表演艺术实践报告精选(九篇)

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第1篇：表演艺术实践报告范文

音乐表演艺术拥有三层境界，首先是直觉。直觉对艺术家来说非常重要。是否拥有直觉是能否进行创作的先决条件。对直觉，我们一般的解释是：人类感知世界的能力和方式。由此看来直觉是人人都有的。而在艺术家那里，这种直觉方式则发展为一种对艺术语言的直觉，也可以说是艺术的直觉。

境界之――一直觉

艺术直觉包含着深刻的内在心理因素，直觉是一种最基本的理性活动。是对客观世界的感悟和深刻的心理体验过程。直觉绝非单纯的感知，而是与情感的想像、感知交融在一起的多种心理功能的综合体。

所以，在音乐表演艺术中，音乐家的艺术直觉，在其对客观世界的感悟中、在对艺术形式的把握中起着巨大的作用。它使音乐家不断发现、不断启发自己的艺术思维，不断地提高音乐的艺术创造能力。直觉是艺术家进行艺术创作的生命线，任何一个伟大的音乐家无不凭借着他的独特而又非同寻常的艺术直觉而驰骋于音乐的神圣舞台。我们可以看到，音乐大师门德尔松，用激情和灵感催生出了不朽的传世名作《森林交响曲》，那阵阵林涛，那隐伏干林海万山丛中的无穷故事，被大师用音乐诠释得精妙绝伦。

“音乐神童”莫扎特4岁会作曲，6岁开演奏会，天赋的音乐艺术直觉造就了他如此之多的伟大作品。在莫扎特《费加罗的婚礼冲的一个曲子《求爱神给我安慰》中，看似简单的一个乐曲，并没有大喜大悲的华丽却表现了人性的本质，而且主要通过悟性和直觉来实现，并无依据任何心理分析。所以我们在感受莫扎特的声乐作品时，要是真正领悟到了，就能感受到蕴藏在心底的一种力量，那是内心情感的自然流露。他对乐曲的形式感和对称感似乎是与生俱有的，而且他将此天赋与他来自学习、来自直觉的万无一失的技艺紧密结合在一起。他在歌剧中不仅表现出迄今仍无人可及的戏剧感，而且还透过与当时几位最伟大声乐家的接触而扩展了歌唱艺术的天地。由于具有极强的敏锐度与能以超然物外的态度洞察人生，他所塑造的舞台人物可与莎士比亚笔下的同类人物媲美。

境界之二――兴趣

在充分感受直觉对于音乐表演的重要性后，我们必须关注的便是第二个层次一一兴趣。兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象，所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。每个人都会对他感兴趣的事物给予优先注意和积极的探索。

例如，对美术感兴趣的人，对各种油画、美展、摄影都会认真观赏、评点，对好的作品进行收藏、模仿：对音乐感兴趣的人，会收集相关的音像资料，常去音乐厅，参加各种与音乐相关的活动等。兴趣不只是对事物的表面的关心，任何一种兴趣都是由于获得这方面的知识或参与这种活动而使人体验到情绪上的满足而产生的。例如，一个人对跳舞感兴趣，他就会主动地、积极寻找机会去参加，而且在跳舞时感到愉悦、放松和乐趣，表现出积极而自觉自愿。

兴趣是爱好的前提，爱好是兴趣的发展和行动，爱好不仅是对事物优先注意和向往的心情，而且表现某种实际行动。我们在生活中，通过对生活的体会，必然会对某些东西产生喜爱--或者厌恶，一个人对艺术的某个特点的喜爱正是形成他自己风格的要素，所以兴趣对于音乐艺术表演尤为重要。音乐家肖邦对波兰音乐和文化的浓烈兴趣，在肖邦的后半辈子的作品中显示出重大作用，他为我们谱写了如此优美的旋律，让我们到现在还回味无穷。

在音乐艺术表演中，不仅需要掌握技巧，更重要的是把握艺术的精神内涵，因此，兴趣在音乐表演中发挥了很大的作用。

兴趣是学习音乐的基本动力，是我们与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提，是我们主动进行学习和研究的精神力量。

一般来说，兴趣就越广泛知识面越宽，所以，我们需要博览群书或常去音乐厅、学术报告厅等，多受熏陶，培养对各方面知识的浓郁兴趣。因此，人的兴趣不仅在学习、生活中发生发展起来，而且又是认识和从事活动的巨大动力。

境界之三――风格

因为有了兴趣，音乐表演艺术才能表现得更加丰富，才能形成各种不同的风格。所以，解决了兴趣以后，值得我们长远考虑的便是音乐表演艺术的第三层境界――风格。

当我们在欣赏音乐表演艺术时，往往会觉得他们具有各自不同的特色。不同钢琴大师的表演让我们感觉有的柔和优美，有的雄浑有力。不同指挥家的指挥，有的质朴热情。有的温柔亲切。声乐表演、舞蹈表演也有不同的特点和不同的民族特色，这些都体现了艺术的不同风格。

任何一位伟大的演奏家其演奏技艺与风格都会深深地打上时代的烙印，这一点上梅纽因大师也不例外。总的看来，他属于世纪交替问，演奏观念和风格逐渐变浅时期的演奏大师。从他的早期演奏上来看，其风格明显受到克莱斯勒和埃奈斯库的影响，尤其是埃奈斯库作为梅纽因的老师，他将自己赋予音乐以丰富的表情和甜美意境的特点尽数传给了这位非常善于学习别人特点的学生。

此外梅纽因在一段时期内也十分推崇海菲茨的演奏，当时梅纽因为了能像海菲茨那样精确而科学地掌握技术，曾在这方面下了很大的工夫，并导致了他在一个时期的演奏中，同样揉进了华丽和令人惊叹的炫技效果。然而梅纽因最终并没有成为炫技型的演奏家，而是在汇集了百家之长后形成了自己独特的，以深邃的逻辑性和细腻的音乐性为特点的演奏风格。梅纽因接受的是典型的法比学派教育，帕辛格曾经是伊萨依的学生，而埃奈斯库则是马而西克的学生他们两人是法比小提琴学派的主要传人，梅纽因从他们的身上全面地掌握了法比学派的精华，后来又在自己的演奏实践中将这种精华做了进一步的发展。

第2篇：表演艺术实践报告范文

关键词：文化；科技；融合；文化创新；

中图分类号：J70-05 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）07-95-2

党的十报告指出，建设社会主义文化强国，关键是增强全民族的文化创造活力。推动文化与科技的融合正是提高文化创新能力，激发文化创造活力的重要手段。研究和探索有效推进文化与科技融合发展的体制和政策机制，构建文化与科技融合的文化创新体系，有利于更好地提升文化发展的水平和实力，促进社会主义文化大发展、大繁荣。

一、文化与科技融合发展是加快我市文化创新体系建设的必然要求

文化与科技有着密切的互为支撑和互相影响的关系。科技不只是作为一种文化的单纯工具而存在的。从广义上讲，科技也是文化的一部分。科技既是文化的工具，又对文化形成起反作用，制约并改造着文化的性质、特点和面貌。离开科技的支撑，文化就难以发展。科技作为社会智力发展的一个方面，既是文化的重要内容，也是文化的重要体现形式和载体。科技为文化发展提供技术支撑，通过文化表现形式拓展文化传播渠道和传播能力。文化与科技融合及二者之间相互促进、相辅相成的关系共同形成文化的创新力、影响力和竞争力。插上科技的翅膀，文化更有力量。

二、现代科技在舞台艺术中的运用现状与思考

现代高新科技越来越广泛地渗入到艺术创作表演领域，为优秀舞台艺术作品的生产和传播提供了丰富的体现手段。这些年来，舞台科技的硬件设施在舞台艺术发展中，起到了至关重要的作用。舞台艺术与技术的结合已经成为表演艺术中不可分割的创作体现元素，文化科技已成为文化艺术创作的重要载体。

（一）国内舞台艺术创作生产运用高科技的现状

在传统的舞台艺术中，我国一直存在着舞台布景创意、制作、表演艺术与高新技术结合不够的问题。舞台不够绚丽多彩，妨碍着舞台艺术的表现力，制约着舞台艺术的发展。

随着文化艺术国际交流的不断发展，我国的舞台艺术创作生产观念正在逐步更新，演出样式更加百花齐放，数字化舞台技术引入到艺术创作生产中，舞台艺术呈现出多元化的发展趋势。戏剧、舞蹈、魔术、杂技节目，大型综艺晚会等各种演出样式，逐步采用更加智能化的手段将声、光、电、形、影、音、高端科技融为一体，将数字化科技成果转化为现实互动模式，将动漫虚拟的舞台场景与传统舞台实景相结合，使之在表演手段、体现效果、演出质量上插上腾飞的翅膀，起到了质的飞跃，使观众耳目一新。

（二）现代科技在我市舞台艺术创作生产中的运用

临沂市舞台艺术在长期的发展过程中，积累了较为丰富的实践经验和保留了一批优秀的剧目，拥有一定数量的优秀编导、演职员在内的艺术家群体。然而，过去文化设施建设相对缓慢，科技在舞台艺术中运用不足，传统的舞台设计制作工艺笨重、效果不佳、成本高、资源浪费，严重制约了舞台艺术的发展，迫切需要更新颖、更大胆和具有前瞻性的科技力量融入舞台艺术的创作生产，以改革创新推动文化的发展繁荣。

近年来，随着创作视野的开阔、舞台技术手段的提高和演艺设备的更新，我市的舞台艺术生产迈上了新台阶，取得了显著的成果。

大型水上实景演出《蒙山沂水》，不仅在艺术创作方式上进行了突破，在舞台美术和音乐等方面也有很大的创新，同时又融入了现代意识并充分利用高科技手段。《蒙山沂水》利用现代的舞美科技，通过综合运用LED大屏幕、水幕影像、水雾、烟火及河面上的互动船只、水上漂浮道具等现代化的手段，将声、光、电等现代科技手段与传统舞台艺术有机结合，在光影纵横交错间，高度逼真地塑造了魔法般的视觉效果，使观众全身心地融入其中，为观众带来了非同一般的奇幻意境和艺术体验。在多次的创排与提升中，在艺术创意与技术创新的碰撞中，这部将情、景、音、舞、诗、画结合的舞台艺术作品，在思想性、艺术性、观赏性上，都做出了独特的探索与尝试。现代化舞台技术手段以及高科技视频技术，为《蒙山沂水》插上了对接现代审美需求的翅膀，大大增加了演出的艺术性和观赏性。

在新编历史故事柳琴戏《王祥卧鱼》和现代柳琴戏《沂蒙情》的创作生产中，也积极探索引入数字化高科技来烘托主题、营造氛围、延展时空，大大地拓展了创作的思维，丰富了表现手段，产生了极佳的艺术效果，深受观众好评。

（三）我市舞台艺术与现代科技融合存在的问题与思考

如今，现代高科技舞美越来越多地出现在我市各类大型演出的舞台上，一种以高科技为依托、全新的现代舞台概念，已初步形成。在这个过程中，我们不仅看到了文化与科技融合所带来的繁荣发展，也看到了我市舞台艺术生产中高科技手段的应用所存在的问题。

1、推进舞台艺术与舞台科技融合的体制机制尚不健全

目前，我市缺乏舞台科技创新发展的政策引导和激励；对舞台科技的前沿技术的研究和开发不够重视。

2、现有舞美人才不能满足舞台科技的发展

舞台科技的发展使舞台表演空间的变化越来越丰富，越来越有创意，观众们对表演空间有了更多的要求和期盼，这就对从事舞美创意和舞美技术的人员有了更高的要求。舞美人员不但要有丰富的演艺空间设计能力，还要有很强的舞台技术解决能力。目前，我市存在复合型高级舞美人才缺乏，现有舞美专业人员培训不到位，业务交流不足，舞美人员岗位流动性大等问题，现有的舞美创意人才和舞美技术人才尚不能很好地驾驭当今舞台科技的发展，制约着舞台科技与舞台艺术的完美融合。

3、舞美创意不足，尚不能实现舞台艺术同现代科技的完美融合

目前，我市有些舞台剧目虽然已经采用了先进的设备和技术，但是由于舞台艺术创作思路不够开阔、创作上存在盲目性、缺少创新意识等问题，尚不能在舞台艺术的表演和表现中发挥科技的神奇作用。

我们须着眼现实，放眼世界，前瞻性地建立有效的推进文化与科技融合发展的体制和政策机制，构建文化与科技融合的文化创新体系，才能更好地服务了文化强市建设。

第3篇：表演艺术实践报告范文

关键词：勤工俭学；实训室；大学生

中图分类号：G4

当前在高校实行收费上学的情况下，家庭经济状况是影响个体接受高等教育的一个重要因素。很多贫困生一开始就处于极不平等的地位【1】。不得不花费较多时间去筹措经费，只有较少时间和精力参与学习，从而影响到参与高等教育的公平程度，为此学校提供方便的勤工俭学岗位将有重大的现实意义【2】。本文为此具体探讨了勤工俭学在实训室的应用作用，以促进高等教育的公平性和和谐发展。

1我院实训室对于勤工俭学的要求

我院实训室主要包括人物形象实训基地、美术实训基地、表演艺术实训基地和展示设计·建筑装饰实训基地。

人物形象实训基地有摄影实训室、服饰搭配室、化妆实训室、发型实训室，美容实训室。

美术实训基地有6个美术实训室，两个大课教师（能容纳80人）。

表演艺术实训基地有20间小琴房，每间琴房配一台钢琴；还包括电钢实训室、古琴实训室、舞蹈训练室、形体训练室、综合排练厅。

展示设计·建筑装饰实训基地有三维设计实训室、展示设计实训室、展示空间设计工作室、展位搭建实训室、建装工作室、建装设计实训室、模型材料应用教室、建筑装饰样板房、结构观摩室。

我们知道，化妆实训室和发型实训室有很多化妆品盒、笔、纸巾、头发、发胶，在勤工俭学中，需要整理干净，椅子摆放好，还要依次放平整。

美术实训基地多有铅笔灰，空的颜料盒，破纸屑，学生需要依次把地上的铅笔灰，空的颜料盒，破纸屑都扫干净，把画架上的物品都整理好，依次放到窗台上。

表演艺术实训基地的清理要求是把地上的垃圾清理干净，保证每台钢琴和音响，电视等设备干净。

展示设计·建筑装饰实训基地也是把地上的垃圾清理干净，把桌椅摆放整齐。

同时勤工俭学的学生需要是本专业的学生，这样便于学生知道实训室上课的情况，便于学生做好实训室的卫生，检查实训室的登记情况符合要求，必须是家庭困难的，不然做不好。四个基地要各自专业的学生来打扫。

2勤工俭学在实训室的应用作用

大学生勤工俭学活动的教育价值，只有在真正的实践过程中才能体现出来。否则，就又和书本上的思想实践教育那样，成为“纸上谈兵”。勤工俭学在实训室的应用作用具体如下。

2.1促进善于处理个人与他人之间的关系

大学生勤工俭学活动作为“媒介"能够“化道为德”，也就是大学生在参加各种勤工俭学活动时，不仅能够把专业理论知识转化成一个个实践成果，而且能够把课堂上传授的“道”，转化为学生行为中的“德”。大学生在参加勤工俭学活动的过程中，并不是孤立的，总要与其他的人“打交道”【3】。比如学生在参加化妆实训室和发型实训室勤工俭学时，要与自己的辅导老师、身边的同学打交道，都离不开与他人的交流与沟通。

2.2善于处理个人与团体之间的关系

现如今，很多专业和就业岗位都需要团队合作和项目分工负责。这就需要大学生能够拥有集体主义精神和团队合作精神。最重要的是，培养大学生热爱团队、喜欢团队的情感【4】。个人与团队之间关系的改善，即对团队道德的养成，它包括团结、公正、合作、集体感等。勤工俭学在实训室的应用能使得大学生愿意参加团体活动；体会到团结就是力量；更积极参加团体活动等方面【5】。

2.3善于处理个人与社会之间的关系

一切勤工俭学活动都体现在社会活动中，因此，大学生在参加勤工俭学活动的同时，就是在对社会和国家进行深入的认识和了解的过程。个人与社会之间关系的改善，即对社会道德的养成，它包括爱国、护国、监国、奉献精神等。勤工俭学活动会改善个人与社会之间的关系，能够更好地融入社会、献身社会、对社会有深入了解等方面【6】。勤工俭学的学生还要从中选出一个干部，先对四个基地的钥匙进行管理，对这四个基地的勤工俭学学生进行管理，定期对他们的工作进行检查，反馈，如果做的好的话在基本工资里浮动10%，做的差的话下浮10%，奖罚分明。如果做的非常不好可以解聘他们，重新聘用合适的人上岗，打扫是在每次课结束后，学生自己抽个时间段去打扫，一星期必须保证有2-3次在打扫，每星期必须拖一次地和擦一次镜子和玻璃。容易打扫的地方以一人打扫两间，比较难打扫的如发型，化妆，画室等以一间每人安排打扫。为此培养了大学生的社会适应与管理能力。

3提升勤工俭学在实训室的应用对策

高校大学生勤工俭学活动部门除了给学生提供外部的有形基地外，部门自身也要建立供学生实践的场所，学生自己组织实践活动，必然需要一定的空间平台来来施展。让学生们在这个平台上更多地感受实践教育的内容，在实践中接受实践教育培训。实习基地需要学生自己的争取，也需要大学生社会实践部门的帮助。大学生勤工俭学部门下达实践内容及实践教育目标，给学生实践的机会和时间，学生们自己选择实践地点。

总之，勤工俭学实践教育的途径有很多种，应用作用巨大，也给大学生实践教学改革研究创设了一个新的平台，是实践课改的一项有益探索，不过在实际应用中要具有针对性。

参考文献：

[1]朱红林，樊一桥.构建药学类高职院校实训教学体系[J].现代医院卫生，2006，22（10）：1584-1585.

[2]刘慧娟，.上好高职高专实训课思考[J].中国教育导刊，2006，（17）：198.

[3]谢茵.药剂学实训教学浅探[J].药学教育，2010，16（3）：25.

[4]毛崇武，王峻.加快实训教学改革[J].促进中医药学发展，2007，25（1）：111-112.

第4篇：表演艺术实践报告范文

——题记

艺术管理专业最早是在20世纪西方艺术教育中提炼出来的，这与西方国家政府的艺术政策和管理体制密切相关。自从美国的耶鲁大学戏剧学院1966年成立研究生剧团管理专业，创办了西方国家第一个艺术管理的大学专业后，许多西方的综合性大学都开设了艺术管理专业，如加拿大的约克大学、英国的伦敦城市大学、南澳大利亚大学等。①目前，美国的艺术管理教育在世界上处于领先地位。艺术管理专业教育内容由最初的艺术教育领域发展为与艺术相关的多学科领域教育，如：艺术娱乐、传媒管理、艺术法律研究、艺术行政等。进入新世纪以来，我国相继有部分高等院校开设了艺术管理专业，但正处于起步阶段，就本学科教育体系的科学性、规范性和系统性而言，与西方国家相比还有一定差距。

一、艺术管理教育的必要性

艺术管理既包括艺术行政管理又包括艺术产品的生产和经营管理，在遵循经济规律的基础上，对艺术产品的生产、交换、分配和消费过程进行计划、组织、领导、控制和管理。wwW.133229.cOM在管理的过程中，不仅要满足最终消费者的需求，同时要满足艺术产品创作者的需求，只有达到二者的相对平衡，才会使整个艺术生产过程达到最优化。

1.艺术生产理论决定了艺术管理教育的必然性

马克思的艺术生产理论认为，“每一历史时代主要的经济生产方式与交换方式以及必然由此产生的社会结构，是该时代政治的精神的历史所赖以确定的基础。”②艺术生产过程是艺术劳动者的劳动与艺术生产资料相结合，创作生产艺术产品的主客观相统一的过程，是艺术生产力与艺术生产关系对立统一的矛盾运动过程。在人类的生产劳动中，艺术生产是精神生产的重要组成部分，因而也要遵循最根本的生产规律。

对艺术生产过程进行专业化的管理，是在学习和掌握了一定的艺术理论知识基础上，遵循经济规律，按照管理理论对艺术领域的精神产品进行专业化的管理。因此，需要培养艺术理论与经济管理理论相融合的复合型管理人才。

2.艺术市场的高度专业化要求专业的艺术管理人才

面对竞争激烈的表演艺术市场，专业艺术团体的管理应是将艺术资源转化为经济效益和社会效益的过程和机制，不应成为“体制改革”的对象，因为艺术院团亏损大多是经营性的亏损而非体制性的亏损。如能先解决好院团的管理问题，那么体制改革的绩效也就充分地体现出来了。在市场竞争日益激烈的现代社会，艺术管理水平的高低决定着一个组织发展潜力的大小，甚至决定其生死存亡。

目前表演团体的管理人员主要由专业艺术工作者转行担任，由于缺乏必要的现代管理知识（特别是营销方面）的培训和实践，院团管理人员缺少必需的知识结构和能力培养，对管理的认识大多还停留在传统的“管人、管事”层面，对现代管理的战略意义和基本内容缺乏足够的重视和了解，无论在对内的财务、人力资源、绩效管理方面，还是对外的市场开拓、公共关系方面，都难以承担起推动整个院团发展的重任。

无论是表演团体还是演出经营机构，艺术管理人才都是其提高核心竞争力、实现良好经济效益和社会效益的重要前提和有力保障。

二、艺术管理教育的特点

作为我国新兴学科的艺术管理专业具有自身的教育特点。在结合艺术知识和管理知识的基础上，将感性教育与理性教育融合，充分利用课堂学习和社会实践两个平台，为培养高层次、复合型的艺术管理人才提供最广阔的发展空间。

1.理性培养与感性培养的统一

艺术是感性意识的融合，管理是理性思维的归纳，若想将二者有机结合，就要运用理性思维去客观认识感性的艺术及艺术形态，在理性、客观、规范的管理体系中融入艺术的个性化、专业化、多元化、抽象化的表现形态，这样才能在感性认识基础上附加逻辑的理性规范。艺术管理专业恰是将感性的艺术与理性的管理相交叉，找到二者的相交部分，在共有的知识内容下寻求针对艺术市场的动态、规范、秩序的管理研究体系及教育体系。这就是艺术管理专业所要研究的内容之一。在艺术市场运行中，将行之有效的管理方法、管理手段、管理策略、管理程序等施之于市场运作的各个环节，使得整个项目进行得专业、合理、有序、规范、系统，这就是艺术管理教育所要完成的人才培养目标之一。

2.管理知识与艺术知识的融合

在我国，工商管理、人力资源管理、企业管理、信息管理、经济管理等专业领域的教育教学逐步与国际接轨，将其最前沿的管理知识带入了中国的管理教育中。艺术管理专业所要考虑的是如何将管理的理论融入艺术的知识领域里，不能按部就班、生搬硬套，更不能张冠李戴、不懂装懂，以管理领域的资深学术资格充当艺术管理的学科前沿专家。艺术管理学科要有一定的艺术专业鉴赏与研究的理论深度，同时要成为能够统筹、管理、组织、计划、领导、控制各种艺术活动的管理人员，这才能真正做到管理知识与艺术知识相融合。

3.课堂学习与社会实践的平衡

这个学科特殊之一是因为它是一门交叉性的学科，特殊之二是因为它仅通过课堂教学是远远不够的，理论知识只是艺术管理专业学习的一个必备基础，社会实践的广泛参与和学生组织与策划能力的培养和锻炼才是其教育的关键所在。实践教学通常是辅之以课堂学习，但艺术管理专业却是并驾齐驱、双管齐下、缺一不可。因此，有可能在学生入学的第一堂课就会让他们去体验艺术市场，感受那种个性的竞争和形态的多元发展。实践与课堂教学始终是两条并行轨道，在艺术管理教育的探索之路上不断延伸、不断拓展。也只有在这种双轨支撑下前进的学科才能逐步走向完善和成熟，真正通向国际化的教育平台。

三、对艺术管理教育体系的架构分析

艺术管理教育在我国刚刚起步，从我国文化事业、文化产业大发展的需求出发，立足国情，面向世界，以开放的思维、科学的视角，构建艺术管理教育体系是一项十分紧迫而又意义重大的任务。笔者以为，艺术管理教育应以培养高层次、复合型、实战派艺术管理人才为目标，坚持理论教学和实践教学并重， 构建以艺术类公共基础课为主体、以管理类经典版专业课程和经济类经典版专业基础课程为两翼的理论教学体系，强化实践、实战，着力培养组织协调、营销策划和项目管理三大能力。

第一方面是理论教学。在课堂教学这一环节中，应牢牢把握艺术管理专业本身的特性与本质。在这里，可以将艺术管理专业的课堂教学内容分为三大类。

1.艺术类

这是艺术管理专业教学的公共基础课程。艺术的领域很广，可以根据不同院校所针对的教学方向而定，如：音乐表演艺术、绘画艺术、舞蹈艺术、传媒艺术等。而后在各自领域再开辟新的分支课程，增加史学类研究、鉴赏类评论和美学类认知等。

2.管理类

这是艺术管理专业教学的专业课程，也是所有管理专业的学生所必修的通识类课程，包括：管理学、营销学、人力资源管理学、企业文化学、战略管理学、营销策划学、项目管理学、组织行为学等。

3.经济类

这是艺术管理专业教学的专业基础课程，包括：经济学原理、文化经济学、艺术经济原理、文化筹资学、资本运作、财务会计、统计学等。

这三类学科是一个整体的循环体系，在保持一种动态的平衡基础上，根据学生各自发展方向的不同再进行散射性的延续。

第二方面是实践教学。实践教学分为实践写作和实践管理两方面。实践写作包括：项目策划书、计划书、可行性报告、调研报告、商务议案、财务报告、融资策划书、演出合同、协议拟定等方面；实践管理则包括表演团体调研、演出场馆调研、演艺机构调研、演出市场调研等方面。

实践教学的成败关键在于其在教育体系中的地位和发挥作用确立的好坏。找到学生研究方向与实践载体相吻合的社会实践活动是不容易的，因此，要通过长期的揣摩和历练，才能探索出符合研究方向且有利于教育教学本身的特色实践教学模式。

艺术管理专业正在蓬勃发展，在英国、美国、德国等发达国家，艺术管理教育也有其渊远的发展历史，植根于整个国家文化发展的沃土中。现在，我们国家刚刚种下了稚嫩的种子，我们有理由相信，通过专业的教学滋润、特色的艺术滋养，这一粒粒种子将会厚积薄发，具有强大的生命力和磅礴的发展态势。

现在，我国艺术管理学科已向国际化看齐，积极探索先进的教育模式和教学理念，在专业的学术研究支撑下，培养学生的统筹领导能力、组织协调能力、沟通管理能力、语言文字能力、逻辑思维能力、随机应变能力、计划安排能力、甄别分析能力等各方面。相信在广阔的市场发展空间里，艺术管理专业定会整合资源、构架合理学科布局、建立专业学术梯队、搭建一流教学平台，进一步推进我国文化事业、文化产业的大发展、大繁荣。

注释：

第5篇：表演艺术实践报告范文

必须道德确立正确的演讲观。唯有正确的演讲观，正确认识演讲。才能透过演讲的现象，认清演讲区别于它种口语形式的本质属性，才能恰当而准确地掌握住其内部规律和特点，以便驾驭它发挥其最大的社会效益和作用。

都根据自身对于演讲这一现象的认识一理解，也正是基于这个目的一些演讲学的研究者和演讲家。下着不同的定义，以企揭示出演讲的本质。这一探讨，无疑对于演讲学的研究，有其积极意义的值得肯定的但由于过去对演讲学的研究不够深入，再加每个人站的角度不同，理解的不同，因而说法不一。

直到近年也有些著作，从三十年代以来。都在下着这样或那样的定义，但总是不够全面，因而也就难以揭示出本质。究竟什么是演讲，也就是演讲的本质到底是什么?这确实是目前急需回答的问题。因为定义揭示着事物的本质，只有正确地回答了什么是演讲，才有可能掌握其内部规律和特点、以发挥演讲最神圣的社会作用。

自然规律的抽象，列宁曾指出:物质的抽象。价值的抽象以及其他等等，一句话，一切科学的正确的郑重的非瞎说的抽象，都更深刻、更正确、更完全地反映着自然。转引《选集》第一卷，第263页。揭示演讲的本质，使其符合“科学的抽象”需要从演讲这一现象入手，抓住其最普通、最基本的东西。

一、有声语言(讲)，是演讲活动最主要的物质表达手段，是信息传递的主要载体。

它是由语言和声音两种要素构成的。它以流动的声音运载着思想和情感，直接诉诸听众的听觉器官，产生效应。

我们对有声语言的要求，则是吐字清楚、准确，声音清亮圆润、甜美，语气、语调、声音、节奏富于变化，要注意形式美和声音美。它具有时间艺术的某些特点，是听众听觉接受对象和欣赏对象。

二、态势语言(演)，就是演讲者的姿态、动作、手势、表情等，它是流动着行体动作，辅助有声语言运载着思想和感情，诉诸听众的视觉器官，产生效应。

由于它是流动的，因此，它存在于一瞬间，转眼即逝，这就要求它准确、鲜明、自然、协调和优美，要有表现力和说服力。这样，才能在具备“能感受形式美的眼”的听众心理引起美感，并得到启示。它具有空间艺术的某些特点，是听众视觉接受对象和欣赏对象。然而，态势语言虽然加强着有声语言的感染力和表现力，弥补着有声语言的不足，但如果它离开了有声语言，它就没有直接地、独立地表达思想情感意义了。

这里值得我们注意的是，有声语言也好，态势语言也好，它们既不同于其它现实中的有声语言和态势语言，因为它们都带有一定的艺术性；也不同于舞台艺术中的有声语言和态势语文，因为它们不是纯艺术。

三、主体形象。

演讲者是以其自身出现在听众面前进行演讲的。这样，它就必然以整体形象，包括体形、容貌、衣冠、发型、举止神态等直接诉诸听众的视觉器官。而整个主体形象的美与丑、好与差，在一般情况下，不仅直接影响着演讲者思想感情的传达，而且也直接影响着听众的心理情绪和灵感享受。这就要求演讲者在自然美的基础上，要有一定的装饰美。而这装饰美，是以演讲本人为依托的现实的装饰美，这决不同于舞台艺术的性格化和艺术化的装饰美。而这就要求在符合演讲思想情感的前提下，注意装饰的朴素、自然、轻便、得体，注意举止、神态、风度的潇洒、大方、优雅，只有这样，才有利于思想感情的传达，有利于取得演讲的良好效果。

演讲就是靠着这些物质手段，组成了一个综合的、统一的完整的传达系统，达到演讲的目的。在这综合的传达系统中，缺少任何一个因素也构不成演讲活动。如果只有“讲”而没有“演”(包括主体形象)，只作用于听众的听觉器官而不作用于听众的视觉器官，就会缺少感人、动人的主体形象及表演活动——即缺少实体感。那就如同坐在收音机旁听广播一样。如果只有“演”而没有“讲”，只作用于听众的视觉器官，而有作用于听众的听觉器官，就犹如在聋哑学校看着聋哑的手势一样，总是令人难以理解。所以，“讲”与“演”这两个演讲的要素是缺一不可的，只有和谐的、有机的统一在一起，才能构成完整的演讲传达手段，并圆满地完成演讲的任务。

然而，“演”与“讲”在演讲实践活动中，在传递信息的时候，并不是平分秋色，各占一半。二者虽然需要和谐统一，但不是一加一等于二的统一。而是以“讲”为主，以“演”为辅，互相义织、互相渗透、互相促进的统一。在这里“讲”则是起主导作用，起决定因素的。而“演”则必须建立在“讲”的基础上，否则它就失去了存在的意义。如果平分秋色或颠倒了这一关系，也就不称为演讲了。所以，只有既“讲”且“演”，以“讲”为主，以“演”为辅，既是听觉的，又是视觉的，兼有时间性和空间性艺术特点的综合的现实活动，才是演讲的本质属性，是区别于其它现实口语表达形式和艺术口语表达形式的关键所在。

可是，在我们现实的活动中，由于人们忽视了演讲的本质属性，经常出现两种错误的倾向:

一、不讲艺术的倾向。

长期以来，由于不注重演讲艺术的研究，见到的多是严肃的、呆板的、没有说服力的报告，一些演讲者只重视其实用性，而忽视了它的艺术性，由于缺乏艺术性，结果实用性也被减弱了。更为严重的是，除了看他在那站到讲台上而外，既听不到动听的抑扬顿挫的语调，也见不到丰富多变的表达手段，更看不到优美动人的手势，只是讲完的时候，双手一举而了事。显而易见，这种演讲它是收不到预期的效果的。强调以“演”为辅，决不是不要“演”。“演”能与“讲”配合好这就是艺术所在。

二、追求表演化的倾向。

第6篇：表演艺术实践报告范文

关键词：艺术硕士；音乐教育；比较研究

中图分类号：G659.2 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2013）06-0268-02

一、我国艺术硕士教育的出台背景

为了培养“高层次、应用型”艺术人才，国务院学位委员会于2005年决定设置艺术硕士专业学位（Master of Fine Arts，简称MFA），健全和完善了国家艺术专门人才的培养体系。“高层次、应用型”具体体现在“学位获得者应具有高水平的艺术创作技能、系统的专业知识、较高的艺术审美能力和较强的艺术理解力与表现力，能够胜任本专业艺术创作领域的各种表现形式。”

对招生对象的原则要求是“学士学位”和“艺术创作实践经历”，而入学考试则着重考核学生的专业素质、专业能力和专业基础知识。这种强调专业内容的高层次人才培养，在目前我国音乐艺术专门人才结构状况下，具有极强的针对性。

当时，我国只有9所独立设置的音乐学院可招收音乐表演研究生，但学生毕业后的去向基本上都从事教师工作，真正回到舞台上从事音乐表演的极少。“在学校艺术教育方面，建设一支以具备相当艺术实践能力的专职教师为主，数量和质量都能够满足学校艺术教育需要的艺术教师队伍，是提高我国学校艺术教育教学质量的关键，也是素质教育的重要组成部分。可是依据当时的情况看，整个文化系统中，音乐教育从业人员普遍学历偏低、知识结构不合理、专业技能水平低、缺乏系统性的训练，整体素质亟待进一步提高。”

二、我国艺术硕士教育科研现状

艺术硕士的诞生，打破了我国艺术教育体系中只有单一文学硕士学位的缺憾。艺术硕士在我国是一个新生儿，只有短短的五年多的历史。在这五年当中，已经有几十多所院校陆续获得培养艺术硕士的资格。从目前教学要求来看，有些院校的音乐专业艺术硕士相比传统理论型硕士研究生的教学方面，不仅仅强化了技术技巧的学习，甚至理论课要求要强过前者；理论课的学分要求还要高过前者，这样对学生提高实践能力的学习，必然造成更大的压力。至于课程设置的种类与多样性、生源差别、学术交流活动、学习与就业等等问题，尚没有系统性的经验总结与可供参考借鉴的任何权威性、开放性的资料。

这五年多发展的经验总结和交流情况，能够见诸媒体的信息，不外乎是一些教师，根据自己的经验和学生的实际情况，陆续归纳出自己的教学方式，为学生学习与交流提供必要的帮助和学术支持。从这些间断性的零星报道和体会文章，透露出一个信息，就是教师以个体为单位在总结归纳教学经验，在有限的传播范围内起作用，缺乏相互交流的平台和渠道，大量第一手资料和数据没有系统性地搜集和整理，急需将这些零散但是具有统计和理论价值的资料，上升到理论高度，成为具有指导和借鉴意义的公共财富。

目前国内几乎见不到就音乐专业艺术硕士教学与学习方面理论研究和探索方面的学术文章和科研论文，缺乏系统的经验总结报告和经验探讨文章，没有后续的科研提供权威、全面、翔实、可靠的资料保证。部分原因，是由于艺术硕士学位类别的起步较晚，一切尚处于摸索方向、积累经验的开端。

艺术硕士源于系统性、专业性地提高艺术专业实际表现能力的要求。相对于理论型人才培养，摸索经验、总结教训、对教学现象的分析与归纳、提出具有指导意义的建议等方面，更加需要实践经验的总结和科学的数据采集、分类和分析，才能得出科学的结论。因为所有教学行为的个性更强，共性相对较少；教学的即兴性更强，计划性较弱；经验总结方面更困难，更加需要专业的面对面指导，艺术表现和交流的平台作用更强。这就决定了在总结经验、分析问题、提出建议、归纳成果方面，全面、细致科学化的数据采集和分析，是必不可少的方法，这又涉及到数据采集方式、采集时间、分析模型的建立、分析方法、结果归类等等一整套系统的作业程序。

三、国外艺术硕士教育的发展现状

目前，艺术硕士在美国、英国以及原英联邦主要国家加拿大、澳大利亚、新西兰以及台湾和香港地区，发展得比较成熟。涉及的专业非常广泛：电影、戏剧、美术、音乐、艺术设计、舞蹈、广播电视和新媒体制作等艺术创作领域。然而在美国，MFA通常授予戏剧相关的专业。美国的音乐专业“艺术硕士”研究生，却大都不使用MFA这个称谓。表演演奏专业和作曲专业的硕士研究生，通常叫“音乐硕士Master of Music（MM）”；音乐理论和音乐史方面的研究生则授予“文学硕士Master of Arts（MA）”；音乐教育专业则授予“音乐教育硕士Master of Music Education （MME）”等等。

从艺术硕士教育的发展模式上看，美国的艺术硕士教育体系十分成熟，影响力也最大。这种成熟并非是僵化套路的程式化。开放性和多样性，是保证教学内容与教学理念不断更新与进步的机制性措施。美国开放的教育体系和在世界范围内广泛吸纳人才的发展模式，形成了发达的教育体系和先进的科研理念。哥伦比亚大学、波士顿大学、伊阿华大学等院校的艺术硕士培养体系非常完备。师资、课程、课外专业活动、学术交流都有机地穿插在一起，学校的教学和学习内容丰富多彩，并且给学生充分的表现和交流机会。对于音乐艺术硕士的培养方向来说，最大可能地满足了学生的成长空间。在相应的科学研究方面，他们往往针对非常具体的项目提出针对性极强的项目建议、可行性分析，并且给予任课教师以充分的自主决策空间，充分发挥艺术的个性。在总结评价中，也是以学生艺术表现的个性价值作为首要条件。这一切看似随意、以“个性”为前提的判断标准，背后是强大的资料数据分析和科研体系作为支撑，将庞大的数据量通过科学的归类进行统计分析，最终作为科学证据，指导教学和科研工作。

美国艺术院校协会（The College Art Association， CAA）和美国专业艺术和设计学院联合会（The Association of Independent Colleges Art and Design）对于艺术硕士（MFA）设有明确、详细的规定。艺术硕士专业学位（MFA）以实践性、创作性为主，强调应用性，同时，也要求必要的艺术素养和理论知识。入学考试着重考察学生的创作才能和表演天分。教学计划强调课程的实用性和表演作品的广泛性，同时兼顾理论修养的提升。学位授予标准主要看学生创作实践过程中所体现的艺术创作技能和表现力。毕业汇报以演出和作品展示为主要考察标准，同时完成专业艺术分析、总结文章或论文。

德国的音乐教育体系具有悠久的历史。音乐专业的设置从一开始就目的明确。比如历史最悠久的艺术大学之一“柏林艺术大学UDK”，音乐专业分为音乐表演专业、音乐教育专业和音乐继续进修学制。音乐表演专业就是以培养表演艺术家为宗旨，针对那些准备成为职业乐团、乐队演奏员以及独奏演奏者的学生设立；音乐教育专业就是为培养教师，课程以教育理论为主；而音乐继续进修学制是在以上专业基础上继续学习，已获得不同的文凭。与艺术硕士同等学历的学习，就在表演专业的学习当中，毕业授予Diplom（硕士学历）。法兰克福音乐与表演艺术学院的音乐艺术硕士的培养模式也大致相似，专业设置直指培养目标。

四、艺术硕士教育应关注的问题及启示

目前我国艺术硕士研究生培养类型、培养模式相对单一，研究生阶段的学习主要集中于公共课、必修课、选修课和学位论文写作等理论方面，音乐艺术表演还需有更多的时间去提高他们社会最需要的艺术实践能力。在校学习期间的艺术交流活动应当更加丰富，加强校际之间的艺术交流活动。教学体系尚应体现重视艺术实践的特点，与艺术人才成长规律。

艺术硕士教育体系、人才培养、课程设置和培养方向的调整等一系列问题，还有待于今后的经验摸索和总结。基于此，笔者开展了“音乐专业艺术硕士教育记录与比较”科研项目研究，这一项目具有单一的针对性和明确的实用性――为音乐专业艺术硕士的培养教育整理出第一份全面、细致、可信的第一手资料；基于此资料的数据统计分析结果；为音乐专业艺术硕士的教育在现有内容的基础上，提供授课方式、课程类别、课程内容、课内外相关交流活动的建议；毕业生就业跟踪及反馈建议；如何体现艺术硕士培养的“高层次”和“实用性”。

增设艺术硕士专业学位，是为我国艺术人才在职攻读艺术硕士学位、全面提升艺术技能和素质提供了新的渠道。同时，艺术硕士专业学位的设立为我国艺术教育的发展注入了新的活力，为中等和高等教育的进一步发展开辟了广阔的前景。

参考文献：

第7篇：表演艺术实践报告范文

第二条“非物质文化遗产”是指各族人民世代相承的、与群众生活密切相关的各种传统文化表现形式和文化空间。

非物质文化遗产分为两类：

（一）传统的文化表现形式，如民俗活动、表演艺术、传统知识和技能以及与之相关的器具、实物、手工制品等。

（二）文化空间，即定期举行传统文化活动或集中展现传统文化表现形式的场所，兼具空间性和时间性。

非物质文化遗产的范围包括：

（一）口头传统，包括作为文化载体的语言，如神话、传说、故事、歌谣等民间文学（口头文学）；

（二）传统表演艺术，包括传统音乐、舞蹈、美术、戏曲、曲艺、杂技等；

（三）传统民俗活动、礼仪、节庆；

（四）有关自然界、宇宙和社会的民间传说知识和实践，包括天文、地理、历法、气象、农业、生态环境、养生医疗等；

（五）传统手工艺术和技能，包括制造、建筑、织染、印刷等；

（六）与上述表现形式相关的文化空间。

第三条建立**市级非物质文化遗产代表作名录的目的是：

（一）推动各民族非物质文化遗产的抢救、保护与传承、利用；

（二）加强各族人民对中华文化整体性和历史延续性的认同，提高对优秀民族传统文化的保护意识；

（三）尊重和彰显各民族、群体或个体对中华文化的历史贡献，展示中国人文传统的丰富、多样性；

（四）鼓励各族群众、企事业单位、文化教育、科研机构和其他社会组织，积极参与**市非物质文化遗产保护工作；

（五）增进国内外对非物质文化遗产宝贵价值的认识，促进民族民间传统文化在国内外的交流与合作。

第四条**市级非物质文化遗产代表作的申报评定工作由**市非物质文化遗产保护工程领导小组(以下简称保护工程领导小组)办公室具体实施。领导小组办公室应当与各有关部门、单位和社会组织相互配合、协调工作。

第五条**市级非物质文化遗产代表作的申报项目，应是具有突出价值的民间传统文化表现形式或文化空间；或在非物质文化遗产中具有典型意义；或在历史、艺术、民族学、民俗学、社会学、人类学、语言学及文学等方面具有重要价值。具体评审标准如下：

（一）具有展现中华民族传统文化和民族民间文化创造力、文化传承性的突出价值；

（二）扎根于相关社区的文化传统，世代相传，具有鲜明的地方特色；

（三）具有促进中华民族文化认同、增强社会凝聚力、增进民族团结和社会稳定的作用，是文化交流的重要纽带；

（四）出色运用传统民间工艺技能和经验，体现高超的技艺水平；

（五）具有见证中华民族活的文化传统的独特价值；

（六）对维系优秀民族文化传承具有重要意义，同时因社会变革或缺乏保护措施而面临消失的危险。

第六条申报项目单位须提出切实可行的5-10年保护计划，并承诺采取相应的具体措施，切实加以保护。

（一）建档：通过搜集、记录、分类、编目等方式，为申报项目建立完整档案；

（二）保存：用文字、录音、录像、数字化多媒体等手段，对保护对象进行真实、全面、系统记录，并积极搜集有关实物资料，选定有关机构妥善保存并合理利用；

（三）传承：通过社会教育和学校教育等途径，使该项非物质文化遗产的传承后继有人，能够继续作为活的文化传统在有关乡村、社区尤其是青少年当中得到继承和发扬；

（四）传播：利用节日活动、展览、观摩、培训、专业性研讨等形式，通过大众传媒和互联网宣传，加深公众对该项遗产的了解和认识，促进社会共享；

（五）保护：采取切实可行的具体措施，以保证该项非物质文化遗产及其智力成果得到保存、传承和发展，保护该项遗产的传承人(团体)对其世代相传的文化表现形式和文化空间所享有的权益，要防止对非物质文化遗产的误解、歪曲或滥用。

第七条各区（县）文化行政部门负责对本行政区申报市级非物质文化遗产代表作项目进行汇总、筛选，经同级人民政府核定后，向**市保护工程领导小组办公室申报。市属单位可直接向**市保护工程领导小组办公室申报。

第八条公民、企事业单位、社会组织等，可向所在区（县）文化管理部门提出非物质文化遗产代表作项目申请，并由受理的区（县）文化管理部门逐级上报。申报主体为非申报项目传承人(团体)的，申报主体应获得申报项目传承人(团体)授权。

第九条申报市级非物质文化代表作需提交以下资料：

（一）申请报告：对申报项目名称、申报者、申报目的和意义进行说明；

（二）项目申报书：对申报项目的历史、现状、价值和濒危状况等进行说明；

（三）保护计划：对未来十年的保护目标、措施、步骤和管理机制等进行说明；

（四）其他有助于说明申报项目的必要材料。

第十条传承于不同地区并为不同社区、群体所共享的同类项目，可联合申报；联合申报须提交相关各方同意联合申报的协议书。

第十一条**市非物质文化遗产保护研究中心对申报材料进行审核，并将合格的申报材料提交**市非物质文化遗产代表作专家评审委员会(以下简称专家委员会)。专家委员会根据本办法规定进行评审，并向**市保护工程领导小组办公室提出**市级非物质文化遗产代表作名录的推荐名单。

第十二条评审工作应坚持科学、民主、公正的原则。

第十三条**市保护工程领导小组办公室，通过媒体对**市非物质文化遗产代表作推荐项目进行社会公示，公示期为15天。

第十四条**市保护工程领导小组办公室根据评审意见和公示结果，研究确定入选《**市级非物质文化遗产代表作名录》名单，报市人民政府批准、公布。

第十五条对列入**市级非物质文化遗产代表作名录的项目，申报主体必须履行其保护计划中的各项承诺，按年度向**市保护工程领导小组办公室提交实施情况报告。

第8篇：表演艺术实践报告范文

在中国，艺术管理专业的发展是伴随着艺术产业化进程的加快，从而催生的对艺术经营管理人才的需求而诞生的。自2001年中央戏剧学院率先成立艺术管理系以来，不到十年时间，国内已有上百所高校设有与艺术管理相关的专业。虽然“艺术管理”这一专业在我国发展的历史还不长，但也已经形成了自己的一些特征，其中既有适合我国国情的、值得肯定的地方，也有不利于该专业长期健康发展的因素。相对于欧美半个世纪以来形成的较为成熟的“艺术管理”专业教育模式，我国的该领域的人才培养还有很多不足之处。虽然因为国情差异我们不可能照搬西方社会的艺术管理教育经验，但有所借鉴，对于我国这一专业的发展无疑是有益的。正是在与那些相对成熟的教育模式的比较之中，我们才能更好地发现自己的不足;也正是在对那些相对成熟的教育模式的借鉴之中，我们才能更好地把别人的长处与自己的实际情况相结合，从而形成适合自身实际情况的人才培养模式。所谓“模式”，指的是“某种事物的标准形式或使人可以照着做的标准样式”。③在实际的应用中，“模式”主要指的是事物发展过程中形成的相对固定的方式或标准。因而，所谓“人才培养模式”，指的就是人才培养过程中形成的某些相对固定的标准和做法。根据教育学的一般原理，人才培养模式主要由教育者(教师)、受教育者(学生)，以及培养目标和培养措施等四个要素构成。本文主要以这四个要素为切入点，详细探讨欧美国家艺术管理人才培养模式的主要特征。

一、欧美国家艺术管理专业师资构成分析

从教育者(教师)方面看，欧美高校的艺术管理专业教师一般都有丰富的艺术管理从业经历。据美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院的院长、艺术管理专业教授WilliamF．Reeder介绍，他所在的学院在选聘艺术管理专业教师时，是否具有丰富的从业经历是非常重要的条件之一，是否具有博士学位反而在其次。打开该院艺术管理专业师资力量一览，该专业共有专职教师6人，其中5人具有与“艺术管理”相关的从业经历，1人一直从事本专业研究工作;6人之中，只有2人拥有博士学位，其余4人拥有硕士学位。④Reeder院长的简历表明，他毕业于华盛顿大学，获硕士学位(据他本人介绍，他目前正在印第安纳大学学习博士课程，尚未获得博士学位)，被聘到乔治梅森大学之前，他曾担任华盛顿地区表演艺术联盟副主席兼总经理，也曾在圣路易音乐学院、印第安纳大学、伊利诺伊州立大学担任过教师或领导职务;除此之外，他还曾在维也纳、柏林、慕尼黑等欧洲城市担任歌剧男高音多年，其演艺事业的顶端，当属在著名的瑞士苏黎世歌剧院担任长达8年的首席抒情男高音，如此经历使他跟欧洲各国艺术教育界保持着非常密切的联系，对欧美各地的艺术管理教育历史和现状也颇为熟悉。据他介绍，欧洲各国对艺术管理人才的要求与美国略有差别:美国大量存在各种非盈利艺术机构，因而艺术管理者首先需要掌握各种筹资技巧，而欧洲的艺术机构与政府部门关系更为密切，他们的艺术管理者首先需要了解的是政府部门的各种管理政策和艺术机构运营程序，而不是筹资技巧。因此，尽管欧洲和美国艺术管理专业的教师一般都具有很丰富的实践经验，但他们的侧重点却有所不同，欧洲艺术管理专业的教师的从业经验主要集中在艺术场馆的管理和艺术政策的研究方面。比如，英国城市大学的“文化政策与管理”专业共有专业教师5人，其中3人具有博物馆从业经历，1人从事过具体的艺术管理及大众传媒工作，还有1人一直从事与本专业相关的研究工作;5人之中，只有2人拥有博士学位，还有1位教师只有学士学位。⑤由此可以看出，欧美主要国家“艺术管理”专业教师的一般特征是具有丰富的实践经验，学历一般是硕士为主，拥有博士学位者，和只有学士学位者都不多见。

二、欧美国家艺术管理专业的入学要求分析

从受教育者(学生)方面看，欧美国家艺术管理专业对学生的要求主要体现在其入学要求中。艺术管理是一个应用性很强的专业，欧美国家的学校提供的主要是艺术管理及相关专业的硕士学位，一部分学校提供学士学位，很少有学校提供博士学位。根据“艺术管理教育工作者协会”提供的资料分析，目前美国共有70余所大学设有艺术管理专业，其中46所提供硕士层次教育，30所提供本科层次教育，同时提供硕士和学士层次教育的学校有3所，只有2所学校(德州理工大学、俄亥俄州立大学)提供博士层次学历教育。协会会员单位中的欧洲院校只有一所提供本科层次教育，一所提供博士层次教育。⑥之所以出现这样的情况，是因为欧美国家高等教育在学士、硕士和博士之间有着不同的分工。一般来说，本科阶段提供的主要是基础教育，使学生掌握一些基础性的知识和技能，可以从事与所学专业相关的工作;硕士阶段提供的主要是应用性教育，学生可以在这一阶段的学习中解决自己在工作中碰到的很多实际问题，正是因为这个原因，我们在美国高校硕士研究生课堂上看到的绝大多数都是在职的学生;至于博士阶段，提供的则主要是旨在提高学生研究能力的教育，多数学生在取得博士学位之后都会选择在高校任教或者去科研机构工作。笔者从事博士后研究期间所在的乔治梅森大学视觉与表演艺术学院，就只提供艺术管理专业硕士研究生层次的教育。本科教育层次，欧美高校艺术管理专业关于新生的入学要求与其他专业大致是一样的，一般没有对艺术才能或管理才能的特别要求。欧洲很少有高校提供艺术管理专业的本科教育，艺术管理教育工作者协会欧洲会员中只有芬兰的Humak应用科学大学有一个艺术管理专业提供本科阶段教育，因为是一个英语课程，有语言能力方面的要求，学生需要加入一个叫做Erasmus的项目，此外再无具体要求。而在美国，几乎所有提供艺术管理本科专业的高校对新生都没有特别的要求。比如，美国纽约州立大学弗瑞德尼亚分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是:拥有高中毕业证书，或相当于高中毕业水平的GED证书，成绩列所在班级前半，等级为“B”或以上，SATs成绩1000分以上，或ACT成绩23分以上。再比如，美国威斯康辛大学史帝文分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是:申请进入艺术管理专业，必须先达到威斯康辛大学史帝文分校的入学要求;要获准进入该专业学习，学生还必须完成校园内部的两个实习项目;此外，只有平均分保持在2．75以上，才能保有该专业的学习资格。艺术管理教育工作者协会会员中，只有加拿大多伦多大学斯卡布罗分校艺术管理专业对申请入学的新生有艺术才能方面的特别要求:申请者的学业成绩，领导经验，一门或多门艺术学习的背景，以及通过专门的申请表格，很多时候则是通过面谈，所显示出来的对于艺术管理专业的兴趣和潜在才能。应该说，在录取新生的时候，适当考虑其艺术或者管理才能是必要的。或许是因为欧美国家设有艺术管理本科专业的高校本来就不多，且没有名校参与其中，所以在这些方面要求并不是很规范。但在研究生阶段，欧美高校的艺术管理专业则普遍对学生的艺术或者管理才能提出了要求。比如，波士顿大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是:申请者必须拥有学士学位，还应具有一门可以证明的、经过专门训练的艺术专长，通常要求具有艺术专业本科学历，但也可以通过其他材料证明。这也是美国设有艺术管理硕士专业项目院校的一般要求，有些学校对学生的艺术才能要求更多，比如美利坚大学(AmericanUniversity，或译作美国大学)艺术管理专业硕士项目的入学要求是:除了满足学校研究生入学的最低要求(平均分3．0以上)外，申请者还必须完成9门以上关于舞蹈、戏剧、音乐，或者视觉艺术的课程，三分之一以上必须是高级课程或相当于高级课程的内容。相当于高级课程的内容指的是4年以上在专业的公司或艺术机构工作的经历。鼓励并要求未满足学术要求的申请者参加面试。申请者需要提交两封推荐信。还有一些学校，不仅要求学生具有某些艺术才能，还希望学生具有管理才能。比如乔治梅森大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是:本专业特为对艺术怀有激情者而设计，我们期望具有各种不同背景的申请者对我们的专业感兴趣，对每位申请者的评估都是根据其具体情况分别做出的。我们特别强调工作经验的重要性，我们特别期望申请者来自某个艺术团体，接受过音乐、舞蹈、戏剧，以及视觉艺术或数字艺术方面的专门训练与从业经历，同时具有管理市场、财经、策划、产业方面的才能。那些能够把艺术商业运作方面的才能与其此前受过的艺术训练结合起来的学生也很受欢迎。

从中可以看出，申请者在艺术和管理两方面的才能都得到了强调，但相对而言，显然申请者对艺术活动的了解程度受到了更多的重视，而其管理方面的才能则会起到锦上添花的效果，因为本专业主要就是培养学生的管理才能的。所以，作为入学条件，管理才能并非是必需的。相比较而言，欧洲院校的艺术管理专业对申请者的艺术才能和管理才能要求则低一些。比如，英国城市大学的“文化政策与管理”硕士专业的入学要求是:考虑到申请者和好的学生来自各不相同的环境，学校和系里除要求学生具有较高的英语水平之外，就没有其他标准化的要求了。我们通常希望学生拥有好的第一学历，但入学前的实践经验也可以用来弥补学历的不足。由以上材料分析可以看出，欧美国家艺术管理专业对于本科层次的学生大多没有太具体的艺术或者管理才能的要求;但对于研究生层次的学生，则较为普遍地提出了比较高的艺术专业方面的才能要求，部分院校也要求学生具有管理方面的经验。

三、欧美国家艺术管理专业培养目标分析

无论哪个国家的艺术管理专业，都需要培养学生艺术和管理两方面的才能，诚如美国南卫理公会大学艺术管理专业对其教育理念的阐述中所说:“艺术管理专业的成功，取决于管理者对当代商业实践的了解和对于艺术的深刻理解”，⑦这是不错的。在当代艺术管理实践中，艺术与管理二者同样重要，其作用和意义则互有侧重，艺术必须假经济手段存续(于商业社会)，但必须作为艺术才能获得成功，威斯康辛大学麦迪逊分校艺术管理专业的教授们如此理解艺术与管理之间的关系。⑧对于艺术管理这样一个应用性极强的专业来讲，其培养目标与社会对本专业人才的期望有非常直接的联系。由于欧美艺术机构运营和管理模式之间存在一些区别，他们对艺术管理人才的需求也就有所不同，反映在艺术管理专业人才培养目标方面也会存在一些差异。大致说来，美国的娱乐产业对艺术管理人才的需求是比较商业化的，希望管理者能够为自己的企业带来丰厚利润;而政府资助的，以及非盈利的艺术机构，则更强调艺术管理人才的社会责任感，其主要工作就是在艺术、艺术家和观众、消费者之间搭建桥梁，从而为艺术和文化的繁荣提供发展空间。在欧洲国家，由于艺术机构与政府部门之间存在着远比美国更为密切的关系，⑨艺术管理者必须了解有关的政策法规，也更需要熟悉艺术机构的管理程序。比如，英国伦敦大学金史密斯学院跟艺术管理相关的专业名称就叫“艺术管理与文化政策”，在其关于培养目标的说明网页上，直接标明其涉及领域是“政策的制定与文化的管理”，显示出对相关政策法规以及艺术机构管理问题的浓厚兴趣。在美国，多数高校的艺术管理专业提供的是MA或MFA学位，少数院校提供MBA学位。⑩诚然，不管是MA、MFA，还是MBA，学生都要学习艺术和管理两方面的知识，培养两方面的才能，但提供MBA学位的专业在财务、会计、营销，以及企业管理运营等方面则有更高的要求。比如，美国加州大学长堤分校戏剧管理专业同时提供MFA和MBA两种学位，如果学生只申请MFA一种学位，他们需要学习的内容主要是非营利机构管理、筹资、战略策划、生产、营销和领导;如果他们想同时拥有MBA学位，那么他们需要再学习另外30门管理类课程，包括财务、会计、营销，以及企业管理运营等内容。众所周知，MBA作为市场经济的产物，MBA培养的是企业高级管理人才。因而，艺术管理专业中的MBA，必然与作为市场主体的企业关系密切。事实上，美国高校中提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标大都明确提及为盈利企业培养人才这一点。瑏瑡当然，这并不意味着不提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标就跟盈利企业管理人才无关。事实上，在艺术管理教育工作者协会的31个仅提供MA或MFA学位的美国正式成员中，只有3所学校的艺术管理类专业明确表示只为非营利组织培养管理人才，其余学校的服务对象均兼顾盈利与非营利组织。显然，这种宽口径的培养目标设置，对于其毕业生的就业是较为有利的。很多学者并不主张在本科阶段设立艺术管理专业，美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院Reeder院长的意见很有代表性，他认为本科阶段不应该设置艺术管理这一专业，有志于从事艺术管理活动，或计划以此为职业的学生在本科阶段应该专门学习一门艺术或者是产业经济方面的课程，硕士研究生阶段再系统地学习管理学方面的课程，并逐步将管理才能运用在艺术机构的经营管理活动之中。乔治梅森大学的艺术管理专业就是只有研究生层次教育的，为了让本科学生也能熟悉艺术管理的工作环境，他们开设了一门“艺术管理”选修课，但并不提供这方面的学士学位。提供艺术管理本科层次教育的学校，大都将其培养目标定位为“入门级”的，其课程体系兼顾艺术与管理两个方面瑏瑢，学生就很难在有限的时间里把艺术和管理两方面的课程都学得很好。可能正是因为这个原因，欧美国家的很多学者才不主张在本科阶段设立艺术管理专业。

四、欧美国家艺术管理专业培养措施分析

培养措施是为培养目标服务的，欧美国家的艺术管理专业尽管在人才培养目标方面存在一些差异，但对艺术修养和管理才能的注重则是其共同的特征;体现在课程设置、教学过程、考核方式等一些具体的人才培养措施方面，欧美国家的艺术管理专业还是会体现出一些共性。首先，在课程设置方面，本科阶段的艺术管理专业虽然大都强调课程设置的多元性，但为了使学生毕业后能够更好地适应管理工作的需要，多数学校的课程设置都会偏向经营管理方面。比如，芬兰Humak应用科学大学艺术管理本科专业的培养目标中所设想的理想毕业生应成为“理解文化和艺术、传播文化、或为文化艺术活动创造合适条件的专业工作者，而其课程设置则主要包括文化输出、传媒教育、国际文化合作等几方面内容，基本不涉及艺术和文化的具体内容，只是为学生毕业后可能从事的工作提供必要的知识和技能。美国一些学校的艺术管理本科专业也表现出类似的倾向，比如美国长岛大学CWPost校区艺术管理本科专业称其培养的学生应具备“艺术才能与坚实的管理基础相结合的能力”，而其课程设置则明显偏向管理方面:艺术管理概论、艺术管理实践、艺术发展、艺术会计、艺术品营销、艺术和娱乐业公共关系;公开演讲;管理原则;组织行为;计算机图形概论。更有一些学校如南加州的查尔斯顿学院明确申明其培养目标就是管理知识的学习和运用:学生广泛学习经营管理方面的技能，并学习将这些技能运用在跟艺术家和艺术团体的合作过程中。事实上，本科阶段的学生一般既缺乏艺术文化方面的知识，也缺少经营管理方面的经验，试图让他们在短短四年中成为兼通艺术和管理的艺术管理通才是不现实的，为了让他们更好地适应毕业后的工作环境，以培养实用人才为宗旨的艺术管理专业只好在课程设置上倾向经营管理方面。为了改变这一尴尬局面，有些学校的艺术管理专业(如纽约州立大学弗雷多尼尔分校)要求，所有艺术管理专业的本科生，都必须选修一门艺术类课程，譬如音乐，戏曲或舞蹈，并确保每位学生深入理解至少一门艺术学科，这样的做法或许是有些效果的，但在有限的时间里，学生无论如何都很难做到精通艺术和管理两方面的知识和才能。

如前所说，欧美国家艺术管理类专业研究生在入学前一般都会对艺术类学习经历有所要求，部分院校还希望学生具有管理类工作经验，这样一来学生在研究生阶段就可以专注于管理类知识的学习，以及如何将其运用在艺术机构的管理活动中。比如，美国乔治梅森大学艺术管理专业研究生的必修课程包括:筹资、艺术与社会、艺术公共关系和营销策略、董事会管理、艺术财政预算、艺术政策，全部是实用的艺术管理知识和技巧。再比如，美国大学艺术管理专业研究生的必修课程包括:艺术管理考察、艺术营销、艺术筹资、文化政策、艺术财政管理，也是全部集中在艺术管理活动中的实际问题。由此可见，WilliamF．Reeder等人不主张在本科阶段设立艺术管理专业是很有道理的。事实上，笔者也认为，本科阶段努力学习一个艺术门类，随后在参与艺术管理的实践工作中，发现问题，然后再在硕士研究生阶段学习如何解决这些问题，这样培养出来的艺术管理人才更能适应各种现代艺术机构的需要。其次，在教学过程方面，根据现有资料、朋友提供的材料，以及笔者的亲身经历，可以发现欧美艺术管理专业的课堂教学特别重视案例分析，特别重视学生参与互动的意识，学生的课堂表现也常常作为教师评定学生学业成绩的根据之一;而纵观其整个教学过程，则会发现他们特别重视学生的校内和校外实习活动。课堂教学方面，一方面，欧美院校艺术管理专业的教师大都具有丰富的艺术管理实践经验，他们在课堂上经常结合自己的工作经历讲解某些理论问题，使课堂气氛生动活泼，易于学生理解和接受。我曾经选修过乔治梅森大学艺术管理专业的一门“艺术公共关系和营销策略”课，授课教师KaraleeDawn曾在纽约百老汇剧场工作过多年，于是她在课堂上就不断列举她经历过的各种策划与营销故事，尤其是她参与策划制作音乐剧《MAMAMIA》的过程，常常被用来说明艺术品营销的灵活策略，这些鲜活的实例极大地调动起学生听课的积极性。另一方面，很多教师也利用自己和艺术机构的密切联系，不定期地请这些机构中的管理人员来客串教授，给学生讲解某个领域的实际情况。在我选修的另外一门叫做“董事会管理”的课上，主讲教师RichardKamenitzer教授曾经请过几位从事艺术管理工作的朋友来给学生们上课，其实主要就是介绍他们的工作经历，讲一些他们认为重要的事件，并回答学生的问题。我记得有一次他请了美国著名调研公司ShugollResearch的现任首席执行官MarkA．Sh-ugoll来给大家讲解一个大型机构中董事会成员之间的关系问题，引起了学生们极大的兴趣，也很好地调动起学生的积极性。与中国的研究生课堂不同，这些研究生可以在听课过程中随时打断讲课者的演讲，举手提问，教师也很欢迎学生提问，在这样的师生互动中，学生可以获得更多自己关心的问题的答案。第三，一般来说，欧美国家的艺术管理专业，不论是本科还是研究生，都特别重视学生的实习经历。本科生的实习一般在大二就可以进行(有些学校要求学生在修完其他学分后再进行实习，有些学校则会把实习和课堂学习交叉进行)，有的学校只要求学生参加一次实习，获得相应学分(一般是3个学分)，但在学生参加实习前，学校一般会提供实习指导课程，这类课程也可能会结合校内的实习，每周6到8小时;有的学校则明确要求学生至少参加两次实习，一次在校内，一次在校外，这种情况下，校内的实习就会起到指导学生参加校外实习的作用。比起本科生的实习，研究生阶段的实习无论在花费时间和参与程度方面都有更高的要求。研究生的实习一般是6个学分，多数学校要求实习在毕业前的两个学期内完成(有些学校，如纽约大学斯坦哈德文化学院表演艺术管理专业，将实习排在第二和第三学期;还有些学校，如纽约市立大学布鲁克林学院，要求学生至少完成三个学期实习时间，当然，这种情况比较少见。其他情况还包括，有些学校，如俄勒冈大学的实习是安排在第一年和第二年之间的暑假中的)。

当然，学生可以选择在一个学期内一次完成实习，也可以选择在不同学期分两次完成，校方往往会推荐学生尝试在不同机构实习的机会(有些学校，如辛辛那提大学，会要求学生完成两次为期10周的实习;也有些学校，如哥伦比亚大学师范学院的学生，多数会完成4次实习，当然，这种情况也比较少见)。而对那些有艺术机构工作经历的学生(有些学校要求至少四年工作经历)，还可以申请减免一半学分。还有一些欧美学校的实习过程是以“项目”的方式完成的，最典型的要数荷兰的乌特列兹艺术学院，在这些项目中，学生针对所联系的艺术机构的实际问题扮演一种顾问的角色，并藉此对艺术机构的管理获得新的视野和经验。美国的威斯康辛大学麦迪逊分校也采用了类似的方式来完成学生的实习活动。这种以完成“项目”代替实习的方式，对于解决学生，尤其是有工作经验的学生实际工作中碰到的各种现实问题，显然是很有帮助的。第四，作为一门应用性极强的专业，欧美高校艺术管理专业的考核方式也与传统学科有所不同。在美国乔治梅森大学艺术管理专业从事博士后研究期间，笔者特别留意到其不同时段的考核方式:平时的课堂上，教师鼓励学生随时提问和回答问题，并将学生课堂上的表现计入对其学习成绩的整体评价;期中考试，教师也会分发试卷，让学生在规定时间内答完题目上交，我曾经参加过一次“董事会管理”课程的期中考试，一共40道选择题，随堂考试，当堂做完;瑏瑣期末考试，教师往往会提前布置学生单独或搭伙进行一次调研活动，然后在最后几节课上依次以演讲的方式完成报告，瑏瑤这样的调研活动和演讲报告，已经可以算作学生实习活动的一部分。由以上几方面内容的说明和分析可以看出，欧美艺术管理专业在人才培养的措施上，都有重视实用性内容的特征:体现在课程设置上，无论本科阶段还是研究生阶段，均强调管理甚于艺术才能;体现在教学过程方面，则是特别重视案例分析、师生互动，以及实习活动;体现在成绩考核方面，则是传统的答卷方式与灵活的问答、演讲等方式相结合，即考核了学生专业知识扎实程度，也考核了学生解决实际问题的能力。

第9篇：表演艺术实践报告范文

 

关键词：声乐艺术 文化抒展 演唱传播 互动性 

 

声乐艺术是包括文学(诗、词)、音乐(旋律)、行腔(歌唱发声)、器乐(伴奏)、舞蹈(伴舞)以及形体表演等多种艺术因素构成的综合艺术形式。这种独具魅力的艺术形式通过声乐演唱和借助现代传媒技术来实现超越历史、超越国界的文化意义。千百年来,无论是声乐艺术实践、声乐艺术鉴赏,还是声乐艺术教育,无论是声乐文化的传播、消费、流行,还是声乐文化的交流等等,与其它艺术门类一样,在各个历史时期都打下了极为鲜明的时代烙印;它的精神文化催化和影响着若干代人的思想意识和审美意识,为人类社会精神文明的进步与发展奠定了十分重要的基础。 

 

1 声乐演唱的文化传播 

声乐文化赋予声乐艺术丰富的文化内涵,词作家、诗人将自己的情感融化成可读、可看的优美诗词,曲作家把极具文化色彩的诗、词创作成可唱、可听的赏心悦目的歌曲;而将词、曲作者的作品赋予鲜活生命的是声乐演唱。声乐演唱者既是声乐文化最好的诠释者,又是声乐文化精神最佳传播者。声乐文化是在他们的演唱中得以传播,在传播过程中得以抒展。优秀的声乐演唱者,通过她们出色的演唱技巧,鲜明的演唱风格,将歌曲中丰富的文化内涵,真实、感人、创造性地传递给观众、听众,使声乐文化在众多的群体中得以传播。因此,声乐演唱者担负着声乐文化传承、传播的神圣使命。 

回顾二十世纪20、30年代,一批批从国外留学回国的音乐家、歌唱家如:萧友梅、应尚能、黄自、赵元任、黄友葵、喻宜萱、周小燕、郎毓秀等,她们不但把国外先进的声乐教育理念带回中国,而且通过在国内举行音乐会的形式将国外优秀的声乐作品、声乐文化、科学的发声方法传播到中国,是她们精湛的演唱影响着中国一代又一代声乐艺术表演者和声乐艺术教育工作者;是他们的辛勤努力为中国培养了一批批优秀的歌唱家和声乐艺术教育家。这些歌唱家如迪迪拜尔、廖昌永、吴碧霞、宋祖英、等,她们走出国门,到世界各地举办个人音乐会,参加国际声乐比赛;通过她们出色的演唱将中国优秀的民族声乐文化传播到全世界,让全世界人民了解中国民族声乐文化。这种声乐文化的传播与交流,是靠一批批优秀声乐艺术表演艺术家的努力得以体现和完成。正因为有声乐演唱的传播才使声乐文化在众多的群体中得以抒展;正因为有声乐艺术的相互交流才使得全世界以艺术为纽带能和谐的相处在一起,这是声乐艺术的力量,这是声乐艺术文化深刻意义所在。 

 

2 声乐艺术文化抒展的互动性 

声乐艺术文化的抒展,不仅只需要演唱者将词曲深入仔细地研究,把演唱技巧、情感以及表演动作进行形象、准确的艺术处理与创造,而且更重要的或者必可少的需要与观众、听众进行自然、亲切的交流和沟通,这种交流和沟通就是演唱与欣赏的互动。声乐艺术意义的最后实现也是通过艺术作品的展示,进而在与接受者的对话中得到实现的。声乐作品的接受者在欣赏作品的过程中,给予作品新的理解,赋予它新的意义,潜移默化中受声乐艺术美的感染和熏陶;这是声乐艺术创作者对作品生动的表达,使欣赏者在欣赏中与艺术创作者情感的互动。这种互动是欣赏者对演唱者所传达的声乐艺术美的欣赏、接受、认可的效果。声乐艺术文化抒展的互动性,在欣赏者欣赏作品的过程中表现为以下两种形式: 

一种是形式上的互动。演员的歌声、动作、表情是一种信息,这种信息对观众构成一种刺激,观众对这种刺激从表情、掌声、叫好声或其它手段对演唱者作出反映,这种反映又反过来刺激演员,对现场的演员的表演产生作用。这是一种形式上的互动。这种互动性,是根据某种演出内容、演出任务、演出形式,为了渲染某种气氛,需要演员和观众之间的交流所要达到的艺术效果。节日、庆典活动、流行歌手的商业演出等等演出活动,都需要这种形式的互动。这种互动风格体现了敢于张扬个性、敢于突破传统的时尚、能够渲染演出内容所需要的气氛。这种互动成为联系观众的情感纽带。凡是从歌曲内容出发,发自内心而又有调控身心的互动可以增强演唱的艺术表现力和感染力;也可使观众在轻松、愉快的气氛中享受到声乐艺术的美,不知不觉中去吸收丰富多彩的声乐艺术文化。那些片面追求形式上与观众的亲密接触的互动,自我吵作、自我作秀、哗众取宠的表演,完全脱离歌曲内容、没有声乐艺术文化美学品格,这种庸俗而低级的形式上的互动,是不可取的。 

第二种是情感心理上的互动。歌唱是一种情感交流活动,是以演唱者的心灵感受来塑造艺术形象的创造性活动。演员在演唱时,歌曲的审美内涵、精神内容,必然通过歌唱的情感体验而溢于言表,产生于心动、情动、形动。首先是演唱者被演唱的作品中所描写的情景、人物、故事所感动。演唱中,将这种感动生动的、深情的、声情并茂的表达给观众,使观众被演员真情所感染,在心理上产生震撼。演唱者和欣赏者围绕歌曲内容所展开的情感心理交流活动,广泛存在于一切有艺术价值和意义的声乐演出活动中。 

震惊中外的5、12地震发生后,艺术家们一场场募捐和慰问演出,如《爱的奉献》募捐活动,《向祖国报告》演出,心连心艺术团抗震救灾现场慰问演出,每一场演出都感动着许许多多的人们。艺术家们没有舞台上做作的形式表演,他们把心系灾区人民的真情、把感天动地的抗震救灾精神传递给观众,使现场所有观众感动,使电视机前的观众感动,使全世界人民感动。抗震救灾演出中,舞台上那一曲曲让人热血沸腾的歌曲《我们众志成城》、《生死不离》、《让世界充满爱》、《祖国在召唤》等等,振奋着许许多多的人心灵。舞台上演员激动的唱着: 

生死不离,你的梦落在哪里？ 

想着生活继续,天空失去了美丽; 

你却等待梦在明天站起, 

你的呼唤刻在我的血液里。 

 

生死不离,我数秒等你的消息, 

相信生命不息,为你祈祷一起呼吸; 

我看不到你却牵挂在我心里, 

你的目光是我全部的意义。 

 

无论你在哪里,我都要找到你, 

血脉能创造奇迹,生命是命题; 

无论你在哪里,我都要找到你, 

手拉着手,生死不离。

生死不离,全世界都被沉寂, 

痛苦也不哭泣,爱是你的传奇;