皮具艺术设计精选(九篇)

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皮具艺术设计

第1篇：皮具艺术设计范文

关键词：高职院校；校企合作；箱包设计教学；创造性思维

1校企合作是高职院校紧贴市场的人才培养模式

高职职业教育强调知识和能力的有机结合，重视课堂教学和实践教学的有机结合。实践教学环节是将知识转化为能力的必要途径。校内外实训基地是高职职业教育中配合理论教学而设置的为学生提供实践教学、保障学生掌握职业技能的资源平台。在校企合作基础上的职业教育是通过学校与企业的融合，借助多种教育资源和环境，培养学生适应社会的综合素质。它注重学生的职业素养的养成，学生在生产顶岗性实习阶段是学校学习阶段的必要延伸。

首先，就高职高校学生而言：一是创新能力，能在获得知识和操作技能基础上突破前人模式的独创思维和创造能力；二是人文素质，一方面是指深厚的文化底蕴，另一方面是指文化知识不断更新的能力；三是技术素质，掌握一定的电脑、网络等现代科技知识；四是综合素质，一专多能，做名副其实的复合型人才。箱包设计设计的专业属性，决定了培养学生创新精神和实际动手能力的必需性。

其次，校企合作是沟通学校和企业，学生和社会的一座有效桥梁，通过专业实习能使高校成为企业技术创新人才的培养基地；为企业技术创新活动提供服务体系；学生又是技术创新的实施者和扩散者。

因此，就校企合作而言，企业拥有生产必须的场地、资金、设备，拥有丰富的生产管理和市场管理经验；高校拥有大批用于开拓的优秀人才，通过校企合作能有效地实现最大化的优势互补。

2充分利用校企合作提高学生实际应用能力

由于缺乏实际经验，学生的作品往往浮于形式，对视觉效果极度重视，而对其实用性考虑不足，对作品能否付诸实施、具体的材料运用、材料的制作工艺和成本都不够重视，这便造成设计过程与制作环节严重脱节的现象。在狮岭“龙行天尚”皮具设计公司的课程教学的实践项目环节中，确立实习、实训指导小组，在与“龙行天尚”皮具设计公司及狮岭皮具创意精英协会等专业团体建立长期的固定实习、实训基地，这样可以让学生在实际的工作过程中了解制作工艺和材料，使学生注意设计成本对于作品的意义，并在作品设计的过程中综合考虑作品设计，从而充分利用校企合作资源，提高学生实际应用能力。

除此之外，在校企合作中，企业或单位为高职院校提供最新的流行资讯、新颖的面料，把握市场走向，使学生设计更符合大众需求，从而避免设计的产品与市场脱轨。

3 箱包设计教学中培养创造性思维能力

设计的核心是创造。一个设计师创造性思维能力决定了设计的好坏。众所周知，艺术设计人才是极富于创造精神和创新能力的创造性人才。创新意识和创造能力也须以创造性思维作为基础。在箱包设计教学中，创造性思维的产生常常来源于借鉴，借鉴是创造的源泉之一。所以，设计界的相互借鉴、相互渗透、相互启迪再形成新的创意是顺应时展的必然结果。

3.1丰富的思维想象力是创造之源

德国的哲学家黑格尔说过“最杰出的艺术本领就是想象”，想象是创造的催化剂，是人类的创造之源，是比联想更为复杂的一种心理活动，这种心理活动能在原有的感性形象的基础上创造出新的形象，打破习惯性思维的束缚，展开丰富的联想。它不仅能表现客观事实，更以其创意的力量重新塑造世界。在艺术创作的过程中，联想和想象是记忆的提炼、升华、扩展和创造，而不是简单的再现。从这个过程中产生的一个设想导致另外一个设想或更多的设想，从而不断地创作出新的作品。如艺术设计创意常用的“詹姆斯式思维”方法，这种思维方式就是在根本没有联系的事物之间找到相似之处。具有詹姆斯式思维能力的人，有着敏锐深邃的洞察力，能在混杂的表面事物中抓住本质特征去联系，能从不相似处察觉到相似，然后进行逻辑联系。在箱包设计的教学中，培养学生丰富的想象思维，首先要调动他们的逆向的思维和跳跃的思维甚至是反逻辑的思维能力，只有这样才能对学生的创作起到事半功倍的效果。

3.2广泛的好奇心是激发学生创造性思维的原动力

好奇心是一个人有所发现、有所成就的前提。也是促进社会发展的动力。一部科学发展的历史，就是一部人类不断满足好奇心的历史。在箱包设计教学中积极启发学生的好奇心，引起学生的兴趣。教师可以选择多种多样有趣的事物或案例，吸引学生去观察、分析、思考，才能有利于创造性思维的培养。

3.3考察生活，调研社会是培养学生创造性思维能力的根基

我系皮具设计专业在2012年10月份参与狮岭的意大利ARSARPEL集团箱包设计师培训的教学过程中，意大利教师强调设计必须于生活考察和社会调研结合起来，同市场的实际需要相联系。学生要设计之前，首先要考察市场，详细地做市场调查分析，市场定位，消费人群，销售方式，同类品牌的卖点，做好具有竞争力的箱包设计。其次，在课堂上启用启发式教学，引导学生进行空间想象，以发挥学生的创造思维。在确定构思和创意后收集材料，根据构思创意，结合箱包材料进行设计与制作。在此，结合实际按照自己的想象与构思进行模拟式创作。这样把箱包设计同实际结合，运用知识去解决各种实际问题，从而巩固和发展学生创造性思维能力，有利于学生的多向发展，并能够把培养学生的创造性思维能力贯穿于整个教学过程中。

4培养具有创新意识的复合型人才

当今社会需要大量具有创新意识与实践能力的应用型人才，箱包设计专业的教学应顺应市场需要，在教学中遵循理论与实践相结合的人才培养规律，加强实践教学环节，使学生顺利毕业，进而顺利开展专业设计工作。高职院校的人才培养必须与市场需要紧密结合，使学生同时具备理论素养与实践能力，真正成为社会需要的人才。

复合型视觉人才培养实验区的人才培养模式，能有效提高学生综合素质，增强学生自信心，提升就业竞争力。因此，高职院校在新的就业形势下，根据创意产业的需求，转变教育观念，联合企业，发挥校企合作优综上所述，随着创意产业的兴起以及其对人才的新要求，加强与企业的合作是适应这一趋势的有效途径。校企合作不仅为培养创意产业所需人才提供了良好平台，而且为高职院校设计专业的人才培养提出了新的要求。

5结语

当今社会需要大量具有创新意识与实践能力的人才，箱包设计专业的教学应顺应市场需要，在校企合作的教学中遵循理论与设计相结合的人才培养规律，加强实践教学环节，使学生毕业后能顺利开展设计工作。因此，高职院校在艺术设计专业学生的能力和素质培养上，须始终顺应创意产业发展并且依托市场需求，同时明确交叉型、复合型、具备整合创新能力的人才培养目标，适时调整人才培养模式。

参考文献：

第2篇：皮具艺术设计范文

一、招生计划

招生大类/专业

大类所含专业

学制

招生计划

招生省份

美术学（师范）

四年

浙江、江苏、安徽

设计学类

服装与服饰设计（服装设计、服装展示设计、鞋靴设计）

四年

157

浙江、江苏、安徽、黑龙江、山东、河南、湖南、广西

环境设计

视觉传达设计

二、招生省份及计划数(具体计划数以各省考试院最后公布为准)

省份

美术学（师范）计划数

设计学类计划数

学费

浙江省

学费按浙价费【2014】240号文件收取。我校目前实施学分制收费，

美术类专业每年学费10350元左右。

江苏省

安徽省

黑龙江

山东省

河南省

湖南省

广西区

总计

157

三、报考形式和条件

我校美术类专业考试均采用各省统考成绩，不另行组织校考。报考对象和条件参照各省美术类统考安排和要求执行。

四、录取原则

报考我校的美术类考生(使用联考成绩)，必须符合以下条件：1.参加生源省的艺术联考并取得合格证;2.高考文化成绩达到生源省划定的艺术类分数线;3.英语单科成绩达到规定的分数。符合上述要求的考生，我校将采取以下方式进行录取：

(一)分省按综合分从高到低进行排名录取，综合分折算方式如下：

综合分换算方式：文化总分(高考总分按750分制计)×50%+专业成绩(总分折合100分制计)×7.5×50%。

备注：江苏省综合分换算方式：文化总分(高考总分按440分制计)×50%+专业成绩(总分折合100分制计)×4.4×50%。

(二)英语单科成绩要求

浙江省

江苏省

其他省

≧60分

≧40分

≧50分

五、温州大学美术与设计学院及专业介绍

(一)温州大学美术与设计学院简介

温州大学美术与设计学院前身是原温州师范学院美术系(设立于1984年)和原温州大学服装艺术设计专业(设立于1988年)，属国内同类院校中较早创办美术、设计、服装类专业的院校之一。学院现有全日制本科生980余人，硕士研究生20人。教职工72人，其中，教授7人、副教授24人，博士5人、硕士46人。

学院设有美术学、视觉传达设计、环境设计、服装与服饰设计、服装设计与工程五个本科专业和一个美术课程与教学论硕士点。2003年服装设计列为省重点建设专业，2008年艺术设计专业(鞋靴设计方向)列为省重点建设专业。2017年服装与服饰设计专业被评为浙江省特色专业，艺术设计(鞋靴、服装)为校级重点特色学科(B类)。2012年服装设计与工程专业被列为国家教育部“卓越工程师计划”试点专业。《服装立体裁剪》、《鞋靴结构设计》被评为精品课程，2013年2门课程成功入选精品资源共享课。服装立体裁剪教学团队为浙江省优秀教学团队。

学院与英国德蒙福特大学、意大利新美术学院、欧洲设计学院、韩国及台湾等高校艺术学院建立合作交流项目，联合培养交流生、交换生，每年暑假定期组织专业设计营活动。

近年来，师生作品获国际国内展赛大奖20余人次，赢得了良好的学术影响和社会效果。经过全体教工多年的努力，教学质量、师资力量、人才质量、科研创作水平不断提高，社会声誉逐年提升，学院已成为一所融纯艺术专业、设计应用专业于一体的高等艺术学院。

(二)学院专业(方向)简介

美术学(师范)：培养能够适应社会主义现代化建设和教育发展需要，德、智、体全面发展的能在中小学进行美术教学和教学研究的教育工作者。

主要课程：教育学、心理学、素描、油画、水彩、山水、花鸟、人物、版画、书法、中外美术史、美术概论、透视学、解剖学、中学美术教学法等。

视觉传达设计：培养具备视觉传达设计专业的系统基本知识，注重艺术创造性思维及能力，能在学校、设计公司、广告公司、电视媒体、报社、数字媒体单位、品牌企业等企事业单位从事品牌设计与推广、传媒研究、视觉表现研究、数码交互设计、广告设计、展示设计等工作的应用型高级人才。

主要课程: 计算机辅助设计、书籍装帧设计、企业形象系统设计、广告设计、广告摄影与摄像等。

环境设计(环境艺术设计)：培养具备室内外环境艺术设计专业的系统基本知识，能在教学科研机构或者专业设计部门、设计公司以及其它企事业单位的生产经营和管理部门从事实际应用、开发和设计工作的高级专门人才。

主要课程: 计算机辅助设计、室内设计、景观设计、娱乐餐饮设计、宾馆设计、居室与办公空间设计等。

环境设计(室内与产品设计)：培养具有创新精神、创业能力和社会责任感，具备工业产品设计基础理论和应用技能、宽广的文化与科学知识，能在工业产品设计部门、工业产品制造企业、产品设计策划与咨询行业从事产品造型设计、产品创新研发等工作的应用型高级专门人才。

主要课程：素描基础、平面构成、色彩构成、立体构成、产品快速表现、设计概论、计算机辅助设计(平面、效果图)、模型制作、材料与工艺、基础设计、人机工程学、产品快题设计、产品设计(一至五)、专题创意设计(一至二)。

服装与服饰设计(服装设计)：培养具备服装艺术设计创新思维，熟练掌握服装造型与结构设计原理以及计算机辅助设计技能，能从事服装设计、品牌策划和服装研究等方面的高级专门人才。

主要课程：服装材料学、时装绘画、服饰色彩、服饰图案、图形软件及其应用、女装设计、女装结构、女装工艺、男装设计、服饰品设计、针织服装设计、时装市场与商品计划、服装CAD 、立体裁剪应用、专业英语等。

服装与服饰设计(服装展示设计)：培养具有展示陈列的系统知识和设计实践能力，有较宽广的专业口径，能从事橱窗设计、服装陈列与展示、服装营销策划、展览设计等方面工作的高级专门人才。

主要课程：图形软件与应用、色彩构成、基础摄影、服装陈列基础、展示效果图表现技法、店堂规划与设计、服装展示与陈列设计、陈列手册、橱窗设计、服装搭配等。

第3篇：皮具艺术设计范文

微时代的到来为艺术设计专业课程教学开启了一条新的途径。艺术设计专业的教学有别于其他专业，具有很强的引导性和启发性，重点在于培养学生对实际知识点的掌握与运用能力。微课可以让学生有更广阔的思考空间，也将更多的课堂讲授让位给互动交流。以微课为载体的翻转课堂教学模式，有助于提高学生的自主学习能力，培养学生的实践创新能力，从而提升教学水平。

关键词：

翻转课堂；艺术设计；教学模式

国内的一些高校已经逐步尝试以微课为载体的艺术设计专业翻转课堂教学模式，其中艺术设计类专业更是走在了全国的前列。艺术设计类专业是启发与传播相结合的专业，其与翻转课堂这种创新的教学形式相结合，更可能获得事半功倍的效果。但是在尝试过程中，必须结合当前艺术设计专业学生的特点。

一、艺术设计专业学生的特点

现阶段，大学生获取信息的途径和以往有着很大的区别。学生可以通过多种渠道获得知识，互联网、微信、微博等多种媒介都提供了海量的资源，而且这些资源的数量每年还在爆炸式地递增。同时，学生成长的环境和背景使他们更加看重自身个性的发展，单向的知识传递已经不能满足他们的需求，他们更加乐于以交流互动和竞争等方式进行学习。艺术设计专业的学生在学习行为上有一些不同于其他专业学生的特点，如艺术和文化双重专业课的设置等，具体来说有以下几点。其一，缺乏主观能动性。很多设计类专业的生源是艺术类考生，文化课的成绩一般较低。高中艺术的学习方式和文化课也有所不同，部分学生没有形成良好的学习习惯，不会主动完成教师布置的学习任务并且进行总结，很多时候需要教师督促才能基本完成。其二，缺乏持之以恒的学习态度。对于任务量比较重的课程作业，一些设计类专业的学生比较容易避重就轻、偷工减料，往往抄袭网上或者其他同学的作业，有的甚至以不会为由不完成作业。其三，缺乏学习兴趣，学习能力有待提高。一些设计类专业的学生对自己比较感兴趣的内容尚可以关注，如果是自己不感兴趣的方面或者比较陌生的领域，就容易产生疲劳感，排斥新知识，缺乏主动学习的能力。其四，偏向实践较多的课程，而忽视理论课程的学习。一些设计类专业的学生往往更喜欢把精力集中到学分高的实践课程中，而对于相对枯燥的理论课，由于不能取得立竿见影的学习效果，则缺乏学习兴趣。随着手机终端功能的不断丰富，手机已成为学生生活中不可或缺的部分。某项关于艺术设计类学生学习习惯的调查问卷显示，学生课后主要的娱乐方式是上网。课后花4小时以上时间上网的学生占到了学生总数的80%以上，网络已经成为大学生课后娱乐最重要的平台，而学生上网关注的主要是各种娱乐信息。对于艺术设计专业教学而言，如何应对新媒介传播带来的新的生活方式，是教育界不得不直面的一个问题。

二、基于艺术设计专业的微课类型

网络上的微信息（如微博、微信、微电影等）已逐步渗透到人们生活的方方面面。随着微时代的到来，人们在接受信息时所用的时间越来越短。微课也顺应微时代潮流而来。微课视频最早出现在一些网络平台上，后来迅速传播开来，逐渐引发了我国教育界的关注，并在中小学掀起了微课改革的浪潮。由全国高校教师网举办的全国高校微课教学比赛引发了人们的普遍关注。该比赛把微课定义为“以视频为主要载体记录教师围绕某个知识点或教学环节开展的简短、完整的教学活动”。参赛教师根据教学目标，选取适用性较强的内容或是教学上的重点与难点进行课程设计，运用动画、三维、虚拟现实等多媒体技术，用抽象、宏观、微观等多种手段呈现，录制10至20分钟的微课视频，上传到比赛网站，并按要求提供配套的教学设计文本、多媒体教学课件等辅助材料，以方便学生学习。艺术设计在本专科中所划分的专业方向各不相同。按照2015年普通高等学校本科专业目录对于设计学类的统一划分，具体可分为艺术设计学、视觉传达设计、环境设计、产品设计、服装与服饰设计、公共艺术、工艺美术、数字媒体艺术等。而在刚公布的普通高等学校高等职业教育（专科）的专业目录中，艺术设计类专业可分为艺术设计、视觉传播设计与制作、广告设计与制作、数字媒体艺术设计、产品艺术设计、家具艺术设计、皮具艺术设计、服装与服饰设计、室内艺术设计等多个专业。本科学科门类和专科专业众多，各学科和各专业之间除了各自专业课程的特性之外，在共性方面，可以将专业课程划分为以讲授为主的课程和以实践为主的课程。笔者通过对全国高校微课教学比赛官网（该网集中了我国艺术设计专业的各高校近三年所提交的比赛作品，在一定程度上反映了我国目前艺术设计教学的微课制作水平）获奖视频的收集与分析，结合微课作品中所普遍呈现的教学方法，现对微课中常用教学方法及其所适用的课程范围进行梳理。通过梳理笔者得到以下结论：第一，不同性质的课程具有不同的适应学生理解的教学方法，具体教学方法必须依据教学目标制订；第二，以语言传递为主的课程适用于理论课程或是专业课程中的理论部分的讲授；第三，以实际训练为主的课程适合使用演示教学法。

三、艺术设计专业翻转课堂中可使用的教学模式

微课如果只是简单放在网络平台上，而不与课堂教学产生紧密的关联，那么微课在教学中的实际意义也就无法真正展现出来。翻转课堂的教学模式是学生在课后利用现有的教学信息平台，完成某一知识点的学习，在课堂上，教师不再对知识点进行详细阐述，而是通过面对面的指导达到巩固学生知识的目的。它有别于现有的教学模式，颠覆了课堂学习和课后复习的顺序。课堂变成学生和教师沟通交流的场所，不再是教师讲授、学生接受，学生可以有更多的时间和机会与教师讨论，教师也有更多的时间发现每位学生不同的思维方式，因材施教，使学生能更深刻地理解知识点。翻转课堂可以让学生随时随地学习视频中的内容，学生可以根据自己的认识程度控制学习的节奏和时间，结合翻转课堂中的讨论部分，可以和教师针对知识点展开讨论，实现个性化教学，获得更好的教学效果。

1.基于微课的翻转课堂教学模式的构建依据

教学模式一般可以定义为在一定教学思想或教学理论指导下建立起来的较为稳定的教学活动结构框架和活动程序。要构建翻转课堂的教学模式，使教学模式有操作的依据和理论，必须分析翻转课堂的过程，把握翻转课堂的特征，遵循翻转课堂的设计原则。

（1）把握翻转课堂的实质

翻转课堂所翻转的不仅是教学的顺序与结构，其实质是教师在专业课程学习中身份的转变。教师由原来的知识的传授者转变为学习过程中培养学生的引导者和帮助其完成任务的督促者。而学生从被动的接受者转变成了主动的讨论者，并乐于和教师一起参与知识点的讨论。

（2）遵循翻转课堂的设计原则

教师在进行翻转课堂的教学模式设计时，应遵守相关理论和原则。其一，要有利于学生知识的建构。学生从学习平台上获取自己所需要的资源，并在学习过程中借助其他人（包括教师和学习伙伴）的帮助，获得自己想学的知识要点，通过意义建构的方式获得知识，符合构建主义学习理论。翻转课堂改变了以往的授课方式，将授课放在了课前，课堂增加了师生交流和合作等内容。教师由教学的发起者变成了教学过程的参与者，指导学生学习，调动了学生的学习积极性，让学生在交流的过程中对知识产生独特的理解，建构自己的学习认知体系。其二，要有利于不同层次的教学。统一课堂授课的模式是现代大规模教育的主要形式，知识掌握较快的学生“吃不饱”，而接受认知能力比较差的学生“不消化”，分层教学很难在普适的教学中展开。但是，随着知识的爆炸增长和人们接受事物媒介的增多，翻转课堂为学生提供足够多的学习资源，学生可以根据自己的学习效率，自由选择学习进程，结合网络资源，反复理解知识点，这样能够更好地实施分层教育、自由学习。其三，为学生搭建轻松的学习环境。在翻转课堂的实施中，不管是微课部分的视频设计，还是课内的翻转环节，都应为学生搭建一个轻松、高效的学习环境。在自由的学习氛围中，学生不会感到拘束和紧张，不必为学习进度和是否落后而担心，可以按照自己的进度展开学习。

2.基于微课的翻转课堂教学模式设计

基于微课的翻转课堂教学模式的设计与实施可以分为四个阶段。

（1）分析阶段

在该阶段，教师需要分析学生的需要，其内容不仅包括对于学习内容的难易程度和学习期待的分析，还需要结合学生自身的学习习惯、喜好的学习方法制定学习目标，确定学生学后的成果。

（2）微课设计与制作阶段

在该阶段，教师要根据教学设计的安排，重新修订教学内容，将内容中适合用于视频演示的部分提取出来，确定微课的教学目的和内容，搜集学习资源，完成微课的教学设计。利用软件制作微视频，结合应用类软件学习的特点，教师在制作微视频时应注意以下几点：其一，视频可以采用实景拍摄、录屏、flas、抠像的视频展现形式，而选择形式应根据具体的课程性质和学生喜欢的方式确定；其二，视频中应包含操作关键事项、提示、学习小结等，方便学生了解重点；其三，将视频上传至学习平台，让学生自由下载，为微课设置过关任务，搭建在线答疑、讨论系统。

（3）翻转课堂实施阶段

该阶段又可分为课堂外的传递阶段和课堂内化阶段。在课堂外的传递阶段，学生在规定的时间内完成对视频内容的学习，参与在线答疑、讨论等环节，实现知识的传递；在课堂内化阶段，教师通过了解学生的任务完成状况和答疑、讨论等环节评价微课的教学效果，并发现教学中存在的问题，采用讨论或团队共同完成作品的形式强化对相关知识的学习。

（4）评价阶段

在此阶段，评价可分为形成性评价和终结性评价两类。形成性评价对学习需求分析、学生分析、教学起点分析、教学策略分析进行再检测；总结性评测是对整个翻转教学过程作最后的评价，为下次教学提供借鉴。

四、结语

翻转课堂教学模式不再以教师为中心，而强调以学生为中心。翻转课堂教学模式基于学生课前的自主学习，如果学生课前没有完成教师布置的任务，教师在课堂授课中就无法和学生进行交流和互动，也就没法获得预期的效果。所以，让学生在课前做到主动学习是翻转课堂的关键，如何激发学生潜在的学习欲望是翻转课堂教学模式需要解决的重要问题。对于设计专业而言，其微课在表现形式上应注意融入时尚元素，采用学生喜闻乐见的形式，规范学生的学习习惯，将课程分为早期导入、中期扩展以及后期复习三个部分，将视频内容变成预习和复习的部分，让学生逐步形成独立学习的能力。

作者：周莹赵寅单位：江苏开放大学传媒与设计学院南京林业大学家具与工业设计学院

基金项目：

江苏高校哲学社会科学基金项目“高校艺术设计专业微课程设计模式研究”（项目编号：2014JSB264）的阶段性研究成果；江苏开放大学、江苏城市职业学院“十二五”规划课题“以微课为载体的艺术设计专业翻转课堂教学模式研究”（项目编号：13SEW-Q-056）的阶段性研究成果。

参考文献：

[1]刘万辉.微课教学设计.高等教育出版社，2015.

[2]全国高校微课教学比赛.

[3]刘锐，王海燕.基于微课的“翻转课堂”教学模式设计和实践.现代教育技术，2014（5）.

[4]胡铁生“.微课”：区域教育信息资源发展的新趋势.电化教育研究，2011（10）.

[5]梁乐明，曹悄悄，张宝辉.微课程设计模式研究——基于国内外微课程的对比分析.开放教育研究，2013（1）.

第4篇：皮具艺术设计范文

需求分析是在语言教学中首先要进行的阶段，是课程设计的第一环节，针对教学对象展开，了解学生需求。由于广州番禺职业技术学院（下称：番职院）艺术学院有不少国际合作项目，但艺术类学生的英语水平和能力却成为学生海外学习和职业拓展的绊脚石。为了缓解此情况，笔者通过对艺术学院11级皮具设计、产品设计和饰品设计专业6个班共203名学生进行问卷调查和个别访谈，了解艺术设计类学生的英语学习需求。

（一）艺术设计类学生的客观需求分析

客观需求包括学习者目前的英语水平、语言学习中的难点等。第一，艺术设计类学生的英语基础十分薄弱，词汇量少。很多学生由于在中学期间专注于美术类课程的学习而忽略了文化课，英语学习情况堪忧，部分学生反映自己好几年没有认真学习英语，根本无法进行英语口语交流。第二，艺术类学生的英语学习时间十分有限。在调查中发现，大部分学生极少进行课外英语自主学习，只有5％的学生能够坚持每天课外学习英语。艺术设计类学生的专业设计课程和技能学习任务重，很多学生课后基本不主动学习英语，部分学生甚至把英语学习看做是一种负担。第三，艺术类学生容易出现英语学习倦怠。一是大学重复中学阶段的人文英语学习对学生缺乏吸引力，实用性不强；第二，虽然专业英语教材内容跟行业比较接近，但语言和内容对于对职场和专业了解不多的大一学生来说枯燥难懂，缺乏趣味性。

（二）艺术设计类学生的主观需求分析

主观需求是指学习者在语言学习中的认知和情感需求。虽然艺术设计类学生的英语基础不是很好，但根据问卷调查分析，由于专业和职业发展需要、个人喜好等因素，学生们还是有着十分强烈的英语学习需求和学习愿望。根据调查（如表2），学生们学习英语的动机主要有3个，分别是考试需要、工作需要、交流需要，所占比例非常接近；由于出国深造需要大笔资金或获得奖学金支持，因此为了出国留学而学习英语的学生只占6％。

二、以需求分析为基础的设计师英语课程开发

（一）课程定位

设计师英语课程是为培养面向设计、生产、服务第一线需要的高端技能型人才的目标服务。为了配合番职院艺术学院与海外学校开展国际合作办学项目，设计师英语课程希望为学生打好英语基础的同时，注重培养学生实际使用英语语言的技能，提高学生的职场英语交际能力，特别是使用英语进行日常生活和设计行业职场交流、以及处理未来职业所需的涉外业务活动能力。它是学生中学阶段英语课程的延续与提升，是后续专业课程学习以及海外进修学习的基础和工具。因此，设计师英语课程承担着三大角色：第一，桥梁作用。帮助学生从中学阶段以应试为目的的基础英语学习过渡到大学阶段以应用为目的的专业英语学习；第二，引领作用。带领学生感知职业，熟悉行业职场情景英语交流；第三，培养作用。不仅培养学生的英语语言能力，还培养学生的自主学习能力和提高学生的综合素质。

（二）课程内容

基于国际合作办学理念下的设计师英语课程，即需兼顾学生基础英语能力的巩固，又需要培养学生设计行业英语的知识和技能，课程教学应该在夯实学生英语基础的同时，学习内容应与设计专业群的职业英语内容进行整合，进行基础英语与设计行业英语教学上的有效融合，强化学生的职业英语听说能力和交流能力。

1．分区模块化教学内容。

设计师课程组教师、设计专业课程教师、海外合作办学学校教师和行业兼职教师四方共同研讨确定典型的工作任务、具体的教学计划和主要的教学内容模块。艺术学院把国际合作办学试点专业的英语课程学时从原来的高职英语（基础英语课程）90课时增加到设计师英语课程（基础英语＋行业英语）180课时。确定的教学模块包括：模块1—日常交际英语：既需要让学生了解中西文化的差别，帮助学生能够与外国人进行日常生活上普遍话题的谈论沟通；模块2—职场交际英语：学生通过课程学习了解企业公司架构，掌握职场共核主要情景下的英语交际技能；模块3—设计行业英语：学生能够掌握设计行业相关职业英语学习，能运用所掌握的设计行业的专业英语知识开展职业所需的涉外业务活动；模块4—设计专业英语强化训练：通过学习设计英语的常用词汇和句型，能够用英语在借助专业实训室作为仿真实操情景下进行基于产品设计工作过程的沟通交流。

2．循序渐进式教学融合。

由于设计师英语课程的定位是“EGP＋EOP”融合教学课程，课程开设的时间横跨第1—3学期。随着学生从第1学期对设计行业了解不多到第3学期对设计行业和专业产品设计了解得比较透彻，设计师英语课程的“EGP＋EOP”融合教学呈现循序渐进的比例融合而不是平均分布的比例融合。EGP的教学比例随着课程的开展深入逐渐减少，相反，EOP的教学比例随着学生的专业学习不断增加而逐渐上升。循序渐进式的融合教学更加贴近学生的学习情况，更能发挥此门课程的桥梁、引领和培养作用。

（三）课程设计

作为为设计专业学生量身定制的英语课程，设计师英语完成了公共英语基础课和设计专业英语课程的融合，克服了公共基础英语课缺乏专业特色的缺陷和专业英语课程艰涩难懂的不足。课程设计上能够灵活地与专业教学相结合，进行“工学结合”的教学设计，主要包括以下三个方面：

1．工作过程学做结合。

根据设计行业的工作职场背景，依托设计行业岗位的工作流程，选取和补充教学内容，进行“学做结合”的教学实践探索。从最初的职场认识和接待客户、自我介绍和公司介绍；到产品设计理念的介绍、产品描述、产品设计和制作工序介绍；到最后的洽谈磋商和签订合同。把整个设计行业的工作过程嵌入到设计师英语课程的教学中，让学生边学边做，熟悉未来的工作情境和工作任务，培养学生设计行业英语沟通能力。

2．任务导向项目驱动。

基于上述的设计行业工作过程，嵌入大大小小的课内外个人、双人和小组学习任务和学习项目，例如：个人的中国文化介绍任务、双人的职场相互介绍任务、小组的国内外著名的产品设计展览介绍任务等，让学生在完成学习任务的过程中掌握设计行业背景下工作必备的英语词组和表达方式。

3．职场情景模拟实践。

番职院艺术学院实行“作品、产品、商品”的“三品递进”的人才培养模式，艺术大楼的每一个能够利用的空间都有精心设计的橱柜摆放学生的作品。这为设计师英语课程提供了多个仿真的设计行业工作情景，课堂教学不再局限于普通教室里。课程组老师可以根据课程内容，选择产品展览厅、专业实训室、车间工作坊等作为教学地点，让学生在仿真的职场情景下进行设计行业模拟实践学习，学生在“学中做，做中学”的实践过程逐步提升自己的设计行业英语应用能力。

（四）课程考核

设计师英语课程的教学内容和教学形式的多样化实施，需要采用多元化的课程考核方式来保障。因此，设计师英语课程采用形成性综合考核方式，加大平时个人作业和合作式集体作业、课堂表现和小组学习任务完成情况等形成性评估的比重。作业形式上不再局限于书面的职场英语应用文写作，而是加入两人对话视频、学习汇演等多形式学习考核。同时，通过“教师教学记录表”、“学生学习记录手册”、职场英语测试、行业情景英语交际能力测试等全过程、全方面记录和考核学生的学习情况，激励学生不断进步。查看教师教学记录和学生学习记录，学生可以了解自己的学习进步情况，教师可以了解学生的学习情况与学习需求，对学生需要改进的地方给予更有针对性的好建议，并且相应调整教学安排。

三、结语

第5篇：皮具艺术设计范文

2014年春夏，在Alessi进军中国一年多之后，它又为我们带来更富创意的生活用品：宠物收纳袋、诺亚系列等等颠覆传统家庭用具的作品，每件产品的背后，都有它诗意的感性体验与充满幽默的戏虐趣味，它从纯铸造性的、机械性的工业转型成一个积极研究应用美术的创作工场，逐渐成为了工艺、艺术和品位的代名词。

Q=《北京青年》周刊A=ALESSI 的第三代传人Alessio Alessi

Q：进入中国市场一年多了，中国市场和消费群与国外有什么差异呢？

A：中国消费者近几年对艾烈希品牌的产品有着很高的关注度，而且对高质量的产品有更高的需求。我们有很好的行业合作伙伴，致力于珠宝和时尚饰品的原创设计，他们同样看好中国市场。2008年发生了欧债危机，我们作为欧洲品牌，正在努力克服困难进入中国市场，因为中国的市场前景很好，可以给我们带来更大的商机，这是中国与其他国家的不同所在。

Q：未来品牌店铺会向哪些方向发展？

A：我们想要更多开一些灵活的小型专卖店。我们在台湾就有很多灵活多样的小型专卖店，在内地也会尝试类似的销售模式，例如在咖啡店进行客户体验式销售，消费者可以在一些知名的咖啡店使用到我们设计的器皿，从爱上我们的产品，到乐意购买我们的产品，我们从消费者那里得到了非常正向的反馈。体验式设计使我们的产品在市场上得以畅销。

Q：您在2011年启用了7位中国建筑设计师参与艾烈希产品项目，您未来是否计划再次与中国设计师合作？

A：我与中国设计师合作的项目是一段很好的经历，将来不仅会让中国设计师参与项目设计，我们还会在量产方面与相关的中国厂商寻求合作，并建立友好的合作关系。

Q：艾烈希品牌是否为中国消费者定制了专属产品呢？毕竟，中国人使用的是中式厨房，与传统西式厨房不同。

A：正如你所说，中国人有自己独特的烹饪方式和饮食文化，与欧洲风格截然不同。我们需要注入新的创意来满足中国消费者的需求。例如，欧美人根本不知道什么叫做“茶具”，我们要同时向欧美国家弘扬中国文化，用我们的原创艺术设计来搭建中西文化交流的桥梁。

Delvaux 2014春夏系列色彩尽显女性妩媚

Delvaux于1829年创立于布鲁塞尔，是世界上历史最悠久的奢侈品皮具品牌。今年的春夏着装强调女性的魅力与自信，尽显妩媚，性感和，灵感来源于迈阿密海岸，大胆明艳的色彩展现最前沿的潮流。Lagon湖水绿作为明星颜色，让人犹如沐浴于迈阿密波光粼粼的海水中，并怀念上世纪50年代的豪华汽车。白天带它随性的出门，夜幕降临后自如调整的肩带设计将让包袋化身成女性晚间约会的最美配饰。

Comptoir des Cotonniers×Ked’s 合作系列帆布鞋

Ked’s号称是第一个提出“sneaker”的品牌。其主打女性及婴儿市场，与Comptoir des Cotonniers旨在打造母女的衣橱的追求不谋而合。“Shoes are boring， wear sneakers.”是此次系列的主题。这款Comptoir des Cotonniers×Ked’s合作系列帆布鞋轻盈清新，让人想要赶紧抓住春天，享受好心情。

本色出演，“声”型巨献安桥2014 CTI300系列耳机

2014年3月，安桥（中国）对外宣布，旗下2014首款CTI300系列耳机对外首发。新品继续秉承“AUDIO ON THE GO”的设计理念，更加精湛的音响技术融合良好人性化设计，让音乐爱好者享受影院般的“HI-FI”体验。其中，ESCTI300银色耳机将金属质感与柔和皮质混搭，无疑会被街头潮人们推为今年春天出街时必备的时尚单品。

第6篇：皮具艺术设计范文

现代建筑的发展，一直受到各种艺术表现形式的影响，在建筑表皮设计方面，波普艺术、极少主义、概念艺术、数字媒体艺术等都是深受建筑师喜欢的艺术形式。全文以最受建筑师欢迎的几种艺术形式为基础，进一步探索各种概念艺术和建筑表皮设计之间的联系因素和结合方式。

波普建筑表皮

1.波普艺术

波普艺术（Pop Art）最早起源于20世纪50年代的英国，之后因为以Andy Warhol为代表的一批明星级艺术家的影响力而在美国得到巨大发展。艺术家将身边的物品，如漫画、电影海报、明星、高跟鞋、任何消费品的图像通过解构、拼贴、重复的手法进行艺术创作，使其成为波普艺术的创作主题。波普由此出现在了时装、AC-DC、香烟、胶纸、摇滚唱片等任何东西上。波普艺术影响深远，几乎渗透到一切以信息为内容的载体。

2.波普建筑表皮

在波普建筑表皮中，表现的是大众喜闻乐见的形象。摄影图片、字母符号、电影艺术等似乎与建筑无太大关系，但这一切都成为了善于创造的建筑师的创作题材。在当今建筑表皮的设计中经常能看到许多精美的绘画和摄影图片，这些绘画和摄影图片因具有巨大的建筑尺度和材料质感，已完全超越了单纯绘画和摄影所具有的视觉感受，丝网印刷的玻璃使图像产生了漂浮感，而混凝土的特性使图片有着文献般记录的真实感。建筑师在通常意义上不能用于印刷的建筑表皮上转录了如此细腻的图像让人耳目一新。从上世纪90年代开始，建筑师赫佐格与德穆隆对丝网“印刷术”这一技术进行了多种尝试，将它运用到各种材料上，如玻璃、石材、混凝土等。图像通过丝网“印刷术”的复制，改变了原有的意义而转化为材料表面的视觉质感。建筑材料上的丝网印刷术，使无机物有机化，使自然物人工化，使工业材料艺术化、人性化，在赫佐格与德穆隆的建筑中，图像也成了

材料。

埃伯斯沃德技术学院图书馆建成于1999年，该建筑的表皮表达采用了一种图画式处理手法，为这座具有19世纪建筑风格的校园增添了新的文化气息。在项目的设计中，赫尔佐格和德穆隆选取了艺术家托马斯・鲁夫收集的旧报纸上的历史照片作为基本素材，通过丝网印刷术连续地、重复地印制在建筑的外立面上。不同的材料（混凝土和玻璃）由于被印刷上相同的图像，材料原来的视觉属性被改变，不同的材料具有了同一性。同时，相同的图像由于光线的关系，观赏角度的不同会发生图底反转的现象，从而唤起人们在历史和现实之间的遐想。

极少主义建筑表皮

极少主义艺术主要是对艺术客观性的展现，对非表现性的把握，对“少”的极端表达。极少主义建筑表皮具有“直击人心”的效果，无论单纯就形式而言还是在建筑作品的细节处理，在20世纪晚期和今天的建筑作品中我们都能找到极其丰富的极少主义表现。这种表现可能是建筑形体可能是基地布局，可能是立面划分，可能是室内空间处理，也可能是局部的细节构造。

1.极少主义艺术观

作为一种现代艺术流派，极少主义出现并流行于20世纪50--60年代，主要表现于绘画、雕塑领域。极少主义主张把绘画语言削减至仅仅是色与形的关系，主张用极少的色彩和极少的形象去简化画面，摒弃一切干扰主体的不必要的东西。评论家罗莎琳・克劳斯（Rosaline Krauss）对极少主义曾有过这样解释：“极少主义的实质并不在于那种一成不变的几何形体中心，相反，正由于它一反艺术作品只有通过显示某个隐性中心或作为其表现才能获得自身意义的观念，所以它把意义赋予物体的表面，并对反射性材料和挖掘自然光的效果感

兴趣”。

2.极少主义与建筑表皮

极少主义的思潮也影响着建筑师的创作。启发着建筑师舍弃追求表面上的美丽和矫揉造作的丰富感，转而去寻找建筑本体的美。极少主义在当代的建筑设计中有着巨大的影响力，很多建筑师的作品都具有极少主义倾向，其中代表人物主要有：多米尼克・佩罗、雅克・赫佐格和皮埃尔・德穆隆、彼特・卒姆托、妹岛和世、拉斐尔・莫尼奥

等等。

多米尼克・佩罗认为极少主义是“包豪斯的真正内涵”，而后现代主义和解构主义则仅仅是建筑发展的死胡同。他推崇美国极少主义艺术家唐纳德・乍德（Donald Judd）的作品，并且欣赏罗伯特・史密森（Robert Smithson）的大地艺术。从他的作品中，我们可以觉察出明显的极少主义设计倾向，强调严谨、简洁。佩罗最引人注目的作品当属巴黎法国国家图书馆（1989～1996）。该建筑是法国塞纳河左岸第一个大型公共活动场所，给市民提供了一种新型集散广场。面对面的L形塔像四本翻开的书，进入图书馆就像走进知识的城堡之中。人行天桥纵横交叉的步行广场包围着“一小块森林”。简洁而尺度巨大的体量清晰地标志出法国国家图书馆在城市空间中的位置。该作品是城市设计中的艺术精品。它是简约的艺术，感情上崇尚宁少勿多的

原则。

媒体艺术建筑表皮

建筑作为记录特定历史文化的信息载体，一直以来都在充当着信息传播媒介的角色。在现代技术应用于建筑以前，信息传播的符号形式主要是各种图形、图案以及其它象征符号。伴随着建筑科技的发展与进步，建筑表皮媒体表达的方式和特征都发生了巨大的

变化。

建筑作为媒介它们传递信息的方式有两种一种是可言说的，另一种是不可言说的。可言说的意思是艺术作品的颜色形状、质感、建筑作品的尺度、比例、空间、结构、表皮等等都可以用语言文字或者图像表达出来，传递给受众的信息是明确的。它的确是人体感官的延伸，帮助我们获取更多的信息。与其它媒介不同的是建筑作品作为媒介还具有不可言说的特点，所谓只可意会不可言传。

在重点探索建筑表皮媒体化的建筑师当中，法国建筑师让・努维尔，无疑是最闪亮的明星之一。他积极探索运用新的信息技术把建筑表皮转化成信息的屏幕，一种“装饰性的外表包装”以此来反映我们的媒体时代特征。他认为材料质感集表皮的含义已经变得越来越重要，物体间的张力呈现在外表或界面上。正是在这种思想的影响下，让・努维尔（Jean Nouvel）及合作者设计完成了著名的媒体化建筑――巴黎阿拉伯世界中心。该建筑表皮特色在于，他们将27，000个铝制仿相机光圈形式构成的“快门”，置入南面表皮的双层玻璃内。这些构件符号一方面具有阿拉伯穆斯林传统文化的图案特征，注释阿拉伯传统文化；另一方面，这些光电单元与计算机相连，利用气控方式调节阳光光线通过其表皮的量。在这里，置入式的符号信息已成为建筑表皮不可分隔的一部分。

总结

现代建筑在创作的过程中深受各种艺术形式的影响。认识和总结这些艺术形式的起源和发展以及在建筑设计中的具体表现，是完善建筑表皮艺术表达形式的重要手段。全文对现代视觉艺术的概念及其发生和发展进行了较为全面的了解，归纳出现代建筑表皮创作与现代视觉艺术之间紧密的关系。通过对波普建筑表皮，极少主义建筑表皮、概念主义建筑表皮和数字媒体建筑表皮进行了详尽的分析和总结。归纳出各个不同的现代视觉艺术在建筑表皮材料表达方面的思想和表现形式。

第7篇：皮具艺术设计范文

诚如斯言,能够在过去的一个多世纪中保持品牌无法撼动的地位,创新一直都是Louis Vuitton的精髓。之所以能做到这点,是因为Louis Vuitton总是可以准确地把握时代的脉搏,在延续传统精湛工艺的同时,紧跟潮流,一次又一次地在人类时尚历史中谱写了华丽而璀璨的篇章,最终建立起了代表着贵族生活方式的时尚帝国。

19世纪是工业革命风起云涌的时代,新科技、新发明层出不穷,人们纷纷在自己的行业里实践着新的科技。时值拿破仑二世登基,傲人的法国版图和“蒸汽”革命的轰隆声,使得乘火车旅游成为法国贵族的最佳爱好。然而,旧式的旅行箱却让贵族们苦恼,不是旅行箱把衣服弄得皱巴巴,就是行李包在火车的颠簸中一次次摔倒。这时路易・威登先生凭借自己的手艺,设计出了适合火车旅行的平顶皮衣箱,并在巴黎开起了自己的皮具店。

1867年巴黎世博会开幕, 路易・威登(Louis Vuitton)先生和他的儿子乔治・威登(Georges Vuitton)迅速出击,带着自己新推出的一款灰色防水Trianon 帆布材质的平顶行李箱出现在世博会上,从而一举成名。这种新发明既美观方便又能防盗。很快,Trianon帆布箱开始风靡巴黎上流社会,成为贵族出行旅游的首选。不到十年,“Louis Vuitton”品牌就传遍欧洲王室,甚至蜚声世界。1869年,埃及帕夏(总督)伊斯梅尔订购了一套Louis Vuitton的皮箱;1877年,俄国皇储尼古拉也订购了一套;西班牙国王阿尔封斯十二世也曾专门订购Louis Vuitton的皮箱。

在1889年的世博会上,Louis Vuitton展出了品牌的新型Damier 帆布,并在上面印制了“L.Vuitton”专有商标字样,以防止其他人仿冒――这是奢侈品牌创造专属图案最早和最成功的事例之一。这一时期也正是跨大西洋轮船旅行和贸易的繁盛时期,Louis Vuitton再度把握时机,推出了最畅销的便捷衣柜旅行箱,其垂直设计和多隔间内部为旅行者省去了拆包行李的麻烦。五年后,在前往1893 年芝加哥世博会的途中,乔治・威登先生也亲身经历了一次跨大西洋旅行。

Saint Louis, 1904

1904 年轮到美国密苏里州的圣路易市举办世博会。Louis Vuitton这时已经展开了在美洲新大陆的扩张,并抓住了这次机会来展示自己。会上不仅展示了美国顾客喜爱的优雅大行李箱和手提包,同时还有一系列较为少见、为勇敢的旅行者或探险家设计的金属材质旅行箱。Louis Vuitton的金属旅行箱采用了一种创新的橡胶衬里,从而使它能够在旅行途中防水、防灰和防虫。Louis Vuitton还因此在早前于勒阿弗尔举行的国际海事博览会上获得奖项。圣路易博览会上展出的另外一件设计是为著名探险家,创建刚果首都布拉柴维尔的Pierre Savorgnan de Brazza所设计的床箱。

Monogram 帆布女士高硬箱,1900年

这款Louis Vuitton专为长途旅行而设计的分格硬箱,尤其适合放置女士旅行物品。由乔治・威登先生于1896年设计的Monogram帆布,在1900年的世博会上展出并获得了巨大成功。

铜质特制硬箱,1904年

20世纪初,Louis Vuitton开始专注于将各类不同金属材质运用于硬箱外部设计上,此类硬箱主要面向前往热带地区的旅行者或探险家,抗压性强。

Paris Grand Palais, 1909

20世纪的最早十年,巴黎的大皇宫主办了汽车展览,这项活动于 1909年并入了首届国际航空运动博览会。博览会上,乔治・威登的双胞胎儿子皮埃尔(Pierre)和让(Jean)展出了两人设计和建造的直升机“路易威登二世”,材料正是他们的祖父路易・威登先生打造首批Louis Vuitton行李箱所使用的木材和防水帆布。汽车和飞机还启发乔治・威登创造出了更多创新的精工巧作。一款Monogram帆布的航空旅行箱,在当年打出了行李满箱时仅重57 磅的广告。这款车载行李箱根据车身的颜色和轮廓量身订制,采用翻折式的前端设计,不用将箱子从汽车拆卸分离就可装载或卸载行李。

纹理皮质旅行袋,1910年

在开发著名的帆布包袋之前,Louis Vuitton设计了多款皮质箱包与手袋。这款旅行袋专为火车卧铺短途旅行设计,宽大的开口便于放置衣物和洗漱用品,同时,箱内还有一个隔层使皮鞋与其他物品分开。

Paris, 1925

1925 年在巴黎举行的装饰艺术与现代工业国际博览会虽然不是一次正式的世界博览会,却有着与其同等的规模和影响力,新兴的装饰艺术设计和建筑便是因此而得名。乔治・威登(Georges Vuitton)的长子贾斯顿・路易・威登(Gaston-Louis Vuitton)担任了此次博览会的委员会副主席,并与包括莱俪(Lalique)和博艺府家(Puiforcat)在内的装饰艺术的领先倡导者建立了联系。当时,Louis Vuitton定期将自己的精湛工艺和其它领域工匠的技能结合创新,打造出了装满各种水晶、银器、象牙和镀金银配饰的华贵皮质盥洗包。在此之前,旅行的优雅和精致从未达到过如此高度。

Monogram 帆布鞋箱,1925年

这款鞋箱由正面打开,根据款式不同,内部抽屉的数量可达到36个。每个抽屉均单独配有标签,可以放置一双鞋,另有一个较大的抽屉用于放置配饰物品。

Cara 皮质化妆箱,1927年

这款化妆箱采用鳄鱼皮,象牙,银和珠贝等奢华材质,为每件化妆用品设计了独立的放置空间,并以当时著名女演员Cara Laparcerie的名字命名。

Paris, 1931

1931年的巴黎属地博览会上,法国在巴黎郊区文森森林内的一片巨大场地上对自己的海外领地进行了宣传。Louis Vuitton在这次博览会上拥有了自己的展馆以彰显Louis Vuitton的重要地位。考虑到自然环境的限制,展馆环树而建,中央伫立着一个高大的图腾柱,展品则包括有贾斯顿-路易威登(Gaston-Louis Vuitton)丰富的非洲面具收藏。战后,国际博览会事业渐渐沉寂了一段时间。但是,伴随着新世纪的到来,“展览”活动再次获得新生,Louis Vuitton秉承昔日传统,参加了在日本爱知县举行的 2005 年世博会。与以往参加世博会一样,其展览总是与时俱进的。

Monogram 帆布女士立式帽箱,1928年

该款帽箱设计独特,专门适用于女帽的运输。内部使用别针和丝带将帽子悬挂在帽笼中。由此,帽子以及羽毛和花饰便可以在旅行途中得到很好的保护。

Amiens皮质手提箱,1931年

该手提箱四周可放置化妆用品,中间用于放置内衣。图中所示款式曾在1931年巴黎属地博览会上展出,充满了非洲艺术魅力,当时在非洲受到了众人追捧。

经典再现上海滩

2010 年上海世博会的主题是“城市,让生活更美好”,携着对历史的传承以及与时俱进的创新精神,Louis Vuitton翩翩而至,通过展现给成千上万的游客们一个充满亘久魅力的法国以及引领百年时尚的奢侈传奇。

第8篇：皮具艺术设计范文

极简至美 “镇城之宝”阿玛尼

我在米兰住过整整一年的时间，其实，越亲密反而越不知从何说起。城市给人的好感往往是从第一印象开始。下了飞机的路上，思绪有些混乱，机场快到市区的那条熟悉的路上铺着的轨道，杨柳树正冒着嫩绿的新芽，似乎能听到新生命迎接阳光用力伸展的声音，叮咚驶过的有轨电车会让我想起所有对于米兰的回忆。这条路上有一幢很旧的房子，但每次经过都一直空着，它独自矗立，坦然面对渐渐老去的外表，尚留一滚烫的内心，不知道为什么我对这种古老的美特别敏感，如果加以修缮一定会很美，看到这座宅子便知快到了。这条路很宽，叫Corso Sempione大街，据说在19世纪，当时拿破仑本想将这条大道一直修到巴黎，作为统一整个欧洲的“加冕礼”，但最终未能如愿。

意大利现代主义设计大师吉奥・庞蒂早就洞悉世情，下了不容辩驳的定义：意大利一半是天主创造的，另一半是建筑师创造的。天主创造了平原、山谷、湖泊河流和天空，但大教堂的轮廓、正立面和钟楼都是设计师创造的。有些地方，天主甚至仅仅创造了水和天空，剩下的都是设计师的杰作。

第一次去米兰是我从阿尔卑斯山的一座滑雪场度假回来，那是2012年的最后第二天，之后又要去马德里跨年再从南美的胜地雅戈去南极，历经夏季和冬季的转变，衣物行李特别多，可实在handle 不了三个大箱子，所以我给即将入住的ARMANI酒店打去了电话。火车头等车厢门一打开便看到一位身穿黑色西装的帅哥便已举着我的名牌在约定的车厢门口等我，他是阿玛尼酒店的专车司机，帅气程度却不输于任何一位好莱坞明星。这就是阿玛尼，这个意大利最具经典的品牌之一，他们给予了远道而来的我最温暖的拥抱。阿玛尼之于米兰，是“镇城之宝”，它缔造了一个隐秘而奢华的设计王国。

米兰的设计体系，由遍布街头的各类特色店铺，不断地延展，最终又统一归属至严谨而充满审美内涵的如AMANI 般的传统经典品牌，家具展上的设计是养眼又不缺实用主义的，街头的设计店铺是富有市井生命力又不乏神来之笔的，这是一套完整的设计闭环，它们在流动和发展中求得最和谐的相生之道。阿玛尼酒店设计元素通体只有黑白两色，堪称极简极酷的典范，人们往往误以为复杂花哨难以言明的才是好的设计，但在米兰，这样的判断和认定基本行不通。阿玛尼酒店里所用的超大瓶洗发水、沐浴露、Lotion 全是黑色设计的AMANI产品，以至于让你觉得不把它们带走才是一种浪费！酒店工作人员会不厌其烦地为你送上牙刷、拖鞋，每次送来的用品都是以品牌特制的黑色化妆包装好，以至每送一次便多一个面料考究精致且方便实用的包包，总之是细致到每一处细节。

业内传闻乔治・阿玛尼是色盲，所以他永远只设计黑白色的经典，这和耳聋的贝多芬却谱奏出如此多的世界名曲一样，太震撼人心，即使色盲又怎样？只要将一件事情做到极致，就能达至成功。从服装到酒店，甚至家具，阿玛尼酒店楼下即是他们的书店，还有全世界最奢华高端的阿玛尼花店，阿玛尼构建了无可超越的设计王者风范。

无设计不生活最美的10 CORSO COMO

小到一把勺子，大到整座城市，无设计不生活，这便是真实的米兰。空气中扑面而来的都是带着创意的味道，在这里没人能忍受平庸，疯狂都好过无趣和乏味。设计是米兰尽情挥洒荷尔蒙的最佳载体。

有人在古堡前的草坪上散步，也有人骑着单车，车篮里载着狗狗，米兰人的生活处处皆是设计现场，纯真，亲近，却又透露着智慧的哲学。时尚是时代的表达式，而优雅是另一回事，不过很幸运，在米兰，这两者完美相融。时尚和优雅毫不抵触。

10 corso como是米兰设计界自由主义呈给世界的名片，这里是必去的时尚圣地，它象征了实用精致摩登永不落伍的意式设计理念。1990年，Carla Sozzani在米兰一处占地1200平米的旧厂房原址上创办起了10 corso como，这位前《ELLE》和《VOGUE》的时尚主编被誉为远见家以及欧洲最具革新精神的艺廊创办人，她将独具才情的创意赋予10 corso como 生生不息的生命力。这是全世界我最喜欢的书店，买手店，以及艺术设计空间。

秋天，是10 corso como最美的时候，它的院子里红叶满墙，绿植环绕，座椅上吹过的秋风舒爽，抬头就能望见高远的天。透明开阔的空间，遍洒波普元素的氛围，与逼仄压抑绝缘，处处都充满生命力，但我倒觉得这是种不张扬的低调之美。10 corso como所带来的审美情趣上的熏陶无可比拟。意式生活主张人人都是随心所欲又遵从天性的“生活家”，设计原本就是一场精细活，急不得，亦求之不得。那种外放霸气充满独立自我气息的设计，与10 corso como那低调不起眼的门面简直就是夸张到极限的对比。

常常觉得上天真是个顽童，它让米兰风情万种，却又俏皮可爱，同时，还能葆有自由自在的内心。设计和创意的兴盛，往往是一个民族步入后工业化阶段才有的自我完善和独立发展。备受上天眷顾和宠爱的米兰，骨子里天生带有脱离人间世俗审美的基因，它们在人类进化的路途中荣幸地享有了更多的优势。意大利人有着全世界最任性的生活态度，我想正是由于他们从本我的设计天赋中汲取太多的营养。但同时，他们又有着无人能敌的严苛，他们吃牛排，会追问牛的生活环境和品质以及烤牛排的部位、火候；他们喝咖啡，会用不同比例的牛奶调制出不同的味道，并配上一个特别的名字；他们定制西服会考究到每个细缝处是否妥帖平整。在他们的心中，达到极致需要专业，敬业并加上激情，这同样代表了他们在设计界无可撼动的地位，追寻至最本源的那一层，正如痛苦至深才能享受极致的快乐，苛求至每一分才能收获最美的掌声。

严谨与好玩永远在不停地更迭

很难不爱米兰这座城市，他们有法拉利和足球，还有创造一代波尔卡圆点潮流的意大利设计师Walter Albini。无论是在DOLOCE&GABBANA的店里，店员会关掉整间店只为你一人服务视你为女王，或是在运河边上每月最后一个星期六的跳骚集市，人头攒动，仿佛突然从秘密空间涌来，雕塑、钟表、瓷器、银器、布艺、皮具、家具等等都散发着古董所特有的香气，所有人都穿着休闲的装扮，牵着各种狗。这都是米兰。在米兰的灵魂深处，严谨与好玩永远在不停地更迭。他们抛却华而不实，花哨靓丽，转而追求一种宁静和平的相处方式，与人的相处，与自然的相处，与思想的相处，这些都是历经长久的凝练和沉淀才能达成的。新的材质、新的创作手法、新的颜色创意、新的布展技艺、新的对于设计理念的更新，这些都是米兰这座城市对于全世界审美的贡献，在他们的词典里永远没有妥协，而是追求极致和满分，每一位生活于此的人，都带着朝圣者的姿态，不敢有丝毫怠慢。

我在米兰的一家古董店遇见过一位很特别的收藏家，他是个上了年纪的老者，却热情而好客，整墙都挂满了古董钢笔，说起他的收藏立即变成一个孩子般手舞足蹈，献宝般特地从里屋搬出神秘的箱子，里面自然也装满了款式各异的钢笔，他看着那些收藏，脸上带着笑意。看过他的笑容，你会明白，真诚对待生活，定会有善意的回报。我叫他钢笔老爷爷，一定要讲讲他的故事，他和他的店就是米兰古董业兴衰荣耀的缩影。

这家古董店原来已经有几百年的悠久历史，从钢笔老爷爷Roberto Dabbene的父辈开始经营。那时战争刚刚结束，经济快速复苏，人们又重新过上了纸醉金迷的生活，无数古董商店遍地开花，也加剧了行业的竞争。有些手艺需要经历几十年的学徒经历才会被完全授予手艺。钢笔老爷爷记忆中常常和朋友们玩得开心时，被爸爸叫去送货。后来他爸爸受到朋友的鼓舞投资了一些不动产，这些了不起的明智大胆投资使得他家有了现在的商店和作坊两个产业。那个时代，手艺人还讲究世袭制，从小到大父亲都对他们兄弟两人要求特别严格，希望他们将来能继承商店和作坊。现在，古董店已经由钢笔老爷爷的儿子和侄子经营了，尽管如此，他还是会常常去店里，他把店称为他的“健身房”。随着时代的迁移，银制品行业已不如以前景气，但他们仍希望能把这份工艺作为一份对人生和这个世界的礼物继续世代传承下去。

在米兰的午后，我常常会跑到布雷拉区（Brera）晒太阳、看书、赏画、发呆，走遍世界各地的美术馆，看过成千上万幅画，也许并不是每一幅都能记得和读懂，浸在艺术的海洋中，真实感受到的就是爱！每幅作品皆因大师们对艺术的爱才会诞生，它们都有生命、有灵魂。布雷拉美术馆外面的画廊，那根根白色宏伟的廊柱亦仿佛是驻守在这里的精灵。那些世界级名画也是因为汲取了无数灵气才更显得臻美绝伦。海兹的《吻》、达・芬奇的《抱白貂的女人》都足以让你感受米兰的调皮、浪漫、还有那份令人荡气回肠的极致之美。布雷拉美术馆里的图书馆美如天堂，在米兰，几乎任何一家美术馆里都有图书馆，它们密不可分，是这座城市永葆生趣的魅力之源。布雷拉的学校以舞台设计而著名。

当然我也最爱在布雷拉区的街上逛。我遇到过一家很特别的小店，门洞外面挂满了紫藤花，爬山虎又挂满了房子，小院子里的桌椅上摆着奶酪和红酒，用来招待入店的客人们，主人看到我就热情地邀我进去逛逛，店里出售的商品几乎都是用古董勺子和叉子DIY的精美物品，我家中那幅用古董画框上衬托并镶嵌着蓝宝石的叉子，正是购自这家小店。另外，我还在一家店里买到了中国珐琅彩的花瓶，店主老太太说“you are saving your culture”（你存留的是你们的文化），并语重心长地叮嘱我一定要“照顾”好它们。无论是设计周上的奢侈品牌，抑或是这些小店，艺术皆是相通的。很多国人很快就会copy米兰设计周上的设计，趁热卖个好价钱。

但米兰的很多小店都很低调，不起眼，却不妨碍它们是一个有着经典历史传承的百年老店，一家人做一个品牌是为了守住一份家族的荣耀。坚持，是很珍贵的品质。

从Moooi展到Fornasetti家轰趴的流动盛宴

2015年米兰设计周的第一天，正巧也是我抵达米兰的当天，刚到酒店，我就接到荷兰（国宝级）设计大师马赛・万德斯的电话，让我过去他的Moooi展厅。事实上，我的确会为了看一次展览而专程飞一趟米兰。创意四溢的设计师们在米兰设计周风云际会，吹响集结号。许多追随者出没于各大展区，渴望与他们心目中的设计大师有一次不经意的邂逅，哪怕只是擦身而过也觉美好。这样的狂热绝不亚于追星族。国内也有不少新锐艺术家参与这次的展会。我和万德斯曾在上海的某次展览中巧遇，一见如故，他始终给我如沐春风的感觉。再度见面，同样无需多余的言语，一个拥抱便尽在不言中。这次Moooi的展览颇具未来感，很多作品都以高科技制作而成，展厅内360度无死角每个角落都美得无与伦比，理念之先进已超越大部分人的想象。但首先依旧是打动人心。飞机材料制成的椅子，轻到如空气般，所有的荧光灯没有电线却会发光，将摄影大师的作品作为展览背景，让流动的影像蔓延至每一把椅子每一张沙发，怕也是只有他才能想到吧。

设计在米兰是一场魔术，所有人必须十二分投入，才能领悟其间的奥义。或许现时现刻你尚未能明白，在以后生活的某一处你必定会想念它。Fendi，BV，Roberto Cavlli等等品牌，都在米兰设计周诠释着何谓经典与时尚，何谓永不落幕的盛宴，由设计所引发的革命，犹如浸润在空气中的细微粒子，每时每刻都在改变着人们对于这个所认知的态度和边界，它们的力量是无穷的。

令无数米兰人引以为傲的Fornasetti家族如今已传承至大师的儿子手中，我应邀去参加Fornasetti的home party，一处独栋的老房子里，这是一场非常盛大的轰趴，云集各路怪咖大神，米兰设计教母Rossana Orlandi也现身了，老太太一头白发，戴着大墨镜，即使是娇小的身体仍挡不住散发出的强大气场，很多（有头有脸的）嘉宾都争着跟她合影，老太太非常nice，临走时碰到她正在门口抽烟，看到我穿得少，便把她叫的出租车让给了我。小Fornasetti和其父亲几乎长着一模一样的面容，他是典型的意大利人温存好客的性情，我形容他的家就是“不刻意追求艺术的艺术之家”，他很是赞同，用艳红色颜料涂成的貌似窗帘的盒子，标志性的Fornasetti人脸盘子叠起来、看似不经意却精心设计过摆放着的收集来的五彩杯子、一个用两面镜子折射出不同角度的雕塑、走廊里用油画做成的景观画移门，这些都是天才般的艺术品。任性，随意，却又充满天赋和惊喜，这才是米兰的创意精神。home party于晚上11点开场，花园入口处工作人员拿着大大厚厚的一本名册，记录着被邀人名单，而被邀请的嘉宾只有凭请柬才能入场，每个房间和角落都站着西装笔挺的保安，气氛绝不亚于哪个大牌的专场show或派对。很多熟悉的精致的香艳的绅士的面孔，在流动的盛宴上来来往往，夜深人静的夜晚，而这里却人心沸腾，为了美的传承，为了艺术地生活，这就是米兰。

明星万德斯和骑自行车的伊达隆

马赛・万德斯是星光熠熠的superstar，他是全球商业做得最好的艺术家，最会赚钱的艺术家。他曾经不止一次与我讨论，他希望通过创造出一些能传承下去的作品来战胜这个时代，创造出属于这个时代意义的古董，并最终超越自己。他说，Kelly，直到现在，我收到过的最棒的赞美来自一个美丽的女孩，她说我的设计让她感受到了飞驰在天际一般的感觉，对我而言这实在是太棒了。

万德斯对于设计和生活的信念，向来如同他的外表般闪耀。他认为美丽来源于真实，来源于诚信和明晰，也来源于人的力量和内心最真挚的悸动。只需要用你的眼睛用你的心，你就能感受到美。我之所以与他一见如故，正因这些艺术和审美上的追求如此契合。

成为一名艺术家，对万德斯来说就是用他的好奇心与想象力去感受一切。我亦如此。设计是展现生命强大本源的作品，存在即是合理的。欧洲人的生活哲学，从来不违背，不生硬，遵从天性，乐意为自己内心的激情和渴望买单，付出，从而达至自己想要的理想境界，这就是他们的艺术生之花。