抽象艺术的设计精选(九篇)

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第1篇：抽象艺术的设计范文

关键词：建筑设计、抽象艺术

中图分类号：TU2 文献标识码： A

前言：在现代社会的发展中，人们对于建筑设计要求提出了新的认识和看法，也促使了工作中各种技术水平的研究与探讨。由于人类各个时代对于艺术追求的不同造成了在建筑结构风格"审美观也存在着一定的差异。抽象艺术作为目前艺术领域中最值得我们关注和研究的重点，将其运用在建筑设计中已成为未来建筑设计工作的核心重点。

1、抽象艺术的概述

所谓“抽象”把人们的注意力从事物的某些方面转移开。“抽象”传达了不可见世界的一些方面信息的作品，从它传递信息的完整性的多少，而说成更多还是更少的抽象。这是“抽象”在艺术领域的一种含义。“抽象”在艺术领域的另一种含义是指，很多不同类别的艺术中不去传达外在世界的信息的艺术品。它只是与传统结构组成的人工制品，并不和再现的事物之间存在任何关系，这种抽象形式叫做“非传统抽象”。抽象艺术是纯艺术的表现形式，它来源于艺术，一般的情况下，被人们理解为难以理解的抽象作品，也就是让人看不懂的非常规的艺术形态。从目前的情况来看，上面对抽象艺术的解释都是不完全的。随着科学文化的发展，各学科技术之间的不断交融，逐渐产生了原来不能跟艺术联系的思维和效果，这些都属于艺术的范畴，如建筑行业从根源来看，建筑跟艺术是没有关系的，随着时代的发展，艺术已经与建筑密不可分了，在建筑的设计中对艺术的表现是不能缺少的，所以抽象艺术对建筑设计有着很大的意义。

抽象是相对于具体来说的概念，它将很多事物所共同具备的特点，按一定科学的原理分离出来的，或者是蕴含关系的一个过程，代表了人们心理的变化。抽象运用在日常的生活和工作中，可以对各类复杂的事情进行叙述，在工作中它主要突出了个别的联系，从而忽略了其他关联的因素，容易造成事物的复杂性，在艺术表现的方面也会造成难以理解的复杂性。在现在的作品中，我们习惯把难以理解的作品归为抽象类的艺术作品。所以对抽象艺术的应用是我们应该在建筑设计中重点研究的，抽象艺术作为一种比较高级的艺术形式可以把现实的要求与艺术的美感巧妙的结合，实现一个综合性的建筑设计模式。

就目前社会发展情况来说，抽象艺术的概念可以分为三个层次，也就是我们常说的语言信息含义、符号信息含义以及表达信息含义三个方面的要求。这种需要就需要我们在工作中深入系统的进行总结和归纳，从而保证工作质量要求，也为目前的工程建设和施工处理提供广泛的工作依据和社会发展要求。

1.1信息要求

信息是各项工程建设中非常重要的组成部分，也是建筑设计的关键环节。艺术信息本身就是一种抽象的艺术。所以，在建筑设计中，对各个种类的信息都要综合的去提取运用，在对信息的综合提取中也会产生抽象艺术。建筑设计反映着多方面的社会信息，它是对真实社会文化和历史的反应，它以一种抽象语言类型，对人们进行着艺术的教育和渗透。在建筑设计中应该对当地的综合信息进行搜集和考察，才能满足建筑设计的总体要求。

1.2建筑设计中的抽象艺术

建筑设计中的抽象艺术是指建筑在外观造型上所体现出来的一种抽象的形式美，它主要表现在建筑的立体结构、空间形态以及其建筑风格等诸多方面上。建筑设计中的抽象艺术可以分为很多派别，因此，在现代城市建筑中，其建筑形态各有不同。

2、建筑创作中的应用

建筑物在建造之前建筑设计就得必须完成，是设计的人员按照工程的施工和规划的任务去进行分析，将施工的过程和使用的过程中存在的或者可能发生的问题进行分析，针对其中可能发生或者发生概率较大的不足和问题提前做好的预防和处理的措施，是一种事前构思与对全面总结的设想工作模式！在现代化的发展中，建筑设计是一种以"施工组织"工程和施工方法选择等多个方面进行全面系统的工作模式，针对存在的种种问题进行深入的总结和分析，并且使得建筑结构能够形成一个全面系统化的工作模式，为建筑工程施工的正常"顺利进行提供安全可靠的保障基础。

3、建筑设计中抽象艺术的应用

再现性语义抽象、非再现性非传统抽象等手法是在现代的建筑设计中。抽象艺术应用的一般的表达方法。其在建筑设计中具有多种多样的应用，包括：图纸的设计，建筑室内的设计，甚至在整个建筑外观的设计中也能够得到应用等等。

3. 1再现性语义抽象

建筑设计人员在实际的建筑设计创作的过程中，通常是会把抽象艺术应用在一些微小的细节中，运用扩大的手法来表达固体事物的风格。例如在设计室内家具时，若以抽象艺术理念为依据，将家具中的某个点放大，以此得出家具不但具有简洁美观的效果，而且内容更加丰富，给人以无线遐想。在实际中这种风格的设计手法会先提炼出一个具体的事物特点，然后就是将这一个提炼出来的特点无限的扩大，以达到形成一种特殊的造型、利落流畅的线条以及多样的色彩，并且各种材料的混合搭配。我们把此类的抽象艺术称为再现性的语义抽象。简单来说，设计师在设计时要通过作品一定的语义信息来传达建筑所表达的思想就需要用用再现性语义抽象的方法。

3. 2非再现性非传统抽象

在古今中外的建筑历史上，非传统抽象设计手法应用到建筑创作行业还是近现代的事。其一经出现便快速发展，至今已占据了主导地位。西方现代建筑运动应溯源于18世纪欧洲的工业革命，到上世纪20年代走向。对中国建筑业来说，由于经济基础的落后、政治观点的制约，现代建筑运动对中国建筑影响非常有限。直到八十年代开始，中国建筑界才充分了解西方现代建筑的思想。关于现代建筑运动的争论对于国人来说了解不多。构成派是运用立体构成、平面构成和色彩构成的知识进行建筑创作，重视几何形体、空间和色彩的构图效果，这种设计手法在现代建筑或后现代建筑创作中常用。

3. 3建筑图中的抽象艺术理论

由于抽象建筑形式的认识在经过现代主义之后有了一定程度的普及，所以在建筑工程的领域，特别是后现代建筑设计，抽象建筑形式的运用越来越广泛。所以在研究抽象建筑对于非习惯传统形态的建筑设计要进行合理的思考，避免在设计中出现墨守成规的设计方式。

3. 4室内设计的应用

由于现代建筑的室内设计有很多地方都和抽象的元素显得特的搭配协调，设计时可以通过运用抽象的元素，使室内设计的呈现出一种设计师想达到的简单、明亮、同时又具有现代气息的效果。因此，室内设计成为了设计师们运用室内设计最为频繁的地方。但是由于抽象源于不能和传统的建筑室内设计很好的相互融合，所以，使得设计师在运用一些抽象元素进行室

内设计时很难得到人们的理解与欣赏。

结束语：

总而言之，由于人们对不同审美艺术的转变，抽象艺术也被越来越多的人广泛的接受，抽象艺术在建筑设计行业中也得到了越来越广泛的运用。作为在建筑设计应用中由来已久的元素，抽象由于从最开始出现就受到了建筑师们的关注，然后由于当时广大群众不太喜爱，未能引起太大的影响。后来在抽象艺术的不断发展中，人们对这种新颖的艺术形式越来越感兴趣，这就使得利用抽象艺术理论进行建筑创作就成为历史的必然。

参考文献：

[1]韩颖，王佳宇.浅谈建筑节能技术的运用和发展[J].黑龙江科技信息，2011（11）.

[2]伊金霞.高层建筑中的建筑设计研究探讨[J].科技与企业.2012 （18）.

第2篇：抽象艺术的设计范文

【关键词】建筑设计；抽象艺术；室内设计；应用

抽象艺术，指一些艺术形象偏离实际生活，或完全抛弃了自然对象外观形式的一种艺术。一般认为，抽象艺术是一种非具象、非理性的一种视觉艺术，它既不描述自然世界，也不反映现实生活，并且找不到其绘画主题，它只是一种单纯的由颜色、点、线、面等结构相互组合所而成的视觉形式。随着建筑领域的不断扩大，抽象艺术理论也逐渐被引入并应用到建筑设计中来，且极大程度上丰富了建筑设计的艺术内涵。笔者在以下内容中主要对抽象艺术在建筑设计中发挥的作用及其具体的应用方法作出论述。

1、抽象艺术的概述

抽象是与具体相对应的，是将许多事物所共同具有的特征和因素逐个分离出来或者阐明他们之间所蕴含的一种关系的心理过程。它主要包含了对复杂事物的概括、综述和简化，因此在过去的艺术工作中常常为了突出事物的某一方面而忽视了其他的因素，这就造成了在艺术作品中出现了表达方式含糊不清的问题，这也是造成当前人们对抽象艺术理解不深，无法理解。所以在当前的作品赏析中，人们将抽象理解为是无法看懂和理解的东西，是从自然里面抽离的东西，用在哪些不能够表现自然的艺术上面。抽象在艺术作品中是一个较为高级的形式，它是通过不断提炼和融合而形成的，是没有具体东西代替的结构。

“抽象”在艺术领域有两种含义，其一是一件传达了可见世界以外的某些方面信息的作品，根据它传达的信息不太完整或更为完整的情况，而被说成更多地或更少地是抽象的，这种再现性的抽象叫做“语义性抽象”；另一种含义是指许多不同种类的艺术中所有那些不传达或意在不传达外在世界信息的艺术作品，它不描绘不塑造任何事物，只不过是由非传统的要素塑造，由非传统的结构所组成的人工制品，在作品与被再现的事物之间不存在任何关系，因为作品不再现它本身之外的任何事物，这种非再现性的抽象叫做“非传统抽象”。从后印象主义经过立体主义走向抽象创造的蒙德里安，使黑和白的分割、黑与黄的冲突达到原色的和谐。

2、抽象艺术理论在建筑创作中的应用

2.1再现性语义抽象

抽象表现为把事物的某一个细节、功能夸大而设计出的一种新的事物。在家具中，通过这种夸大某个细节的设计理念带来的简洁家具，简练而又丰富，往往令使用者回味悠长。风格派通过提炼去表达简约。风格派家具有醒目的色彩、简练的造型、精巧利落的线条和多种材质的混搭等特点。风格派的家具设计特色是点、线、面和色彩等设计元素、材料都很单一。

2.2非再现性非传统抽象

在建筑历史上，运用非传统抽象设计手法进行建筑创作是近现代的事，并且占了主导地位。西方现代建筑运动应溯源于18世纪欧洲的工业革命，到本世纪20年代走向。现代建筑运动对中国的影响并不那么大，先是经济基础落后，而后是政治观点的制约，严格地说，中国建筑界敞开思想了解西方现代建筑是八十年代才开始的。几乎半个世纪关于现代建筑运动在西方建筑界的争论我们了解甚少，恐怕只有少数研究西方近现代建筑史的同志才关心这些事。

2.3建筑图中的抽象艺术理论

抽象艺术在建筑设计中的应用首先体现在其施工图纸的设计形式上，就当代的建筑工程建设来说，其建筑物外观所表现出来的抽象艺术，大多取决于建筑的设计理念。建筑设计师通过绘制建筑图纸来表达其的设计理念，而当抽象艺术融入到建筑的设计理论中时，其建筑图纸的绘制方式就需要作出相应改变。设计师需要对非传统形态的抽象建筑设计作合理的思考，改变建筑图纸的绘制方式，尽量避免在建筑设计中出现墨守成规、流于形式的设计方式。一般来说，非传统形态的抽象建筑设计与传统的建筑设计的最大区别便是，抽象建筑设计更具活力和想象空间。比如设计师在绘制建筑物的配景时，传统的设计图纸会将配景的具体细节一一描绘出来，某一位置需要种树，则在对应的设计图纸上画一棵树；某一位置需要建设草坪，则在设计图纸所对应的位置处画上草坪等；而抽象建筑设计在画配景时，则完全可以舍弃细节作画，用抽象的形式画出，只突出大概，不用具体作画。

2.4室内设计的应用

在建筑物的室内设计中，如果应用色彩过于鲜明、情感表达过于浓烈的抽象元素来装饰房间，可能会受到很多居民住户的批评和质疑，因为这些抽象元素所表达的感情过于浓烈，色彩过于鲜明、图案过于活泼，这样的室内设计在风格上与传统的设计风格截然相反，并且与中国传统、守旧、平淡的思想格格不入，所以，当设计师将尺度过大的抽象元素应用到室内设计中时，难免会让人在短时间内感觉难以适应，甚至遭到住户的反对与抗议。事实上，抽象元素完全可以与现代建筑的室内风格相匹配，并在满足建筑居民的装饰要求的同时，布置和营造出一个充满抽象韵味的室内空间。比如沿承传统的室内装饰图案――点、线条、锯齿形状等一些自然界内所存在的生物形状，并结现代的建筑设计手法和设计理念，在传统的自然界生物形状的拟图基础上作变形和改造，融入适宜的抽象元素，以便获得更好的室内设计效果。又比如：在色彩上可以运用黑白两色的强烈反差来体现出一种明快、大方的室内空间色彩设计，不过在这使用黑白两色做强烈对比时，需要将室内的墙壁砌成中性色，这样做的主要作用是使中性色的墙壁成为室内空间的主角，突出墙壁的色彩，使其能够与室内空间中各类家具、装饰品以及门窗布艺相应成趣，达到抽象艺术在建筑室内设计中的应用目的。

3、结束语

综上所述，抽象艺术理论在建筑设计和创作中发挥着极大的作用。它不仅丰富了建筑设计的艺术内涵，使其能够与现代化的设计理念相结合，还可以讲建筑之美从传统的古典之美转型为现代化的抽象之美，使建筑设计能够适应和满足艺术领域审美观点以及标准的转变。

参考文献

[1]杨奇.现代山地城市居住空间地域化的思考[D].重庆大学，2007年

第3篇：抽象艺术的设计范文

关键词：几何图形；抽象训练；造型能力；思维能力；审美能力

中图分类号：G642　文献标识码：A

艺术设计专业主要通过对学生进行艺术设计思维能力，造型基础及设计原理与方法的基本训练，使学生具备了解艺术设计的历史、现状、进行理论研究和设计实践能力的基本素质，其中的基础训练是必不可少的，学生的思维能力，造型能力就是在基础教学中进行训练提高的，那么几何图形抽象训练在基础教学中的也是必不可少的。

首先，分析艺术设计基础教学的现状。一方面从教育者的现状分析：当今中国的高校为了培养全方面的人才，纷纷的开设了许多“与时俱进”的新专业，艺术设计专业就是其中的一个佼佼者。但是，高校在没有基础教育设施的前提下开设的这个专业往往以技术为培养目标。许多教育者或者用人单位认为，要想做出设计，必须得学会运用设计相关软件。虽然说技术水平重要，但创意更重要。没有好的创意，技术再好也做不出上乘的设计。现在许多高校的专业教师已经意识到了这一点，努力加强设计基础教育。但是在教学实施中还不是很乐观。

另外，对现代的受教育者在接受设计基础教育的学习态度分析。从上个问题的调查中了解到一些艺术设计专业的学生对于学校开设大量基础课报以很不喜欢的态度。产生这样的态度主要有两点原因：一是学生对计算机的依赖，随着计算机技术的突飞猛进，本作为辅助教学的计算机工具以一种不可抗拒的力量走进了学生的学习空间，因为它打破了传统的设计模式和制作工艺，使做出的设计画面精美、易于修改，而且准确快捷。种种效果吸引学生不能自拔，不管做什么都要依靠计算机来完成；二是艺术设计类学生就业形势的压力，面对客户的现实要求和强调软件操作能力的公司，大学生不得不花大量的时间学习各种设计软件，甚至有的认为会的软件越多越好。这些导致了设计类学生不重视艺术设计基础的训练，他们只考虑到了软件应用技术，而忽视了创意的重要性。不管对于教育者，还是受教育者来说，艺术设计基础教育是十分重要的。双方应该以正确的态度去分别去指导和学习，因为它是设计者创造力开发的有效途径。

在艺术设计基础教育的课程安排中，图形造型设计基础训练是开发和培养创造力的有效方法之一。其中几何图形抽象训练是艺术设计基础教育中不可缺少的环节。丰富的几何抽象表现语言是学生设计作品富有创造性的基础条件。如果从高层次的角度去要求，学生的设计作品，无论是习作还是创作都涉及到创造性这个问题，即要求学生必须具有丰富的抽象表现语言。几何图形即可作为一种抽象表现语言来体现。

1、几何图形抽象训练可以增强学生对几何图形艺术性的理解

艺术设计类的学生一开始接触的是传统绘画的训练，通过大量的模仿和练习来掌握绘画技巧。虽然一些形象我们可以通过绘画技能来表现它的艺术性，但过分利用技巧，会使某些事物失去它们的趣味性，同时其艺术性也将会减少。在绘画的过程当中，过分利用传统技巧的表现也将会扼杀学生的想象与创造能力。而在几何图形抽象训练的过程中。不需要熟练的绘画技巧同样可以用一个几何图形或者几何图形的添加来表现一个事物。

首先让学生观察现实事物的形态，然后采用几何图形的形式对事物进行抽象提炼，之后进行发散性思维训练，凭借自己主观想象在几何图形上进行添加，创作出自己理想的几何抽象作品来。由于几何图形的抽象性，使其本身没有特定的指向，那么利用它来表达的意思的自由度也十分广阔，学生可以通过几何图形来表现事物的趣味性和艺术性，在训练的过程中，学生也将会意识到几何图形本身的艺术魅力。

2、几何图形抽象训练可以提高学生创意造型能力

几何图形具有丰富的表情和魅力，并具有相对的独立性和共融性。利用这些特性在进行训练的时候就不存在限制性，它可以表现比较宽泛的意义。同时这些特性与我们把几何图形抽象训练作为基础课所崇尚的“下意识”的表现相吻合。“下意识”的表现是个人情感的流露，一定意义上它与我们画面效果的偶然性是等同的。在进行创作训练时，只有在下意识状态下才能形成不可把握的偶然效果，无论是在元素造型方面，还是画面构图方面都会有意想不到的效果。这些效果能够反映出许许多多新颖的想法一即我们的创意。而在审美的直觉下继续扩展直至画面走向丰富、完整。之后我们再把这些创意用在合适的设计中。其实几何图形抽象训练的整个过程是发现的过程，也是创造的过程。

3、几何图形抽象训练可以提高学生快速审美能力

在整个训练过程中，快速审美的能力也会得到相应的提高。对于艺术设计类学生的来说，快速审美的能力是不可缺少的基本功。有句俗话“眼高才能手高”可以侧面的告知我们，视觉质量不过关，是无法踏入艺术或设计之门的。作为设计类学生，在学习期间就应该加强培养快速审美的能力，达到比普通学生更敏锐的眼力。快速审美的能力大多是后天培养出来的。我们现有的许多基础课程，比如素描、色彩都是训练审美能力的一种方式，但还是有具象的训练方式，由于具象物态的内在结构不能直接表现，会导致学生的审美反映的迟缓，几何图形抽象训练可以弥补这一缺憾。几何图形抽象训练时运用纯粹的点、线、面，按照一定的规律去组合画面，不管多么复杂的事物，都可以概括成几何图形。这种表现方法相对于具象的训练要轻松自由的多，并突出自己的主观意识，可以随意的进行几何图形组合，而且几何图形抽象训练以直观、快捷的方法做出来的设计更有吸引力，同时在训练的过程中学生的创造力也会不断被加强。

让学生越早进行几何图形抽象训练是有益的，它可以使学生学习一些基本的形式美法则，并可以重塑学生的审美能力，使学生更早地找到设计感觉。

以上的分析表明，让几何图形抽象训练介入设计基础课程中，不但不会减弱学生的具象审美能力，反而可以增强学生认识具象事物的能力，它和其他的基础课应该趋于平衡。如果说具象的训练是要锻炼学生的表现能力的话，那么几何图形抽象训练则是偏于艺术修养的加强以及创造能力的追求，两者是相辅相成、不可分离的。但值得强调的是：几何图形抽象训练所带来的优厚的“效益”，确实能够超越具象训练基础课的成果。因此说几何图形抽象训练在设计基础课中是必不可少的，也是十分重要的。

参考文献：

[1]袁由敏，图形设计教程，杭州：浙江人民美术出版社，2006

第4篇：抽象艺术的设计范文

关键词：平面设计;手绘艺术;复苏

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）08-0056-02

手绘艺术设计的表现与计算机设计软件的表现作为平面设计中的重要表现形式，两者都是不可偏废的。计算机技术再怎样发展，它都是不可能完全代替设计师们的双手和大脑，因此手绘依然是设计师必须坚持学习的基本技能。设计师们应当不断的丰富创意的设计思路和增强手绘视觉语言的表现力度，进而来体现出现代平面设计中手绘艺术的设计作品的表现手法和艺术语言，使手绘艺术能够达到形神兼备的水准，我们应当以正确的态度来看待平面设计中的手绘艺术设计的现状与它未来的发展。

一、平面设计中手绘艺术的创新表现

（一）手绘艺术在广告招贴中的应用

招贴设计作为在平面设计中主要的艺术表现形式之一，在人类社会发展的各个历史阶段中都扮演着十分重要的角色，它从物质和精神等方面都影响和改变着人们的生活。在招贴的设计中，创意的图形语言处于核心地位，它比起文字和色彩，能更清晰的向人们传达出想要表达的寓意和理念，在信息传播和美学等方面都发挥着巨大的影响，是人类社会必不可少的一种艺术形式。手绘艺术创意图形语言的表达，在招贴设计的艺术表现形式中，使招贴通过图形很好的传达了信息，令招贴设计更具有独特的艺术风格和强烈的艺术价值，实现社会的效益。

（二）手绘艺术在包装设计中的类型

1.逼真的写实类型

包装设计中手绘的写实风格不仅图形表现真实逼真，而且通俗易懂、是为最大众化、朴实的艺术表现形式，图形语言具有一定的变通性。手绘写实风格的包装图形可直接为受众传达出强烈的真实感和可信度等信息，在商品的造型、色彩、质感等方面的表现尤为突出。写实的风格也能有力的对卖场进行渲染，加深消费者对包装商品内容信息的信任并产生共鸣，与消费者拉近彼此的距离。

2.夸张的抽象类型

抽象是一个概念，它没有任何实际的内容。在平面设计领域中抽象是一种不确定的、是指通过设计师主观的意识，在设计过程中留下所需要单纯意义的视觉图形符号，将具有实际内容的具象形态部分去除，所表现出的一种新的设计风格。抽象的表现能够利用线的自然动感，形的明快，色彩的鲜明在图形的表现中通过这些有限的元素和语言营造出丰富的意境。抽象艺术与设计中的抽象元素相比，两者并不一样。抽象艺术是一种自由绘画的艺术，而手绘的抽象风格的图形在包装设计中需要与商品本身的内容相结合。

3.传统的装饰类型

装饰风格的图形根据对装饰艺术的要求进行形式美法则的设计，它是人炎在社会当中通过对形象的事物进行想象而创造出来的新形象，是对自然界元素的高度概括。在包装设计领域中，手绘的装饰图形风格能够令单调的画面内容产生美感，在视觉上营造使人愉悦的效果。在包装图形设计中通过对各类民族传统装饰风格的运用，令整个的包装具有强烈的地域特征和民族文化氛围。比如在中国传统特色的商品中，设计师可以用具有民族文化气息的传统图案进行创意表现，这种方法能够充分体现地域性特色，表现中国的传统文化。

二、平面设计中手绘艺术的审美价值与传承发展

（一）手绘艺术的审美价值

1.直观性与特殊性

首先手绘艺术表现语言作为平面设计活动中不可或缺的表现形式，它最大的优势就是特别是在受到地点、工具等外部条件的限制时，它能体现自身的方便、快捷和随意的快速表现优势。不论是在设计最初的构思阶段，还是在进行设计、与客户见面时进行现场交流等方面，都具有不可替代的实践意义。其次手绘艺术表现语言是设计师创意设计的灵感之源，人们常说“艺术源于生活，但又高于生活”，平面设计也是如此。对于平面设计这个行业来说，设计师们不管是在大自然的生息变化中，还是在日常生活的微小细节中都有取之不尽、用之不竭的创作源泉。最后手绘艺术有助于体现计算机设计表现。电脑艺术设计是与设计师的绘画基本功底密切相关的，不管是对画面内容的空间关系，主次虚实关系等的处理，还是色彩的协调和对比关系等都需要设计师通过长时间的绘画练习才能获得的。因此大量手绘技能的培训能够提高设计师自身对空间、色彩、形体等整体的把握，这些都将对电脑艺术设计产生很大的促进和提高。

2.审美情趣的提升

优秀的平面设计不仅要具备传达准确、真实、有效的信息这一简单目的，还要令受众们在脑海中能形成丰富的联想和想象，产生强烈的情感体验。手绘艺术设计一方面体现了设计师的内心情感，另一方面也可以打动人心，增强设计作品的说服力和感染力，激发消费者的情感效应-推动平面设计向情感化和趣昧性的方向发展。在平面设计领域中，手绘艺术语言的“情趣”首先表现在它的新奇性和幽默性。新奇性具有一种个性的、不平常的、出乎意外的刺激特性，就是我们通常所说的“反常合道为趣”。俗语说“出奇才能至胜”，新奇的事物往往是令人们感到陌生的、不可思议的超现实化的，容易吸引人们视线的关注，能给人们带来更多的吸引性和新鲜感。手绘的艺术表现，正是因为其设计内容的个性特征与众不同而被人们所关注到，从而使设计作品也在一定的程度上吸引了消费者的兴趣。

（二）手绘艺术的传承发展

手绘能力是平面设计的基础，它作为一种传统的绘画表现方式，具有很大的艺术感染力和极强的艺术表现力。同时手绘的设计作品可以供全方位的欣赏与交流，又拥有电脑设计所不具备的优点，具有同绘画艺术一样的价值，体现了手绘艺术在平面设计中的的审美特征。手绘艺术的复苏给平面设计作品增添了不少的活力，符合现代的设计需求。手绘艺术是平面设计的基础和精髓，它作为一门高深的学问，需要我们在实践的过程中不断探究。在当下设计日新月异的发展中，我们更应该要把握设计精髓，传承和发展手绘表现。同时手绘艺术本身具有的思想性和情感性，有利于人与人之间的交流，它承载着人文精神，以独特鲜明的身份展现在我们面前，运用于平面设计中的各个领域。因此我们应该牢记它、掌握它并传承它。

三、结语

在传统手绘艺术设计与现代高科技技术碰撞的同时，设计师们又开始重新唤起人们对手绘艺术的重视。手绘是设计师创意理念最直接的体现，是最直接和自由的传达方式。手绘艺术的设计作品同绘画艺术一样传达设计师的创意理念，引起大众的青睐，体现它的内涵和价值。

参考文献：

[1]余森.手绘艺术在当代平面设计中的运用探析[J].现代装饰（理论），2014（12）.

[2]吴小华.对电脑和传统手绘艺术设计的探讨[J].广西民族大学学报（哲学社会科学版），2012（S1）.

第5篇：抽象艺术的设计范文

〔关键词〕平面设计；抽象艺术；美学原理；艺术形式；发展趋势

在新型设计不断推陈出新的环境下，传统具象艺术语言与抽象艺术语言的应用，成为满足人们自身审美需求的有效方式。作为一种具有独特性的艺术表现形式，抽象艺术与现代平面设计艺术的融合，也可以为抽象艺术形式的发展带来一定的积极作用。

一、现代平面设计的相关概念

（一）平面设计的起源与发展。从人类的历史发展来看，原始平面设计艺术的出现，是人类的社会文明产生的标志性因素。它是在人类之间的交流频率不断增加的基础上产生的。从原始平面设计形式的发展对人类早期文明所带来的影响来看，文字就是在原始平面设计艺术的发展过程中产生的一种交流工具。自近代以来，工业革命的开展，对这一艺术表现形式的发展起到了一定的促进作用。在工业革命的影响下，生产力的发展，让企业生产与市场销售之间的矛盾成为了人们经济生活中存在的一个重要问题，这就让建立在平面设计艺术基础上的商业设计成为了推动产品销售模式创新的重要因素。随着美术艺术的不断发展，商业设计理念与野兽派、未来主义思潮等现代艺术思潮的碰撞，成为了促进现代平面设计艺术发展创新的重要因素。

（二）现代平面设计中的基本要素。美术创意、构图的合理性和色彩的搭配是影响平面设计作品自身的艺术效果的重要因素，这三种因素是平面设计中的三大基本要素。其中，平面设计作品的美术创意在作品的创作过程中发挥的是一种基础性的作用。在一些学者看来,“没有好的创意，就没有好的平面设计作品”。构图问题是事关平面设计中的图形、色彩与文字之间的关系的重要问题，卓越的构图设计可以让平面设计作品的画面效果表现出一种合理化、新颖化的特点。从色彩问题来看，色彩形式美法则的应用，可以让平面设计作品在实际应用过程中进行有效的信息表达。

二、抽象艺术语言在现代平面设计中的应用可行性

从抽象艺术语言与现代平面设计之间所产生的联系性关系来看，这一艺术形式在现代平面设计领域所表现出来的发展趋势，也是现代平面设计形式在抽象艺术语言影响下所表现出来的发展趋势的主要表现。作为传播手段的一种特殊化的表现形式，应用性是这一艺术形式与纯粹的艺术作品之间所表现出来的差异性。从我国艺术领域的发展来看，受到我国思想文化传统和社会习俗等多种因素的影响，具象性特征和意象性特征成为了我国传统美术作品所表现出来的主要美学特征。在平面设计领域，在新兴艺术思潮的影响下，传统设计理念与现代化美术表现形式的融合，让设计师的艺术创作思路得到了一定程度的拓展。由于抽象艺术主要注重的是观众自身的体验与态度，这就让抽象艺术语言在平面设计领域的应用，成为了对平面设计作品的深刻性和多样性特点进行展示的重要因素。因此，国民文化素质的提升和抽象艺术在艺术创作领域的普及，是促进二者之间有机结合的重要因素。

三、现代平面设计中的抽象艺术形式

抽象表现形式是建立在抽象思维作用下的一种思维表现形式，它是人们在对一些复杂现象进行感知的过程中所不可缺少的一种要素，对自然物象的高度提炼是抽象思维在人们自身的逻辑思维发展过程中所表现出来的主要特点。因此，对这一思维效果的艺术展现，就成为了抽象艺术的主要发展机理。在这一艺术形式的发展过程中，造型美和意境美成为这一艺术形式自身美学特征的主要表现。在平面设计艺术不断发展的情况下，抽象艺术语言可以借助自身的肌理元素和色彩要素的作用，对平面设计作品的设计理念和趣味性特点进行发挥。

（一）抽象艺术语言在平面设计中的基本形式表达。从一些学者对抽象艺术问题的研究情况来看，抽象艺术对传统写实主义绘画作品中涉及到的文学舒适性进行了突破，受到艺术创作者自身内在经验因素的影响，视觉的隐喻性也是抽象艺术语言自身艺术魅力的一种作用机理。在这一艺术形式与平面设计形式之间的融合过程中，艺术语言的隐喻表达，是其在平面设计领域中的一种基本的表达形式。从结构主义的相关理论来看，在艺术作品的创作过程中，画面的构成问题是绘画作品的自身艺术形式的主要参考要素。对于这样的观点，笔者并不持反对的态度。在对抽象艺术的自身问题进行探究的过程中，如果我们单纯以画面中的抽象元素为切入点对这一艺术形式进行探究，抽象元素在画面表达过程中所表现出来的有限性问题，就成为了我们在对这一艺术形式进行研究的过程中所无法忽视的问题。在对这些抽象元素的表现组合问题进行探究的过程中，我们可以发现，表现组合所表现出来的无限性，可以被看作是推动抽象艺术形式发展的一个重要因素。这就说明重复构成、渐变构成、发射构成和特异构成这几种构成形式是学者在对抽象艺术问题进行探究的过程中所不可忽视的要素。在将抽象艺术语言应用于平面设计领域以后，上述四种构成形式依旧可以在平面艺术中发挥自身的作用。从这四种构成形式对平面设计形式所带来的影响来看，重复构成形式可以让平面设计作品表现出严谨整齐的艺术效果，在商业领域和广告设计领域，这种视觉效果的发挥，对传播效果的强化有着积极的促进作用。渐变构成可以对平面设计作品带来一种理性规律化的形式美感。发射构成可以通过对平面设计作品的透视感和运动感进行发挥，对作品的视觉冲击力进行强化。特异构成可以通过对平面设计作品的抽象美感进行强化，加强作品的视觉吸引力。

（二）抽象艺术语言在平面设计中的情感表达。在对事物的自然外貌和物象表征进行逐步舍弃的基础上，以简约化的萃取形式作为造型元素中的核心要素，是抽象艺术在艺术领域所表现出来的主要特征。对创作者内心的情感的表现，是这一艺术形式在自身发展过程中所表现出来的一种核心要素，因此在将这一艺术形式应用在平面设计领域以后，现代平面设计作品也成为了作品设计者表现自身情感的一种载体。从抽象派作品的创作形式来看，形、色、点、线是创作者在进行艺术创作的过程中所不可忽视的重要艺术元素。从抽象艺术语言在平面设计中的表现形式来看，通感技巧的应用，是在借助建立在作品表现形式的基础上的与各种感受有关的特征因素，通过一种可视化的形式特征，对平面设计作品的自身的意向进行把握。在对通感技巧进行应用以后，作品的观赏者会在产生一种独特的心理感受的基础上表现出一种与作品自身艺术特征有关的情感共鸣。这样，在抽象艺术语言与平面艺术设计形式相结合的过程中，前者可以借助一些具有可视性特点的图形，对人体的听觉、嗅觉和味觉等感官体验进行充分调动，这就可以让观众在具有抽象化特性的平面设计作品中感受到一种自我情感的解脱。

（三）抽象艺术语言在平面设计中的意境表达。不论是在文学创作领域，还是在美术艺术的创作领域，意境问题都可以被看作是艺术创作者的主观情感与客观事物之间的交融关系的一种表现。从抽象艺术自身的特点来看，对艺术形式与画面内容之间的关系的处理，是艺术家在进行创作构思的过程中所不可忽视的问题。从这一类作品的表现形式来看，视觉错觉的利用与极简化的表现形式，是艺术创作者自己对意境美的一种理解形式。在将自己对作品的意境美付诸笔端以后，观众可以从其作品的美学效果入手，对作品中所表现出来的内涵进行赏析。在不同的平面设计作品中，设计者所构建的不同意境，是作品在视觉形式方面所表现出来的差异性的主要表现。对人的精神世界的表达，是抽象艺术语言在平面设计中的意境表达方式的主要表现。

结论

抽象艺术是一种抽象化的视觉语言表现形式，人们审美需求的提升，让抽象艺术在平面设计领域的发展过程中发挥了一定的积极作用。在抽象艺术在现代平面设计领域具有较为广阔的发展空间的情况下，对抽象艺术语言的准确应用，是平面设计者所要关注的一个重要问题。

参考文献：

[1]董璇.抽象艺术语言在现代平面设计中的应用研究[D].河北师范大学,2016.

[2]齐娅璇.抽象绘画对设计思维的影响探究[D].北京理工大学,2015.

[3]陈红.论抽象艺术语言在平面设计中的表达[J].大家,2012,04:27.

第6篇：抽象艺术的设计范文

 

关键 词 ：构成艺术 几何抽象 现代陶艺 精神土壤

一、现代陶艺之概念

中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。

现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。

这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。

二、何谓构成——几何抽象

对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。

三、解读几何抽象与现代陶艺的融合

顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。

19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。

上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！

上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界,与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。　而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。

“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。

第7篇：抽象艺术的设计范文

关键词：热抽象；平面设计

抽象艺术是完全摆脱了文学性、描述性和说明性，并借着基本绘画元素来组构秩序的“造型世界”艺术科学将艺术的元素从艺术作品中分离出来，这些元素是构成艺术作品最基本的元素。即点、线、面和色彩。康定斯基通过对这些元素在作品中的运用，探索其独特的表现力，与此同时这些元素为一种独立的画面领域――制图提供了全部的手段。对当今抽象设计的发展与实践操作颇有影响。

在几何学上点的渺小常被认为不存在，因此非物质的存在就是对点的深刻印象，然而我们从物质角度考虑时，点相当于零。这个零是与最简洁相关的，即，尽管雄辩，但却是最伟大的缄默。我们习惯于生活的外在符号，这使符号的内在声音变得模糊不清以至掩盖了它的其他特质。在这沉默的范围内我们依靠的是“使用目的”做出判断，如果将点从狭窄的范围中分离出来，那么，点的内在的、至今仍沉默的特性就会发出越来越有力的声音。这些内在的张力，一个接一个的由它生命的深处浮现出来，放出耀眼的光芒。在设计作品中，一个点的外形是不确定的，这个点的大小，占据画面的位置同样不确定。从抽象的角度来看，人们普遍认为典型的点是小而圆的，但就整个画面而言点的大小比例和点的外轮廓都是相对的。事实上，画面中的点可以想象成各种有机或无机的形状，在这里想做出任何的限定都是不可能的。画面中一个点造就一定的主张，点纳入画面并随遇而安。就点的内在表现形式而言内在张力是活跃作品的形的张力，使作品充满生气。线是画面中的第二元素，与点是相对的结果。线有一直伸向无限的可能，线在画面里种类居多，不同类型的线在画面里的表现力和抒发的情感不同。积极的和消极的线会使整个设计作品中充满浓郁的感彩，传达不同的感情，一件作品构图的整体和谐可能存在着线条本身引起高度冲突的复杂性，如若线条的使用得当它们将不是以消极的方式，而是以积极的方式对整体和谐起作用。画面中的这些线可以是孤立的，也可以是一连串的点的轨迹。点、线这两种元素造成它们自己语言的交织、并置，给予画面最简单的和最准确的表现。面是具备点和线的特征，是在二维空间中具有长宽的构成元素，不同形态的面，会给受众带来不同的心理感受。热抽象画面中的面富于感性，有人情味、自然、充满个性，给人以活、生动、轻松、愉悦之感。几何形的面作为高度概括的形态而存在与平面设计中，根据不同的设计需求调节点、线、面的视觉特征。面还可以分为虚实的面，也就是显性和隐性。显性的面，是指客观存在的面，自存在于自然界中实实在在具象的面，大自然中湿地表面，生活中课桌的面。隐性的面，是指具有隐蔽性但又可被人感知的的面。点或者线的密集构成虚的面的表达，这样的面是抽象的，是有空间的。向一个侧面则会有着前进感。高大的形体有着庄严肃穆之感，而宽矮的形体则有着踏实平稳之感。

色彩在平面设计的发展历程中，有着十分重要的表现意义。色彩的出现使人们对客观世界的再现变得丰富起来。色彩作为抽象视觉元素的基础组成部分，是抽象艺术表现的重要形式之一。

在现代平面设计中，抽象图形承载着信息传达的功能，以观点的、创造的形式有着自己独特的艺术语言魅力。“以图说话”，这是图形语言高于其他一切表达方式所独有的艺术表现，突破了文字传达的局限性。在抽象设计中以符号化了的图形最为突出，在一定意义上以最简洁，最真实，最直接的方式，生动的象征的来传达一种理念，在视觉上给人以艺术美的享受。这些抽象的图形能够传达作者的思想、内容，例如莱西・德文斯基的设计作品中，就利用简化的图形符号，综合点线面的完美结合来表达设计师要传达的主题思想。抽象图形是自然生命秩序中具象的概括，是内心世界和知觉的直接感受，不掺杂任何的直觉经验。这种抽象语言作为造型艺术的一种高级形态，是人性自由的直接显现。这种抽象的图形不受任何的拘束，没有国家的界线，能跨越国家与民族之间的语言障碍，让人与人之间的交流用图形来表达。

在创作的过程中，我们不仅局限于视觉领域，我们可以用通感的方法使抽象的艺术情感得以表现，所谓同感就是一种很难说清的方式相互渗透、相互联系在一起的。这种通感的手法使得一些抽象的创作题材拥有更广阔的表现空间。我们常说人有五感，即视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉这五种基本感觉，比如在一定意义上色彩代表着味觉，形象代表着触觉，声音则表现情节。众所周知，听觉和视觉所表现的对物象的感觉是有所不同的。前者是通过抽象的艺术语言来表述物象的内在本质，后者则是要借助物象具体的、可视化的形式特征来进行表达。对于抽象艺术表现来说，要让观者达到情感上的共鸣就必须在表现形式上找到与各种感受相关联的特征，用可视化的形式特征去传达较为准确的意向，让受众产生一种独特心理感受，形成一种风格情调，一种感彩，这种情感上的共鸣就是所谓的通感。比如怎样在设计中去体现“噪音”。生活中我们对噪音给的感觉是刺耳的、躁动不安的，它是作为一种听觉上感受被我们所感知。如果能够在画面中表现类似这种感受的形式特征，我们就可以通过抽象的图形来表达这种躁动感。比如，在表现上可以利用抽象的锯齿线或者错乱无序的折线，运用构成的形式表现起伏动荡的形态变化，这样就可以在视觉上给受众以噪音的感受。“抽象艺术的情感表达，实际上就是利用可视的图形，把人的听觉、嗅觉、味觉、触觉等各种感觉转化为视觉表现。”运用通感，来调动观者对各种物态、色彩等视觉上的心理感受，在图形中选择与其相符合的象征性符号，来达到普遍的共识，从而得到情感上的感受需求。非洲电影节海报，利用构成的形式美法则，将点、线、面与英文字母相结合，将抽象的文化艺术海报展现在我们面前，让我们去体会电影艺术的魅力。抽象艺术美的根源就在于主体的情感活动，它本质和核心就是情感的流露。罗丹曾说过“艺术就是情感”，在艺术作品中，情感就像是艺术的生命所在。面对一幅优秀的艺术作品时，人们的整个审美过程其实就是一个感觉、知觉、表象、联想、理解的过程。在抽象艺术设计中，最重要的属性之一就是使受众产生深刻而又复杂的情感体验，从而来完成受众的自我主观情感与客观对象的融合。 平面设计是以视觉形式为载体的一种文化传播手段，是一种易受到意识形态影响的创意设计。快节奏的社会生活，使得人们渴望具有人情味且能缓解身心疲惫的设计，在这样的设计中去感受视觉美，去放松自己，回归自然。抽象艺术作为一种精神上的理念展示，正是符合了当下设计以人为本，解放自我的要求，在设计领域发挥着重要的作用。观者可以在一系列的抽象作品中去得到自我情感的解脱，达到真正的超我，忘我的境界。

参考文献：

第8篇：抽象艺术的设计范文

关 键 词 ：构成艺术 几何抽象 现代陶艺 精神土壤

一、现代陶艺之概念

中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。

现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。

这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。

二、何谓构成——几何抽象

对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。

三、解读几何抽象与现代陶艺的融合

顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。

19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。

上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！

上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界，与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。

而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。

“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。

在陶艺这一领域，构成艺术的痕迹还可一一探寻。像日本的八木一夫——陶艺界的泰斗，他的许多作品表现与象征并存。他不断将自己融入黏土之中，感知黏土与生命深处的渊源。这种纯粹的方式和净化的结果让人从他的作品中感到如宗教符咒般的昭示。在《我的自述传》中，他说：“如果要忠实地服从自己的心情创造，应该脱离传统陶瓷工艺过程。(转第97页）(接第113页）我想现代人的心理情感这个世界，如果用古文来陈述，怎么也表达不了。根据这些想法，我走向了所谓超现实立体造型，从此我可以自由自在的自我展开了。”正是这样，他的作品《萨姆先生的散步》将陶艺带入了一个全新的领域，同时也是对构成艺术作了最好的诠释。

而在陶艺创作中，只单纯追求形式美感、讲究比例尺度重理性的作品也不少见。有的将对象进行分裂、破坏、拆散，然后根据需要进行重构和组合，有的更直接将二维的构成因子注入到立体造型中去，这里便不再列举了。

结语

艺术是相互融会贯通的，现代几何抽象艺术在世界美术史中虽然只踞于一种艺术类型的位置，但在现代设计史中却有举足轻重的地位。正因为有了印象派、立体主义到抽象主义等各种艺术发展的脉络，才有了现代陶艺由具象到抽象、由实用到纯粹艺术的转变。现代构成艺术的历史从某一方面来讲，也是陶艺由传统到现代的变迁史。

总之，纵观现代构成艺术和陶艺的发展、抽象艺术的概念和语言，随着年代的变迁、社会的进步、科技的发展，逐渐渗透到陶艺的每一块领域。通过摆脱传统，从单纯的抽象走向了多元化、综合性的陶艺制作。不只对泥土自身特性的挖掘，还采用多种现代手法，加强高科技与泥土的对话，创造出土与火、土与自然、土与人的心灵相融合的艺术。其中构成艺术始终是现代陶艺不可逃离和最眷恋的精神土壤。

参考文献 ：

[1]白明编著．世界现代陶艺概览．江西美术出版社．

[2]白明编著．外国当代陶艺博览．江西美术出版社．

[3]许以祺主编．陶艺家通讯．

[4]世界构成艺术100年．

[5]（美）阿纳森著．西方现代艺术史．天津人民美术出版社．

第9篇：抽象艺术的设计范文

上海作为现代国际都市，与国际交流十分密切，起源于欧洲的抽象艺术就是在这种中外交流中进入上海。但是它那无规律、无秩序、无具体物象的形式并没有引起大众的喜爱，经过近几年上海艺术市场的逐步发展，抽象艺术热潮也在上海迅速形成，同时抽象艺术也一步步被大众所接受喜爱。抽象艺术热潮已经影响生活的各个领域。目前，它已经成为大众追求时尚潮流的一种标志。

1.抽象艺术的本体论述

什么是抽象艺术？抽象艺术是相对于具象艺术而言，它塑造的艺术形象已经大幅度偏离或分离抛弃具体物象外观的艺术，只通过点、线、色彩、块面、形体构图来传达某种情绪。抽象一词的本义是指人类对事物非本质因素的舍弃和对本质因素的抽取。这就是抽象艺术的特点，抽象艺术就是脱离客观存在事物的约束，简化客观的细节去最大的强调情感意味。抽象一词应用在美术研究领域中称为抽象艺术。

抽象艺术与艺术抽象是不同的，所以首先应该区别它们的差异。 朗格认为：艺术抽象是一种不同于科学、数学和逻辑的抽象。它不是通过归纳概括的方式从某一类相似的事物中抽离出它们共同的形式。艺术抽象得到的仍然是具体的某物，然而这个某物却包含了比现实某物多得多的内容，包含着一种普遍的意义，容纳更多意味的东西。说得更明确些，就是断绝这个某物与现实的一切关系，与自然脱离。与此同时使其外观形象达到完美，成为一个不用分析解释便可直接把握的概念性形式。抽象方法实施后，抽象物仍然呈现具体的形式，然而它的一切方面：形象、轮廓、节奏、色彩、运动等都比未经抽象后的自然物包含了更多的内容与意味，作为有机整体的艺术形象就成为一种情感符号。它们的相同点是表现出来的都是一种虚幻的空间，朗格说：“虚幻空间是各种造型艺术的基本幻想”。构图的各种因素、色彩和形状的每一种运用都用来创造、支配和发展这种单独为视力存在的图画空间。它们的不同点是，艺术抽象还是以具体的实物为载体的，但是抽象艺术就是已经抛弃了具体实物的形式，不再以具体实物为载体来表现情感，只用点、线、块面、色彩构成来组成一种独特的形式美来表现情感。但是抽象艺术的形式美成为直接的虚幻空间，没有具体的物象。相对与艺术抽象，抽象艺术更能通过直接的视觉效果看到画面的本质。

克莱夫•贝尔说的“有意味的形式”也不是具体的形象，只是抽象的形式：“艺术家能够用线条、色彩的各种组合来表达自己对这一“现实”的感受。”阿恩海姆说：“表现性就存在于结构之中”，“不必联系式样所表现的自然事物，就能从式样本身见出表现性”。 抽象艺术基本上脱离具体的物象，以点、线、块面、色彩构成组成一种情感符号。这种情感符号比艺术抽象更有意味。艺术抽象看到的是具体的物象，表现的是抽象的意味。但是抽象艺术看到的是抽象的形式美，表现的更是抽象的意味，已经脱离了具体物象的载体，情感本身就是一种很抽象的形式，情感的复杂性的表现不是能用具体的语言和物象就能表现出来的，它需要一种抽象的意味形式来表现出来。

康定斯基认为：“它从表现上尽可能地消除客观因素(即现实)，并通过非物质的形式体现作品的内容。在这里客观的意味减弱，抽象的意味极大的增强。这也就说抽象艺术不受客观因素的影响，如透视、光影、比例等。它用直接的形式最大自由的表现情感。朗格认为从艺术极向符号本体的过程，就是艺术家对事物的认识逐渐深化，从具象的实物到抽象的形式，又到形式知觉本质的过程，而抽象艺术的出现也就是具象艺术向抽象艺术发展的结果。这也说明抽象艺术的产生也是艺术本体发展的进步。

2.抽象艺术创作思想的形成

据上海美协副主席朱国荣介绍，现在上海已经涌现出一批专门从事抽象艺术创作的画家，其中多数是新生代的画家。上海角度抽象画廊主持人统计，全国目前拥有抽象艺术家大约1000名，上海占了500名，在这500人中，比较成熟的大约100名。因此，说上海占了半壁江山，似乎并不过分。

丹纳说：“我首先“认定艺术作品不是孤立的，”一件艺术作品，无论是一幅画，一出悲剧，一座雕像，显而易见属于一个总体”丹纳为艺术品设定的三个“总体”。第一，它从属于文艺家全部作品这一个总体。也就是说抽象艺术家创作的作品都有相似性，有自己独立的风格。第二“艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的，有一个包括艺术家在内的总体，比艺术家更扩大，就是他们隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族”。上海有1000多名的抽象艺术家，这些抽象艺术家思想倾向、美学主张、创作方法和表现风格方面相似和相近已经不自觉的形成抽象流派。第三，这个艺术家家族本身还包括在一个更广大的总体之内，就是在他周围而有趣味的和它一致的社会。

丹纳没有从艺术本体中探讨艺术发生、发展。而是从社会、从现实去解释这种作品存在的必然性。丹纳从“环境”、“时代”、“种族”三个“动因”分析影响艺术家的创作思想的原因，从而决定艺术的特征。艺术思潮的产生总是由它以产生的特定的时代变革和社会文化背景有关 。抽象艺术热潮在上海的形成不是艺术家个人能办到的，而是在抽象艺术流派和社会这个大的环境下形成的。上海作为国际现代都市，与西方的文化交流密切。随着国内艺术与国际艺术间的碰撞，起源与欧洲的抽象艺术代表着现代艺术独特的形式美。上海都市环境的日新月异，生活节奏加快，高楼大厦、磁浮列车、东方之珠、车流穿行、这一切无不体现浓厚的现代美。设计步入人们生活，简约和时尚成为现代都市的主流。高科技和现代美学思想使得生活变得简洁明快，人们生活也开始习惯简洁明快，同时已经无法忍受那些烦琐的构造和装饰。艺术家的创作源泉来源于生活，生活的变化也促使他们改变表现生活的形式。抽象艺术的形式美更能直接表现现代都市的简约和时尚。抽象艺术的热潮也必然引起生活的变化，绘画、家居、服装、建筑、设计等无不带有抽象艺术意味。

同时，艺术思潮的产生还有艺术自身的发展对艺术思想提出新的要求的原因。具象绘画经过了几千年的发展，已经创造了辉煌的成就，现在的艺术家已经到了山穷水尽的地步，以往的表现内容，表现风格，只要能想到的都已经有了。抽象艺术作为当代的新的艺术手段为艺术开拓了新的艺术形式美。

艺术价值的产生还在于满足人们的特殊的精神需要―审美需要，外国人士在上海很多，他们大多来自于欧洲，受欧洲当代抽象艺术的影响，普遍偏爱抽象艺术，他们认为抽象艺术是最能表现现代人的灵魂和情感。市场的需求也促使艺术家纷纷抛弃传统的创作手法，改换抽象表现。

3.接受群体分析

抽象艺术进入上海以后经过很长时间的冷落。上海美协副主席朱国荣说：“现在不少老百姓喜欢抽象艺术。像金茂大厦这类高档的公共场所也张挂起来抽象作品，这对市民审美情趣的变化产生了较大的影响。从不理解，到有点理解，到接受，进而喜欢，这也是抽象艺术进入上海的里程。2006年底首届上海抽象艺术高峰论坛也在沪开幕，这标志着抽象艺术在上海良好发展。这几年抽象艺术展每年要举行很多次，上海美术馆教育部主任马楚华告诉记者，上海美术馆新馆落成以后的三年中，所举办的画展中将近百分之七十都是抽像画展，而且，这种趋势还在逐年增长。

抽象艺术虽然起源于欧洲，但是中国人对抽象艺术有种独特的情感。中国传统民族文化思想是儒、道、佛合一。但真正的中国艺术精神来自于老庄的道家思想，道家讲究“意”、“游”，指的是在精神王国里自由神游，主客合一，追求一种无拘无束的虚静之意境。中国画从不讲究画面透视、光影、比例等，只用点、线的皴擦和留白就能表现出意犹未尽的意味，虽然也有一定的具体的物象但是它已经脱离客观条件的很多束缚，并且具有抽象艺术的意味。中国人对抽象艺术的陌生是对新事物出现的最初抵抗，等待对新事物熟悉以后就会很容易接受抽象艺术形式美。

同时，上海国际都市时刻追求国际时尚潮流，除外商喜欢抽象艺术外，上海小资情调的白领人士也处处走在时尚前列，引导时尚潮流。抽象艺术表现当代简约形式美更多体现一种现代都市符号，不容置疑深受这些白领人士的喜爱。随着抽象艺术思想的影响和市民的审美意识的提高，相信不久会有更多的人喜欢抽象艺术。

艺术作品、艺术家、艺术接受者三者共同构成了艺术活动的全部过程。我们必须把这三个独立的环节作为一个完整的艺术系统来进行综合的、全面的研究。抽象艺术在上海形成火热局面不是某一者所决定的，是抽象艺术本体的自律性发展、艺术家在当代中外现实条件下艺术思潮的影响、接受者欣赏艺术水平的提高和需求三者相互影响、相互作用下共同造就了抽象艺术热潮在上海形成的局面。

参考文献

[1] 苏珊 • 朗格（美国）. 《情感与形式》. 中国社会科学出版社，1980.

[2] 鲁道夫 • 阿恩海姆 著滕守尧 朱疆源 译 《艺术与视知觉》. 中国社会科学院，1984.

[3] 丹纳 著傅雷 译《艺术哲学》. 天津社会科学出版社，2004.

[4] 王宏建.《艺术概论》. 文化艺术出版社，2001.

[5] 徐复观.《中国艺术精神》. 春风文艺出版社，1987.