表演艺术专业课程精选(九篇)
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第1篇：表演艺术专业课程范文
关键词：综合大学；音乐表演专业；现存问题；定位途径
一、对音乐表演艺术教育现存问题的反思
1、音乐表演教育的理念亟待更新
在我国，长期以来艺术教育由艺术院校和师范院校来承担。伴随着高等教育大众化和文化产业迅猛发展的步伐，艺术教育也开始从精英教育走向大众教育，仅就音乐表演（演奏、演唱）专业而言，过去历来被称作精英教育的专业，目前已发展成为大众化的专业。在这种背景下，综合大学的专业艺术教育学科应运而生。作为艺术教育的一个特定学科，音乐表演艺术以其自身学科优势，目前在全国有着火热的发展势头。但是音乐表演艺术作为综合大学中一个新兴的学科，面临着许多亟待解决的问题。
2、音乐表演教育的学科定位不明确
从综合大学兴办表演艺术专业的动机来看，因为定位不明确导致学校的期望值过高甚至有些不切实际。虽然从宏观上讲，学校兴办专业艺术教育是为了健全和完善综合性大学的学科结构，但是在实际工作中，学校往往希望表演专业为学校增光添彩，比如代表学校演出、参赛、获奖等等，以此来扩大学校的影响。这种要求往往导致教学中只注重急功近利的表演技能的传授而忽视复合型人才的培养。强调表演艺术学科的技艺性而过多关注技艺的磨练，通常会造成表演教育与大学的整体教学氛围格格不入，学生虽然置身于综合大学，但他们的知识结构却严重失衡。事实上，本科教育阶段应当是为学生一生的发展打基础的阶段。而以表演艺术比如演奏、演唱作为专业的学生，以表演艺术这样的单一学科作为发展方向，往往导致学生的技能单一、缺乏后劲，很难有大的发展。如果本科期间没有传授应有的专业和综合知识，大部分精力花在急攻所谓“表演技术”课程上，其结果将是限制学生的全面发展。长此以往，综合性大学培养出来的音乐表演专业学生成了缺乏自身优势的“大路货”，社会上需要的复合型、外向型音乐人才，从综合性大学无法找到。这种情况显然是综合性大学的音乐表演教育的学科定位不明确造成的。
3、艺术表演专业生源令人担忧
艺术专业的生源，正在发生翻天覆地的变化。艺术专业学科在各大学成倍地扩大，各学科招生人数也在成倍地扩大，其结果是，具有出类拔萃表演天赋的人才的比例在锐减。中央音乐学院以培养世界级音乐人才为目的，他们可以从众多的报考者当中优中选优。全国其他艺术院校情况比起中央级院校来讲，生源质量明显较低。因此，综合大学以表演艺术为主体的专业学科，生源劣势显而易见。
4.综合大学音乐表演专业学生的出路不容乐观
在综合大学，有些天赋一般的表演专业学生热衷于专业技艺的提高，日复一日地磨练技术，渴望成为艺术专才，却荒废了不少文化知识性课程。到头来，还是很难在专业上有所发展。据调查，在综合大学艺术专业的毕业生当中，除个别学生（约占1-5%）可以从事表演专业，其余大部分毕业生就业举步维艰，不能胜任用人单位的聘任要求。
一所综合大学表演艺术学生就业情况的调查表明，在求职过程中，用人单位往往择其专业之外的特长，或者以他们辅修的第二专业来聘用他。为了能够顺利就业，许多表演专业的学生到了高年级不得不撇开已设置的专业课，不在专业上进一步下功夫，而在第二专业上另辟蹊径。为了拓展就业门路，比如应聘机关公务员、企业职员、文化团体职员、文秘等不得不进行突击性充电。这种就业的现状告诉我们，综合大学办艺术教育，不能把培养“高精尖”表演人才作为唯一的发展方向，而应该面对现实，为社会需求和学生的出路而调整我们的培养目标。与其把所有学生都培养成单一的舞台表演人才，倒不如因材施教，把多数表演天赋并不突出的学生培养成复合型的多面手。
二、寻求表演艺术教育在综合大学合理定位的途径
1.确定复合型的培养目标
我国一些艺术院校已有几十年甚至一百多年的历史，其学科体系是健全的，培养目标的定位是明确的。与院校艺术教育相比，综合大学的艺术专业教育起步较晚，培养目标也比较模糊。综合大学表演专业不能走艺术院校之路，也不能走师范艺术教育之路，而必须依靠自身优势走自己的路，明确自己的培养目标。综合性大学的优势在于：规模大、学科种类齐全，在培养复合型人才方面有着得天独厚的条件与优势。综合大学的学科众多、不同学科的优势资源可以共享，这是一般艺术院校无法相比的。艺术院校的专业教育，以培养舞台表演艺术人才为基本方向，师范院校则以培养学校教师为目标。综合大学的培养目标应当更加宽泛，综合大学的毕业生既可以当教师又可以当演员，当然更多的是社会经济发展急需的高起点的复合型艺术人才。因此，可以把综合大学的艺术表演专业的培养目标定位在具备艺术表演能力的复合型人才上。培养目标定位决定了课程体系，课程体系为培养目标服务，培养目标的确定要充分考虑社会需求，社会需求又决定了我们对生源的要求标准。把培养目标定位在复合型人才上，这样的学科定位不仅能够拓宽学生就业途径、满足社会需求，而且能够依托综合大学丰厚的优势学科，使艺术表演学科搭乘优势学科的快班车，与优势学科一道共铸辉煌。
2.构建综合性的课程结构
长期以来，音乐学院内部不同学科之间的教学是高度独立的，导致民乐学生不太了解钢琴，声乐学生也不太精通作曲理论。这种培养模式只能培养专才，而不能培养通才。随着教育理念的进步，人们开始打破彼此割裂的学科之间的壁垒，寻求学科之间的互通，在培养专才的同时兼顾培养通才。综合大学的艺术表演课程体系，应当根据现代教育理念，在贯彻教育部教学大纲的基础上，按照科学性和适用性的原则，对教学内容和课程体系进行大胆改革和调整。我们应当在艺术表演专业积极探索以专业教学为核心、以艺术实践和素质教育为两翼的综合大学艺术课程结构新体系。我们应当在综合大学所有专业积极探索音乐教育与大学生素质教育有机联系相辅相成的课程体系，挖掘和释放艺术课程的潜力，把艺术教育普及到全体大学生。我们应当通过资源共享使专业教育和素质教育在综合大学内部取得既培养专才又培养通才的双赢效益。要想取得双赢效益，综合大学必须因地制宜地构建综合性的课程结构。
3.采用开放性的教学方式
在表演艺术专业开展专才兼顾通才教育，需要我们采用开放性的教学方式；在非艺术专业全面开展艺术素质教育，同样也要求我们采用开放性的教学方式。
在专业教学方面，要突破专业课教学方法、形式、内容方面的单一性的束缚，采用灵活多样的教学方式。探索培养学生创造性思维方法和创新能力的教学方法，变口传心授的传统教学方式，为启发诱导方式。鼓励本科高年级学生和研究生参与艺术实践活动，为低年级学生开设专题讲座或辅导课程，培养学生实践技能；采用技术、理论、实践相结合相辅相成的教学方法，辅以多媒体教学，切实提高教学质量；教学中配以系统音像教材，加强音乐文化修养教育。与此同时还要改进和完善课程体系，合理地整合专业课程，比如将专业小课与合奏合唱、重奏重唱结合起来，以定期学习会、汇报会、师生音乐会等形式弥补课堂教学的不足。
4.完善合理的选拔机制
第2篇：表演艺术专业课程范文
一、复合型人才培养模式改革的思路和定位
社文系表演艺术专业复合型人才的培养是高职课程改革和发展的要求，也是面对市场变化要求做出理性、及时、主动地反映。复合型人才培养的目标培养具有多种专业技能、广博的文化底蕴、不断创新的精神，使学生成为具有多种能力和发展潜能，具有和谐发展个性和创造性的人才。
围绕这一整体的教育理念，社文系提出复合型人才培养模式改革的基本思路，具体定位为：明确教学培养方向是进行有效教学的前提，我们培养复合型人才要充分利用社文系是综合性系部的优势，充分利用舞蹈、声乐、模特、主持与播音与等多学科的环境氛围和师资资源培养复合型人才。加强艺术实践在培养音乐教育人才模式中的地位和比重，使之在制定培养方案和实施课程设置等环节中获得关注和体现。以市场为导向的课程设置。
湖南艺术职业学院的办学宗旨是“围绕舞台、造就人才”。我们所说的“舞台”广而言之指的是“社会大舞台”，小而言之指的就是专业课堂。学校培养的学生只有在专业课这个“小舞台上”练就过人的本事，才能在社会这个“大舞台”找到一席之地。复合型职业艺术教育的课程设置应该打破传统的教学模式，要以市场为导向，应需施教。强调办学的实用性 、时效性，充分了解市场的需求和知识的更新。将这样的讯息灵活的渗透到我们的教学中来，比如，社文系的舞蹈专业改变教学模式，在教学中以民族民间舞为基础，加强街舞、爵士舞等流行舞蹈的教学，鼓励并辅导学生参加舞蹈教师的考级认证。声乐教学不仅注重传统教学曲目的学习，还将《少儿声乐考级》、《成人声乐考级》等教材中的曲目纳入我们的教学中来，为学生将来从事社会音乐培训奠定基础。
复合型人才培养的实践需要和社会文化发展的实际需要，是人才培养赖以生存和发展的基本内核与动力。为此，社文系有意识地创造条件举办不同形式的内容的专家讲座和见习观摩、邀请优秀教师来校介绍经验、观看优质课教学录像等，通过这些途径激发学生主动探究、乐于实践的兴趣的热情。
二、 相关社会调研和理论研究
社文系的领导和教师密切关注复合型人才培养的新发展，积极进行与复合型人才培养密切相关的社会调研和理论研究活动。近两年重新制定了新的三年制表演艺术（通俗方向）、三年制播音主持专业新的教学大纲。并进行了广泛而深入的调研和理论研究活动、老师和学生走出学校来到大众传媒职业学院、湖南女子大学围绕“复合型人才培养的学科定位”；“主持与播音专业的改革与发展”进行深入交流研讨。
依托艺术职院，复合型人才培养方案的制定
复合型人才培养模式是教学计划的制定是本着扩大专业口径、对一些确有一定社会需求的专门人才，可以通过在宽口径专业内设置柔性的专业方向或选修课程进行培养。积极为学生提供跨学科选修、专业学习加职业技能认证、主辅修等多种课程设置。为培养复合型教育人才，对高职艺术教育的课程设置，社文系在教学中实践了如下两个课程设置模式:
1、专业教育加职业技能认证的培养模式。
艺术高职教育要培养技能复合型的艺术通才，“通才”首先必须是才，是经过一定艺术教育和训练，有较好艺术理论知识基础和一定实际操作(演唱、演奏、指挥、舞蹈、主持)能力的人才，而不是业余爱好者，其次是复合型，复合型在一定程度上体现的是学科的融通她们不仅可以熟练地运用某一专门艺术的技巧，而且也能对其它艺术门类的基本技术运用要求、特点、创作和欣赏规律，都有较为全面的了解。能够对群众性的文艺活动进行一般的辅导或指导；能够开展丰富多样性的群众文艺活动，他们也许成不了某一艺术门类的专家但能胜任群众文艺的普及者的工作。因此，复合型艺术人才是活跃在基层、社区和企事业单位第一线，从事群众文艺活动的策划、组织指导的实用型人才、对她们的复合型要求也就是职业综合素质的要求。
为了更好的实现这一目标，表演艺术专业实践教学学时要占到教学总学时的二分之一，专业实践内容要注重技能训练如：声乐、舞蹈、器乐、礼仪、化妆、语言、表演。但技能训练不是专门化的，而是多项技能综合应用的训练。技能训练不仅在校内进行，还要到校外进行岗位实务训练。这种技能训练缩短了学生实际工作的适应期，保证了培养目标的实现。除专业能力外，教学还注重方法能力，如:外语的运用能力、计算机的操作能力、这些增强了职业的适应能力。
该教学模式鼓励一部分有余力的学生跨专业通过学习考取职业技能证书。比如：我们鼓励表演艺术专业的学生在完成本专业的课程外，利用系部资源考取导游证（我系开设有导游专业，并被湖南省旅游局授为“湖南省旅游教育培训示范点”）。社文系培养的具有艺术修养能歌善舞、语音纯正、能言善道的导游已经受到就业市场的青睐，同时，通过专业学科的交叉，完善了知识结构，增强了学生的就业面和竞争力。
2、跨专业交叉设课模式。
现有的高职艺术专业的教学模式是单科化、专业化的课程体系，如果仅按原来课程设置进行教学，难以实现复合型人次培养的目标。为了解决这一矛盾，高职表演专业的某些专业就必须打破现有的学科专业界限，跨专业交叉课程设置。例如：社文系在模特专业的课程设置中增加了酒店管理、公关礼仪等课程，使他们能够进军五星级酒店的礼仪和管理；社文系声乐专业的课程设置舞蹈要修两年半、其中涵盖了基训、民族舞、现代舞等。声乐专业的学生还要必修语音、台词、表演等课程，这就大大扩宽了他们专业口径和知识面。.
基于以上的目标定位，社文系对原有的培养方案、课程设置、学分规划等进行修订，使之成为复合型人才培养的重要内容新的教学方案已经正式列入湖南艺术职业学院表演艺术系列培养计划，已于2009年9月开始实施。事实证明这套新的教学方案，既有为加强基础知识和基本技能训练开设的传统专业课程，也有以体验与感受为偏重的各类研究型课程，这样的教学计划，适应复合型人才发展的需要，帮助学生能进一步开拓艺术视野、增强学习兴趣、加强多方面能力，同时为他们日后发展打下全面而坚实的基础。
三、实施人才培养规划的管理与运行
加强艺术实践，让学生在实践中长见识、长才干，增强学生的实际工作能力。在人才培养的过程中，一是让学生走出去，多参加社会实践。例如:系部组织学生参加湖南省旅游节开幕式等各类文艺演出。二是组织书法学会、书画社、演讲团以及各种中西乐器团等艺术特长团体，吸收有兴趣爱好的学生参加，使学生的艺术特长、管理能力得到进一步提升。
社文系的领导高度重视复合型人才培养模式的改革与研究，将人才培养质量作为考核教学质量的重要内容，深入探索有利于实施人才培养规划的管理和运行体制：系部领导身先士卒，积极参与课题的研究。对各门具体的教学内容、课时安排、教学目标、教学成果等门类与任课教师进行定期沟通、交流，及时调整教学环节中出现的各种问题。主动接受学院的教学监督。严格监督各专业教学的规范性、制度化，将教学质量作为学院各项工作的重中之重，确保教学计划的高质量完成。建立艺术实践指导制度。以教研组为单位，配备专职教师指导学生参与各项艺术实践活动，在此过程中提升专业教师必备的专业素质。撰写系列教材。具有特色的教材是实施人才培养规划的重要保证，高质量的教学资料和材料，是建立在高水平的学术研究成果和丰富的教学经验之上的。自2009年起，社文系组织各学科的骨干教师撰写了骨干课程的系列教材，为实施复合型人才培养计划奠定了重要基础。
第3篇：表演艺术专业课程范文
表演专业不同于其他专业，国内比较知名的有表演专业的艺术院校有中央戏剧学院、北京电影学院、上海戏剧学院等，这些院校有相当长的建校历史，在艺术圈内也有较高的知名度。但以上学校每年招生数量有限，而全国各地报考的学生数量又多，因此使得这部分专业艺术院校招生计划供不应求，且让很多综合类院校的表演专业在近几年崛起。那么，如何办好表演专业，特别如何开展综合类院校的表演教学呢？笔者从以下三方面进行阐述。
一、从选才入手建立综合类院校独特的表演教学观念
表演教学不同于其他学科，综合类院校与专业艺术院校的选才标准也不同，因此教学观念会有所不同。表演艺术教学和其他很多学科的教学有着共性，那就是教书育人，但又有一个不同于其他专业教学的特点，即对于表演教学培养出来的演员来说，既是创造者，又是创作素材、创作工具以及创作成果，这三者都会统一在演员身上。这就使得表演教学中的选才十分重要。表演教学不像美术教学，有着创作对象和工具的选择，是紧紧围绕创作者本身进行教学，主要体现在对学生的挖掘上。不是简单地教学生，而是对于演员自身素质的解放与开拓。表演素质原本是人的一种潜在能力，正如人的工作能力、思考能力以及竞技能力一样，其在表演之前会处于潜在的状态，而会被表演教学引导出来。
一个演员能否成才，首先取决于自身素质。演员的四大素质为信念、想象力、理解力和激情。如果是通过观察来选才，专业院校往往会把具备一流素质的人才选走，而综合类院校相比之下就会有所劣势。因为在专业艺术院校中是教学专家去选择优质的“苗子”，而在综合类院校中就要进行双向选择，优质的“苗子”不一定会选择综合类院校。因此在选才上就会出现院校既要选择优秀学生，又要被学生所选择的状况。专业院校更注重选择具有艺术潜质的学生，对于水平一般的学生往往会有所忽视，而综合类院校就要抓住这个特点，研究自身特性，适时转变观念，选择有特点的学生并挖掘他们的内在潜质。
综合类院校要选择艺术素质好的学生，又兼具吸引好学生的任务，因此专业考试不能像专业艺术院校一样只是单纯进行测试，而是要把考场变为教学场所，转变成现场教学与现场学习的过程，这是教学开始的第一步，从中选择学校需要的“苗子”。知名院校把最好的学生选走了，综合类院校就要学会往深层次去挖掘，把艺术素养相对弱一些，但基本素质好的学生挖掘走，这就体现了综合类院校在人才选拔上的特殊性。专业院校是教师选择学生，综合类院校是转变观念吸引学生，对于这部分学生来说，教师在教学中就更应该看到他们的优点，同时引导学生发现自己的不足。任何人的成长和成功都离不开不断的鼓励和帮助，优秀的教师就是要善于在不成功的作品中发现成功的因素，教学任务就是帮助学生发现优点并尽力改正缺点，从而使学生迅速获得成功。
二、综合类院校应在表演教学中创造综合教学互补模式
表演专业在综合类院校中本就不是主流专业，因此要想做好教学方面的突破发展，就要根据专业特点建立本学科内的综合教学互补模式，不是仅仅发展单纯的表演教学，而是要以表演教学为核心，拓展与之互补的编剧、导演以及摄影类专业课程等。
我们要在表演教学中利用相关专业课程，从更多的角度开发学生更深层次的艺术素质，比如一个外形相对平常的学生或许有着非常好的导演素质；一个不善表现的学生却可能埋藏着深深的写作功底；一个有着表演欲望的学生也许对影像的思维和感觉也十分出色……这样就会使得很大一部分学生在从事演员的工作后，不满足于现状，想去做编剧、摄像，甚至是导演的工作。而这也符合了很多演员想多方向发展的演艺圈的现状。但这些演员不像专业人士那样受过系统的训练，因此需要探讨在表演教学中加入编剧、导演、摄影专业类的相关课程，使摄影成为视听语言交流的终端，而表演则是视听的基础。我们要培养一个成功的表演视听人才，课程设置方面应以表演为基础，开设一系列相关课程，以满足综合类院校中表演专业学生多元发展的需要。
综合类院校中的表演专业学生在未来就业和社会需求上会更加宽泛。我们在教学上就更应该有别于专业院校，培养学生一专多能，恢复艺术创作的整体性和有机性。创作型的总体对创作型的分体有着启迪和开发的作用，在艺术上体现为“分久必合，合久必分”，要想满足多元化的发展，就应当提倡学生多角度进行开掘。表演专业要以表演教学为核心，同时应更好地朝着其他学科中的临近方向拓展，如影视蒙太奇的展现离不开摄影，编剧离不开表演，表演专业的基础是表演，而创作的最高阶段是摄影等。这就要求综合类院校一定要在表演教学的初级阶段同时设置视听创作类课程。视听是影像交流的结果，在教学上倡导开设影音创作课，高年级开设DV拍摄，同时把影音创作课与市场接轨，自己制作微型电影，实行联合作业，更好地拓展表演专业，更深层次地开掘表演专业学生潜在的艺术素质。这些如果只单纯地靠简单的表演教学来挖掘，效果也许不会理想，但如果从多角度教学中去开掘，就能更好、更完整地开掘出来。所以说，综合类院校的表演教学一定要以表演为核心，更宽泛、更好地拓展相关专业课程，完成由创作到视听交流的整体有机结合，从而更深入地开掘演员自身的艺术素质。
三、在综合类院校中开拓表演专业别样的教学方式
首先，必须实践小班教学。由于表演教学属于艺术类教学，强调个性化教学，突出培养创作型的专业技巧，因此学生人数不可过多，这一点完全不同于普通类专业教学。表演专业强调个性教学，仅仅是课堂教学还不能够实现教学目的，要调动一切对学生的艺术素养有启迪的东西，以此来开展多元化教学，同时要充分调动学生的学习积极性，这就要求教师的教学要更为精细。表演艺术同时又是情感艺术，讲究情感的释放，因此学生的自我感觉尤为重 要。教师要在表演教学中教会学生为创作积极的自我感觉而努力。教学不是单纯地培养成功的表演人才，而是要教会学生如何获得成功。这些特点都要求我们在综合类院校的教学中实现小班教学，同时配备特色的师资参与分组教学，在教学中兼顾专业学术教师团队以及业内实践教师团队，使学生更快、更好地在掌握专业知识的同时与专业实践接轨。
其次，是要建立表演学生助教制。在大学里学生和教师永远是既稳定又相对变化的群体。让高年级学生在掌握一定表演基础知识的情况下，协助教师参与低年级辅助教学工作，这是在其他专业中不可能实现的，但在表演 专业的教学中是完全可以实践的。这样可以使高年级学生在协助教师对低年级进行辅助教学的过程中，既实践了自己的专业知识，又学会了本专业教学技能，为专业知识结构提供了更深入的支撑。
再次，应建设校内表演实训中心。表演专业必须要建设校内实训基地，它不像其他普通专业那样可以在校内学习理论知识，而是要在校外参与专业社会实践。任何形式的表演都需要舞台的实践和观众的支撑，因此在综合类院校中建设表演专业的实训中心是表演教学环节中必不可少的重要任务。建设设备优良、设施先进的表演艺术实践基地为学生提供必要的校内专业实践，是促进综合类院校表演专业学生迅速成长的关键点，表演专业必须凭借舞台来实践更好的表演专业教学。
第4篇：表演艺术专业课程范文
关键词：形体教学 表演艺术 教学质量
中图分类号：G807.4 文献标识码：A 文章编号：1672-3791（2016）2（c）-0000-00
众所周知，表演艺术是通过声音、台词、形体、表演综合呈现的，也就是大家常说的声、台、形、表，这也通常是表演教学的主要四门专业课程。只有具备“声、台、形、表”这四方面能力的表演者，才能在艺术作品中把剧中人物演绎的栩栩如生。“形”就像一个盒子，盒子里装着“声、台、表”。试想，如果没有“形”这个盒子，“声、台、表”往哪里装？所以，“形”在四者中起着重要的作用，缺了“形”，戏剧影视表演就会变成“残疾人”。因此，在表演艺术中，形体训练是培养影视表演人才的基础，没有形体动作训练，也就不能培养全面性的影视表演人才。这也说明了形体训练在戏剧影视表演艺术中有不可取代的位置。因为，人的身体是一个信息载体，人们内心深处的情感、态度、需求和心理意向，都会及时地从身体某一局部的运动中表现出来。不同的表情、姿态和举止动作都有着不同的含义，显示出不同人物内心深处的不同而又真实的感受。艺术作品中，人物形象同样应是通过表演者的形体动作准确的表现出来，观众才能领悟感受到人物的内心世界。
1 形体训练教学的现状及存在的问题
既然形体的塑造在戏剧影视表演中如此重要，但是目前的形体训练教学却不被一些学生重视，他们没有认识到形体训练对于提高表演艺术水平的重要作用。戏剧影视表演系的有些学生经常找各种理由不去上形体课。我在教学中观察和了解到，不去上形体课的学生并不是不想学习，只是觉得形体训练没有用。有位学生告诉我说：“老师，我们将来要做戏剧影视表演者，却要在形体课上像舞蹈演员一样把腿踢多高，腰弯多好，训练我们当舞蹈家，我们的学习时间、精力是有限的，只想学对我们有用的知识，所以不想去上形体课。”由此可见，我们现在培养戏剧影视表演人才的形体训练教学中存在一些问题。
1.1 形体训练课乏味，让学生失去了兴趣
在形体教学中，有的戏剧影视表演艺术院校的形体训练课只是单纯的形体训练，并没有提升到形体表演的阶段，形体训练没有和表演艺术相结合，而是成了训练舞蹈演员的课。形体训练课变得机械、乏味，让学生失去了兴趣。
我们培养戏剧影视表演人才，是希望他们在戏剧影视表演中大放光彩，展示自己的表演功底，塑造好剧中人物，而不是在影视表演中，把腿踢多高，有多好的舞蹈动作。这就像鱼在水中要摆尾游动，而不能强硬要求它直立游动。如果破坏了鱼的生活、生命规律，最终它将面临死亡。把这个概念植入到我们现在谈论的问题上，假如戏剧影视表演系的形体训练不把表演艺术融于其中，将不利于培养更多的、优秀的戏剧影视表演人才。
如果我们把培养舞蹈人才的形体课照搬到戏剧影视表演人才的形体课上，戏剧影视表演系的学生不仅会感到不适应，还会产生形体课与他们的专业无关的思想，认为上不上形体课都无所谓，这也就是一些学生翘课的原因。打个比方，就像刚出生的婴儿，因为身体刚发育，还不健全，只能吃母乳或奶粉，如果给这样的婴儿吃成人的饭而不给他所适合的食物，试想婴儿能否吞咽？如果没有合适的食物，婴儿就会营养不良。虽然婴儿和成人都是人类，但毕竟还是有所不同，所以只有吃适合的食物才能有利于生长。
1.2 把培养舞蹈演员人才的形体训练照搬到培养戏剧影视表演人才的形体训练中
有的艺术院校虽然能够把形体训练与表演进行结合，但也只是生硬的结合在一起，并没有真正地把表演艺术融合形体训练之中。有的艺术院校的戏剧影视表演系的形体课多半部分是舞蹈形体训练，只是在课堂最后略加表演，使形体训练和表演的分界线很明显，缺乏形体和表演的真正融合。这样的形体课不能达到它的真正的训练的目的，不能引起学生的学习兴趣。有的形体课教师对培养戏剧影视表演人才的形体训练认识有待提高。他们并不是很清晰表演和形体的关系，在执教过程中，把培养舞蹈演员人才的形体训练照搬到培养戏剧影视表演人才的形体训练中，造成了学生学习热情不高，教学效果不理想，致使形体训练越来越不被重视，形体训练失去了它真正的价值。有些学生也片面的认为，形体训练就是像舞蹈形体训练一样，不就是练练胳膊、腿，与他们的专业发展没什么帮助。
2 如何来解决现存的问题
2.1 改进形体训练教学方法
面对目前形体训练不被重视，一些学习表演的学生对上形体课没有兴趣的状况。我们在形体教学中应把表演艺术的特点融于形体教学之中，改进培养戏剧影视表演人才的形体训练的教学方法。改变原有的单调、乏味和培养戏剧影视表演人才脱轨的形体训练的模式。培养目标不同，教学的要求也不同。不要把训练舞蹈人才的要求放到培养戏剧影视表演人才中。改变长期以来灌输式的教育方式，增加学生的自主创造思维。我们在上形体课时，不要机械的训练学生的肢体，腿能抬多高，腰能下多好。要用启发式教育，把表演思维注入形体训练中，让学生体会不同的肢体所传达出的不同思想。就拿走路来说，不同性别的人，不同年龄的人，不同心理的人，他们走路时的样子都不同。那我们就要告诉学生，女人在走路上的特点或者是老人走路的特点。同时引导学生编排形体表演小品，启发学生用表演的思维去表现形体。让学生逐渐产生自我对形体的认识和独立思考的能力。同时进行一些身体放松训练和身体灵活能力的训练。因为形体训练不是让学生有一个多好的身体素质，关键是让学生有控制、驾驭自己身体的能力，从而去创造自己的肢体。
2.2 形体教师自身要加强认识，了解形体教学在表演艺术中的重要作用
有的教师认为表演艺术在形体课教学中无足轻重，认为只要把形体训练好就行，对戏剧影视表演系形体课真正的教学目标不是很清晰。因此，要改变有的形体训练任课老师自对表演艺术不够重视的状况，增强形体训练的任课教师对表演艺术的认识。还要提高戏剧表演系的学生对形体训练课的认识，让他们理解形体训练在戏剧影视表演中的意义及作用。做到这一点，不仅要靠老师引导，还要让学生自身多思考。只有师生共同认识到形体训练的重要性及意义，才能实现形体训练的价值。
2.3 形体教师要加强自身修养，不断学习
想要教学方法上有所改进，形体教员自身要主动的要必须不断学习新的知识，才能有新的认识，新的思维。有了创新性思维，想法才会不一样，思考的问题的角度就会不一样，才会发现一些以前没有发现的问题。当发现了新的问题，那解决方法就和以前不一样，教学方法自然就会有所创新。
3 结语
由于形体训练是培养戏剧影视表演人才的必修课，也是培养戏剧影视表演人才的基础。只有改进形体教学方法，让学生从形体课程中学到如何准确、生动塑造人物形象，才能达到形体训练教学在戏剧影视表演教学中的根本目标。形体训练课对于培养戏剧影视表演人才具有积极的、重要的意义。
参考文献
[1] 王硕玉.现代基本功训练教程[M].上海：上海百家出版社，2009.
第5篇：表演艺术专业课程范文
〔关键词〕艺g职业院校 传承 表演类非物质文化 实证研究
湖南有丰富多彩的非物质文化遗产，目前全省有99项国家级保护项目，国家级项目代表性传承人76人，省级保护项目220项，省级保护传承人231个；同时，19个地方剧种全部纳入了“非遗”保护项目。在湖南省级“非遗”项目220项中，传统音乐（32项）占总比例的12.9%，传统舞蹈（37项）占总比例的14.9%，传统戏剧（61项）占总比例的24.6%，曲艺（15项）占总比例的6%，这些共占总名录的 58.4%。湖南独立设置的艺术职业院校有湖南艺术职业学院、衡阳市艺术学校，一直在进行着表演类“非遗”项目诸如地方戏曲、地方民歌、民间舞蹈的教育传承与保护工作，在非物质文化遗产的保护、传承和特殊专业人才的培养上，发挥了不可替代的作用，同时因各种原因也遇到了发展瓶颈。本文以湖南省为例，分析艺术职业院校传承表演类非物质文化遗产的优势与角色定位，探讨存在的问题与对策，以期引起各方关注。
一、艺术职业院校传承表演类非物质文化遗产的优势与角色定位
（一）基于文化自信的艺术职业教育可持续发展。文化自觉是我国著名社会学家老先生关于乡土中国变迁与重建的观点，是指生活在一定文化中的人，对自己的文化要明白它的来历、形成过程、特色和发展趋向，从而增强自身文化转型的能力，并获得在新的时代条件下进行文化选择的能力和地位。
上个世纪90年代以来，我省乃至全国戏曲教育走向低谷，教学成本高、优质生源少、就业出口窄，发展面临巨大挑战。湖南的艺术职业院校对继续传承和发扬包括戏曲在内的湖湘本土文化的信念没有动摇，凭着高度的文化自觉，不怕清贫，不顾寂寞，始终如一地坚持民族传统文化人才的培养和濒危艺术的挽救，为民族民间文化艺术的继承和发展做出了不可磨灭的贡献。
在具体实践中，湖南艺术职业学院在戏剧领域拥有一支享有盛誉的专家，撰写了本学科领域的第一批教科书，加强了本土戏剧教育的研究，创建了本专业的语言体系。《湖南花鼓戏声腔》已被认定为国家精品课程，戏曲表演专业入选为省级精品专业；学院还申报并建设了彭俐侬表演艺术这一省级非物质文化遗产项目。湖南民歌民乐资源丰富，根据湖南生源的特色，学院确立了声乐以民族唱法为主体、器乐以民族器乐为主的人才培养路子，并突出湖湘地域特色。在实践中，声乐表演专业将戏曲声腔、身段表演等吸收到演唱中来，发展民族声乐专业。音乐教师挖掘、整理民间音乐，培养了一大批具有较高水准的民族音乐工作者，进一步发展和丰富了湖南的民族民间音乐。自2010年始，学院与桑植县合作，开展了桑植民歌进课堂活动，举办了桑植民歌传承班，这样不仅为桑植民歌培养了传承人，使桑植民歌这一文化遗产得到有效保护，而且丰富了教育教学资源，并为这一本土艺术形式的发展提供了更加多样的可能、更为广阔的空间。舞蹈表演专业在改革实践中，不断研究探索，以培养民族民间舞蹈表演人才为特色，以“取材于民间、规范于课堂、形成于实践、升华于舞台”为指导思想开展教学。《湖南代表性民族民间舞教材》则是从专业教学的高度去开发湖湘舞蹈文化中尚未开发的处女地。在传承体系上，湖南艺术职业学院在衡阳艺校设立附属艺术学校，作为湖南艺术职业学院五年制专科三二分段教育形式的挂靠学校，形成了独特办学优势和办学特色。2016年，湖南艺术职业学院被省民委授予“湖南民族文化传承研究基地”。
湖南的艺术职业院校对于传承本土传统文化的执着信念和坚定态度，不仅是为了表达对办学传统的敬意和情感，更是体现了一家文化单位的责任与担当，体现了在深刻洞察文化发展、教育发展基本大势的基础上所形成的高度文化自觉。
（二）基于审美文化的“课堂+舞台”演学结合人才培养。“审美文化”概念由席勒在1793～1795年间撰写的《美育书简》种提出，席勒认为理想的人是知情意完美结合的统一体，它们形成了三种文化状态：自然状态、道德状态、审美状态。20世纪初，大思想家和教育家杜威（J.Dewey）阐述了这一思想，提出“完美的经验即艺术”和“艺术即经验”的见解。
艺术家必须具备一定的技巧，而这种技巧部分是通过个人经验，部分是通过分享他人的经验。艺术职业教育的专业课是以经验为中心的教学，它的教学是以活动为中心。鉴于此，湖南艺术职业学院提出了 “课堂+舞台”演学结合的人才培养模式。课堂主要培养艺术专业所必需的理论知识与文化素质，舞台着重培养专业技能和专业素养。
杜威同时指出：一种正常经验不管有多么好，要想成为审美经验，就必须首先具备强烈性、完整性和清晰性。舞台表演技巧（如戏曲表演的“四功五法”）的形成，更是需要有一个“养成”的过程，要日复一日地进行基本功的训练，也就是“拳不离手，曲不离口”。湖南艺术职业院校专业课程按其内在的逻辑，始终围绕着演艺职业教育实践活动从广到精、由浅入深而发展，课堂教学场所模拟舞台环境，课堂教学的内容力求搬上校园实验剧院舞台：体现教学技能进度和难度的单一性展示；体现素质修养的多重性演出；突出艺术个性的专场演出；体现人才培养总体质量的综合性（毕业）演出。同时学院通过“专业+产业”、“培养+就业”等动态组合，实现学校到演艺团体、学生到演职员的无缝对接；教师实施项目化教学，由剧目导向任务驱动，让舞台和观众来检验学生的学习成果。学生在直接获得真实舞台体验的同时，还完成了课程的学习；同时剧目驱动激发了学生的学习欲望，这样教学效果与人才培养质量通过舞台展演直观地展示给社会。
基于审美文化的“课堂+舞台”演学结合的人才培养特色有：一是强调舞台实践，突出了舞台技能的打磨和演员素养的培育；二是教学需要大量具备“双师型”背景且具有丰富舞台实践经验的艺术类专业教师；三是专业艺术院校需要长期深厚的艺术积淀、成熟的教学模式和流程的积累以及众多艺术家的聚集，这种特有审美文化氛围不是一个学校短时间内可以形成的。
（三）基于文化市场的院团校企合作。职业教育的专业建设具有市场性，因而专业建设受市场规律、市场机制、市场原则的影响和制约。艺术职业教育在产学研结合背景下，我省专业艺术教育与行业的密切联系，为学生就业、师资交流、艺术实践等提供了畅通的渠道，人才培养坚持以职业为导向，以实践项目为载体，学校、企业、行业、政府共同参与，全面、系统地进行教学改革。
湖南艺术职业学院为了更好地服务湖南文化强省建设培养其所需要的高层次高技艺人才，学院在全国艺术院校中率先提出了“围绕舞台，造就人才；依托文化，面向市场”的人才培养理念，人才培养与市场需求衔接，在文化事业、文化产业“二水分流”、“两轮齐驱”的情况下，采用灵活、多变的柔性管理来适应“客户需求”。一是院团结合，其特点是学院与行业结合，为行业培养人才；行业成为“婆家”，直接参与人才培养过程，择优录用毕业生和提供实习实训场所。“院团结合”还表现为专业教学由学院和剧团共同负责，文化教学由学院负责。其二是校企（院团）合一。为了接通与文化市场的联系，艺术职业院校对内设立了艺术实践部，对外或设立了演出公司，或设立艺术团。通过演出公司或艺术团，架起一座学院通向文化市场的桥梁，实现产学研的有效结合。通过这一桥梁，毕业生实现了零距离就业，学院的各种艺术实践活动也可以直接进入演出市场。其三是成立艺术职教集团。通过集团化办学形式，完成学校与企业资源存量的优化组合，实现了艺术职业教育规模化、集团化发展。如湖南艺术职业学院牵头组建的湖南演艺职业教育集团。
二、艺术职业院校传承表演类非物质文化遗产存在的问题与对策
我省艺术职业院校传承表演类非物质文化遗产取得了系列成果，但不可否认，其前景面临挑战，不容乐观，需要我们认真审视，砥砺前行。
（一）文化空间角度考量――在时空受到挤压中寻求突破。“文化空间”是联合国教科文组织关于非物质文化遗产的一个关键概念。其内涵指的是非物质文化遗产中具有特殊价值的事物的集中体现，是非物质文化遗产对外展示的集中场所，也是举行与非物质文化遗产相关活动的特定时间。
我国独立设置的艺术高职院校基本上是在原艺术中专学校的基础上升格组建的，规模较小，发展面临诸多问题。在教育部100所国家示范性高职院校中，没有一所是艺术高职院校。我省上世纪80年代初在长沙、衡阳、邵阳、常德设立了专门的戏曲学校4所。由于历史和现实的原因，加上受戏曲专业本身的特点所限制，以及其它文化元素的冲击，后来这些学校纷纷更名为艺术学校，而戏曲萎缩成为其学校的一个专业科；本世纪初，文化部门管理的艺术中专学校由于没有得到足够的扶持，最终走向并校之路。常德艺校（原常德戏曲学校）2003年并入常德师院音乐系，戏曲专业彻底消亡。在加快建设文化强省的今天，并校之路并没有停止，反而愈演愈烈。邵阳艺校（1976年为地区文艺训练班，1986年为邵阳戏曲学校，1995年为邵阳艺校）2012年脱离市文化局管辖，与当地几所中等职业学校合并，归属市教育局管理。郴州艺校2013年与当地几所职校合并为湘南幼儿高等专科学校。目前，我省归属文化行业管理的仅有湖南艺术职业学院和衡阳艺校，还没有一所独立设置的本科艺术学院。由于学历层次低，造成我省艺术教育招生质量难以保证。优秀的本土艺术苗子无法接受低层次的本土专业艺术教育，这样优质生源流失严重，使我省难以培养出高层次艺术人才。
艺术职业院校传承表演类非物质文化遗产的时空受到挤压，需要寻求突破口，去改变规模小、效益低、资源分散、竞争力弱的局面。这样，一要争取公共财政加大对艺术职业教育的投入，发挥社会力量办学的作用，为社会各方投资办学提供有效的政策支持和畅通的渠道保证。二要艺术职业院校自身也要强化经营意识，积极通过空间拓展和资源重组，盘活现有教育资产，进行规模化、集团化、集约化、集成化经营。三要完善人才培养格局，当前湖南要加快建设艺术本科院校，实现中专―高职―本科三个重要环节的教育。
（二）文化生态角度考量――从教育圈与生活圈中寻求互动与平衡。文化生态是把人类文化放到具体的自然与社会环境中加以研究，并着重强调文化与环境的互动。 杜威认为，如果艺术被严重地孤立于生活之外，它就失去了自己最基本的原料：人的日常经验。艺术遗产形成于民间，更需要有民g生活基础的人进行传承。艺术职业院校要从教育圈与生活圈中寻求互动与平衡，重点考察传承的现实活态特征，不画地为牢、不固守一隅，开放办学。在具体的办学过程中，在班级授课时要多请民间艺人进课堂，要加强课外采风学习，要与社会劳动、生产实践和日常生活相结合。要通过允许学生依据实际需要推行工学交替，适当延长学习期限或分阶段完成学业来达到培养的柔性化。只有这样才能保持在更多日常生活中传承非物质文化遗产，发挥其原有的独特历史文化价值，这也就使非物质文化遗产在其最初被创造和流通的区域内保持长久的吸引力和广阔的辐射力。
其次是传承的不平衡性。如衡阳湘剧、邵阳祁剧是入选首批国家级、省级非物质文化遗产名录的地方代表性艺术种类，到目前只有中专层次教育；而其他如常德丝弦、岳阳巴陵戏、湖南曲艺等等则几乎没有培养机构和稳定的师资，只能重新回到“师傅带徒弟”的状态。
教育管理者要顺应经济和文化的发展需要，合理进行职业教育资源统筹和配置，要根据社会的实际需要，增强学校办学活力，合理调整专业设置、拓宽专业面；并在巩固和提高基础学科、精办长线专业的基础上，大力发展表演类“非遗”特色专业。
（三）传承主体考量――从后继乏人到美育兴国。当前，农业文明主流的“非遗”表演艺术逐步走向工业文明的边缘。表现在艺术职业教育领域是生源数量的锐减。如传统戏曲方面，很多人因为看不到前途不选择学戏曲，导致艺术职业院校传统戏曲招生非常困难。文化的全球化使年轻一代人更容易接受社会的主流文化，国民教育不能提供文化遗产所需的社会人才，导致传承后继乏人。由于功利因素的诱导，湖南表演“非遗”艺术在一定程度上面临更大的濒临灭失的危险。如湘剧，解放初期，全省有25个湘剧班社，而现在仅存三个湘剧团（湘剧保护传承中心）；解放初期，湘剧经常上演的剧目有300多个，其中至少有三分之一是优秀的传统剧目，但现在能上演大概仅有三十来个传统剧目。
让表演类非物质文化遗产的生命能够延续，关键是加强接班人的培养。我国的大中小学教育都重视德智体教育，却忽视了美育教育。早在时期，北大校长强调各级学校要重视美育。有鉴于此，各级学校要认识美育在人成长中的重要作用，要树立“美育兴国”的理念。学校教育在传承表演“非遗”艺术方面要不断完善非物质文化遗产人才培养格局。一要建立正规的教育启蒙机构。建议由政府主导，与幼教单位协商，建立正规的戏曲教育启蒙机构。二要加强学校通识教育，建立生源基地。在中小学开展戏曲进课堂活动。积极与教育主管部门和中小学校将具有本地特色的“非遗”知识纳入素质教育内容，开展相关教育活动，提高青少年传承非物质文化遗产的意识。向中小学生推荐优秀“非遗”曲目，支持学校建设“非遗”表演社团和兴趣小组，与中小学和本地“非遗”艺术表演团体合作开展校园普及活动。艺术职业院校的师资要积极担任中小学特聘“非遗”专家和学校兼职艺术教师。三要充分发挥艺术职业院校的传承表演类非物质文化遗产专业教育的强项，做大做强艺术中职和高职“非遗”传承专业教育，落实大中专“非遗”表演艺术职业教育生均拨款制度，对中等职业教育“非遗”表演专业学生实行免学费。四是高等学校要加强表演艺术类非物质文化遗产的学科建设和理论研究。
参考文献：
[1]刘坚平.艺术高职院校如何走上品牌发展之路[N] .《中国文化报》，2012-12-18
[2]刘坚平.湖湘文化的传承基地 文艺湘军的人才摇篮[N] .《中国文化报》，2011-11-8
[3]吴晓华，刘坚平.湖湘戏曲表演人才培养现状实录[N].《中国文化报》，2014-12-10
[4]鲁雁飞.文化强省背景下湖南戏曲表演艺术人才培养策略调研[J].《艺海》， 2015（7）
[5]⒓崞剑袁绍成.文化空间视角下的湖南区域表演类非物质文化遗产保护与传承 [J].《艺海》， 2016（12）
[6]鲁雁飞.艺术高职院校柔性管理研究与实践[J].《教育与职业》，2009（5）
[7]王培喜.表演类非物质文化遗产的学校传承问题探究――以湖北地方戏曲、曲艺等为例[J] .《湖北社会科学》， 2010（4）
[8]钟璞.非物质文化遗产视角下的湖南地方戏剧文化自觉缺失[J] .《民族艺术研究》，2011（2）
第6篇：表演艺术专业课程范文
关键词:中国古典舞; 钢琴伴奏; 曲调; 变化
从教多年,见到过身边许许多多的钢琴伴奏工作者默默无闻的耕耘在自己的工作岗位上。伴奏自身的“特殊性”,常常被人们认为是各种表演艺术形式的“附属品”。就舞蹈钢琴伴奏举例,表层上看,钢琴以其“绿叶”的身份,紧密地扶持着舞蹈表演艺术这朵“红花”,从更深一层的意义上来讲,伴奏不再仅仅是一种衬托、一种背景音乐,它已经成为整个舞蹈训练过程、乃至整个表演过程中不可分割的重要组成部分。现今,在舞蹈教学中普遍用到钢琴作为伴奏的课程有芭蕾舞基训课程、古典舞基训课程、中国古典舞身法课程、中国民间舞课程等,虽然都是舞蹈专修课程,但从伴奏风格、节奏韵律上讲却是大相径庭。每门舞蹈专修课程中的钢琴伴奏音乐都如自己所“服务”的专业课程一样是专门的、特殊的。接下来,我们就浅述一下中国古典舞钢琴伴奏中的的几点问题。
进入20世纪以来,随着科技教育水平的不断提高,舞蹈课程的伴奏音乐书籍也日益繁多起来,从最初的油印曲目到现在的铅印出版,殊不知凝结了历代舞蹈伴奏工作者的辛劳汗水。在此期间,人们也形成共识,逐渐认识到钢琴伴奏音乐与舞蹈课堂结合的必要意义,逐步使这门艺术形式有了自己发展与完善空间。中国古典舞是49年后才开设的一门舞蹈专修课程,现有的中国古典舞课堂音乐选编及创作原有规范教材中,大多院校是选用了北京舞蹈学院郑国安编着的《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》,因沿用已久,曲调未免过于陈旧,致使并造成了课堂没有生气、教师失去创作灵感,学生上课没有活力、练功情绪等诸多课堂遗留问题。从2000年开始,舞蹈伴奏曲谱如雨后春笋般得以涌现。市面上出现了由人民音乐出版社出版发行的张和主编《中国舞基本训练钢琴曲选》、吉林音像出版社出版发行梁鹤的《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》、国家高教出版社出版发行杨洪涛的《中国舞基本功训练钢琴曲选》以及山东大学出版社出版发行的付艳林编着的《中国古典舞基训钢琴伴奏曲选》,至此,中国古典舞伴奏教材也仅仅只有区指可数的4本,曲目相加不到300首,一首曲目,反复甚至多遍地使用,听起来烦上加烦,远远满足不了日渐丰富的课堂需要。可见伴奏教材的选用在舞蹈训练过程中对升华教学效果起着重要作用,伴奏教材的优劣直接影响到教学的质量,而教学质量却又直接关系到舞台实践。作为教育工作者,因缺乏相适应的配套伴奏教材,而使舞蹈课堂教学效果大大受损,这是需要我们亟待解决的。
其次,通过了解与调查,大多正规艺术院校中的舞蹈院系,都配有相应的专职钢琴伴奏或兼职钢琴伴奏教师,多为师范大学音乐系钢琴专业本科毕业,有着较好的弹奏功底。但这些并不意味着所有的钢琴伴奏教师都具备良好的舞蹈教学课堂配合能力。毕竟,“学院派”的传承没有给过钢琴专业学生接触舞蹈课堂的机会,更别说是舞蹈伴奏了,认识上的不足在所难免。就大踢腿音乐来说:乐曲的乐句应铿锵有力,音乐的重拍与动作的发力点应力求一致统一,如果没有指触的弹性与恰到好处的重音,只是一味地把音和节奏准确的“敲击”出来,那再优秀的曲目必将成为一首不恰当的伴奏曲。因此,这就需要伴奏者对舞蹈教学的特点与规律有起码的掌握与了解。通过了对舞蹈教学特点与规律的初步的认识,更加深入的对现有伴奏曲目进行相应的编创与创新。在某些舞蹈元素单一训练过程中,一首伴奏曲往往需要反复多次,这样不光是舞蹈教师,就是舞蹈学生也会感到厌烦,那么就需要钢琴教师利用所学的音乐知识,通过移调转调、改变伴奏织体、通过节奏对比等手段将乐曲二度创新,有效的调整课堂节奏、调动课堂气氛,达到良好的教学效果。比如平转,同一首曲目,可以按照学生能力的不同而分组,动作质量一般的同学可以用常规伴奏调式,做的稍好的另一组可以转为属调或者下属调;节奏上可以有重拍、力度等的变化,从而强调动作与音乐的焕然一体。由此可见,伴奏教师需要努力提高自身业务素质,并不断对伴奏曲目进行编创与创新也就变得尤为重要起来。
如今,中国古典舞作为中华民族特有的传统舞蹈形式,已随着人们对文化生活需求和审美的节节升高而发生了翻天覆地的变化,承担着钢琴伴奏的教师们与众多 “主课教师”的园丁们一起,培养着一代又一代的表演艺术人才。各大艺术高校的艺术专业考生都有逐年扩招之势,对艺术人才培养的要求自然也越来越高,改变目前中国古典舞传统教学模式中陈旧的伴奏理念,建立更加有利于学生学习的新环境、新氛围,都是我们刻不容缓需要解决的。只有这样,我们的学生才能成为复合型人才,一专多能的人才。也只有这样,学校的教学资源才不会得以白白浪费,并取得长足的进步。
参考文献:
专着:
[1]《中国古典舞教学法》北京舞蹈学院出版社 北京舞蹈学院编着
[2]《中国古典舞身韵教学法》上海音乐出版社 唐满城 金浩编着
论文:
[1]《同祖同根 相得益彰》——中国古典舞身韵在基训中的运用 张蕊 沈阳音乐学院学报第342期
[2]《舞蹈教学中钢琴伴奏者应具备的能力》 何明《高教论坛》2003年第五期
[3]《舞蹈基础教学中的音乐处理》 邹萌 《艺术科技》2005.6.25
第7篇：表演艺术专业课程范文
柏林艺术大学成立于1696年，已有300多年的历史，它是世界上最大、最多样化以及历史最悠久的艺术大学之一，现有4个学院（音乐、美术、设计、表演）以及1个继续教育研究中心。柏林艺术大学的教学特色体现在“跨专业思考”和“跨学科工作”上。这种打破传统架构的现代教学模式既能够拓宽学生的艺术文化视野，又能够开启学生全新的艺术创造思维。
柏林艺术大学的音乐学院从成立之初便是德国领先的音乐学院，在发展过程中其他知名音乐学院陆续并入了这所音乐学院。作曲家Max Bruch， Engelbert Humperdinck 和Paul Hindemit，知名演员Artur Schnabel，Wanda Landowska和Emanuel Feuermann，以及学者Philipp Spitta， Curt Sachs 和 Kurt Singer等都曾在这里任教。现在音乐学院大约有250多名教授、博士、讲师， 拥有包括器乐和声乐在内的多个专业。①
一、丰富的专业设置与跨学科合作
与其他音乐学院一样，柏林艺术大学音乐学院设有乐器、声乐、作曲、指挥等专业。秉承德国教育的优良传统，该学院开设的课程种类较多，从乐器演奏到教会音乐，从音乐史到音响工程，从爵士乐到音效组织作曲等。学院开设的课程几乎涵盖了所有的音乐专业。学生学习年限不限，但必须通过各门课程的考核。而这些考核的形式也是多种多样的：论文、口试、笔试、现场演奏、音乐会表演、资格考试、音乐会水平考试等。②特别是音乐教育专业的学生，其主干课程包括艺术实践教学、音乐学与音乐理论、音乐教育三大类；其中群奏指挥方向就有舞蹈、韵律、合唱及其指挥等课程。音乐教育专业的学生需要掌握3门以上的专业课程，并在此基础上完成在初、中级学校的音乐教学实践。③
除了常见的音乐相关专业之外，柏林艺术大学音乐学院还有一些特色鲜明的、与众不同的专业。例如，音乐治疗专业（该专业具有硕士培养体系）就是将音乐与心理学进行有机的联系。除了音乐相关课程，其核心课程还包括心理学、心理动力学、群体动力学等。相应的有授予学生音乐疗法证书的认证体系，这主要是针对孩子与父母的关系的早期心理治疗。
音响工程也是音乐学院特色专业之一。该专业的设置糅合了音乐艺术与科技的课程。该专业的本科生必修的课程包括钢琴、视唱练耳、古典音乐、流行音乐、爵士乐理论等，还需要在柏林科技大学学习相应的声学、数学、通信技术和电子技术等理工课程。通常学生都专攻严肃音乐或轻音乐，但是他们在音响工程方面的能力却毫不含糊，学院提供5个录音室、两套编辑系统以及两套可移动便携音响设备，便于学生进行任何形式的实践活动。④这些课程和实践使学生能获得全面发展，其就业面较为广泛。
二、开放的办学思想促进多层次的交流
在柏林艺术大学音乐学院，可以感受到艺术的传播与交流。这种艺术的交流是在多个方面、多种层次上的。
音乐学院的课程与实践包括校内小型音乐会、演奏会，这些活动提供给学生与学生之间、学生与教师之间、教师之间广泛交流的机会。因为这些音乐会可能是由学生或教师表演，或者师生共同演出，而听众包括校内的师生，甚至很多感兴趣的普通市民。
正因为柏林艺术大学不是单一的音乐学院，学生有很多与其他学院交流合作的机会。例如柏林艺术大学有表演艺术学院，而表演艺术专业的学生也需选修一些音乐方面的课程，与音乐学院的学生一起上课。而表演学院或其他学院举办的一些公开活动，例如音乐秀、表演剧等，也为音乐学院的学生参与其中提供了相当大的舞台。
音乐学院与其他高校的交流合作也是广泛而深入的。学校除了聘请客座教授讲课外，学生还可以到其他学校学习和实践。例如作曲专业的学生除了接受本校教师一对一的辅导之外，还可以在3个电子工作室进行实践，包括本院的、柏林科技大学的以及柏林汉斯埃斯勒音乐学院的。柏林艺术大学音乐学院还与汉斯埃斯勒音乐学院共同建立了柏林爵士乐研究中心（JIB），以便两所大学的学生和教师共同开展艺术工作。这是一个崭新的先锋的音乐中心，它有权授予音乐学士（爵士）、音乐硕士（爵士）、爵士乐教育硕士以及爵士乐声乐硕士学位。⑤
三、与我国音乐教育界的交流活动
柏林艺术大学本身的开放精神促进其与世界各地的艺术交流，而我国与德国的各方面的合作加深也促进了文化艺术的交流。特别是我国2008年奥运会、2010年世博会的成功举办以及为期3年的“德中同行”活动，都使中德文化艺术领域的交流不断加深。近年来，柏林艺术大学音乐学院与我国的交流合作也越来越多。
2004年10月，柏林艺术大学音乐学院派代表Manfred Sirevritts教授参加上海首届音乐教育国际研讨会，介绍了德国音乐教育特点及创新的教学理念和方法。⑥2009年，柏林艺术大学音乐学院在我国参加了一系列活动。9月25至27日，中德现代合唱指挥教学与实践培训/研讨会在南京艺术学院音乐学院召开。德国柏林艺术大学合唱指挥、艺术总监Betzner及柏林艺术大学“美妙星期五”合唱团参加了中－德联谊合唱音乐会、培训与教学观摩。9月27日晚，“美妙星期五”合唱团、南京艺术学院音乐学院“萌”女声合唱团与苏州大学艺术学院音乐系联合举办的音乐会在苏州大学音乐厅举行。这些活动在展现中德音乐个性的同时又凸显出音乐无国界的特点，促进了中德两国的音乐文化交流。
柏林艺术大学是全球著名艺术和音乐高校合作交流网络（NICA）的发起者，至今已与世界上130多所院校建立了合作关系。学校目前共有800多名外国学生，占学生总人数的20%左右。而其音乐学院同样有许多来自世界各地的求学者，我国每年都有众多报考柏林艺术大学音乐学院的青少年。国内有不少音乐学院、艺术学院的音乐教师曾在柏林艺术大学音乐学院进修，或者从柏林艺术大学音乐学院毕业回到国内任教。高比例的外国留学生也反映了柏林艺术大学音乐学院在世界范围的国际声誉，而其面向世界的教育与交流又进一步扩大了它的国际影响。
注释：
①④⑤参见柏林艺术大学官方网站udk-berlin.de.
②弗里德里希・包尔生.德国大学与大学学习[M].北京：人民教育出版社，2009.
③薛艺兵.世界各国音乐院校名录[M].北京：人民音乐出版社， 1996.
第8篇：表演艺术专业课程范文
关键词：体育艺术；表演人才；培养路径
“体育表演艺术是体育与表演艺术相结合，以人体姿态、表情、造型和动作过程为主要表现手段，以体育内容为表演素材，融体育、音乐、舞蹈及艺术表演于一体，为促进人体健康、体现体育情感、展示体育精神及反应体育生活而专门组织的有计划的体育文化艺术形式。”随着全国14所体育院校体育艺术专业的相继申办，体育艺术系（学院）的相继成立，体育艺术的专业建设不断完善。但是，如何进一步完善专业设置，培养优秀的体育艺术表演人才，就需要探索更加科学合理的人才培养路径，以适应当后社会的职业发展，实现专业设置与产业需求的对接，课程内容与职业标准的对接，教学过程与生产过程的对接，毕业证与职业资格证的对接，职业教育与终身学习的对接。本文在探讨全国体育院校体育艺术系（学院）的体育表演人才培养现状的基础上，以哈尔滨体育学院体育艺术系为例，探讨体育艺术表演人才培养路径，力求打破专业壁垒，构建特色引导，在保证专业主体的同时，广泛涉猎相关专业知识，实现体育与艺术的深度兼容与融合，为体育院校其他专业建设和人才培养提供参考。
1我国体育艺术表演人才培养现状分析
1.1专业开设现状分析
2001年天津体育学院在全国高等体育院校中率先设置了舞蹈学本科专业，开始探索体育与艺术融合的模式，开启了体育艺术专业的道路；成都体育学院于2004年申报舞蹈学专业，以体育舞蹈和当代舞为方向，此后逐渐形成体育舞蹈、舞蹈、操舞3个基本专业方向。成都体育学院、武汉体育学院、沈阳体育学院、北京体育大学相继增设了表演专业，上海体育学院设置了舞蹈编导专业，虽然各个体育院校大都开设了体育艺术专业，但在专业方向上各个院校有不同的侧重。目前，全国14所体育院校都已经开设了体育艺术专业（见表1），但是体育艺术专业的建设仍处于摸索阶段。
哈尔滨体育学院2009年设立体育表演专业方向，设置了包括：体育舞蹈、艺术体操、健美操、中国舞、冰上舞蹈等专项，形成了体舞与艺体教研室、健美操教研室、艺术理论教研室、冰上舞美研究室、花样滑冰教研室等教学组织机构（见图1）。由于地处北方，地理环境多以冰雪为主，结合北方特点，哈尔滨体育学院以舞蹈表演为主要方向，同时创新结合冰上项目，形成具有北方冰雪浓郁特色的冰陆表演专业，是全国唯一冰上与陆地表演相结合的专
1.2培养目标现状分析
在体育院校开设的众多专业中，以舞蹈学、舞蹈表演专业居多，而表演、舞蹈编导专业则较为少见。虽各专业间具体的培养目标并无明显差异业，走出了哈尔滨体育学院体育艺术专业的特色道路。体育艺术系现开设舞蹈表演专业，舞蹈表演专业是学院总体发展战略打造“冰陆结合、体艺融合”又一特色专业。从1982年开始，哈尔滨体育学院就开设体育表演的相关课程。通过30年的实践探索，形成了较为成熟适应北方地域的人才培养模式，拥有一支高水准的师资队伍，为该专业发展奠定了雄厚基础。并先后参加亚冬会、全国冬运会、世界大冬会开闭幕式的表演，得到国家体育总局、教育部、省教育厅主管部门的嘉奖。（见表2），但均体现了体育院校开设体育艺术类专业，培养体育艺术人才“体育”与“艺术”兼容与融合的理念与初衷。
然而，在体育艺术人才的实际培养环节，如何实现体育与艺术的功能并行与元素渗透，仍是体育艺术发展迫切需要解决的问题。
根据哈尔滨体育学院总体发展战略，准确定位专业建设目标、人才培养目标，走“体艺兼容，冰陆结合”的特色发展道路。即：把培养具有冰陆能舞、体艺兼容、北方社会需求的创新性人才为核心，以专业建设为重点，师资队伍的建设为基础，以教学训练为主体，以科研做支撑，不断地保持高水平的教育教学质量。培养厚基础、宽口径、强能力、重创新，具有较高的体育、艺术实践能力的专门性人才，以满足社会对体育艺术人才需求的多样化发展趋势，在学院以建设“国内一流、国际有影响力的冰雪强校”目标大环境的熏陶下，培养出的应用型特色人才。
1.3课程设置现状分析
综观部分院校的主干课程设置，基本为舞蹈基础理论与实践和中国舞、健美操、体育舞蹈、啦啦操等项目理论与实践的有机结合（见表3）。在舞蹈基础理论与实践的熏陶中，使体育项目更加具有艺术特点。
哈尔滨体育学院对体育艺术表演专业的课程设置、学时、学分、主干学科、核心课程、教学实践环节等都进行了详尽、准确的修订。如图2所示：公共必修课程528学时占总学时的21.43%，专业基础课程264学时占总学时的10.72%，专业课程1256学时占总学时的50.98%，选修课程320学时占总学时的12.99%等，现在专业课程中增加专业必修课程即冰上课程、雪上课程，每周保证4学时的教学，18周，计划并实施两年的教学安排，学时占到总学时数的12%以上，从计划上可以看出对与冰雪专业结合的重视。通过一系列的教学改革，突出了体育与艺术舞蹈、表演的融合，另一方面，还依靠了哈尔滨体育学院优越的资源地理优势，使得体育艺术表演专业的人才能够更加与社会需求对接，体现陆上能够跳的好，冰雪上舞的更好，达到青出于蓝胜于蓝的北方体育艺术专业的特色。
1.4师资队伍现状分析
体育艺术人才的培养、相关课程的设置与讲授，需要较多的有能力、有见识、有水平的艺术类专业教师加入进来。以上海体育学院为例，教研室现有专业教师10名。其中，教授1人、副教授2人，均为硕士生导师；讲师及以下职称的7人。另外，具有硕士学位的教师4人，在读硕士学位研究生3人。教师分别来自上海体育学院、广州体育学院、北京舞蹈学院、香港演艺学院、中国艺术研究院、上海戏剧学院等知名体育院校和艺术院校。而天津体育学院经过十多年的建设，打造了一支包括国家一级演员、享受国务院特殊津贴的舞蹈艺术家、博士、教授、天津市优秀教师、德艺双馨青年舞蹈家、天津市新突击手、援外专家等在内的，职称与学历结构合理、学缘丰富、突出实践的专业师资队伍。更多的艺术类专业教师、演员、编导走进体育院校，加速了体育与艺术的兼容与融合。
哈尔滨体育艺术表演专业师资队伍的职称结构目前专兼职教师24人，其中教授5人；副教授5人；讲师8人；助教6人（见图3）。
其中，国际级裁判7人，国家级裁判6人，健美操世界冠军1人。46～55岁有6人；36～45岁5人；35岁以下14人（见图4）。总体来看，哈尔滨体育学院体育艺术专业教师年龄结构趋于年轻化，但专兼职教师都具有很强的业务能力。
2体育艺术表演人才培养的发展路径分析
2.1重视课程内容的改革
以“表、教、编、赛”能力培养为主线，系统传授专业理论知识，掌握专业技术技能。专业技术课以“必须”和“够用”为度，使内容少而精，专业理论课采取系统化和综合化，使知识结构宽泛而实用，以满足培养目标的要求。
2.2加强师资队伍的建设
目前，体育艺术专业的教师大多在自己专业的领域上都较为突出，但是目前是一个融合的趋势，这就为教师的教学水平、技能等提出了一个严峻的问题，一旦超出自己专业领域或是涉及相关专业的知识技能，教师就捉襟见肘，阻碍教学及参赛作品水平的提高，那么如何能在加强自己专业水平的同时还能够涉猎广泛相关专业的理论、实践知识及技能，就要求广大的教师拓宽视野，不断吸取并掌握相关专业的知识技能，做到专业的融合。
青年教师大多具有硕士及以上学位，完成了最初的专业的定型与转型，要求教师要掌握牢固的艺术理论和实践素质，所以要坚持加快对高层次人才和急缺专业人才、学科教师引进步伐；坚持在职培养和引进并举；走出去，请进来；加强内外信息交流合作，构建优势理论实践体育艺术平台。
2.3加强评价体系的建设
2.3.1学生评价体育学院多数课程的学生评价是在学期期末的理论考试、术科理论与实践技能考试，体育艺术人才培养要打破这种传统的评价体系，构建更加生动活泼，符合专业特点的学生评价方式。哈尔滨体育学院体育艺术系在每个学期的期末都安排了作品汇报演出、即时命题作品，以及学期的参赛作品、获奖成品以及社会实践成果等（见表4）。
2.3.2师资评价在以往的教师评价，如职称评价等，大多局限在课堂教学，论文数量，科研等，在此基础上要以学生的能力来检验教学的有效性。体育艺术专业师资的评价，要评定每学期汇报作品的内容质量，是否具有创新性，参赛作品是否取得优异的成绩，以及在行业间的作品分量都要纳入教师的评聘的硬件指标，这样就促进教师不断的加强提高自身的素质，促进人才的不断提高。哈尔滨体育学院体育艺术专业的教师每学期完成冰上和学生各32学时的辅修课程，并能够达到中等的程度，在完成至少两学期的学习后，由学院专家进行考核，增强青年教师的教学编、导、演、教学、科研的外延领域，真正的为走具有北方特色道路的专业建设在软件上提升实力。个人能力的不断加强，增强理论艺术水平，集教学能力，个人技术能力以及编排能力于一体，打造出具有超强能力带队的高水平的教学团队，为专业的发展打下坚实的基础。
2.4加强网络平台的建设
体育艺术专业应该搭建教学互联网教学平台，开设的每一项教学内容，从教师信息、行业影响、教学大纲、课程描述、电子教案、课程录像、历史严格、课程规划、学期作品，以及获奖成品，不断更新问题答疑，各种竞赛计划等，促进教师与教师、学生与教师、学生与学生的相互促进，互补长短，做到资源共享，共同进步。每名教师及学生都设有自己的访问号码，可以随时根据自己的实际情况进行网上选择自己需要的课程，在线进行课外修课，教师也可以根据自己的需求修学其它专业，包括相关专业等的课程，为自己的教学、参赛等加重砝码。每学期要求教师定期更新自己的网页，时时刻刻引导教学。
2.5加强专项融合的建设
体育艺术表演包含多个专项，如体育舞蹈、健美操、艺术体操、啦啦操、中国舞，现在哈尔滨体育学院开设了具有北方特色的冰上舞蹈，各个项目之前的培养都强调掌握自身的专业理论知识、专业技术技能，并具有较强的实践能力，即通常所说本专项的编、教、演出等，能在各级各类社会所需部门胜任工作，但是社会是不断向前发展的，要求提供的人才不拘一格的人才，社会各级各类表演团体、表演性组织、学校、健身俱乐部等单位从事表演、教学与训练编导工作的复合型人才。因此，体育艺术表演专业的建设就不能够局限在单一项目的孤立、盲目的发展上，要博采相关专项的所长，深入发展，与社会需求对接。哈尔滨体育学院在参加第二届“金鹤”杯东北地区电视舞蹈大赛的原创作品《寻梦》，就是一种融合艺术表演专业多元素的综合体现，得到中国舞蹈家协会、教育主管部门以及社会多方的认可，获得金奖，为今后的专业建设打下基础，这就是哈尔滨体育学院进行以专业融合为根本的体现。
2.6拓宽“特色”发展的路径
体育院校的艺术类专业与艺术院校的艺术类专业既有共性又相区别，体育院校的艺术类专业要想不被艺术院校的艺术类专业所吞噬，必须拓宽“特色”发展路径。体育艺术专业在哈尔滨体育学院是新兴重点专业，由于地处北方，有着优越的地理资源优势，是全国冰雪运动的重点院校。这就为体育艺术专业与冰雪专业的结合创造了条件，为打造具有北方特色的体育艺术专业奠定了基础。哈尔滨体育学院体育艺术专业将抓住时机，坚持走“冰、陆、雪”结合的创新道路，新的历史条件下培养出具有创新性、实用性、适应社会需求的复合型体育艺术表演人才。
第9篇：表演艺术专业课程范文
【关键词】设计基础 生命力 设计教学
我国高校艺术设计专业课程至今仍采用单一、传统的单元制课堂教学模式，其特点为：课程与课程之间泾渭分明，学生必须在限定时间内学完一门专业课程的所有知识点，并完成作业；教师必须在限定时间内提交教学成果。长期以来沿用的这种教学模式，导致了一些教师为了追求教学效果而忽视学生是否真正消化和掌握了知识的弊病。
针对以上教学模式的缺陷，以学生在一年级基础阶段能够拥有理想的学习氛围，建立良好的学习习惯，打下扎实的专业基础为目的，2013年9月，中国美术学院设计基础部教授郑美京提出将工作室教学模式引入基础教学中。以两个班级组成一个工作室进行教学探索和实践，由三名教师为主导师负责这两个专业班的教学，打通教学课程，延长每门课程的教学周期，增加Workshop的教学形式，使专业知识的教授更加丰富，学生亦能轻松愉快地学习。
这一创新性的教学改革获得了学院的肯定与支持，笔者参与了穿插在常态教学中的两次实验性教学，并对Workshop的教学过程作了详细的记录，通过这种国际教学交流和自身教学改革实践教学相长。
2013年10月，巴黎高等装饰艺术学院纺织品设计系主任Steen Halbro与郑美京在工作室进行了第一次Workshop，以“秩序与非秩序”为教学主题进行了色彩教学。这次工作坊为期一周，时间安排在素描课程和考察课程之后，教学内容沿用了素描课和考察课程中对上海的观察与记录，把学生混合平均分配成A、B两个小组，每小组32人，先后分别完成两个学习任务：长卷绘画作品和40x40cm独立绘画作品，最终再把40x40cm的画面进行“非秩序”重组。
工作坊第一阶段是长卷绘画，意图是让学生比较放松地把对上海的印象画出来，所以选择了尺寸比较大的画纸。这一方法很有效，学生们用了很短的时间就绘制完长卷。之后在长卷上用裁好取景框的白卡纸重新构图，在每位学生的画面处重构出四张40x40cm的色彩作品。
工作第二阶段让每位学生根据回忆，创作40x40cm独立绘画作品，一幅黑白，一幅彩色。创作之后，Steen Halbr让学生用三种“非秩序”方式把黑白稿“破坏、重组”，分别是：第一把黑白稿撕成条状后平行摆放在色彩稿上面；第二黑白稿撕成块状，分散放在色彩稿上面；第三把黑白稿和色彩稿都撕成条状，编织起来。通过这三种方法重组后，再用裁好正方形或圆形取景框的白卡取景，并拍摄下来，获得更多的色彩作品。
课程中的“非秩序”是打破原有的规律秩序，去意外发现一些新东西，找到新的学习方法和表达方式，引导学生打破原有的条条框框，找到一种创作上的自由。这次Workshop提供了更宽泛的教学思路和更多的学习方法，在“秩序”和“非秩序”的转化变幻中，体验绘画的自由度和生命力。
2014年3月25日，Steen Halbro再次来到工作室，同行的还有两位法国表演艺术家，进行了一次特殊的跨专业的合作实验教学，以“工具和工具箱”为主题，开展了素描和三维教学，为期10天。这次Workshop给工作室带来了一种非常有生命力的教学理念与方法。设计师和表演艺术家的合作也产生了非常独特的教学效果。
工作坊第一阶段是素描的观察与记录。通过观察把对象记录下来，关系到对象的形态、材质和其他各方面的情况。当然在工具静止的时候，还谈不上有生命，所以教师给出的要求是画一张工具静止时的速写和一张工具使用时动态的速写。中国学生写生的造型能力普遍较强，教师做了一些训练，启发学生进入状态。比如画一个工具之前先去感受、触摸，只有这样才能有自己的感受去表现。之后教师给学生快速练习的要求，如限定几分钟时间去画、闭眼睛去画、不看对象默画等，都是希望学生的画里能出现与素描写生时不一样的线条。这个阶段，教师的要求是大胆地画，细致地看。同类型的工具之间存在很大的区别，如锯子有粗加工和精加工时使用的不同种锯子，这种细致的分析也是必要的，观察手中的工具每个部分的细节很重要。造型、材质等要素，都在观察阶段解决。
在表现对象材质的时候，学生通常只用比较熟悉的工具――铅笔。其实在表现对象质感的时候，需要动很多脑筋，用什么工具表现？如何运用工具准确表现？在表现工具特征时，学生往往不能很投入地去感受工具的材质特征，理解对象各个不同部位的材质特征。在工具运动时，工具的不同部分还会发生变化，也许原本看似最强硬的部分会转成为最柔软的部分，这时画面就应该有人为注入的一种情感。这种情感也是非常不同的，有时安静，有时猛烈。每个工具的不同部分通常是由不同材质制造的，有的是由工具的功能决定的；有的则要考虑安全的因素采用木质或橡胶的材料，起到缓冲、保护的功能。不同的材质就需要仔细考虑用什么方式、如何去表现，不能简单地混为一谈。在用同一种工具表现时，应该考虑到手的动态以及发自内心的感受。同样一种工具也可以表现出硬朗和柔软两种不同质感的。这种对材质的感受，对学生今后成为一名设计师来说也是十分重要的。从记录、绘画时就有细腻的考虑也是一种设计师思维的养成。这一阶段素描的要求就比上学期的素描课上除了观察、构图、表现的要求更加细腻，更强调一张素描作品中的灵魂。光是画面画得漂亮，但是缺少自我表达的方式是不可取的。
第二阶段是从空间去考虑问题。教师给出了让工具在大空间、小空间，或者在空间中规律排列或者在空间中无序排列几组不同要求。第一组画一种工具以一种秩序排列，以及一种工具以无序状态排列，排列方式可以是重复、渐变等。这里讲的排列可以是一排也可以是很多排，可以画正面，也可以画有角度的。只有在尝试的过程中才能发现新的效果。例如，像仪仗队一样排列是间距完全相等的，列队的间距如果太大就会减弱力量感和威胁性。第二组画一个在大立方体里的工具和一个在小立方体里的工具，要求体现工具的状态。第三组在立方体里面放置数量更多的这种工具，像下班高峰时地铁里的拥挤人群一样，表现这个群体，表达出工具的个性，有拟人化的表现。在这组训练里面可以看出，教师要求素描不是要画得像，重要的是个人的表达。时代变了，造型能力是重要的，但个性更加重要。工具箱中的工具有体量很大的榔头，有体量很小的螺丝钉，但工具都有各自的特征，学生要考虑如何在创作中利用这些特征。教师所设定的要求正是要求素描要有生命力、有灵魂，一个艺术家一个设计师在做作品的时候，自己本身没有活力和生命力，是无法让画面有生命力的。
第三阶段涉及了三维立体造型。四人一组，每组分到一只纸箱，把这只纸箱的内部作为舞台。要求在这个舞台上表演关于工具的故事。用工具组织出一个故事的画面。画面本身是静止的，可以通过灯光的变化使画面活动起来。
每组要求团队合作，首先确定主题，如表现战场厮杀、红毯走秀、海洋世界等。然后根据主题去创作工具所扮演的角色，想象故事的主要情节，自选材料，根据要表现的主题装修纸箱内的界面，考虑纸箱四面的材质、色彩，以及打开和合拢的部分。考虑灯光的位置、强度，并尽可能地隐藏起来。物体也要采用隐藏固定的方法（鱼线等），要求做工精巧。小组成员分工，一人负责布景，一人负责工具的动作，一人负责打灯光，一人负责拍照，合作记录整个过程。组织舞台布景、确定角色、拍定格照片、表现角色动态、配乐（可以自选音乐，也可以用工具发出合适情节的节奏），这些对学生来说都是十分新鲜的事情。从平面地表现对象到三维立体地表现对象跨越很大，这些都突破了原有的思维模式，对想象力、动手能力、材料的运用等方面的要求都很高。虽然这些内容学生都是第一次接触，但在法国教师的带领下，学生们很快都领悟了要点。在最后一天的结课展演中各个小组都完成了动态演示，其中也不乏精彩的亮点。在整个Workshop过程中，法国艺术家还把肢体语言的训练带入了课堂，每天课程的前半小时，把学生带到户外进行肢体语言的练习，这种训练把欢笑带进了课堂，学生的激情与活力也被激发出来，课堂上充满了愉快的气氛。
这次跨专业的合作教学实验工坊让学生们了解了另一种学习状态。习惯从范画、参考教材中揣摩教师意图的学生从茫然不适到渐入佳境，经历了一个巨大的思想转变过程，受益匪浅。也许十天的课程对于学生来说未必能马上消化，真正理解，但是这样的课程已经种下了未来的种子。Workshop虽然结束了，但是工作室其他的课程还将延续“工具与工具箱”这个主题继续发展。
结语
学院开设工作室的初衷是要围绕大纲，设想在一学年中能把素描、色彩、二维、三维这些课程打通来上。通过两次Workshop，灵活的主题训练很好地让这些课程融会贯通来起作用，并围绕这些主题做了铺垫和继续深化的教学安排。在整个教学过程中也根据学生的接受程度不断地进行微调。
工作室制的这种教学改革还在探索和实践中，导师工作室制教学是一种新鲜血液，教师与学生紧密捆绑。责任教学，有利于工作室制成为教学和研究个案，从国际的视野出发制定教学理念，调整课程结构也对教师们提出了更高的要求。
