文学与艺术的碰撞精选(九篇)

前言：一篇好文章的诞生，需要你不断地搜集资料、整理思路，本站小编为你收集了丰富的文学与艺术的碰撞主题范文，仅供参考，欢迎阅读并收藏。

第1篇：文学与艺术的碰撞范文

目前，Internet己成为世界上规模最大、门类最全、资料最多的资料库。由于计算机网络技术的应用，全世界的资源皆可全部共享，不管你在世界的哪个地方，不论是哪个时间点，只要坐在计算机面前，都可以利用网络搜寻世界各地计算机数以万计的文件，并从中寻到你所需要的文件资料或是素材，再不济也会为你提供与此相关的文件信息。Internet使得偌大的地球成为了“地球村”，最大限度地服务于社会、人类，突破了时间、空间的限制。在浩瀚的素材资源中，文艺创作者可从中获取大量的间接经验和审美感受，有利于文艺创作者创作灵感的激发，进而得到启发，积极推动自身的创作发展。

2数字技术对创作思维和创作观念的影响

众所周知，网络计算机技术与数字新技术的不断渗透使得人们正快步进入现代技术文明的新时期。人类社会的物质文化、精神文化也因为网络带来的虚拟空间不断地进行着革新；人类的生活、学习、工作、交往方式以及节奏也由于现实世界与虚拟世界的相互交错，发生了巨大的改变，一定程度上文学艺术的思维深度也不得不进一步拓宽，并向多样化、立体化方向发展。《技术帝国》该书的作者曾特意向世人发出了一个警告，该作者说：“我们所面临的21世纪将越来越受制于世界的数字化。”作为时代的影子，文学艺术家时刻关注着世界的一切变化，而作为创作主体，他们也具有别人所不具备的敏锐的洞察力以及观察力。现阶段，包括文学艺术在内的社会各个行业或是领域都在积极迎接数字化的变革和洗礼。克莱夫•贝尔，一位著名的英国美学家，他认为科学属于现实实证的领域，理智的领域，而宗教和艺术皆属于幻想和情感的领域。如今，文学艺术创作思维当中，感性思维与理性思维完美结合，文学艺术与科学技术，数字图像处理技术与理论的推广与应用联姻等，这都预示着数字技术在不断地改变人类的创作思维和创作观念。人们的认知形式由于现实与虚拟的碰撞，发生了极大地变化，人们对于美的审视有了新的观点和标准。美和新是分不开的，美好的艺术方法不能停留在原地不发展，束之高阁一成不变的美好艺术会在观众和读者心理引起疲倦。文学艺术家的审美价值要紧跟数字技术时代的步伐，才会得到更多读者和观众的认可，创作思维和创作观念的不断变异和更新才能将审美价值延续并发展下去。

3数字技术对创作方法的影响

文学艺术的创作因为计算机技术的应用，获得了更为方便、快捷的技术手段。“数字”或“数字化”的着眼点在于工具本身，指的是通过对计算机技术的直接利用使工作完成。与其他传统的文学艺术作品相比较，计算机技术在很多方面都有其不可替代的优势，其中包括传播、编辑、存储、表现、复制等诸多方面。科技与文学艺术之间由于计算机搭建的桥梁，使得两者之美相互融合，让人类的创新思维与想象变为现实，呈现出无与伦比的视觉审美，冲击着人们的视觉神经。文学艺术的创作过程中逐渐出现了数字技术的身影，数字技术已经成为它表现形式的一部分。对于各类文学艺术信息，与其相关的前期收集、整理，以及后期的编辑、加工、展示或是研究，数字技术都渗透到其每一本分。由于数字图像处理技术的应用，人类许多发散性思维想象的画面得以多元化、直观性地表现给大众读者，这功劳主要归功于数字技术。

4数字技术对创作形态的影响

此外，文学艺术的创作形态也因为计算机技术的逐渐渗透发生了质的改变。数字科学技术的发展不仅使文学艺术作品表现方式更为丰富，为其提供新的宣传的物质手段和技术手段，另一方面更是衍生出新的艺术形式和艺术种类，创造了新的职业人群。如我们所熟悉的网络文化以及数字艺术专业和自由撰稿人。文学艺术创作由于数字科学技术的介入，使其表现形式在很大程度上向视觉艺术形态转变，二者优势互补，相辅相成，文学艺术同时也促进了数字艺术的发展。许多人类幻想的画面由于数字化后期合成技术的使用使其实现了视觉上的可能，数字可以对现实进行虚拟，通过变换艺术的各种成分，包括光、画、声、色、镜头、语言文字等将其融为一体，使人造的事物如同真实事物一样生动、形象，给人带来一种审美的共同感，有时用数字技术造成的画面甚至比真实事物更加逼真。其中为我们呈现的美轮美奂单纯地通过书面语言是无法感受到的，而通过数字技术却给我们带来了人类从未见过的一些景象。如今的数字化时代，使一些不可能成为了现实，经过数字化技术的加工许多传统经典的文学艺术作品正以一种全新的艺术形态呈现在人们眼前。例如我们从小便熟知的四大名著中的《红楼梦》、《西游记》以及数字电影京剧《对花枪》等。

5数字技术对传播手段的影响

文学艺术作品由于数字传播媒体的应用和普及，有了更为广阔的传播空间。数字传播媒体便于收集、整理、编辑、加工、保存、复制、展示，致使文学艺术的传播手段多种多样，可由单一转向多元，由静态转为动态，由二维转向多维，该技术为文学艺术创造了新的审美活动形式。随着网络技术、计算机技术以及通信技术的飞速发展与融合，艺术作品的传播、体验、表现在技术上都能很容易地融合为一体。文学艺术的传播手段逐渐倾向于电子媒介化。传统的纸质媒介、电视、广播、电影向数字视频、数字音频、数字电影方向快读地发展，并逐渐与电脑动画、虚拟现实等构成了新一代的传播媒体，也就是数字传播媒体。2008年让世界人民瞩目的北京奥运会和残奥会的开幕式的呈现便是文学艺术数字化传播的典范，这足以证明数字传播媒体技术已经成为了文学艺术不可或缺的一部分，新的审美活动形式由此开启，一场文化艺术的视觉盛宴震撼世人，告诉我们数字媒体技术的无穷魅力，展示科技美与文化美相互融合呈现的完美盛宴。但是物极必反的道理我们不能忽视，传统信息传媒由于数字传播媒体技术的广泛应用受到了强烈的冲击，尤其是报纸这一传统媒介。如今在美国，“如何才能拯救报纸？”已成为当下美国报界最热门的话题之一。尼葛洛庞帝在《数字化生存》一书中有谈到，人类的每一代都会比上一代更加数字化，从事与信息相关事业的人，如果不及时进化到数字时代便会失去生存的权利。

6结语

第2篇：文学与艺术的碰撞范文

 

喜剧的特征是笑，喜剧艺术的特征是滑稽、幽默、诙谐、讽刺，这是文学艺术界历来对喜剧的一般看法。但是，纵观喜剧艺术的发展，喜剧的笑中却始终蕴涵着悲剧的成份。越是细心体会喜剧的笑，就越发感觉到喜剧中蕴涵着人类的悲剧精神，同样，悲剧的生命意识也蕴藏在喜剧艺术中。

 

希腊悲剧起源于酒神祭祀仪式中的“酒神颂”，喜剧则起源于葡萄丰收时节酒神庆典仪式的活动，二者都与酒神结下不解之缘。在俄林波斯神话里，酒神是一个遭受残酷迫害却仍然狂欢作乐的神，他之所以被创造出来并且引起人类的共鸣，就是因为他的醉生梦死恰好和人类天真好奇、顽强生存却又不能左右命运的境遇相和谐。现在人们已无法追溯酒神最古老的身影，但直到古希腊民主政治的鼎盛时期，人们仍然可以看到酒神的祭祀庆典依然盛行。活动中，酒神的生命刚好完成一个死而复活的循环，古希腊人正是在这循环中反复体验着酒神生命的痛苦和死亡的美丽，体验着酒神醉生梦死的欢乐与疯狂。

 

正如尼采所说：“这一民族如此敏感，欲望如此热烈，本质如此特别地能受苦。这种民族如果不在诸神当中发现他们自己的生存是被更高的光辉所笼罩，他们将有什么别的办法生存得下去呢?产生艺术的这同一冲动，作为生存的补充和极致，而引诱人类得以延续生存，这种冲动也促成俄林波斯世界的产生。”所以，作为生存的补充和极致，源于人类生命的内省意识，希腊人创造神话、史诗，同时也创造悲剧和喜剧。

 

生命的存在始终面对毁灭，毁灭威胁着生存，同时又创造新生，于是，有了人生的悲剧和喜剧。正是在这种生存还是毁灭，悲喜交加的体验中，为了减轻生存的痛苦，鼓荡起生存的勇气，坚定地寻求生命的意义，人类才创造了悲剧和喜剧。悲剧使人寻找并赞美人生的伟大与崇高;喜剧则使人迎接生存的欢乐与迷醉，探索生命意义及其存在的方式，二者的差异仅仅是艺术的形态，二者的精神则是高度同一，即：直面惨淡人生，将生命之真诚奉献给生命。悲剧把人的目光引向抗争、流血、死亡，将悲壮的牺牲献祭给永远处于前赴后继的人们面前，让人们勇敢地迎接死神的挑战，以无所畏惧的牺牲去求得生存与发展。

 

喜剧则把人的目光引向生命道路的迷津，将生命存在方式展示给人们，使人们抛弃罪恶，回避虚无，求得人类的进步，在死亡中庆贺复活，就像阿里斯托芬所说，“死人所受的惩罚是罚我再活一辈子。”尽管在艺术世界里，悲剧摹仿的对象与喜剧摹仿的对象存在明显的差异，然而，悲剧与喜剧的主体精神却是同一的，因为二者都显现主体趋向完美，趋向幸福的内在需要。

 

喜剧也是高尚、严肃的艺术，它需要的诗人绝不是亚里斯多德所说的轻浮的诗人，而是高贵、正直、认真对待生活的人类的优秀儿女。古往今来，有多少优秀诗人献身于喜剧艺坛，导演了一幕幕著名的喜剧，并且，用他们的生命演出了一幕幕人生悲剧。喜剧之父不仅率直地宣布“使人类堕落的诗人应当处死。”而且，因为抨击非正义的行为还受到统治者严厉地制裁。古罗马诗人朱文纳尔戳痛了社会的脓疮，便遭遇终身流放埃及的判决。“神的喜剧“的诗人但丁，终身为意大利民族复兴奋斗，最终在异乡拉文纳悲惨死去。以讽刺教会、呼唤人性复归为宗旨的诗人卜伽丘，活着时遭受教会的迫害，死后还被挖坟暴尸。

 

悲剧面对残暴与灾难，超越死亡，充分展示精神的伟大与崇高;喜剧面对丑恶，超越生活，充分显示人类对于卑鄙、丑陋、渺小的批判精神，二者都是在为人类的生存寻找一条从有限到无限、从自然到自由、从现实到理想的精神之路。但是，喜剧的笑与悲剧的泪终究是两种不同的艺术形式，悲剧通过主体内在需要的宣泄完成艺术的显现，喜剧则通过主体内在需要的满足完成艺术的显现。人的生命根植在自然与社会中，就必须接受自然法则和社会契约。在悲剧和喜剧的艺术世界里，由于艺术与人生存在着距离，人们便可以在艺术的创造、接受中获得尽情地宣泄和满足。面对喜剧舞台，人们可以愉悦地笑，尽情地笑，无声地笑……喜剧的笑不同于现实的笑，它与现实的丑陋、低俗、恶意等引发的笑完全相反，它是人的精神超越现实之后的欢欣，是人们追求自由与光明，抛弃丑恶与黑暗的表达，也是人的生命缺憾得到补偿后的满足和快慰。

 

喜剧的笑还是一种混合着与痛感、高尚与宽容、蕴含着悲剧意味的笑。尼采谈论悲剧时说：“从酒神的笑声里产生了俄林波斯诸神，从它的眼泪里产生了人。”事实的确如此，《伊利亚特》是描绘希腊人的伟大悲剧，可是悲剧的后面却是一群极富喜剧性的导演人间悲剧的诸神。阿里斯托芬的“云中鹁鸪国”里，自由的鸟儿、顽皮的猴子使得人们为自由、幸福远离人间而悲哀。塞万提斯的堂·吉诃德疯狂痴癫，令人笑得发痴，可是，他的内心却流露着倍受摧残，理想化为泡影的悲哀。莎士比亚嘲笑夏洛克的自私、残忍和冷酷，又流露出对这个犹太人倍受歧视的同情。莫里哀笔下达尔杜弗极富喜剧性的表演里，人们可以看到，诚实蒙上了双眼，愤怒扭曲成莽撞，美丽遭受亵渎，真理忍受愚蠢的漫骂与鞭挞。

 

喜剧的笑通常是形式因素引起的，但是，这些形式引起的笑并不都是喜剧的笑，只有笑声里蕴含着人类生命的喜悦和普遍的美感时，它才是喜剧的笑。如果把事物的可笑性和艺术的喜剧性混为一谈，仅仅是利用形式因素把人们从现实生活拽出来，让大家忘情地笑，无生命意义地笑，笑完了再扔回去，这无疑是在玩弄人的生命，让人永久置身于浑浑噩噩之中，使其无力自拔。当然，人的生命需要笑，但笑的欢快离开了与人的生命存在不可分离的现实、离开了生命特有的意义，便会变得一派虚无。也就说，文学的喜剧性不仅来自人与现实世界个别的偶然的碰撞，而且来自人的生命意识与现实性必然的碰撞，这种艺术力量不仅属于主体的感性世界，而且属于主体理性的、非理性的、无理性的世界，它应该具有感性世界之上更广泛、更深刻的生命存在意义的蕴涵，因此，人类的悲剧意识往往在喜剧形式中得以显现。

 

20世纪以来，人类越发处在悲喜交加的困惑中，更需要喜剧的劝慰和激励。但是，当代人的喜剧并不是无限拓展的寻找快乐和刺激的机体运动，它不能在独立担负起自身命运时突然坠入虚无，毁灭自己。也就是说，当代喜剧依然担负着自身的艺术使命，仍旧要呈现有限生存对于无限境界的追求，呈现人类以超然态度迎接现实的挑战精神。

第3篇：文学与艺术的碰撞范文

随着高科技的发展,电影的拍摄技术也在飞速发展,电影人对电影艺术规律的认识和表现技巧的掌握也发生着飞速的变化。几年来,国产大片摄影技巧之高超、场景设计之精美,令人惊叹,对电影的视听构成规律和表现技巧的探索成了我国电影发展中最活跃的一个方面。但同时,由于普遍存在重摄影轻编剧、重画面轻故事、重形式轻内容的问题,这些国产大片也遭遇了文学性不强、文学品位不高的质疑。在对电影自身的艺术规律进行不懈探寻的同时,重新认识电影与文学的关系从而唤起对电影的文学价值的注意就显得尤为重要。

电影和文学作为两门各自独立的文学艺术样式,有着彼此不可替代的艺术特性和思维规律。电影和文学同为叙事艺术,天然地存在着某种难以割舍的关系。古往今来大量优秀的文学作品,为渴望最完美地发挥电影特长的艺术家提供了多姿多彩、游刃有余的“半成品”,使导演们得以从中汲取素材、灵感和文化底蕴。而相当一批融入了导演对社会、对人生独特体验和天才创造力的优秀影片,也使得文学原著及作家陡然扩大了影响。

在电影的发展历程当中,文学起着不容忽视的作用。电影和文学,虽属于两种不同的艺术形式,但作为文艺大家族中的两个相近门类,它们在创作方法、审美形态和艺术趣味上又存在着很多的共同性。我国电影发展历程中,一大批优秀电影来自于文学作品,像《芙蓉镇》《红高粱》《大红灯笼高高挂》《人到中年》《人生》《顽主》《甲方乙方》《阳光灿烂的日子》等。

电影的文学性,不仅仅指吸纳文学剧本和文学的时空表现手段,更在于通过这些纽带,用文学的心灵诉求、理性思索、人性关怀和形而上精神,来弥补视像语言与生俱来的平面性、浅表性,以提高其艺术品位。因此,电影的文学性,实际上也是指它的表现形式。电影艺术从文学获得了叙事性,获得了用叙事手段塑造人物性格的可能性,大量的影视作品都由文学作品改编而成,许多电影创作家都曾从文学那里获得灵感,并鼓励年轻导演们去提高电影的文学价值、去重视主题开掘情节结构、人物刻画的质量。

但是,电影的文学性并不等同于一般意义上的文学。电影与文学在表现对象、语言形式、美学特征上还是有根本性的区别。电影长于在感官层面上给人直接的感染冲击,而在抽象精神和理性反思层面上进行深度开掘却无法与文学媲美。文学主要依靠文字来传达信息,读者无法看到具体形象,只能借助联想和想象来延伸。电影则靠画面和声音并通过蒙太奇手段把形象直接呈现给观众,观众通过画面和声音来感受。用镜头捕捉到的在银幕上令人激动或富有情趣的画面,如果直接转换成文字,读起来可能索然无味。

尽管电影的发展离不开文学性,尽管电影与文学的结合曾经碰撞出不朽的经典,但如今我们面对的却是这样一个严峻的现实:当下中国电影的创作正越来越缺乏文学性,电影与文学隐然有了分道扬镳的迹象。时下的电影艺术创作由于商业化的过度炒作,已经完全定位在票房记录和追求感观刺激,和以往的电影相比,当今的电影艺术在很大程度上是缺乏文学性的。

一些人看到了当今电影中存在问题,多半从文学性的语言艺术维度去考察,认为电影的最大问题是叙事技术不过关,即不会讲故事,以至于故事情节漏洞百出,缺少戏剧性。其实,真正的问题出在对文学的另一维度即“人学”维度的理解和实践方面。电影故事漏洞百出,其原因在作者忽略了人性的依据;而电影人物形象苍白单薄,则更是由于作者对个人心理与个性的蒙昧无知。按照“人学”标准,文学应该关心人、尊重人、探索人、表现人,而我们的电影大片最大的弊病恰恰是情节公式化和人物概念化,极端情况则是:不说人话、不做人事、没有人味、不通人情、缺乏人性,当然也就不能打动人心。

当今国产大片确实让人喜欢让人忧。一方面,国产大片吸引大量电影观众重回影院,让国产电影工业出现复兴气象;而另一方面,这些国产大片,如《英雄》《十面埋伏》《满城尽带黄金甲》《无极》《夜宴》等,几乎无一例外地受到部分电影观众的质疑和批评。对于国产大片中存在这样的现象,即电影叙事的幼稚紊乱、人物形象的苍白单薄、影片的思想与情怀既不让人寻味更不打动人心,可以在不同的理论层面上进行讨论。深究下去,当涉及电影艺术的人文维度。

电影为什么会出现这种文学性缺失的现状呢。究其原因有三,一是社会转型所造成的。随着市场经济的逐步确立,中国经历了巨大的社会转型。这个时代充满了喧哗与骚动,缺少含蓄与深沉。充满了物质欲望,缺少精神想象。尽管这个时期也出现了几部艺术表现比较深沉、耐人寻味的电影,但就整个电影界来看,不少作品却明显地表现出含蓄蕴藉的匮乏,不论是剧情的设计、人物的语言,还是人物感情的表达、作品意蕴的呈现,都表现得过于直露,缺乏含蓄深沉的艺术韵致。二是编剧的自主性和个性化大大削弱,过于注重技巧、场面。编剧人数少、专业性不高、创新不足、文学修养不高。作为一剧之本的主体创作者,如何以自己的艺术良心去捍卫作品的艺术品格和艺术质量,坚守自己的自主性和个人化创作,这才是当今做电影编剧的最难。三是缺乏高素质的导演人才队伍。在商品化浪潮和消费主义观念的冲击下,导演队伍已然远离了曾经担负的文化使命,在商业化波涛的席卷中逐渐迷失了方向。迎合观众、获得票房、获得奖项等功利性思想体现在电影之中,导致了电影缺乏对生活的思考。

电影艺术天然存在文学性,不论从原创剧本到电影,还是从文学作品到改编剧本再到电影,电影作品与文学作品血肉相连,文学性的存在是电影成为艺术的基点。在这个知识经济爆炸的时代生活中到处充斥着画面,人们已经没有时间和心情去推敲抽象的文字,却越来越依赖于直观化的图像。先进的科学技术不断地引入电影,这一方面为电影表现的多元化提供了方便,但另一方面也为电影的文学性匮乏提供了遮蔽。正是因为这个原因,当今电影才更应该意识到自己责任的重大,从人性出发,唤醒人们的主体意识,对人的生存状态、道德观念、价值理性做出思考,扩展和丰富电影艺术的表现力,促使电影的真正健康地发展。

文学作为语言的艺术,在情感抒发和动作表现时都具有比较间接和含蓄的艺术特点,这种含蓄蕴藉的艺术表现更是中国文学的重要特征。作为视觉、听觉艺术的电影与之比较当然有很大的不同。画面空间的直接性,视觉色彩的生动性,叙事方式的直觉性,人在运动时空中的活动性,都显示了电影艺术表达生活的直接和外在特点。但是,这一特点并不妨碍电影艺术适当借取文学艺术的特点,将生活和情感表现得含蓄委婉一些。

艺术是表现生活的,而这种表现并不是简单的原生态生活的照搬,而是生活的诗意化呈示。电影艺术也是如此,电影是生活在屏幕上的直接再现,它要求人物语言具备完全的生活化特点,这一点是电影语言的基础。但是作为艺术,它所表现的生活,也应该是有所提炼、有所修饰和美化的生活。在这方面,适当借鉴文学语言的优点和长处,使人物语言更具个性化、更具美感,是非常有必要的。

电影的文学性对一部电影体现的主题和思想是至关重要的。电影是以直接的艺术形象表现生活的,形象的真切和美是它的突出特点。但是,如果电影仅仅只具有这一特点,而忽略了对于思想和精神的表现的话,那显然要严重损害电影的发展。在电影艺术的发展中,加强电影艺术和文学的联姻,适当吸取比较侧重思想内涵表现的文学艺术的特点,丰富电影艺术的思想内涵,使思想美真正进入电影艺术中,绝非多余之举。

电影的发展离不开它的文学性。在中外电影史上,很多优秀的电影作品都是由经典文学名著直接改编而来,或是由优秀作家参与剧本创作。电影创作者无论何时都不能无视于电影文学性的存在,尤其在电影艺术品位严重滑坡的今天,电影创作者们更应于商品物欲中抬起头来,从电影文学中吸取足够的养分,并将其作用于电影创作之中,以利于创作出更多更好的具有艺术价值的佳作来。

第4篇：文学与艺术的碰撞范文

一、 新世纪美学与艺术领域的嬗变

进入新世纪以来,文学艺术生存的语境发生了转变。对于此背景下美学和艺术领域中的新趋势,与会学者分别从不同方面进行了总结。

北京师范大学的王一川教授以影视艺术等为范本,将新语境下中国艺术发展概括为中式形式感的打造、中式类型互渗模式的生成、中式艺术品意义结构新的探索和可能等几个方面。北京师范大学的郭必恒教授提出了中国艺术传统的现代性转化问题。从古典到现代,艺术经历了由崇高到浅俗,由精神到肉体的转变。现阶段艺术展现出古典艺术、现代艺术、后现代艺术多元并存的局面,这说明艺术是逐渐生长的而非直线发展的形式,古典艺术不但不会消亡,反而会成为后代借鉴的资源,从而完成自身的现代性转变。中国艺术传统远远深厚,在向现代化转换过程中,有三个维度值得关注,分别是艺术与心灵、艺术与社会、艺术与性情的关系。

在谈及新世纪中国美学时,来自中国社会科学院的高建平教授总述了新世纪美学繁荣复兴的情况。美学经历了上世纪末的萧条与沉寂之后,在新世纪慢慢升温,这具体表现十年以来,各类美学学术会议的召开,各种美学著作、译丛纷纷出版,主要美学期刊重新兴盛,最后他总结了近年来美学界出现的新思潮和新话题,尤其是生活美学的兴起。北京师范大学的陈雪虎教授在发言中谈了生活美学的内在张力问题,他认为对生活美学的认识不应居于一隅,应该从多个角度加以理解,不只是西方美学发展的内在演进,同时也应挖掘中国固有的传统,包括革命生活美学和儒家生活美学,进一步扩展和兼顾各方生活美学的内涵和传统,从而走向一种共同文化。南开大学的杨岚教授,紧扣会议主题,全面解读了全球化、高科技、现代化、信息化、生态化、新媒体六个因素对中国审美文化的影响,主要讨论了全球化与审美标准的国际化、高科技与理性审美、现代都市文化的审美消化、网络世界的青年文化优势、新媒体艺术与传统文化决裂、生态文明阶段的自然自在之美的重新发现等几大问题。同时也论及了审美文化由微观向宏观的转化,新艺术形式的出现、东方情趣备受关注等热点问题的论述。

二、 文学研究新视野新向度的凸现

随着新世纪文化与美学环境的蜕变,文学研究也日渐跳出单一学科限制,与文化研究、传媒研究、人类学、环境学相结合,从而出现了许多研究的新视野与新维度,这对认识文学现象,发掘文学作品的内涵是大有裨益的。会议中,南开大学的沈立岩教授从环境和生态学的视角出发,重新审视了我国古代思想文化巨著《周易》,他认为气候、环境因素直接决定到了人类的生存境遇,同时也影响到文学艺术创作。历史研究证明每次气候变暖都将孕育新的文明萌生。因此《周易》中天人合一思想中的“天”不仅仅指涉义理之“天”,也与当时的自然环境相关,因此天人合一思想的提出可能与当时气候变化及人类对气候的感知联系密切。以古推今我们可知生态环境因素在当代也会潜移默化地渗透到文艺创作中,并在人类的思想观念中留下不可磨灭的痕迹。南开大学的李玉平副教授认为文化熟知化是文学经典生产的一个途径,并在发言中着重强调了大众传媒对经典作品的改编和重写对经典的传播和接受功不可没。

南开大学的刘俐俐教授作了题为“口头诗学怎样更新和拓展了文学研究的视野和方法”的发言。她首先介绍了口头诗学在中国译介的情况以及在发源地美国发起的经过。她指出口头诗学最重要的三个支持性概念是程式、主题场景、故事类型,这三个概念都和文化传统有着必然联系。表演和创作中所运用的陈词套语、习语,一贯的主题场景、故事类型是讲故事的人和听故事的人的共同知识背景和沟通基础。口头诗学更新了已有的文学观念,改变了作家文学的理解视角。口头诗学研究提示我们应该有一个总体的文学观,今天的文学传统是包容和渗透着口头诗学的文学传统的,在此基础上原有的许多概念应辩证地理解。

三、 大众文化及影视艺术的新趋势

十年间,文化政策的变迁,商业化和市场化导致的文化产业模式的生长,急剧地改变着我国大众文化和影视艺术的面貌,成为塑造新型大众文化与艺术的重要力量。南开大学的周志强教授以傻乐主义来分析中国大众文化的去政治化图景,概括新世纪以来大众文化的转型与退变,并结合赵本山的小品分析了这种变化的表现形式。他指出现阶段中国传统娱乐文化生产的复杂政治图景被一种新兴的,以单一快乐为和经济效益为目的文化生产方式所替代,从而形成了傻乐主义的娱乐文化样式,所谓傻乐主义就是用一种去政治化的方式达成一种隐性的政治认同。由此,中国娱乐文化的生产以景观化的方式代替了大众文化对现实的悖论性批判,从而转向了单纯的快乐依赖。

北京大学的陈旭光教授颇为生动地讲解了新世纪电影审美现象中的“大将”与“小兵”。“大将”指中国电影产业的排头兵即电影大片,“小兵”指小成本喜剧。21世纪的中国商业大片体现出商业美学与国家美学逐渐而完满的结合。世纪初的《卧虎藏龙》、《英雄》等表现出电影在工业上、市场上的观念革新。与商业化进程同时发生的是,大制作电影逐渐向国家美学靠拢,比如《集结号》、《建国大业》、《十月围城》等,这些影片将商业美学、大众美学、国家美学完美结合,最大程度地整合了观众的诉求。小成本喜剧则是商业美学与青年文化的融合,展现出后冯小刚时代的特征,比如动作夸张、剧情温馨、内容时尚都市化,语言前卫新潮等,游戏性娱乐性生活化特点突出。

四、中国艺术十年的失落与新生

本次会议的艺术分会场来自内地与台湾的多位专家学者及艺术家结合当代中国文化与审美的整体语境,分别从中国传统绘画艺术的现实境遇、中国当代艺术的真实品格、中国绘画艺术的总体表征等多个角度来重新打量新世纪十年中国艺术所遭遇的内在困境及其凸显出来的种种问题。在讨论的基础上,大家普遍认为形形的艺术观念催生着风格迥异的艺术创作,传统与现代、本土与外来,种种针锋相对的元素交织杂糅在一起,共同打造出新世纪十年中国艺术的多元化样态。

中国当代艺术的突破与局限

站在新世纪第一个十年的结点之上,重新思考中国传统绘画艺术的现实境遇,这是讨论新世纪绘画艺术不可逾越的维度。天津美术学院何延教授将中国传统绘画艺术的命运与当前审美自觉的失落勾连在一起:新世纪以来,外来文化蜂拥而入,各种观念形态相互碰撞,大量信息交替作用,生活场景、视觉氛围、艺术市场的综合效应日趋明显,在此语境下尽管中国画中传统文化的精神内核与自觉主动的内在力量正在不断地消失,因此,新世纪中国传统绘画艺术的发展需要警惕文化方面的殖民主义,在寻求海外拓展的同时更要保持独立的民族品格。

南开大学张永敬教授则从更为微观的对花鸟画的探讨入手,指出当今工笔花鸟的构成形式渐渐跳出传统样貌走向现代形态;新生代的创作主体在接受传统艺术观念、技法的同时也接受了国内外各种理论思潮的熏染;因此,花鸟创作对新的形式语言的探索成为必然的趋势。同时他也指出了花鸟绘画发展中令人忧心的一面,就是审美意象的弱化和写意精神的丧失。因此,呼吁写意精神的回归,强化审美意象的塑造,鼓励表现时代、张扬个性,必将成为花鸟创作者的自觉反省。

南开大学高迎进教授认为,在过去的十年中,视觉艺术领域已经透露出比以往更为频繁深入的反省与思考,其中包括对于媒材综合化趋势的讨论:“综合媒材艺术”不是一种形式类型,也不仅仅是人们在新的社会文化背景下“审美趣味”转移的表现;媒材的综合化实际上是在艺术的认识观念和思维方式层面上的一种转变,它突破了模拟造型和借相表意的思维模式,将艺术在物质世界与精神世界之间的体验、认知和交流活动“还原”到人的感性、知性和文化的最基本经验层面。

与此同时,艺术批评家程美信由另一种思路来观看中国当代艺术的命运:当代中国主流艺术仍限于既定的审美范畴,从创作阵营、社会基础、理论建设等方面均是如此;实际上,审美文化已不再是深奥的哲学问题,美学已经变成了一种思想史的考古对象;随着现代科学的兴起,特别是生物神经学、思维心理学和电子技术的发展,美的唯一性在当代艺术中已经不复存在,它的大众化、庸俗化、范式化自然成为先锋艺术与当代哲学的批判对象。

台湾地区当代艺术发展的独特体验

会议期间,台湾画家吴和珍女士就其台湾经验来谈十年间的美术变迁:中国当代国画受到中国历史进程和独特文化环境的滋养,而台湾与大陆由于文化环境和政治氛围的不同,形成了迥异的绘画风格;实际上,台湾艺术受到中华传统文化、日本东洋文化以及美国娱乐文化的多重影响,使其当代艺术在多元文化的互动之中被精心塑造出来。另外,商品经济的发展促使绘画艺术市场化,艺术开始受到资本的控制和绑架;虽然台湾绘画的主旋律仍旧是关注人类命运,然而台湾的艺术家大多活在当下,注重艺术对现时代的表现,疏于思考艺术的责任、使命和未来。

拥有台湾生活经历的美籍华裔画家华之宁女士则结合个人在海外的遭遇与经历,讲述了中国艺术在美国传播的过程及其现状:从最初的屡遭拒绝到现今的声名煊赫,中国艺术在海外尤其是美国的艰难生存恰恰彰显了其内在的生长力;面对当代艺术的多元化趋势,艺术家在博采众长的基础上仍旧要坚持自身独立的品格,并以此促进中国艺术、中国文化走向世界。台湾和内地的绘画艺术能够在彼此的对照之中,相互补给、相互渗透,共同取得自身的内在增长。

中国艺术总体现状的探索与思考

在中国绘画艺术走向多元化、理性化的路途中,专家学者也敏感地发掘出其中潜藏的诸多问题。南开大学陈聿东副教授将其主要归结为几个方面:(1)画家在创作中一味追求以尺幅的巨大抢夺观众的眼球,往往忽略了内容方面的深入挖掘;(2)以各种国家美术团体的职衔高低作为作品价值的衡量标准,造成了审美的盲视与批评的失语;(3)艺术品市场的拍卖行情在一定程度上起着引领审美价值取向的中介作用,目前中国艺术市场的相关制度尚欠规范。

最后,南开大学赵均教授对于中国艺术的现状表示了自己的忧虑:进入21世纪以来,文化艺术产业方兴未艾,艺术品在消费的巨大需求中炙手可热,但在当代文化艺术表面繁荣的背后,艺术的精神内核尤其是对灵魂世界的展现正在消失,艺术承担的文化使命和批判精神正在丧失,形成一种现代“犬儒主义”和价值虚无主义。同时面对文化全球化趋势中后殖民主义的陷阱,中国的当代艺术何时健全自己主体性的觉悟和话语能力,这应该是当代文化艺术发展中亟待解决的问题。

第5篇：文学与艺术的碰撞范文

文学作品是前人留给我们的宝贵精神财富，浓缩了前人优秀的思想精髓，因此我们应当担负起学习文学作品和传播文学作品的重任，在高中语文学习过程中不断提高文学阅读水平，提高对文学作品的理解水平，更加深层次的理解文学作品所包含的思想精华，并且在阅读过程中逐步提升自我的文学修养。再者提高文学阅读水平是高中语文学习的关键所在，高中语文学习需要长时间的积累，语文水平是一个逐步提升的过程，尤其是通过阅读课来培养自身的语文能力，因此提高自身的文学阅读水平有助于提高阅读效率，为语文学习打下坚实的基础。

2.提高高中生文学阅读水平的几点见解

2.1 培养阅读兴趣为先导

要提高自身的文学阅读水平，首先要培养自身的阅读兴趣，只有树立了浓厚的文学阅读兴趣，才能全身心投入到文学阅读中，并真正参与到文学阅读活动中，从内心认可和喜爱文学作品，才能引导自融入到文学作品意境中，准确把握作者营造的情感世界，提高文学阅读效率。因此，我们在文学阅读之余要培养自我的文学阅读兴趣，认识到文学阅读的重要性，把学习注意力集中在阅读活动中，保证在阅读过程中始终保持聚精会神，同时在阅读过程中要体会文学艺术的魅力，文学作品之所以具有特殊的魅力，正是因为其文字艺术性较强，文学画面感强烈，中心主题把握明确，我们在文学作品阅读过程中要发动思维想象力，在品读文字艺术的同时，将作品中的画面和场景进行还原，将自我带入到如诗如画的境界中，激发自我的阅读兴趣，从而逐步提升阅读动机。

2.2掌握正确的阅读方法

正确的阅读方法至关重要，通常而言，文学阅读分为精读、略读和跳读，所谓的精读就是对作品的逐字逐句都进行展开研究，作者的每一个用词、每一段文字描述都要进行深刻的理解；略读则是快速阅读，在准确获取文章中心思想的基础上进行粗略的阅读，不深入推敲文字段落，以获取文章的整体思想为阅读宗旨；跳读则是选择性阅读，选择有代表性的文章段落进行重点阅读。我们在文学阅读过程中，要准确把握三种阅读方式，对不同的文学作品进行选择性阅读，同时要把阅读和思考结合在一起，实现阅读和思考的统一，在阅读过程中体会作品的深意，并深入体会文学作品所要表达的情感，透过文字的表象深入作者的情感世界，与作者产生强烈的情感共鸣，从而深化自我的阅读水平。

2.3扩展阅读视野、丰富课外阅读

高中生文学阅读不应当局限于教材阅读，我们应当积极扩展阅读视野，丰富课外阅读，打开广阔的文学世界。因此，我们应当课内和课外共同进行的阅读原则，在做好教材文学阅读的基础上，丰富课外阅读实践活动，有更多的机会接触到阅读材料。我们要根据自己的喜好来选择阅读材料，不仅可以丰富我们的课余生活，同时也可以增长学生的见识，在大量的阅读来沉淀学生的文化积累，提高学生的阅读水平。为了更有效的提升文学阅读水平，我们可以发动班级同学共同参与到文学阅读活动中，开展阅读心得交流活动，把自己在阅读中的体会、心得、方法等进行交流和共享，实现全班级同学的共同进步。

2.4放飞文学阅读想象力

想象力是提升文学阅读水平的关键，我们阅读文学不仅仅是学习文学知识，更重要的是放飞自我的文学想象力，提高自身的文学修养。因此，在文学阅读中，我们应当透过文字来看到文本的中心思想，在与作者的情感碰撞中，真正做到和作者的情感对话，从而提高文学阅读水平。例如在屈原《离骚》的阅读学习中，我们不但要赏析作品的文字艺术性，体会文章辞藻华丽优美，同时要体会到优美文字背后作者所要表达的情感，放飞思维想象力，和作者的家国情怀和怀才不遇的惆怅情感融为一体。

2.5 文学阅读中的师生互动

老师应当参与我们的文学阅读活动，形成师生互动的良好学习氛围，老师要引导性的提出问题，为我们的阅读提供指引，避免在阅读中出现漫无目的的阅读，提高文学阅读的针对性，提高阅读效果。再者，教师要引导我们进行提问，尤其是引导我们自主提问，这样既能让为我们答疑解惑，同时有助于教师和我们一同参与阅读思考，活跃我们的文学思维，培养我们的阅读独立性。此外，文学阅读是一个长期的过程，老师要时刻给予我们鼓励，让我们看到自己在阅读中的进步与成功，享受到阅读所带来的乐趣，这样才能激起学生不断阅读的动力。

第6篇：文学与艺术的碰撞范文

在原始社会，陶瓷的发明可以说是新石器时代的一个重要标志。中国考古学家在黄河流域里发现了一些陶瓷器皿，这些陶瓷器皿大概有7000年历史之久。而这些陶瓷器皿以简单的造型以及朴素的刻画花纹为主，反映了当时原始社会里人们简单的生活文化，也体现了早期陶瓷制作的技术范围。随着社会的不断进步和人们文化生活的逐渐提高，陶瓷制作技术的发展有了很大的进步。在中国的奴隶社会中，陶瓷器皿的使用已经不再局限于盛装物件的器皿。无论在日常生活中、建筑中、祭拜中也得到广泛使用，这使得陶瓷的应用范围得到更大的扩展，也促使当时朝廷重视陶瓷制作工作。由于陶瓷器皿需求的扩大。民间出现了很多专门从事陶瓷器皿生产的工种，陶瓷工艺得到了迅速的发展。中国考古学家在商朝的一些遗址中挖掘出一些陶瓷器皿碎片和陶罐。这些陶瓷的做工更加精美，设计更加精巧而且款式多样，有黑陶、灰陶、彩陶、红陶、白|陶以及一些带有釉的硬陶。这些陶瓷器皿上都带有一些简单的纹理、符号以及文字，这些与当时社会文化的影响有着密切的关系。也标志着陶瓷制作进一步的成熟。到了唐朝，由于社会安定和国力强盛使得发展非常繁盛，人们的生活得到迅速的提高，文化艺术相对来说比较开放，在陶瓷上表现诗画艺术方面更为突出，促使唐代陶瓷制作技术发展更加成熟。说到唐朝陶瓷不得不提驰名中外的唐三彩。这种色彩亮丽并以黄、绿、青三色为基色的陶瓷历久不衰，直到今天依然受到人们广泛的追捧和收藏。唐三彩的种类也很多，有人物、动物、酒器、家具等等。由于唐代盛行厚葬，唐三彩还广泛用作陪葬器皿。到了宋代，陶瓷的制造技术达到完全成熟的阶段，不管是种类，样式还是烧造工艺，步骤也有了明确的分工。

而当时景德镇以质薄色润，光致精美的白度和透光度高的陶瓷闻名于宋朝时期的陶瓷界。宋朝时期由于经济得到空前的发展，文化艺术崇尚素雅和简洁的色彩装饰，让宋朝时期的陶瓷色调优雅并以单色釉著称。由于宗教文化得到当时统治者的重视以及民间的广泛利用。宋朝时期的陶瓷艺术相对带有宗教文化色彩。譬如釉里红的出现能很好说明这一点，这是受到中国喜红传统习惯的影响，陶瓷颜色显红而且稳定醇厚，深受当时人们的喜悦。

元朝是一个结合草原文化、黄河文化以及长江文化碰撞的多民族文化的朝代。文化艺术上激起灿烂缤纷的火花，绘画艺术也不再局限于人物花鸟，也为各民族文化交流发展制造了有力的环境条件，使得当时陶瓷艺术更加多民族性。元朝时期出产的青花瓷著名中外。当时的青花瓷体型厚重，装饰花纹由于构图严谨，线条工整，描绘精细而得到人们广大的喜爱。

明清时期让中国的陶瓷发展进入了一个登峰造极的时代。虽然闭关锁国的国家政策极大地阻碍国家的经济发展，但在文化文学艺术上依然不断发展，文化水平进一步提升。明清时期对于陶瓷绘画水准要求很高，而且绘画风格多样，在艺术表现形式上涌现出各种不同的风格流派．主要盛行山水画科和水墨画科。加上陶瓷制作技术成熟及多样性，在意境表现上更有神韵因此让明清陶瓷以精湛的造工和技艺享誉世界。随着陶瓷商业得到空前的繁荣，陶瓷制作上也得到大胆的创新。“粉彩”陶瓷的出现就是一个最好的例子，这是宫廷陶瓷艺人受到漂亮的珐琅彩的启发影响下创造出来，色调独特另类，得到了不少贵族的青睐。清朝末期，受西方国家文化艺术的影响，陶瓷再一次得到改变，“新彩”的出现能够说明这一点。这种结合西方外来文化大量引进而产生的‘新彩’是陶瓷釉上彩的一种变现技法，而由于技法表现力强而且操作简便，很快就得到广泛的应用。

第7篇：文学与艺术的碰撞范文

他的艺术，经历了一场不寻常的嬗变。他向远方求索，埋首西方艺术多年后，终又回归到东方文化的土壤。这场艺术之旅，就像他创作中一直延续的“故园”主题一样，一直在寻找、表达让心灵栖息的家园。

心中的《故园》

采访贾新光，是在他位于通州宋庄的家中。阳光洒在宽大的画案上，一枝墨荷正跃然纸上。室内茶香弥漫，琴声萦绕，让人仿佛置身于另外一个时空。

贾新光出生在山东省聊城，但他的童年却是在黄河下游的一个小村庄度过的。对于一个有着敏感心灵的孩子来说，童年时家乡的景色，那丘陵、河流，低矮的土房，暮归的牛羊，都在他的心中定格成一幅幅画。“那是完全天然的，没有被社会修饰和污染过的最自然、本真的世界，一直让我怀念。”贾新光说。

长大后，不管他走到哪里，这故乡的风景，一直在内心温暖着他，吸引着他。他在创作的过程中，总在用不同的艺术语言勾勒他心中的故乡，成为他笔下的《故园》系列。

《故园》中，有宁静的农村，斑驳的墙壁，冬天的树木。也有黄土高原，起伏山峦，长河落日。随着时间的累积，故园的概念也被慢慢扩大，不再是自己家的小村庄。他常常背着画箱，向更远的地方追溯，从山东到陕北、新疆……而今的《故园》已经升华成一种心灵的回归，无论是水墨还是油彩，是写实还是抽象，那画作中深沉的情感却一直未淡！

在贾新光的《故园香光》系列中，荷花是永恒的主角。荷花寓意高洁，在佛教中亦是佛的象征，那出淤泥而不染的荷花，仿佛印证了贾新光内心难以尽说的追求。由此，他爱荷、画荷的习惯，多年来从未改变。贾新光笔下的荷或疏或密，浓淡杂陈，凝静内敛，美丽却不咄咄逼人，就像拈花微笑的那只手，让心沉静，在参悟中找到生命的大智慧。这是艺术的魅力，也是艺术家的魅力所在。

从上世纪80年代就开始创作的《故园》，在贾新光的笔下，已经成为一个独特的艺术世界。从《梦回故园》《故园月色》《故园花开》到《故园香光》系列，故园不断在变，从开始的写实油画越来越形而上，更加具有象征性的意味。

如同评论家所说的，“故园之于他的艺术，从一开始就不只是某种故土、原乡、血缘共同体或人文地理之类的确定性能指，因此也不仅仅是单纯的题材、主题、风格的表达，甚至用‘精神家园’来指称，也难免浮泛。然而，它又如此实在，如此真切，浑然而闪烁，普遍且独特。”

寻找生命的支点

和很多艺术家一样，贾新光也是在很小的时候便显露出天分。童年时，手里总是抓着一支铅笔，看到什么就画什么。而成就一位艺术家，需要很多的因素。贾新光很幸运。小学时候的美术老师李洪春，对他的艺术天分十分欣赏和鼓励。美术课上，常常把他的作品当做范画，让大家临摹。“当时感觉这是很大的荣誉啊。”贾新光说，老师的鼓励让他更有信心，也更有兴趣。

他曾经跟电影公司的宋祥智老师学习画海报，学了一段时间后，老师便把画电影海报的“重任”交给他做。那是聊城市最显眼的地方，很高很大的一面墙，在人来人往的市中心，竖立着高几米的大海报。

“你们相信吗？那是我画的。”他指着那幅大海报跟同学们说，心中充满自豪。

之后，他拜县文化馆的孟祥卿为师，开始系统地学习美术理论和技法。整个学生时代，贾新光已经成为当地远近闻名的小画家。学校里的美术字、海报、像，都出自他手。

直到现在，贾新光还非常非常感激这些启蒙老师们！让他艺术的梦想在萌芽期被细心地浇灌、呵护，才有了后来的茁壮成长。

高中毕业后，贾新光下乡到聊城西王大队成为一名知青。那时候，有“学大寨，赶西王”的说法，抓生产最严，干活也最拼命。即使在这样的情况下，贾新光仍然没有丢下画笔。1977年，传来即将恢复高考的消息，他更是抓紧一切空隙学习。

白天干一天的农活后，晚上还要浇地到深夜。往往回到宿舍已经凌晨一点多了，队友们都倒头大睡，他还要捻亮油灯，用冷水洗把脸，在灯下作画。

高考过后，当贾新光的录取通知书寄来的时候，引起一阵轰动，周围的人都不敢相信，大队里居然有个青年考上了大学！

那时候，80年代刚刚拉开帷幕，文学全面复苏，朦胧诗盛行，西方的启蒙主义思潮开始大规模的进入中国，这些也深深地影响着贾新光。在同学和老师的印象中，身材单薄的他总是泡在图书馆，埋在书堆里，从西方美术理论到文学名著，再到哲学典籍，从丹纳、陀思妥耶夫斯基，托尔斯泰到雨果……他总是一遍遍地研读。他珍惜来之不易的机会，更加争分夺秒。学校所在的曲阜离聊城不远，他过年时竟然没有回过家。有一次，由于长时间的看书饭也顾不上吃，又冷又饿的他竟然晕倒在了操场上。

支撑他这样做的，不仅仅是对艺术的热爱，还有内心更深层面的驱动力，他想要从这些书里面，找到内心的归属感。“想要寻根，想要给我的艺术在理论上找到坚实的支点”。

寻寻觅觅多年后，虽时有惊喜，但仍有疏离感，似乎那些都不是自己要寻找的绝对答案。直到后来，朋友送了他一本《金刚经》。在为佛法的宏大智慧折服的同时，他慢慢地将目光转移到了东方文化与东方哲学。他的作品中也更多地表现出东方的禅意与空灵。

“我觉得我的内心找到了一个落脚点，是心灵、精神的落脚点，也成为我艺术的落脚点。美学其实是来自哲学，哲学再往上追，来自更高的一种意识，是心灵的层面在做支撑。”

用整个心灵作画

贾新光的人生之路本来可以很简单。大学毕业以后，被学校聘为讲师，后来又成为三联艺术研究院院长。年轻的他面前是一条坦途。但骨子里他最向往的仍然是单纯的创作生活，他放弃了这一切，在宋庄租了一所大房子，成为一名独立艺术家。

他自由地穿梭于中西之间，宣纸笔墨，油彩画布，“工具材料在我这区分不那么明显了。油画的、国画的感觉，可以自然而然的相融，那是一种非常自由的状态。”在一笔笔的涂抹中，在十年如一日的佛心参悟里，在万水千山的跋涉中，他的画越来越耐人寻味，隐逸着愈加深刻的人生意蕴。

画家的作品总是和他的内心世界分不开，贾新光永远保持着真诚的性情和创作的动力。他的画少有重复，因为他不愿意重复。他总是在尝试，在探索。在贾新光的油画集中有这样一段文字：“许多人问我如何看画，言为心声，画为心象，心画还需心来观。”他一直坚信：“用头脑设计出来的时候肯定不诚恳。画画永远是一种表达心灵的需要。”

或许这也注定了，他的创作永远要沉淀到内心去探索，注定了他的孤独，甚至焦灼。如同他的朋友、山东大学张志庆教授所说的，“如何用油画特有的布局结构、肌理色泽，艺术地表达内在的超越性意向，个体的精神性信仰，这或许是贾新光思虑与追求的焦点。贾新光表达了，他用画与世界对话。可是一个凡人，如何表达神圣？贾新光用，也只能用——生命。他用全部生命作画，他用整个心灵作画。”

对话贾新光：

真正的尺度在自己的内心

《中华儿女》：中西方艺术的相互借鉴和结合，前辈艺术家已经有了很多尝试，在这方面您有什么心得？

贾新光：很多西方的大家，比如印象派后期，也包括现在的西方画家，都是在自己的领域内上不去了，借鉴了东方的意识达到了一个艺术的顶峰。我开始学习西方油画，后来接触了东方的形而上哲学之后，曾经有一个阶段把东方哲学当作至高无上的东西。到现在，在我的艺术当中，确立了一个“中外古今为我所用”的一个理念。以中为体，以西为用，以古为体，以今为用，最后，还是要归到自我的表达。

《中华儿女》：这种探索的过程中，最大的困难是什么？

贾新光：是跟自我的一种斗争，敢于对自己下刀，要敢于否定自我。如果说得奖了，被艺术界承认了，就固守着一种风格了，就不动了，这是不真实的。因为变化才是真实的，人总是会随着时间、心境的成熟，各种因素在变化。固守一定的风格，这是虚假的。但难就难在要革自己的命。我就这点成就，还是要舍掉，从零开始，这是很难的，也是很不好受的事。

《中华儿女》：所以您现在仍在不断突破自己？

贾新光：人这一辈子就是修行，不断地修行，时时刻刻不能忘记。修行是要恢复到生命本真的原点。一疏忽，就跑了。要不断地往回拉，在这个过程中，人的生命状态在不断地提升。绘画，其实就是你内在的一个外化而已。

《中华儿女》：那也决定了您的创作量不会很高？

贾新光：我的工作室里，很多都是半截的作品，在那里扣着，没有感觉就不再画了。也许过一段时间，我会拿出来再调整。自己的作品就像自己的孩子一样，要让他身心健康，才能推向社会。有时候看到拍卖行有自己的作品，如果它是很健康的，我就很高兴。如果是应酬的东西，就会觉得不舒服。

《中华儿女》：您说过创作是自己内心世界的表达，那么在创作的过程中，会考虑外界的反应和市场吗？

贾新光：这些都是这些年来很切身的问题。我是职业画家，无法脱离市场。但是基本上在我的艺术追求前期，是市场来认可我的风格。这里面需要长久地坚持和很多的付出、代价。另外，艺术永远是内心的表达，但不能理解为艺术是光为了艺术家自己，那就太小了。最终，艺术是要为社会服务的，艺术家不是孤立的，与自然、社会是一体的。将自己这一点的光散发出来，增加人类整体的丰富性。

第8篇：文学与艺术的碰撞范文

【关键词】互动;科技;艺术

一、艺术与科学的概念界定

“科学”一词是英文“Science”翻译过来的外来名词。清末,“Science”曾被译为“格致”,也就有了格致之学的说法。康有为首先把日文汉字“科学”直接引入中文,20世纪初开始在中国流行起来。现代人们通常所说的科学指研究自然现象及其规律的自然学科。而“艺术”是一种文化现象,大多为满足主观与情感的需求,亦是日常生活进行娱乐的特殊方式。其根本在于不断创造新兴之美,借此宣泄内心的欲望与情绪,属浓缩化和夸张化的生活。文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等任何可以表达美的行为或事物,皆属艺术。

从两者的概念来看,似乎前者是极其理性的,后者是纯属感性的,很难发现两者之间存在着可以融合的关键点,但是就是这一刚一柔的结合,衍伸出人类历史上很完美的作品。其实细细分析,就会发现两者有一个很大的共同点,就是两者都是在追求着美与真:虽然随着时代的进步,社会分工越来越细密细密,艺术与科技都在自己的轨迹上分别构建出完善的体系,但是这种体系的诉求点都是在沿着求美、求真的轨迹上行进,所以两者间依然存在本质性的关联,彼此碰撞与结合地在人类的文明史上迸发出一束又一束灿烂的火花。

二、艺术与科学的完美融合

1、艺术中的科学

就绘画来举例说明这个问题,意大利绘画在文艺复兴时期之所以达到了欧洲第一高峰,在很大程度上是艺术结合了科技的结果。首先是当时重要的艺术家同时又是科学家,比如众所周知的达・芬奇和米琪尔,他们重视艺术的形象与感觉问题,但是在技巧和手法上都非常重视自然科学的理论基础,达・芬奇在艺术、化学、数学、建筑学与机械工程等方面都有杰出成就,所以他的画为什么色彩更艳丽,画面更细腻,底彩更牢固,和他化学家的颜料调配方法是不无关系的;如果说绘画与音乐中的这种融合还不是那么的水融的话,那么现代影视艺术与科技的结合可谓越来越紧密。比如近期让众多影迷疯狂的阿凡达,就是运用了艺术与科技的完美结合的成果,作为高科技产物代表的电脑及其相关应用技术的飞速发展,在电影产业中体现得日益明显.如在电影制作过程中的电脑特技技术,就是运用电脑高科技手段对在影片拍摄制作过程中很难或无法达到的图像目标,在一定的基础上,进行技术弥补,从而达到与实景拍摄同样或近乎于实景拍摄效果的一种新兴技术。

2、科学中的艺术

而同样的在一部阿凡达里,也可以从反面来看,虽然阿凡达里的场景都归功于科技的发展,但是艺术的发展也会引导科技的发展,北京时间2009年12月31日消息称据英国《独立报》报道,马萨诸塞州剑桥郡哈佛・史密斯天体物理学中心的美国天文学家和行星追踪者认为,在好莱坞大导演詹姆斯卡梅隆的最新力作、科幻大片《阿凡达(Avatar)》里描述的适宜居住的“系外卫星”,可能将在未来几年内变成科学事实。在这部3D影片里,一群身高10英尺(3.05米),长着蓝皮肤的巨人生活在被称作“潘多拉(Pandora)”的一颗类地卫星上。他们的世界围绕一颗跟无法支持生命的与木星非常类似的气体行星运行。卡尔特内格认为,现实版本的“潘多拉”卫星存在的可能性很大,而且也许人们不久就能发现它们。卡尔特内格负责实施的一项研究显示,一台正在计划中的新太空望远镜或许能确定地球附近的“系外卫星”,并查明它们是否适于居住。美国宇航局的这台望远镜――詹姆斯・韦伯太空望远镜(JWST)预计将于2014年发射升空。卡尔特内格说:“如果‘潘多拉’确实存在,我们或许能在未来10年内发现它,并对它的大气进行研究。”天文学家已经在恒星周围发现数百颗木星大小的庞然大物,但是没有一个存在适于地球生命生存的环境。然而,如果一颗围绕气态行星运行的卫星位于主恒星的“可居带”里,它也许能支持生命生存。“可居带”是一个温度不冷不热,适合液态水存在的区域。卡尔特内格说:“我们太阳系里的所有气体行星都有岩石和冰卫星。从这来看,‘系外木星’周围存在卫星的可能性更大。其中一些可能跟地球差不多大,而且拥有大气层。当被“潘多拉”类型的卫星围绕的行星从主恒星前面越过时,我们将能识别出此类卫星。如果系外卫星拥有大气层,它会吸收恒星发出的一些光,并在它的成分光谱“指纹”上留下一些蛛丝马迹。卡尔特内格下结论说,《阿凡达》里提到的恒星南门二A将为寻找可居卫星的天文学家提供一个绝佳的目标物。艺术的想象力对与科学的引导作用从这部电影中可见一斑。

第9篇：文学与艺术的碰撞范文

一、语言与声音的链接

音乐是流动的语言，其表现的主要方式是声音的传播。这种声音在空气中的传播形成了自身特有的音乐语言，而接收到这种声音的人又将其转化为具象型或抽象型的信息。传统音乐文化在中国音乐历史甚至中国历史上都占有重要的位置，譬如春秋战国时期以孔子为代表的儒家学派，以老子为代表的道家学派等提出很多关于音乐的观点。“有无相生……音声相和”（《老子·二章》），老子认为“和”是有声与无声的对立和统一。“天下万物生于有，有生于无”，“无”是天下万物的根本，也即“道”。理想的、合于道的音乐，即无声之乐。虽然无法听到，然而“其声能短能长，能柔能刚；变化齐一，不主故常”（《庄子·天运》）。其在精神上高度符合美的辩证关系。通过以上分析可看出，道家较为重视作为艺术存在的音乐；更重视高于形式美的内在精神美，强调的正是艺术创造的非认识性规律，即审美规律。演奏者要尊重和重视客观声音的存在，用什么样的方式与方法演奏出此时音乐所需要的内容、情绪，情感固然重要，演奏出音乐的深度更为重要。“音乐艺术的主要传播方式只能是让别人听，人们只有通过听音乐才能诠释音乐、理解音乐。音乐的声音是音乐艺术的生命，音乐的美主要存在于声音自身之中。”也就是说，表演者内心想表述的语言是在音乐声音产生前，虽说没有“形”，但在头脑中的“文字”是有“形”的，也就是隐形的文字语言。

“隐形”文字语言是“无形”音乐情感语言的来源。这种声音的来源与本质都源自于表演者所具备的整体（内在与外在总和）综合与审美能力，除了在理论方面的必要学习，还要重视内在能力的提高主要依靠内涵的提高，一方面是阅历的增长；另一方面是文学修养。每个人都有其世界观、人生观、价值观，对于音乐表演者亦是如此。而音乐表演者拥有普通人所不具备的音乐艺术美感，运用何种方式去提高这种美感，丰富音乐内容的美感和听觉上的美感都是我们所追求和研究的，是在专业表演道路上需要不断完善和提高的。恰恰是这种种美感时时伴随音乐的流露，才丰富了演奏者与欣赏者在音乐美感当中享受音乐所带来的满足感与幸福感。

二、音乐表演者与欣赏者的链接

审美活动在音乐创作者、演奏者和欣赏者中都是不可缺少的，其是辨别和评判音乐美的必要条件，也因不同的人而存在一定差异性。“春眠不觉晓，处处闻啼鸟。夜来风雨声，花落知多少。”这首再熟悉不过的诗每一句都有代表声音的字或词，用文字声音来描述此时文人的情感与思绪，是文人从内心深处发出的慨叹，修饰当中带有一定的审美色彩。在音乐艺术中，声音是通过客体音（主要是指乐音）和主体人（使音发出具体声响）的主动与被动的创造产生的，人的审美情感是被表演者注入一定的音乐符号组成的音流和旋律随着时间的动态而进行的。施莱尔马赫说：“艺术激发欣赏者，使其转化为艺术家。而且艺术并不比欣赏者高出一筹，它与他们只能是平等的伙伴关系，他们相互需要，谁也少不了谁。”音乐的创造完成过程离不开三者，更离不开三者之间的相互理解与音乐体会。马克思说：“对于非音乐的耳朵来说，再好的音乐也没有意义。”欣赏者是音乐作品完整演奏的最后环节，也是较为重要的环节，若想领会和感悟音乐内涵，欣赏者的内在体验也是极为重要的。内在体验是音乐家心灵深处的，源于其多种经历与体验，当演奏者将其自身的内在音乐在一定范畴内呈现时，音乐又多了一重内在体验，到欣赏者这里时又一次同其内在体验相碰撞。如果内在体验在某一点上产生共鸣，就会唤起听者的联想和想象，从而达到较好的音乐演奏效果。这种效果的产生并不是单纯感觉，更深刻的印象是需要“双向共赢”的。内在（文学修养与内涵）功底的深厚在影响表演者音乐表现的同时，还直接影响欣赏者的理解力和连动力（音乐）。因此，文学语言在音乐呈现的每个过程和环节中都起着重要的媒介作用，高质量的音乐效果终不可离开其有力的支持，是不容忽视的，学习者和表演者应予以一定的重视。黑格尔说：“在音乐中，外在的客观性消失了，作品与欣赏者的分离（在其他艺术中还有这种对峙）也消失了，音乐作品于是透入人心与主体合而为一，就是为个原因，音乐是最具感情的艺术”。

总之，艺术来源于生活且高于生活，这种生活在音乐艺术当中终究离不开创造艺术与展现艺术之主体（人）。音乐表演者是将这种生活通过一定的技术展现手段与途径，集演奏技巧、音乐内容、音乐情感和自身内涵（含多种综合因素，尤以文学为第一）包容于一体的丰富的个体，是表演者有必要去努力追求与创造的，这才是一个较为完整的音乐诠释的个体和主体，对于它而言是永无止境的。