对于艺术创作的理解精选(九篇)

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第1篇：对于艺术创作的理解范文

关键词：生活；艺术创作；灵感；源泉；积累

中图分类号：J05 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）21-0254-01

一、什么是艺术创作

“艺术——一个神奇的领域。”

“艺术创作——一个难解的迷”。

从艺术的发展中看，有关“艺术是什么？”在我们的认识领域中从来没有中断过对于它的讨论。艺术这个概念有两个含义：一：艺术作品；二：艺术创作活动。前提是静止的状态，后者是活动的状态。那么什么才是艺术创作呢？

艺术创作从本质上来看，是人的一种自由的创作活动。艺术创作是美的创作，它须遵循美的规律，艺术作品却离不开生活，它来源于生活，又高于生活。且生活本身就是很美的，具体、形象、丰富、生动的美，生活中到处可见。对于我们的眼睛来说，是缺少发现美的。这就要求我们如何去发现美？因此我们要尽力的去使用我们眼睛，使用我们的心，去发现艺术创作中的灵感，才能进行艺术创作，所以艺术创作只有从根本上符合美的规律，才能得心应手的进行艺术创作，并且进入游刃有余的艺术创造境界。

艺术创作首先要以生活为源泉，但不是照生活的原样而一层不变地搬上我们的创作中，也不是片面的去强调艺术，从而使我们的作品脱离了生活；而是要以生活为依据并加以提炼，是高于生活的一种艺术创造。这也就体现出了艺术创作的源泉是来源于我们的现实生活。对于一个艺术家来说，如果社会生活否定于艺术创作之外就没有自己的生活基地，就会像脱离大地母亲的大力士安泰，毫无能力也不会产生好的艺术作品来，只有生活才是创造的源泉，艺术创作的生命是真实的反映生活。

二、艺术创作中的灵感——对生活的积累

（一）灵感的来源

艺术中的灵感，是千百年以来被某些人神秘崇拜或淡然歪曲，漠视的一种现象，但归根结底，它不过是人体内的一种特殊现象在高级神经中枢的体现，简言之，可以是灵敏的感觉现象。但是根据当代科学家的智力研究：天才应该是百分之五十的灵感家百分之五十的努力，努力占一半，灵感占一半。而灵感来源于多方面的生活实践，是对生活中的点滴的积累而形成的，也是一瞬间产生的智慧火花。

那么所谓的灵感，是创作性劳动中经常出现的精神意识现象，美学观点认为：灵感是紧张的创作探索和不倦劳动的结果。因此灵感的出现既不是神灵的恩赐，也不是天才，而是来源于社会生活的积累。

（二）艺术创作的基础、前提——对生活的积累

艺术创作是一个复杂的过程，通常分为生活积累、创作构成、艺术表达三个阶段，而生活积累是艺术创作的基础和前提。只有当艺术家完全发自内心深入生活进行创作时，艺术才能诞生；只有当他自己出于一种深沉的情感时，他才能打动别人。因此我们要多注意生活的点滴，注意我们身边的每一件事物，四年的大学生活可以积累丰富的生活经验，成为我们艺术创作的源泉，成为一个丰富的艺术创作的仓库。因为人类任何创造性经验，都是离不开积累的。

一个真正的艺术家，需要深入生活，积累生活中的点滴。全身心的去感受，体会心灵深处的想法。作为艺术家对同一主题的绘画，画十次和画一百次，只有反复的去练习才能够成功，所以作为艺术作品无论是什么，即使是一个运动的形态，也不能看做是偶然的东西。也是经过长期的积累，偶然得到的。一些有经验有成就的艺术家，大多经历了这样的境界，而且他们的好作品大半是从这里产生出来的。

这些都是艺术家们在创作中，所产生的灵感都是来自于生活材料，深入生活，从生活中体验而得到的结果，是因为生活中强烈反应而爆发出来的思想情感上的火花。

三、艺术家的生活

艺术作为一种上层建筑，是对社会存在，社会生活的一种反映，它是具有上层建筑的一种属性特征，同时艺术又是上层建筑中一种特殊的形态意识，它和人之间的关系是通过审美来表现的。

那么能够拨动艺术家心灵之弦的东西是什么呢？是生活，没有生活艺术家的灵感创作源泉就会枯竭，艺术家就会失去了创作的原动力。但是生活不是艺术，生活要经过艺术家的精心观察、体验、提炼、锻造、升华成艺术家的情感，变成艺术家的直觉感应的物象表现，它才能成为艺术作品。

每个人生活的经历不同，对于生活的感悟也会不同，由此才会有千差万别的艺术作品的产生。为此很多艺术家在创作之前要去体验生活，亲身体验之后才能更深刻的理解，努力地发掘自己喜欢的东西，成为艺术创作中非常重要的一个部分。

第2篇：对于艺术创作的理解范文

【关键词】高校；素描教学；人文精神

一、高校素描教学中人文精神教育的教学现状

艺术创作的最初目的就是满足人们精神层面的语言，它和文字作品一样，可以给予人们精神层面的提高，还可以在一定程度上净化人们的心灵，好的素描作品应该通过细致入微的高超技巧传达给观赏者一种文化内涵，表现出当代人文精神的一种具体特征。但是由于目前我国的教育体制问题，绝大多数素描教学老师都过于注重对素描技巧的教学，从而忽略了对学生精神层面的教学，致使许多作品只是技巧堆叠出的工艺品，而非真正意义上的艺术品。艺术院校的素描教材普遍缺少人文精神方面的教育内容，相对缺乏关于素描历史人物的人文精神分析方面的知识，使得学生在进行素描训练时，只注重人物表面的现象。人文精神教育的缺乏使得学生过于关注空间构设、轮廓修饰以及写实能力的训练，忽略了人文精神对于作品整体表现张力的提升作用，这在极大程度上遏制了学生艺术创作的质量提升。学生缺乏对于作品整体文化内涵的思考，过于注重写实，导致艺术成品多了工业制造的感觉，少了艺术创作的精神内涵。其次由于绝大多数教师对于素描成品的评价流于形式，多从技巧方面进行打分评估，致使具有人文精神内涵的作品缺少发展根基，无法在真正意义上得到重视和发展。素描是绝大多数艺术创作的基础，学生应该通过对笔触、整体画面布局以及光影运用的思考去设计作品的文化内涵，提高作品中表现人文精神的能力，创作出真正的艺术品，而非工艺品。

第3篇：对于艺术创作的理解范文

1（略）。

2首饰设计专业MFA培养要求

在西方国家，专业学位教育是高等教育里一个非常重要的组成部分。它的职业指向非常明确，就是针对职业要求培养职业领域需要的应用型人才。因此与学术型研究生的培养不同，研究生阶段的学位课程的学习以及学位论文的写作可以提高人才的艺术理论修养，对艺术创作有着很好的指导作用，但他不能代表培养的全部环节，甚至不是主要环节。如何进行人才培养的目标定位，在此基础上针对性地加强相应的专业技能实践训练是首饰设计MFA的人才培养要求。首饰艺术不同于其它纯艺术，它是一门应用性非常强的学科，它强调的是艺术与技术的结合，它的创作不是停留在纸面上的，而是要完成最终的物化过程。在创作物化的过程中，各种工艺手段和技术是实现创作的重要支撑。首饰艺术还承担着服务大众，满足大众不断增长的精神和心理上的消费需求，因此首饰艺术又具有较强的商业性。故围绕首饰艺术创作的艺术性、技术性和商业性，培养学生相应的艺术修养和创作表现能力是培养的最终目的。

3首饰设计专业MFA实践培养模式

3.1加强各种工艺技能的实践

首饰艺术不是单纯的纸面艺术，需要通过工艺技术来实现，这是首饰创作物化的基本要求。因此尽可能多地掌握首饰工艺技法并且提高技法使用的熟练程度，才能保证首饰艺术创作能最终完美实现。因此在MFA实践环节中，要强调工艺技能的训练。要注意突出两个方面：一方面是技能学习的广度，另一方面是技能训练的深度。广度是提升首饰艺术创作的表现空间，深度是提高首饰艺术创作的细微表现力。在广度方面，要求掌握首饰或者是与首饰相关的其他艺术领域的工艺技法，如金属中的金属起版工艺、錾花工艺、花丝工艺、木纹金属工艺、木头中的漆器工艺、纺织中的刺绣工艺，陶器中的陶瓷工艺、玻璃中的琉璃工艺等等，甚至是其他工业领域的彩色钛合金技术、彩色电镀技术、金属染色技术等，同时作为研究生水平的MFA，应该还要关注先进的计算机技术在首饰行业的应用，因此对计算机首饰设计和计算机首饰快速成型的各种技术也应该了解和掌握。这些工艺技法和技术的教学除了正常的课堂学习以外，也可以以大师讲座和培训的方式让学生直接接触该领域的最高水平，开阔学生的眼界。深度训练则是侧重于体现学生自我的学习态度。该训练是在老师的明确要求下去实施，对训练结果也就是作品的考核是非常重要的，同时深度训练也是广度学习基础上的进一步要求。实现工艺技法实践的广度和深度，是MFA实践人才培养的基本要求。

3.2加强实践基地的建设

教育部在已明确要求：加强研究生培养基地建设，强化创新意识、创新精神和创新能力的培养；努力使我国研究生培养质量和研究生教育的整体水平接近或达到发达国家水平。对于MFA实践型人才的培养，实习基地的建设更为重要。走出学校和课堂，在行业学习和实践中实现创新人才培养的开放性、研究性、创新性和前沿性。围绕首饰创作的艺术性、技能性和商业性的不同要求，基地的建设也应该有不同的类型和层次。比如云南大理鹤庆新华村有着悠久的民族手工艺加工历史，众多的银器工坊，还有著名的国家工艺大师。在这样的地区建立首饰实践和创作基地，不仅可以通过对民族文化、民族工艺的采风和思考提高学生对艺术思想以及艺术表现的理解，基地这些优越的资源条件，也有助于提高学生的工艺技能，将实践与创作融为一体。而在珠宝首饰行业内建立实践基地则是培养学生理解首饰商业创作的要求，将艺术与商业完美结合的必需的桥梁。进入各种实习基地进行实践是首饰设计MFA的学生必须经历的一个培养环节。

3.3实行进阶式实践能力培养

由于首饰设计MFA研究生的生源不同，专业基础不同，所确定的研究方向不同，对其实践能力的培养应该确定符合其自身条件和研究方向的实践程序。目前首饰设计专业MFA研究生主要有三种类型：第一种是经过本专业的四年专业学习并且有一定的实践经验（如辅助导师做过项目，或在行业内从事过首饰设计工作），需要在更高层面上提高首饰创作水平，提升创作规划能力；第二种是经过本专业的四年专业学习，直接免试推荐或通过全国研究生考试正式录取的研究生，他们具备比较好的专业基础和专业技能，但不足之处在于：实践能力以及研究能力缺乏，需要进行宏观思维和创新研究能力的培养；第三种是跨专业进入的研究生，由于缺乏首饰设计的专业基础，对首饰设计的技法，尤其是商业首饰设计的要求不很了解，对首饰工艺和首饰市场的了解更是空白。针对三种不同类型的研究生，需要不同类型的产学研基地为他们的成长提供实践和进一步研究深化的机会。基础薄弱的学生需要首先加强各种工艺技能的教学和训练，在进入研究型的实践基地；基础较好的学生可以直接进入实习基地进行实践和创作的融合通过进阶式的实践能力培养，最终应使每一位首饰设计MFA的学生都具备较强的首饰创新实践创作能力，实现MFA人才培养的目的。

3.4加强与国际合作和交流

首饰设计MFA的培养应该立足于国际化。艺术是无国界的，但艺术表达的文化和思想却是各族人民传统文化遗产的表现和传承，在国际合作和交流的过程中，一方面可以了解国际首饰艺术创作的现状和趋势，学习国际先进的艺术创作理念和技法，另一方面可以将自己的创作意图以更加国际化的手法进行表达，在交流中弘扬中国文化，让中国首饰艺术在世界艺术领域占有一席之地。国际交流可以通过要求学生参加国际首饰设计大赛，积极参加各种国际首饰展览，与国外高校的同专业学生沟通、交流，共同完成一项课题等等方式来进行。与国际合作和交流也会更加开阔学生的视野，促进艺术创作能力和水平的提高。

3.5重视首饰创作展示

首饰创作展示也是首饰设计MFA人才培养应该注重的一个环节。展示本身也是一个艺术创作过程，首饰展示可以看作是首饰艺术创作过程的延伸。如何在展示中进一步烘托和表达首饰艺术创作的主题情感诉说，传达首饰材质之美，都是值得思考和感悟的。因此在整个MFA的实践培养过程中，应规定学生完成明确次数的创作作品展示，并对学生作品展示的过程和效果进行评估，给予一定的实践学分。

第4篇：对于艺术创作的理解范文

我们经常说一个人非常有个性,那么这个人便会引起大家的关注,中国画也是如此,纵观中国画史,大凡有成就的画家,均是自成一格,独领。这就要求我们在中国画创作的时候也应该让自己作品有它自己的个性——即我们今天所谈的主体精神。

中国画的创作源于生活,中国画家历来坚持“师法造化”,所谓造化就是自然。石涛的“搜尽奇峰打草稿”把中国画创作最基础的阶段概括的淋漓尽致。“搜尽奇峰”那仅是艺术创作的基础,是画家强调要师法造化的阶段,但是好的作品应该是源于自然,高于自然的。画家对所要表现的对象进行取舍和夸张,加入自己的认知和感彩,通过一定的技法来把画家的内心情感表现在纸上,由此他提出了创作过程的“打草稿”——艺术构思阶段。此阶段是艺术创作的关键,将同一自然物,孕育出审美理想、审美情感、审美价值完全不同的千姿百态的艺术形象,孕育出自己独特的,也即“有我”的艺术形象,体现出艺术创作的主体独创性。

唐代张璪的“外师造化,中得心源”成为千古画家的座右铭。“师造化”为创作的基础阶段,那么“得心源”则是创作的精华阶段。”北宋的范宽语:“前人之法未尝不近取诸物,吾与其师于人者,未若师诸物也。吾与其师于物者,未若师诸心。”[1]这就要求我们在创作的过程中要有自己的想法和情感,有自己的独到的见解,要形成自己独特的艺术风格,而艺术风格与创作个性是密切相关的,是创作个性的自然流露。在一个艺术家的一生中,他的艺术风格往往是有所变化的,这也是随着作者阅历、学识、修养、感情的变化而变化的。

一幅优秀的成熟的作品,必然是在前人的基础上有所创新的。齐白石老先生曾经说过:“学我者生,似我者死,”“凡阅诸画,先看风、势、气、韵,次究格法高低,未前贤家法、规矩用度也。”[2]我们品味作品的时候,应该先看气质,再谈技法,气质不存在,技法也就不再具备意义。

二、关于创作的主体精神

创作的主体精神就是指创作者在艺术创作中所体现出来的艺术特色和鲜明的创作个性,是创作者情感的积累和体现,是创作者在实践中逐渐形成的相对稳定的艺术风貌。这种艺术风貌是由创作者的文化修养、性格、家庭背景、及其周围环境等诸多因素的决定的。

作为一个画家来说,画家的每一幅作品都能体现和表现出创作者的技法和作品的格调。而一幅好的作品最重要的不是传统的几种表现形式与技巧,而是艺术家创作的主体精神,这种主体精神主要体现在作品格调上。

三、用画说话,体现独立品格、彰显个性

在中国画的创作过程中,作者首先应该是经过严肃的思考的。一幅好的作品用来体现作者的情感和思想。

最近很流行的一句易中天教授的“三要,三不要。”“说真话不说假话,说实话不玩虚套,说人话不打官腔。”同样的道理可以用到中国画的创作中来。我们来做一个类比,“人话”就是发自肺腑的话,体现表达者真实性情的话,说真话,不来虚的。就像艺术家独立的创作思维和审美情感;“官腔”则是约定俗成的比较周全圆滑的表述方式,就像艺术创作中现成的普遍认为比较好的风格技巧。作为人而言,男女老少,各自有各自的性格习惯,各自有各自的表达方式,而艺术品其实就是艺术家说的话,如果所有的人一个腔调,艺术品就失去了它应有的价值——独立品格。

目前很多从事画画的人一味的追求技法,或者一味的模仿古人或某大师的风格,而忽略了前人创作的主体精神。艺术家应该是作为一个独立的个体而存在的,越是强调这种师承关系,就越掩盖了主体精神的可贵而如果想完成一幅有自己主体精神的作品,就要敢于尝试加入自己的东西,要领会到古人的经验如何拿来我用,如何借古以开今。要看你创作的一幅作品是不是诉说了你的情感,你的思想,说出了你想要说的话?“临摹用工,是学书大要,然必先求古人意指,次究用笔,后像行体。”[3]这些道理古人早就已经告诉我们了。拿朱耷的作品来说,之所以旷绝千古,靠的还不是他笔下的那些特立独行的形象所散发出的荒寒孤高的气质?

我们应该要让自己头脑保持对艺术的敏感和激情。在创作一幅作品前,是要通过作品传达自己的一种审美理想,一种精神世界,把某种气质、某种情绪表达到极致。体现独立品格,突出个性,当然,对于个性而然,不能简单的理解为不同于别人,不是搜奇抉怪。我们对中国画创作主体精神的认识不能停留在底层面上,停留在一个低层面上,因为艺术品除了新鲜,更需要深度。

参考文献:

[1]岳仁.宣和画谱[M].湖南美术出版社.2004,4.

[2]韩拙.山水纯全集[M].中华书局.1985,1.

[3]梁谳.学书论[N]

第5篇：对于艺术创作的理解范文

关键词：艺术;创作;独创性;研究

近年来，人们对艺术品的喜爱程度在逐年攀升，所以如何更好地进行艺术创作是当今艺术创作者应该认真思考的问题。在历史的发展长河之中，全世界涌现出了大量的优秀艺术家，他们创作出了很多举世闻名的艺术品，给人们的生活带来了很大的影响，对人们艺术品鉴能力的提升也起到了有效的帮助作用。当然每一件艺术品都不是一朝一夕创作完成的，它们都耗费了艺术家们大量的精力和时间，而且每一件艺术品都是不同的，都有自身独有的价值和意义，所以艺术品的独创性是成就不朽之作的先决条件。当代艺术创作者在学习和创作过程中，要不断加强独创意识的培养，努力创新创作理念，只有这样才能创作出优秀的作品，才能更好地传承先辈们为我们留下的文明财富。

一、艺术创作中独创性的重要意义

齐白石曾经说：“学我者生，似我者死”。他的意思是说，他的创作技法是可以学习的，但他的情感和思想是艺术创作者学不到的，得自己去体验、思考和培养。艺术创作必须有自己的独创性，其艺术作品才能有生命力。这告诫了后来的艺术创作者，独创性才是艺术创作真正的重点。在创作学习中要加强自身独创性研究，并在作品创作之中积极表现出来，这是完美地完成艺术创作的先决条件。梵高学画的一段经历也许对我们有所启迪。梵高开始学画时，刻意模仿别人的风格，他的画看上去就像修拉图卢兹—洛特雷克和高更作品的蹩脚翻版，梵高还自鸣得意，以为取得了很大的进步。他的弟弟、很有眼光的画店商人泰奥对他说：“你真的以为能变成乔治修拉吗？你没有认识到有史以来只有一个洛特雷克吗？只有一个高更……谢天谢地！你想模仿他们，那太愚蠢了。”后来，梵高采取将各家之长融合到一张画中的方法，他的弟弟仍然不喜欢，说：“我们可以给这幅画起个名字，叫《摘要》。我们可以给这幅画贴上所有的标签。那棵树是货真价实的高更，角落里的姑娘毫无疑问是图卢兹—洛特雷克，小溪上的日光是西斯莱，色彩是莫奈，树叶是毕沙罗，空气，修拉，还有当中的人物，马奈。”这种摘要式的绘画唯独没有梵高自己，这当然是失败的。梵高认识到了自己的问题，决心离开巴黎，到非洲去，去寻找自己的色彩，自己的风格，自己的情感，最后终于成为有独创性的大画家。从梵高的这一段创作经历，我们可以看出：对于一位已经有了一定功底的艺术家，至关重要的是在生活中修炼自己独特的情感，力求对生活、对自然有自己独特的发现、独特的感受，才能创作出独特的风格。只有拥有自己独特的创作风格才能体现出自身作品的艺术价值，而单纯的模仿只会使自己的艺术创作在形式上有一定的价值，在内涵上并没有过多的体现，这样的创作永远达不到艺术应有的高度。而艺术创作者只会成为一名失败者，永远无法赶超先辈，那么我们的艺术品德将逐渐下滑，无法完成有效创新，这对我们的艺术发展有着不利的影响。

二、如何加强艺术创作的独创性

（一）以艺术构思为出发点，加强艺术创作的独创性表现

艺术最强调独创性，这种独创性主要体现在艺术构思之中。艺术构思的独创性表现在不重复，既不与别人重复，也不与自己重复。艺术创作的艰难在这里，而艺术家的伟大也主要表现在这里。罗丹曾经说过：“所谓大师，就是这样的人：他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来”。歌德也曾经说：“独创性的一个最好标志就在于选择题材之后，能把它加以充分的发挥，从而使得大家压根儿想不到会在这个题材里发现那么多的东西。”艺术的独创性取决于创作者的修养、认识能力与思维方式。创作者应该注重培养求异思维。如果只是求同，与生活的实际存在一个样，与他人认识和表现方式一个样，与自己过去的经验模式一个样———他就永远无法创新。求异自然难免有片面之处，但绝不能因噎废食。须知，对于艺术家来说，偏激和片面既是他的缺点，也是他的优点。那种能深刻地认识事物某一方面本质的片面，比那种不痛不痒地停留于表层把握事物的貌似全面要好得多，比不分轻重主次的平稳折中也要好得多。片面，如若深刻，能给人以震动，以启迪，倒可以将其片面性扬弃。而肤浅平庸的折中只会造成思想懒汉，它不可能给人们的精神增加任何财富。当然，我们绝不是提倡片面，鼓励追求片面，而是说，不要因为怕陷入片面不敢去思索他人没有思索过的问题，提出人家没有提出过的见解。在深入探索的过程中，我们应该力戒片面，力求全面。

（二）艺术创作不应该为追求新颖而忽视其内在价值

艺术构思既要考虑独创性的原则，还要考虑可接受性的原则。独创不能简单地理解成求“新”。“新”的固然很多是真的、好的、美的，因而称得上我们所要求的独创性，但“新”的也有一些并非是真的、好的、美的，因而就不能与独创性等同起来。如果“新”就等于独创，那独创太容易了。任何一个胡思乱想，都可以说是新的，但那是独创性吗？列宁说：“为什么只因为那是新的，就要把新的东西当作供人信奉的神一样来崇拜呢？那是荒谬的，绝对是荒谬的。”在进行艺术创作时，我们要充分考虑到欣赏者的接受能力，不能以追求“新”而忽视了作品所要表达的思想，艺术创作是为人欣赏而创作的，其创作目的也是为了提升人们的欣赏能力和思考能力，所以艺术创作不能违背欣赏者的思想、主观判断，违背人们的价值观，而去追求独创性，一切作品的创作都应该遵循为人们服务的基础思想。

三、优秀的艺术作品要以欣赏者的角度进行创作

（一）以欣赏者的接受能力为出发点进行艺术创作

艺术作品创作出来是要给人欣赏的。艺术的价值只有在它为欣赏者所接受、所理解的时候才能说得到了实现。须知，欣赏者同样是有血有肉有灵魂有创造能力的主体，他不是消极地被动地接受作品所传达的信息，而且还会调动自己的精神贮存，发挥自身的各种功能，积极地参与作品价值的再创造。因此，艺术家在进行艺术构思的时候应该考虑到欣赏者可创造的可能性，然后以独创性为原则进行创作，只有这样才能使作品发挥出应有的价值，才能让作品被人们接受，并发挥出应有的价值。

（二）需求“新”与“旧”的结合点进行艺术创作

艺术构思的独创性与可接受性是成反比的。道理很简单：最能为大家所接受的事物，是大家最熟悉的事物，最少创造性的事物；反过来，最富有创造性的事物，自然是大家生疏的事物，理解程度最差的事物。从心理学角度来看，人们对外界的刺激有“趋新”“好奇”的特点，但过于新异，过于复杂，超出了人们的接受能力，又不免失去了兴趣。克雷奇等编著的《心理学纲要》认为：“完全确定的情境（无新奇、无惊奇、无挑战）是极少引起兴趣或维持兴趣的。但是另一方面，当情境过度复杂、新异、不定时，人也可能想逃避到较少使人糊涂，甚至更少挑战性的情境中去。”一个太熟、太旧，一个太生、太新，皆不符合艺术创作的原则。艺术创作应该在新与生、旧与新这对立的两极发展中求得统一。所谓“两极发展”，即一方面要充分利用、挖掘、扩大欣赏者对作品的接受能力，尽可能使作品与欣赏者已有的知识、修养挂上钩，给欣赏者的审美再创造提供一个较好的基础，另一方面又要尽可能地避熟、避俗，力求创新。关键是要找到一个结合点，一个最优的处理方案，这样才能使艺术创作达到一个全新的高度，才能为欣赏者带来最大的价值，才能凸显出作品的价值。最后，我们在艺术创作时，在进行艺术构思中要力图采取各种手段，将欣赏者的情感调动起来，并力求使其升华，以充分展现艺术作品的独创性，实现艺术作品最大的审美效果。

第6篇：对于艺术创作的理解范文

[关键词] 玻璃艺术；观看；审美；民族性

[Abstract] The writer，as an educator and artist of glass art， summed up the experience of creation of glass art and education and discussed the problem of glass art at the present stage. As a contemporary Chinese glass artist， the writer explored the creation of glass art in three aspects： dismensions of watching， aesthetic environment and art practice and attemptted to edify the artist in creation of glass art.

[Key words] Glass art；Watching；Aest hetics；Nationality

以高等院校学术力量为轴心推动的“工作室玻璃运动”在国内已经跨越了十余春秋，作为中国现代玻璃艺术开拓者的一员，在这十几年的时光里，针对学科规划、创作思路、美学体系的探索，其中的酸甜苦辣荡然在心。 2015年，中国美术学院吹制工作室正式建成，并以国际课程的教学模式开始运营，标志着国美“平面玻璃”“铸造玻璃”“吹制玻璃”三大课程模块的格局框架基本成型，未来中国与国际玻璃艺术界的交流将更加的紧密（图1）。回望国内玻璃艺术的发展历程，再分类比较每一阶段的成果，进步与不足也清晰明辨。在此，基于我本人的教学与创作实践，提出一些关于玻璃艺术创作的思路及思考。

一、玻璃创作内涵

首先，我想分享给大家的是关于如何理解玻璃，如何了解自己，思考玻璃材料与自身创作的相互关系的经验。培养艺术创作的创新思维以及确立逻辑的观看方式与科学的观看方法，在玻璃艺术创作领域尤为重要，这将奠定起现代玻璃学科发展的文化品质与学术内涵，也决定艺术家自身的艺术道路能走多久、走多远。

强调观看方式的实质，是深入拓展艺术创作思考的维度，提升学科发展的文化品质与学术内涵。以玻璃艺术家个体创作而言，想表达什么？为什么要用玻璃做？怎样去实现？上述创作思考构成一个逻辑性的思想框架：创作者自我情感本体――玻璃材料与玻璃艺术语言――创作实现的技巧与方式。艺术家需要围绕创作思想的框架进行研究与论证，从而确立独特的观看方式，形成特色的艺术语言。

反应思想的本源，表述情感的特征。艺术家是敏感的，天生的敏感性能让艺术家捕捉常人看不到的东西，并以艺术的形式表现出来。情感表达是艺术家创作之根本，这些情感包含了当下生活的认知内容，具备鲜明的时代特征。了解自我是艺术家进行创作的开始，艺术家能实现独立的创作风格、建立新颖的语言形式，渊源于艺术家对自我情感和个性特征的挖掘。作为年轻的学子以及青年艺术家，很容易受到某个（类）大师的影响，作品不由自主的出现模仿的痕迹，这个过程是完全可以理解、甚至可以说是不可避免的。任何艺术家都有学习前辈的过程，都会在前辈大家中吸收养分，只有站在巨人的肩膀上，才能更好地创造自我。然而，在借鉴基础上的创造则是艺术家确立自我风格、成就艺术之梦的根本，艺术家了解自我是需要时间的，为什么感动？喜欢什么样的风格？感动的变化和喜好的程度直接说明了艺术家个体本身的审美情结，善于发掘自我内心才能成就最为独特的表现语言，做自己想做的东西，表述自己的观念情感。模仿永远不可能成就艺术家最终的事业，创造意识的形成实际就是不断了解与剖析自我的惯性结果。只有明晰自我，才知道自己要表达什么，甚至可以说，艺术家一辈子都在了解自我的过程中，艺术创作作品犹如自身的成长之体验，标识出自我的特征与才华。

为什么选择用玻璃来实现你的创意？这是每个玻璃艺术家都要面对的最基本的问题。也许，作为艺术创作本身，任何材料都是可以选择来进行艺术表达的，玻璃仅仅是万千艺术创作媒介之一。而当你以玻璃艺术家的视角，选择玻璃来创作作品的时候，就需要蕴含专业的精神，并充分表达对玻璃的尊重。利用玻璃材质你要干什么？是不是仅仅适合运用玻璃？是不是用玻璃表现最为恰当？是不是其它材质无法代替？这些疑问必须在自己的思考中得到全面的解答，它会让你不断反思并得到确切且本质的回答。在构思创意的过程中，通过疑问、反问、争论之后整理出来的你的作品概念，是经得起推敲与检验的。尝试去触摸玻璃本体的灵魂，与玻璃直接对话与交流。

怎样实现作品？需要艺术家探索技术去实现创意。这涉及到操作能力以及技术层面的诸多问题，我把这个思考点放在了玻璃艺术创作过程的最后。有的艺术家总把自己创作成果的不足归结于工作室设备、玻璃材料等客观问题。需要说明的是，尽管我们现有设备并不是十分完善，玻璃材料的品种与质量或许达不到高品质水晶的要求，但是绝不能把自身玻璃创作的不成功归结到设备和材料上来。实际上，只要对材料、工具把握和应用得当，摸清玻璃的“脾性”，玻璃艺术创作自然得心应手。纵观国际玻璃艺术大师的工作室，部分设备看起来还没国内先进，甚至有些可以用简陋来形容，在材料的选择上也很是平凡朴实，但他们同样创造出经典的玻璃艺术作品。我们现在最关键的是需要学习如何“科学地使用”现有的材料与工具，发挥它们最大的功能。归根结底，作品创作的好与坏，最终还是看艺术家自身的艺术修养以及对美的敏感程度，有一颗极富创造力的心，所有的材料与技法仅仅是你实现你个性思维的手段。艺术家进行创造活动，自然是思想在先，技法在后，艺术家是理念的革新者，他们思维的第一步永远不是在思考技法，而是在表达思想，有了思想的准确定位，艺术家往往能通过具体的实践克服技法的束缚，最终实现自我的创意。对于艺术创造本身而言，技术是为艺术服务的。

二、玻璃之审美

其次，我们再来探讨一下新时代“新玻璃”的审美问题。中国的现代玻璃艺术是全新的学科领域，对玻璃而言，在其材料本身以及技术加工手段方面或许还能找到与过去的某种联系性，但从现代玻璃创作的本质来讲，其审美同古玻璃研究已经分裂为两种不同的观看的范畴，在时间维度上也有着鲜明的界限。需要梳理的是，现代玻璃艺术到底是研究什么？中国玻璃艺术的未来可能朝向哪些方向发展？

玻璃艺术有它的本体表现语言及独立的审美态度，了解玻璃多少，作品就会给观众对应的情感体验，因此，独特的表现语言与专业的审美态度构成了玻璃与人的真实互动，玻璃作为一种媒介表达人的观念的“倾诉”正是体现了材料的语言及学科之魅力所在。几千年来，人类对玻璃艺术的理解仍局限于有限的技法探索，然而，在最近短短的五十多年中，现代玻璃美学正在以一种前所未有的速度被不断地修订与颠覆，部分前人没有探寻到的方向以及玻璃新的表现方式也被不断地发现，在当代艺术界，玻璃变得如此的生机勃勃，它似乎每天都在被改变。

玻璃艺术在国内仍处于成长时期，学术团体的研究水平有限，学术体系尚不成熟，专业审美缺乏广泛的认知基础，导致人们对“玻璃艺术”定义的过于纷杂。即使是在艺术圈内部，不同领域的艺术家也都对玻璃存在不同程度的“偏见”――对玻璃艺术的理解往往会基于自身行业观点。然而，这并未揭晓玻璃艺术的内涵。事实上，玻璃学科的建设的确需要从多维的角度进行客观批判，学科之间的交叉融合对玻璃的创新有重要的价值。但是，前提是，学术的建议与观点需要有稳固的文化支撑或建构在理性的思考之上。国内现代玻璃就社会的认知程度上看，属于新生品与舶来物，因此，如果轻易对玻璃艺术进行定位与判断自然会充满误读或偏见，其结论多是基于个体印象或来自感性思维，部分混杂的信息相反更加模糊了现代玻璃艺术的概念，这种现象在一定程度上阻碍了玻璃学科的发展。玻璃艺术学科基础仍处于一个不稳定状态，专业研究受不同行业观看视角的影响较大，现代玻璃美学评论体系尚未形成，学科建设仍在摸索中艰难前进。

就艺术家个体创作而言，坚持并保留个人个性化的创作观点无可厚非，但是，当艺术家同时以教育工作者身份出现的时候，则有义务在客观性上引导与提升整体的玻璃艺术学术审美，玻璃艺术的美学评判应该是建立在一个科学的、专业的美学平台之上，这个平台汇聚了最为优秀的评论家与艺术家，以全面的、包容的、公正的立场促进玻璃艺术创作水准的提升，能为玻璃的发展提供有价值的、新的思路。倘若对玻璃艺术基本的审美判断出现问题，便很难在该领域继续前行。新兴专业学术体系的建设问题是一个系统性的工作，不仅仅只是存在于高等教育与艺术创作，比如批评家团队、专业展览策划等，都需要逐步的跟进。由于玻璃理论研究的匮乏，短期内难以形成科学的专业审美评判，一些大型的展览在维护玻璃学术权威上也显得力不从心，那么评审的结果显然有失“科学”与“公正”。玻璃艺术家自身实力的夯实与团队凝聚力的形成是改变上述现象的根本要诀，现实来看，这仍需要一定时间的积累。

艺术创作在不断体现一个永恒的真理：民族的即是世界的，因此，民族性的体现一直是部分艺术家进行艺术创造的追求方向。一些艺术家喜欢用某些标识性的中国传统符号来体现民族性，并信奉自己的创作“独一无二”，形式上看，应用传统符号表现的玻璃作品，似乎在视觉表达上已经同国际玻璃风格上拉开了差距，然而从创作的方法论上看，并不能说明其玻璃创作方式与观点的创新性。传统符号用的不好，总会给人以牵强附会的感觉。那些“艺术创作”中对传统造型的盲目修改与删减，不仅体现不了传统的继承关系，甚至往往会遗失传统人文的经典内涵，给读者传递出“变异”的民族文化信息。与此同时，它过分的复古而往往脱离“新时代”的创作背景，这更像是在制作一些伪劣的古董，其影响是令人焦虑的。简单的形式主义的东西不是一个深入民族文化内涵研究的创造者所应该呈现的。也许，冷静一下，我们会回到对艺术创作本真的认知：了解自我，真实地表达出“我”作为一个“中国人”观看世界的观点，深入地挖掘自身独特的情感，“民族性”将潜移默化地蕴含在作品其中。

玻璃艺术作为从西方引进的新型艺术学科，在国内发展的初期必然受到西方文化的影响，因此，我们更要坚定民族文化艺术创作方向，深化民族性的研究，充分发挥民族文化的优势，这样才能形成自身艺术形态的长久生命力。无论是针对国内玻璃艺术行业崇洋的心理现实问题，或者认为只有中国文化是世界最好的文化而排除世界文明的多元性，这些片面的观点都应该予以及时调整与矫正。只有当我们具备专业的辨别能力以及开阔的艺术视野，清晰的审美思辩和高格的艺术情操，才会让自己始终沿着着正确的道路前进。

三、“创造”经验谈

最后，我想分享我去年完成国家艺术基金创作的部分感受。2014年，我获得了中国首届国家艺术基金关于个人创作项目的立项资助，经过1年多的艰辛奋战，完成了3件大型的玻璃作品。由于玻璃艺术创作的特殊性（任何的意外将导致作品的失败，玻璃破损或污染都将无法再次修复），长时间面对玻璃使我养成了严谨的个人性格与规范的职业素养，我始终严格按照构思计划实践我的作品过程，深入思考创作中的每一个关键环节。玻璃是通透的材质，除去概念的构思以外，烧制的技法与打磨的工艺都将直接影响到作品最终的完整性。我在不断的失败中总结经验，取得了一定的研究成果，总结了一些创作的心得。

我一直致力于探索玻璃的“空间性”，这种空间性的形式研究体现在：正负造型、透视关系、厚薄渐变、光影穿插等，注重玻璃艺术学科的本体语言与审美特质，以精密的“结构”经营，拓展玻璃的视觉形态。本次结题的三件作品，都是围绕空间结构进行构思，在有限的玻璃体量中，通过透视变化与结构穿插，展示空间层次的无限感，客观地呈现出个人学术研究的逻辑框架。《可现的视界――域》（图2）是我进入巨型窑铸玻璃创作领域完成的第一件作品，该作品底座为实木，上面两段为玻璃，摞层叠加组合。使用光学玻璃材料铸造（而非高铅玻璃），在色泽的均匀度以及光学性上更符合作品主题的要求，成品高度为190公分，总重量约为270公斤。制作周期约为4个月，在窑炉内的退火周期达70天。作品在形式上追求空间表现，利用光影塑造形体，在建筑结构中汲取灵感，营造场景氛围，强调故事性的表述，探讨关于信仰主题的人的社会属性。

我不断尝试拓展作品的体量并在结构关系研究上深入推进，这批作品无论是高度还是重量已经全面超越了我前期的作品，是目前中国乃至世界最大的铸造玻璃之一。作品体量的成倍增长以及结构关系的错综复杂注定其在创作技法的探索上充满挑战，涉及从制作耐火模具、到窑炉烧制温控、到冷加工打磨方式以及作品组合结构等一系列创作方式的彻底改进，该项目的研究使我获得了大量科学实验的数据并积累了广泛的创作经验。《可现的视界――城》（图3）分四段组合而成（底座为实木烤漆，上面三段为玻璃），整体高度为2米。这件作品来源于古代城门与塔的灵感，作品强调简约造型与概念表述，在形式上作出大量的简化，追求铸造轻量化处理（体积最大化、质量最小化原则），“光影结构“仍是我关注的主要方向，在有限的作品的厚度中，通过透视、压缩、渐变的规律展示最大空间的可能性。这种严谨经营下的逻辑形式的组构实际蕴含形而上的概念，意在突显作品的观念价值。

我想展示o大家的，不是一个静态的物象，而是塑造一个能让人展开联想的“场景”，使作品的内涵观念始终凌驾于艺术创作的技巧之上，基于民族文化的审美特征，以理性主义的方式解构时代语境中人的社会属性与价值存在，呈现历史时空的交叉对接。《可现的视界――冢》（图4、5）为组合结构，材质以玻璃为主体，青铜、实木混搭，其创作灵感来源于剑与剑鞘。在这件作品中，我想强化的是民族性的表达方式，从玻璃艺术的本体审美出发，围绕作品内部空间结构进行有序规划，尝试展示一种稳固形式下的厚重的历史语境。借鉴捷克玻璃的观看方式，在民族语境下进行深刻的演绎与创造，我相信我的这件作品成就了一个很好的实践范例。在我看来，玻璃的表现应具备鲜明的民族特征，这即是玻璃艺术在中国文化土壤中孕育成长的意义所在。创作形式的探讨不应流于表象，而该深入材料本身，融合民族、时代的内涵做出包容性的比较与个性化的拓展。

第7篇：对于艺术创作的理解范文

【关键词】创作；构思；直觉

1综述

摄影最初是作为一门科学技术诞生，比绘画更快更真实的记录着每一件事，随着科学技术的进步摄影不论是设备器材上的突飞猛进摄影技术也是日益精进。逐渐的被许多艺术家用于表达艺术作品，艺术创作过程的特殊表达手段，透过摄影可以看到很多艺术创作都是那一瞬间产生的，对美的理解都是独一无二的但绝大多数都能产生社会共鸣。但摄影的两个品性—作为证据和作为艺术—分别为达盖尔和塔尔博特实践着，艺术与科学的区别也是达盖尔银版摄影法与塔尔博特碘化银纸摄影法之间的差异;前者直接呈现正像，且效果清晰、精确、明亮，所以具有科学品质；后者是负像，需要转换成正像，因此会减少一些细节，或变得模糊，可这种品质正式魅力之所在，对艺术家来说妙不可言，美不胜收。正如达盖尔和塔尔博特的不同遭遇（达盖尔是他那个时代的宠儿，而作为真正现代摄影法奠基人的塔尔博特却没有得到应有的重视），这两种不同的摄影术似乎也暗示出摄影前后截然相反的命运[1]。

2艺术直觉与艺术构思对摄影创作的影响

2．1艺术是摄影创作过程中的特殊体现艺术作品作为一种精神产品，摄影是通过艺术表达的其中一种方式反映出更多人接受的主观意识，把生活中的点滴精华用艺术的作品呈现出来。2.1.1摄影家的艺术直觉与构思是偶然性和必然性的辩证统一在摄影艺术创作过程中，偶然性与必然性是统一的，在审美的意识形态中两者相互存在。我就是因为看了电影《猫女》后，结合自己所看过的一些书籍，网络上的一些图片，再加上一些生活上的创作灵感想出这次的毕业创作，但是在拍摄过程中增加了个人的思想，并且每次拍摄都有不同的感受，不断的改变光的效果，构图上的多元化，以此来达到自己所想要的美感，更突出自己的创作目的。2.1.2摄影家的艺术直觉与构思是感性认识和理性认识的统一在摄影创作活动过程中,作者通过体会美，创造美用摄影的方式去展现艺术这一过程是没有经过反复推敲、深思熟虑后做出的，而是那一瞬间对美的理解。我在看《猫女》这部电影的时候最开始是被他的故事情节所吸引，一个充满传奇的故事。看完电影后，我在网上收集了很多与电影有关的资料及图片，了解了很多拍摄现场的准备工作，看到了更多的花絮照片。从拍摄方面看，无论是电影的构图还是色调，都深深的吸引了我，启发了我这次毕业创作的整体构思。在创作过程中只能懵懂的感受到美，真正研究和总结形式美的还是在后期，需要经过反复的去琢磨、推敲才能发现不一样的美。我在初步拍摄完毕后，对画面还存在很多的不满，所有的意识形态并没有完全诠释出我所想表达的。感受和理解两者相互融合最终达到统一。2．2在摄影创作中艺术直觉与艺术构思起着关键作用“美”是有规律可循,摄影家除了要发现美还要创造美，在平常的生活中去发现特殊的美,在这过程中艺术直觉起着关键性的作用。2.2.1摄影艺术对美的发现和理解摄影艺术是对现实生活用审美的方式结合艺术直觉而产生的。摄影艺术是造型艺术的一种。美是意识的内在,美感是意识对于美的感受,而审美的对象一般都是生活中的具体事物。美学是一门艺术学科它仅仅在于研究美的意识机制,而并不在于美究竟是属于哪个区域。由于每个人都会有不同主观意识对美的观察，所以美是因人而异的,对于“美”的理解是不同的。摄影艺术语言作为独立的艺术门类而单独存在的基础,它包括两方面记录性和瞬间性。艺术直觉在发现美的过程中起着关键作用。摄影艺术是造型艺术的其中一种,对美的理解很重要的。2.2.2捕捉瞬间形象的能力，摄影艺术起着主导作用摄影创作过程中，捕捉事物的瞬间能力至关重要。新闻摄影是最能体现这个过程的艺术，它主要凸显的是时效性和真实性[2]。瞬息万变的生活会有万千变化，想要留住其中一些精彩瞬间需要有独特的造型艺术通过摄影的方式记录下来。时效性就是在事情发生的瞬间把他拍摄下来，然后通过媒介把他传输出去；真实性就是所有被记录下来的艺术瞬间都是真是存在的，不是通过后期加工而成的，展现了我们对真理的追求。但是，很多精彩的瞬间，摄影者往往没有精心准备。这时的拍摄活动很少带有比较完整、系统的对艺术的思考，一切都是靠经验以及对美的惯性思维。

3结语

文章以摄影与艺术的关系为主题，包容了对艺术直觉与艺术构思对摄影创作的影响的阐述，并围绕这一点分析了摄影作品中摄影创作的艺术构思，艺术直觉在摄影创作中的表现形式，艺术直觉对摄影创作起着决定性作用这三方面。最后得出结论“摄影创作中的艺术构思贯穿于摄影创作的全过程，同时摄影中还应把握中心环节。在摄影艺术活动创作过程中，内心领悟和艺术感觉的形成，不仅和生活积淀、艺术积淀有密不可分的关系，与技巧积淀也有着紧密的联系。许多美感顿生的直觉，往往是由于受到美的事物以及直接技巧经验引发而产生的”[3]。

【参考文献】

［1］殷宗伟．试论艺术直觉与摄影创作的关系[J].潍坊学院学报,2006.

［2］杨健.新闻摄影的艺术化趋势解读———以近年荷赛获奖作品为考察对象[J].浙江传媒学院学报,2012(04).

第8篇：对于艺术创作的理解范文

关键词：数字媒体；数字技术；艺术本体

0 引言

有人说艺术是反映社会的一面镜子，有什么样的社会，就会继而产生有之密切相关的艺术形式，随着数字科技的发展与电脑的普及，视觉工作者开始改变传统的以纸和笔记录社会变化发展的方式，开始使用电脑与数字科技来描述生活、表达思想、传播信息。一种被称为数字媒体的新艺术形式应运而生并在上世纪末获得了迅猛发展。是一个年轻、多元、高速发展着的新艺术领域，数字媒体艺术不是特指某一种特定的艺术形式，而是基于现代计算机数字平台创造出的多种媒体艺术形式。

1 新时期数字媒体艺术界定

数字媒体艺术是在计算机技术与网络媒体发展的大环境下产生的新艺术形式，信息技术是数字媒体艺术产生的先决条件，同时也为数字新媒体艺术的进一步发展提供了广阔的空间与技术支持。目前学术界对数字媒体艺术的范围界定基本可以概括为：以计算机数字化技术为支撑，革新艺术方式，打破传统艺术创作手段、传播途径与承载媒介，由功利到审美，继而在伦理界发生深刻变革的一种新型艺术形态。

数字媒体艺术的产生，是人们对更高层次的审美追求的结果，传统的艺术形式如版画。雕塑等只能满足人们的视觉需要，但是视觉只是人们多种感知方式之一，还有味觉、触觉、嗅觉等。对于传统艺术形式的作品而言，永恒性与静态性是其明显特征，人们对于作品中所包含的信息只能被动接受，正是在这样的原有资源不能满足审美需求的情况下，数字媒体艺术应运而生，它不但能够运用丰富多样的艺术形式更高更快的传达信息，同时人们可以加入到其中进行艺术的创作，并且他们的参与体验作为作品的一部分被记录下来。

2 新时期媒体艺术的特点

数字媒体艺术包含了多种学科的元素，导致科学技术和艺术的区别越来越不清晰。新时期的媒体艺术特点表现在：

2.1 技术特征明显

所谓技艺，传达的信息是技术与艺术是分不开的，艺术的发展需要技术来做支撑，传统艺术由于其强大的感染力，技术的作用并没有得到重视与发挥，随着经济技术的发展与数字媒体艺术的兴起，科学技术与艺术的关系日益密切，技术的重要性日渐凸显，更多的人开始关注技术，甚至发展到关注技术本身，因为这是实现艺术创作的必经途径。随之而来的是现代艺术对科学技术的依赖性越来越高，技术成为艺术创作的重要组成部分。

2.2 数字化创作与表达方式

数字媒体艺术作品的创作与展示都离不开技术，计算机的软件是实现艺术创造的工具，计算机硬件与投影设备是展示艺术作品的手段，与传统艺术作品不同，数字媒体艺术是以0和1构成的虚拟数据为承载媒介，而非实际存在的自然界物质元素。因此，数字媒体艺术与传统艺术相比在作品的创作与展示上都有很大区别。

2.3 信息传播途径多感官化

目前在电影院看故事片的人越来越少，视听感受强烈的动作、科幻电影受到了人们的青睐，追求多感官享受与真实空间感的数字化立体电影是影响未来的发展方向。数字媒体艺术作品的多感官信息传播途径不是将人体感受机械撮合，而是在融合之中保留各个器官的不同。数字媒体艺术的多感官信息传播途径融合了计算机技术、网络与通讯技术、音乐学、影视学、艺术美学等多种学科的艺术创作形态，最终协同为一体。

2.4 数字媒体艺术的偶发性与交互性

数字媒体艺术作品的创作有时是由计算机操作程序进行控制，在此可以将计算机理解为创作者与观者的对话媒介，二者通过计算机实现信息的传递与反馈，在数字媒体艺术中，观者同时也是参与者和创作者，参与方式不同，感受到的艺术表现形式也不同。数字媒体艺术作品由于其交互性有偶发性的特征，这种偶发性的特点改变了传统艺术作品一成不变的形式，实现了艺术创造的多样性。

2.5 数字媒体艺术的超越时空性与沉浸特征

沉浸感是和交互性处于同等地位的一个数字媒体艺术特征，人们在观看数字媒体艺术作品时不受时间与空间的限制，在数字媒体艺术作品中使用虚拟内容代替实像，依然可以使人获得真实的感受。同时数字化技术大大拓宽了艺术家的创作视野，使艺术创作范围得到极大拓展，甚至超越时间与空间的界限进行艺术创作。

2.6 数字媒体艺术的创作走向平民化

传统的艺术形式需要创造者具备一定的艺术修养与特别的创作风格，而数字媒体艺术的诞生使创作大大改变了以往人们对于艺术创作的群体认知，出现了平民化的现象，越来越多的人成为了艺术作品的创作者，艺术创作不再是少数人的事情。

3 数字媒体艺术出现偏离艺术本体的现象

3.1 数字媒体艺术的风格趋向标准化和同质化

处于数字时代的当今社会用写作管理模式思维，将包含人在内的客观世界作为征服与控制对象，为实现管理的方便，导致世界日益趋同，丰富性与多样性减少。数字时代用封闭性网络进行构架，统领对人类发展有益的资源，在这个构架内，有已定标准引导人们进行艺术创作，所有的创作必须在规定的范围内进行，而任何与协议标准不符的内容都会被过滤掉，数字时代的这种限制大大的禁锢了人们的思想，压制了人们的创作渴望，减少了艺术创作的独创性与多样性，艺术创作风格趋向标准化和同质化。

3.2 过度信仰技术，偏离了艺术本体

计算机的操作使用并不是艺术家的强项，因此他们在技术面前可能会不知所措，导致过分追求技术制作的完美而忽视了对艺术本身的关注度。尽管对于很多人来说，他们并不清楚信息对他们自身有什么价值以及获得这么多信息做什么，但已经相信整个社会已经处于信息时代，我们身边的每台计算机都是信息的传播者，在纷繁复杂的信息冲击下，人们开始怀疑自我独立存在的价值，甚至开始相信随着科学技术的高速发展，人工智能系统将主宰未来世界，人们再难将虚拟世界与现实世界分辨开来。

3.3 艺术创作出现模块化问题

科技的发展对艺术创作有利有弊，计算机操作的便捷性与模块化改变了传统的艺术创作形式，很多人认为创作是一件简单的事情，只要有想法与创意就能够就行创作，在这种观念的指导下，很多人在艺术创作之前不再进行积累与思考，而是希望利用计算机获得意外的创作效果。人类在人工智能中逐渐失去了独立的存在价值，思想越来越多的受到技术的制约，随着计算机实现合成功能越来越强大，创造性在艺术中也越来越少，艺术创作过分依赖技术会使其变成机械生产，有人预测，按照这样的形式继续发展下去，终有一天艺术作品也会像普通商品一样可以进行批量生产。

4 总结

数字技术改变了传统的艺术创作方式，技术的作用得到了充分的发挥，并成为进行艺术创作的一个关键部分，但是数字技术有机械性的特征，如果将其作为进行艺术创作的主要实现形式，会导致艺术创作的多样表现形式和独特的艺术观念受到影响，艺术创作应回归到艺术创作的人类本体，打破观念束缚，实现思想的解放，使艺术创作不再受技术的束缚。

参考文献：

[1]朱润.数字媒体艺术的表现特性研究[C].山东师范大学，200904.

[2]李若岩.数字媒体艺术的特征与本体研究[C].艺术探索，201202（01）.

第9篇：对于艺术创作的理解范文

Q：创新对您意味着什么？

A：有时候人容易被某个词汇、某个事物所束缚，比如说创新、发展和变化。使你在创作过程当中，不断地被这种理念控制。如果只是为了创新而创新的话，可能会一无所获。如果突破束缚，创新，可能也是“创旧”，可能你不是为新来，你是为旧而去，反而能找到对人和社会有益的好想法。

Q：请问时间对于您的艺术创作是否带来了改变？您的艺术态度是什么？

A：当然有很大改变。我不是一个愿意总结的人，在我看来，艺术家在创作过程中，一旦要去总结的时候，就不免把自己变成了市侩的人。就好比你把自己想象成一个企业，然后要通过总结的形式来取得进步。我觉得这是和自然的人性喑逋唬不希望以理性的方式回顾过去，并总结出未来创作的可能性，这是一种对于创作的束缚。创作应该是随心所欲的，我不会主动去做规划，因为我怕这会形成一种压力，影响对艺术的判断和创作。对我而言，带着生命的呼唤，靠着本能去创作，把它变成一个发自内心的创作诉求，这是我面对艺术的态度。

把孙悟空的形象弱化到最低状态

Q：请问您在合作中，艺术创作理念是怎样的？

A：关于我和宇舶表合作的猴年艺术腕表，我希望佩戴者可以通过对腕表的了解，慢慢感受到孙悟空这个艺术形象的内在力量，这其实也是一种时间概念的体现。我最初设想的是一个含蓄版的孙悟空形象，即减弱设计中的艺术符号性。考虑到腕表会由佩戴者日常使用，所以我希望在表盘上把孙悟空的形象弱化到最低状态。不过，在和宇舶表的沟通过程中，我发现品牌也会考虑设计上的形象明确性，强调个性，所以最终呈现给大家现在这个版本的腕表设计。

Q：您的每一个颜色都有它引申的寓意在里面吗？

A：是的。不过我原来那个孙悟空用的是蓝色，是冷色调的。因为我觉得传统的用的都是暖色。我想用一种相反的方式，可能更能够强调出我对它的理解。

Q：在您心中《西游记》中的齐天大圣是什么形象？

A：孙悟空代表着与强权、力量、和权威之间的一种斗争关系。大闹天宫反映出了一种对于权力的强烈自我表达，赋予了中国人的一种前所未有的精神，而这种精神是和儒家思想喑逋坏摹N胰衔有关孙悟空是如何历尽八十一难并助力取得西经，这段在艺术意义上反而不那么重要。