视觉艺术文化研究精选(九篇)

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第1篇：视觉艺术文化研究范文

关键词：视觉艺术 单一思维 系统化 创新性

早在史前时代，人类就用图像模拟和创造自然世界，今天视觉艺术已经成为人们传达文化信息的重要系统，是人文科学的新领域并占据着重要的地位，当代文化理论更称之为“图像的转换”。忽略了视觉艺术发展的有机整体必然造成文化的断层。到目前为止，对视觉艺术并没有一个完全合理的概念解释，一般是指人们将眼睛所看到的自然形象，进行有意识的描绘，完成某种功用，赋予艺术作品一种文化内涵，并通过不同的载体传播与交流思想。视觉艺术的形式有很多，主要有以下几大类：绘画、影视、雕塑、服装、广告、摄影、动漫、建筑、多媒体艺术等。视觉艺术教育已经成为重要的专业教育组成部分。视觉艺术研究方法直接决定着其教育的科学性。本文将分析我国视觉艺术研究存在的主要问题，并提出一些对策建议。

一、我国视觉艺术教育研究存在的主要问题

1.我国视觉艺术教育研究存在单一思维模式

我国早期的视觉艺术是在一个与外界相对隔离的半封闭环境中形成的，带有农耕经济特征和血缘宗法制度，是儒、释、道等不同文化形态相互融合的自发性独立文化体系。今天我国的视觉艺术产品随着经济形势的发展异常繁荣，视觉艺术研究却一直未受到应有的重视（其中还包括基础文化艺术设施的建设，如艺术博物馆、大学视觉艺术的学科建设），这既不符合社会发展规律，也难以推动文化艺术的整体健康发展。

例如，目前我国的绘画艺术研究就是一种典型的单一思维。由于我国的绘画艺术拥有传承数千载的历史背景并有人数众多的从业者，这造就了许多单一范围内（中国）根深蒂固的思维模式，违背了艺术的多样发展规律。学校的绘画教育甚至还停留在简单的基础训练和理论研究中，特别是我国油画的百年发展史，在缺乏对“真实”的学习和“文化断层”双重因素影响下，其功能性正逐渐丧失。

2.我国视觉艺术教育研究缺乏系统化

随着经济的快速发展，我国视觉艺术研究亟待与世界接轨。尽管有更多机会学习西方视觉艺术的先进经验，但目前有些人研究方法简单，不是拿来直接抄袭就是东拼西凑。主要原因是研究者在对视觉艺术学科间的比较研究中缺乏应有的联系，没有融会贯通，没有系统了解中西方视觉艺术及各种流派的变化，忽视系统的美学知识理论指导，而进行盲目的实践。长此以往，研究逐渐就会陷入尴尬的境地，没有自己的创新性和民族特点。

通过对我们本民族的视觉艺术与国外视觉艺术的研究可以发现，由于地域、民俗和的差别，在传统视觉艺术上存在明显的不同之处。缺乏系统化也表现在我国视觉艺术研究专著贫乏，难以在教育研究中起到指导借鉴作用。系统化研究就需要理顺视觉艺术发展的脉络，细致入微地从视觉艺术的绘画、图案、包装、招贴等方面比较研究中外在传统视觉艺术方面的不同之处，提高研究者的创作能力。

3.我国视觉艺术教育研究需要创新性的思维方法

视觉艺术的发展源自于人类无限的创造活力。长期的单一思维和缺乏系统化的研究方法从根本上阻碍了创造力的发挥，束缚了想象力的培养，其中包括创新性的思辩能力。因为创新性的观点来源于最少程度的思想限制和对课题的系统把握，有了丰富知识的指引，才能创新样式，保持视觉艺术发展的活力，并能指引健康的文化艺术发展方向。比如基础教育中强化构成艺术中的形式语言，而形式语言的图像符号就需要学生作为创新点展开无限想象的空间。视觉艺术的创新性思维方式的培养应当成为今后的首要教学目的。

二、我国视觉艺术研究误区及解决策略

视觉艺术的繁荣程度是一个国家经济繁荣的重要标志之一，而研究方法的科学程度从根本上又决定了视觉艺术的发展方向。我国薄弱的艺术教育力量和视觉艺术的历史经验无法适应视觉艺术研究发展的需求，一些行政干预也违背了市场规律。要解决思维单一化，前提是加强视觉艺术的基础教育，重视视觉艺术发展的文化地位，特别要排除行政思维等非专业性干预。

我国在视觉艺术研究中从根本上缺少跨学科、系统化的研究方向。目前在我国绘画艺术加速弥补文化断层的基础上，设计似乎也开始逐渐建立自身完整的研究体系，这主要得益于国际商业交流的频繁，促进了跨学科、系统化的进程。但视觉艺术设计较绘画似乎更加忽视自身艺术史的研究，对国外艺术史也存在断章取义，这必将使我国的视觉设计发展成为无源之水、无本之木。比如研究传统图案在包装上的应用，思维不能仅限于传统图案，若将当代文化内涵和中外传统图案设计元素联系起来，发现共同点，去掉不适合现代社会的因素，效果会更好。不同设计能够体现不同国度的风俗变化，扩展品牌的国际声誉，视觉设计更能达到出奇制胜的目的。系统化提示我们在设计中不仅要考虑功能性、装饰性，还可以从其他不同艺术形式中寻找装饰语言。要很好地运用形式美的要素，把不同的表现形式运用在同一平面上，使之协调整合成为一个完善的创意。因为形式要素中点、线、面的运用一定是相通的。当然，由于时代的不同，艺术风格也要相应变化，要考虑地域、风俗习惯、民族性、等各种条件，并且涉及到社会学、心理学、宗教学、民俗学等多学科的知识，使之融会贯通，更加系统化，成为雅俗共赏的设计样式。这样才能设计出有创新性、国际性的大品牌产品，为产品走向世界奠定基础。

创新性依赖于完善的创作思路，而提升创新性的关键在于解放思想、深入探索，挖掘创作者的潜力。这也迫使我们的视觉艺术教育研究进入这一良性循环轨道。

结语

本文主要是探究我国当下视觉艺术教育研究的一般思维方法误区，从视觉艺术的图案、包装等应用方面及绘画艺术实例，比较分析我国在视觉艺术研究方面的不足，从中找到今后需要改进、提高的地方。研究时避免单一化，追求多元化、跨学科的思维方式；将知识整合，汲取中国传统艺术的精华，创造出更接近自然、更人性化的视觉艺术作品；学习国外的视觉艺术创新性方法，在借鉴之后提倡更富新意的创作。因此，研究者要能跨学科，互相取长补短、融会贯通，推动我国视觉艺术走积极健康的发展之路。

参考文献：

[1]鲁道夫・阿恩海姆.艺术与视知觉[M].成都：四川人民出版社，2001.

[2]伯尼斯・马丁.当代社会与文化艺术[M].成都：四川人民出版社，2000.

第2篇：视觉艺术文化研究范文

 

视觉艺术是采用一定的物质材料，塑造可供人观看的直观艺术形象的造型语言。其艺术形式既包括二维的平面作品、三维的雕塑、建筑艺术、环境艺术等静态、固体艺术，也包括动态的影视艺术、“动漫”艺术等综合性较强的艺术。 视觉艺术是眼睛看的到、或用手摸的到的艺术，强调作品的真实性。“走出去”战略研究是针对我国的国情设定的方针政策。最早在2000年10月党的十五届五中全会第一次明确提出要实施“走出去”战略，随后该战略渗透、融入到不同的专业文化领域，中国文化“走出去”成为增强中国文化“软实力”的发展战略，作为中国文化创意产业的重要内容，视觉艺术“走出去”是“中国走出去战略”发展的重要环节。而“学校教育”成为中国的视觉艺术“走出去”的重要策略与途径。

 

1校、政、企联合使中国传统视觉艺术教育走出去

 

视觉艺术教育要立足于民间、立足于中国传统艺术，使中国传统视觉艺术、民间艺术走出去。可以采用学校、政府、企业、个人联合的方式，使中国传统视觉艺术走出去。政府要加大对传统艺术、民间艺术教育的扶持力度，从体制、观念上解除制约文化发展的枷锁，充分挖掘中国民间、传统文化、艺术的发展潜力，提高高等院校对中国传统文化艺术宣传教育的积极性，让学生熟悉、了解、并能传承中国的传统艺术、民间艺术，让中国传统艺术、民间视觉艺术在国际竞争中充分释放能量。比如，中国传统手工艺品藁城宫灯是中国民间艺术“走出去”的典型代表，它经过现代工艺改良发展而形成现代化规模，以造型优美、易于保存等特点驰名中外。然后，也有许多特色的中国传统民间艺术正在日益消失。如随着机械化发展，农村玉米、小麦都采用联合收割方式，玉米皮、小麦秸被机器打碎、破坏，某种程度上影响着中国民间视觉艺术草编艺术的传承。相关政府部门可以通过对该类民间艺术的扶持力度，加大资金投入，从而使更多百姓愿意收集这些生态素材，进行艺术创作，政府通过与高校、农村地区的群众合作，使中国传统文化得以传承。校方可以和政府一道深入民间艺术浓厚的区域进行考察、学习、实践，来加强学生对民间视觉艺术的意识，激发学生对中国特色民间艺术学习的热情，促进中国特色的视觉艺术走向世界。教育单位可以放开学校教师的用人条件，聘请民间艺人走入学校，进行传统文化的弘扬。视觉艺术课堂融入传统文化内容，开设传统文化、传统艺术与实际应用对接的专业课程。把具有民族特色的企业、专家请进校园，为视觉艺术注入新血液。

 

另外，视觉艺术教育要走向市场，通过校企合作，与企业零距离对接，让视觉艺术学生直观的、从三维角度来理解视觉艺术，视觉艺术教育通过实战课题设计项目来提高学生的操作能力，以而促进中国视觉艺术教育水平的整体提高。

 

2艺术与数字媒体技术的融合教育

 

对数字化艺术传播的研究成为视觉艺术研究的新领域，也是薄弱空白领域。将现代新媒体等高等科技手段应用于艺术创作，融入视觉艺术课堂，把艺术与计算机软件、数码电子技术、新材料工艺结合，是中国视觉艺术“走出去”、可持续发展的重要手段。在视觉艺术创作中，为达到某种视觉艺术效果，需要一定的知识经验、方法技能。而中国视觉艺术教育最初以手绘、手工课形式进入的中国高等学校。随着信息化、数字化科技的发展，艺术与科技密切结合，视觉艺术开始走向数字化。如现在的许多平面设计作品都走向了数字化、以立体化、四维形式表现于影视、网络媒体中，如百事可乐标志由原来平面化、太极图上下均衡的构图形式，进行了方向、位置大小、面积的变化，以适合于网络媒体广告中的应用。传统艺术的创作、传承方式在数字艺术领域的影响下也不断“更新”、“升级”，传统艺术不断“吸纳”数字化的新营养，如隶属非物质文化遗产剪纸、皮影的视觉艺术现在已经以影视、动画形式表现在公益广告设计作品中。如中央电视台的《文明中国礼》就是皮影作品在数字媒体技术中应用的典型代表。还有中国传统水墨元素引入动画、广告作品，表现出虚实变幻、轻盈优雅的中国意境美。如《山水情》影片，采用画家现场作画、摄影师现场拍摄、动画镜头手法结合，制作出格调清新、洒脱、飘逸的作品，把中国传统视觉艺术推向新境界。“伟大复兴的中华梦”——中华民族文艺复兴、中华传统视觉艺术要自然融入中国视觉艺术教育课堂中。新媒体、新技术与艺术的融合发展需要教育者不断拓新教育理念、更新教育方式，以使受教育者创作出“别具一格”的作品;也可以通过创建中国新媒体视觉艺术学科，促进推进文化资源的发展、传播，推进我国视觉艺术的民族特色、推进我国优秀文化资源的发展。使中国传统艺术、非物质文化遗产等视觉艺术走出国门。

 

3中外合作教学模式

 

我国视觉艺术要“走出去”，走向国际化，视觉艺术教育就需要构建国际化的视觉艺术培养新模式，以满足社会需求，以使中国视觉艺术人才更具有国际化的适应能力、社会服务能力、创新能力。通过采用中外合作办学的方式，加强中外视觉艺术教育发展的步伐，加强对外交流，促进中国视觉艺术的发展。我国知名艺术类学校相继采用中外合作办学方式。如山东工艺美术学院成立了国际处，充分利用学校优质国际教育资源，提高学校专业水平，为教师和学生搭建了国际交流与合作的平台;上海工艺美术职业学院与芬兰、美国、日本、英国、丹麦等多国学校合作、交流，向学生传播国际领先设计理念，为更好的探寻传承中国传统视觉艺术、发展跟新现代视觉艺术，邀请国际优秀专家来学校讲课，传播国际前沿的视觉艺术信息资料，丰富教学内容方法，与国际视觉艺术接轨，以促进国际化创新人才培养模式的构建。学习国外先进艺术设计人才培育的教学方法，以创新教育理念、优化视觉艺术教育的国际竞争力。而在经济发展相对落后的地区，中外合作教学模式才刚刚起步，主要在本科院校涉及，如河北科技大学开始与韩国诚信女子大学合作，确立“服装与服饰设计”专接本科项目合租，与韩国祥明大学工业设计工程合作项目。而在多所高职院校的视觉艺术专业的中外合作办学方式有待进一步拓展，以促进我国视觉艺术教育更好的全面“走出去”。

 

4教学方法走出去

 

视觉艺术设计教育者要博采众长，采用通识教育方法，使视觉艺术教育方法“走出去”，提高教育综合能力。视觉艺术教育者要打破传统教学方式，采用新的数字媒体方式、角色互换等方式来提高学生理论学习积极性。国家高度重视高等教育的发展与资金投入，很多学校都建立的视觉艺术工作室，但是利用率还不是很高，高校教育者要充分把工作室利用起来，以工作室为手段，以三维的事物、产品的形式展现出来，增强师生的感知、认知能力，从多方面、多角度感知、学习视觉艺术。许多艺术设计专家、教育者，只搞艺术创作、只考虑如何把画画好，如何把设计作品创作好，却从不考虑如何把所学知识、设计本领传授给学生，如何启发、引导学生创作，他们认为课改、教研只是纸上谈兵，不关心教学，对教学不感兴趣。不少教师不给学生讲授视觉艺术设计表现方法，只把实践任务布置给学生让学生闭门造车。如此，中国艺术设计学生的视野会很局限，其职业道德观念也会受影响，制约学生的创作、创新等综合能力，视觉艺术设计教育发展，走出国门，无从谈起。

 

总之，中国视觉艺术教育要“走出去”，依靠政府的大力扶持，需要设计企业的积极参与、配合，教育者要不断更新教育观念，采用国际化的设计教育理念，学习并利用先进数字媒体进行教学，在全国综合性大中专院校普及中外合作办学方针，教育者认真研究、执行新的视觉艺术教育方法，使中国视觉艺术教育走出去。

 

作者：王海燕 王亚全 来源：科技资讯

第3篇：视觉艺术文化研究范文

关键词：城市数字媒体；视觉艺术；创新策略

一、视觉艺术综述

视觉艺术，指的是用一定的物质材料，塑造出可以供人们观赏的直观艺术形象的造型艺术，它主要包括绘画、建筑艺术、雕塑、影视、工艺品和实用装饰艺术等类别。视觉艺术的造型手法多种多样，其所表现出来的艺术形象不仅包括二维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式，而且还包括一些动态的影视视觉艺术等形式。视觉艺术和听觉艺术之间有非常明显的差异性，它是看得见、摸得着的艺术形式，强调作品的真实性。雕塑艺术、摄影艺术、绘画艺术、服装艺术等都是传统的视觉艺术，动漫艺术、环境艺术和影视艺术则是新兴起的视觉艺术形式。

二、城市数字媒体语境下的视觉艺术创新

（一）数字媒体语境下的视觉艺术特点

艺术的发展是需要创新思维的，而数字技术是视觉艺术创新的重要手段和方式。数字技术的发展也在逐渐影响着现代视觉艺术的动态过程，创新元素体现在视觉艺术发展的方方面面。利用数字媒体，视觉艺术从业人员可以积极借鉴和吸取先进地区和同行业在艺术创新方面的宝贵经验，利用先进的创作工具和新的材料，尝试创造新的视觉艺术。新媒体艺术是在数字技术和艺术设计完美融合的基础上产生的。视觉艺术的创新主要表现在视觉上的创新，注重新视觉的艺术表现方法的运用，让视觉艺术的内涵朝着视觉传播和艺术消费方面延伸，使视觉艺术的理论更为成熟和丰富。例如，电影的视觉艺术设计是人们利用光效媒介的产物，把抽象的事物形象化，展现在荧屏中，使人们对视觉艺术的观念发生了变化，认识更加深刻。然而技术不是艺术创新的目的，而只是视觉艺术创新的手段或方法，艺术创新的好坏取决于利用视觉艺术创新手段的科学性和合理性。这对于视觉艺术从业人员来说，是一种挑战。作为视觉艺术工作者，要注重思考事物的本质，通过独特的视角来推动艺术的发展，增加艺术的功用和娱乐性质。

（二）数字媒体语境下的视觉艺术传播

在数字媒体时代飞速发展的当下，视觉艺术主要通过视觉潜移默化地影响着人们。与社会生活中其它的传媒工具相比，这种媒体介质具有更加强烈的表现力，它在社会发展和传播过程中，通过形式各异的手段传播着，视觉传播艺术的主要内容和形式是视觉艺术形成中两个重要的构成要素。与以往的视觉传播艺术相比较，新的社会环境下的数字传播艺术更加鲜明地传达出传播学的专业性。从详细分析来看，在科技和数字媒体飞速发展的社会中，视觉传播通过数字技术、专业设备等不同形式的传播手段进行信息传播。当代社会发展环境下的数字媒体技术在发展过程中还必须有着新媒体飞速发展中所独有的“新”和“媒介”的专业特性，在其不断传播的过程中，它所承载的媒体技术更加形象具体。动态的数字媒体技术在社会发展中往往更加形象具体，通过网络计算机作为传播技术的动态媒体，相关从业人员便可以通过网络技术进行便捷的资料搜集和艺术创作。同时可以通过新型的专业技术，将视觉艺术表现得更加淋漓尽致。在数字媒体飞速发展的过程中，它同样为人们带来了新的思考，通过数字技术、新兴媒体去传达出新媒体发展中丰富多变的行业特性，同时激发艺术创作者创造形式各异的艺术作品。

三、数字媒体语境下视觉艺术创新的表现

（一）视觉艺术的创新是科学技术与艺术的完美结合

科学技术与技术的结合，是实现数字媒体艺术可持续发展的根本动力。随着电子计算机技术和互联网的快速发展和普及，很多领域都陆续引进了新的科学技术和手段，并且收到了较好的效果。对于视觉艺术而言，互联网的发展和远程传输、传播技术的应用给艺术创新提供了一个新平台。在网络等传播媒体的作用下，新媒体艺术可以更好地实现人与人之间的人性沟通，视觉艺术的风格和特色也更加彰显自然、传统和人性。随着社会生活节奏的加快，数字媒体语境下的视觉艺术创新速度也在不断提高，已经成为信息化时代背景下艺术文化中的一朵奇葩。

（二）虚拟艺术的创新成为主流

数字媒体语境下的虚拟艺术已经打破了传统的艺术形式，不再局限于对事物的简单复制和模仿，转而更加重视艺术意境的构建，希望向人们提供更加直观、形象、多维的视觉体验。视觉艺术中的虚拟意境指的是创作者通过发挥联想和想象，利用一定的技术手段，在二维或三维空间中把幻想的世界转变成内心事物，然后再通过对虚拟时空的重现进一步实现人为时空的构建。

（三）视觉艺术创新以高新技术为载体

视觉艺术自诞生以来，经历了几个不同的发展时期，已经取得了比较显著的成效，尤其是在数字媒体语境下，建立在高新技术基础上的视觉艺术显示出了前所未有的生命力。视觉艺术的创新需要高新技术作为支持和后盾，现在的视觉艺术主要以互联网、数字技术、网络等载体作为主要传播形式，从而产生了一些比较新颖的传播方式，给人们带来更强烈的视觉冲击和震撼力。

四、城市数字媒体语境下的视觉艺术创新策略

（一）加大视觉艺术与科学的结合力度

在数字媒体飞速发展的社会背景下，人们对新型的视觉艺术有着更加强烈的需求，这是推动视觉艺术持续发展的强大动力。在以往的视觉艺术创作中，人们进行设计时更多地考虑的是对图像、文字等静态元素的总体设计，并且把它们作为传播艺术和审美的创作标准。在视觉艺术展现中并没有过多的表现形式去展现艺术之美，这便使得传统的艺术创作过分依赖图像和文字表达去传递艺术形象，并由此在传统的艺术创作中存在着不可避免地手法僵硬、表现单一的创作弊端。而在新的社会发展环境中，数字媒体技术可谓给视觉艺术创作带来了一股新鲜的血液，通过技术手段把动态的数字媒体、远程传播以及动态交流等快速融入到视觉艺术创新中，以此不断提升人们的视觉享受。在网络技术快速发展的同时，视觉艺术创作便可以更加便捷地进行艺术设计和艺术传播，使得艺术创作更加贴近社会现实，符合人们的生活需求。此外，在数字媒体的媒介传播下，人们对于视觉艺术的消费理念得到逐步改善，生活品质不断提升，这已然成为信息技术时代文化艺术发展的重要形式。动态的数字艺术形式使消费者能够欣赏更多的艺术创作，在媒体技术的传播下，视觉艺术逐步成为人们生活中不可替代的一部分。

（二）用虚拟艺术促进图像世界向视觉世界的转变

在新型的数字媒体技术飞速发展的社会环境下，传统的文字和图像已然不能满足艺术创作和信息传播的强烈需求。而注重以虚拟艺术手段为创作媒介，不断创新艺术形式，使得艺术理念不断变化更新。随着摄影技术的产生，使得艺术创作这种对于声和光有着更加广泛的创作需求日益发展，特别是电影和电视的创作。新型的视觉艺术发展使得人们的视觉享受从黑色逐步转变到白色，从无声到有声，从静态到动态。在新的技术手段下，视觉艺术对创作内容有着强烈的形式要求，通过视频化的传播形式，让视觉艺术不断满足人们多层次的文化精神发展需求。在数字技术和网络媒体飞速发展的同时，一种全新的视觉影像技术应运而生，通过电脑合成虚拟的动态影像，不断丰富艺术的传播方式。在虚拟影像的辅助下，人们逐步追求形式多变的意向世界的创作设想，通过新型的技术手段感受多维动态和艺术享受。在这一发展过程中，3D技术便成为这一时期动态艺术创作的典型代表，以立体技术创作为手段，不断发挥艺术创作的丰富想象力，通过虚拟的艺术介质传播独具特色的空间意境和视觉盛宴。

（三）推动视觉信息的跨界创新

视觉艺术创新在数字媒体的语境下，除了风格和艺术形式的创新，在艺术创作的理念方面也发生着创新，艺术风格和表现形式是创新的外在表现，而理念和思维则是创新的内在表现。在新想法的促使下，视觉信息创新就成为新的视觉艺术创新的必经之路。设计师只有用专注的精神和端正的态度去审视创意和创新设计，才能寻找到最适合的视觉信息、视觉元素，使得创新更具革命性、取代性。这就要求设计师在进行视觉艺术设计时，要关注视觉信息的背景、内涵和时代意义，看得透视觉信息背后强大的关系系统，在此基础上，充分发挥自身长处，通过思维融合和信息整合创造全新的视觉艺术形式。

五、结语

从以上对数字媒体语境下的视觉艺术的创新中，我们可以看出，时代不同，艺术的表现形式也会有所变化，并且潜移默化地影响着特定时代下的文化和艺术的发展，推动着人类社会的进步。科学技术日新月异的发展，使数字媒体新环境也被互联网和手机所取代，使视觉艺术的发展存在着前所未有的机遇，同时，挑战也是不可避免的。在城市数字媒体的语境下，视觉艺术要想健康发展，必须要在传统艺术的基础上推陈出新，摆脱传统艺术消极影响的束缚，进行艺术创新和变革，开启视觉艺术新的时代。

参考文献：

[1]丁蕾.数字媒体语境下的视觉艺术创新[D].南京艺术学院，2013.

[2]叶阳.数字媒体语境下的视觉艺术创新[J].美术教育研究，2014（07）：44.

第4篇：视觉艺术文化研究范文

《大英百科全书》中对视觉艺术中所包含、涉及的相关内容做出了界定，即视觉艺术包括二维的视觉艺术，例如素描和油画;也包括三维的视觉艺术，例如雕塑和建筑……无论怎样，所有的艺术种类都不可避免发求助于视觉的感觉，这是至关重要的。视觉艺术的概念是可以向外延伸的，且延伸的范围很广，指宏观上直接用我们的眼睛去接受、反馈的艺术。它的主要传播手段是影像。影像的形式多样，可分为动态图像和静态图像;立体图像和平面图像。因此，从严格意义上来讲，摄影、书法、绘画、雕刻、平面广告、设计与建筑等都可以定义为视觉艺术。李格尔曾经在《罗马晚期的工艺美术》中提出，视觉艺术的表现形态应该分为具体的和抽象的两类。具体的视觉艺术形态包括雕刻和绘画;抽象的视觉艺术形态主要是指工艺和建筑。视觉艺术是对历史文化、人类的生活情境和心灵体验具体的形象化表现形式，它记载着艺术表现能力和视觉感官能力发展提高的历史变迁。本文主要围绕民族体育的视觉艺术传播路径进行探索。

二、民族体育的视觉艺术传播路径

1．以图片、绘画和文字为主的宣传形式传播

这种类型的传播主要是通过与宣传部门或者是文化机构配合，对大型体育盛会和体育健康活动进行宣传。其中包括民族体育题材的活动标志、宣传画册和活动口号等，大部分都是利用各类报纸、活动手册、灯箱路牌和体育场馆设施等进行宣传。图像的内容有的是以文字为主，有的是以人物为主，有的则是以运动项目为主。图像上人物形象的塑造健康向上，动作的类型大都是田径运动项目。此外，像篮球、自行车、足球等普及范围广的运动项目在视觉表达上动感强烈，也适合作为宣传画。一直以来，奥林匹克运动会在宣传方面花费时间较多，在历年的奥运会宣传画中也涌现出许多经典的艺术品。

2．以竞技比赛、影视剧目、健美表演为主的欣赏形式传播

这种类型中的图像都是动态的，且画面的动感十足，观赏性很高，视觉冲击力强，如体育运动中各种类型运动项目的竞技。很多运动项目受到人们的追捧，如世界足球杯、NBA篮球赛和奥运会等，除此之外，还有很多类似表演性质的运动项目，如龙舟比赛、舞龙、舞狮子、健美操比赛以及少数民族地区的民族体育运动项目，也是具有观赏性的。这种类型的民族体育视觉传播是即时进行的，也有网络视频、电视直播和转播的方式。

3．以3D摄像、高速摄影和科研图表为主的技术形式传播

这种类型的传播是体育科技与研究的成果展示。3D摄像技术将民族体育运动更生动、形象地展现给世人。在很多比赛中，3D影像技术的作用发挥得淋漓尽致，并且已经成为了裁判员们裁判工作的重要组成部分。高速摄影可以记录人们用肉眼看不到的瞬间动作，便于裁判判断运动员的成绩和名次，如田径比赛中运动员冲刺的瞬间。这是高速摄影在体育运动中独有的功能。在学术研究的过程中，图表的使用会使资料和数据更加直观地体现出来。设计者可以从艺术的角度，对图表的字体、色彩、布局和线条等进行精心设计。

4．以体育邮票、纪念品为主的纪念形式传播

有些民族体育文化是以收藏品和实物的形式进行传播的，其中最主要的形式就是体育邮票和纪念品。这种形式的传播具有较强的纪念意义，它会随着时间的流逝和社会的进步而更具人文价值。体育邮票不但数量大，设计水准也很高，而且使用现代先进的印刷技术，间接地展现出一个国家的体育文化精神面貌。在重大的体育赛事举办之前，相关的纪念品也会以各式各样的视觉形象出现在人们的视野中，有着非凡的意义。

5．以体育广告为主的创意形式传播

这种类型的传播以体育运动为核心内容，将人类的精神和智慧融入其中，使其更具创造性。如，体育广告主要是以体育活动、体育场馆和活动期间发放的宣传刊物作为宣传手段、传播媒体。

6．以体育绘图为主的教育形式传播

如今的时代是图像风靡的时代，越来越多的图片、视频被作为现代教学手段应用到体育教学中，丰富了教育教学资源。如，体育项目图书中的动作分解图有的是真人图解，用具体、分解的形体定格动作为学习者提供更多正确的学习内容。

三、结束语

第5篇：视觉艺术文化研究范文

关键词：文艺复兴 视觉艺术 文化走向

14世纪从意大利发源的文艺复兴运动经过了近四百年的历史蔓延至整个欧洲，在人类文明史的诸多方面都留下浓重的笔墨。在视觉艺术方面，从数量庞大的学术著作中可以发现，学者们从不同角度和层面对这一时期的绘画、雕塑、建筑等主流的视觉艺术形式进行的分析和评述，都肯定了文艺复兴时期艺术家们的艺术成就，艺术史也将这一时期的众多视觉艺术奉为经典。但除了艺术层面的研究之外，越来越多的学者开始对文艺复兴的研究转向文化的视角，并且这一研究的转向正方兴未艾。普遍的观点认为，文艺复兴以人文主义精神为引导，这一时期的艺术成就多被冠以“人的觉醒”、“表现生命的尊严”、“展现艺术家的个人风格”等与中世纪基督教精神格格不入的新名词。对于这一时期艺术造诣突飞猛进的发展多归结为当时的人文主义观念和当时的科学技术发展以及新兴资本主义经济的影响。此外，将这一时期的视觉艺术用文化研究的方法进行分析，可以搜集到零星的关于18与19世纪艺术的主题，如吉伦・伍德（GillenWood）的《现实的冲击：1760年至1860年的浪漫主义与视觉文化》、萨拉・帕森（Sara Parson）的《图像帝国：1765年至1807年的奴隶制与英国视觉文化》等，迈克尔・巴克森德尔（Michael Baxandall）的《15世纪意大利绘画与经验》可以作为这一领域的典范。

国内对文艺复兴艺术史的研究受到国外理论的影响比较大，学者们对文艺复兴时期的各种艺术形式如建筑、绘画、园林、音乐等进行的研究也是著述颇丰，人民出版社也曾出版国内众多知名学者撰写的《欧洲文艺复兴史》（包含总论卷、政治卷、经济卷、史学卷、法学卷、文学卷、艺术卷、哲学卷、宗教卷、教育卷、科学技术卷、城市与社会生活卷），这一系统且庞杂的文艺复兴史卷是国内学者们首次系统梳理和全方位阐释文艺复兴成果和历史经验的成果，其中包含了视觉艺术和其他各方面的社会文化遗产的总结，将视觉艺术放在整个当时社会大文化的背景下进行分析，总结艺术现象背后的文化基础，分析人的意识和价值观，并进行哲学的理性反思。近年来关于文化哲学的研究在国内逐渐兴起，其主张透过文化符号形式对人做总体性把握，注重研究文化符号形式与人的生存、文化的民族性、地域性特征、传播性特征、互相借鉴特征、文化与历史的关系等等。而艺术本质上可以界定为一种文化符号形式，与神话、宗教、历史、科学、语言等具有同等价值。艺术可以“启迪无知者的心灵，是帮助人们记忆和进行教育的工具”。①因此，对文艺复兴时期的绘画、雕塑、建筑、工艺美术等视觉艺术的文化哲学审视可以更好地对这一时期的文化发展轨迹做全方位的把握。

文艺复兴时期的视觉艺术主要是以14世纪至17世纪的意大利及北欧部分国家盛行的艺术形式如绘画、建筑、雕塑以及工艺美术品等为主，作为物质文化的基本组成，视觉艺术在文艺复兴时期的物质生活方面发挥着重要作用，它们被看做功能性的物品，通过精心选择的意象服务于明确的宗教或世俗目的，通过特定形式传递着信仰和价值观。比如，遍布市井街区的教堂及壁画形成的反复且持久的日常经验就起着维系着群体意识与的作用，而文艺复兴时期的最重要的文化氛围无不与基督教有着密切的联系，从基督教艺术形式的变化中可以逐步显现出人性精神的高扬。

从形式上看，文艺复兴是对古希腊和罗马艺术的隔代复兴，这一时期基督教精神与人文主义精神的张力构成了艺术创作的内在驱动力。不同于中世纪宗教观念一统天下的局面，文艺复兴时期除继承了古典时期的人本主义和理性主义之外，对世俗化倾向、个人主义和科学自然主义等人文主义的新观念的表达也达到了前所未有的高度。这一时期艺术创作的主题、题材的选择、宗教人物及世俗生活、宗教意蕴的表达，以及空间、色彩、线条等形式要素描绘的图像都充满了象征意义，透过符号语言可以揭示文艺复兴这一特殊的历史阶段处在中世纪和西方近现代社会的过渡期表现出的独特文化精神。

文艺复兴时期的艺术90%以上是以宗教为题材或者为宗教服务，但是世俗化的倾向仍然可以从宗教绘画中描绘的家族事务和贵族人物身上体现出来。建筑及工艺品中的宗教意象也往往是为世俗生活的目的，而非宗教的目的服务。艺术创作除了在精神内涵上表现人的觉醒之外，在形式方面，比如透视法的使用也是通过平视的视觉方位彰显了人的地位，在这一时期流行的肖像画和家族形象画同样也是个人主义高扬的表现。还有一个值得注意的特点是文艺复兴时期理性主义彰显的文化价值。对希腊理性主义传统的继承使这一时期艺术与科学的结合更加紧密，对几何学、解剖学、数学、透视等原理的运用，不但使艺术家成为博学广识的通才，对艺术鉴赏者的知识要求也极高，理性主义深刻影响了这一时期的创作和欣赏过程，同时艺术家地位的凸显甚至影响了当时的教育和学术观念。

文化价值可以体现人对生命存在的文化意义的理解，人的信念和理想等精神内容要通过外在的现实性展现出来，而艺术可以很好地承载这一使命。文艺复兴时期仍是宗教意识占主导力量的时代，但是其中蕴藏着对禁欲主义、蒙昧主义的批判和对人性、欲望、现实生活的美好期待。虽然这一时期还没有从基督教的社会文化母体中嬗变出整个社会的现代性，但是人本主义和理性主义的观念暗含在其中，通过视觉艺术建构起来的话语在社会文化交流系统中扮演了重要的作用，深刻影响了文艺复兴时期人们新的思维方式、价值理念和伦理精神。这一时期重新建立起来的人的崇高地位和尊严，至今仍是支撑人类价值观念和实践原则的重要支柱。

通过对文艺复兴这一特殊历史时期中视觉艺术的符号、形式、意象、宗教题材、世俗化特点以及宗教意蕴的表达等方面的分析，不难看出文艺复兴虽然从形式上看是对古希腊和罗马艺术的隔代复兴，但是它在继承了古典时期的人本主义和理性主义的同时也表现出这一时期特有的、通过基督教精神与人文主义精神的二元张力形成独特文化内涵。除此之外，它对世俗化倾向、个人主义和科学自然主义等人文主义的新观念的表达也达到了前所未有的高度。通过透视这些艺术载体背后人的意义和价值，用理性的反思重新界定视觉艺术的历史价值，及其对当时社会文化走向的建构性，可以促使人们要更深入地思考视觉艺术对于人类文化和人的生存方式的意义。

本文为黑龙江省社会科学项目（编号11E064）的阶段性成果；同时也是黑龙江省教育厅项目（编号12512245）的阶段性成果

注释

第6篇：视觉艺术文化研究范文

关键词 民俗文化 视觉艺术设计 灵感

中图分类号：J504 文献标识码：A

中国民俗文化是依附于劳动人民几千年的生活、习惯、情感与信仰中产生的文化，它有着极其鲜明的民族个性特征，内容极其丰富多彩，既有形式，又有内涵，既是中国的，又是世界的。

中国民俗文化是直接来源于人民大众，具有原发性的美术形式。中国民俗文化中含有极为丰富的哲学、美学、考古学、历史学、社会学和人类文化学内涵，是中华民族文化的凝集和结晶，体现出浓郁的审美意识。民俗文化传承、发扬了中国的传统美学思想，可以对视觉设计中各个方面带来不同的创作灵感。在当今的科技时代，中国民俗文化如何激发视觉艺术设计的灵感是个值得研究的课题。

1 中国民俗文化与视觉艺术设计的联系

中国民俗文化涉及的内容非常广泛，一般包括以下几个范畴：劳动实践民俗、生活经验民俗、节日喜庆民俗、社会交往礼仪民俗、宗教发展民俗、巫术演变民俗、婚丧嫁娶民俗等等。

现代设计者应该以发展民俗文化为本，把视觉设计的追求及其着眼点放在不断挖掘民俗文化的基础上。从历史的角度看，视觉设计离不开民俗文化的滋养，当然也离不开时代设计观念的熏陶，但是，视觉设计理念必须植根于民俗文化基础之上，建立在符合中国民众审美情趣基础之上，设计出来的作品才会有更为广阔的市场。现代视觉设计融合民俗文化的元素，这已经成为现代设计者探索民俗文化与发展的一种趋势。

在现代视觉设计中，怎样把握好中国民俗文化的传承关系，充分运用民俗文化的一切设计元素，是设计者需要刻意钻研和努力的方向。现代视觉设计者在艺术领域不仅要跟上美学思想的动态发展，还必须顺应科技的进步。随着设计范围的不断扩大，设计者要掌握新的领域、新的知识，在关注国际化与多元化的同时，还要充分重视挖掘民俗文化的特色造型元素。立足于本土文化，才会有根基，才能设计出独特的视觉元素。在透彻领悟民俗文化内涵的基础上，将设计内容、版式等元素做重新组合，在民俗文化中寻找灵感，在创作中发展个性，在设计创作过程中不断深化、完善自己的设计构想，施展个人非凡创作力，设计出时尚的、生命力更强的，且具备国际化与多元化设计需求的崭新设计作品。

2中国民俗文化在视觉艺术设计中的运用

中国民俗文化对视觉艺术设计的支持可以有二个方面：一是精神上的，无形的精神文化的支持。二是形象上的，具象的造型形式的支持。

中国民俗文化中有许多经典的、富有个性和生活趣味的形象，这些形象上千年来被劳动人民接受，并成为经典，同时也代表着特定的内涵。在视觉设计中发展这些经典的形象，对于现代中国人而言是没有障碍的，甚至能传达的更加生动、亲切、趣味。当然，运用这些形象的前提在于对它们的理解，否则，不仅不能借助它们来表现设计的内涵，反而会使设计僵化、肤浅。

具体运用方式有直接和间接两种方式。所谓直接的运用是设计者直接将这些形象添加到视觉设计作品中，不对民俗形象做出改动，或只作细微修改。而间接的运用则指设计者按照民俗形象作为原形，在不脱离传统文化内涵的前提下进行改动，以适合当今时代某种特殊目的的要求。通过直接或间接运用民俗题材与形象，来构造现代视觉设计作品，这种方法是广大民众最能理解而接受的，无论什么文化层次的消费者和群众都能从这些熟悉的艺术形象中感受作品。

生硬地将民俗与视觉设计作品相拼凑是不可取的，将民俗造型融于现代视觉设计，不是简单的模仿引用，而是对传统的再创造，以现代的审美观念对民俗文化加以改造，经过创新发展，适合现代消费者的审美需求，既保持了熟悉的风格，又创造了新的视觉形象。

3中国民俗文化对视觉艺术设计的意义

当代的民俗艺术保护者和美术理论家多是将民俗文化作为一个古代生活形态的活化石来进行研究和保护，民俗文化艺术品已经成为传统艺术的一部分而保存在博物馆之中，见证了一个古老文明曾经出现的辉煌。民俗文化虽然作为一种传统文化被人们保护和学习，但实际上，它的发展却面临着一个尴尬的境地。很多人对它的喜欢只是出于对一个存在着文化隔膜的逝去年代的怀念，民俗文化在当代已经失去了其实用性，它和当代社会的经济基础与文化状态都存在着巨大的鸿沟。

第7篇：视觉艺术文化研究范文

关键词：文学；视觉艺术；相辅相成

一、作为语言艺术的文学

1.文学艺术形式的独特性

文学是以语言文字和抽象符号进行表达和创作的，是注重思想认识传达的艺术。文学艺术体裁丰富，包括诗歌、散文、小说、戏剧、寓言、童话等，是社会与时代文化传达的重要表现形式之一，以自身独特的媒介形式表现作者的内心情感，具有穿越时空的独特性。

2.文学的社会价值

文学是表现社会文化的重要形式，文学的根本作用就是“反映客观现实”。客观现实中各种各样的要求、情感，各种社会发展阶段的新思潮、新实践和社会需求，都可以通过文学予以反映。纵观古今中外，从西方具有宗教色彩的史诗到东方文学的诗经，都有强烈的社会意识形态。中国文学从孔子开始便十分重视文学的社会功能。孔子认为诗有四种基本作用，即“兴、观、群、怨”，此外，还可“多识于鸟兽草木之名”；近代，梁启超认为小说亦有四种功能，即“熏、浸、刺、提”。重视文学的功能与作用是中国文论的一个重要传统。文学的功能是以三种方式体现出来的，即认识作用、教育作用与美悦作用。

3.文学的情感价值

文学除了拥有外在的、实用的、功利的价值之外，更为重要的是，还具有内在的、看似无用的、超越功利的价值，即精神价值。鲁迅说：“倘若用什么记号留存下来，这就是文学。”（《门外文谈》）文学是一种释放、一种调节、一种宣泄，由心理作用于生理，成为人的生命需要。

二、注重视觉表现的视觉艺术

1.视觉艺术形式的独特性

视觉艺术借助一定的物质材料和符号形象，通过艺术家的创作而表现直观的艺术形象，具有从内向外的指向性。

2.视觉艺术的基本元素与设计原则

视觉艺术是看得见、摸得到的艺术，它强调真实存在，具有真实性。视觉语言通过视觉基本元素和设计原则构成自身的规范或符号系统。线条、明暗、色彩、质感、形状、空间等都是基本的视觉元素，布局、对比、节奏、平衡、统一等都是常见的设计原则。

3.视觉艺术在当代的丰富和发展

视觉艺术的形式语言随着社会的发展不停演化，从最初注重纯艺术的雕塑、绘画、建筑等到工艺美术运动后装饰艺术和工艺美术的加入，再到装置、影像、行为、观念等艺术形式。视觉艺术的造型手法和形式语言日趋丰富。

三、文学与视觉艺术的关系

1.两者具有同一性

文学创作是文学家独特精神活动的产物，文学作品的精神价值是自身内在的、基本的价值。艺术不仅仅是工具，也并不总是有形的作品。两者在本质上都是对精神价值、存在方式、生活态度、生活内涵的追求。文学与视觉艺术的创造者都是人，人是具有意识、单独思考的个体。每个人所表达出来的情感与语言是不同的，具有独特性。文学与视觉艺术都是随社会生活的发展而产生的，记录那个时代的独特性，具有鲜明的时代性。文学与视觉艺术具有同一性，它们都具有精神价值、独特性、时代性。

2.在一定条件下又相互对立

元代统治阶级特别爱好歌舞、戏曲，因此，以往地位不高的戏曲在元代得到重视，进而获得发展，这就造成了戏曲在艺术门类中的地位上移。两者的变化证明在当时时代背景下的艺术重心的转移和审美趣味的变迁。3.相互渗透王维的诗与画都具有意境，两者相互渗透。苏轼评价：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”同一时期的殷璠在其著作《河岳英灵集》中评价王维之诗：“在泉成珠，著壁成绘。”书法是文学与视觉艺术相互渗透的典型。纵观中国艺术史，大画家往往也是大书法家。远如宋代的米芾，近如吴昌硕、张大千、齐白石等，都将自己的独特书法用笔渗透在绘画创作中。

4.相互借鉴，相辅相成

如今，不同题材的文学作品纷纷被拍成各种各样的影视作品。文学对视觉艺术的启发和借鉴作用十分显著，从文学作品到影视作品的改编与转化自然也十分顺利。在绘画创作过程中，人们往往先画图案，再根据画面内容书写题跋，最后对其进行阐述，写出自己绘画的心得等。在中国画作品中，既有画，又有题跋和印章，构成整体的艺术作品。诗、书、画、印不同种类艺术的结合，使视觉艺术更加丰富多彩。结语文学与视觉艺术既具有同一性，又在一定条件下相互对立；既相互渗透，又相互启发，两者相辅相成，相互借鉴。

参考文献：

［1］彭吉象.中国艺术学.北京大学出版社，2007.

［2］徐复观.中国艺术精神.商务印书馆，2010.

第8篇：视觉艺术文化研究范文

艺术史家贡布里希曾指出，对于艺术风格发展变化原因的考察应该从两个方面进行：其一，历时方面;其二，共时方面。历时方面的考察是指对风格发展的内在逻辑进行的研究，包括创作主体所处的时代传统，他们从前人那里学习了什么以及他们对后人有什么样的影响，等等;共时方面的考察则是根据某种艺术特有的手段来对艺术风格传统进行的研究，特别是对某一部落、某一民族或某一历史时期所有艺术活动作为集体精神的表现而进行共时性分析。比较而言，前者是一种外在式的考察，后者是一种内在式的考察;前者与后者在艺术风格形成和转换过程中的相互制约关系如图所示。以下分述之。

(一)视觉艺术风格形成和转换的外在因素

在艺术风格研究的思想史上，法国哲学家丹纳首倡一种艺术形成的外在式研究。在《艺术哲学》中，他明确阐述了艺术风格的形成与“时代”、“环境”及“种族”三因素之间的制约关系。在他看来，“要了解一件艺术品，一个艺术家，必须正确的设想他们所属的时代的精神和风俗概况。这是艺术品最后的解释，也是决定一切的基本原因”。[4]丹纳的这种研究既是对在他之前艺术风格形成原因的总结，同时也为后来的艺术风格发展特征所不断证实。我们看到，由于民族、地域和时代的差异，艺术风格的确呈现不同的面貌特征。如在建筑柱式上，多立克粗犷严肃、科林斯细柔优美;在设计形式上，古典主义重装饰、轻功能，现代主义者则重功能、轻装饰，而包豪斯设计则重表现，突出形式美;如此等等。

实际上，丹纳的这种看法也有其人类学依据。从艺术的起源来说，艺术是人社会实践的产物，它的形成和发展离不开人所属的民族、所生存的环境以及所处的时代。因此，每一种艺术的形成与风格特征都是特定民族、环境和时代精神的折射，并深深打上它们的烙印。从艺术的创造来说，艺术品不仅仅是个人的创造，而且还是文化的外显性产物，即艺术品经由个体创造而表征着特定的文化属性。人是符号的动物，人的成长本质上是一个由自然的人变成社会的人的过程。在这一过程中，一定的文化圈(地域或民族)会将自身的文化特性“强加”在个人身上，使个人不仅成为一个社会的存在者，而且成为一个文化存在者。个人的思想方法和行为方式无不打上与群体的其他成员相似的文化烙印。设若这个人恰好是一个艺术家的话，那么他很可能会通过某一艺术形式或风格来对这种群体文化意识加以自觉或不自觉的表现。艺术的文化风格属性由此产生。在原始时代的原始艺术中，这种艺术形式或风格是平面的和二维的，普遍具有对称性、重复性和节奏性等特征。这种形式或风格的呈现，是原始人对外部环境认识的结果。原始人长期处于自然的无秩序环境中，心理上对秩序和安定有着强烈的渴望和追求，因而，“他们自己创造了用几何和立体形状表达的绝对符号。他们对生命感到迷惑和震惊，于是，在无生命中找到避难所，因为生命永远不息的躁动得以消退，一种持续的稳定感产生出来。”[5]到了农业时代，社会生产力获得了很大的发展，人类的手工制品和主要工艺艺术品也呈现出多样化的风格特征，具有很强的装饰性：或精雕细刻，或错金镂彩，或镶金嵌银。受农业文化影响，这时期视觉艺术在总体上传达了人与自然的亲和关系，植物纹为代表性装饰纹样，工艺品在视觉形式上追求一种与自然物一样的自然形式美。中世纪的艺术与基督教裹缠在一起，因而出现了表现基督崇高精神的哥特式建筑风格。哥特式建筑强调空灵、高耸、纤瘦，重视光线的射入，利用高侧窗层的玻璃窗的美来吸引人们的目光;多彩的光线以一种神秘的光辉充盈着中庭，创造出一个有巨大威力信仰的意象。特别是尖峭的拱券，造成了一种上扬的动感旋律——通过高、直、尖的象征手段体现了宗教弃绝尘寰、接近天国、由物质向非物质上升的观念。德国的科隆教堂、法国的巴黎圣母院以及意大利的米兰大教堂等都是其中的代表。这种新的建筑形式有别于过去历史上任何时期的艺术形式，明显地具有时代文化特征。

同样，艺术史家沃尔夫林通过比较哥特式风格和文艺复兴风格，也得出了时代精神对艺术风格的影响强大的结论。他说，“哥特式的举止肌肉僵直、动作刻板;什么都是尖利的，没有一点松弛。也没有一点柔软。在这种最明确的形式之中，处处都表现出一种意志。哥特式的鼻梁是消瘦俊美的，一切笨重的形式，一切宽阔和平静的东西都已消失。人物是细长的，好像踮着脚。与此相反，文艺复兴时期则表现的宽松大方了，形式的每一部分都充满了生气，无论形式是在运动中还是处于静止状态。”[6]

我们还可以从艺术发展史上的其他一些代表性艺术风格，如巴洛克风格、维多利亚风格以及欧洲后来出现的“工艺美术运动”所倡导的新风格中得出同样的结论。十七世纪的巴洛克时期，社会发生了重大变化，封建统治者与资产阶级勾结，疯狂掠夺海外成为巨富，他们在生活上追求豪华奢靡，不再满足肃穆沉静而要求华贵生动。时代特征反映在教堂与宫殿建筑和装饰等艺术形式上，就是他们将建筑、雕刻及绘画融合在一起，在运用直线的同时强调线形滚动变化的造型特点，通过冗繁的装饰达到华美的视觉效果。十九世纪维多利亚时期的英国，由于实行对外扩张，国力强盛，政治稳定，经济繁荣，生活富足，人民对未来充满希望，人们普遍追求艺术上的繁琐装饰，在工艺设计上大量采用中东和伊斯兰的形式语汇，并将其无限制地用于服装设计、室内设计、家具设计和版面设计上。矫揉造作之风一时颇为盛行。然而，随着工业化在西方各国的纵深发展，人们开始厌弃这种华而不实的设计风格，“工艺美术运动”和“新艺术运动”于是产生，它提倡美术和技术相结合，反对维多利亚艺术的繁冗主张，这就又推进了艺术风格与时代特征的紧密结合。

不单是西方视觉艺术的风格和形式具有明显的时代、社会及民族特征，中国的视觉艺术之风格与形式也同样如此。举例来说，汉代艺术的深厚博大，追求艺术形式的崇高、雄浑造型——这与秦统一后使得汉代经济和文化空前繁荣有关。唐代艺术具有富丽而丰满的风格特征，既与隋代的统一疆域有关——隋的统一为唐代经济繁荣打下了基础;又与唐代社会的开放发达有关——唐代丝绸之路的开通，亚洲各国交往频繁，为唐代艺术吸取大量异域艺术风格形式提供了可能，使唐代艺术容易进入高度成熟的阶段。

当然，由环境、时代、民族等外部因素制约着的艺术形式与风格虽然具有明显的差异性，但仍然会呈现出一些共性特征。因为“每一种风格不仅凭借一定的形式因素——构架和轮廓的样式等——来确定自己，而且这些因素的每一种当中都表达了某种特定的整体取向，或眼睛的某种精神性倾向”，而且，“被决定者和决定者，它们都包含着一个民族的全部世界观点的基础”[7]如果我们单从一个民族或国家的艺术发展情况来看，尽管其处于不同时代，因而艺术风格存在着较大差异，但若将其与其他国家的艺术相比，它们在整体上却有更多的“家族相似性”。如古希腊的艺术风格历经古风时期、古典时期、希腊化时期，各时期的特点有着明显的差别。但是，古希腊艺术风格在整体上表现出强调多样性和基于自然主义数学规律相统一的共同特征。之所以有这种共同性，可能是由于存在着“民族的感觉基础，在这样的基础上，形式感与精神的和道德的要素发生着直接关系”之故。[8]

(二)视觉艺术风格形成和转换的内在因素

随着19世纪末20世纪初艺术思想史和艺术心理学研究的长足发展，人们逐渐意识到艺术风格形成原因的“种族时代说”解释模式并不能涵盖所有的艺术现象，特别是对于现代艺术中出现的一些新的艺术风格，这种解释模式往往不具有丝毫的阐释效力。由此，人们自然会推想：一种艺术之所以具有这样的风格而不具有那样的风格，一种艺术风格之所以转换成另一种艺术风格，除了受制于环境、时代及民族等外部因素外，一定还有其内在的、更深层次的原因。视觉艺术的思想史研究首先帮助人们认清了这个原因。

视觉艺术思想史的研究表明，视觉艺术风格的形成和转换在根本上受制于其内在发展规律及逻辑演化规则，艺术史家李格尔曾将这一“规则”概括为“艺术意志”。李氏通过考察后期罗马工艺风格特征，认为晚期罗马时代建筑、雕塑、绘画和装饰艺术显示出共同的形式发展趋向和目标。这种“趋向和目标”即为“形式意志”。“形式意志”的本质为“艺术意志”，即人之生存世界观。李格尔认为，这种艺术意志的特性总是由某一特定时期的世界观所决定的，这种世界观不仅寓含在宗教、哲学、科学中，而且也可以存在于政府组织和法律形式中，因而，“艺术意志”或“形式意志”就十分类似于黑格尔的“绝对观念”。黑格尔在《历史哲学》中把历史视为“绝对观念”自我发展过程的体现，并把这个过程中的每个阶段视为某个特定民族发展的辨证过程的一步。一个民族的艺术同该民族的哲学、宗教、法律、道德科学技术一样，总是能反映“绝对精神”发展所处的阶段，所有这一切方面都能表明一种共同的东西，即时代的本质。所以，就如沃尔夫林所说，“解释一种风格不外乎意味着，将该种风格置于其一般的历史背景里，并证明它与当时其余的‘喉舌’发生了一致的‘声音’。”[9]而李格尔的“艺术意志”论虽然是一个唯心主义的解释模式，但由于其紧紧抓住了艺术是人类精神的崇高表现这一基本艺术事实，所以它实际上达到了“种族时代说”解释模式所不曾有的认识高度，为我们从艺术风格的视角探讨人类精神的逻辑发展做出了有益的尝试;同时，这种理论也为人们进行艺术心理学的风格转化研究开辟了新的道路。

现代艺术心理学的研究揭示，艺术意志或形式意志最终来源于人的思想、情感和意志。卡西尔指出，“‘人性’是‘形式’得以产生、发展和繁荣的绝对普遍的媒介。”[11]人性即人区别于其他动物的特质、基本属性，它是人类在长期生产实践过程中形成并以社会遗传的方式一代又一代积淀而成的人之基本特性。人性不是抽象的、静止的，而是具体的、实践的，它作为各个历史时代现实的、具体的人的抽象，反映了人类的共性。这是哲学、社会学视野中人性的基本概念。然而，对于决定艺术风格或形式的人性问题又必须从心理学角度、从人类的深层意识和无意识中得到解释。这种解释对于把握作为人类精神反映的艺术具有不可替代的作用。精神分析学家荣格指出，人的心理结构中最深、也最隐秘的部分是在个体无意识之下潜藏着的集体无意识，这种无意识是单个个体所无法意识到的，但它却积聚着人类历史以来的几乎所有的经验和情感能量，而个体无意识只是潜藏在意识下面的一个心理层次。以此分析，艺术家在画面上的自觉表现往往构成了画面的主题和社会内容，而形式的选择则源于一种无意识的把握。其所以如此，概由于画家“集体无意识”左右的结果。苏珊·朗格说，“我们叫做‘音乐’的音调结构，与人类的情感形式——增强与减弱、流动与休止、冲突与解决、以及加速、抑止、极度兴奋、平缓和微妙的激发，梦的消失等等形式——在逻辑上有着惊人的一致。……这是一种感觉的样式或逻辑形式。……音乐是情感生活的音调摹写。”[12]

因此，艺术意志一方面是一种有着独立目的趋向的形式意志，与人的特定心理感觉如触觉和视觉有关;另一方面又同特定时代人们的世界观联系在一起。这使得艺术意志在性质上或多或少地与文化或文明发生关联，呈现出一种人类一般精神意义上的自觉和目的的趋向，艺术作品隐含着一个时代人们知觉方式的秘密。[10]所以，一种艺术风格的形成，抛开其时代精神不论，最终都要归结为艺术家的创造——即艺术家的创造本能和创造冲动的原因上来，此二者才是艺术意志的真正内涵，才是艺术风格演变的最原始的推动力。

至此可以说，视觉形式是一系列由线、色彩、肌理、笔触等构成的空间关系，这种关系是依照人的心理形式而组织起来的，而视觉形式与人的情感形式及心理形式则有着逻辑上的一致性。人的情感形式通过视觉形式而呈现出来，从而为人类的感官所把握。视觉形式之所以发生变化，其内在原因也在于人的心理形式或情感形式的改变。人的心理形式是由人的情感、认识、理性等多种要素所构成的，是人类在长期的生产生活实践活动“积淀”的成果。因此，艺术的形式或心理的形式，不是什么神秘难解的东西，它就植根于人类的生产生活中，是人类实践活动的产物，也是人性的历史展开。“人性不是自然性(动物)，也不是社会性(神或机器)而是‘自然的人化’，即动物性生理基础上的感知等等各种功能的人化。它们仍然是感性的、个体的、心理的，具有偶然性于其中。但有历史来作为理性的根基。这就是心理形式，也即区别于动物的心理本体。……这人性——心理本体是经由文化，首先就是那种以语言为基础的巫术-图腾-礼仪活动，即所谓人类的原始文化所构建所塑造，所形成的。”[13]

通过艺术风格转换原因的分析，也使我们获得了对于艺术创造意义的全新理解。艺术创造的本质在于艺术家通过艺术形式来把握世界，这种把握不是对世界的简单描摹，而是艺术家通过感性创造活动来对宇宙、历史及人生进行的深度阐释与意义重建。艺术形式或艺术风格则是这种阐释或创造活动的感性显现。正因为如此，通过艺术形式，我们不仅可以看到艺术家的个性心理与文化修养，还可以看到艺术家对于社会、政治及历史的认识和理解，看到艺术家对于宇宙、世界和人生的体验和感悟，甚至看到艺术家所处的整个时代的精神状况。时代过去了，艺术风格转化了，而艺术却并没有消亡——艺术通过一批批优秀的艺术作品得以保存——由此我们又回到了那个古老的命题：艺术是什么?海德格尔说：“艺术是自行置入作品中的真理”，艺术“是对作品中真理的创造性保藏”，“艺术是人的创造和保藏。”[14]在今天看来，海氏的这些说法似都不为过;它启示我们：在科技理性昌明的今天，人类仍有一份心灵的净土在养育着什么，人类仍有一双清亮的眼睛在凝视着什么，人类仍有一份执着的真诚在呼唤着什么……

二、视觉艺术风格与视觉艺术形式的涵义

“视觉艺术风格”与“视觉艺术形式”是视觉艺术的两个基本概念。在深入研究视觉艺术的形成和转换的基本原因之前，有必要对这两个概念的涵义有一个了解。

“视觉艺术形式”涵义源于哲学“形式”概念。形式(form)是一事物的构成和组织方式，也是事物的结构和关系。西方哲学史上和艺术史上对于“形式”的经典划分最早是由柏拉图做出的，柏拉图将形式分为内形式和外形式两种：内形式即理式、共相，而外形式则是内形式所对应的外界，即殊相、现实。视觉形式是指目之所见的形式，即外形式，也就是可见、可感的形式。从构成因素上讲，视觉形式是一系列由点、线和色彩、肌理、笔触等构成的空间关系。视觉形式的对于视觉艺术的主要意义在于：通过视觉形式，视觉艺术可以作为直观的表象呈现在人们面前。

与视觉艺术形式相比，“视觉艺术风格”一词更倾向于气质性和精神性的表现。视觉艺术的“风格”(style)，是视觉艺术作品在整体上呈现出来具有独特性的精神面貌。风格不同于一般的艺术特色或制作个性，它是通过艺术品表现出来的相对稳定的、更为内在和深刻的、从而也更为本质地反映出特定时代或民族的艺术家的个人思想观念、审美理想、精神实质等内在特性的外部印记。风格的形成是时代、民族或艺术家在艺术创造上摆脱了各种模式化教条的束缚，从而形式具有特定个性和较为成熟稳固的创作倾向的反映，它是艺术家或艺术创作趋于或达到成熟的基本标志。[1]而从艺术创作本体上讲，艺术风格的形成实际上表现了一种人与世界的存在关系，风格的变化也预示着人与世界存在关系的变化，意味着人类一种感觉领域的消退和另一种感觉领域的打开。艺术风格在与世界的构成关系中一般展现为抽象的个人风格、民族风格和时代风格，这种抽象风格通过视觉艺术——绘画、雕塑、建筑、各种工艺品等艺术风格而得以具体化。

比较而言，视觉艺术形式是实体性的、实证性的存在，是视觉艺术展现的整体的结构，它可以看得见、摸得着;视觉艺术风格则是视觉艺术在一定时间和空间内的集中体现，是视觉艺术形式的整体结构之上表露的情态，具有一定的抽象性。前者是形而下的、单一的，是物质基础;后者是形而上的、相当于上层建筑，具有更多的文化内涵，往往成为一个国家、一个时代的精神的体现;后者通过前者而表现出来。如在诗词中，格律声色，指的是形式，我们看得见、讲得出;而它的神理气味，则是风格，需要我们用心去细细品味

维奥赖特·勒·迪克在谈到风格与形式的关系时认为，风格的逻辑内聚力“就是像古典的先辈们一样透过现象看到真实的和自然的原理”，这些伟大的风格就像是一个庞大的演绎体系，其中的每一种形式都来源于建筑师所采用的中心原理。从这一意义来说，风格“是一种自发的形式的扩散”，“一旦某一群艺术家和手工艺人完全受到了这种逻辑原理的影响——各种形式都是人们通过这些逻辑原理从物品的效用中推导出来的——这种风格就会在所有手工制造物，从最普通的罐子到最高级的纪念碑中表现出来。”[2]

但是，在艺术哲学或艺术史的某些著作中，艺术形式和艺术风格一般并不做严格的区分。如李格尔在《风格问题》一书在论述几何风格的形成时，就将风格和形式在同一意义上使用。他说：“最终线条自身成为一种艺术形式，……结果，直线就变成了三角形、方形、菱形、之字图案等。而曲线则产生了圆形、波状形、螺旋线。这些都是我们在平面几何中熟悉的形状。在艺术史上，它们被统称为几何图案。结果，完全或者主要以采用这些图案为基础的风格被称为几何风格”。[3]如果我们严格按照风格和形式各自的概念来使用的话，李氏这里所说的“几何风格”基本上应该由“几何形式”来代替。同样，德国艺术史家沃尔夫林的《艺术风格学》，在某种程度上也可称为一部“视觉形式学”，风格与形式也并未做严格区分。因此可以说，除却对于艺术风格或艺术形式进行一种专门的美学研究，二者基本上可以混同使用。

三、视觉艺术风格转换的实质：视觉范式的转换

视觉艺术风格的变换本质上是一种视觉范式的改变。“范式”一词是科学哲学家库恩提出的概念，原本用来解释科学革命发生的依据，后来被运用到多数人文社会科学发展递变的原因解释中。所谓范式，按照库恩的看法，“就是一组共有的方法、标准、解释方式或理论，或者说是一种共有的知识体”。在库恩看来，所谓科学中的革命，就是从一种范式向另外一种范式的转换。他认为，科学形势中出现的危机使得范式的更新成为必然，革命就是一组科学信念的转换——即“范式”的转换。[15]换言之，范式的转换就是一种信念的转换。正如科学活动领域里的每一个重大的突破几乎都是范式的转换一样。新的艺术风格的转变本质上也是一种思维模式和解释范式的变化，是一种视觉范式的转变，转变的结果是艺术新形式、新风格的出现。沃尔夫林在《艺术风格学》中，曾用五对概念概括了艺术史的发展规律，即：从线描到图绘的发展;从平面到纵深的发展;从封闭式到开放式的发展;从多样性到同一性的发展;主题的绝对的清晰和相对的清晰。这五对概念实际上就是五种艺术范式，五种概念的演变也就是五种视觉范式的演变。

在传统上，知识以信念和知觉、理性和天启为基础。新科学不再把所有这些作为理解大自然的手段，而是把经验——实验和批判性观察——作为知识的基础和对知识最终的检验。这样，新的方法把知识建立一个全新的基础之上。[16]同样，艺术范式的转变意味着我们从一种看世界的方式转变为另一种看世界的方式。从前，如古典时期，艺术得以成立在于它是如实地建立在透视、还原、自然主义的基础上。而现代艺术则建立在平面化、打破透视的基础之上。视觉形式的呈现，并非照相机一样原封不动的再现，而是主体心理的投射。希尔德布兰特把这种“虚的”意象唤做“感性空间”，意指“视觉”的空间，认为“视觉可以建构空间”;通过“建造方法”可以说明呈现和描绘这种空间形式的系统构造。[17]这种“视觉建构空间”的原理是“画家没有纯真之眼”的一个证据。所谓“建造”，也就是通过主体的力量来组织和安排艺术作品。创作主体的感觉、认识，甚至世界观和人生观都通过艺术作品呈现出来，而这种呈现是经过构建的格式塔的呈现，即整体直观的呈现。艺术成为一种认识世界的方式，成为主体内心思想和情感的投射，而非对自然事物的简单描摹。歌德说，就我们能够通过可见可感的形式所获得的知识而论，“风格”乃植根于知识之深层，植根于事物的本质之中。[18]如同哲学的每一次转向都在人类的认识模式中有其深刻根源一样，每一次艺术风格转向也都可以从人的思维方式的变化中找到根源。

结语

对于视觉艺术风格形成及转换规律的考察，实际上又是一种对于人的视觉观感方式变化规律的考察。视觉形式本质上是一种语言，它同人类其他语言一样，是一种符号性、关系性和结构性的存在。洪堡曾多次指出，“每一种独特的世界观，特定的、根本的思维取向和表象都是用一种语言类型表达出来的。”[19](p108)因此，对艺术史风格或形式变化原则的研究不仅应从历史的、环境的及民族的等外在的因素进行考察，更重要的是要从艺术自身发展演变的内在的逻辑方面、从人的心理结构和艺术范式的转换要素中去探寻。通过这种探寻，使我们可以从一个独特的角度，获得对于人类认识能力和认识方式发展演化规律的基本把握，这种把握反过来也会对人类艺术创作和艺术欣赏产生广泛而深远的影响。

[参考文献]

[1]中国大百科全书[M].北京：中国大百科全书出版社，2003.

[2]、[6]、(英)E·H·贡布里希.秩序感——装饰艺术的心理学研究[M]，杭州：浙江摄影出版社，1987.

[3](德)阿洛瓦.里格尔.风格问题——装饰艺术史的基础[M]，湖南科学技术出版社.1987.

[4](法)丹纳.艺术哲学[M].合肥：安徽文艺出版社，1998.

[5](德)沃林格尔.哥特形式论[M].杭州：中国美术学院出版社，2004.

[7]、[11]、[18]、[19](德)恩斯特·卡西尔.人文科学的逻辑[M].中国人民大学出版社，1991.

[8](德)沃尔夫林.艺术风格学[M].北京：中国人民大学出版社，2004.

[9](英)E·H·贡布里希.论风格[M].载入：艺术与人文科学.贡布里希文选[M].杭州：浙江摄影出版社，1989.

[10]张坚：《视觉形式的生命》，[M]杭州：中国美术学院出版社，2002.

[12]、[17](美)苏珊·朗格.情感与形式[M].北京：中国社会科学出版社，1986.

[13]李泽厚.李泽厚哲学文存(下)[M].合肥：安徽文艺出版社1999.

[14]海德格尔：《艺术作品的本源》，《海德格尔选集》(上)[M]，孙周兴选编，上海：三联书店，1996.

第9篇：视觉艺术文化研究范文

一、中国当代女性艺术

我们要在中国当代女性艺术和现代视觉艺术设计中找到契合点，有必要先对中国当代女性艺术的产生、宗旨及其特征进行了解。

（一）中国当代女性艺术的产生及宗旨

中国当代女性艺术是伴随着我国改革开放，西方女权主义思潮的大量涌入及影响下不断发展起来的。西方“女权主义”运动最早诞生于法国，随后来到美国，伴随着《女权宣言》和《权利和意见宣言》的相继发表与出版拉开了西方女性艺术的序幕。她们主张女人应当与男人享有在工作、财产、法律权利、文化及受教育等方面的平等权利，但这一时期其目标还仅仅局限于政治上的男女权利的平等，并没有涉及女性自身性别意义上的文化批评层面。在此期间最具代表性的展览是由朱蒂·芝加哥和她的众多姐妹在1974年至1979年共同完成的具有史诗般的大型装置作品《晚宴》，在当时给艺术界乃至社会带来了极大的震撼。这股思潮也对中国的美术界产生了极大的影响，当时中国的几大出版社相继出版了许多关于西方女性主义的论著，这对中国女性艺术的发展起到了极大的推动作用。

中国女性艺术真正意义上的产生是在20世纪90年代，由于中国的政治制度已经在推行男女平等政策观念，所以她们对于男女平等问题并不像西方女权主义表现得那么激烈，而是把表现的重心转移到男性与女性的不同上来，以女性自身问题和对“自我”的关注为基点，以女性的视角和女性自身的生命体验来对女性的社会问题、教育问题、权利问题进行重新诠释，此后艺术批评家贾方舟对中国“女性艺术”的概念从其性别的角度给出了详细的界定，他指出：“‘女性艺术’作为一个概念，它揭示的是女性艺术家在‘自我探寻’的过程中所形成的一种不同于男性的‘话语’。也正是基于这样的认识，‘女性艺术’这一概念就只作狭义上的理解，就只能是指那些能与‘男性艺术’相区别的女性艺术家的作品，它们具有女性的独立品格和文化指向，它们所揭示的精神和感知领域，为男性艺术家所不可及。”①通过以上的梳理，我们可以得知女性艺术是区别于男性的艺术，她们具有女性独有的表现形式和思维模式，这也将会为以男性为主导的现代视觉艺术设计开辟一个新的视角与形式。

（二）中国当代女性艺术的特性

中国当代女性艺术有别于西方的女性主义，有别于男性艺术而独立存在，具有独特的观察视角和艺术特征，这必将对现代视觉艺术设计的发展带来新的启发。

1.女性自我生命的观照与内心的倾诉

当代的女性画家并不以宏大的题材作为自己的绘画主题，而往往将其作品锁定在对自我在当今社会中的生命体验、生活状态上，以“自我”和“自我”的生活为题材。如中国女性艺术界领军人物阎平、陈淑霞、莫也、夏俊娜、陈曦、喻红、申玲等都不约而同地选择以自己生活中的不同经历为描绘对象。喻红的作品《目击成长》就是以年表方式记录自己的成长经历，将自己与时代的变迁进行并置，凸显自己的主观感受。申玲则是用一种调侃的方式将自己与丈夫的生活关系进行表现，并以此来对社会生活中的两性关系问题进行重新探究。蔡锦的《美人蕉》系列，则是将花这种植物的生长周期和女性的生理器官进行嫁接，其间并不是对传统意义花的性器官象征进行描写，而是对女性体验的真实写照。这些女性艺术家都不约而同地反映出艺术家对自我生命所特有的某种身心感受。

2.母性意识的自述

由于许多当代女性艺术家在家庭中已担当起母亲的角色，这就促使她们自然而然地将自己作品的题材锁定在距离自己最近的母子生活中，表现对于母亲、对于儿童这一社会弱势群体的关注和对于家庭的观照。例如，喻红的作品《圣婴》、叶南的作品《孩子，拿什么抚育你呀》、姜杰的雕塑作品《易碎的制品》等均有此特点。当代女画家阎平就是以母子题材为其主要表现内容的艺术家。她的画面大多表达她初为人母后的切身感受，表现的是母与子之间的玩耍和生活场景，凸显了她作为母亲对于孩子及家庭的真实感受。女人对于孩子的爱是作为男性所不能理解的。孩子是女人生命中重要的部分，就如林语堂所认为的没有做母亲的女性“永不能达到女性美丽的第二阶段”。因此，“女性的一切权利之中，最伟大的一项便是做母亲”。②

3.感性的思维方式

女性艺术家创作多注重自我感性的表达，倾向于描绘心中感受与亲身体验。她们往往以喜欢这么画或想这样画来解释自己的绘画风格。

女艺术家向京提到其创作时曾说：“感觉到自己只是表达的愿望太强烈了，不管是不是表达得好，先表达了再说。”③夏俊娜也说：“画画已经融入了我的生活，已经成为梳理情绪，摆脱烦恼，甚至是有益身心健康的灵丹妙药。”④申玲认为：“我画画没有刻意的设计，凭自己的感觉，以平常心画周围的人和事。”“用心说话，是我不变的表达方式。”⑤

这些向我们揭示了女性的艺术创作也许并不需要太多的内涵和哲学思考，不需要太多的理性思考，只是有感而发。

4.创作元素的多元化选择

女性艺术家并不拘泥于某一单一元素而进行创作语言的多元化选择。在施惠、林天苗、沈远、向京、姜杰、陈可等的作品中都能看到为表达自己的创意并不拘泥于某一种单一形式。如布、棉花、纱线、丝绸、积木、玩偶、绳的编织物、陶瓷、羊毛毯、植物、音乐、纸张等不同形态、不同材质的元素都在作品中进行运用。

施惠的作品《链》《结》《缠》系列中以宣纸、棉线、纸浆为其艺术创作的材料，用棉线缠绕了一个两吨重的线球，给人一种沉重、神经质的气息。它具有典型的女性主义艺术的特征，它反映出自己对社会定位下对女孩儿培养方式的反感。喻红的作品《背影》《火》《蝉蜕》则是用纺织颜料在丝绸上描绘各式女性形象，然后再用树脂封压。她用丝绸的柔美、飘逸来暗示女性特质，而这一切在进行树脂封压后变得僵硬、扭曲，以此来暗示女性的命运。在这里材料已作为一种语言参与叙述。

二、中国当代女性艺术对现代视觉艺术设计的启示

（一）女性艺术的感性建构方式，将有利于现代视觉艺术设计思维领域的拓展

女性艺术家的作品更加注重感性的表达，从自身的生活体验中获得灵感，淋漓尽致地加以表现有感而发，使作品更具表现力、创造力和亲和力。而视觉艺术设计更多的是从理性的角度、科学的角度出发进行设计，这有时使作品呈现出一种冰冷、缺少人文关怀之感。随着科技的进步，社会生产力的不断提高，人们文化素养的不断提升，当今社会正在朝着一个多元化、多学科、人文化、个性化的方向发展，人们对于视觉艺术设计品的要求也在不断提高。设计的目标早已超越了实用的理性目的，更多需要的是一种人文个性化的感受设计。而女性的感性思维往往比较敏锐，将女性艺术的感性体验、直觉体验运用到当代设计中无疑会对设计的进一步发展有所帮助。

（二）女性艺术对女性、儿童、家庭的备加关注，将有利于现代视觉艺术设计增添新的视角

艺术设计最初的目的就是为了满足人们的使用功能，提高人们的生活质量。伴随着社会的进步，时代的发展，人们对艺术设计的视角提出了更高的要求，对艺术设计的精神需求提出了更高的要求，现代艺术设计的视角需要不断地丰富，不断地细化，使其更具亲和力和人文关怀，而女性艺术以女性自我为视角对女性的关爱，对于母性的描绘，对于母爱的真诚表现，对于儿童家庭的关注，所涉及的不仅仅是艺术圈的问题，同时也包括社会的问题，不论过去还是现在，社会给予女性的关怀远远不及她为社会所做出的人文关怀。这势必为以男性为主的设计师在艺术品的设计视角上增加对于女性的人文关怀有所启迪。

（三）女性艺术对自我的关注，将有利于现代视觉艺术设计个性化的建立

女艺术家的艺术以其独特的个性、自我创作意识和女性意识创作出独具女性特征美感和美丽的艺术作品，并受到广泛关注与认同。而当代我国的设计正处于一个追求个性与多元化的整体趋势下，对于不同门类艺术特性的吸收与借鉴是当代视觉艺术设计的必经之路。视觉艺术设计的设计师在进行艺术设计创作时应在原有设计风格的基础上凸显自我个性化的设计风格，注重对自我个性潜力的挖掘与探寻。将传统单一的思维模式设计方式转变到多元化、个性化的设计方向上来，并将个性化与多元化的设计理念很好地融入到现代视觉艺术设计作品的创作中去，使我们的视觉艺术设计呈现出缤纷的色彩。在这一点上，女性艺术对于自我生命体验的关注、对于个性的追求的成功经验无疑对现代视觉艺术设计的个性化设计的建立有所启迪。

结语

中国当代女性艺术以其所特有的女性意识，从以男性为中心的话语中分离出来，以独立的姿态转向对女性自身价值的探寻，用女性独特的视角对整个世界重新进行诠释。她们更加注重对于内心世界、个人体验的挖掘，作品更具个性化和感性化特征。用她们的特有直觉对于生命的、人性的、环保题材的敏锐感悟和多元的情感体验使她们的作品呈现出一种人文关怀的艺术品质。女性艺术的独特视角、独特的艺术风格必将会对现代视觉艺术设计的设计视角、设计思维、设计方向等方面带来巨大的启发作用。

注释：

①贾方舟.女性艺术四题[J].西北美术，2000（1）.

②林语堂.理想中的女性.

③④⑤傅晓冬.当代艺术中的她视点——九位女艺术家口述档案[J].美苑，2004.

参考文献：

[1]李小江.文学、艺术与性别[M].南京：江苏人民出版社，2002：147.

[2]廖雯.女性艺术以女性主义作为方式[M].长春：吉林美术出版社，1999年

[3]贾方舟.女性艺术在九十年代[J].美术观察，1999 （3）：6.

[4]徐虹.我的感觉、我的身体、我的方式——解读20世纪90年代女性艺术[J].文艺

研究，2003 （2）.