古典音乐的特色精选(九篇)

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第1篇：古典音乐的特色范文

【关键词】古典音乐 严肃音乐 文学赏析 舞蹈赏析 绘画赏析

本论文为陕西省教育科学“十一五”规划课题，课题编号sgh10171。课题名称：高师声乐课程适应中小学音乐教育改革的研究。

古典音乐泛指西洋古典音乐，即中世界欧洲主流文化背景下创作的有别于通俗音乐和民间音乐的一种承载厚重、内涵丰富的音乐形式。而现今的乐界，古典音乐多用来特指1750-1820年这段时间的维也纳古典乐派所创作出来的欧洲主流音乐，是一个独立的音乐流派，艺术手法考究。

古典音乐，在乐界，因其主要体现理性的情感表达方式，而被更多的学者认为是所谓的“严肃音乐”。[1]在我国，80后、90后这些从出身就带有强烈自由主义色彩的一代，更多地把个人喜好放在了情感宣泄自由的浪漫主义音乐上，逐步远离了带有强烈“严肃”色彩的古典音乐。因此，在自由主义蔓延的当代，如何正确引导和培养年轻的音乐人对古典音乐的兴趣，也就成了音乐教育中一个急需解决的教学难题。[2]

多元化的教学方式往往因其耳目一新的授课方式，而更容易被学生所关注和接受。通过对古典音乐深厚的文化背景的研究，本人采用以下的教学方式，取得了良好的授课效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典文学赏析课程

1750-1820年的欧洲，恰逢古典主义文学和启蒙文学盛行的时代，从莎士比亚、塞万提斯到巴洛克文学的兴起，无不体现当时新文化新思潮的改革，随即出现了昌盛一时的古典主义文学，兴起于当时文化科技繁荣的法国，随后扩展到欧洲其他国家。古典主义文学思潮是新兴的资产阶级和当时封建贵族在政治上妥协的产物。它和古典音乐的特点类似，有着鲜明的时代特色。

因此，在课堂教学中，加入古典文学课程赏析，通过对时代背景的理解，对当时文化意识形态的理解，更容易加深学生对音乐旋律背后诠释的文化的融会贯通。往往可以通过鼓励学生用自己的想象力复原文学作品中表达的大时代，同时鼓励学生用自己对于音乐的理解力通过自己独有的方式呈现当时的文学作品以及那个时代的特征，再对比古典音乐的表现形式，不仅可以激发自我的创作能力，同时通过对比和创作，更有效地吸收了古典音乐的精华，且达到了学以致用的效果。

在古典音乐的教学课程中引入欧洲古典舞蹈赏析课程

舞蹈是在三度空间内用身体为语言的一种交流方式，是用人体的运动来体现的一种艺术形式。而且舞蹈往往借助音乐伴奏，用形体的动作更加丰富地诠释音乐的力量。舞蹈赏析是通过观赏舞蹈时，对舞蹈作品的感受、体验以及理解思考的整个过程，其本质上是一种认识活动同时伴有自我思维的升华过程。舞蹈作品很直接很形象地反映当时的社会生活、人物的情感特点、舞者对于生活的自我审美，是一种全方位多人共同参与表达的艺术形态。

在意大利文艺复兴时代，芭蕾作为欧洲古典舞蹈的经典流行并逐渐职业化。芭蕾在发展过程中有严格的规范和结构形式，要求女演员穿特制的足尖鞋立起用脚尖起舞。在古典芭蕾舞剧的赏析课程上，我们要求学生尽量重现18世纪的场景。我们的课程设计上，尽量模拟18世纪的欧洲剧场，前10分钟，学生通过阅读相关舞剧简介，对接下来赏析的舞剧有个最基本的了解，接着通过对《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》等经典芭蕾舞的赏析，有一个全面直观丰富的体验。最后，在课程结束前通过简短的讨论和提问来对比古典舞蹈配乐和整个舞台效果与真实的古典音乐之间的差异，理解所谓的欧洲现实生活和欧洲当时理想的意识形态之间的差异，从而轻松地理解所谓古典音乐严肃背后的理想主义色彩，通过讨论和提问的形式来达到每个学生的自我理解消化，且所提问题不当堂解决，留为下一节课程的授课中心，学生和老师共同准备下一堂的教学内容。

在古典音乐的教学课程中引入绘画赏析课程

在中世纪的欧洲，人们常常将绘画称为“猴子的艺术”，指的是人类如同猴子一样通过绘画的方式模仿人类活动，因此绘画是一种临摹自然的艺术，因为每个人对自然的理解有偏差也有自我

的独特性，绘画里面通过夹杂了画者不同的自我风格，而体现不同的意识流。

在教学中，我们主要加入对理性主义的“拉斐尔前派”作品的赏析，因为这个学派往往取材于神话、宗教传说以及一些文学作品，通过画者的理解和幻想而表达出来的，如《世界之光》、《盲女》、《基督家庭》等代表作。通过对这些作品的赏析，不但可以通过作品了解到当时西方很多的神话、宗教故事等文化起源的故事，同时还可以了解到18世纪欧洲的画家对于文化起源的理解和自我剖析，可以更全面地理解当时文化时代的意义，也理解到所谓“严肃”音乐在那种特定的时代大背景下为何“严肃”的原因。[3]

只要音乐教育者肯下功夫，结合时代特色，采用多元化教学，古典音乐也必将冲破“严肃”音乐的局限性，被年轻的音乐人和更多的音乐爱好者所喜爱和接受。

参考文献：

[1]宋莉莉.西方音乐简史与欣赏[m].济南：山东大学出版社，2007.

[2]周佳毅.浅谈中国古典音乐现状及发展前景[j].声乐舞蹈，2012，09：119.

第2篇：古典音乐的特色范文

关键词：流行音乐 中小学音乐 音乐课堂 思考

“流行音乐”作为20世纪产生的一种世界性的艺术现象，正像前面所说的，它的影响已经遍及各大洲，深受大家的喜爱，这和它本身的群众性和娱乐性的特点是分不开的。1.创作题材（包括歌词）贴近现实生活，富于情趣化。2.格式简炼完整。3.演唱方式不拘一格，突出“自我感受”。4.演出方式十分强调群众性，强化交流。流行音乐大型演出甚多，灯光、美术、服装、舞蹈、音响等综合运用，往往造成十分强烈的效果，而通俗唱法在表演中，除完成歌曲演唱一般要求的节奏、音准及吐字清晰之外，还常运用声音或形体动作的强化来达到情感的表现，这种表演所造成的气氛，已不仅仅是歌唱者自己投入，而是扩展开来，对周围的观众具有极强的煽动性，这也是众多的青年人为之倾倒的缘故。

目前，我国大部分地区的音乐教育在基础教育阶段并没有得到很好的发展，归根到底是由于传统音乐课堂没有营造出良好的音乐氛围，无法激起学生的兴趣。调查显示，流行音乐进入课堂后立即受到学生的普遍欢迎，这也从侧面反映出我们传统音乐课堂的缺失。从哲学角度分析，任何事物都有两面性，流行音乐也是有利有弊，只有全面地审视事物，才能更清楚地认识事物。

流行音乐是众多青少年喜爱的音乐类型，对于健康的流行音乐，我们完全可以将之引入课堂。流行音乐的引入，可以激起学生学习音乐的兴趣，培养他们的创新精神。只要引导得当，对我国的音乐教育的长足发展一定大有利处。我们应该全面地审视流行音乐。有些好的音乐完全可以运用到歌曲教学中，教学生学会正确审视流行音乐，可以调动他们的学习积极性。在教学中，可以让学生接触不同的音乐形式和风格的歌曲：如黑鸭子组合改编的《牧歌》、《康定情歌》，韩红的《北京的金山上》等。学生学习了这些歌曲之后，可以根据自己的感觉，尝试改编一些自己喜欢的歌曲，对歌曲进行二度创作，欣赏属于自己的作品，这样也有利于调动他们学习的积极性，激发他们的创新意识，从而提高他们的创新能力。

中学阶段是人生重要的转折点，迈出的每一步都和未来的道路平坦与否息息相关。此外，还要使学生在音乐欣赏中，体会不同形态的“美”，提高他们欣赏“美”的能力。音乐感是人类审美情感的重要来源，审美与人的情感体验有着密切的联系，它是人类感性认识和情感体验的另一种实践性活动，可促进人的心灵净化和个性的完美。所以，要充分利用流行音乐的普遍接受性，使其在青少年的成长路上发挥有利作用。

“流行音乐”走进课堂的可行性。在中小学音乐教学中，节奏教学是一个非常重要的部分。节奏教学我们除了采用节奏模仿、打击乐训练等方法外也可试着将现在流行于欧美的“说唱”引进课堂。至于欣赏教学，“流行音乐”更是大有用武之地。激发学生学习音乐的兴趣，更可以拓宽学生的视野，在热爱课本上的“阳春自雪”音乐的基础上，了解和吸纳其他风格的音乐，从而为造就新一代音乐人才创造条件，铺平道路。

首先，从中国风音乐的形成来看，它区别于其他风格音乐的最重要的特点就是它所蕴含的中国古代文化，这也是它最为重要的“噱头”之一。从旋律、曲调上来说，中国风音乐追求复现中国古典音乐，或是采取模拟中国古典音乐旋律的方法，或是直接改编古乐或是戏曲音乐的方法，增加歌曲的“中国的”、“古典的”的特色。从乐器上来说，中国风音乐常用二胡、琵琶、古筝、箫等中国乐器。而对非中国文化背景下成长起来的人来说，这样的乐器因其不似西方乐器那么流行，而使其具有独特的神秘色彩，或者说，带有明显的“东方的”或“中国的”的标志性，这样，中国风的特色就越加突出；从演唱上来说，中国风歌曲尤为喜爱加入戏曲唱腔，如陶的《Susan说》中加入的改编后的苏三起解的唱腔。

在流行音乐进课堂的实践教学中，我借助学生对流行音乐的兴趣，激发他们学习古典音乐的热情，总结出以下几点：

一、引导法：在课堂教学中经常会出现学生要求唱流行歌曲的情况，我认为这是学生音乐课上积极性高的一种表现。

二、投其所好法：帮助学生找到某些流行歌曲受欢迎的原因，有的放矢地放一些学生喜闻乐见的流行歌曲，与学生共同欣赏的同时，用音乐的语言去讲解、分析流行音乐的内容及表现手法，给学生造成一种流行音乐并不是脱离音乐的基本要素，只靠歌词及音乐情绪而独立存在的氛围，尝试带动学生主动从音乐的方面去鉴赏流行音乐。

三、比较学习法：在投其所好法实施一段时间之后，可介入比较学习法，引导学生在比较中分析古典音乐与流行音乐的异同可用“旧瓶装新酒”的音乐进行比较，如sHE的歌曲《波斯猫》在编曲中引用了凯尔巴特的《波期市场》中的乐句，也可将教材上所选用的音乐与流行音乐进行比较学习。

第3篇：古典音乐的特色范文

关键词：高职音乐教育；古典音乐；流行音乐

高职音乐教育不仅能够提高学生的音乐素养而且能够培养优秀专业的音乐人才。在高职音乐教育中，将古典音乐与大众流行音乐很好的结合在一起纳入音乐课堂中，这样能够更好地培养在校学生的音乐素养。与此同时，高职音乐教育古典与流行的结合能够一定程度上提高了学生的审美力能和思维能力，促进学生的综合素质的提升。古典音乐与流行音乐的有机结合能够使得高职音乐教育焕发别样的活力。

1. 高职音乐教育古典与流行结合的意义

高职音乐教育古典与流行的结合不仅对学生的音乐素养、个人修养还是审美能力具有一定的促进作用，而且对高职音乐教育的音乐教学方式和内容都有一定的推动作用。将从以下几个方面讲述高职音乐教育中古典与流行的意义。

1.1提高学生的音乐素养

不同的音乐特点使得学生对流行音乐与古典音乐的接受能力不一。由于流行音乐具有通俗传唱、朗朗上口等特点，比起严肃的古典音乐，学生对流行音乐的接受能力和喜爱程度远远高于古典音乐。但是相比流行音乐的通俗，蕴含于古典音乐高雅的艺术品位和严肃的思想能够陶冶学生的情操，甚至是能够促进学生的思维能力地提高。在实际的教学过程中，学生往往被动地接触古典音乐，这使得学生产生厌倦和抵触的情绪并不能起到陶冶情操的作用，更何谈从古典音乐中引起心灵或思想的共鸣。因而高职音乐教育将流行音乐和古典音乐相结合，能够有效地提高学生的音乐素质和综合能力。与此同时，高职音乐教育中古典与流行的结合能够调动学生学习音乐的积极性与主动性。

1.2完善音乐教学

高职音乐教育应当是多种多样的。高职音乐教学内容既应该有雅俗共赏的流行音乐也应当有古典音乐。不同的音乐教学内容有其自身的特点，它们都对学生的审美、情操地陶冶具有重要的意义。高职音乐教育中古典与流行的结合，创新了音乐教学的内容和方式，尝试将流行文化和古典音乐各自的优点特色相结合，例如将古典音乐中添加流行的元素或者以流行的方式传播古典音乐，这均使得高职音乐教学更加的多样化和与时俱进。

1.3活跃课堂教学效果

高职音乐教学不仅仅是单纯的培养学生的音乐素养，同时亦注重对实用型的音乐人才的培养，因而高职音乐教育不仅仅必须充分调动学生的学习热情，系统生动的向学生教授音乐知识和音乐技巧，而且完善和丰富高职音乐教学，不断地促进高职音乐教学内容和形式的多样性。高职音乐教学中的古典音乐与流行音乐的相结合能够更好地激发学生的学习热情和积极性，从而活跃了课堂的气氛。这不仅能够大大提高教师的教授效率而且能够提高高职音乐课堂的教学效果。

2. 高职音乐中古典与流行结合的策略

高职音乐教育古典与流行相结合是高职音乐教学改革的重要尝试，对学生的音乐学习和高职音乐教学的内容和形式具有重要的意义。针对高职音乐教育古典与流行结合的现状提出以下几点具体措施。

2.1调动学生学习的积极性

高职音乐教育中古典与流行的结合的关键在于要想方设法的调动学生的学习积极性。一是要转变学生对古典音乐无趣的刻板印象。由于一般学生一般而言不经常接触古典音乐并且没有欣赏古典音乐的能力，大多数学生对古典音乐怀有较大的陌生感。因而高职音乐教育中应当积极培养学生对古典音乐的兴趣，以此消除学生对古典音乐的刻板印象，从而更好地将古典音乐和流行音乐相结合。二是将古典音乐添加流行的因素，消除古典音乐与学生的距离感，从而激发学生学习的欲望。三是在教学过程中教师应当于学生一起分享优秀的古典音乐并且在教授过程中与学生形成互动。

2.2优化音乐教学内容

高职音乐教育应当以提高学生的的音乐知识水平，实现音乐素质教育为主。这就需要高职音乐教学中不断地优化提高音乐教学内容。首先应当合理安排课堂的教学内容和教学进度，有重点和针对性讲授课堂内容，实现学生的音乐素质教育。其次是应当不断的探索古典音乐与流行音乐相结合的方式和手段，积极地使古典音乐与流行音乐相结合，积极引入融合流行音乐元素，从而创新古典音乐的表现形式。最后是在高职音乐教学上应当注重实践性与创新性的统一，不断地调整调整音乐教学的内容，与时俱进将理论与实践相结合，提高学生的音乐鉴赏能力和综合素质。

2.3创新音乐讲授模式

高职音乐教学中的古典与流行的结合需要创新音乐教堂的讲授模式。第一，应当使用先进的教学设备多媒体作为音乐教学的重要手段。通过多媒体形象生动的演示，能够更好地进行教学活动的同时充分调动学生课堂学习的积极性。相比传统的板书的教学课堂和教授方式，利用多媒体进行教学活动，学生形象直观感受到音乐的魅力，并且形成互动氛围，学生积极参与课堂，更容易理解音乐作品。第二，创新课堂形式。对音乐的学习是不局限于一件课室或者特定的时间，学校可以将音乐教育的形式更加的多样化，例如：歌唱比赛和音乐会等等，不仅能够让学生主动地参与到音乐学习中，而且能够在比赛或者音乐会的观赏中更好的理解古典音乐与流行音乐，从而自然地实现古典音乐和流行音乐的结合。第三，高职音乐教育课堂应当加强老师与学生、学生与学生的交流互动，通过使用线上媒体和线下课堂交流，加深学生的学习印象和对音乐的理解从而提高教学质量更好的实现古典音乐与流行音乐的结合。

3. 结语

高职的音乐教育对培养音乐人才和提高学生的综合素养具有重要作用。高校音乐教育中古典与流行的结合是音乐教育的尝试。高职从事音乐教学者应当充分认识到音乐教育中古典与流行结合的重要意义，积极地探寻切实可行的教学手段，与时俱进的改进教学内容。在实际的音乐教学过程中，巧妙地将古典音乐月流行音乐相结合，从而促进学生的文化素养和音乐素养提高，达到提升音乐教育教学的效果。

[参考文献]

[1]郭超.大众流行音乐走进高师音乐教育课堂的必要性[J].北方音乐，2014，（8）：207-207.

[2]韦月芬.谈如何让民族、古典音乐与流行音乐同在课堂绽放异彩[J].教育教学论坛，2014，（37）：72-72，73.

[3]潘轶.试论大学音乐教学中古典与流行的结合[J].北方音乐，2014，（11）：209-209.

[4]刘蕊.电影音乐中古典音乐的发展与应用[J].电影文学，2010（08）

第4篇：古典音乐的特色范文

关键词：跨界音乐 融合 价值观

跨界音乐也称混合音乐，是指把两种或两种以上的音乐风格交融在一起的音乐形式。它的诞生为不同的音乐形态、不同的音乐风格的结合创造了条件，也为大众带来了全新的视听体验。跨界音乐的含义可分为两层：广义上泛指任何几种音乐融合在一起而形成的音乐，狭义上则单纯指古典音乐与通俗音乐相交融的古典跨界音乐，它是跨界音乐中最流行、最具有代表性的一种音乐形式。跨界音乐的历史时间不长，但是它符合社会多元文化的不断发展和人们审美需求的多样化的要求，深受大众的关注和喜爱，在世界乐坛上有着很强的影响力。

1 跨界音乐的起源和定义

跨界音乐的产生比较晚，大约起源于上世纪五六十年代，最早出现于美国。它的产生与音乐排行榜有关，一张新唱片登榜在不同类别的音乐排行榜上即被认为是某种意义上的音乐形式的交叉，成为跨办音乐的原始模型。伴随着这种发展趋势，出现了许多跨界音乐人，如古典辣妹组合、神秘园组合、莎拉.布莱曼、马友友、陈美等等。上世纪90年代，跨界音乐在中国逐渐兴起，女子十二乐坊的二胡演绎、刀郎的老歌新唱、西洋器乐伴奏在中国传统戏剧中的使用等等正成为一种新锐时尚的生活态度和审美方式，跨界音乐在中国的艺术领域获得了更新的诠释。

音乐和音乐家的跨界现象发展到今天具有广泛性和多样性，如何给跨界音乐下一个准确的定义？根据查看的相关资料以及所听到的跨界音乐，笔者总结为在广义上是指不种类、不同形态、不同风格的音乐相融合的一种艺术形式，在狭义上是指古典音乐元素与流行音乐元素的相互交织、结合的艺术形态。“通俗地说就是将不同领域的歌唱方法、演奏方法根据需要改编的一种新的艺术形式，由多种音乐元素混合而成更容易被大众接受和欢迎”。[1]

2 跨界音乐的特点

（1）跨界方式具有广泛性性和多样性。常见的有移植、改编、引用等。从更加宏观的角度来看，就是在古今中外、东西南北、雅俗文野、激进保守和乐内乐外之间的纵横驰骋、自由跨越。如中国作曲家周文中用古琴曲作为蓝本，用西洋的室内乐的编制来呈现的《渔歌》。

（2）跨界音乐人大都具有深厚的古典音乐修养。跨界音乐人大都毕业于专业的音乐学院或受到过名师指点，这是由跨界音乐本身的性质所决定的。跨界音乐脱胎于古典音乐，跨界音乐人必须有坚实的古典音乐基础，才能驾驭这些作品，并在此基础上进行变化创新。

（3）跨界音乐是一种嫁接，更是一种发展。[2] 跨界音乐由多种音乐形式融合而成，既不同于母本，又继承了母本的优点，是一种突破和创新。我们在以看到跨界音乐以打破传统、运用时尚元素和现代技术、融合多态风格的面孔吸引了更多不同层次的听众，形成了新的音乐演绎手法和演出方式组合。

3 跨界音乐的分类

（1）用古典音乐的演唱方式表现流行音乐。如“华人世界第一男中音”的廖昌永用在专辑《情释》通过翻唱王菲的《红豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少爱可以重来》等一系列脍炙人口的流行歌曲让古典音乐走近听众、走向市场作出了积极尝试。

（2）用流行音乐的方式演绎古典音乐。

以古典的弦乐四重奏组合“古典辣妹”为代表，“用流行音乐的形式和现代化的演出方式打破音乐的界限，将古典音乐的精粹与世界各地的声音和节奏互相结合，实现音乐的大同，把不被大多数人涉足的古典音乐展现出全新的概念。”

（3）流行音乐与古典音乐的交织融合。英俊潇洒、实力唱将IL DIVO(美声男伶)为大家充分展示了这一跨办界音乐类型。他们的音乐把古典音乐和流行音乐完美地整合在一起，在音乐界可谓是独树一帜。

（4）民族与古典相整合的中国特色的跨界音乐。在这一跨界音乐形式中，谭盾的《地图》极具代表性。他将原汁原味的湘西本土音乐与现场交响乐融为一体，为我们呈现了一场传统与现代、时间与空间连接在一起的跨界音乐盛宴。

4跨界音乐产生和存在的必然性

无论是在西方还是在东方，跨界音乐能够长期存在并迅速发展，一定有它的必然性。

首先，跨界音乐的产生和发展符合欣赏者价值观和审美需求。人们传统的价值观认为，古典音乐等于高雅艺术，是上层社会的欣赏特权，欣赏古典音乐意味着高雅的品味和高贵的身份和地位。跨界音乐则化解了人们想显示自身的高雅品味却又缺乏对古典音乐的理解之间的矛盾，跨界音乐通俗易懂的特征使受众不同程度地产生“艺术修养较高”的自我认定，体现了受众的价值观。另外，接受群体审美需求的多样化导致了流行音乐创作风格的多样化，而吸收古典音乐元素则为多元化的音乐创作提供了丰厚了创作母体，满足不同人群的需求。从波切利与莎拉.布莱曼在中国演出获得的巨大成功右以看出，多元文化更加受到现代社会人们的喜爱。跨界音乐艺术正是满足了观众对古典、民族与现代等多重文化因素的需求，才受到人们广泛的欢迎和赞誉。同时，对青少年来说，欣赏跨界音乐也是一种时尚，正如何晓兵教授所说：“流行音乐的低龄消费群体真正想购买的，并不是原来意义上的音乐，而是以某种热门音乐为载体的时尚生活方式”。[3]

其次，跨界音乐的内涵在于融合和创新。在各种音乐元素通过自我调节融合在一起的基础上，结合创作者和表演者的更新与超越，从而使其表现力更加丰富，更具广度和深度。

第三，跨界音乐所蕴含的文化内容是跨界音乐长久发展和生存的基石。跨界音乐是一个极具包容性的概念，它所包含的音乐因素比世界上任何一种类型的音乐都要丰富，它应该具有旺盛的生命力和极大的发展潜力。无论是不同民族或不同风格或是古典与流行、严肃与通俗的音乐都能为跨界所用，并赋予原形式以新形象，从而更加鲜活、更具有时代感、更容易被大众所接受。

第四，经济发展、商业利益是跨界音乐发展的又一驱动。企业的营销宣传、演艺公司的商业演出往往会选择社会上正在流行或已经出现流行趋势的音乐形式，这无疑使跨界音乐成为被选择的对象并被进一步推动发展。一些作曲家、演奏家、音乐人也会通过不同的方式尝试对古典音乐的改编，以达到名利双收的目的。这些低成本、高效益和广受欢迎的跨界形式便成了古典音乐延续和重构的载体。

5跨界音乐未来发展的展望

第5篇：古典音乐的特色范文

关键词：中学教育；音乐教学；流行音乐

在当前音乐教学依旧停留在传统的教学内容和受传统教学观念影响的情形下，音乐教学内容已经无法满足学生的需求，导致学生在学习音乐时无视散漫，厌恶枯燥的音乐理论和音乐技能，音乐教学的根本效用不能得到充分发挥。因此在音乐教学中引入流行音乐，通过拓展音乐教学内容、丰富教学方法来让学生重新审视音乐、感受音乐，才能让学生在学习音乐的过程中实现自我的构建和重塑，培养其美学能力，推动自我的全面发展，让音乐教学发挥其重要作用。

一、中学音乐教学中引入流行音乐的基本原则

流行音乐作为通俗音乐，大多是基于生活而产生的音乐表现形式，在当前流行音乐鱼龙混杂的情形下，要引入流行音乐来培养学生感受音乐和鉴赏音乐的能力，就需要对流行音乐进行严格的甄别和选择，选择适合教学的流行音乐，避免烂俗音乐，才能真正起到流行音乐服务音乐教学的根本作用。

1、严格甄别原则

任何一种音乐类别都被划分成各种表现形式，如轻快、乐观、伤感、孤独等，因此在选择流行音乐时要充分考虑到歌词、曲风、表达情感情绪、人生观、世界观、价值观等，以选择积极向上、阳光快乐的流行音乐为主，来对中学生自我认知构建和价值观形成进行引导。此外，在选择时也要与时俱进，选择一些时下流行的、风格清新别致、具有鲜明时代特征的较高格调的音乐。

2、适度适量引入原则

中学生音乐教学的主导是让学生在学习欣赏古典名曲和民族歌曲的过程中去感受音乐美和鉴赏音乐美，而引入流行音乐的根本目的是激发学生的学习积极性、调动学生的学习激情，因此可以将流行音乐作为表现音乐的美、展示音乐知识技能的一种教学方式，不应过度引入流行音乐导致教学重点的偏失。因此在实际教学过程中要坚持适度适量的原则，避免忽视音乐课程内容教学，导致本末倒置的现象发生。

二、如何充分发挥流行音乐的积极作用

流行音乐是与大众文化以及生活息息相关的音乐类型，其具有广泛的群众和生活基础，是极具音乐实践特色的音乐类型，因此要在实际教学中充分发挥其具备的积极作用，可以通过以下几个方面来着手。

1、让学生掌握一定的教学选择权

教学要坚持以人为本的原则，围绕“促进学生全面发展”的教学目标来实现师生角色的转换，在进行流行音乐选择上不仅要“思学生所思、想学生所想”。还要适当让学生拥有选择的权利，在大范围标准约束下来引导学生进行辨别流行音乐和选择流行音乐。比如，通过调查来分析学生喜欢的流行音乐，或者通过划分小组、让小组选择推荐来选择适合的流行音乐，以此来丰富教学内容，并让学生在参与选择的过程中培养出甄别音乐的能力。

2、充分发挥教师的引导作用

教师作为教学的组织者、引导者和服务者，在教学的各个环节都要始终发挥自身的引导作用。在流行音乐选择上引导学生对其进行甄别辨析；在教学过程中要引导学生去聆听、感受、联想、思考、理解、交流分享、展示、表达；在课后要引导学生去联想延伸、去思考感悟、去自主学习更多音乐课程，从而培养自身感受音乐、聆听音乐和鉴赏音乐的能力。让学生在学习音乐的过程中与作者产生情感上的共鸣，促成学生自我价值的实现和认知体系的构建，引导学生形成良好、正确、积极向上的人生观、世界观和价值观，推动学生的全面健康发展。

3、开设流行音乐专题鉴赏课程

流行音乐的引入作为中学音乐教学内容的拓展，是教材的延伸和补充，因此教师可以根据实际开设流行音乐专题鉴赏课程，通过与学生交流合作来对该课程进行合理规划和设计。比如，共同选择合适的流行音乐，将其进行分类来逐个进行欣赏、学习和分析；或选择当下流行音乐中典型的音乐代表人物，通过对其作品进行鉴赏分析、对人物本人进行了解来分析当下流行音乐的特色以及其音乐中所要表达的情绪、情感及价值观念；此外，结合电影、小品、话剧、个人才艺展示等多种形式来展示流行音乐，都将为教学带来意想不到的效果。比如，当下开创了流行音乐创作崭新时代的周杰伦，其歌曲以歌词、曲风及演唱风格取胜，其作品区别于一般流行音乐的根本特点在于内容涉猎广泛，并且在歌词上展现出独具特色的文学美，能够引导学生进行联想、思考和创新性思维，在曲风上符合了中学生的喜好和认知发展规律，在传递的情绪、情感、价值观念和人生态度等方面都是积极向上的，因此在教学过程中适当引入，将起到事半功倍的效果。

三、中学音乐课堂引入流行音乐的方法

在课堂中引入流行音乐要做到适度适当，比如在课前播放流行音乐、邀请学生表演、全班合唱等形式来起到调节学生情绪、放松学生心情的作用，以此为之后课程内容教学奠定了重要的基础，营造出良好的教学氛围。

1、将古典音乐和流行音乐有机结合起来

当前音乐已经进入了跨界时代，越来越多流行音乐与古典音乐相互碰撞产生出美妙的火花，推动音乐向着古典流行音乐新趋势的发展。因此在课程教学中可以选择一些创新古典音乐的流行音乐来让学生们欣赏，让学生从不同的表演形式中去感受古典音乐的魅力，从而增加学生的知识涵养和鉴赏能力。

2、举行比赛获擂台赛

流行音乐的引入会让许多学生产生跃跃欲试的想法，因此在教学环节中要尽可能设计一些环节来满足学生们想要表现的欲望，通过在课内举办流行歌曲比赛和擂台赛来让学生积极参与其中。比如，根据当前比较流行的“中国好声音”、“我是歌手”等节目来设置课堂，让学生参与其中、乐在其中，为后期学习音乐奠定良好的兴趣基础。

四、结束语

在中学音乐教学中引入流行音乐就要坚持适度适量的原则，要选择适合教学的、积极向上的流行音乐，通过流行音乐来传递正确的人生观和价值观，培养学生学习音乐的兴趣和鉴赏音乐的能力。

参考文献

[1]刘翠珍.刍议流行音乐对中学音乐教学的影响[J].音乐时空,2015(17):170.

第6篇：古典音乐的特色范文

关键词：爵士乐；发展；分类；特点

中图分类号：J607 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2015）12-0234-03

一、爵士乐的起源

爵士这个名称来源于英文“jazz”，在最初“jazz”因为名称的不确切，有好几种写法，包括“jass”和“jasz”等等，“jazz”这种称呼最早起源于新奥尔良的红灯区，20世纪初期，由于地理位置临近密西西比航线，所以新奥尔良成为了美国的经济发展地区。有很多人为了寻求商机慕名而来，他们大多都在红灯区休息，在红灯区，人们把称为“jazebal”，也就是“放荡的女人”。人们把这些女人与昏暗的酒吧、暧昧的音乐、摇摆的舞蹈联想起来，久而久之，“jazz”就变成的爵士乐的英文名。

爵士乐是新奥尔良地区多种音乐相融合的产物，它主要由3种音乐元素构成，一种是被称为“rag”的拉格泰姆黑人音乐，一种是非洲音乐，还有一种就是蓝调。

（一）拉格泰姆

爵士乐之所以会起源于新奥尔良，是因为新奥尔良始终是美国文化发展的佼佼者，最初，新奥尔良是法国殖民者的居住地，这些殖民者的艺术文化直接促进了新奥尔良文化的发展，到19世纪，新奥尔良是美国主要的音乐城市之一。由于新奥尔良临近密西西比航线，有巨大的经济发展潜力，所以它吸引了众多刚刚解放得到自由的黑奴，这个城市的繁华与多元，深深吸引着这些黑人，酒吧业的发展也为黑人音乐家们带来了许多机会，渐渐随着大量黑人的涌入，新奥尔良成为了黑人艺术文化的中心。这些黑人在殖民时期学到了一些欧洲的古典音乐知识，并把这些欧洲传统的钢琴音乐进行渲染与切分，加强节奏的变化并削弱旋律，创造出了一种新的、欢快并独特的钢琴音乐，这就是拉格泰姆。拉格泰姆为后来的爵士乐奠定了基础，这种音乐变换音高、音色粗狂并富于变化的特点后来都被爵士乐所延习。另外，拉格泰姆中被称为“raggnig”的演奏方式被音乐家们认为是爵士乐中最重要的摇摆感的原型，因此，拉格泰姆是爵士乐形成的重要元素之一。

（二）非洲音乐

关于爵士乐中摇摆感的起源还有另一种说法，就是非洲音乐起源说。很多音乐家认为，爵士乐中的摇摆感是源自非洲美国黑人的贡献。美国黑人的音乐继承了非洲音乐极具张力与即兴性的特点，将各种音乐形式进行改编并加入多样的乐器一直是非洲音乐的一大特点。虽然经过了殖民者音乐文化的熏陶与多民族多人种音乐文化的交融，美国黑人依然没有失去他们原本的音乐艺术。非洲音乐对爵士乐造成的影响主要归根于地域原因与人种原因两个方面，首先，美国本土的黑人发扬了非洲音乐文化。其次，爵士乐成型的时期也是美洲与非洲接触的时期，在这个时期里，美洲音乐吸收了一些非洲音乐的元素，这直接影响了后期美洲各种音乐体裁的形成。

（三）蓝调音乐

在黑人来到新奥尔良的很长一段时间里，因为种族歧视的原因，他们只能住在环境较差的下城区中。但黑人对于音乐的热爱和与生俱来的音乐天赋是其他民族不可企及的。最初，黑人音乐的表现形式主要有工作时即兴演唱歌曲以及演唱用于传播宗教的宗教音乐。演唱方式也比较简单，多用和声来作为伴奏，中间加入很长的停顿，这就是Blues 的雏形。蓝调的最初形式是非常简单的，只是用来表达即兴的内容，几乎没有任何固定音乐结构的要求。内容主要是黑人在现实中所遭遇的困境，比如白人的歧视、过往被奴役的岁月等等。后来随着黑人范围的扩大，乡村蓝调逐渐走入了城市，在酒吧与舞厅被人所传唱，蓝调最初的形式是重复唱3次，后来又发展为重复唱两次之后加入一段新的内容。在音阶方面，主要采用12节3句为一段的形式，并发展出了主要由男子演唱的乡村蓝调与主要由女性演唱的城市蓝调两种。

二、爵士乐的发展

爵士乐的历史不长，发展至今不过一百多年的时间。最早的爵士乐产生于19世纪末的新奥尔良，被人们称作新奥尔良爵士乐，随着黑人音乐的发展，爵士乐逐渐被一些白种人接受，并传播到了芝加哥等一些大城市。到了20世纪的30、40年代，爵士乐的发展进入了鼎盛时期，人们甚至将这个时期称为摇摆的时期。50年代之后，爵士乐进入了多样化发展的阶段，冷爵士、硬爵士、自由爵士等多种爵士乐出现，这时的爵士乐打上了更深的时代烙印，歌曲多反映了各种社会现实与社会变动。随着摇滚乐的出现与兴起，爵士乐中还融入了一些摇滚的元素，发展出了更加多样的爵士音乐形式。

（一）爵士乐的诞生

1861年至1865年南北战争使得美国人民陷入水深火热之中，经济也随之陷入了前所未有的危机当中，连乐器的价格也大幅下降，这为新奥尔良的黑人音乐家们提供了机会，购置了大量价格低廉的乐器。他们利用这些乐器创作了许多歌曲，在音乐会与各种庆祝场合中演奏音乐。他们在每一个可以演出的地方表演他们的歌曲，并组成了很多乐队进行表演，为了适应那些喜爱传统欧洲古典音乐的人们，他们又用切分的方法与即兴演奏来改编古典音乐，于是就形成了一种新的音乐体裁，那就是爵士乐。早期的爵士乐伴奏乐器比较单一，主要有鼓、长号与短号，后来黑人音乐家充分发挥他们的音乐才能，将吉他、大号等乐器加入其中。早期的爵士乐最大的特点就是即兴发挥，音乐家们从流行歌曲、蓝调或拉格泰姆等音乐中选定曲目，即兴演奏。每个乐手负责各自的部分，和声基础是长号的职责，短号负责旋律。爵士乐在演奏上有很强的随机性，它是合奏与即兴表演的结合体，这也是它得以发展的重要优势。它吸收了欧洲音乐的和声但又不受各种因素的制约，可以在各种场合演奏，观众也不必正襟危坐，只要愿意，可以在城市的任何一个角落找到它，听到它。另外，在音乐主题上，爵士乐所表达的内容也是非常多样的，它直白的表达了普通人的普通心情，具有极强的艺术感染力。

（二）爵士乐的发展

20世纪20、30年代，新奥尔良爵士乐开始向大城市发展。爵士音乐家的第一个目标就是芝加哥。芝加哥很快成为了除新奥尔良之外第二个爵士乐之都。在芝加哥，爵士乐的演奏者不再只局限于黑人，白人也参与其中。对古典音乐更加了解的白人音乐家们很好的将古典音乐与爵士音乐相融合，并创造出了一种新的爵士乐形式：甜爵士――指那种依照曲谱演奏的爵士乐。白人爵士音乐家保罗・惠特曼提倡没有即兴演奏的爵士乐，并邀请著名的作曲家乔治・格什温为交响乐队写出了一首“交响爵士”《蓝色狂想曲》，这首作品受到了许多爵士乐爱好者的喜爱并形成了一种叫做“交响爵士”的爵士乐分支。由于两种爵士乐都没有即兴演奏，所以至今仍有音乐家认为“甜爵士”与“交响爵士”不属于真正的爵士乐。

美国爵士乐是现代流行音乐与古典音乐相结合的产物。它的发展与繁荣也向现代音乐昭示着音乐多元化与大众化的趋势，这也证明，音乐艺术正在走入一个新的阶段。

三、爵士乐的分类

爵士乐发展至今，演化出了许多种不同风格不类型的分支，现今主要的爵士乐有8种，分别是最早的新奥尔良爵士乐、摇摆乐、比博普和硬博普、冷爵士、自由爵士、拉丁爵士、融合爵士和酸爵士。

（一）新奥尔良爵士

新奥尔良爵士是传统爵士的代表，是最早的爵士乐形式。主要流行于20世纪20、30年代，它产生于1917年的新奥尔良，后来又流行于芝加哥，并衍生出了芝加哥爵士与迪克西兰两种爵士乐，新奥尔良爵士节奏感非常强，让人感到激动与兴奋，在演奏时长号短号单簧管都由一人负责，在最后融入萨克斯。新奥尔良爵士乐是爵士乐的始祖，至今都得到很多人的喜爱。

（二）摇摆乐

摇摆乐是大型爵士乐队的起源音乐，乐队的规模常常达到20到30人，摇摆乐出现在20世纪30年代，这个时代又被称为爵士乐的大乐队时代。摇摆乐乐如其名，以“摇摆”为特色，在欣赏摇摆乐的时候，常常让人想要不自觉的摇晃起来，摇摆乐的节奏欢快自由，常常被当做舞曲的伴奏，摇摆乐突出铜管和打击乐的声音，音色非常的明亮与大气。

（三）比博普和硬博普

与强调遵循曲谱的“甜爵士”和“交响爵士”不同，爵士乐别强调即兴演奏的分支就是比博普与硬博普。即兴演奏对乐队的演奏技巧要求非常之高，那么注重即兴演奏的比博普与硬博普就十分强调演奏的技术与速度，他们依靠高超的演奏技巧来表现自己的风格，比起摇摆乐庞大的乐队规模，比博普与硬博普更注重个人表现，乐队人数一般不超过6个。硬博普是由比博普衍生出来的，由于主要的受众集中在东海岸区域，所以硬博普又被称为“东海岸爵士”。这两种爵士乐风格狂野，充满了即兴演奏的热情与想象，它们是比摇摆乐更让人血脉喷张的爵士乐。

（四）冷爵士

在美国的东海岸硬博普盛行的时期，美国的西海岸也有一种爵士乐受到大众的欢迎，这种因地域原因被称为“西海岸爵士”的音乐还有一个名字――冷爵士。但冷爵士并不“冷”，它在音乐风格上与古典音乐有异曲同工之妙，都给人细腻温柔之感。冷爵士乐队一般不超过6个人，主要用萨克斯、鼓和钢琴来演奏，相较于前面的几种爵士乐要柔和缓慢的多，冷爵士的演奏场合主要集中在咖啡厅与一些比较安静的酒吧，是人们在交谈、饮食与休息时主要的背景音乐。

（五）自由爵士

自由爵士主要流行于60年代，是先锋派乐手们表现自己反叛心理的一种爵士乐，自由爵士打破了传统爵士乐中形成的所有形式，出现了很多特别的因素，演奏形式自由。但这并不代表自由爵士的音乐非常杂乱，相反的，自由爵士所考验的，正是乐队相互配合的精神。团队协作是自由爵士的一大特点，但是由于形式过于自由，自由爵士始终不为大众所接受，只是被一些小众音乐爱好者与专业人士所研究与欣赏。

（六）拉丁爵士

拉丁爵士是拉丁乐与爵士乐相结合的一种爵士乐，它起源于30年代，流行于60、70年代，在爵士乐中融入拉丁乐主要靠在爵士乐器中加入打击乐器来实现，拉丁乐有很多专属的乐器，如邦戈鼓、牛铃、康加鼓与沙锤等等，在节奏上，拉丁乐有探戈、伦巴等节奏，拉丁爵士中也加入了这些元素，音乐风格热烈奔放，具有很强的异域风格。

（七）融合爵士

融合爵士是70年代兴起的一种融合性很强的爵士乐，它主要融入了摇滚与一些流行音乐的因素。爵士音乐的多样性与即兴演奏的特点，使爵士乐的内容与形式不受束缚，可以与多种音乐相融合，拥有源源不断的创意。融合爵士在乐器上加入了一些电子乐器，例如电吉他与电贝司，还有一些电子音效合成器，十分的时尚与流行，受到很多新世纪美国青年的喜爱与追捧。

（八）酸爵士

80年代之后，酸爵士开始出现，它是爵士乐与嘻哈音乐的结合体，是音乐商业化的产品，现代流行音乐的DJ技术也被运用其中，与前几种爵士乐相比，酸爵士的爵士乐特点已经被削弱，酸爵士的产生只是流行音乐商业市场的需要，并没有能很好的将传统爵士乐的优点继承下来。

四、爵士乐的特点

不同于西方古典音乐的理性与克制，由非洲音乐衍生而成的爵士乐更加注重感性的即兴发挥与情绪的宣泄，随着时代的发展，爵士乐一直在不停的发展壮大，但在这个过程中，爵士乐的内核并没有被改变，依旧延习着爵士乐最初的特点。

（一）即兴

即兴演奏是爵士乐最大的演奏特点，但是即兴绝不是花哨的演奏方式，在黑人歌手看来，只要有一个长音有所变化就够了，这种变化并不简单，它可以让同一个旋律重复或加强，产生与众不同的感觉。在爵士音乐中，音乐家们对已有的曲谱进行改编与调整，在音乐作品中加入自己的想法与创意，在每一次演奏中都采用不同的演奏方式，这样自由的发挥逐渐成为了爵士乐的一大特点――即兴。

（二）切分节奏与和声

爵士乐的另一个特点是切分，切分是由非洲音乐传至爵士乐中的特点，切分的重点不在强拍上，而是一种非强迫的改变，是拉格泰姆音乐常常使用的一种方法。和声源于欧洲古典音乐，是欧洲古典音乐中非常重要的组成部分，和声体现出了欧洲古典音乐对爵士乐的影响，由于和声是古典音乐的基础之一，改编自古典音乐的爵士乐中自然也少不了和声的存在。和声，也是爵士乐中的精髓之一，它是爵士乐表达多样情感的重要手段之一。

（三）乐器的选择

爵士乐形成的初期，乐器还比较单一，主要有班卓琴、鼓和萨克斯，随着各种爵士分支的产生，各种音乐元素的加入，不同类型的爵士乐，会加入不同的乐器，尤其是拉丁爵士和融合爵士，为了表现出拉丁乐的特点，加入了许多具有拉丁特色的乐器，如牛铃与沙锤等。而为了适应现代流行乐，融合爵士也加入很多电子器乐。乐器的多样选择是爵士乐发展的必然趋势。

爵士乐是一种热爱自由的音乐，是欧洲古典音乐与黑人音乐完美结合的产物，100多年来，受到世界人民的喜爱，了解爵士乐的分类与特点，有助于我们更好的欣赏爵士乐，更有利于爵士乐的发展。

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参考文献：

〔1〕孙熠.爵士乐流行发展轨迹的社会学观察.重庆科技学院学报，2013，（03）.

〔2〕彭鑫.爵士乐的发展历程及爵士乐在我国现状研究.哈尔滨师范大学，2011.

〔3〕魏炜.爵士乐的发展及中国现代音乐中的爵士元素.曲阜师范大学，2008.

〔4〕李易忆.爵士乐的变奏、创编、即兴演奏方法研究.上海音乐学院，2008.

第7篇：古典音乐的特色范文

（一）爵士钢琴音乐的业余式发展

在我国的业余爵士钢琴音乐教学中，慢慢的形成了以巴赫等名家的作品为练习。由于从爵士钢琴起源上的“必弹”要求，造成了大众对于爵士钢琴音乐的审美疲劳。近年来，随着流行音乐的普及，我国大力的引进了篇幅较小但是充分的集节奏性、音调性和和声性为一体的非名家作品，一方面提升了业余演奏者的弹奏技巧，另一方面也增加了练习的趣味性。

（二）爵士钢琴音乐的专业式发展

由于爵士钢琴音乐节奏感强，大多数的学生对其热度一直很高，但是与此不相匹配的是我国仅有10所将爵士钢琴音乐列为学习项目的专业音乐学院。同时，学校多以西方古典音乐为考试的重点项目，无论是考试要求还是教学大纲都突出了西方古典音乐占有的地位。对于爵士钢琴音乐仅仅作为一个可有可无的存在，造成了音乐教学的“一元化”，学生缺乏对爵士钢琴音乐的系统学习，对其认知出于起步状态，远远不能满足现有音乐“多元化”对学生的要求。

二、爵士钢琴音乐在中国的发展策略

（一）爵士钢琴音乐教学的师资力量

在爵士钢琴音乐的教学课程中，教师是极为重要的组成部分，然而我国现有的音乐专业高校严重的缺乏爵士钢琴音乐专业人才，这对我国爵士钢琴音乐产生了重大的影响。为此，我国应该广泛的吸纳优秀的爵士钢琴音乐人才，并且大力的引进外来的专业人才。同时要加强与外国先进爵士钢琴演奏者的交流。一方面可以组织我国专修音乐的学生去国外对爵士钢琴音乐进行深造，另一方面，国家应该提倡高校邀请专业的人员进行讲座，这样不仅可以让学生学到丰富的爵士钢琴音乐，也让他们在潜移默化中感受到外国的教育理念。

（二）爵士钢琴音乐的课程设置

现有的高校音乐教学中对于西方古典音乐的重视远远超出了爵士乐，甚至在课程设置上都慢慢的弱化爵士钢琴音乐。针对于现在我国缺乏对爵士钢琴音乐的重视，我国应该建设一批专门学习爵士钢琴音乐的院校或者专业。鼓励高校开设爵士钢琴音乐发展史和理论学习的课程，同时将这些课程作为音乐专业高校的选修课程，加强学生对于爵士钢琴音乐的实践。音乐教师应该在作曲、和声等可以加入爵士钢琴的教学中，尽量加大对于爵士钢琴音乐的应用，让学生感受爵士音乐教学的魅力，进而培养出具有音乐实践能力和研究能力的专业人才。

三、结语

第8篇：古典音乐的特色范文

关 键 词：东方 “同情观” 中国古典音乐 审美

一、东方 “同情观”对审美思维的影响

“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心，是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的，灵魂是不死的，人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此，先民们认为，整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体，动植物和人的生命在本质上是一体的，是同情同构的，是相互感应、彼此渗透沟通的，甚至是可以相互转换的，这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上，把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化，赋予他们以人的意志和生命，把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为，那些活动量愈大的对象，物活感愈强，生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处，原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然，以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此，他们不是孤立地、片面地看待外部事物，他们以己度物，以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动，对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果，形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成，因此，在“万物有灵观”的支配下，根据万物的“同情观”，形成了东方的审美思想。

由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础，所以，在“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，也就是说，东方审美最核心部分就是天人合一，关注人的生命，以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想，同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美，以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想，正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像，也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学，植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为，中国美学是人本主义的美学，它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象；从建筑的飞檐到山水花鸟画；从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象，这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的，如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见，天人合一，以生命为美，以生机盎然的生命形式为美的观念，就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。

二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响

在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准， “天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

1.“天人合一”的和谐观念，影响着中国古典音乐中音乐结构的审美

在东方“同情观”的影响下，古代的东方民族都强调人与天和谐相处，都追求“人与天调”，人与大自然和谐统一，即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念，对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如，关于音乐的构成，《礼记·乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”比如，庄子在《齐物论》里说：“天地与我并生，而万物与我同一。”

在中国古典音乐中音乐结构的审美，也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响，中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格，从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。比如，《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需要，变化的需要。

2.“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，影响着中国古典音乐的精神内涵

东方民族在“同情观”影响下，形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来，东方民族所产生出的经验性的审美范畴，几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如，东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被；森林宁静而深沉，充满深意。最根本的是，在艺术表现自然与人的时候，无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现，都以旺盛的生命力和物活感为基准，来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。

正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的观念的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此，中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以，中国古典音乐重视情感和体验，重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程；重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说，音乐由于是发乎人心，比语言要显示出更多的优越性，所以孟子说：“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见，中国古典音乐就是由声构成音，由音构成乐，由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰：“是故情深而文明，气盛而化神，和顺积中，而英华发外，唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界，它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现，昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于作者的内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界，它所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言：“音乐拥有极完美的手段，以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感，并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下，中国古典音乐才走上了重神轻形，追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。

综上所述，在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

参考文献

[1]亨廷顿，周棋等译.文明的冲突与世界秩序的重建[M].北京：新华出版社，1997．

第9篇：古典音乐的特色范文

关键词　动画音乐；古典音乐；歌舞片

一、早期动画中的古典音乐

早期的动画音乐多使用古典音乐作品，影片通过银幕上不断运动、变幻的图形、色块来解释乐曲表现的内涵，使音乐完全变成视觉化的东西。迪斯尼制作的这类动画影片，往往人物的一举一动都被音乐的节奏、速度紧密控制，通过音乐的渲染增强影片的喜剧性和夸张性，营造带有冲击力的视听效果。

1928年动画史上第一部音画同步有声动画片《蒸汽船威力》由迪斯尼制作完成。其中的声音还不是对白，而是作为情节的配乐。1929年迪斯尼根据圣桑的音乐作品《死亡的舞蹈》创作的动画片《骷髅舞》中，几个骷髅随着音乐跳着芭蕾，他们把自己的四肢脱下来，用胫骨敲着它们干瘦无肉的胸膛，发出叮叮当当的木琴的声音。画面与音乐结合在一起使影片产生了强烈而有趣的视听效果。这部影片创造了别开生面的形式，也开创了美国动画片的风格特征，成为动画史上第一部获得奥斯卡动画短片奖的影片。迪斯尼和他的摄制人员把、“噱头”和古典音乐结合得非常出色。在影片《米老鼠管弦乐队》中，米老鼠演奏罗西尼的《威廉・退尔》序曲，片中乐队在演奏到暴风雨部分的时候，天空突然刮起一阵旋风，把米老鼠音乐家刮到半空，但它们仍然抱着乐器继续演奏。此片堪称这类影片中的精品。

二、原创动画音乐与动画音乐剧

1938年动画影片《白雪公主》获得奥斯卡最佳原创音乐的提名后，动画音乐进入了黄金时代，也就此打开了原创动画音乐的大门。一部又一部的动画音乐获得奥斯卡最佳音乐、歌曲的奖项和提名，优美的动画音乐广为流传。在原创动画音乐影片中，通常是通过片中人物的合唱、重唱、对唱、独唱等形式，演唱独自或旁白，其唱词具有重要的叙事意义。影片的形式很像是舞台剧上的音乐剧。如《狮子王》、《埃及王子》、《花木兰》等作品。这类影片的题材多是根据世界各民族的民间故事改编，虽都带有一定的美国特色，但在音乐风格的把握和乐器的使用上还尚能符合各国风情。比如：1998年，迪斯尼公司根据中国传统民间故事改编的《花木兰》，在中国人眼里虽然略微有些蹩脚，但在音乐和乐器的使用上还算让人满意。影片运用了中国的民歌小调和笛子、二胡、古筝等民族乐器。在木兰去见媒婆的前夕一段，影片以独唱、重唱、合唱的方式演唱歌曲，紧密配合人物的动作节奏，表达木兰惴惴不安的心情。相亲失败后，木兰的内心独白同样以歌声表现，歌曲带有很强的叙事功能，同时也抒发了人物的内心情感。片中角色的歌唱使中国经典戏剧中的唱白成功的移植到动画当中。其歌唱形式与整体的叙事风格及全片的音乐风格相得益彰。

与古典音乐相比原创音乐除了具有艺术价值，在商业方面也赢得了不菲的成绩。1994年的影片《狮子王》的音乐以一种独立的身份跻身于商业市场之中，作为动画片的副产品，动画音乐与影片同样获得巨大的成功。制作人开始聘用大牌明星为影片配音、演唱主题歌，为影片增加人气，也由此带动了动画音乐的飞速发展，动画音乐开始进入流行乐坛，为世界影迷、乐迷传唱。

三、歌舞片动画

歌舞动画片是动画影片中一类有代表性的影片类型，这类动画影片与电影歌舞片属于同一类。2003年法国动画片《疯狂美丽都》就属于这类影片，剧中人是以表演的形式演奏音乐。该影片。的音乐在处理上最大的特点是影片的背景音乐很少，多数音乐都是有声源音乐，或是通过收音机、电视、唱片机播放的音乐，或是舞台上的表演。影片开始的字幕音乐是由钢琴演奏的爵士乐，把观众一下带到了50、60年代的美国，一个个胖女人从车里出来走进夜总会，圆号奏出低音伴随着胖女人扭动的大屁股，观众以为听到的仅仅是跟其他片子没有两样动作性动画音乐，画面切到夜总会的舞台上的三重唱和乐队，刚才音乐中出现的音色，在画面乐器中一一亮相，观众才知道是节目表演，当我们以为这是现场表演时，画面又切到电视机的画面，我们又一次恍然大悟原来是电视节目。这种动画音乐的配乐方法，与正流行的好莱坞商业大片的剧作模式如出一辙，都是在开始的十分钟抓住观众，让观众始料不及。