类教育中，更具有负面影响的是，无论家长还是教师均一味地追求出成绩，严厉地对待学生，若学生不能达到期望就将受到不公平的对待。由于每个人在学习能力方面有着很大差异，就我国原有的课程目标来说，总会有一部分学生离老师的预期目标很远，于是他们自然对英语教学敬而远之，教师也无能为力。这正阻碍了学生学习英语的步伐，导致每个人都学过英语却一直停留在初期阶段。

二

“奥尔夫音乐教学法”是联邦德国著名音乐家卡尔·奥尔夫所创建的，是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一。奥尔夫认为表达思想和情绪，是人类的本能欲望，并通过语言、歌唱（含乐器演奏）、舞蹈等形式自然地流露，这是人原本固有的能力。音乐教育的首要任务是不断地启发和提升这种本能的表现力，而完全获得知识则不是追求的最终目标。奥尔夫音乐教育的核心是“元素性”音乐教育，“元素性”包含了音乐的入门各要素，又包含音乐作为一个人自生生态平衡、人格全面发展的不可缺的因素这一重要原则。[2]在奥尔夫的音乐课堂中，孩子们有机会进入丰富的艺术世界，音乐不再是旋律和节奏，而是儿歌等不同艺术形式的有趣的游戏。他们可能在老师的引导下去关注特定的一个声源，去倾听、辨别、想象来自生活和自然界的不同声音。“奥尔夫音乐教学法”是一个非常独特的音乐教育体系。它与传统的教育方法完全不相同，因为这其中把音乐融入了教育中。奥尔夫特别强调的一个重要原则是要学生“动”起来学习音乐，然而，这和我国音乐教学有很大的出入。卡尔·奥尔夫指出：学生在学习中必须动脑、动手、动脚，全身心地感受和表现音乐。课堂上，教师的音乐引导会让学生沉浸在欢乐的游戏中，他们不知不觉地接受着英语氛围的熏陶。“奥尔夫音乐教育”的重点在于让小朋友们在音乐游戏中无意识地学习英语。这不仅不会让他们对学习有不开心的印象，反而会使他们的学习效率提高不少，培养孩子的认知、体格及语言能力、韵律节奏感，更重要的是能培养孩子对英语、音乐的热爱。

“幼儿感知能力发展较快，除各种音程外，还可听辨一些简单的和弦；可以记住八到十六小节的乐曲；可以完整地演唱、演奏一般的乐曲。对音乐的兴趣逐渐增大”[3]。“奥尔夫英语音乐教育法”则是将“奥尔夫音乐教育”应用于儿童英语教育之中。“并且大部分儿童的模仿能力较强，在听到一个新的句子或词之后有一个几秒中的沉默期，这之后便能基本准确地发出听到的音”[4]。这个教学方法的应用，综合考虑了儿童的生理构造、儿童心理学、二语习得等各个领域所提出的儿童英语教育存在的现状和提出的问题。在该教学方法的应用过程中，以下五点是特别需要引起教学者注意和重视的。

1.合适的音乐

根据语言习得的图式理论，奥尔夫音乐英语教学法中，首先要选取的就是节奏简单、具有重复性、耳熟能详的音乐。所以英文歌曲的选择应该为经典儿歌歌曲，歌词不必太难，只需要有几个关键词的出现就可以了。《快乐游戏》这本教材即具有以上特点。教材中的英文歌曲音乐动听，层次分明，在美国风行几十年，家喻户晓。在一遍一遍重复的音乐下，孩子会不自觉地跟着节奏拍手，会跟着音乐哼唱。儿童的学习能力是无法忽视的，只要他们重复几遍就可以完全记住音乐的旋律。旋律熟悉后，英文的词汇和句子马上就会习得。

2.相符的游戏

“对于幼儿来说，玩耍和游戏都是他们积累知识和发展能力的重要方式。在玩耍中快乐成长，在游戏中增长知识和能力”[5]。如果孩子没有学习兴趣，就没法真正融入英语学习中。“奥尔夫音乐教育”不仅强调好的音乐，更强调好音乐的参与性，即游戏和情景。因此，在教学之前，应设计好本次与音乐相符的游戏动作。比如一首简单的英文歌曲《Follow Me》，可以设计了七个动作（包括拍手、小花、兔子、翻手腕等），让小朋友一边哼唱一边跟着做动作。这些动作都是比较简单的，在平时小朋友们上幼儿园的时候也会接触到。一开始只有手或者脚的动作，一会以后换成难度稍大一点的手脚并用的动作。游戏中，大多数小朋友可以在几次重复之后一边唱一边跟着老师做动作并且在重复的单词“follow me”上声音比较清晰明亮，从而使他们在游戏中明白“follow me”的意思。

3.变化

儿童注意力集中问题也是儿童教育中一个很难攻克的课题。在“奥尔夫音乐教育”中，变化是吸引儿童注意力的一个有效方法。儿童的注意力大概只能集中半个多小时。一旦教学时间过长，孩子就会坐不住，并且可能使教学场面变得混乱。所以在教学之前，必须让小朋友们做好各项准备，比如上好厕所，尽量中途不出现各种突发状况。一旦中途停止教学很有可能会无法再次上课。音乐虽然可以吸引他们，但重复会让他们觉得乏味。而在教学过程中，不同的游戏和情景启发则是能吸引孩子注意力的有效手段。

4.重复回忆

古人云：“温故而知新。”无疑，这在儿童教育中起着至关重要的作用。好的复习是非常必要的。在每次上课前及上课后都应重复弹奏一下以前学过的歌曲。小朋友们一听到熟悉的音乐就会自觉地唱起来，这不仅可以让学过的英语单词更加牢记，还能帮助小朋友们纠正可能错误的发音。在一次一次的重复中，小朋友们可以不用音乐起调就自己唱出歌来，这时就可以不再重复前面的歌曲了。

5.乐器

现在国内英语教育正在大力宣传“多媒体”设备，强调电脑、电视、触摸屏的应用，甚至在很多教学中，大家都是直接放录音，但有些设备播放的歌曲模糊，反而对孩子造成错误的指导。这样的教育手段完全不符合“奥尔夫音乐教育”的宗旨。电子设备的应用固然有其优势，但恰恰是儿童心理所不喜爱的。儿童喜爱可以直接触摸到的、能自己实践的教具，所以在“奥尔夫英语音乐教育”的实践过程中，我们选择用钢琴或者吉他来伴奏。这样一来，好处显而易见。其一，音乐不会失真。儿童的音乐分辨能力得到提高。其二，儿童的参与性提高。孩子们能直观地看到老师弹琴的样子，对音乐表现出很大的兴趣。老师甚至可以鼓励孩子进行触摸弹奏，同时强化教学内容。其三，因材施教。器乐教学方式是真正考虑到儿童习得能力的一种方式。在实际操作中，速度得到控制，并随时根据孩子的习得程度进行调节。孩子们在学习的过程中压力大大减少，能轻松地跟上老师的节奏。

在实践教学中，这种独特的教学方式对改变我国儿童英语教育的现状及我国教育长期以来以知识传授为主的缺乏兴趣培养的英语教学的状态大有裨益。音乐是属于右脑习得记忆的，英语却是左脑记忆，右脑记忆很早就是公认的最佳记忆。“奥尔夫英语音乐教育法”正是利用了人类的生理习得功能，同时结合语言习得教学法、儿童心理学等，旨在让孩子在轻松愉悦地环境下进行有效的二语习得。

参考文献：

[1]廖道胜.论中国幼儿英语教育史[J].陕西师范大学学报（哲学社会科学版），2002（S3）.

[2]刘云松.浅谈对奥尔夫音乐教育理论的认识[J].遵义师范学院学报，2004（04）.

[3]王丽红.儿童音乐心理学浅说[J].大舞台（双月号），2008（02）.

[4]张晓晴.当前中国儿童二语习得现状[D].哈尔滨理工大学，2008.

第5篇：吉他入门音乐教学范文

“街舞”，自上世纪60年代源于美国，原是黑人贫民中的舞蹈，后期主要有Breaking（霹雳舞）、Raggae（雷鬼舞）、Popin（机械舞）等分支。它是嘻哈文化的代表之一，具有极强的表现力与参与性。在嘻哈文化流行初期，街舞的确有些许街头暴力的倾向，但随之不断发展与演变，以及90年代一些明星，例如迈克尔·杰克逊、玛丽亚·凯利等，在自己音乐电视（MTV）中的运用和演绎，使得这种“贫民文化”，逐渐推广成为“平民潮流”，在年轻人中间尤其走俏。半个世纪以来，街舞已走出它的家乡美利坚，成为世界潮流。“街舞”动作随性，充满热情与灵性，使精力旺盛的年轻舞者自由释放出青春与激情；于此同时。也有一些观点认为，“街舞”也是一种有效的有氧运动，

“初识”

2012年第二场雪后的北京，天空是“末日”前的阴霾，但空气清新凛冽，笔者和受访对象，业余街舞爱好者Jason相约在安静、舒适的校园一角。见面前，Jason在电话中的声音低沉稳重，带着好听的伦敦腔，却仿佛给人一种阴冷之感。或许是因学校和谐静谧的氛围，当Jason最终以一身混搭系运动装出现时，散发着安静、柔和的气场，实在难以将他同Breaking（霹雳舞），这一以难度系数高、动作危险，舞者装束奇异放荡著称的街舞画上等号。

现在，在北语学习汉语的Jason留着一头时尚却并不张扬的短发，戴着低调的银质耳钉，他还佩了一枚唇环，在聊天时十分抢眼——这些多少和大众印象中的街舞男孩形象相吻，只是，天生的东方面孔，又让Jason与电影、视频中街舞爱好者不尽相同，他没有夸张的造型，更没有咄咄逼人的叛逆，他更与人一种东方特有的知书达理和谦逊的亲和力。

是的。“100％纯中国血统”，Jason一本正经的自我介绍，“父母都是在国外长大的华裔”。但自小在英国成长的Jason并不似东方人那般腼腆拘谨。自见面起，这位娃娃脸的大男生便毫不吝惜自己阳光一般的笑容。侃侃而谈。随着交流的深入，Jason的Bboy（Breakboy，霹，雳舞者的简称）气质逐渐显山露水，他似平能在谈话时凭空想象一段节奏，随之比划摇摆起来。

Let’s　break！

“嘻哈文化”、“街舞”。对多数保守的中国人而言可能毫无概念。在电视电影中，或能从服饰、舞蹈动作上略知一二，但也都只是将其笼统归类为“街舞”。

Breaking在中文中翻译成“霹雳舞”，大概是因其舞蹈动作迅速有力，又能表达年轻人的激情和活力，犹如电闪雷劈般，遂得其名。但事实上，Jason说在国外。街舞的分支各有千秋，不可一概而论。这个名称的由来要从其英文原意发掘，“Breaking”源于动词“Break”，有“间断”之意，霹雳舞的伴奏音乐通常有强烈的鼓点节奏，将乐曲分战不同的小节，这些鼓点便成了乐曲中的“间断”。霹雳舞表演者根据这些间断的鼓点所创造的节奏。进行自由演绎，这才是霹雳舞（Breaking）的精髓。

Jason笑言自己是学霹雳舞是“从零开始”。双亲都是华人，也同多数华人家长一样望子成龙，所以家里对Jason的课业期望较高；他虽没有虎妈虎爸自小就强求他多才多艺。为人龙凤，但也在少年时期学了小提琴。“显然我的家庭教育不甚西化，但幸运的是，小提琴只学了一年，15岁时。我就开始凭兴趣自学吉他。”霹雳舞，亦为自己一时兴起、兴趣使然。Jason回想起当初迈入霹雳舞世界的契机，他直言喜欢重金属、实验性的音乐。对鼓点、节奏较为敏感，而恰逢一段情感低谷期，灰心丧气的他。机缘巧合看了霹雳舞的视频，立刻被其中的节奏和动作吸引了：“it　can　clean　my　soul　calm　me　down，and　help　me　forget　the　unhappy（它能净化我的心灵。让我静下来。忘掉不快）……大学期间有许多有趣的社团，我自然就选择了霹雳舞……”。

霹雳舞（Breaking）事实上喀哈街舞（hip-hop）的一个分支，另有更为中国人所熟知的机械舞（Popin）、爵士舞（Jazz）等其他类别，“但因彼时它带给我心灵上的触动，我最终还是选择参加霹雳舞（社团）”，Jason理所当然地答道——只因它能引领灵魂，所以一切都那么自然而然。

作为一名完全没有舞蹈基础的霹雳舞爱好者，Jason也谈及他在大学期间的学舞经历。正如外国学生的教材代代相传，不断为下届新生循环利用一样，他们社团也是如此。前辈带新人。代代相传，青出于蓝而胜于蓝。Jason道他从入门时，单纯的兴趣和随意，到大三时已经是社团的团长了，舞技、资历了得，说着便自豪的秀出身上的T恤，指着鲜红的T恤上3个飞扬跋扈的英文单词“Soton　Uni　Breakers”（Southampton　University　Breakers，南安普敦大学霹雳舞者），眉飞色舞的介绍道：“这是我大学霹雳舞社团的标语！在中国，我还有一件很cool的T恤，上面写着International　Beats（国际节奏）”

爱好者“小联合国”

作为一名海外华人，Jason又千里迢迢来到中国学习汉语，自有其原因。没想到这个才21岁的小伙子谈到学习规划，煞有介事答道：“原因多着呢，有一些个人因素，也是为了未来筹划。”这或归功于国外开放的教育模式，在Jason的华人血液中注入了更多独立自主的思想。“我的父母亲也是海外的华裔，但他们不说普通话，我们会用广东话交流。小时候我也曾被送去华人学校学习，所以我能听得懂普通话，但不能流利的遣词造句，写作更别提了，汉字都认得不多。”讲到这里，他有点孩子气的皱着鼻子，“我已来北京兰个月。可我的汉语级别还入门级……我也有语伴（Language　Partner，语言交换学习对象），但真没聊多少，倒是和现在霹雳舞社团人们交流更多。”

在有“小联合国”之称的北京语言大学，Jason也和来自世界各地的几名在校霹雳舞爱好者组成“B-boy小联合国”。

流行文化就是有如此强大、包容的号召力，和Jason一块儿跳舞的几名学生本不相识，学校也没有组织相应的霹雳舞社团，只因对霹雳舞的热爱让他们相聚。互相学习切磋。作为学生。Jason等并没有固定的场地和经费进行更正规的训练，即使如此，他们依然自发的组织练习：没有固定的室内场地，就利用各种机会“抢”舞踊教室、健美操房；甚至就在室外的水泥地上跳舞练习。笔者当晚去看了他们的训练，由于没有借到场地，几个20多岁的男生当真在零下2°的室外，穿着单薄的训练服跳舞。看着Jason单手撑地凌空支起身子做了一个Freeze（“冻结”，霹雳舞的基本要素之一），真替他捏把冷汗。

“力量”，霹雳舞中因包含一些类似体操的动作，因此需要舞者良好的“力量”掌控能力。相比机械舞、爵士舞等，霹雳舞的一些动作相当危险，比如在视频中常见的headspin（头旋），舞者以头作为支点进行倒立旋转，或者suicide（“自杀性动作”），单手或双手支地。侧倒立后自动倾斜着地等，光是听名称和描述，就能明白其难度系数和危险性，但像Jason这样的“资深”Bboy却一点也不放在心上，虽然街舞爱好者的穿着看似随意。但和所有舞蹈一样，他们也有固定的装备，例如一双防滑性能良好又很炫的运动鞋，护腕护肘等。有些外行人看上去简单甚至夸张的造型，其实对舞者而言都能成为其“金钟罩铁布衫”。例如在做“headspin”时，头旋帽必不可少。Jason献宝一般拿出一顶黑色的帽子在地上演示，乍一看，这样的帽子和冬天街头的男士防寒帽并无二致：“现在我还没练好headspin也不会轻易尝试。头旋帽的顶部有柔软、防滑的网面，Bboy在表演时能起到很好的保护措施。”

第6篇：吉他入门音乐教学范文

伯牙子期，高山流水觅知音，这个最早记录于《吕氏春秋》的故事，在中国流传甚广，近年还入选了小学课本。很多人正是从这个故事中对古琴有了初步的印象。事实上，古琴在中国古代只是被称为“琴”，近代为区分其他乐器，才将之称为“古琴”，那么古琴到底有多古老呢？深秋时节，《国家人文历史》记者专访了古琴演奏家、国家级非物质文化遗产代表性传承人李祥霆先生，听他娓娓道来古琴的悠悠音韵。

士无故不撤琴瑟

古琴，传说是伏羲所造，也有说是神农所造。《诗经》中有“窈窕淑女，琴瑟友之”的诗句，可见两千五百年前古琴还被古人用来取悦心仪的女子，似乎和现代人弹吉他唱歌差不多。从产生到流入民间并被载入《诗经》，保守估计古琴至少已经有了三千年的历史。

“琴棋书画”，在明代以来的不少小说中，古琴位列“文房四艺”之首，可见其在人们心目中之重要。四艺皆通是古代文人追求的最高境界，而四艺皆精者，千百年来恐怕也没有几人。古琴不仅代表了高雅的艺术修养，还被历代文人雅士赋予了丰富的象征意义。古琴造型优美，古书上有记录的形状多达五六十种，常见的有伏羲式、仲尼式、连珠式、落霞式、灵机式、蕉叶式、神农式等。伏羲式，就是传说中伏羲最早为古琴定下的造型。仲尼式，却并非是孔子设计的，而是因为这种琴的上端是方形，传说孔子的形象是方头方脑的，故而命名为仲尼式，算是古代文人和圣人开的一个玩笑。

古琴的琴面为拱形，琴底是平的，象征“天圆地方”。琴形前宽后窄则是象征“尊卑”。传说舜的时候琴只有五根弦，《古今乐录》中就记载：“舜弹五弦之琴，歌《南风》之诗。”古琴发展定型后有了七根弦，分别是“宫、商、角、徵、羽、文、武”，前五根弦对应“君、臣、民、事、物”，第六根和第七根传说是周文王加了一根，周武王又加了一根，故称为“文”、“武”。

“徽”是琴面上用来标记的点，共十三个，象征一年十二个月再闰一个月。琴的长度通常为三尺六寸五分，则意为一年有365天。琴头压弦的梁被称为“岳山”，喻意为崇高。而其他乐器，比如小提琴、二胡，同样的部件被称为“码子”，西方称为“桥”，相比起来古琴就多了些文化内涵。

琴尾上有两条起保护作用的小木片被称为“冠角”，也叫“焦尾”。“焦尾”一词颇有来历。《后汉书・蔡邕传》记载：一天，有人烧梧桐木做饭，蔡邕听到木头在火中燃烧爆裂的声音甚是明亮，断定其为难得的制琴良材，赶紧冲过去把木头抢了出来，制成的琴果然音色绝佳，因其尾部还有烧焦的痕迹，命名为“焦尾琴”。因为蔡邕的琴尾部被烧焦了，其他琴的尾部也都成了“焦尾”。古琴的出音孔在琴的背面，一个叫“龙池”，一个叫“凤沼”。琴底两根绕弦的短柱，叫“雁足”，是说它们像大雁的两只脚。

在古代，古琴是由梧桐木制成，梧桐木很神圣，因为“凤凰非梧不栖”。后来有人发现用杉木和松木做琴也很好，但主要还是用梧桐木。“丝桐”就是古琴的一种代称。

古琴被赋予了这么多美好的想象，和它重要的地位密切相关。《礼记》中有“士无故不撤琴瑟”的训诫，就是说士以上的阶层每天都必须弹琴或者听琴。不会弹琴，没文化怎么可能成为贵族呢？孔子琴艺娴熟，他说：“不学诗无以言，不学礼无以立”。不会弹琴就无法和人交往，更谈不上学而优则仕了。竹林七贤里，嵇康、阮籍都善于弹琴，嵇康在《琴赋》中说：“众器之中，琴德最优”，相传今天常在音乐会上演出的古琴名曲《酒狂》，就是阮籍做的。司马相如更是凭借一曲《凤求凰》俘获了卓文君的芳心。著名的艺术家皇帝宋徽宗赵佶也热爱琴艺，曾广搜天下名琴藏于“万琴堂”。

传世唐琴历传奇

北京故宫博物院珍藏有一幅北宋名画《听琴图》，松荫下，一人焚香抚琴，左右分别端坐着两位红袍、青袍听众和一名童子。有人认为，这幅画是宋徽宗赵佶的自画像，画中穿红袍的是蔡京，穿青袍的是童贯，宋徽宗画中所弹的是张名为“春雷”的唐琴。

制作琴有一个专有的词――斫琴。琴的制作工艺发展至唐代达到顶峰，出了不少斫琴名家，以四川雷氏家族最为著名，有“唐琴第一推雷公，蜀中九雷独称雄”的美誉。而雷氏家族中，雷威的成就最大，据说宋徽宗的“春雷”就是出自雷威之手。

目前传世唐琴不足二十张。中央音乐学院教授李祥霆说自己幸运地演奏过十二张：香港何作如先生的九霄环佩，故宫博物院的飞泉、玉玲珑，国家博物馆的九霄环佩，博物院的万壑松涛、春雷，中央音乐学院的太古遗音，中国艺术研究院的枯木龙吟，旅顺博物馆的春雷，天津高仲钧先生收藏的老龙吟，北京某藏家的春雷和上海某藏家的大圣遗音。

其中有两张珍贵的唐琴与李祥霆渊源颇深。太古遗音原来收藏于山东琴家詹澄秋家中。1977年，詹澄秋的儿子打算出手转让，要价3000元，上海民族乐团觉得太贵，没有买。正好中央音乐学院乐器室找到李祥霆说，学校现在有一笔款项，允许你们系买一批乐器。“我就去山东看了，一看琴极好，我说学校经费有限，一共2000块钱。你这张琴是唐琴，可是声音发不出来，1200元吧。另外有一张琴，里面年款写的是唐朝，但一看就是明朝所制，可以600元。还剩200元买了他的一张明朝的琴。谈好了以后，我就回北京，学校派人去付款把琴取回来了。”李祥霆回忆说。这张太古遗音是月琴式，又称师旷式，记者请李祥霆估计它现在的价值，他笑着说：“现在，恐怕得上亿了。”

香港何作如先生收藏的唐・至德丙申九霄环佩制作于公元756年，是唐玄宗第三子李亨继皇帝位时的庆典之作。“春秋战国时期，国家每有大事就会铸钟鼎。秦汉以后，每逢大事亦会做典礼制品用来典藏或赏赐，比如皇帝登基，官方就会做琴。有时候，同一年的琴会出现好几张就是这种情况，而且制作的时间都是皇帝登基、改元的年份。这张至德丙申的，就应是唐肃宗登基庆典时所做。”李祥霆说。

2003年夏，在北京嘉德拍卖会上，这张九霄环佩被何作如先生以315万元竞得，加上佣金共345万元。此价一出引来文物界一片惊叹，而何作如在接受采访时说：“太便宜了！”果然，3个月后，王世襄先生的旧藏唐琴大圣遗音就以891万元的价格拍出。

何作如喜得九霄环佩后，遍邀名家鉴赏，然而众多古琴演奏家在演奏后，都表示“声音一般”、“徒有其名”、“令人失望”。何作如感到万分郁闷，携琴到北京请李祥霆演奏，没想到这张唐琴在李祥霆手中重现光彩，发出了绝佳的声音。李祥霆评价它：松透、恬静、圆润、雄伟、沉厚、悠远。这张九霄环佩在千年后终于遇到“知音”，名琴遇名家，乃此琴之幸，也是今天众多古琴爱好者之幸，人们得以与一千多年前的古人听到同一张琴的琴音。 “琴也和人一样，都有它自己的命运。”李祥霆说。

古琴在拍卖会上继续演绎着它们的传奇。2010年12月，北宋宋徽宗御制、清乾隆御铭的“松石间意”琴，在北京保利秋季拍卖会上以1.3664亿元成交。2011年5月，王世襄先生的旧藏大圣遗音再次出现在嘉德拍卖会上，最终以1.15亿元成交。

金徽玉轸制古琴

“古琴的年代，对于内行来说通常不难判断。要看它的断纹、造型、细节、漆老化的状态和木头的颜色、老旧和磨损程度等，从多方面考量。现在古琴也有不少仿古造假的，但还达不到乱真的程度，很多仿造的老琴，单是造型款式就不对。”李祥霆介绍说。

所谓断纹，是指古琴因为木头和漆的性质不同，长久在温度和湿度的变化下，漆表面产生的裂纹。断纹根据形状分为牛毛断、流水断、蛇腹断、冰纹断、梅花断等。梅花断因稀有而可贵，流水断、蛇腹断比较常见，太古遗音就是流水断。一张琴出现断纹通常需要150年以上，200年以后才能通体出现比较多的断纹。

古琴繁盛于唐宋，直至明清。清代后期随着社会动荡转衰，到清末民初能够演奏古琴的人已经很少。1936年，古琴期刊《今虞》做问卷调查，古琴爱好者在全国不足两百人。1949年后，国家的支持为古琴保存了一线生机。1956年，古琴大师查阜西亲自到全国普查，爱好者的数量减少至还不到一百人。“当时一般的明琴甚至宋琴都不值钱。因为弹琴的人少，而老琴多。查老买一张宋琴花了150元，别人都说买贵了。很多古董店收了琴之后，因为市面上没人要，就送到查老那里去，他觉得尚可的就留下，后来有的送给别人，有的借了出去，也偶有转让。最后，他儿子手里就剩下两张琴，前些年‘一池波’拍卖了一千多万。另外一张极为上品的‘霜镛’竟然流拍了，那是查老晚年最喜欢的一张琴。”李祥霆说。

2003年11月7日，联合国教科文组织将古琴列为“人类口头和非物质遗产代表作”。近年来，随着人们对中国传统文化的重视，古琴得以广受瞩目。现在，全国的古琴爱好者有五十多万人。很多影视剧也把古琴作为题材或者道具，可惜经常是错误百出。周星驰的电影《功夫》里出现了一张作为兵器的超大古琴，配曲却是用古筝演奏的。电视剧《甄传》里甚至将古琴摆反了。其实，要了解古琴并不难。

目前，市场上常见的普通古琴，价格从几千到几万、几十万元都有，材质一般是梧桐木，也有不少用几百年的老杉木。“现在制作的这些新琴基本上还都能弹。所谓能弹就是琴弦离琴面不要很高，太高按弦就很吃力，这叫‘抗指’，有这种毛病的琴不少。再有就是‘沙音’，琴面做得不平，现在这种毛病倒是很少了。但是琴的外观90%不合格，结构细节对称、工艺精致这些基本的要求都达不到。”李祥霆说。

现在，不少人用从老房子中拆出明清时期的杉木做琴。制琴所需的木头必须去除它原本的物理属性，天然老化的木头松透、干燥、稳定，这些明清老木料正是如此。在古代，如果用新的梧桐木斫琴，则必须先通过很多办法处理。“有的要用溪水、山涧的活水泡很多少年，把木头本身的汁液冲淡，然后阴干。”

古琴面板的漆为天然生漆，也叫大漆，漆下的灰胎是用生漆和鹿角霜调成的。有的古琴家自己就是优秀的斫琴师，著名古琴大师管平湖先生就善斫琴。“会弹琴才能做好琴，要能听出来声音的优劣，才能加以改进。”李祥霆说。

在唐代，最好的琴用金子做徽。一般的徽是用贝壳做的，因为贝壳有反光作用、色彩斑斓，老化以后更好看。唐代曾经使用玉徽，但玉质坚硬比较难做，好的白玉也比较少。古琴下方用来调节琴弦的琴轸一般用木头制成，古代用枣木，也用牛角，最好的是用玉。唐朝有“金徽玉轸”之制。

关于琴有很多神秘的传说，比如琴的保存必须要“沾人气”，李祥霆认为这是玄虚之说。“其实就是要经常用它，在震动中，琴可以保持最好的发声状态。乐器中只有小提琴和古琴是越老越好。”

难学易忘不中听

清朝末年，关于古琴流传着“难学易忘不中听”的说法。所谓“难学”，是因为古琴的演奏不仅要记住旋律，对指法还有严格的要求。只知道旋律是弹不出来的，要知道音在哪根弦，在弦的哪个地方，用哪个手指头怎么按，有些音是在手的移动中产生的，这些音还要有一些更为微妙的变化。

“易忘”，也是因为不仅要记住曲子还要记住指法，一般的爱好者不勤于练习也就记不住。“不中听”，并非是古琴不好听，“不好的琴、很差的演奏加上不经典的曲目，当然不好听了。古代的琴，外观很好但是里面的结构不好，声音不好的很多。”

古琴基本功的学习和训练，因人而异。“以我的教学方法和课程安排，中等爱好程度，中等接受能力的人，每个星期上一次课，一节课一小时，每天再练习一小时，半年可以学会《秋风辞》、《阳关三叠》、《酒狂》、《平沙落雁》四曲，古琴这种重要、高雅、经典的传统艺术，入门却并不难。”李祥霆介绍说。

现在人们对古琴曲存在普遍的误解，以为听起来都是平平淡淡、清静悠远的，其实古琴的表现力非常丰富。唐朝大琴家薛易简的《琴诀》中写道：“琴之为乐，可以观风教，可以摄心魄，可以辨喜怒，可以悦情思，可以静神虑，可以壮胆勇，可以绝尘俗，可以格鬼神，此琴之善者也。”真正的古琴曲是鲜明生动、扣人心弦的，查阜西先生的琴音就以高雅、深远、豪迈著称。李白《听蜀僧睿弹琴》一诗中有“为我一挥手，如听万壑松”的诗句。