古典音乐的魅力与价值精选(九篇)

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第1篇：古典音乐的魅力与价值范文

学科发展视野中的

《流行合唱》

提起合唱艺术，人们总会想起西方古典音乐艺术中的和声魅力以及巴赫时代的复调、古典时期的主调，也会随之想起曾领起中国近代音乐发端的学堂乐歌。正是在学堂乐歌的承载下，西方音乐艺术中的和声所蕴含的立体美感开始深入中国民众之心，中国传统音乐中占主导地位的线性旋律思维被得到拓展。《流行合唱》一书在新兴流行音乐如爵士乐、摇滚乐、乡村音乐日益发达的社会背景中看到了古典音乐积累起来的人类精神财富的时代价值。它将古典音乐的精髓平民化、娱乐化，在进行通俗易懂的艺术改编基础上，使古典音乐的音乐风格和形象焕然一新，在普及喜闻乐见的古典音乐内容的同时，打破了古典音乐固有的审美习惯，拓展了其中的审美视野，培养了合唱作品受众青少年的新的艺术审美能力。书中所选择的西方古典曲目器乐作品很多，如维瓦尔第的小提琴作品《四季》、巴赫的《C大调创意曲》和《E大调长笛奏鸣曲》、海顿的《“惊愕”交响曲》、莫扎特的弦乐四重奏《小夜曲》和《土耳其进行曲》、贝多芬的《“命运”交响曲》和钢琴小品《致爱丽丝》等。而中国作曲家黄自的著名艺术歌曲《玫瑰三愿》被置于爵士乐的和声与律动之中确属大胆创思。可以说，《流行合唱》一书力图嫁接古典与现代、经典与流行、器乐与声乐、线条旋律思维与立体和声思维于一体，这种创造性的编创是目前国内合唱中极少见的。

音乐创作手法视野中的

《流行合唱》

这本《流行合唱》采用了无伴奏的形式，在展现合唱立体音响魅力的同时，也展现了合唱艺术中的声乐技巧(主要是音准)。这种技巧丝毫不逊于器乐表现的能力，自由地转调、繁复的变音、灵动的节奏，无―不在传达这样一个讯息：《流行合唱》运用了流行的时尚元素，实则为表达精致的艺术追求，其创作手法特色值得一谈。

无伴奏合唱是合唱艺术皇冠中的明珠，音准、节奏、音乐的把握，全仗演唱者训练有素的技艺。《流行合唱》较之于以前的合唱作品突出的亮点是，它成功地将流行音乐手法中的和声及律动纳入到无伴奏合唱的艺术表现中来，使作品不仅具有了浓郁的古典音乐内在的逻辑、风格与色彩，也饱含了流行音乐手法的鲜明个性。而附录的光盘中的柏林艺术大学“美妙星期五”流行爵士合唱团的演唱则为人们阅读这本曲集时增添了直观的艺术感受。

1　主题的选用

曲集的编创以古曲艺术中“流行”的主题为基础，利用原作中业已成型的艺术形象为蓝本，将原作中最动人的主题进行“截取”。

可贵的是，这些动机或主题并非像传统变奏曲中所采用的原样展现、再进行变化的手法，而是进行了不同程度的“裁剪”。这种“裁剪”截取了原作中的核心素材，保留了原作中的风格特色，但也赋予了新作更多的变化空间，有的甚至还进行了多主题的嫁接。如：《四季之歌》中截取了“春季”中欢快的主题句和“冬季”中慢板抒情的主题句，将之合为音乐的主题，加上其他音乐要素的配合，使原作的风格更为突出。《约翰・巴斯蒂安的歌》中截取了“c大调创意曲”和“c小调赋格”的动机材料，形成既有对比又有展开的主题乐句，原复调中的卡农、回转、逆行等手法被划为主题延展的手法之一。《鼓声之歌》中将海顿《惊愕交响曲》的主题进行了“分配”，化为三组人物――海顿、贵族夫人以及解说人一的交替主题，这样的主题“分配”使情绪的宣泄、场景的描绘更为鲜明。莫扎特的《土耳其进行曲》中所描绘的土耳其军乐器音响被合唱队员运用人声加以主题化展示。贝多芬《献给爱丽丝》中“半音反复”的动机被合唱运用丰富的人声加以“放大”，并发展为大小三度音程的不和谐“撞击”，原主题至此已经大为改变，难辨其“真面目”了。

由此可见，《流行合唱》中的古典主题选用完全采用了器乐化的手法，在突出原形旋律、主题动机韵味风格的同时，进行了大胆的改变，这些改变赋予了新作以更大幅度地表现力。

2　节奏的遴选

“流行音乐”作为现代音乐的重要体裁，一直以其丰富的节奏律动独领风韵，而爵士乐、摇滚乐和乡村音乐则更甚。《流行合唱》真切地感悟到这一艺术的魅力所在，在编创合唱时进行了创造性发展，这一手法成为曲集的又_特色。

20世纪，爵士乐受到了重视。它在节奏上最显著的特点是大量使用附点节奏、连续切分和三连音形成轻重音游弋、颠倒的摇曳感觉：但摇滚乐的切分音运用有着明确的节奏规律，即每一个切分音都有明确的间隔，从而产生强烈的节奏感；而乡村音乐在节奏上则突出地表现为轻快。《流行合唱》在运用这些“流行”节奏律动上注意了量体裁衣、切合实际。如《西西里岛的巴萨诺瓦》结合原舞曲摇晃动荡的特点，杂糅进摇滚乐节奏，使之与原巴萨诺瓦(BossaNova)舞曲节奏交替出现，并结合拉丁舞曲节奏音型，使原作的音乐更为多变。《玫瑰三愿》中，在男声声部采用了典型的爵士和摇滚均匀的“低音进行”节奏音型，而女声进入时则加入流行音乐元素，两者相互映衬，主题音调更为鲜明。《致爱丽丝》改变了原作中的规整节奏，将重音提前从而形成不合拍子的切分节奏音型。而《“命运”交响曲》中则引入摇滚的“雷格”(Reggae)节奏音型，强烈的动感节奏使全曲以崭新的面貌出现。莫扎特《小夜曲》的第二部分穿曼波・波莱诺(Mambo Bolero)的舞曲节奏，使合唱在舞曲节奏律动中富有生机和活力。

如上富有动感的流行音乐节奏与原作的节奏相互协调、交相辉映，增加了古典原作节奏律动的同时，也增加了古典音乐的时尚动感。

3　和声的设计

爵士乐和声强调色彩化地变换音高，强调音色的粗犷与变化，使得音符与音符以一种含糊不清的方式来连接，它打破音乐进行中的平稳，经常使用高叠置和弦及非协和和弦，如七和弦、九和弦和增减和弦等。所以，古典时期三和弦的手法在《流行合唱》中被大量变换，以此获得了新颖的音响效果和张力。

《流行合唱》中的和声设计大都与节奏的安排相结合，并突出了和声的特性。如《献给爱丽丝》在22小节后的过渡乐段中，在27、31、36小节处运用了爵士和声，突出了大七和弦的张力和小二度音

程的撞击性，突出了不和谐的和声张力，改变了原作的效果。黄自的《玫瑰三愿》中也大量运用了大七和弦来进行音响上的“浓墨重彩”，且这些和声与节奏音响相配合，突出了音响和声张力的爆发式效果。

《流行合唱》中的和声并非孤立运用，它们与节奏、音调，甚至结构的处理，都有密切关系，这就使其中的和声绽放出浓郁的特质，使原作不仅在动机形象上获得了发展，在音响的张力上也予以了意境的挖掘与拓展。

除了上述的音乐手法特殊外理外，《流行合唱》还在结构的把握上予以了新的发展，突出了流行音乐对结构的自由运用，使原作的结构获得了一定展开和变化，如对《献给爱丽丝》结尾的扩充。

由上可见，《流行合唱》不仅在艺术表现形式上对原作进行了改变(器乐的改为声乐)，还在内在音乐创作手法上进行了新的发展，突出了不同审美需求所带来的音乐创作手法的相应变化，赋予古典原作以崭新的面貌与风韵。

人文艺术视野中的

《流行合唱》

当古典时期的音乐以原形魅力在现代舞台上绽放光彩时，它或多或少地带上了“正统”的面具。这种“正统”使其不自然地戴上了“神秘面纱”。与原作相比，《流行合唱》采用了或嬉戏调皮、或诙谐幽默的通俗化风格，在进行了律动感极强的全新演绎后，古典原作并非被置于完全对立的一面。这种改编是着眼于当下多元艺术视野的全新关照。究竟这种编创是否具有发展经典的作用呢，我们不妨进行一些人文艺术的学理分析。

首先，现代艺术的审美需求讲究“以人为本”，“人性化”、“人文关怀”成为艺术创作者追求的一个重要因素。《流行合唱》在形式与内容上采用了清新活泼的艺术风格来表现古典原作的精髓，它首先就考虑到艺术欣赏的对象(尤其是青少年)的现实情况，这些生活在流行音乐氛围中的人群，或多或少地对古典原作有审美上的距离感。《流行合唱》以原作精致的手法和艺术品格为内在核心，以人声为乐器，用爵士乐、摇滚乐和乡村音乐的素材为外在载体，把原作以流行的音乐手法“精致”地表现出来，突出“精致”与“活泼”并重，这就是对原作“人性化”的解读。于是，古典音乐中的“严肃”特质退化为作品中的精髓或根本，“古典”得以传扬。

其次，多元艺术并呈使得表现手法趋于复合。每一种艺术都有其存在的价值和空间，保持与变革是一个永远“常谈常新”的话题。当古典遭遇现代，当严肃遭遇流行或时尚，“文化触变”不可避免。合唱艺术作为群体艺术，其艺术魅力不必多言；古典器乐精品经历时间的洗礼，其艺术魅力也昭然可见：流行音乐作为群众文化，其社会价值和艺术价值都曾被肯定。因此，《流行合唱》将这几种艺术进行了嫁接，复合为现代艺术语言的新尝试，从形式上是适应于“文化触变”的，从手法上采用了“复合”。

第2篇：古典音乐的魅力与价值范文

关键词：跨界音乐 融合 价值观

跨界音乐也称混合音乐，是指把两种或两种以上的音乐风格交融在一起的音乐形式。它的诞生为不同的音乐形态、不同的音乐风格的结合创造了条件，也为大众带来了全新的视听体验。跨界音乐的含义可分为两层：广义上泛指任何几种音乐融合在一起而形成的音乐，狭义上则单纯指古典音乐与通俗音乐相交融的古典跨界音乐，它是跨界音乐中最流行、最具有代表性的一种音乐形式。跨界音乐的历史时间不长，但是它符合社会多元文化的不断发展和人们审美需求的多样化的要求，深受大众的关注和喜爱，在世界乐坛上有着很强的影响力。

1 跨界音乐的起源和定义

跨界音乐的产生比较晚，大约起源于上世纪五六十年代，最早出现于美国。它的产生与音乐排行榜有关，一张新唱片登榜在不同类别的音乐排行榜上即被认为是某种意义上的音乐形式的交叉，成为跨办音乐的原始模型。伴随着这种发展趋势，出现了许多跨界音乐人，如古典辣妹组合、神秘园组合、莎拉.布莱曼、马友友、陈美等等。上世纪90年代，跨界音乐在中国逐渐兴起，女子十二乐坊的二胡演绎、刀郎的老歌新唱、西洋器乐伴奏在中国传统戏剧中的使用等等正成为一种新锐时尚的生活态度和审美方式，跨界音乐在中国的艺术领域获得了更新的诠释。

音乐和音乐家的跨界现象发展到今天具有广泛性和多样性，如何给跨界音乐下一个准确的定义？根据查看的相关资料以及所听到的跨界音乐，笔者总结为在广义上是指不种类、不同形态、不同风格的音乐相融合的一种艺术形式，在狭义上是指古典音乐元素与流行音乐元素的相互交织、结合的艺术形态。“通俗地说就是将不同领域的歌唱方法、演奏方法根据需要改编的一种新的艺术形式，由多种音乐元素混合而成更容易被大众接受和欢迎”。[1]

2 跨界音乐的特点

（1）跨界方式具有广泛性性和多样性。常见的有移植、改编、引用等。从更加宏观的角度来看，就是在古今中外、东西南北、雅俗文野、激进保守和乐内乐外之间的纵横驰骋、自由跨越。如中国作曲家周文中用古琴曲作为蓝本，用西洋的室内乐的编制来呈现的《渔歌》。

（2）跨界音乐人大都具有深厚的古典音乐修养。跨界音乐人大都毕业于专业的音乐学院或受到过名师指点，这是由跨界音乐本身的性质所决定的。跨界音乐脱胎于古典音乐，跨界音乐人必须有坚实的古典音乐基础，才能驾驭这些作品，并在此基础上进行变化创新。

（3）跨界音乐是一种嫁接，更是一种发展。[2] 跨界音乐由多种音乐形式融合而成，既不同于母本，又继承了母本的优点，是一种突破和创新。我们在以看到跨界音乐以打破传统、运用时尚元素和现代技术、融合多态风格的面孔吸引了更多不同层次的听众，形成了新的音乐演绎手法和演出方式组合。

3 跨界音乐的分类

（1）用古典音乐的演唱方式表现流行音乐。如“华人世界第一男中音”的廖昌永用在专辑《情释》通过翻唱王菲的《红豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少爱可以重来》等一系列脍炙人口的流行歌曲让古典音乐走近听众、走向市场作出了积极尝试。

（2）用流行音乐的方式演绎古典音乐。

以古典的弦乐四重奏组合“古典辣妹”为代表，“用流行音乐的形式和现代化的演出方式打破音乐的界限，将古典音乐的精粹与世界各地的声音和节奏互相结合，实现音乐的大同，把不被大多数人涉足的古典音乐展现出全新的概念。”

（3）流行音乐与古典音乐的交织融合。英俊潇洒、实力唱将IL DIVO(美声男伶)为大家充分展示了这一跨办界音乐类型。他们的音乐把古典音乐和流行音乐完美地整合在一起，在音乐界可谓是独树一帜。

（4）民族与古典相整合的中国特色的跨界音乐。在这一跨界音乐形式中，谭盾的《地图》极具代表性。他将原汁原味的湘西本土音乐与现场交响乐融为一体，为我们呈现了一场传统与现代、时间与空间连接在一起的跨界音乐盛宴。

4跨界音乐产生和存在的必然性

无论是在西方还是在东方，跨界音乐能够长期存在并迅速发展，一定有它的必然性。

首先，跨界音乐的产生和发展符合欣赏者价值观和审美需求。人们传统的价值观认为，古典音乐等于高雅艺术，是上层社会的欣赏特权，欣赏古典音乐意味着高雅的品味和高贵的身份和地位。跨界音乐则化解了人们想显示自身的高雅品味却又缺乏对古典音乐的理解之间的矛盾，跨界音乐通俗易懂的特征使受众不同程度地产生“艺术修养较高”的自我认定，体现了受众的价值观。另外，接受群体审美需求的多样化导致了流行音乐创作风格的多样化，而吸收古典音乐元素则为多元化的音乐创作提供了丰厚了创作母体，满足不同人群的需求。从波切利与莎拉.布莱曼在中国演出获得的巨大成功右以看出，多元文化更加受到现代社会人们的喜爱。跨界音乐艺术正是满足了观众对古典、民族与现代等多重文化因素的需求，才受到人们广泛的欢迎和赞誉。同时，对青少年来说，欣赏跨界音乐也是一种时尚，正如何晓兵教授所说：“流行音乐的低龄消费群体真正想购买的，并不是原来意义上的音乐，而是以某种热门音乐为载体的时尚生活方式”。[3]

其次，跨界音乐的内涵在于融合和创新。在各种音乐元素通过自我调节融合在一起的基础上，结合创作者和表演者的更新与超越，从而使其表现力更加丰富，更具广度和深度。

第三，跨界音乐所蕴含的文化内容是跨界音乐长久发展和生存的基石。跨界音乐是一个极具包容性的概念，它所包含的音乐因素比世界上任何一种类型的音乐都要丰富，它应该具有旺盛的生命力和极大的发展潜力。无论是不同民族或不同风格或是古典与流行、严肃与通俗的音乐都能为跨界所用，并赋予原形式以新形象，从而更加鲜活、更具有时代感、更容易被大众所接受。

第四，经济发展、商业利益是跨界音乐发展的又一驱动。企业的营销宣传、演艺公司的商业演出往往会选择社会上正在流行或已经出现流行趋势的音乐形式，这无疑使跨界音乐成为被选择的对象并被进一步推动发展。一些作曲家、演奏家、音乐人也会通过不同的方式尝试对古典音乐的改编，以达到名利双收的目的。这些低成本、高效益和广受欢迎的跨界形式便成了古典音乐延续和重构的载体。

5跨界音乐未来发展的展望

第3篇：古典音乐的魅力与价值范文

关 键 词 ：俄罗斯 古典音乐教育 优秀传统

今年是我国的俄罗斯文化年，许多重要的俄罗斯文化（包括俄罗斯优秀的古典音乐文化）的宣传、介绍和鉴赏活动，正在有条不紊地进行着。中俄关系几个世纪以来在持续发展着，尤其是新世纪以来的发展，开创了两国关系的新纪元。随着我国改革开放的深化和对外交流的进一步扩大，异质文化精华的借鉴吸收，已经成为我们现代化发展的必经环节。正如《望周刊》所说，中国人有着“永远的俄罗斯情结”①，俄罗斯文化年的开展，为我们认识、学习俄罗斯古典音乐文化提供了机会和条件。

俄罗斯作为具有悠久历史和文明传统的大国，在世界文明历史中占有重要的地位。了解外国包括俄罗斯的文化传统，吸收人类优秀文化精华，是我国改革开放的一个直接目标。尤其是深入了解俄罗斯古典音乐文化教育的发展过程，借以进一步与国际接轨，吸取其异国优秀文明传统，为我国音乐文化教育发展服务，对于加强青少年的历史文化熏陶，提升广大青少年的艺术文化素质，都有着极为重要的意义。文章通过介绍俄罗斯古典音乐文化教育的经验和特色，设想通过深入发掘俄罗斯深厚的传统文化底蕴以及蓬勃的现代活力，向公众展示一个全面而又生动的俄罗斯音乐艺术大国形象，给俄罗斯文化年提供一个有益的资料借鉴，也揭示出俄罗斯古典音乐文化教育对于我国现代艺术文化教育的借鉴意义，直接为我们的现代化建设服务。

一、俄罗斯古典音乐文化教育及其特色

作为一个充满音乐气息的国度，俄罗斯已经形成了全民爱好音乐的氛围，这种全民爱好音乐的特点，源于它有着古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。而且，21世纪的俄罗斯经过了诸多社会剧变之后，其伟大的古典音乐不但没有消失，反而得到了更大的振兴，此间的原因，如同俄罗斯格涅辛音乐学院硕士生吕冬所说：“对古典音乐的热爱已经深深地嵌在每个俄罗斯人的灵魂里。”②简要概括俄罗斯古典音乐艺术教育的特色，至少有下面几点。

(一)从小培养，音乐艺术教育深入家庭

俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养，并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力，让儿童从小就受到艺术的熏陶。俄罗斯人最喜欢去的地方是戏剧院，常常是父母带着孩子，一家人兴致勃勃地到剧院去。观看演出时，每个人都很投入，时常报以热烈的掌声，演出结束时孩子们纷纷向自己喜欢的演员献花。音乐厅和艺术展览馆也是父母经常带孩子光顾的地方。孩子们从小就聆听许多世界著名的交响乐曲，感受到许多艺术作品的魅力。父母对孩子的这种通往艺术殿堂的引导和熏陶潜移默化地提高了孩子们的艺术修养。

游览艺术博物馆，是俄罗斯人的嗜好之一。在博物馆的艺术品前，年轻父母对孩子耐心指点、讲解。在周末和节假日，父母常常带孩子去公园、郊外，感受大自然的美，在大自然中放歌、作画、读书、凝思。这有助于把对周围世界的美的观察和感受，作为理解和体验现实生活的快乐、生活美的主要源泉之一，把大自然的美作为进行情感教育、审美教育的一种手段。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所言：“我们坐在大陵墓上，四周响起各种鸟儿和谐的大合唱，空气中飘荡着青草的芳香。我们沉默不语，不必给孩子们讲很多，也不必用叙述填满他们的脑袋……”“让孩子们从儿童时代起就喜欢听百花怒放的花园里和荞麦花盛开的田野上那悠扬的乐曲，欣赏春暖草地上和秋风细雨里那悦耳的旋律。”③这种从小给后代以艺术熏陶的做法，无疑为音乐国度的文明继承和发展，提供了绵延不断的艺术张力源泉。

(二)开设各级各类音乐学校，大力普及古典音乐艺术

据《国外学校和教育》④介绍，俄罗斯有许许多多的七年制儿童音乐学校，学生一边在普通学校学习，一边在儿童音乐学校学习。优秀的毕业生可以通过入学考试进入音乐学院。另外，还有大约1000所儿童歌咏学校。这些学校招收4至6岁的孩子，学制6至9年。除合唱外，可学习乐理基础知识和演奏乐器。俄罗斯有好几座儿童音乐剧院。俄罗斯的学校基础音乐艺术教育，分为强制性公共音乐教育、补充性公共音乐教育和音乐夜校等。音乐课在普通学校中是必修课，一般每周1课时。这类音乐教育是免费的，而且是必须接受的。传统音乐课的内容以音乐知识，音乐欣赏和合唱为主。教师授课时有较多的示范演奏和演唱。音乐课有统一规定的教学内容，使用我们国内较熟悉的卡巴列夫斯基的教学大纲。补充性公共音乐教育亦即上面所说的专门的儿童歌咏学校，七年制。音乐夜校也是免费的，包括音乐俱乐部、音乐小组等。音乐教育的多种形式，为俄罗斯古典音乐的普及，提供了良好的条件。俄罗斯中小学音乐教育的特点主要是：强制性公共音乐教育时间的延长，为九年。同时允许强制性音乐教育教学大纲的多样化。目前俄罗斯政府指定可供选择的教学大纲已经有5套⑤，每所学校可以从中任选一套。此外，音乐教育的实践活动非常丰富。中小学生经常利用业余时间排练举办音乐会，他们甚至可以演芭蕾舞剧、歌剧、交响乐、大合唱等一些难度较大的艺术节目。许多地方每年为少年儿童举办“音乐之春”“音乐团”等活动，充分调动孩子们的积极性。社会各界也都大力支持学校音乐教育活动。有很多作曲家、出版社还每年为儿童出版多种音乐作品集，介绍音乐知识、传播音乐文化，培养孩子们的音乐欣赏趣味，让他们在美妙的音乐声中快乐而健康地成长。显然，俄罗斯古典音乐之历久不衰，自有所本。大力普及古典音乐艺术的结果，直接提升了俄罗斯民族的音乐文化素质。

(三)政府大力扶持

即使是在经济转型、局势动荡时期，俄罗斯政府对古典音乐艺术教育也没有停止。如1999年7月，俄罗斯普通和职业教育部（2003年俄罗斯政府组织改造后已不存在）就专门颁布了《艺术教育大纲》，鼓励各种形式的音乐教育活动，强调加强全民音乐教育。政府的鼓励、支持和投资，使得音乐艺术教育成为全俄罗斯的小学和初中联邦课程、民族地方课程的重要组成部分。当前，俄罗斯小学和初中的艺术教育包括绘画、音乐、世界艺术和文化。又如俄罗斯政府给出了学校音乐艺术教育的最低限度要求，具体是：学生不仅要掌握音乐、绘画和表演技巧，而且更重要的是还要形成对俄罗斯和整个人类艺术和文化价值的认同以及正确的价值观念。从《大纲》中可以看出，俄罗斯中小学艺术教育注重对学生艺术理论和艺术修养的整体培养。俄罗斯的高等教育，更是重视古典音乐艺术教育，俄罗斯不仅专业艺术院校众多，且有很多综合类大学也设有艺术系。这些院校多年来培养了一批又一批优秀的艺术家。如果说高等学府是俄罗斯音乐教育金字塔的塔尖，那么各地音乐学院、艺术中学、小学就构成了坚固而又庞大的塔身。正所谓“为学要如金字塔，又能博大又能高”。再如，俄罗斯政府放开政策，鼓励支持各种音乐艺术教育活动齐头并进。除了强制性音乐教育之外，还开设有专门音乐学校和音乐夜校，这些都是政府出钱，学生免费接受教育的。正是政府的大力扶持，使得俄罗斯古典音乐文化教育蒸蒸日上，为民族的音乐艺术发展，添加了强大的行政力量。有人统计说，按人口比例来计算，俄罗斯青少年中学习音乐的人数在世界范围内都是名列前茅的⑥。

(四)丰富音乐艺术教育的内容

俄罗斯艺术教育的内容是非常丰富的。不管是家庭教育，抑或是学校教育、社会宣传，都强调教材容量的饱满和古典音乐教育内容的丰富。俄罗斯音乐艺术教育的教材内容突现下述几个特点。

一是大量的古典音乐艺术内容被编进教材。在各级各类学校和艺术学院的教材中，都有着大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈的丰富内容。例如从格林卡奠定了俄罗斯民族乐派的基础以后⑦的音乐艺术成就，都被编进教材。许多优秀的作家作品都成为音乐艺术教材的首选。如格林卡的《为沙皇献身》⑧《鲁斯兰与柳德来拉》等，达尔戈梅斯基（Alexander Dargomyzhsky，1813—1869）的《水仙女》和《石客》等，此外还有五人团⑨、柴可夫斯基（Pyotr Tchaikovsky，1840—1893）、拉赫玛尼诺夫（Sergey Rakhmaninov，1873—1943）和斯克里亚宾（Alexander Skryabin，1872—1915）等。教材中，柴可夫斯基承袭的欧陆浪漫乐风，葛令卡作品的俄罗斯的民族性活化，巴拉基列夫、库伊、鲍罗定、穆梭斯基与林姆斯基－高沙可夫等的国民乐派，以及史克里亚宾的不寻常的音色探索，史特拉汶斯基频掀波澜的经典作品，悉数被编进教材。这些丰富的内容，展现了俄罗斯古典音乐的丰富与繁盛，成为俄罗斯青少年艺术追求的典范。

二是教材将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学，使之成为学生成长的文化养分。如世界文化艺术的基本风格和潮流、古俄罗斯音乐艺术、古代和中古文化艺术的特点、文艺复兴时期艺术的人文主义、17至19世纪上半叶欧洲艺术中的古典主义、17至18世纪西欧的启蒙思想及其在艺术中的反映、19世纪文化艺术中的浪漫主义和现实主义、19至20世纪俄罗斯的艺术生活、20世纪文化发展的基本趋势、20世纪末艺术的新形式和新体裁等等，都成为俄罗斯中小学艺术教材和课程的设置内容。

三是教材主要强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色，包括民歌、民间舞蹈、民间节奏等，选择表现民族特征，具有浓郁的生活气息和高雅的艺术特色。俄罗斯主要音乐家的作品有的深沉宏伟，有的敏感细腻，无不深刻地反映了作曲家们处在剧烈变革时代热烈而又丰富的心路历程。如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、第六交响乐《悲怆》，拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲、声乐套曲，普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的交响乐、弦乐四重奏等，从诞生之日起就受到了俄罗斯乃至全世界听众的广泛欢迎，时至今日依然是各大歌剧院、音乐厅里经久不衰的保留曲目。这些具有代表俄罗斯先进文化的作品，都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。

(五)继承传统，致力创新

俄罗斯政府和艺术界人士专注于古典音乐的教育和发展，并致力于不断地创新，使得俄罗斯古典音乐在新的历史条件下，放射出了更加璀璨的光芒。多年来，继承了俄罗斯音乐文化优良传统的古典音乐高雅艺术，伴随着具有音乐天才和前卫思想的新生代的加入，正沿着世界艺术的发展轨道前进。俄罗斯音乐教育创新的成果突出表现在融合与推陈出新上。其直接的成果是出现了许多新的剧团剧院，在莫斯科，由叶夫盖尼·卡拉伯夫主倡的新歌剧院和德米特里·别尔特曼领导的盖利公歌剧院就很有代表性。同时还产生了包括把交响乐、爵士乐、歌剧与音乐剧合为一体的新风格流派。音乐艺术范围逐渐扩大，高雅音乐正在探索一条现代化的道路。比如歌剧中的表演成分越来越多，导演有时会忽略音乐和歌唱的表现之间的差异，力图使演出更具现代感。又如引起观众极大兴趣的国家模范交响乐团与“蝎子组合”的联合演出，也是在寻求传统文化与流行文化的结合点。概括起来，俄罗斯古典音乐教育的继承创新主要体现在：

人文性与经典性的结合。俄罗斯人不是把艺术视为单纯的消遣娱乐或单纯的技艺，而是把它视为人类文化的积淀和人类想象力与创造力的结晶，这样的理念具有极高的人文价值。当前，俄罗斯音乐艺术教育在课程设置上将具有艺术史意义的艺术作品和其他相关的学科知识，作为艺术教育和教学的核心内容。如多少世纪以来俄罗斯各民族的文化遗产、艺术发展的联系和价值、俄罗斯各民族的文化对世界艺术和文化的贡献，等等。我们认为，人文性和经典性的结合，就是一种创新。

强调体验和实践创造。俄罗斯古典音乐艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创作、表演、欣赏、交流、评价等活动中，为学生提供丰富的感性材料和信息，使学生尽情地、自由地参与多种艺术活动，体验艺术学习的快乐和满足，获得身心的和谐发展。通过这些具体的实践活动，鼓励学生的创造，音乐艺术课程涉及的各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换，为学生提供了创造性地解决问题和发挥其艺术潜能的机会，赋予他们表现自我和发挥想象力的空间。例如，每个学期，学校、文化宣传部门都要开办节日演出、周末舞会、专题调演等活动，这些都是学生表现自己发展自己，进行音乐艺术实践的极好机会。正是家庭、学校和社会都在大力强调音乐艺术教育的体验和创造，才使得俄罗斯古典音乐艺术在新的历史条件下，仍然保持着旺盛的生命力。这种艺术张力是永恒的。有人说，在柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫之后，俄罗斯的音乐没有静止，没有凝固，没有被所谓的“现代艺术只能屈从浅薄的市场化”理论所吓倒。“俄罗斯的流行古典音乐让人相信，一个血液里流淌着音符的民族，有的是乐观放达的个性，异彩纷呈的生活。”⑩这除了源于俄罗斯民族对音乐的偏好和根深蒂固的艺术情结之外，俄罗斯古典音乐本身的永恒魅力和俄罗斯音乐艺术教育的执著，应该是首要的原因。

如果说俄罗斯的古典音乐，以其博大精深和丰富繁盛充实着文明世界，在国际上产生重大的影响，那么，俄罗斯悠久的音乐艺术教育传统所熏染的国民音乐文化意识、高雅的艺术追求，成为世界各国有凤来仪的艺术旗帜，那就显得非常自然了。提高文化艺术素质是举世公认的美化心灵的重要手段。作为一种热烈的社会现象，俄罗斯古典音乐的教育普及，给我们以深刻的启示，俄罗斯在这方面的优良传统有很多地方值得借鉴。

二、俄罗斯古典音乐文化教育优秀传统之借鉴意义

随着我国素质教育的不断深入，艺术教育在学校教育中的地位得到显著加强，对艺术教育的价值和功能的认识也日益深化。目前，我国新一轮的基础教育课程改革已经启动，艺术教育是重要的组成部分，俄罗斯全民音乐教育的优良传统及其特色是很有典范意义的，完全可以借鉴到我们的艺术教育中来。

(一)深化改革，加强学校艺术教育

学校要切实加强音乐艺术教育，要通过理念更新和课程设置，把音乐艺术教育摆到突出位置。要去除片面追求升学率的思想，让艺术课程给予每一位学生平等的艺术教育机会，使每个学生都有权利学习和享有人类优秀的文化艺术遗产，使每个学生都具有为生活增添色彩的艺术能力。现在我们的初中高中学校，音乐课比例很少，音乐课歌声很少，有些学校音乐课可有可无，特别是高中阶段，受高考制约，高三学生的音乐活动近乎停止。这是极不应该的。学校应该通过课程标准要求，强化音乐艺术教育。同时，艺术教育要关注每个学生的个性特点、生活背景，充分调动他们的主体意识，为他们创设参与体验、主动探索、积极实践的条件。显然，更新理念，深化改革，加强学校音乐艺术教育，是我们普及全民音乐艺术的关键。

(二)音乐艺术教育要从小抓起

让儿童从小就接受艺术的熏陶，培养他们的艺术感受力和鉴赏力，不断提高他们的审美修养。艺术形象的鲜明多样和直观具体，很容易激发儿童的审美情趣。儿童的审美知觉越深刻，他们思想的飞跃就越有力，他就越渴望通过自己的眼睛去看更多的东西。苏霍姆林斯基曾说：“对所见所闻的观察、倾听和体验，犹如通向美的世界的窗口。所以，我们一项重要的任务，就是教会孩子看到和感受到美，而待他们有了这些能力之后，则要教会他们保持心灵的赞美之情和善良之意。”父母和老师要充分调动大自然、言语、文学、音乐、绘画、造型艺术等一切手段，去发展学生的情感——审美修养。学校和社会应该鼓励学生学习欣赏音乐艺术，鼓励学生投身艺术事业，从事个性化的艺术活动。在中学和高等学校，艺术课程应着力改变艺术学习中的机械模仿与枯燥训练，不以单纯掌握专业知识技能为目标，而是让学生在围绕人文主题的艺术学习中，学习音乐艺术的基本知识和技能，了解艺术的历史和文化内涵，形成艺术体验和艺术能力，获得尊重、关怀、友善、合作、分享等人文素养，促进个性的完善与发展。

(三)政府动员，实现国民音乐人文素养的整体提升

加强国民素质的提升，需要政府的运作。近年来，我国在推行全民体育运动、实现道德纲要目标等方面，都有显著的绩效。我们认为，加强音乐艺术教育、提高国民艺术素养，也需要全民动员。政府可动员有关职能部门和各种媒体，包括宣传、文化、教育、电视、广播、报纸、网络等，加强宣传动员，大张声势，开展富有成效的活动，把音乐艺术意识和理念贯穿到现代化建设工作中去，借以实现民族音乐文化素质的整体提升。近年来，中央电视台每年的春节晚会、《同一首歌》各地巡演活动、湖南卫视的“超女”海选活动等，都产生过万人空巷的艺术效应，值得总结和优化。

总之，俄罗斯古典音乐文化艺术教育的优秀传统，对我国很有借鉴意义。可以预料，经过政府的提倡和推进，发挥学校音乐艺术教育的作用，借助媒体的宣传，加上吸引借鉴俄罗斯古典音乐艺术教育的先进理念和优秀传统，我国的音乐艺术教育一定会开创新的局面。

注释 ：

①中国人永远的俄罗斯情结[J].瞭望东方周刊， 2006.01.11.

②吕冬.俄罗斯古典音乐嵌入灵魂[J].人民日报，2006.06.28.

③李范.苏霍姆林斯基论美育[M].湖南人民出版社，1984.12.

④网络电子读物.sycjzx.com/uploadfile/200633175935808.doc

⑤魏兰.俄罗斯传统公共音乐教育体系及近年来的发展[J].202.121.7.7/person/art/kcgg/gwjy/200509/302.html

⑥同②

⑦格林卡（Mikhail Glinka，1804-1857），为国民乐派的奠基者。确立了俄罗斯民族音乐的发展方向，开启了俄罗斯民族音乐的新时代，被尊称为《俄罗斯音乐之父》。

⑧《为沙皇献身》又名《伊万·苏萨宁》描写一位普通老农为国捐躯的故事，音乐采用了民间音乐的素材，曾被讥讽为“马车夫的音乐”，然而最终还是被承认为第一部俄罗斯歌剧.

⑨五人团（又称“强力集团”）是20世纪六七十年代俄罗斯出现的一个作曲家小组，由俄国音乐评论家斯塔索夫在报刊文章中的称谓而得名。详见《西方音乐简史》，bookcool.com/pdf/12/ts012100.pdf

⑩吴昊.俄罗斯音乐交响曲[J].人物，2006．4

同③，第7～8页

参考文献 ：

[1]李范.苏霍姆林斯基论美育[M].湖南人民出版社，1984．

[2]洛秦.世界音乐人文叙事[M].上海音乐出版社，2002.5．

第4篇：古典音乐的魅力与价值范文

五年前张航通过考试成为中国歌剧舞剧院交响乐团的首席小提琴，那是的他只有23岁。如此年轻就成为国家级院团的首席，这在中国的历史上创造了一个新的记录，这件事至少说明了几个问题，首先说明了张航的小提琴演奏水平出类拔萃，在一向讲究资历的音乐圈里，如果只比别的老琴手强一点点，是绝对拿不到这个位置的，其次，也表明了国家院团的一种新的开放姿态，更多地给予年轻才俊以施展才华的机会，为中国古典音乐的发展纳入新鲜力量。在中国歌剧舞剧院这院交响乐团首席这个位置上，张航展开了他追逐音乐梦想的翅膀，五年时间，从一个天才少年蜕变成为具有国际范的小提琴大师，尽管到今天他才28岁。

张航出生在云南，启蒙老师是他的父亲。从4岁起，父亲就开始教他练琴，在云南遍访名师，那时候，父亲骑着单车，背着琴，带着张航踏上了他的音乐之路。不负众望的张航表现出了异常的音乐天赋，小小年纪就在昆明的小提琴大赛上夺去了少年组的冠军，在全国少儿小提琴比赛中获得第3名，更坚定了父亲将其培养成才的决心。父亲决定带他走出云南。寻找更高明的老师，第张他们来到了成都。成都音乐学院是个高人辈出的地方，在当今中国乐坛有着举足轻重的地位。在那里，父子二人大开眼界，用张航的话说：“成都的水平比昆明高，而且高得不是一点点，不在一个级别上”。在成都停留了一段时间，父亲决定带着张航来北京，因为这里才是中国古典音乐最发达的地方。张航说：“我记得那时候从昆明到北京要做三天两夜的火车，50多个小时，火车是绿皮的，没有空调只有风扇，我和父亲买一张卧铺，两个人挤在一起，下车的时候，浑身都是火车上那种特有的怪味。每年，

到了寒暑假，我们就来北京，找音乐学院的老师学琴，我的小学时代就是这样过来了，差不多有5、6年这样的时光。来了那么多次北京，我只记得车站和琴房，那都没去玩过，也不知道北京到底什么样，学琴的孩子是没有童年的。”

舍弃了童年的张航练就了过硬的童子功，1997年，张航考入了中央音乐学院附中，结束了北京昆明之间的奔波，开启了音乐之路的新征程。2003年张航顺利成章地考入中央音乐学院，顺从著名演奏家梁大楠。在校期间多次代表中央音乐学院在全国及台湾地区演出，2004年赴德国参加贝多芬音乐节大获好评。于2004年北京国际音乐节中获弦乐金奖。2007年以优异的成绩毕业后进入了由著名指挥家胡咏唁先生创办的中央音乐学院交响乐学院攻读演奏家文凭并获全额奖学金。同年考入中国歌剧舞剧院交响乐团并获得乐队首席的殊荣，成为中国古典乐坛最年轻的乐团首席小提琴。

2007年至今多次在国家大剧院，保利剧院，北京音乐厅，中山音乐堂担任小提琴独奏演出，尤其以《梁祝》的独奏获得业内专家的一致好评，并且观众反响热烈，除此之外由他和另外几位杰出的青年音乐家组成的中国UNO MUSIC室内乐也在北京音乐厅，深圳保利剧院成功的举行专场音乐会。2008年应汤加国王乔治，图普五世的邀请赴汤加演出，并得到主席特使，中国驻汤加胡大使的高度赞誉。2009年受外交部、文化部委派，作为中国音乐家小组成员赴印度尼西亚进行两国文化交流演出并担任音乐会小提琴独奏，获得中国驻印尼大使章启月女士的褒奖，称“真正体现了祖国的软实力，为中印良好邦交做出自己的贡献”中国文化部及驻印尼大使馆特发表扬信。印尼政府要员，工商界人士等对中国音乐家小组在雅加达艺术官的演出给予了最热烈的掌声。

2009年与美国旧金山芭蕾舞团在北京保利剧院合作演出芭蕾舞剧《天鹅湖》，并担任乐团首席，受到美国国家芭蕾舞剧院首席指挥，Gharles Barker的高度赞誉，称“张航是一位杰出的小提琴家，发音清晰，技巧与音乐表现力无可挑剔，同时他还是位出色的乐团首席，我给予他最高的评价”

踏着优雅的琴声，张航走上了自己的星途，然而，经历的越多，张航的思考也越加深入，使命感越强烈。张航说：“中国的古典音乐差距太大了，能真正在国际上获得认可的也就是郎朗一个人，力量太单薄了，而且古典音乐、严肃音乐完全是靠国家来支撑和运转，没有形成社会力量，缺乏社会基础”在业务上精益求精的张翰，希望自己不仅仅是独善其身，更进一步地用音乐来兼济天下，为中国古典音乐的发展多做些事情。以此为出发点，张航参与了一系列影视剧的拍摄，他希望通过这些方式和渠道，让更多的人感受到音乐的魅力。古典音乐不应该固守在殿堂之上，将大众拒之千里。应该敞开心扉，以开放的姿态，结合现代流行文化，深入民间。

第5篇：古典音乐的魅力与价值范文

关键词：音乐鉴赏；流行音乐；欣赏方法；欣赏心理

中图分类号： G640.2 文献标识码：A 文章编号：16721101(2012)02010603

收稿日期：2011-10-20

作者简介：陈琳(1973-)，女，安徽霍邱人，合肥学院教育系讲师，研究方向：音乐教育。

在日渐注重素质教育的今天，音乐鉴赏课作为高校素质教育的载体也渐渐突显出来。由于我国高校音乐素质教育起步晚，起点低，没有形成系统科学的教育指导思想，尤其当今这种现状：对象是21世纪的青春少年，而欣赏的音乐却是一味的传统和古典——这样务必导致高校音乐鉴赏课很难上到学生的心坎上，导致高校音乐鉴赏课流于形式，敷衍了事。这也是音乐鉴赏难以普及的原因。如何让音乐鉴赏课在高校开展的好，开展的顺利，让学生既能走进传统和古典音乐的世界，感受音乐的魅力，又能让学生从被动填鸭者转变到主动探索的音乐人？每个高校音乐教育工作者都应深思。笔者认为将流行音乐元素引入高校音乐鉴赏的课堂中，使之成为传统音乐、古典音乐的药引子，让音乐走进高校，走进青少年，是改善当前高校音乐鉴赏课现状的积极措施之一。

一、高校音乐鉴赏课引入流行音乐元素的必要性

流行音乐是一种大众化、群众性的艺术形式。它用最浅显易懂的语言去揭示深刻的思想内涵，具有强烈的时代气息，曲调清新感人，好学好记，易于流传，并且很容易产生互动，引起各层次听众的情感共鸣［1］。

大学生处于生理、心理上都在不断发展成熟的一个特殊阶段，这个阶段使他们有着广阔的视野和积极探索的心态，更容易接受、理解和尝试新事物。具有强烈时代气息和不断翻新的流行音乐作品正好迎合了这一特点，同时接触流行音乐的渠道也多，各种媒介都刺激着他们敏感的感官和知觉。据调查，现在有80%左右的学生不同程度的喜欢流行音乐，对他们来说流行音乐甚至成了音乐的代名词。他们普遍认为流行音乐比教材上的作品更让人感觉到亲切自然，好听，好记，好唱。由此可见其必要性和重要性。

那么，作为高校音乐教育工作者，积极把握高校音乐鉴赏课的大方向，在保留醇香的传统音乐和古典音乐的基础上如何把美妙的流行音乐元素引入高校课堂呢？［2］

二、高校音乐鉴赏课如何引入流行音乐元素

（一）现代流行音乐作品的选择

现代流行音乐更多的受到社会和时代的影响，沾染些浮夸和商品化气息。这就需要我们在高校音乐鉴赏课堂中有选择地应用流行音乐元素。因此，教师在引导流行音乐进入课堂之前，应仔细甄别，把健康、积极向上的流行音乐作品有计划有目的的引入到课堂中，并通过教学教会学生如何选择和欣赏流行音乐作品，吸取精华，弃其糟粕，使他们对流行音乐有更全面和科学的认识，把他们从不加选择的接受引导到对流行音乐的理性认知，使他们的审美情趣和对音乐的判断力得到提升。

在具体的教学中，要根据教学要求，兼顾学生的需要来选取作品。

1.包含中国民族特色的传统元素的作品。这类作品一般包含了很多中国民族音乐内容，如古诗词，地方戏曲，民歌，民族器乐等，此类作品在特定的教学环境中往往给学生耳目一新的感觉，让学生感觉到并不是那么遥远，更不是高不可攀，亲近则进，那么这类作品就可以作为教学中的切入点，引导学生主动去关注和了解我们本民族音乐的根，本民族音乐的美！这类作品很多，如用民族五声调式写成的《东风破》，以及《蜀绣》等作品就渗透着中国民族音乐元素，它既继承了传统的诗词歌赋的文采又穿越了时空来到现代流行音乐的大舞台上，让很多年轻人也为之涌动，随之传唱。

2.励志与情感作品的选择。表达感情的流行歌曲题材很多，有表达爱情、亲情、友情、爱国之情等题材的作品。如歌曲《父亲》，总能让人看到一个辛勤劳作、无私付出的父亲的伟大形象，令人感动。在欣赏和学唱过程中，让学生体会到父母的辛劳，能理解父母，体贴父母，从中得到情感上的激励。歌曲《让世界充满爱》、《感恩的心》等让人懂得人与人之间关爱与理解的珍贵。而一些励志的音乐作品更是在树立正确的人生观、价值观、世界观，培养积极向上的心态，树立远大的理想方面起着重要影响［3］，此类作品有《我相信》、《最初的梦想》等，这类作品，不论是思想性还是艺术性，都具有它的社会价值和艺术价值，往往能从情感上引起听者的共鸣。类似以上作品的流行音乐纳入到高校音乐鉴赏课堂中务必使之增添了其现代气息以及它的通俗性，再把它与其传统音乐和古典音乐相结合更使其增添了课堂的趣味性，从而为老师与学生、艺术与生活之间的沟通架起了美丽的桥梁。

（二）课前精心准备

第6篇：古典音乐的魅力与价值范文

箫的音色深沉、柔美，吹奏幽怨徐缓的音乐有它独特的魅力。它的高音区：清丽、轻巧、细腻。中音区：甜润、柔美、和顺。低音区：饱满、充沛、醇厚。尤其在表现轻柔、细腻、典雅、清丽的江南丝竹乐时，箫经常是乐队的主角，担任独奏或领奏。并且在最古老的戏曲——昆曲中也被经常使用到。五千年来，箫在中国古典音乐的演奏中，占有非常突出的地位。它一直是中国管乐组的常规乐器，并在合奏中担任主奏声部。

众所周知，我国古代知识分子如文人墨客、达官贵人很多都有着对古琴的嗜好，美名曰：“抚琴”。他们有时是独奏，有时是伴奏歌唱，称名“琴歌”。再有的就是与箫一起合奏。千百年来，在中国音乐史上形成了一个很独特表演品种：琴箫合奏。那清亮、浑厚、庄严的古琴和典雅、温和、悠长的箫声合在一起，表现出非常典型的中国气派和古代气韵。因此，箫自然而然地成为古琴音乐中不可分割的一部分。例如著名的古典作品《梅花三弄》、《平沙落雁》、《渔樵问答》等，琴与箫合作的默契程度已达到天衣无缝的效果，成为了我国古典音乐中的精品。

箫如何表现中国古典音乐呢？

首先要掌握我国传统音乐的思想核心“中正平和”，《吕氏春秋·大乐》中说得很透澈：“音乐之所由来者远矣，生于度量，本于太一。太一生两仪，两仪出阴阳，阴阳变化，一上一下、合而成章。……四时代兴，或暑或寒、或短或长，或柔或刚。……凡乐、天地之合、阴阳之调也。”音乐产生于宇宙大自然（生于度量、本于太一）本身就具备一阴一阳的特征。反映在音乐表现上《晏子》乐伦曾讲“清浊、大小、短长、疾徐、哀乐、刚柔、迟速、高下、出入、周疏、以相济也。”相济，就是要求音乐演奏者将上述各种不同、甚至是对立的音乐现象及情绪进行相对的协调，达到主客合一，最后进入“中和之美”的妙境。

中国传统的“中和”美学观点，和箫的个性特征是不谋而合的，可以说在我国所有的乐器中，用箫来表现“中和之美”是最适合的。大家知道，箫的音色圆润、深沉、稳重、含蓄、性格温和沉静，具有忠厚长者及君子之风，具有天生的古典气质。如果加上现代演奏者对古代人民生活的深刻理解及想象，是不难掌握古典音乐演奏风格的。

当我们明了“中和”的美学原理之后，掌握所学的各种演奏技巧，就可以由浅入深地练习和品味中国古典音乐了。那么从箫演奏的特点出发，在美学角度上可以为箫概括四个方面，即：箫性、箫情、箫形和箫品。

一、清虚与淡远——箫性

我国古代文化，无一不受道家的影响，清虚淡远正是道家所推崇的最高精神境界。从字面上来理解，清是清静无为的意思，虚是虚无缥缈，具有一定的浪漫想象的色彩。淡是淡泊、清心寡欲，将酒色财气置身度外的意思。远是远离尘世、超凡脱俗、隐居山林、寄情山水而恬然自得的意思。因此，清虚淡远即构成了我国古典音乐的最大特色，同时也渗透到箫曲中，对箫的演奏风格起到重大的影响。

《霓裳羽衣曲》在中国音乐史上曾有过辉煌的历史。“霓裳衣”是指道家仙女穿的一种服装，具有云霓飘荡，羽毛飞升的道家含义，非常符合清虚淡远的意境，而箫曲《小霓裳》则恰如其氛地表现出这种浪漫色彩。

二、哀与慷慨——箫情

“洞箫清吹最关情”。箫虽然可以表达喜怒哀思悲恐惊等各种情绪的音乐，但从整体来说，表现喜悦欢乐方面显然不如笛子那样嘹亮自如，表现悲恸惊恐情绪时又远不如琵琶、古筝那样激烈。可是，具有内在、含蓄、人声美的箫在表现哀婉、慷慨的情绪时却比其它乐器更胜一筹，形成箫演奏的重要特色之一。

古曲《阳关三叠》表现了唐代诗人王维送友人元二去西北边陲从军时思绪万千，依依惜别的情景，同时也抒发了诗人对不合理的征兵制度的幽怨和愤懣。通过箫的演奏、我们会感受到“劝君更尽一杯酒，西出阳关无故人”的离愁别恨和哀婉之情。

南宋著名词人辛弃疾登建康（今南京市）赏心亭，曾写下了名篇《水龙吟·登建康赏心亭》。他北望被金人侵占的半壁河山，壮怀激烈，嗟叹不巳。其中“落日楼头，断鸿声里、江南游子。把吴钩看了，栏干拍遍，无人会，登临意。”的词句，集中地表现了他壮志未酬的感喟和叹息。当用箫来演奏这支曲子的时候，虽然无词，但依然能感受到词人内心的焦虑与波澜，无言的慨然之情溢于言表。

三、飘逸与凝重——箫形

箫不仅可以表达各种人物和天、地、山、水的运动和形态美，尤其在速度稍快的音乐中，叠、打、颤、赠等技巧都会给我们留下潇洒、飘逸的印象。在著名古曲《春江花月夜》中《渔舟唱晚》一段音乐，箫的独奏惟妙惟肖地表达了渔夫站立船头，轻舟慢桨、引吭高歌，既充满了诙谐愉快的情趣，又刻画出渔人悠闲自得的形象。

在《水云深际》一段音乐，箫的演奏又发挥出其它管乐器所望尘莫及的，具有一定朦胧色彩的飘逸感。它既像泉水叮咚流向江河那样流畅，又似一群少女翩翩起舞时那样充满活力，充分的动感给人留下难忘的印象。

箫的飘逸感虽说有一定的局限性，但它却具有非凡的凝聚力和概括力。前文曾讲过，箫具有的忠厚长者及君子之风，恰恰赋予它特有的总结能力和使人感到三日绕梁而不绝于耳的底蕴。试想：脍炙人口的名曲《春江花月夜》各段音乐的结束句，如果不用箫来演奏而改成其它乐器如琵琶、二胡或是笛子来演奏，肯定会显得缺乏稳重感和概括力。因此箫的作用在此处显示出它的最大的价值和魅力。总之，箫对于表现端庄大方的风度，深沉醇厚的气韵是最合适不过的了。

四、高风与亮节——箫品

我国古代对于乐器历来讲求一个“品”字，即所谓“乐品”。什么叫乐品呢？就是该乐器天生所具备基本品质。当然，这里也包括了它在音乐表现上的层次和品位。严格地说，箫的精神档次是很高的，文化底蕴是很深的。最说明这一点的是：中国人演奏箫这件乐器时一般不叫“吹箫”，而尊称为“品箫”，这个“品”字，请大家不要领会成品尝或品味之品，我们认为应该是品位之“品”，品德之“品”。因此，箫的品位高，关键还在于吹箫人在道德修养、气质情操方面要具备很高的水平。中国有句古语曰：“玉可碎不可损其白，竹可焚而不可毁其节。”古人拿竹节比喻人的气节的诗词是很多的，历代文人都认为竹制的箫也应该具有竹的不屈不挠的个性和节节向上的气概。因此我们学习箫演奏的同时也应该注重自身的品德修养。

第7篇：古典音乐的魅力与价值范文

【关键词】电影音乐；《卧虎藏龙》；审美体现

中图分类号：J643.6 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）04-0091-02

电影音乐是20世纪出现的新型音乐体裁，随着电影艺术的发展，电影音乐已经成为电影综合艺术的重要组成部分。电影音乐发展初期，仅仅是电影放映的配乐，对电影起着修饰的作用。如今，电影对音乐的要求逐渐提高，音乐是电影形成新素材、新结构的重要手段。优秀的电影音乐能够营造出令人信服的氛围，预示人物未能表达的情感或心理状态，是以听觉形式服务于电影的叙事和结构，并在电影中传达文化背景和审美价值。

著名作曲家谭盾凭借《卧虎藏龙》的电影音乐拿到了奥斯卡“最佳原创音乐”奖，主题曲《月光爱人》获得“最佳电影原创音乐”“最佳原创电影歌曲”提名，又以《卧虎藏龙》原声带中的《永恒的誓言》获得“最佳古典音乐”提名，而取自《易》中的吉他协奏曲则获得了“最佳古典音乐协奏曲”提名，这在音乐界产生了极大反响。

谭盾的成功对电影音乐的创作和电影音乐的格局有一定的指导意义，他的音乐本身也显示了中西方文化的交流与融合。《卧虎藏龙》的原创音乐为东西方文化、情感与动作、高雅与通俗之间架设了一座桥梁，开始了一次多元文化融合的新旅程。这也再次证实了中华文化深厚的底蕴是他创作的源泉。

一、电影《卧虎藏龙》音乐解读

在电影《卧虎藏龙》中，谭盾创作的音乐没有因为他旅美多年而变得西化，而是在作品中透出一股更加深邃的东方音乐文化气息，人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达出来。他用西洋乐形式赋予中国音乐内涵的创作手法，创作出强烈的具有震撼效果的作品，也因此获得了世界级音乐原创大奖。

（一）影片配乐。主题音乐贯穿整部电影，是电影的主旋律音乐，具有体现电影主题、预示主人公命运等作用。成功的主题音乐与电影的背景风格相统一，充分表达电影的主题，能够将观众带入电影的情节之中。

《卧虎藏龙》的主题音乐由谭盾谱写，采取三段式的表达方法，以清新的吉他和弦和提琴协奏配乐，构建出一个与江湖刀光剑影隔绝的世界，拥有美丽的大漠风光和永恒的爱情世界。[2]悲伤、低缓、深沉的大提琴演奏贯穿整部影片，开始部分，琴声高古而流美，给人平静的感觉，当笛声悠扬地响起时，一下子吸引了人们的注意。大提琴演奏的音乐宽广辽阔，好似在向观众倾诉着内心的愁苦，沉重中透露着哀伤。低音提琴的加入，使音乐变得严肃起来，最后小提琴出现了，音乐一下子变得饱满起来，好像沉重的压力终于得到释放。在大提琴柔美的演奏中夹杂着琵琶声，音乐就像清澈的溪水静静地流动着。管乐的加入又使音响效果饱满起来，庄重的音乐中又有些生机。

可见，音乐与电影配合得恰到好处，整首乐曲严肃中充满哀伤，有力地渲染了主人公的情绪。

（二）影片歌曲。电影主题曲能够给观众带来奇妙的听觉享受，增加电影的美学和艺术魅力。主题曲的表现形式、曲调风格、演奏乐器、唱法等都需要与电影主题保持高度一致，体现出影片的精髓。《卧虎藏龙》的主题曲《A Love before Time》是一首温柔婉约的古典式情歌，音乐演奏由大提琴家马友友担任主奏，歌手李玟担任中、英文演唱，体现出中西方文化的交融。整首歌曲的伴奏以西方的管乐、大提琴为主，再加上东方的二胡配乐，充分展现出东西方音乐的魅力。整首歌曲的演奏风格幽韵但不哀伤，李玟婉约的唱腔与之相互呼应，是影片中含蓄爱情的表达，烘托出两位主人公被无情拆散的悲惨命运。

二、电影《卧虎藏龙》的音乐审美体现

众所周知，李安的电影特色鲜明，既受到西方文化的熏陶和感染，也充满东方的禅意和冥思的哲学思辨色彩。《卧虎藏龙》就是一部语言朴实自然、叙事风格饱满、展现出民族融合和文化融合的影片。

（一）音画同步，延展画面表意。电影音乐的重要价值之一就是“音画同步，延展画面表意”。电影音乐具有描绘画面的作用，有助于影片画面节奏的把控和提升，形成影片音画同步的艺术效果，最大限度延展画面镜头表意，烘托出影片强烈的艺术表达氛围。电影音乐通过配合电影的镜头调度、场景规划、叙事手法等为电影创造出具有特点的背景气氛，充分发挥音乐的描绘功能，增强对电影画面中动作场面、情感场面的深度刻画，加快视觉和听觉上的节奏，给观众带来紧张的心理感受，增强电影的艺术表现力。

作为电影音乐创作的后续作品，《卧虎藏龙》的多媒体交响协奏曲，正是延续了谭盾在音乐上的试验和探索，更是满足了他在音乐视觉和听觉方面的追求，使音乐与画面、听觉和视觉得到重新诠释和进一步升华，体现出谭盾在音乐方面的创造力和其一贯的音乐创作风格。

谭盾在电影音乐作品中十分善于运用多媒体艺术表现形式，大量采用“自然之声”和“无声”的表现手法，有着淳厚的中国文化底蕴。

（二）替代台词，增强抒情氛围。电影的核心功能就是抒情，由于电影人物许多隐晦的感情和心理活动是无法通过镜头和画面完全表达出来的，此时电影音乐可以替代台词，帮助影片完善叙事语言和效果，揭示主人公内心活动和情感表达。众所周知，李安影片的最大风格就是擅长隐晦的传情表意，音乐的审美功能就被完全\用在其电影中，运用音乐增强电影的抒情氛围。

电影《卧虎藏龙》中设计了两个情感表达段落，一个是李慕白和俞秀莲的隐忍之爱；另一个则是玉娇龙和罗小虎跨越阶层的单纯之爱。这两段感情的表达主要通过大提琴演绎。马友友的大提琴演奏深沉、哀婉、低缓，如同李慕白和俞秀莲之间落寞怅然的心境，也预示着玉娇龙和罗小虎之间的爱情悲剧。最终，当李慕白遭人暗算死在俞秀莲怀中时，他才表达出心里的爱慕之情，此时李慕白对过去充满自责与懊悔，对自己的爱人深深不舍之情全部表达出来，搭配大提琴表现出的与二胡演奏相似的音乐质感，呈现出哀愁、幽静的情感氛围，也表现出影片中人物对感情的无奈。最终伴随着李慕白的离去，大提琴声逐渐淡去并消失，电影镜头也从低位逐渐拉高，将影片推向无力挽回的苍凉氛围中。

三、结语

影片《卧虎藏龙》没有一句多余的对白，没有一个滥用的镜头，通过音乐完全表现出中国传统文化写意之美，整部电影就是一首哀而不伤的抒情诗。谭盾的作曲，马友友的大提琴演奏，《永恒的誓约》《丝绸之路》《思慕青冥剑》和《离》里深沉隽永的抒情，鼓乐《夜斗》干脆利落地烘托武打场面，让人欲罢不能。

整部影片配乐风格清新悠远，哀而不伤，与电影的意境相得益彰，就像影片中李慕白说的那样，“我们能触摸的没有永远”，也许这就是《卧虎藏龙》电影音乐想表达的深意。

参考文献：

[1]陈辉.传奇现代性与武侠文化之积淀――再论李安武侠巨制《卧虎藏龙》[J].世界华文文学论坛，2013，（4）：62-66.

第8篇：古典音乐的魅力与价值范文

关键词：萨克斯管 配器学 交响乐 运用

一、概述

萨克斯管在西洋乐器中是一个相对较为年轻的成员，它具有木管乐器和铜管乐器的双重属性；又兼备古典音乐和通俗音乐的双重范畴，是有多种功能和多重属性的特色化乐器。其造型独特、音色迷人、功能丰富、应用广泛，诞生后不久便迅速渗透到多种类型的音乐领域，风靡世界乐坛，凸显其个性化的发展形态和新颖别致的乐风。萨克斯管是一件很尴尬的乐器，既有铜管的特点又有木管的影子，所以在交响乐总谱里面，萨克斯管居于铜管的上面和木管的下面，在夹缝中。故而，在交响乐中的运用并不是很频繁，作品也比较少，只有典型的几部中用到，如《阿莱城的姑娘》、莫索尔斯基的《图画展览会》（又译《展览会之画》）等等。所以萨克斯被普遍认为是布鲁斯与流行蓝调的代名词。

萨克斯是萨克斯风的简称，萨克斯风（音译）（英语：Saxophone）是一种木管乐器，但是管体通常是用黄铜制造，使得萨克斯具有铜管类乐器的特性。有意思的是这点常造成归类上的分歧。从发声原理上来看萨克斯和同样使用单簧片的单簧管更接近，但从材料构造上却与铜管乐器等同。这样的特点就是其本身兼具了两类乐器不同的性能和极具个性的音色。萨克斯基本有两个本调，即：bB（ 高音，次中音），bE（ 中音，上低音），现在经常用的有四种萨克斯管：降B高音萨克斯管（Soprano saxophone）、降E中音萨克斯管（Alto saxophone）、降B次中音萨克斯管（Tenor saxophone）、降E上低音萨克斯管（Baritone saxophone）。以上几种萨克斯管的指法完全相同，全都是移调乐器，用高音谱表记谱。

二、萨克斯在交响乐中的运用

随着现代派音乐的发展，萨克斯的应用范围逐渐扩大，不仅在爵士、流行、布鲁斯蓝调中广泛运用，而且也转向了严肃音乐的行列。近年来，在众多交响乐中，萨克斯的身影随处可见，尤其以现代派的音乐创作为基调。更是在交响乐中彰显了萨克斯独特的魅力。我们熟知的，在交响乐中运用萨克斯的作品如《阿莱城的姑娘》、《图画展览会》（又译《展览会之画》）、《波莱罗》等，其中的萨克斯片段极具魅力。可以说为以后的萨克斯在交响乐的创作奠定了坚实的基础。

除了以上经典交响乐中可觅萨克斯踪影外，其余在交响乐中对于萨克斯的运用基本都是在现代交响乐中。最多的便是运用于被改编的现代交响乐当中，比如萨克斯与乐队合奏版的《我心永恒》、《情人的眼泪》、《人鬼情未了》、《田那西华尔兹》、《四海一家》等。在久石让的作品中，萨克斯的运用也比较常见。但总体来说，萨克斯在交响乐中的运用在形式而言，主要是以协奏为主，除此之外，还有大量的现代乐曲编配的再创造，亦有传统萨克斯独奏曲的交响化演绎。总之，萨克斯与交响乐的结合已普遍化，但原创性的作品实在是凤毛麟角、屈指可数，使得萨克斯融入交响乐这一现象繁而不盛，造成从意识上对乐器本身的误解，认为萨克斯就是流行，萨克斯就是爵士。

三、作品创作中配器因素的制约

原创的作品，尤其是交响乐，在对一件乐器的运用上，很大程度上都依赖于配器这一因素，配器要根据音乐内容的不同而配以相当的场景音乐。这种创作方式基本上有两种程式，第一是根据音乐所表现的内容与思想情感来选用乐器，这是常用的方式，也是最基本的方法；另外一种是根据特性乐器的音色进行音乐创作，这一方法是前者的配合使用；后这人在古典音乐的创作时期基本上是被搁置不用的，在现代派的创作上这种方法尤其普遍，由于现代派的音乐多着力表现一种奇特与怪异的音响效果，所以这种创作方法无可厚非的成了现代派作曲家最青睐的方式之一。

萨克斯作为一种介于古典与现代，木管与铜管之间的特色乐器，在表现现代元素与流行元素上具有其他乐器无法替代的作用。由此来看，萨克斯在交响乐中的运用无疑就要靠这些现代派作曲家了。萨克斯的主要特点是音色美妙变化，深沉而平静，富有感情，轻柔而忧伤，好像回声中的回声、在寂静无声的时刻，没有任何别的乐器能发出这种奇妙的声响。因此萨克斯被誉为“无与伦比的风流乐器”。萨克斯管的音色上富有戏剧性，既激烈狂燥又安镑深沉，既滑稽又富于伤感。在演奏滑音、颤音、吐音；超吹的特点方面，便适应了现代音乐主要的表现因素。

四、结语

所以，想要在交响乐中占据一席之地，就要寄希望与现代派作曲家的创作，尤其是在配器上的功夫，务必要与萨克斯的特点契合。只有创作出大量的作品，才能增加萨克斯在交响乐中地位，只有让一部部经典永存于听众心中，才能平添萨克斯真正的特色与魅力。

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第9篇：古典音乐的魅力与价值范文

自1996年7月29日国家教委《关于加强全国普通高等学校艺术教育的意见》通知后，全国各类大学增设了越来越多的音乐选修课程。公共选修音乐课的开设旨在提高非艺术类大学生的音乐鉴赏能力，陶冶情操，提升其艺术素养，进而达到培养全面发展人才的目标。随着经济、教育改革的不断深入，社会的不断进步，现行的音乐鉴赏教材部分内容显然已经不能适应当代大学生的需求。我国高职类院校办学宗旨主要以培养应用型人才为主，更强调学生专业技能的培养，容易忽视学生的音乐素质教育，学生自身也有轻视此类公共选修课的趋势。这一现象不利于青年一代综合素质的提高，怎样解决这一问题，探寻合理的解决对策则显得尤为重要。笔者认为以影视剧音乐鉴赏为音乐欣赏课的切入点，因其综合性更强，更加贴近学生，会让学生更乐于接受，更利于调动学生的学习主动性和积极性，增强教学互动，有利于开展分层教学，进而提高课堂教学的效率，充分发挥其育人的功能。

一、目前音乐鉴赏课的现状

1.目前各高校公共音乐选修课几乎无一例外将《音乐鉴赏》作为开课首选，旨在通过欣赏音乐提高大学生的音乐审美能力，提高综合素质。特别是一些规模大的学校，公共选修开设课程较为细致、多元，即使很小众类的音乐课程也能形成一定规模的学生群体；而相对于一些起步较晚的高职院校，因处于办学初级阶段，师资、学生数量有限，加之学生之间的音乐感知能力差距并不是很大，这在客观上也决定了音乐公共选修课的开设类别不可能很细致，承担着美育重任的《音乐鉴赏》课程的质量在这类学校就显得尤为重要了。现行《音乐鉴赏》课程教材的内容主要是中外优秀经典曲目、人物及一些音乐基础性知识，试图通过音乐美的特殊魅力和育人因素感染学生，潜移默化地对学生施以高尚的道德情操教育，但是特别是学生们喜欢的现代流行音乐的内容分量很少，不能满足学生的需求；其次，如果学生不具备一定的音乐基础的话，这类传统教材会让学生有高高在上的距离感，从心理上就会产生排斥。如果以《影视剧音乐鉴赏》为切入点会让学生从心理上更易接受，产生共鸣。因为影视剧是一种比较大众化的娱乐类型，其音乐既有古典音乐的深刻，又有流行音乐的通俗，二者与一定的剧情、画面结合更具亲民特质，更贴近现实生活，况且结合剧情欣赏也不易造成听不懂的现象。内容选取得科学、合理的话，可以将《音乐鉴赏》教材的大部分内容巧妙的渗透进去，潜移默化间就完成了教学目标。随着课程的改革和体制的逐步完善，公共选修音乐教育的视野也需要与时俱进。目前《影视剧音乐鉴赏》我国只有极少数的传媒及影视类院校已经开设，大部分高校公选音乐课仍然以传统教材《音乐鉴赏》为主。

2.自笔者任教高职类学生的音乐公共选修课以来，发现选修学生中大概三分之一学生是抱着混学分的态度，觉得这类选修课又不是专业课，对就业又没有什么明显的益处，只要轻松拿到学分就万事大吉了。另外，大部分学生的音乐审美倾向比较单一，基本只对流行音乐有兴趣，对于音乐其他类别，特别是古典音乐、民间音乐、戏曲基本没有什么兴趣，课堂上也很难产生共鸣。而影视剧音乐结合一定的故事、情节、内容的表达等，并融合了一定的画面，视听的结合赋予了音乐更加直观、立体的特质。课堂教学应该调动不同层次学生的学习主动性和积极性，以影视剧音乐鉴赏作为音乐欣赏课的切入点，首先从心理上抓住了学生的兴趣点，消除了距离感。

二、开设影视音乐鉴赏课的理论支撑

鉴于上述现状，如何让高校公共艺术类的欣赏课更加趋于合理、规范、人性化？这个问题也早已进入学界同仁们的理论研究视野，国内学界对这一课题的探索为《影视剧音乐鉴赏》课的开设提供了坚实的理论支持。如曾宏华《高校音乐公共课中渗透影视音乐教学的意义》、陈晨《浅谈影视音乐如何辅助大学音乐教学》杨佳君《论大学生影视音乐欣赏能力的培养》、郭婧《古典+流行=时尚――从影视音乐谈起》韦民《浅谈影视音乐的价值与魅力》、张红颖《浅谈影视音乐对大学生综合素质的积极作用》、郭强《影视音乐在大学音乐欣赏课中的作用》、左建新、张译文《音乐欣赏课中的影视作品应用》、吴跃华、闫辉《论影视音乐在学校教育中美育功能的实现条件》、张达生《让大学生在电影中体验音乐的美》、温洪青《谈影视音乐的德育功能》、石延春《浅谈影视音乐在音乐教学中的运用》等众多学术论文充分肯定了影视剧音乐在大学生音乐艺术素质教育中的迫切性、不容忽视的积极作用以及现实意义；另外，钟春明的学位论文《普通高校音乐欣赏教学内容调查研究》、吴晓燕的学位论文《选取电影音乐在普通高校开展音乐欣赏教学微探》、沙欣的学位论文《独立学院音乐欣赏公选课教学的问题与对策研究――以西南大学育才学院为个案》中除肯定了影视音乐在大学生音乐素质教育中的重要性，并对此课程的必要性、前瞻性、可行性以及课程的实施等方面进行了可行性探讨，这些都为本课题的实际操作奠定了学理基础。

三、影视剧音乐鉴赏课程的教学内容优化、整合

1.将传统音乐鉴赏课的内容渗透在影视音乐中开展教学，首先课程名称使学生从心理上会乐于接受，可以有效解决学生对古典音乐、戏曲、中国传统音乐的距离感和心理上的排斥，有利于激发学生的学习主动性。其次，鉴于大多数学生音乐审美趣味狭隘、单一，只对流行歌曲有兴趣，不利于从人文素养的角度得以综合提升，使课程的育人功能大打折扣。而优秀的影视剧音乐包含有我国优秀的民间音乐及西方的经典音乐，内容丰富多样，雅俗共赏，更容易产生共鸣，潜移默化中提升了学生的审美水平。著名作曲家谭盾的电影音乐将中国的民族民间音乐结合西方现代作曲技术，使作品既有东方神韵，又不失现代感，巧妙地诠释了中国式东方哲学，在国际乐坛赢得令人瞩目的成就。在电影《卧虎藏龙》中，谭盾将丝竹与戏曲的元素发挥得恰到好处，音乐在配器上选用二胡、竹笛、琵琶、鼓、巴乌与钟类、西洋管弦乐器等，中西音乐相得益彰，作品具有浓浓的中国风，将中国音乐元素展示于国际舞台，效果震撼；在电影《夜宴》中因为台词较一般电影偏少，音乐的分量显得尤其重要，许多部分是靠音乐渲染气场和情绪，这对于作曲家来说也是非常具有挑战性的。特别是其中的《越人歌》想必一定让人过耳难忘了，作曲家除了运用民族乐器，还将这首壮族古老民歌经重新编曲和配器，焕发出新的生机。歌曲仅有短短的六个乐句，根据剧情通过变奏、配器、男女声的演唱等使其有了丰富的层次与表情，具有极强的感染力，充分向听众展示了中国音乐的独特魅力。如果离开电影这个媒介，特别是目前的90后大学生，对于中国的传统民族民间音乐和戏曲尤为疏离，对这类音乐作品，学生会从心理上就排斥。而借力电影，不知不觉间学生就随着电影音乐走入其间，受到感染，会突然发现我国的民族民间音乐、戏曲等还是蛮好听的，有着其独特的魅力。陈凯歌执导的电影《和你在一起》，片中主人公为证明自己学有所成而苦练柴可夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》，定会在学生心中留下深刻的印象，若离开了剧情纯粹让学生欣赏这个作品，就没有这样好的鉴赏效果了。影视剧音乐的综合性很强，融合了听觉、视觉、文学、戏剧、诗歌等艺术，优秀的影视音乐更是情感、道德、价值观的体现，更直观地体现了音乐艺术的育人功能，拓展了音乐的内涵和外延。对此，早在2008年就有学者张红颖撰文《浅谈影视音乐对大学生综合素质的积极作用》指出：“影视音乐具有较高艺术审美价值和广泛社会学价值，对提高大学生们的综合素质有着十分积极的作用。”另外，“影视音乐不仅对人们的心灵、性格、情感、意志、思想有所陶冶，而且使美的艺术感受力得到升华，使他们在精神上、心理上、行为上处于和谐的健康状态，拥有平衡的心境和开阔的胸怀，从而形成科学的世界观，人生观和和高尚的道德情操。”①

2.将传统公共选修音乐课的音乐鉴赏课授课内容优化、整合，增加现代轻音乐、流行音乐以及近年来热播的部分影视剧音乐的内容，并将传统教材中的大部分内容渗透在雅俗共赏的影视剧音乐中，激发学生的学习兴趣及教学学生都有收获，进而提升学生们的音乐鉴赏能力。“普通的大众往往不具备专业的音乐知识，欣赏起大部头的交响乐、歌剧等往往有困难，但是电影的画面、故事为大众欣赏电影中的音乐提供了理解的条件。”②只有理解了，才会在心中留下深刻的印象。其实，影视剧音乐中不乏交响乐这种配乐形式，如《指环王》《乱世佳人》《阿拉伯的劳伦斯》《泰坦尼克号》……依托影视剧为媒介，结合特定的剧情，学生们会有听懂了的感觉。动画片《猫和老鼠》里面的配乐甚至还有肖邦的圆舞曲，灵动的音乐与令人忍俊不禁的幽默剧情交织在一起，定会在学生心里留下难忘的印象。音乐鉴赏课程里通过感性的对比聆听而理性分析中西方在音乐观念、音乐审美、音乐思维方面的异同，这部分内容如果没有很好的媒介激发学生的兴趣，引导学生主动探索、思考，学生要么被动地依赖老师的讲解，要么根本就没兴趣思考，不利于开展以学生为主体的教学。如果以影视剧音乐为媒介，学生体验到中国音乐较为含蓄细腻的审美与西方音乐强调矛盾、冲突，注重音乐的戏剧效果，进而才能更好地理解中、西方的音乐审美和音乐观念。近年热播的电视剧《甄?执?》第13集中出现的《惊鸿舞》具有浓厚的中国宫廷音乐风格，音乐主要的演奏乐器为古琴、古筝与笛子，歌词是曹植的《洛神赋》，舞蹈是水袖舞，音画结合，古韵浓郁，可以令学生感受到浓浓的中国古典音乐的神韵，进而引导学生思考、讨论古琴的文化意义，深化、拓展音乐鉴赏的内涵。只有激起了学生的兴趣，才有了引导他们进一步深入思考的可能性，才能将学生的音乐审美能力在不知不觉间逐渐提高，而不是仅仅停留在感性、娱乐的较浅的审美层次上，真正达到“润物细无声”的育人境界。

四、结语

伴随着时展，经济、教育改革的推进，高职类公共音乐鉴赏课程也需要顺应时代潮流，根据新时代社会的发展对人才结构的需求做相应的调整。当今社会更加需要具有综合素质的人才，青年一代是国家、社会新的希望，肩负着国家富强、文明的重任。高等教育担负着培养青年一代的历史使命，怎样更有效地提高青年一代综合素养，是教育界永恒的主题，对此，本文探讨了高职类音乐鉴赏课程在新形势下，根据当代大学生的特点，以雅俗共赏的影视音乐鉴赏为切入点，在教学中更好地发挥学生的积极主动性，激发学生的兴趣，育人效果事半功倍。

注释：