初学者素描画教学精选(九篇)

前言：一篇好文章的诞生，需要你不断地搜集资料、整理思路，本站小编为你收集了丰富的初学者素描画教学主题范文，仅供参考，欢迎阅读并收藏。

第1篇：初学者素描画教学范文

【关键词】中职学生;美术;素描;教学

中职美术素描教学的任务一般来说，是通过训练学生对客观物象具有敏锐的观察力和正确、生动的表现力。即：教师通过正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面，使学生理解描画对象的生长规律、运动规律，并按艺术规律去表现对象。

一、中职美术素描教学基本原则

中职生素描初学者常有这种习惯，在绘画深入的过程中往往从一点开始绘画，并不会太多考虑画面整体布局，且学生艺术潜能也不会短时间就能被挖掘出来。对此，应本着“由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进”原则开展中职美术素描教学。一要实事求是遵守客观情况。中职美术素描教学目标建立、组织实施、进度安排都应根据中职学生个体特点制定相应教学计划，并通过灵活多样教学方法，激发学生训练兴趣。二要知识能力并重落实教学计划。中职美术素描教学应与学生生活相衔接，通过素描教学生活化、社会化、信息化的课程资源开发，使学生在学习过程中增长创造力和社会交往能力，获得自学素描、自主训练能力，使知识增长与素质能力增长同步发展。三要融通多种渠道开展素描学习。美术素描课应向社会、家庭延伸，实施课堂内外良性互动。即：重视开辟第二课堂，融通学校、社会、家庭多种教学渠道，形成立体式、网络化的教育环境，全面培养美术人才。

二、注重解决素描教学实践问题

素描教学重在发展中职学生个性，提高学生审美素质。有鉴于素描水平是个循序渐进过程，应着力帮助中职学生素描学习遇到的问题。一方面，指导学生从前人作品中学会借鉴。一般而言，中职学生喜欢写出，不喜欢临摹，有的学生认为临摹就是照葫芦画瓢，没有意思，且束缚手脚。其实，素描临摹可开阔视野、理性头脑、活跃思维，这种循序渐进能打下坚实基本功，使学生在临摹中培养耐心、细心，使素描认识由整体印象到具体细节更加清晰。另一方面，注重中职学生线条运用。很多中职学生对线条应用掌握不到位，素描教学时，力争解决好中职生画线条这一基本功。如：《永乐宫壁画》等之所以栩栩如生、呼之欲出、极其生动，就是线条如行云流水，抑扬、钝挫、刚劲、柔美，把线条的生命力、表现性、概括法在绘画中表现得淋漓尽致。因此，素描线条是绘画最根本要素，严谨、高超用线技巧等于绘画成功了一半。

三、引导中职学生体验反思作品

从中职美术素描教学实践发现，很少有学生对自己素描作品进行反思，如果让其找出素描画中的优缺点，往往张口结舌，或表述不能达意。因此，素描教学要让学生对作品进行有益反思。一是引导中职生对素描画面结构反思。好的素描用品，从起稿构图到形体结构，再到空间结构，其线、形、色合理布局和组织画面都透着画者精心构思。应通过引导学生对素描作品反思，不断提升中职生构思画面效果，养成起稿即构图的良好习惯。二是指导中职生抓住素描学习的步骤。素描真实反映着客观对象。就如平常我们看物象，距离的远近、高低各不相同，而在素描中反映的就是颜色和大小。教学中，应引导学生自我找到自己作品的盲点，如对画面效果的控制，物象外形特征、造型特点等，从中掌握学生思想动态、关注中职生兴趣点、创作力以及薄弱层面，以多元化指导促进中职生学习主动行为，实现个性化、多面化发展。三是教育学生对作品进行回头看。实践中，一些中职生对所画素描作品，画完就放到一边，甚至很少去多看一眼。对此，在教学中应安排相应时间让学生在完成素描作品后，每次自主性完成一份简单书面小结，通过自我小结，总结经验教训，静心反思，促使学生创造出更多美好的素描作品。

四、加强学生画外功夫体验指导

中职美术素描课就是是让学生在愉悦的环境中接受美学的感化。既让中职学生从感觉器官上感知出美感、美育的熏陶和享受，更通过教师富于情趣的教学方式，体验到美。一是把学生现实状况与课程安排有机结合。针对素描概念、观点较为抽象、枯燥，与中职学生心理有一定差异，教师备课应充分考虑学生特点，掌握好学生学习情况、能力、层次等，以情激学、因材施教，让不同学生在素描课上都能有所收获。二是让学生在素描创作中提升审美能力。通过对比法教学，让学生体会不同作品中的美与丑，发现素描刻画的内在美因素，领会美术的真正内涵，培养学生把感情渗透于自己作品中去。三是激发学生想象，拓展素描教学意境美。虽说素描追求“精练、传神”的特点，但在画面结构、风格，人物性格、特点、思想、品质等方面如何体现美感，需要学生敏锐准确地表现物象特征的缺陷，进行大胆、丰富的想象，帮助学生养成自觉进行整体观察习惯，如：开展文学、美学、历史等方面知识传授，使中职生更多了解不同素描流派产生和发展的过程等，做足画外功夫，提高素描教学质量。总之，中职美术素描教学，要重点培养中职学生学习素描兴趣，培养学生良好观察方法，展示表现能力，让学生学会整体布局，提高自己认识水平、专业水平与艺术修养。

参考文献：

[1]苏楚韩.探讨中职美术素描教学的方式及艺术[J].教育科学:全文版,2016(2):00186-00186.

第2篇：初学者素描画教学范文

一、打好理论基础

每接手一届新的高一学生，我首先让学生了解什么是美术，美术包括什么以及素描与美术的关系。美术，是以一定的物质材料，塑造可视的平面或立体形象，以反映客观世界和表达对客观世界的感觉的一种艺术形式。因此，美术又被称为“造型艺术”“空间艺术”。美术包括绘画、雕塑、工艺美术和建筑艺术。

二、训练基本绘画技巧

当高一新生素描还无任何基础的时候，我培养学生首先练素描线。一幅好的素描画都是由无数条深浅不同的线条组成的。当学生将美术用具准备齐全后，我首先让学生用2B铅笔练习素描线条。练习横线、竖线、斜线的画法，整整一至两节课后，学生方可掌握其要领，接下来我讲解并演示几何形体的画法。几何形体是任何复杂形体的基础，诸如立方体、圆球体、圆柱体、圆锥体等。我一般先演示立方体的画法，并强调绘画要点。学生学画素描不仅要练手，更要练眼的观察、比较，练脑的思维。画立方体，首先要认识它，研究和掌握立方体的形体结构、比例、透视变化、运动规律等，然后再去表现它，运用造型规律、法则及造型语言等，在画面上真实地塑造和再现物象。对工艺美术来讲，造型能力是创造能力和设计能力的同义语。刚刚开始学习素描的学生，需要一个过程，一般需要三到四周，学生才能掌握素描要领。初学者以掌握造型基本规律、培养素描造型能力为目的。

三、不间断进行督促

职业教育的学生上绘画课需要教师的督促，完成一幅好的习作，对学生来说是一种动力。所以上素描课正常情况下，我都愿意给学生改画，让学生以最快的速度领悟素描的要领，让他们将进步变动力，对学习逐渐产生兴趣。通常一个班级中刚开始会有几个对美术领悟能力较高的学生，也就是当教师在演示绘画的过程中，他们可以较轻松地完成目标。所以，在教学中，我会先带绘画好的学生，让尖子生更优秀，让班级里有较多的尖子生，再让尖子生带动其他学生，这样班级会形成你帮我、我帮你，大家共同学习、共同进步的好氛围。在素描课上，会出现个别问题学生，我都会利用课后时间跟他们谈心，让学生敞开心扉，把我当姐姐，讲出内心的想法，我再动之以情，晓之以理，让学生明白高中学习正是他们学习的黄金时期，是他们追求梦想、实现理想的最佳阶段。人生最怕错过，世上没有“后悔”二字，与学生打成一片，对我上课教学有很大好处。作为教师，我渐渐地也把上课当成享受！

四、以素描为基础，逐渐提升学生的绘画能力

随着基础素描的不断学习，我们迎来了静物写生。静物写生是学习基础素描的重要内容之一。静物写生对提高素描造型的认识能力和表现能力以及审美判断能力等有着重要的促进作用。其中，第一节讲的就是静物的配置与构图。静物配置，是指为赋予静物以一定的思想内涵和审美情趣进行的静物搭配与布置。生活不缺少美，而是缺少发现。那么，我们的双手同样可以创造美。在静物配置时，要合理合情。如，我们将菜刀、蔬菜、鸡蛋、土陶油罐配置在一起感觉是合理的；如果把蔬菜、陶土、油罐和一本书、一支笔配置在一起，肯定使人感到不合理了。情呢，就是物与人的关系，比如，将小提琴、琴谱、高脚玻璃杯配置成静物，是不是会给你无限联想？赋予情感性的静物配置，将增强我们作画的兴趣和表现欲望，也更能促进造型技能、技巧的提高。生活是美好的，我们热爱它，当你饱含深情地布置生活中的一角时，静物也会美起来！学生在学习配置静物时很感兴趣，也愿意亲自去实践。

第3篇：初学者素描画教学范文

【关键词】素描；素描技法；教学；自由性；

一、素描的特点概要

素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。素描作为造型艺术的一种，属于绘画的范畴。素描从目的和功能上说；可以分为两类 一类是结构素描 一类是光影素描 也叫全因数素描。

结构素描，又称“形体素描”。这种素描的特点是以线条为主要表现手段，不施明暗，没有光影变化，而强调突出物象的结构特征。以理解和表达物体自身的结构本质为目的，结构素描的观察常和测量与推理结合起来，透视原理的运用自始至终贯穿在观察的过程中，而不仅仅注重于直观的方式。这种表现方法相对比较理性，可以忽视对象的光影、质感、体量和明暗等外在因素。

光影素描，是结构素描的进一步深入，这种素描的特点是以在线条为主要表现手段的基础上，施以明暗，有光影变化，强调突出物象的光照效果。光影素描的表现在于光暗的描法。

特点 ：由于结构素描是以理解、剖析结构为最终目的，因此简洁明了的线条是它通常采用的主要表现手段。结构素描画面上的空间实际上是对三维空间意识的理解，所以结构素描要求画者具备很强的三维空间的想象能力。而关于三维空间的想象和把握，在很大程度上取决于思维的推理。结构素描要求把客观对象想象成透明体，把物体自身的前与后、外与里的结构表达出来，这实际上就是在训练我们对三维空间的想象力和把握能力。在形象的细节表现方面，结构素描所要表现的是对象的结构关系，要说明形体是什么构成形态，它的局部或部件是通过什么方式组合成一个整体的，为了在画面上说明这个基本问题，就要排除某些细节的表现。结构素描关心的是对象最本质的特征，这些本质特征要从具体的现实的形体中提炼和概括出来。

结构素描是设计教学中的一门重要课程，是培养学生造型能力和设计思维能力的基础。 学习结构素描对于初学者来说，关键在于理解对象的结构，画准对象的造型

二、在现状中素描的自由性

素描教学改革方案已施行多年，但还有一部分教师做的不很到位，简单说来是对素描教学的理解和认识上的问题。我认为如实地描绘对象只是素描教学的一半任务，而自由造型则点重要的一半。只有学会了自由造型，才能使学生能摆脱对象，把自己想象中的对象随心所欲地展现在画面上，达到自由组合造型的境地。

在加大作业数量的教学过程中，我认为不能仅仅依靠手的机械活动来完成素描作业的数量，因为素描教学内容中很重要的课题是研究物体的结构和艺术规律。在解决自由造型之前，首先应该主动描绘与被动刻画这两个问题。从学生的作业中可以发现，有不少学生还是停留在被动刻画上。用了很长时间的摹写，学生终于把对象吃力地描绘下来了。但实际上在这一过程中，学生始终是被对象所牵制。对象稍动一下，光线略有变化就无从下手，这种停留在看到一点黑画黑，见到一点白画白的纯感觉的描写，成了对象的奴隶，成了被动描写。只有对对象进行全面的观察分析，研究其特有的特征，不要只停留在固定的视线里，才能慢慢的掌握素描自由造型的方法。例如：对石膏像《罗马青年》的描绘，为了把握对象特征，首先简化其面部形体，概括为最简单的几何形体，并分析各个几何形体之间的关系。这时，再理解《罗马青年》的具体结构和穿插关系。学生们再进一步的分析、理解、概括出整体的艺术效果。让学生的头脑使终处于兴奋的思考之中，不再是手的机械运动，被动描绘艺术对象了。运用这样的分析方法，在素描绘画中光线与明暗在学生的眼里马上就显得不重要了，一些苦苦追求的如空间、线条等问题也随之迎刃而解。

素描教学的最终目的，绝不是简单的如实地描绘对象，而是通过画而来表达一种心境和自我的创造力。那么在写生课中穿插着自由拼合练习就显得非常重要，很多学校都忽视这一点，我认为这应当是我们艺术教育工作者迫切需要解决的问题。在写生了一段时间素描后，利用这些素材让学生进行自由拼合练习。创作不限题目，充分展开自由联想，给他们以最大限度的自我绘画表现空间。最后学生创作出的作品会形式多样，内容丰富。

整个素描教学的过程，就是尽可能地掌握自由造型的过程，自由造型的规律让学生们掌握的越多，创作时就越能得心应手，使学生在整个学习过程中方向明确，更能自主地认识自己把握自己，从而奠定日后腾飞的基础。

三、素描的自由表现属于绘画自由精神的体现

素描在引进中国后对中国的艺术教育产生了重要影响，几乎是所有艺术学子进入艺术之门的必由之路。素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。这就是绘画自由精神的体现。

一幅出色的素描就是具有独立品格的艺术品,其效应并不在某些鸿篇巨作之下。素描的自由表现形式是丰富多样的。素描绘画有着不同训练阶段,他的不同阶段的素描表现形式也不同。由于素描的主要构成要素是明暗和线条的自由塑造。但它也有国画的放纵笔致来表现作画者的自由精神。

参考文献：

[1]杨改学.艺术基础〔M〕. 高等教育出版社, 1996:3.

第4篇：初学者素描画教学范文

【关键词】写实油画；本质问题；整体观念

一、写实油画的表面问题和本质问题的区别

在写实油画中要分析画面成败的根本原因，绝对不能只是看到成果，而是在绘制的过程中从需要具备的重要因素来挖掘本质上的问题。写实油画需要注意一些问题，而有些问题是表面问题，有些问题是本质问题，比如说油画在绘制过程中有时会沾灰，有时会不容易干燥，有时画的不够平整，这些虽然是油画绘制中要注意的问题但不是本质问题，油画容易沾灰可以用适当的方法清洗，油画不容易干燥可以使用快干型媒介剂和快干型油画颜料增加干燥速度，油画不平整在制作底层时可用砂纸打磨平整。上色时可采用多层铺色，每一遍铺色薄点，井然有序，然后用软笔扫平。这些问题在绘制操作中随着运用的增加不是特别大的难题。例如油画绘画中为什么要画呢，因为对于一个自然界的人而言其本来是的，衣服是社会不断变换附着在身体之上的，衣服的纹理是按照人的身体结构而变化的，如果想研究人物。实际上衣服是表面，人体才是本质，这是一个道理。就如同画人物要研究骨骼和解剖一样，结构的产生是本质问题。如果没有这些坚实深厚的基础其作品会显得空洞无味。

油画绘制中的本质问题我把它分为两种，一种是：绘制中画面效果要素的本质问题。另一种是：作者思想境界高低表达的本质问题。绘制中本质问题如作者对画面色彩还原的把控能力，作者对画面整体因素的把控能力，物体质感把握的能力，画面空气感的把握能力。这就是给相同的工具让十个人画同样的物体，但这十个人画的不一样的原因。作者思想境界高低表达的本质问题如选择题材问题，画面布局问题。有些时候一些作者的绘画能力都接近，但在选择题材角度，构图问题不同时表达的内涵就不一样了。

二、对写实油画本质问题的分析

首先要谈论的是油画整体问题，整体只是简单的两个字，但是实际上却包含很多内容，几乎每一个学习画画的人刚开始接受到老师的教导就是“整体”，画画要整体，即便是现在最成功的写实画家也绝对要考虑这个问题。

一个是从时间发展关系上的整体，，写实油画从制作底层到起稿到铺色，到深入，到罩染，干燥，上光，整个过程实际上就是一个整体。各个阶段要达到什么效果，大概要花多少时间都是要有所考虑的，一开始动笔就要思考期望最后有什么样的效果。有的同学一开始只是注意起形。但对后面的每一步没有事先考虑，以至于每一步画的都很被动。用什么材料？用什么画法？上光还是不上光？选择什么样的上光油？最后效果跟预期效果的对比，都是要有所考虑的。每个阶段都是随着时间的推移逐步完成，不能跳跃式的进行，并且每一部都是严格要求的，前一部直接影响到下一部的成败。底层的吸油性直接影响到画面的上色问题。我看到一些同学铺完色干燥之后就匆匆上光，一但上光之后，清除光油就没那么容易，当想修改画面的时候就很难修改了。还有的人画的都很好，但是在最后一步上光失误，导致这张完整意义上的作品没有那么的完美。我看到有的作品上光后画面迟迟不干，甚至一个月都没有干燥，而且调配上光油时的溶解剂含量比例比较大，上光的时候把画面的颜色都洗掉了。上光油干燥不了容易沾灰尘，就因为这么一点小小的不足，让画面不够完美。虽然这个上光问题不是本质问题，但是这个是画面整体的一个部分。

另一个指的是各个要素的整体因素包括明暗因素，色彩因素，形体因素等整体因素。以上每一个本质问题都要考虑进去，造型的整体对整个画面的把握能力是我们要重点考虑的。就拿深入画面问题来讲，细节的深入前提就是整体，没有把握大整体的前提下所有细节的深入都是多余的，初学者往往想画得很写实，只看到细节，把看到的细节都描绘上去，可是整体的效果却被忽略了。体积感是写实油画要注意的，画面整体是一个大的体积，小的细节也是要有体积的，没有空间没有体积的画面是没有分量感的。

写实油画中的素描因素是至关重要的，起稿时形的准确度直接影响到画面真实度的成败。造型的基础离不开素描，对于形体的把握需要内化结构的认识。有的超级写实作品直接是先用黑白灰或是棕色颜料在塑造的底层阶段画一个完整的素描画。这样在铺色彩的阶段能清楚的看到画面色层底下的形体。一个人画素描的时候容易出现的问题也会出现在写实油画上，比如说素描形体塑造不准，明暗不强，虚实对比不够，这些问题在画写实油画的时候也会暴露出来。也就是说写实油画要解决的要素有很多个，而素描因素只是其中一个，但这个素描因素是一个很重要的因素。有的同学画写实油画很努力，却在塑造问题上不过关，不知道该怎么办，也不知道画面问题出在什么地方，这个时候可以停下油画，练习素描，然后再去画油画，这样可以更快的解决油画的造型问题。

有一种观点认为画油画就是在画素描，我认为这种观点不完全正确，的确画素描的问题是暴露在油画上面，素描深入不了油画也深入不了，但是油画不是素描，一张素描画跟油画有什么区别呢，如果这张素描跟油画画的东西都一样，我们可以明显的看到，主要差别有两点，第一点：油画还包含了色彩，而素描只有黑白灰。第二点：材料不同，素描的材料相对要简单的多而油画材料相对复杂的多。油画要用笔把颜料粘合在画布上，颜料干燥速度还很慢，有的地方要趁湿画，有的地方要趁干画，有的地方要直接画，有的地方要间接的去刻画。简单的说就是制作工艺方法要复杂，间接画发中的色层质感把握都不只是画好素描能解决的，我认为油画画的好的人素描不会太差，而素描画的好的人可能油画不是那么好，因为油画要考虑的因素比单纯的用铅笔在纸上画素描要复杂的多。

写实油画中的色彩因素，我在这儿强调的是描绘被画物体的色彩还原因素。有的人一味的把油画画得很细，可是油画的真实感觉却没有达到。在色彩上要注意，写实油画画的细只是要求的一方面，写实油画实际上是一种再现的手法，要欺骗观众的眼睛，这个不光是细节的问题，很大一部分原因是色彩还原上面，目的是以看到的视觉效果用自己的手法再现到画布上。一般情况下颜色的把握还原越接近实物给人的感觉就越真实。还有一种色彩还原是一种理想化的色彩还原，作者所描绘的颜色也是很接近描绘对象的颜色，但是这种颜色是一种美化的颜色，这种颜色比描绘对象的颜色还要漂亮。比如说周松画的一系列鱼的作品，鱼的内脏画的血淋淋的，很鲜红，但是实际上鱼的内脏没有那么鲜红，比较暗，画的时候将鱼的内脏颜色主观的加红，这就是一种美化颜色的手段。有的知名画家画的人物特别真实，包括眉毛一根根的都画出来了，眉毛的层次感觉，眉毛插入肌肤的感觉都能表现出来，同样是画十根眉毛，为什么这位画家画的比别人好呢，这是一个综合的能力。有的画家画的很写实但是颜色用的不自然，不真实，这是色彩还原这一步没有做好造成的。

写实油画的质感表现是一个重要因素，这也是为什么油画区别于照片的原因，油画是用颜料和油脂混合绘制的，它的色层质感是照片无法比拟的，特别是采用古典写实油画技法所完成的作品，其质感表现和色层使油画更加的真实。有的写实作品为了表现质感运用不同技法来表现，比如说画穿衣人物油画的时候，如果衣服的质感比较粗糙可以用直接画法进行，画的时候媒介剂的含量要减少，这样就可以表现衣服粗糙的质感，在画人物脸部或是手部的时候如果想表现特别真实，可以用间接画法来表现人物肌肤的质感，透明度，冷暖叠加相间的感觉。在写实油画当中最难表现的就是白色物体和人物肌肤的感觉。白色物体是表现质感和色彩层次上是最难把握的。比如说画一圈珍珠项链，在表现体积感的时候白色的暗部画重了，感觉画的就不太像是白色。白色在色彩环境的影响下色彩的添加一但没把握好画面就显得花，颜色画的不足画面就显得苍白。有的白油画颜料还容易发黄。画人物肌肤的质感也是比较难表达的的，如果一个画家画一个画的很好，那么他画其他的东西也不会画的太差。肌肤的色彩和质感效果的表达，需要长期的技法尝试才能达到。

在绘画当中有一个形容画面感觉的词叫做画面的空气感，这种感觉是神秘莫测的。虽然物体是清晰的，但是在一个平面上制造的效果却能欺骗观众的眼睛。神秘的是这种效果是怎么达到的，很多写实作品画得很细致，但是在空间上还达不到这种境界，空间感达不到，没有给观众带来想要去触摸的冲动。有这么一个故事，曾经有两个画家是很好的朋友，一个画家画了一些葡萄，接果引来了小鸟的啄食，另外一个画家说：“我也能做到这一点”于是请第一个画家去他的画室看他的油画，第一个画家到了画室看到有一张画表面盖了一层布，于是伸手去揭开画布，当手伸向画布的时候才知道自己被欺骗了。画布是画上去的。于是说“我骗过了小麻雀，但你却欺骗了我”。画面的空气感不仅仅在写实素描中有所体现，在油画当中也更加要注意，画面的写实感觉是多方面因素造成的，最后这张写实油画的感觉是这个物体在画面中能用手拿出来。不仅要注意画面物体的立体感觉，还有背景的环境，还能有一股清新的空气在画面中穿梭。画面的空气感觉可以说是一种画面效果达到一定境界产生的，画面的光线分布，物体冷暖的选择，画面的疏密问题对画面的空气感都有一定的联系。

构图因素在绘画中也是不可忽视的重要问题，有位画家说过这样一句话：“我想要画面画的好看，这种好看不是普通意义上的好看，是在别人作品上看不到的那种好看”。同样的物体不同的角度，不同的大小，不同的分割给人的感觉都是不一样的，构图是画面中很重要的一个环节，但是有的画者往往没有充分考虑油画画面的构图问题。构图就是将自然形态和非自然形态的结构特征，通过绘画要素的线条，明暗，色彩组合在同一画面的结构关系中，并以视觉感受与表达，审美意识与主观理性过程的统一为目的，表达作者的创作意图，是学习绘画表现技法的基础。我想强调的是构图需要注意一定的个性，因为这种个性从一开始就决定了你与别人的油画是不一样的。

画面的氛围能让观者不断思考，有的作者画的油画虽然跟物体颜色画的很接近，也很深入，但是整个画面感觉没有氛围，没有给人以思考的空间。这种氛围的把握也不是要把画面画的多细的才能达到，如果画的内容没有精神上的感受，可以说这幅作品不是真正的成功。以冷军的《丰碑》为例，尺寸170×100cm，修长的画面比例。画面描绘的是一个黄绿色陈旧的发动机很沉稳的树立在地面上。发动机表面隐隐约约的灰尘和细小泥土颗粒的明暗体积关系都被细致的描绘出来。底部是几块串着铁丝的碎水泥块围住，水泥有前有后，这样画面的空间很容易被表现起出来，再复杂的的物体，归纳成几何体，画起来就容易着手了。画面的底部面积很大上端很小，给人的感觉很沉稳。画面是平视角度，这种构图形式衬托出画面的安静，庄严。发动机的底部气缸正好形成了画面的重色区域。冷军及其讲究画面的黑白灰分布，墙面是冷灰色，光源来自左侧，墙面上留下的透明阴影感觉是那么的透气，墙面上还有一个用铅笔画出的十字架符号，隐约着画面的内涵，十字架代表着死亡，墙的下端还有一条横线，正好打破了发动机的竖向，显得不那么呆板。地面上还有几个脚印，暗示了人的存在性，人与机器的关系，地面上的水泥块有一种被机器砸出得感觉。通过这些构成来展示出画面的氛围。

总之写实油画的成败是有很多因素所决定的，时间和环境能改变一切。每个阶段对画面的认识会随着时间的进展而改变，不同的环境会给人带来不同的影响，要想获得进步必须潜心探索，全面的分析画面中的决定性因素。

【参考文献】

[1]李放.唯美至上[M].天津：天津杨柳青画社，2006.

[2]苏高礼.中央美术学院素描教学[M].长春：吉林美术出版社，2002.

第5篇：初学者素描画教学范文

关键词：色彩教学；教学效果；感受能力

色彩，是美术课教学中的基本也是重要内容之一，同时还是难点之一。色彩的学习不仅为绘画和设计打基础，更有利于审美能力的培养，一般认为，色彩教学应教会学生怎样观察、认识色彩，怎样诱发色彩想象能力，怎样在作品中组织与表现色彩。这里，本文认为色彩教学应先提高学生对色彩的感受能力。

新的美术课程标准要求美术课教学要从学习内容上改变专业化的倾向，通过生动的教学活动，使学习内容变得鲜活现实，易于被学生掌握。在美术教育中，以颜色的规律性为基础，通过美术活动提示，发展学生认知颜色的能力，有助于提高学生的审美能力和艺术修养。

大多初学者色彩知识欠缺，固有色观念牢固，这是教学的最大障碍。要取得好的教学效果，首先，就要使学生明确大自然中色彩产生的原因。可采用“演示”“谈话问答”等方法，让学生知道，无光便无色。

光，并没有颜色，太阳的白光既可以用三棱镜分解为七色光谱，又可用聚光镜将他们聚合为白色。光，只是一种可见的电磁辐射能，而不同波长的光波则呈现我们看到的不同的颜色。

人们肉眼所见的各种物象颜色各异，是因为他们表面分子结构的不同，因而决定了它们分别吸收和反射光谱中的不同波长，而吸收与反射的程度也各异，人们所看见的物体颜色，正是其反射出的部分，而被吸收的则不可见，因此，颜色并不是物体本身存在的东西，而是光作用于物体在人的视觉中产生的反应。

其次，让学生认识条件色、光源色、固有色和环境色的客观存在。这里推荐使用形象演示的教学方法。这四个概念并不并列，条件色是一种色彩观察方法和处理方法的体系，而后三者是并列的，是有条件色体系派生出的把握色彩关系的三个重要因素。

条件色体系的色彩把握方式关注的是特定条件下的色光关系，即用什么颜色的物体在怎样的光照下和与周边什么色彩发生怎样的相互作用。

所谓“固有色”，指在通常情况下根据视觉经验被人们观念认可的基本色，如红色的番茄、橙色的柑橘，但按照条件色观点却不是画这些概念中的颜色，画面中的番茄究竟以一种怎样的具体色彩呈现，固有色虽然是不可缺的因素，但不是唯一的因素。

光源色之光照本身的颜色，如从窗外漫射的白光没有显著的色感，但会微微偏冷；普通灯光带暖黄色，而荧光灯则略呈青紫，不同的色光照在物体上，会使物体的亮部带上光线色的影响。而如果一个画面中有两种以上的光源照射物体，其光源色会在各自照射的面向上发生作用。

环境色指物体周边的色彩对物体所产生的反射，而组合在一起的一组物体是相互环境的，因而物体之间环境色也是相互作用的。环境色的作用多呈现于物体的暗部，但物体亮面的某些朝向也可能接受周边强反射的色光影响。

固有色、光源色、环境色三者对物体色彩的决定程度亦因条件的变化而变化。在中等程度的光照下，物体呈现的固有色愈多；光线的色感、照度愈强，那末光源色的作用愈甚；而作为环境色因素，是反射物色感愈强、受光愈强或反射物离被反射物体愈近、投射面朝向愈直接，其环境色作用愈大。在一个物体上，通常情况下其亮部的中间层次呈现固有色愈多，那末最亮层次上的固有色则被光源色作了不同程度的抵消，但当你从逆光的角度观察对象，由于受光面极少，尤其在强逆光之下，物体的固有色多呈现在其暗部的中间调子上。

再次，可以运用图示的教学方法，引导学生理解明暗调子中的色彩因素。素描画是运用线条、明暗、块面塑造形体：色彩画，却是运用色彩塑造形象、表现空间。为使学生了解明暗调子中的色彩成分，可将物体画成剖面图圆形在圆周上分段标出明暗调子的部位，在圆的左上或右上确定一个光源，物体受光情况可由光线到物体表面所成的角度不同来表示。要让学生明确物体不同部分与光线所成的角度不同，它的色彩成分也不同。如高光与光线成直角，它是光源色的直接反射；亮面，与光线成小于九十度大于四十五度，以以光源色为主，固有色较少；灰面，与光线成小于四十五度以至平角，光源色少，固有色占主导地位；明暗交界线，光线照不到，环境色影响几乎是零。所以，它的色彩是固有色加深：暗面，已经有少量环境色的影响，它的色彩是固有色加深和环境色；反光面，是环境色的反射；投影，是投影着落面固有色加深和少量的环境色。这样进行图示分析，有利于加深学生对物体色彩关系的理性认识。

最后，要求学生在日常生活中，随时随地都要研究色彩的变化。由于形于色是物象与美术形象表现的两个基本要素，要使学生在比较有限的课时内更好地掌握色彩理论知识和过硬的专业基本功，就需要美术教师采用灵活多样的教学方法施教。这里笔者向大家介绍几种色彩教学的方法：

1.分布示范法

美术教师用分布示范法，将色彩写生的整个过程演示给学生，从构图起稿――勾小色稿――确定色彩大关系――局部深入刻画――调整各局部间的色彩关系――整体作品完成。在进行色彩教学过程中，直观的教学效果较好，可以把作品形成的每个步骤清楚地展现给学生，可以行之有效地使学生逐步掌握、运用色彩表现物象的客观规律，给学生提供直观感受的机会和条件。这种分步示范法是目前色彩教学最常见的教学方法。

2.阶段教学法

美术教师在进行色彩教学的过程中，将教学过程分成若干阶段，在每个阶段结束时，利用讲评、讨论、焦炭、修改等方法，找出本阶段教学中存在的问题，并且分析形成问题的原因，这样一来，不但使学生掌握了比较扎实有效的绘画技巧，而且绘画质量也得到了很大的提高。同时，有助于勤学好问良好学风的养成。

3.分层次教学法

由于每班学生的绘画水平参差不齐，色彩的感知能力强弱不均，因此，在色彩的教学中，根据学生的实际情况，将学生分成三个组进行教学：色彩感知能力较强，绘画水平相对较高的学生，除完成计划内的学习任务外，可以自选题材多画多练，并加强默画练习：中等绘画水平的同学，要按部就班地完成计划的学习任务；对于基础较弱的同学，在完成计划学习内容的同时，加强临摹画的练习，以此来降低色彩学习的难度。

4.演示教学法

演示教学法适用于对色彩理论有一定认识的学生，教师首先把色彩写生的内容演示给学生，然后根据学生对色彩写生的理解，基本掌握色彩写生的技巧后，针对学生在色彩写生过程中出现的有关色彩原理、技巧表现等方面问题，通过教师的指导、改正、提高的过程，使学生的写生练习经历了由感性认识到理性认识的升华，可以帮助学生提高分析问题、比较问题、概括问题的能力，同时也提高了学生创造性思维的能力，可以极大地调动学生的学习兴趣。

5.色彩写生训练法

对于初中学生而言，他们对于色彩的运用需要老师的引导，告诉他们如何区分概念的色彩和感彩，来提高学生对色彩的敏感性和独见性，使学生可以把色彩融入自己的情感而富有情趣。色彩写生训练包括：色相专门训练、色阶专门训练、色彩明度训练、色彩纯度训练、冷暖色调训练等，让学生全面认识基本色彩的变化。

另外，色调是几乎决定了一幅色彩画的生命，而学生在色彩绘画的过程中，往往忽略色调与色彩关系的把握，缺少整体观察。因此在学生进行色彩写生时，先指导学生用大色块摆明写生对象的主体色调，同时对照写生对象进行一至多副的色彩变调训练，以此来提高学生掌控画面色调关系的能力。