花卉艺术设计精选(九篇)

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第1篇：花卉艺术设计范文

关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价

近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加。艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。

过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求。这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。

第2篇：花卉艺术设计范文

关键词：传统绘画艺术 现代艺术设计

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。

远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。

第3篇：花卉艺术设计范文

一、摄影技术与现代绘画艺术之间的内在关联

（一）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的艺术共通性

摄影技术与绘画艺术都是有效进行现实生活表达的艺术形式，受众在进行摄影作品的欣赏以及绘画作品的鉴赏时，都需要通过艺术语言向受众传达视觉形象，摄影技术与现代绘画技术都是对现实事物某一固定瞬间或形态的展现，受众能够从自身的主观感受中感受到明确的画面和事物。同时，摄影技术与现代绘画技术都是一种平面化的艺术表现形式，相较于其他艺术表现形式而言，不具备立体性的表现特征。

（二）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的艺术差异性

摄影技术与现代绘画技术之间虽然存在艺术共通性特征，但是二者也具有艺术的差异性特征：其一，两者进行艺术创作的应用器材存在较大的应用差异，绘画艺术采用的创作工具发展历史较为久远，因而其创作题材的不同会进行不同的工具选择，而摄影技术的发展主要依靠的则是现代化的摄影技术装备，将现代社会的电子科学、光学等内容进行综合的技术应用；其二，二者在艺术表现手法上存在一定的差异，现代绘画艺术更重视对创作者个人创作思想以及思维意识的表达，创作者可以通过绘画技巧的应用将个人的思想进行随意性的绘画或者刻意性的意境营造，具有较强的主观性和个体性，而摄影技术的应用则更重视对实际生活场景的记录以及对客观事物的表现，使其艺术形式能够体现出一定的随机性和目的性，能够通过技术应用反映现实事物的真实面貌；其三，摄影技术应用于现代绘画艺术在创作场景要求中也存在较大的差异，现代绘画艺术的创作者在进行画面创作时，对场景的要求度不高，创作者既可以进行个人记忆中一个场景的勾勒和描绘，也可以对当下的场景进行艺术再创作，不同的创作风格会体现不同的艺术表现效果，摄影技术的应用若要体现更好的表现效果，对场景有较高的要求，甚至还会根据实际的应用需求对场景进行后期的处理和加工制作；其四，摄影技术与现代绘画艺术的创作过程存在差异，摄影技术的应用和创作在某个瞬间便可以完成，而现代绘画艺术则需要依靠创作者的主观创作思想，有的创作作品可能一气呵成，而有些作品则可能需要较长的时间才可以完成创作。

（三）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的内在艺术关联性

摄影技术的应用和发展是在绘画艺术的认知基础之上产生的，其艺术审美的驱动力来自于绘画艺术的表现形式，很多摄影技术的作品创作，都是受到某些绘画创作风格的影响而针对性地对摄影场景和构图形式进行设置，或者进行后期处理，而形成预期的表现效果，比如：古典主义创作风格的绘画艺术表现形式便对现代摄影的古装风格造成了较大的影响。摄影技术的应用和发展也在不同程度上丰富了现代绘画艺术的表现形式和创作风格，很多画家在进行现代油画的创作时都会通过摄影技术的应用将某一创作场景定格，进而对摄影作品进行自主再创作过程，在画面的某些细节方面的表现能够体现出记忆创作方法不能够表现的创作效果。摄影技术更多的是重视光和影的视觉处理，现代绘画艺术的创作者善于通过摄影技术的应用来获取艺术创作灵感，对其中的视觉信息进行加工处理，并对其进行整合应用，从中捕捉有利的创作素材，使绘画艺术表现出真实的艺术表现效果。对摄影画面进行绘画艺术再创作的过程，需要画家具备相当的艺术功底和创作能力，也需要画家对艺术元素有自己的认知和感悟，并且具备独特的自我表现风格，反之，如果画家缺乏自我表现风格和深刻的理解能力，会导致绘画艺术作品的创作失去艺术灵魂和生命力。摄影技术的应用可以为现代绘画艺术创作提供丰富的素材，但不能一味地对其进行复制，摄影技术能够使绘画创作者的艺术表现力得到巨大的促进。

二、摄影技术对现代绘画艺术的影响

早在19世纪摄影技术诞生初期，很多绘画创作者产生了不安和恐慌的情绪，担忧摄影技术的应用和发展进步会将绘画艺术逐步取代，主要是因为摄影技术能够使平面艺术形式达到更为真实的视觉体验，同时能够实现受众对于事物的重塑和固化状态的愿望。这种优势使绘画艺术再现现实的应用价值逐渐削弱，特别对于写真绘画，摄影技术只需要在几秒之间便能够对任务的姿势和表情等内容进行固态表现，而传统绘画艺术则需要写真对象保持同一姿势和表情相当长的时间来配合创作，画家在摄影技术应用的压力影响之下，为探索新型绘画的表现途径和应用价值，现代绘画艺术应运而生。现代绘画艺术更趋向于画家进行自我情感表达的艺术创作形式，摄影技术在民众生活中的应用范围逐渐拓展，其应用价值也逐渐提高。现代绘画艺术为迎合现代受众的审美和应用需求，其艺术表现性以及审美需求也逐渐提升，有效地促进了绘画艺术审美潜力的提升。摄影艺术的发展也使现代画家的创作理念发生了重大的变化，摄影艺术既有效地丰富了现代绘画艺术的表现形式，同时也给其带来了更多的视觉应用元素，使画家的绘画技巧以及表现技法等能力实现综合提升，进而表现出与摄影不同的表现风格和画面效果，并在个性化和多元化发展趋势愈发明显的今天，逐渐形成现代绘画的艺术流派。摄影技术的应用为画家进行艺术创作拓展了新的观察视角，拓展了其艺术创作视野，使画家能够用独特的艺术视角去感受世界，摄影技术能够实现对事物的动态、间歇性记录，使画家能够在不同的视觉效果和表达状态中对事物有更为深刻的体会，进而形成崭新的绘画语言表现形式。现代绘画艺术的产生是在摄影技术的发展态势下形成的，同时又借助于摄影艺术的力量形成了更深层次的提高和发展。

三、摄影技术对现代绘画艺术发展的作用

（一）摄影技术使现代绘画艺术的社会应用价值发生转变

传统的绘画艺术形式只是作为社会上层人士进行观赏的艺术作品，其在社会价值和应用价值的层面是非常有限的。在摄影艺术的应用和普及之后，人们对于艺术表现形式的关注程度逐渐提升，同时对于艺术应用的需求也逐渐提高，现代绘画艺术为实现与现代艺术受众的应用价值和艺术审美需求相契合，逐渐形成了艺术生活化的发展趋势，拉近了现代绘画艺术与生活现实之间的距离，进而奠定了稳固的受众基础，促进了其社会应用价值的实现和转化。

（二）摄影技术的应用使现代绘画艺术的审美功能更加凸显

如今，公众的艺术审美品位逐渐提高，传统的绘画艺术在民众生活中的主要艺术审美功能随着摄影技术的应用途径的拓展不断发展，现代绘画艺术失去了原本的画面记录和展示功能，纯艺术化的发展趋势成为现代绘画艺术的主要发展方向。画家进行绘画创作更多地体现的是其创作思想和创作感受，使作品赋予更多的精神内涵和文化内涵，使其绘画审美表现特质更具艺术性和人文性特点，绘画自身的审美功能也更加凸显。

（三）摄影技术的应用使现代绘画艺术的艺术观念发生变化

绘画艺术的发展也需要根植于社会的土壤，在社会应用层面有其存在的价值方能够实现其传承和发展，传统的绘画艺术能够具备广泛的应用价值，因而在18世纪到19世纪中期经历了快速的发展时期。但是随着摄影技术的诞生和应用，其发展速度逐渐减缓，同时面对艺术应用市场的冲击，绘画艺术创作者对自身的艺术创作理念不断进行革新，进而产生了现代绘画艺术流派，同时体现其在现代社会的应用价值。摄影技术的发展使现代绘画艺术的创作素材更加丰富，现代绘画艺术也实现了现代化的发展趋势，现代绘画艺术为实现更高的发展目标，也对其生存理念进行了革新，能够主动迎合现代社会的应用需求而进行创作思想的转变，使艺术重新根植于社会的土壤中，对于推动现代绘画艺术的发展产生了积极的促进作用。

（四）摄影技术丰富了现代绘画艺术的视觉语言

绘画艺术需要借助视觉表达语言来进行创作思想的传递和交流，摄影技术的应用能够使具象事物的表达更为逼真，产生较为强烈的视觉影响力，现代绘画艺术在这一方面难以与摄影技术相媲美，因而绘画艺术的创作者进行创作思维的革新，更加重视绘画艺术的本质性特点和艺术性特点，增强绘画技巧的应用，进而形成更为丰富的视觉符号语言，给受众带来更具感染力的视觉传达效果。

四、结语

摄影技术是基于绘画艺术的画面记录功能而产生的技术应用方式，而现代绘画艺术流派以及发展趋势则是在摄影技术应用背景下产生的，摄影技术能够为现代绘画艺术的发展提供更多的创作元素，促进其创作理念的实现和艺术应用价值的不断革新和进步，摄影技术的应用也需要对现代绘画艺术中的艺术表现性等特点进行学习，进而实现摄影技术和现代绘画艺术的共同发展。

参考文献：

[1]徐淮.新媒体艺术对中国当代油画的影响——评《当代中国油画研究》[J].新闻爱好者，2017（1）.

[2]胥碧，余胜泉.基于学习元平台的大学生深度学习研究——以“摄影技术与艺术”课程为例[J].现代教育技术，2016（4）:48-54.

第4篇：花卉艺术设计范文

1绘画艺术的表现特点

随着时代的发展，艺术绘画也在不断发展，在当代社会中，艺术绘画与设计表现联系也更加密切了，艺术绘画的表现力是强大的，它将绘画者复杂的思想情感平面的表达在纸张上，利用多样的绘画表现形式表达出来。形式的多样性也将艺术作品表现的更加丰富多彩。设计表现则是设计者传达设计理念的手段，它将设计师现实功能与需求加以结合，利用绘画表现成图纸的形式与使用者沟通，它的艺术形象是具象的、是可行性的创作。

2设计的艺术表现形式

设计既是描述设计形象的语言形式，也是交流设计的有效手段，为设计而表现是研究表现方法和技巧的本质目的。设计表现已经成为设计师收集资料、训练观察能力、深化设计素养、提高审美修养、培养创作激情和迅速表达设计构思的重要手段。

3绘画艺术与设计表现的共性

艺术绘画与设计表现同样都是通过塑造形象，具体反应社会生活，表现作者思想感情的一种艺术形态。

3.1从发展史来看

从绘画艺术与设计的发展史来看，绘画是设计的源泉和基础，而设计也随着绘画的发展而茁壮成长，设计的发展离不开绘画艺术，而绘画艺术也结合一些设计表现在共同进步。绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素。

3.2从市场价值看

绘画与设计在现代商品社会中均具有市场性。二者是艺术，更是从事他们的人赖以生存的手段。马克思的经济政治学观点让我们了解：欣赏性也是商品的使用价值，它通过这种使用价值来实现自身的价值。绘画虽然不依附于商品，但它依附于市场，也是根据市场和人类的精神需求来调整自己的方向和题材。设计的市场性则体现得更加明显，它需要根据客户的意愿、思路进行设计以达到宣传、推销商品的目的。所以绘画与设计都具有市场性。

4绘画艺术与设计表现的不同

从某种意义上它们两者的性质是一样的。但是它们所面向的社会而使他们在本质上产生了巨大的差异和本质的区别，艺术是充满感性的、而设计则是理性的，是有严格逻辑的。

4.1从工具材料看

绘画作品所表现的空间结构是半封闭的，除了纵深可以是无限的。在绘画艺术的发展过程中，绘画大师们利用不同的材料、加入一些复合工具材料或废弃的工具零件，制作出不同风格的艺术作品。

对于设计表现的工具材料，根据表现的形式也有所区分，以图形为主的设计表现主要用到纸、笔、上色工具及绘图工具等；进入21世纪人们运用不同的材料工具、运用光学、声学、环境、健康、美观等因素将人们带入了一个崭新的设计时代。

4.2从内容上看

绘画艺术的内容主要来源于绘画者的亲身经历和情感，当人们在赏析一幅绘画作品时往往都被动的投入到作品所表达的情感中，品味不同的情感。所以绘画艺术的内容是抽象的，结合现实生活来创作不同的作品。

设计表现的内容是根据人们需求而创作的，它具有客观性。不同的设计所表现的内容是不同的。设计表现的内容会根据不同的民族、时代、年龄、社会背景及时间而转变的。所以设计表现的内容必须是符合大众审美及真实存在的。

4.3从构图上看

艺术绘画的构图是多样化的，绘画构图是一种比较复杂，而且难度比较高的知识和技巧。然而，它又是绘画实践所不可回避的。绘画构图便是运用点、线、面、形状、明暗、色彩、空间、透视等，通过不同的内容可以变化出无数的构图形式。

而设计表现的构图形式大多数是相对固定的，设计表现的构图在实践上有着以下的美学构图方式：井字形构图、十字形构图、黄金分割、对角线构图等。所以设计表现的构图是需要衡量的，是符合人们的审美观，不需要夸张、变形。

4.4从艺术价值看

绘画作品主要是满足人类精神世界的需求，陶冶人的情操、培养人的审美情趣，从而推动社会文化的发展与世界文化的交流。而设计主要是满足人类物质生活的需求。它是一种实用艺术，是设计作品制作完成之前的意向图，是设计过程中与现实相连所表现的一种手段。

5绘画艺术与设计表现的融合性

现代的艺术设计即强调功能的使用价值，又包含审美意义上的视觉形式，它综合了人类的物质和精神生活，进而成为一种文化方式。设计表现与绘画艺术同时都是一种源于生活的文化，所以绘画艺术与设计表现都具有统一性和多样性。设计表现来源于绘画艺术，绘画艺术与设计表现的结合使艺术领域更加多元化。

第5篇：花卉艺术设计范文

【论文摘要】正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。

近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。

过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。

第6篇：花卉艺术设计范文

 

关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价 

 

近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。 

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。 

过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。 

第7篇：花卉艺术设计范文

1.陶瓷绘画的艺术文化性

中国陶瓷艺术在历史的演变中逐渐形成了独特的艺术文化，在艺术表现中也呈现出浓厚的中国传统文化、传统哲学观念和与时俱进的审美需求。

2.陶瓷绘画的工艺性

陶瓷绘画之所以能作为一种装饰性的工艺美术，与它的审美性和物质材料的天然属性有着密切的关系。美感与材质是其艺术创造中重要的艺术元素。通过种种绘画技法在瓷器上进行绘画，既弘扬了极具中华民族特色的绘画艺术，又为陶瓷艺术的发展带来前所未有的活力。

3.陶瓷绘画的艺术价值

艺术总是随着时代的文化特点、社会背景不断转换艺术语言而获得发展，而陶瓷绘画艺术随着社会文化思想的多元化发展也发生了重大的变化。所谓艺术价值，主要是指作品中呈现的个性和风格具有的利用性和创造性。一幅作品中所表现出来的民族性和地域性越强烈，它的艺术的价值性相对也就越大。以景德镇陶瓷绘画艺术为例，其不管是在构图还是在色彩的选择上，都充分体现了明清时期的繁荣与昌盛。而景德镇作为闻名中外的瓷业之都，更是将陶瓷绘画艺术推向世界。

二、现代艺术设计的研究

1.艺术设计的发展

从原始社会人类开始使用生产工具起，设计就与人们的生活密切相关。随着人类思维能力的不断发展，审美意识也越来越强，设计更具有了象征性。如，从远古陶器的纹样中可以看出人类对当时所见所闻的记录和对美好生活的向往。设计也具有抽象性，这些纹样都是人们从现实生活中创造出来再对其进行抽象化而得到的。设计首要的是功能性，其次强调美感与装饰性。这时的艺术设计还只是单一的存在。在世界范围内，各种文化运动层出不穷，人们的思想得到了跨越式的进步，各种艺术流派不断发展，这时的艺术设计就更具有了多元化的气息。

2.现代艺术设计的多元化

艺术设计具有时代性、民族性和地域性。设计是伴随着生活而来的，由于地域性差异，世界各地形成了生活、文化、设计的多元化格局。艺术设计多元化的内涵既是静态的，又是动态的。而现在的艺术设计大都侧重动态多元，是对静态多元的继承、发展和再创造。艺术设计的多元化发展是其历史发展过程中的必经之路，不仅符合这个时代多元化发展的规律，而且符合人们多元化的生活需求，更符合艺术设计发展的进程。3.现代艺术设计的价值内涵现代艺术设计还有利于提高人们的生活质量。设计的目的不仅是让商家适应当今的市场需求，谋得利润，而且是要完善人们自身的审美，提升人们的生活品质。人们的思想影响着设计的方向，而艺术设计作为一种文化积累，也在影响着人们的思想和自身生活的质量，这两者是相辅相成、密不可分的。可以说，艺术设计衍生于生活、反映生活、服务生活、超越生活，最终回归生活。

三、现代艺术设计中融入陶瓷绘画的价值

人们当前面对的是不断创新的世界，国外的各种艺术思潮也在不断冲击中国传统艺术，全新的思想和观念的涌现，使中国传统艺术受到影响。陶瓷绘画也逐渐被认为是一种单纯的传统艺术的表现形式。而如何在现代艺术设计中融入陶瓷绘画，是值得我们研究的问题。陶瓷绘画在现代艺术设计中的意义重大，它是陶瓷艺术面向现代化、紧跟时代步伐的重要体现。其价值体现为：第一，文化价值。就陶瓷绘画而言，其发展体现出来的艺术特点和文化内涵都具有一定的时代性和民族性，既继承了传统绘画艺术，又使现代艺术设计有了更宽广的发展空间。第二，审美价值。随着艺术设计的发展，陶瓷绘画艺术在艺术市场的份额也越来越大，而陶瓷绘画融入现代艺术设计，会使更多的陶瓷收藏爱好者、艺术领域的经营机构关注陶瓷绘画。所以，人们对陶瓷绘画的审美与价值判断也应该随着时代的不断变化而有所更新，将陶瓷绘画融入现代艺术设计，更能体现其价值。第三，经济价值。随着近年来市场经济的不断繁荣，消费者的审美观念也随之不断更新。彼得·德鲁克在《管理实践》中提到了“顾客至上”这一理念，而现代艺术设计融入陶瓷绘画，更贴合消费者的心理，从而带动经济的发展。

第8篇：花卉艺术设计范文

延安市地域气候概况。

延安市位于陕北黄土高原丘陵沟壑区，介35°21′～37°31′，东经107°41′～110°31′之间。北接榆林市，南连咸阳、铜川、渭南市，东隔黄河与山西省临汾、吕梁地区相望，西依子午岭与甘肃省庆。绿化覆盖率达到39.97%，绿地率达38.41%，人均公共绿地面积达到9.64平方米（建成区面积按36平方公里，人口按40.5万计算）。

1.延安园林花卉植物的现状应用

从狭义上来讲，花卉只是人们观念中理解的观赏的花或叶子的草本植物，而广义上，一切具有欣赏价值的，人工加以栽培管理和养护的植物都可以称之为花卉。

由于气候条件的原因，园林花卉植物少之又少，冬季色彩更是单调。据统计全市常用的色叶木本花卉有83种，占本地能够生长良好品种的31.6%，其中阔叶乔木应用36种，占本地能够生长良好品种（93种）的38.7%；常绿乔木8种，占本地能够生长良好品种（15种）的53.3%；常绿灌木3种，占本地能够生长良好品种（6种）的50%；落叶灌木41种，占本地能够生长良好品种（149种）的27.5%；藤本4种，占本地能够生长良好品种（10种）的40%。常用的草本花卉种类胜多，但花期较短，冬季必须在温室内保护越冬。能够在延安市区露地栽植的花卉品种（包括变种）可达到156种，其中生长良好的品种就有148种。延安市目前园林花卉植物品种的应用少而单调，扩大应用品种的范围和潜力是很大的。通过科学的选择，把一些树姿美、抗性强、生长好的植物品种应用到色彩斑斓的园林美景中去，是延安市园林设计、施工、管理部门的当务之急，也是提高市区绿化质量和环境质量的重要举措。努力实现城区色彩斑斓、郊区森林成片、干道花团锦簇的园林多彩格局。

按照一定的技艺和以美学欣赏为基础，培育出来的花卉具有较高的欣赏价值。花卉种类繁多，而且其范围也在日益增大。据调查，延安市园林植物种类共计142种，分属于68科137属。外来物种较多，物种多样性比较低，而且藤本植物应用较少，对垂直绿化的重视不够，以后的绿化工作应在这些方面多加完善。用于城市绿化的花卉，种类的增加，更能满足人们对于精神生活的需求。不同的植物有不同的观赏价值，观花、观叶、观芽、观茎、观果和观根等，种类的不同，具有不同的艺术价值。比如观花的植物有牡丹、月季、红王子锦带、美人蕉、鸢尾、一串红等，观叶的高山黄杨、金叶女贞、红叶小檗、小龙柏、小蜡等都有极高的观赏价值。

2.以乡土植物为主，实行适地适树和引入外来花卉植物相结合

由于延安市为植物区系过渡地带的特性，决定了市区的园林花卉品种只能是适应于北方气候条件下的植物品种。为了扩大种源，积极引入一些适应本地气候条件的外来植物品种，是增加植物品种的重要途径。因此在植物品种的选择中，在以乡土植物为主的前提下，大量引入外地植物品种，才能更好地筛选出优良的园林花卉品种来。如：尹家沟广场、双拥大道、师范游园、王家坪转盘、罗家坪广场等2个广场、6个游园，栽植牡丹、山丹丹花、红叶小檗、美人蕉、高山黄杨、月季、鸢尾、红王子锦带等苗木206600多株，其中鸢尾、红王子锦带、美人蕉，首次在延安落地生根。通过近几年延安城区广场、绿地改造，进一步提升了现有绿地的色彩绚丽的景观效果。符合新品种引进、花卉植物大量入城等办法，搭配原有主要树种彰显绿地多彩的改造效果。延安市继续巩固提高园林苗木引种驯化试验，今年我市引进石楠球、紫叶矮樱、水腊、梅花、牡丹、紫薇、紫荆、红王子锦带、红枫等9个品种15845株苗木进行培育，其中50株梅花挂牌、900株牡丹套袋，在宝塔山上、师范游园等市区重要地段安家落户，不仅丰富了苗木品种，而且提升了园林花卉色彩景观效果。

3.延安城区花卉设计色彩艺术

园林花卉在设计时，通常是根据建筑或周围环境风格的特点来设计某一色彩为主调的花卉，构建出一个特殊的场景氛围，让人有一种与众不同的感觉。粉色的设计配置，能突出一种和谐宁静的的氛围。粉色有黄粉色、蓝粉色等冷暖两极的多种粉色形式，但是花卉中冷暖两端的粉色相搭配效果通常不尽如人意。

延安属于暖温带半湿润气候区，全年气候受制于季风环流，因此粉色植物较为少一点，因此色彩搭配上尤为注意。在以橙色的主调的色彩设计中，搭配较为困难，一般是大量配置阔叶植物，但延安地区阔叶植物较少，因此搭配上要注意找到合适的搭配方法，一般用浅橙色和暗橙色与紫蓝色和蓝灰色叶搭配。绿色永远是富有生命力的代表，是庭院中最为常见的颜色，当然，也是最容易被人们忽视的。绿色的重要性是其他颜色所不能相比的，绿色是大多数花色的完美陪衬色。再次是红色，红色与其他色彩搭配体现不同的色调。但是红色也要慎用，比如在安静恬淡的环境中，不宜全用红色。白色为冷色调，花卉丛中点缀些许白色，花卉会显得清新而富有生气，平衡也不会遭到破坏。黄色既有冷色调又有暖色调，合理搭配好黄色，可以活跃气氛，令人感到愉快。同时，蓝色和紫色的搭配也要用心，两者搭配好，会营造一种轻松浪漫的氛围。总之，花卉的色彩主要有植物的花色来体现，植物的叶色，尤其是少量观叶植物的叶色也是不可忽视的。最后，应用补色也有至关重要的作用，能起到活跃色彩的作用，给场景带来活力。在各种色彩的搭配上，补色的应用能起到画龙点睛的作用，不可忽视。

3.1色彩与心理

搭配与使用的不同，会使人产生不同的心理感受，冷暖、远近等等。不同的色调带给人的感觉不同，有的令人兴奋，有的给人以清新宁静、深远之感。暖色调表达愉快及热烈的气氛，因此，要烘托此气氛，暖色调为首选。冷色调创造宁静雅致乃至肃穆的氛围。假如空间较小，进行花卉设计时，色彩种类不宜过多，最好以冷色调为主。不同的色彩带来不同的感觉，是进行花卉设计的重要参考标准。纯净的颜色使人有一种宁静温暖的感觉，比较暗淡的颜色会给人一种深沉的感觉，因此，色彩也能影响人的心情，合理的色彩搭配给人心情一种积极的引导作用，因此不可忽视。

3.2色彩与体型的配置

花卉的色彩设计中，体型也是重要的参考标准。根据设计的不同要求来选择不同的姿态的花卉，另外，各种花卉的特点也要充分体现出来。体型与色彩的结合，能使得花卉的色彩的表达上更加淋漓尽致。花卉体型的选择上要多加注意，选择合适的线条，选择合适大小，在空间内体现花卉的韵律美和节奏感。例如，宽度上也是有着一定的要求，过宽丧失了美感，造成浪费，也不便于管理，过窄又不容易体现群落的景致。因此在园林艺术中色彩设计搭配体型设计，才会体现完美的效果。园林花卉的色彩设计，从某种程度上来讲，与体型设计唇齿相关。

4.花卉色彩设计中的花坛

花卉植物最常见的应用方式便是花坛，花坛可以在一定程度上可以表现出花卉的特点，再者，花坛本身也具有极高的观赏价值。根据不同的环境对花坛进行色彩设计，选择合适色彩的搭配，能够在保持观赏价值的同时，也能保持植物的统一性和安全性，使之具有自我防御的功能。

其次，大面积的建筑群中最为常见的是条形花坛。条形花坛通常用来使色调统一，使环境和谐，同时以这个为前提，局部灵活处理，构建出具有艺术欣赏价值的图案。而且，花坛一般来说，都是立体的，园林的图案和色彩美都能充分的表达出来，体现现代化都市的特点。立体的色彩设计也较为困难，但若是合理安排，制造出来的效果也是令人耳目一新的。

最后，简洁明快和流畅线条也是花坛设计中尤为重要的，与此同时，结合现代艺术，结合一定的艺术手段，是花坛的特点更加突出。科学技术的发展，花卉的品种也越来越多，有外来物种，因此在选择时要经过充分考察，植物的多样性丰富为选择提供了更大的余地，但同时也要注意食物链的利害。

第9篇：花卉艺术设计范文

关键词：艺术；设计；绘画；艺术性

设计与绘画艺术关系密切，你中有我，我中有你，相互影响。绘画艺术是基础，在设计中深入应用绘画艺术，才能设计出更加优秀的作品。设计对社会各个领域都产生了深远影响，它全新的形式与活力也成为绘画灵感的源泉之一。设计使绘画等纯艺术增加了一些科技感和更多的可能性，而绘画等纯艺术为设计增加了艺术性。

一、绘画艺术对设计的影响

1.绘画艺术是设计的基础

绘画艺术是是一切艺术活动的开端，是开启艺术活动的使者。绘画是提升审美的唯一途径。通过学习绘画，提高审美能力、造型能力、认识设计规律。最为关键的事情是通过绘画让这些知识进入人的思想之中，成为设计的源泉。同时，设计离开了绘画艺术也会失去生命力，绘画艺术对于设计而言有着对造型语言的原发性意义，画家与设计师都要具备很高的绘画基础、艺术素质和高水平的审美情趣。早期，有许多画家本身也是设计师。列奥纳多•达芬奇不但把传世之作《最后的晚餐》留给后人，还有许多设计性的发明创造。设计过桥梁、教堂、圆屋顶建筑，还成功地制造了自行车、连发大炮等等。拉斐尔和米开朗基罗不仅从事绘画创作，同时还参与建筑设计。拉斐尔的建筑风格如同诗歌一般绚丽、温和、优雅，在《雅典学派》中表现，特别是室内优美装饰，给予后世很大的影响。米开朗基罗设计的圣彼得大教堂圆顶时至今日仍然气势恢弘，是建筑史上的里程碑式的作品。1919年包豪斯设计学院的建立，标志着现代设计教育的诞生，作为世界上第一所为发展现代设计教育的学院，它对世界现代设计的发展产生了巨大而深远的影响。现代主义画家康定斯基、伊顿、克利等人都曾以基础课程教师的身份主持过包豪斯设计学院的基础绘画教学。其中色彩专家约翰尼•伊顿创立的“基础课”，更是奠定了现代设计体系教育的发展基础。目前，世界各国设计学院的教育体系，均以绘画作为教学基础，意在培养学生的造型，审美，鉴赏能力。

2.绘画艺术推进设计的发展

绘画艺术作为设计的基础，还为设计研发视觉形式语言。延续设计的生命力既要有厚实的文化底蕴做支撑，同时也依赖于视觉形式语言不断变革与发展。从历史发展的角度来看，设计的发展史就是一部绘画的发展史。设计离不开绘画的参与，在其发展过程中视觉形式语言的变革都是因绘画形式语言的新变化而出现的。荷兰“风格派”创始人蒙德里安，他不再画眼睛看见的实物，而把绘画语言限制在单纯的色彩和几何形象上。

二、现代设计对绘画的影响

随着科技的迅猛发展及人类文明的不断进步，设计对绘画的反作用愈发明显，己成为新时代的主流，西方现代派绘画诸派别的发展演变正是设计因素推动的结果。在康德、叔本华、尼采、马斯洛等人的哲学思想和弗洛伊德心理学的影响下，一部分画家逐步摆脱理性的压制和传统思维的束缚，艺术上不再满足于对客观的再现，强调重视感性、直觉和下意识活动，突出内心的“自我表现”。现代主义绘画艺术运用设计的元素，强化了视觉意识。包括后来的表现派、抽象派、未来派、超现实主义等等，都具有一定的设计感。从造型、色彩、形式上来解读绘画艺术特质更能发现其设计元素。

1.造型方面

绘画受构成设计影响，把点、线、面作为一种抽象的符号提取出来，在西方现代派绘画的造型语言中得到广泛的运用，呈现出它独有的艺术魅力。如俄国艺术家康定斯基在他的作品中直接以点、线、面、色块等纯抽象的造型因素来表达感情。不同的几何形状、不同的色彩、自由的平面化构图形式，各种视觉元素水融、彼此呼应，构成了动静相宜，丰富和谐的绘画世界。吴冠中说过，“我自己作画，一想探索形式之美，但同时竭力追求意境”。他对绘画的形式构成有很深的研究，绘画作品多以点、线、面的构成形式美感为基本要素，其油画代表作《狮子林》《桥之美》，就是点、线、面的完美结合。

2.色彩方面

色彩是画作中使人感动的重要因素。写实性绘画的色彩注重真实性的反映，而现代主义绘画的色彩突破了色彩对事物形态依附的固有属性，淡化了描绘物象的色彩变化规律和客观存在状态，注重表现画家的个性追求、主观情感和审美理想。康定斯基的《即兴31号》的画面中只能看到各种颜色和线条的组合，整幅作品脱离了现实对象独立存在，色彩和形状本身构成作品的全部。作品上，各种色彩交织在一起，仿佛跳动的音符，发出急缓、轻重、高低不同的乐调；而线条就像乐谱上的重音、停顿、休止符一样。

3.艺术形式美法则的运用

形式美法则是对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和多样统一等内容。在现代主义绘画中，画家通过运用形式美法则进行打散、分解、重组、排列、并置、重构等设计手法，从而构成全新的视觉效果。如毕加索的《奥尔塔•德埃布罗的工厂》，把工厂实际形状加以破坏，把房屋分解成许多形体，并进行了重新组合，排除了传统观念和画法，用简化单纯的手法综合概括地描绘，得到了一个新的统一的“三度空间”，让观者有一种新奇的审美享受。

4.综合材料的运用

现代绘画对综合材料的使用已到了随心所欲的境地。通过不循常理的材质肌理的运用，以达到变化多端的效果。如杜布菲的画面表层几乎什么材料都可以接受，其中包括水泥、沥青、砂石、泥土等。柏洛克抛弃画笔拎着颜料桶滴、洒、泼、甩向铺在地上的画布，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。

三、结论

设计与绘画艺术相互影响、交融共进、不可分割。只有正确理解设计与绘画艺术的使命、特点、异同与发展，才能对两者的关系有客观的、深刻的、科学的认识，这对艺术教育与实践探索才具有积极意义。

参考文献：

[1]丰子恺.绘画与文学绘画概说[M].文艺出版社，2001，8．

[2]廖少华.设计概论[M].湖南大学出版社，2005.

[3]王受之.世界设计史[M].中国青年出版社，2002.