抽象美术作品的特点精选(九篇)

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第1篇：抽象美术作品的特点范文

关键词：抽象美术；艺术观念；美术教学

在高中美术欣赏课的教学中，有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时，总是以像与不像来评判，或者说看不懂，难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点，是学生最感莫名其妙，又最需要解惑的问题，也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。

1．审美观念的转变

要了解和认识抽象美术，首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较，其在观念上发生了根本的变化，主要表现在：l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神；2、放弃了传统的统一的美的标准；3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能，而现代艺术强调艺术的审美功能；4、现代艺术的价值在于发现和创造，而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术，而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受，因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响，使学生在欣赏抽象美术作品时，仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断，所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品，学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变，使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观，站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术，以全面认识和理解抽象美术。

2．抽象美术的特点

欣赏抽象美术作品时，除了要抛弃传统的艺术观念外，还要让学生注意把握其主要特点。

2．1形象的抽象性。

抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄，形象抽象，给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价，要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪，而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。

2．2画面有强烈的动感。

许多抽象的绘画，以强烈的笔触，奔放的色彩来刺激人的视觉，动感强烈。例如：康定斯基的作品，以点、线、形、色依情绪随意作画，挥洒自如，使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪，获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画，也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。

2．3趋向音乐性。

抽象画家利用色彩与声音产生的联觉，将点、线、形、色构成无标题的音乐，直接作用于欣赏者，使观者在看抽象画时，在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形，再填上原色，并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化，如同一首音节长短起伏，但却有自己主旋律的歌。

2．4意蕴的含混性。

抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象，其含义也是不明确的，欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象，其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价，只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。

3．教学方法设计

为了进一步提高学生对抽象美术作品的审美能力，加深对美术创作和美术作品的理解，在教学中，笔者采取了如下一些方法：

3．1图案肌理的制作方法。

高中学生理解能力强，再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺，因而，可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如：让学生在板面(如玻璃、塑料板、纸板)上，用水粉、油墨等颜料随意涂画，色彩要饱满，水色要淋漓，以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果，然后根据画面效果命题。在教学过程中，教师要鼓励学生发挥自己的想象力、创造力，注意培养学生的审美能力。要充分发挥色彩的丰富性、表现性，而不是具体事物的真实性。这种让学生动手创作的过程不仅加深了学生对抽象画的理解，还调动了学生的学习积极性。

第2篇：抽象美术作品的特点范文

【论文摘要】抽象美术是教学中的难点。在高中美术欣赏课中，教师应设计多种教学方法，以提高学生认识和欣赏抽象美术作品的能力。

在高中美术欣赏课的教学中，有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时，总是以像与不像来评判，或者说看不懂，难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点，是学生最感莫名其妙，又最需要解惑的问题，也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。

一、审美观念的转变

要了解和认识抽象美术，首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较，其在观念上发生了根本的变化，主要表现在：l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神；2、放弃了传统的统一的美的标准；3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能，而现代艺术强调艺术的审美功能；4、现代艺术的价值在于发现和创造，而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术，而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受，因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响，使学生在欣赏抽象美术作品时，仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断，所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品，学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变，使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观，站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术，以全面认识和理解抽象美术。

二、抽象美术的特点

欣赏抽象美术作品时，除了要抛弃传统的艺术观念外，还要让学生注意把握其主要特点。

1、形象的抽象性

抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄，形象抽象，给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价，要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪，而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。

2、画面有强烈的动感

许多抽象的绘画，以强烈的笔触，奔放的色彩来刺激人的视觉，动感强烈。例如：康定斯基的作品，以点、线、形、色依情绪随意作画，挥洒自如，使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪，获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画，也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。

3、趋向音乐性

抽象画家利用色彩与声音产生的联觉，将点、线、形、色构成无标题的音乐，直接作用于欣赏者，使观者在看抽象画时，在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形，再填上原色，并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化，如同一首音节长短起伏，但却有自己主旋律的歌。

4、意蕴的含混性

抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象，其含义也是不明确的，欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象，其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价，只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。

三、教学方法设计

为了进一步提高学生对抽象美术作品的审美能力，加深对美术创作和美术作品的理解，在教学中，笔者采取了如下一些方法：

1、图案肌理的制作方法

高中学生理解能力强，再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺，因而，可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如：让学生在板面(如玻璃、塑料板、纸板)上，用水粉、油墨等颜料随意涂画，色彩要饱满，水色要淋漓，以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果，然后根据画面效果命题。在教学过程中，教师要鼓励学生发挥自己的想象力、创造力，注意培养学生的审美能力。要充分发挥色彩的丰富性、表现性，而不是具体事物的真实性。这种让学生动手创作的过程不仅加深了学生对抽象画的理解，还调动了学生的学习积极性。

2、对比欣赏法

在欣赏国外现代的抽象画时，许多学生会说看不懂，如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏，就会发现部分学生虽然不认识其中的字，却能欣赏它的形式意味。中国的草书，特别是狂草，由于其语义的可识性程度降低，欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上，抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的，都是一种平面的抽象艺术，能给观者在视觉上引起某种情绪感受。抽象美术欣赏教学时，教师把两者对比起来欣赏，能起到解惑的作用。此时，教师还要不失时机地引导学生去理解其中的形式意味。

3、打散组合法

第3篇：抽象美术作品的特点范文

一、审美观念的转变

要了解和认识抽象美术，首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较，其在观念上发生了根本的变化，主要表现在：①艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神；②放弃了传统的统一的美的标准；③传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能，而现代艺术强调艺术的审美功能；④现代艺术的价值在于发现和创造，而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术，而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受，因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响，使学生在欣赏抽象美术作品时，仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断，所以会有疑惑不解之感。

二、抽象美术的特点

欣赏抽象美术作品时，除了要抛弃传统的艺术观念外，还要让学生注意把握其主要特点。

（1）形象的抽象性。抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄，形象抽象，给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价，要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪，而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。

（2）画面有强烈的动感。许多抽象的绘画，以强烈的笔触，奔放的色彩来刺激人的视觉，动感强烈。例如：康定斯基的作品，以点、线、形、色依情绪随意作画，挥洒自如，使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪，获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画，也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。

（3）趋向音乐性。抽象画家利用色彩与声音产生的联觉，将点、线、形、色构成无标题的音乐，直接作用于欣赏者，使观者在看抽象画时，在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形，再填上原色，并以黑直线将它们分开。画面显得和谐有变化，如同一首音节长短起伏，但却有自己主旋律的歌。

（4）意蕴的含混性。抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象，其含义也是不明确的，欣赏者从中获得的感受是千差万别的。它排除了具体的物象，其内涵不可能像具象绘画那样表现艺术家对所描绘的事物的认识、态度和评价，只是用抽象的手法表现艺术家的某种情感或追求不带任何主观色彩的“绝对抽象”。

三、教学方法设计

为了进一步提高学生对抽象美术作品的审美能力，加深对美术创作和美术作品的理解，在教学中，我采取了如下一些方法：

（1）图案肌理的制作方法。高中学生理解能力强，再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺，因而，可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如：让学生在板面（如玻璃、塑料板、纸板）上，用水粉、油墨等颜料随意涂画，色彩要饱满，水色要淋漓，以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果，然后根据画面效果命题。在教学过程中，教师要鼓励学生发挥自己的想象力、创造力，注意培养学生的审美能力。要充分发挥色彩的丰富性、表现性，而不是具体事物的真实性。这种让学生动手创作的过程不仅加深了学生对抽象画的理解，还调动了学生的学习积极性。

（2）对比欣赏法。在欣赏国外现代的抽象画时，许多学生会说看不懂，如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏，就会发现部分学生虽然不认识其中的字，却能欣赏它的形式意味。中国的草书，特别是狂草，由于其语义的可识性程度降低，欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上，抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的，都是一种平面的抽象艺术，能给观者在视觉上引起某种情绪感受。抽象美术欣赏教学时，教师把两者对比起来欣赏，能起到解惑的作用。

第4篇：抽象美术作品的特点范文

【关键词】高中美术，抽象美术，审美表达

一、引导学生审美观念的转变。

要了解和认识抽象美术，首先就应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较，其在观念上发生了根本的变化，主要表现在：l、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神；2、放弃了传统的统一的美的标准；3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能，而现代艺术强调艺术的审美功能；4、现代艺术的价值在于发现和创造，而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术，而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受，因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响，使学生在欣赏抽象美术作品时，仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断，所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品，学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变，使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观，站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术，以全面认识和理解抽象美术。

二、注重学科本位，提高学生审美表达。

《课程标准》指出“学习内容应适应高中学生学习的实际能力，不宜过高、过难，过于专业化”，同时也指出：“懂得美术鉴赏的基本方法，恰当使用美术术语（如形状、色彩、空间、材质等）……”，所以，所以在对具体作品的欣赏过程中，我们应该引导学生摆脱只是注意作品较为明显的和自己所熟悉的形式特征的“看图识字”阶段，逐渐由对作品片面描述及经常使用通俗语言而非“美术语言”至[学会从不同角度仔细观察作品，对作品不同层次的信息意义进行解读，对形式语言进行识别、概括、整合，从而完整把握作品的形式特征及精神。在作品的描述时，鼓励、启发、促使学生进行自由准确地交流和表达，并不断引导促使学生使用美术术语，使其鉴赏、评述能力规范，日渐提高。一切致力于培养学生的“视觉读写能力”，在不同指向的“解读”活动中，提高‘学生的美术素养。如果美术学习一点专业性都没有，只能导致水平停滞，从而失去学习的意义。

三、对于抽象美术的特点理解。

1、形象的抽象性，抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄，形象抽象，给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价，要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪，而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。2、趋向音乐性，抽象画家利用色彩与声音产生的联觉，将点、线、形、色构成无标题的音乐，直接作用于欣赏者，使观者在看抽象画时，在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形，再填上原色，并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化，如同一首音节长短起伏，但却有自己主旋律的歌。3、意蕴的含混性，抽象绘画以点、线、面等符号元素组成不明确的物象，其含义也是不明确的，欣赏者从中获得的感受是千差万别的。

四、对于学生教学方法具体设计步骤。

为了进一步提高学生对抽象美术作品的审美能力，加深对美术创作和美术作品的理解，在教学中，我个人采取了如下一些方法：

1、图案肌理的制作方法。

高中学生理解能力强，再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺，因而，可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如：让学生在板面（如玻璃、塑料板、纸板）上，用水粉、油墨等颜料随意涂画，色彩要饱满，水色要淋漓，以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果，然后根据画面效果命题。在教学过程中，教师要鼓励学生发挥自己的想象力、创造力，注意培养学生的审美能力。要充分发挥色彩的丰富性、表现性，而不是具体事物的真实性。这种让学生动手创作的过程不仅加深了学生对抽象画的理解，还调动了学生的学习积极性。

2、对比欣赏法。

在欣赏国外现代的抽象画时，许多学生会说看不懂，如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏，就会发现部分学生虽然不认识其中的字，却能欣赏它的形式意味。中国的草书，特别是狂草，由于其语义的可识性程度降低，欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上，抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的，都是一种平面的抽象艺术，能给观者在视觉上引起某种情绪感受。抽象美术欣赏教学时，教师把两者对比起来欣赏，能起到解惑的作用。此时，教师还要不失时机地引导学生去理解其中的形式意味。

3、打散组合法。

第5篇：抽象美术作品的特点范文

当代美术作品以一种不同于传统美术作品形态的姿态出现在了人们的视野之中，与传统的美术作品相比，当代的美术作品不再注重表现具体的物象和形象，而是通过各种各样的创作手法来构图，更加注重传达作品深刻的思想内涵。在众多的创作手法之中，把抽象理论与美术设计相结合，受到了越来越多的艺术家的青睐，下面我们就来简单介绍一下抽象艺术理论的相关内涵。首先揭示抽象艺术的内涵。抽象是相对于具体而言的，是抽取事物共同的、本质的特征，如同朱光潜曾说的:“抽象就是‘提炼’，也就是同志在《实践论》里所说的‘将丰富的感觉材料加以去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的改造制作工夫’”。这么来定义“抽象”，那“抽象艺术”应该如何定义?把抽象运用到艺术之中，最初只是把具象的事物给概括化、抽象化，而随着抽象的表现形式不断地深入到艺术之中，具象的事物发生了很大的变形，已经不存在具体的可辨识的事物，转而更加注重用变化的色彩、变形的造型、夸张的线条来构造艺术画面。抽象艺术注重的已不再是展示客观世界中具体事物的形态、特点，而更加关注通过抽象来表达主观性的世界。其次来梳理一下抽象艺术理论的分类。随着抽象艺术理论的不断深入发展，形成了众多的学术流派，因为分类依据的标准不同，形成的分类也就各异。今天，我们就其中一种相对普遍的分类来简单了解一下，主要有热抽象、冷抽象、中间抽象三大类别。热抽象又被称作抒情抽象，冷抽象又称作几何抽象，二者是相对而言的。热抽象使用的线条多无规律性，线条构成的形态更接近于山水、云彩的那种流动的状态;而冷抽象主要使用有规律的、有规则的点、线、面来构图。热抽象注重的是色彩的组合;冷抽象更多的是关注符号、几何线条。热抽象的代表人物是康定斯基，代表作品是《秋》《构图2号》等;冷抽象的代表人物是蒙德里安，代表作品是《构图》《进化》等。第三类是中间抽象，是介于冷、热抽象中间的一种构图艺术，是冷、热抽象的结合体，既注重色彩的丰富性和流动性，又使用几何线条的多样性组合。无论冷抽象、热抽象中间抽象在形式上有何区别，但有一点是它们共同的，那就是更加注重表达主观世界，更加注重传达深刻的内涵。

二、抽象理论在当代美术设计作品中的表现形式

美术设计作品可以对人产生很大的作用，一方面它能够表达艺术家们抽象的内心世界，另一方面它可以影响人们的心情，激起人们的某种共同的心理感受，所以当代的美术设计作品，为了满足人们日益多样化的审美需求，为了把艺术家抽象的内心世界具象化，不断地进行新的尝试，不断地进行创新。借用抽象理论的原理进行美术作品的设计，是其创新性的表现之一，那么，在当代美术设计作品中，抽象理论是如何得以表现的呢?首先是以抽象色彩的形式出现在美术设计作品中。色彩在我们的世界中处处可见，不仅帮助我们传达某种信息，而且可以通过色彩来美化我们的生活，例如不同的色彩会让我们有不一样的感受:红色一般代表热情，具有向上的能量;粉色让我们感受到了温馨、温暖、可爱;绿色表示生命力旺盛，代表自然、健康、安全;紫色代表雍容华贵。自然界的颜色一般都借助某个具体的事物而表现出来，是光源和光反射而成，不同于现实的色彩，抽象色彩是通过歪曲或改变自然界色彩的真实性，通过色彩的流变或冲突色彩的搭配来进行艺术再创造。当代的许多民俗设计作品中就广泛地使用了抽象色彩，由抽象色彩构成的抽象图案打破了传统民间作品简洁、明快的感觉，突出抽象化、形式化的事物，使作品所要表达的主题更加鲜明、更加强烈，同时还增添了一份现代化的艺术魅力。例如一幅被称作《村》的民间美术作品，色彩主要以暖色调为主，橘红色居多，而后通过丰富的色彩变化，构造了类似福建土楼似的建筑形象，以此来表达希望中国各民族欣欣向荣、和谐美好的愿望。当代中国的许多民俗民间设计作品，都转而运用抽象色彩来传达主题，例如布老虎的手工制作、门神年画的绘制都倾向于抽象色彩的使用。其次是以抽象造型的形式出现在美术设计作品中。色彩和造型是美术设计作品的重要组成部分，二者缺一不可。抽象色彩上文我们已经提到过了，而所谓的抽象造型，就是依据创作家的审美要求把某些自然景物或事物进行变形和整合，得以抽象化，从而运用到美术作品中。而把某些自然景物或事物进行变形和整合的过程，一般通过的是各种线条的交错和点、线、面、肌理等元素的配合来完成的，然后通过抽象造型的视觉艺术效果来表达艺术家的创作思维和思想感情。例如当代的陶瓷美术设计作品，艺术家们不仅在陶瓷的装饰和色彩上进行了创新，而且还创新了陶瓷作品在造型上的设计。造型上的线条更加富有动态、流动性，点、线、面之间的结合也更加多样化，给人们一种“造型源于生活又高于生活”的艺术感受。当然在绘画作品中，抽象造型也炙手可热，例如画家方力钧的力作《光头泼皮系列———海滩》《光头泼皮系列———打哈欠》，在他的作品中，“光头”作为一种抽象的造型，已成为他个人作品的象征，一种独特的视觉符号。光头本身就具有泼皮感，然后再加上变形的脸部表情———嬉笑、发呆、打哈欠等极具夸张意味的表情，从而构造一种抽象的造型，表达作品的嘲讽意味。

三、抽象理论在美术设计作品中的艺术作用

抽象理论指导下的抽象艺术，大致分为两种类型:一种是以自然界的事物或景物为基础，从而提取灵感，进行艺术的再创造;另一种是不以自然界的事物为本质，纯粹地进行艺术形象的设计。尤其是对于第二种类型而言，很多人看不懂作品其中的抽象艺术，所以抽象性的元素经常被认为是一种涂鸦，是一种乱画。其实要看懂一幅优秀的抽象艺术作品，首先要了解艺术家本人的人生阅历以及生活感悟，因为抽象的艺术作品是艺术家本人抽象各种事物的本质，升华各种知识而创作而成的，具有深厚的文化内涵。首先，在美术设计作品中运用抽象理论，凸显了作品主题的展现，增加了作品的艺术魅力。抽象理论使美术设计作品不再注重刻画具体物象或景象的真实性，开始注重色彩的丰富性，几何图形和线条的表现力，通过抽象的点、线、面和色彩来表现主观性的世界，如同音乐家的演奏。音乐家在演奏时，不再纠结于通过哪些具体的节奏和音符的形式，而是通过自己的演奏，让观众在聆听中感受到音乐中所传达的美和意境。抽象艺术使平静的画面更加立体化，从而更能够展现创作家强烈的情感。例如上文提到的画家方力钧在绘画过程中使用的“光头”造型，这一抽象性的造型很自然地就让我们感受到了作品所要传达的叛逆、嘲讽的主题。正是通过这些抽象色彩和抽象造型所带来的视觉冲击效果，容易触动人们的内心深处，使创作家与观看者产生心灵上的共鸣，完成一个艺术创作的过程。其次，抽象理论与设计美术作品相融合，二者相互促进。一方面，在当代美术设计作品中运用抽象理论，通俗地说就是美术艺术家们以抽象理论作为创作的指导，运用抽象性的思维和方法，把抽象的色彩、抽象的造型、抽象的线条、抽象的图案等因素加入到作品中，以此来增加美术设计作品的审美性和艺术性，从而为当代美术设计拓展了更广阔的发展空间。另一方面，理论并不是适用于一切的实践，具体问题具体分析，理论应用于实践，要根据具体的实际情况作出相应的改变。在把抽象理论运用到美术作品设计的过程中，抽象理论需要不断地改变以适应美术作品设计的发展和进步，在适应和改变的过程中，抽象艺术理论得到不断地补充和完善，从而获得了更长足的发展。抽象理论和美术作品的设计作为一个事物的两个方面，二者相互促进，共同发展。

四、结语

第6篇：抽象美术作品的特点范文

【关键词】美术教学 素材选择 价值取向 审美体验

中学美术欣赏教学是一种通过对造型艺术品的欣赏来提高学生的审美感知的心理活动形式，如何在教学中激发学生参与“欣赏”和“评述”活动的兴趣，学习多角度欣赏和认识美术作品的形式、材质和内容特征，提高审美趣味和高尚的道德观，是广大美术教师必须面对的问题。目前，随着科技的飞速发展，教学方法也呈现了多样化，如对多媒体和互联网的辅助运用，可以更有效的提高学生的注意，引导学生积极思考，启发学生去主动地观察分析。但是，在新课程教材的设置中，课程安排更加重视了审美能力的综合培养，每一课的教学内容都是横向纵向贯穿关联，内容丰富，题材涉及面广。如何在有效的教学时间内行之有效地提高学生的审美能力是教师们面临的最大问题。下面我就如何选择教学素材方面，结合我平时的教学实践，从三个方面进行探讨。

一、教学素材的选择应有利于激发学生的学习兴趣

日本著名教育心理学家泷泽武久则指出“一旦失去对学习的情感，思维和记忆等认识机能全会受到压抑和阻碍，无论何等抽象的思维，没有情感就不能进行。”在美术欣赏课堂教学中，只有调动起来学生积极参与的情感，才能促使他们主动的参与到学习活动中去。因此，如何设计课堂的导入点就至关重要了。

比如，在教授《新的实验》一课时，教学的内容跨度大，要求学生能认识并理解在20世纪实验性艺术的表现形式及艺术风格，并由此折射出传统艺术对当代视觉传达艺术的影响。

在这里，我以同学们耳熟能详的《蒙娜丽莎》作为典型作品来引起学生的兴趣。但不是原作——而是展示杜尚的《蒙娜丽莎》，马塞尔杜尚在达·芬奇那件举世闻名的《蒙娜丽莎》彩色复制品上，用铅笔给这位美人加上了式样不同的小胡子。于是，美人神秘的微笑立刻消失殆尽，画面一下子变得稀奇古怪、荒诞不经。请问同学们，他想表达什么呢？学生回答：就像现在的“明星炒作一样”！借名画的“光”来“展示”自己——达达主义（“达达”是法语“玩具马”的意思，达达主义者认为，文艺应像幼儿牙牙学语那样只表达感官的直接印象。他们反理性，反规律，反传统，反对一切偶像崇拜）。在这里，杜尚将达·芬奇的名作当做公然嘲讽的对象，展示了他真正藐视传统、无视约束的品性。他通过这样的方式把反艺术推向了极致，给后继的艺术运动以新的启迪。这种戏谑名作的方式在同学中也同样可以引起热议，使同学们在讨论的同时引发深思，可以逐步切实地理解从传统到现代艺术的演变与发展给艺术作品带来了从创作形式和抒感方式的转变。

二、欣赏作品的选择要贴近学生的生活体验

在实际的教学过程中，很多教师喜欢选择一些经典大师的作品进行分析，如讲到文艺复兴美术则必然提及达·芬奇的《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》。这些作品由于过于经典，不断地重复出现于从小学到大学的各种美术教材中，因此，会造成学生对此熟视无睹。大部分学生只是对其中的故事感兴趣（如谁是犹大，他是怎样出卖基督和蒙娜丽莎的绘制过程）。其实这样的作品离我们学生实际生活很远，并不能达到切实提高审美水平的效果。

我们在教学时应该去选择一些贴近学生生活的作品。如今的时代，由于创作观念的转变，现、当代作品在创作手法以及新材料运用方面都呈现出多样化的趋势，各种艺术手法层出不穷，作品数量更是远远超出以往任何时代。另外，随着科技的飞速发展，摄影、卡通、电脑美术、多媒体艺术等艺术形式纷纷粉墨登场。随着新艺术的发展，我们的视觉也开始了前所未有的饕餮之旅，打开了通向未来的窗口，激发起人们无限的求知欲、想象力。青少年学生对新生事物有一种天生的敏感，所以存在于的学生们身边艺术作品将有助于激发他们的创造欲，培养他们的创新意识。同时，也有助于他们能用发展的眼光去理解现代艺术，体验生活中的美。

例如，为了分析艺术形象是共性与个性的统一，在讲授《什么是美术作品》时，我避开了像上历史课一样的枯燥的讲解美术史起源，考虑到许多学生对贝克汉姆的崇拜，选取了贝克汉姆的纹身特写来引起兴趣。结果，课堂气氛异常活跃，学生们纷纷发表自己的意见。他们认为纹身的意义都会体现在哪里。有了这样的认识，再去分析美术作品的起源，学生就很快掌握了这部分的知识。因此，有意识的选择一些新鲜的、生活中的美术图片将有益于学生审美认知的发展。

三、从具象到抽象的理解——结合理论与教学实践论证抽象图片

具象美术作品，通过画家精湛的表现技巧来表达近似逼真的世界。学生通过欣赏可以较为直观的感受到艺术之美，又可以获得情感体验、增长知识。如通过对米开朗基罗的名画《最后的审判》的欣赏，学生能够了解到画中的故事情节、体会人性的美与丑、感受画家的高超绘画技巧，并能在此基础上进一步了解新古典主义的时代背景，初步形成以历史的、人文的立场去理解美术作品的审美能力。这样的欣赏方式是全方位的，在实际的教学活动中能够获得较好的教学效果。

但是，这种以“故事”在前、“形式”在后的欣赏方式，作品以外的故事情节、时代背景成为主体，美术的基本造型元素被忽略，或者说形式美感被情节掩盖了，大大削弱了学生的感知能力和形象思维能力，在欣赏过程中学生基本上是在“看图听故事”，不能够积极主动的参与到教学活动中去。

由于抽象美术作品的可读性不强，所以长期不被重视。加之部分美术教师对抽象作品理解不够，对其“技巧”不理解，加上这里面无“故事”可讲，往往采取蜻蜓点水的态度。但实际上，抽象艺术是美术发展史上的一次伟大革命。不拘泥对具体形象的表现，使形、色、线条、明暗等第一次成为画面的主角，而不是单纯在讲“故事”。抽象艺术家康定斯基认为：“形式与色彩本身便能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐之声音直接诉诸心灵一样”因此，学生在欣赏抽象作品时能更为直接的被画面的色彩、形式所打动，从而获得情感体验。因为没有了“内容”，使学生更多的去关注艺术表现的视觉语言——点、线、面、色彩、空间、明暗、肌理……也因为没有了明确的“内容”，拓展了学生的想象空间：画家可以通过一幅画表达某种情绪、诠释一个梦、“撰写”一首诗……学生完全可以以自己的理解与作品“对话”，使学生获得“探求――发现”的学习体验。

面对抽象美术作品，虽然很多学生看不懂，但是他们很希望能明白到底画面在表达什么。在第六课《从传统到现代》中，我选用了康定斯基的《构成第七号》为例，不介绍作品，直接让学生观察画面去表述自己看到的。结果，学生感受到它跃动的色彩对比而冲击，各种色彩飞速旋转，画面热情奔放、梦幻又迷乱。画面上除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们几乎看不到具体的形象。为了提升学生的欣赏能力，我又进一步提出问题：画家用这些色彩和线条组成的画面想表达什么？进而让学生从中感觉到通过这些造型元素，使画面本身充满着律动感，就如同一部伟大的交响乐。在画面中较为突出的是黑色的点和线，像鼓点、像强音、像稳重低沉的旋律，调和着整首乐曲，又像旋风一样牵动着整个画面的色彩，给我们以强烈的视觉刺激和心灵震撼。相对而言，抽象美术作品的运用，能帮助学生确立从画面形式出发去解读艺术的方法，有利于提高学生的形象思维能力。

所以我认为：选择教学素材的时候，在涉及了教学内容是基础上，一定要在深层次意义上体现美术欣赏课的价值与功能的定位。也就是说：美术欣赏课的教学目标不能停留在仅让学生获得知识的层面上，而应该在更高的层面上培养学生的审美能力、提高学生的审美趣味、发展学生的健全人格。

美术学习活动的一个基本特征是情感性。从时代背景、艺术特色的角度去分析美术作品，是建立在科学严谨基础上的。这种单一的、线性的研究只是对艺术作品的“解读”，而不是欣赏。欣赏是一种心灵的体验，呈现出多元的、开放的特点。学生只有在接触了各种各类的美术作品后，才能丰富视觉、触觉和审美经验，培养审美趣味。教师对教学素材的选择既要考虑到教学的目标，又要充分了解学生的年龄特点、知识水平。面对浩如烟海的美术素材，需要教师做出选择。因为“选择需要智慧”。

【参考文献】

[1]鲁道夫·阿恩海姆. 对美术教学的意见. 1993-07.

第7篇：抽象美术作品的特点范文

一、增强学生积极参与意识

在美术课堂上，教师可改变以讲授为主的教学模式，增加问答、讨论等多种教学形式，以充分调动学生的主动性，增强其参与意识。由于这些丰富多样的教学形式给学生很大的自由，学生参与美术课堂的积极性也随之增高。

在关于立体派作品的欣赏教学中，教师可先在课前指导学生收集相关资料，其中包括立体派作品有关知识、毕加索的作品介绍等；在欣赏课上，教师准备充分的教具，将学生课前准备好的作品展示出来，并安排学生进行自由讨论：立体派作品是在怎样的时代背景下出现的？其主要特征是什么？虽然初中学生进行这些专业知识的讨论，无法得出成熟的答案，但却很好地扩展了学生的思维；最后教师对学生讨论的内容做出总结。通过课堂上的提问、解答方式，教师将立体派美术作品与其他美术流派作比较分析，使学生能够更深刻地理解立体派作品的风格和内涵，提高学生的美术欣赏水平。

二、培养对美术的欣赏兴趣

在美术课堂上，培养对美术欣赏课的兴趣，是欣赏教学首先要解决的问题。在美术教材上，由于有的美术作品缺乏情节性，或者是一些风景、山水花鸟、静物等，加上学生缺乏对作者、作品产生的时代背景的理解，因此，在美术作品展现出来时，无法吸引学生的兴趣，而如果教师直接从作品的色彩、构图、线条等方面分析，显然不能吸引学生的注意力。此时，教师可先从“情节”着手，通过向学生介绍作者、美术作品当时的文化、与美术作品有关的趣事等，吸引学生的注意力，学生一旦被其中的故事所吸引，便可激发起对作品的“探究”兴趣，然后教师再结合作品画面形式、作品内涵讲述审美价值。可以说，几乎每位艺术家、每幅作品背后都有许多故事。如，在美术课堂上欣赏凡・高的“向日葵”时，作品上只有几颗向日葵，缺乏情节，往往不能吸引学生的注意，这时教师可向学生讲述有关“向日葵”的情节：在1987年伦敦佳士得拍卖公司主持的拍卖会上，凡・高的“向日葵”以2250万英镑的天价成交，并且拍卖前后只用了4分半钟。这就引起了学生极大的好奇心：是怎样的一幅作品能那么值钱？这样将学生的注意力带到作品上来，然后教师通过审美角度对作品风格、作品内涵等进行分析，能够得到更好的教学效果。

三、指导学生正确的美术欣赏方法

要使学生乐于欣赏，需要发挥教师在欣赏教学过程中的主导作用，积极引导学生鉴赏，并教会他们正确的欣赏方法。在欣赏课堂上，教师要让学生充分了解美术作品的不同类型，学生只有在自身认知结构中明确美术作品的种类、范围及相应特征，在欣赏美术作品时，才会全面地进行分析，而不是以一种固定的模式去欣赏。比如，中国画追求的往往是浪漫主义，在作品的造型上讲究似与不似之间，在绘画中重视神韵，而西方画侧重于通过客观真实再现物体的空间位置、形貌、光影等，在中国古代山水画的欣赏教学中，教师可从体会古诗意境着手，正所谓“诗中有画，画中有诗”，让学生能够充分感受山水画中体现出的情景交融的意境；而在勃拉克的“埃斯塔克的树林”的欣赏教学时，可边播放摇滚音乐，在音乐的影响下，学生面对抽象的美术画面，能够更深刻地感受作品中错综复杂的直线及代表体积的色块。其次，在区分绘画类型时，教师可指导学生追根溯源，思考不同艺术类型在美感上追求有何不同，除了让学生认识美术作品的种类及其特点外，还要让学生了解作品产生的时代背景，这样才能对艺术作品的审美价值有更深刻的理解。另外，艺术是人类传递信息的一种形式，表达作者思想和情绪，是美术作品的主要功能，在欣赏教学中，要指导学生充分了解作者，使学生真正理解作品内涵。

四、采用多种教学模式

第8篇：抽象美术作品的特点范文

关键词： 学前美术教育 人文素养 教学方法

随着学前美术的普及，随着人们对学前儿童美术教育价值认识的不断深入，学前美术教育日益成为人们关注的焦点。如何认识学前美术教育，如何培养学前儿童的学习兴趣，如何激发学前儿童的艺术潜能，如何催生和促进学前儿童美术教育与人文素养的协调发展，已成为学前美术教育研究者迫在眉睫的问题。

一、对学前美术教育的认识和理解

学前儿童主要指尚未入学的0―6岁的儿童，即幼儿。对幼儿实施的美术教育即为学前美术教育。首先，它是一个时间概念，即人在幼儿期由创作行为主体的身心发展水平体现出的美术行为特征和作品特征。它的行为主体必须是尚未入学的幼儿。如果主体不是幼儿，是儿童甚至是成人，即使他们的美术行为和创作具有幼儿美术的特征，也不能作为学前美术。在其他学科中，似乎难以根据年龄来分类，只有在人文学科中有儿童文学、儿童舞蹈、儿童歌曲之类的说法。但这些往往指的是成年人以儿童为行为主体和接受客体而创作的艺术作品，即儿童文学、儿童舞蹈、儿童歌曲等都有成年人参与的成分。而学前美术、儿童美术的接受主体和创作主体都是幼儿、儿童本身。这是学前美术与成人美术之间最大的区别。学前美术的形象生成与组织主要取决于其身心发展水平，同样也能反映幼儿的身心发展水平。

学前美术是幼儿表达对社会、自然的认识和情感，尤其是在他们的语言表达能力尚未形成的时候更是如此，而且他们在表达的过程中内心充满了强烈的情绪和身临其境的体验。很明显，学前美术带有一种鲜明的自发性的特征。加登纳在《儿童对艺术的知觉》一文中提到幼儿艺术知觉的两个阶段：一是0―2岁的幼儿知觉期。此时的儿童能够认识他人和一些几何形的物体，即发展最初的知觉力。但这时期的幼儿对有组织的形式表现出偏爱。二是3―7岁的符号认知期。此时的幼儿开始在一定文化背景上掌握图像、手势、声音、数字、形式和语言等多种符号的意义。但此阶段因知识经验不足，还不能知觉艺术作品的形式审美特征。幼儿更喜欢感知描绘熟悉的物体和令人愉悦的现实主义美术作品，以及色彩明快的美术作品。所以成人应有目的、有计划地引导他们感知、理解美术作品的内容和形式。

二、对幼儿主要实施美术欣赏教育

因处于0―6岁的学前幼儿的年龄太小，教育者应在尊重幼儿手部肌肉、骨骼、力量发展规律的前提下，让其信手涂鸦，尊重他们的感受。但这时，更直接、更科学的教学方法是结合幼儿的年龄特点、知识结构和认识水平来欣赏和安排美术欣赏教育。首先，选择抽象性的美术作品，如蒙德里安的《红、黄、蓝构图》，马蒂斯的《忧愁的国王》，康定斯基的《即兴35号》，米罗的《人投鸟一石子》等作品。这些形式层面的作品最容易为幼儿接受、理解和欣赏。经研究发现，比起其他风格的艺术作品，儿童更喜欢和抽象作品展开对话。因为欣赏这些抽象作品不需要太多的知识储备，这恰恰与幼儿尚完好地保存着人类的本能和直觉相一致。其次，对年龄稍大一点的幼儿应选择具象性的作品。但这些作品应是在儿童已有的生活和学习经验的基础上能理解和接受的。幼儿在欣赏了抽象美术作品后，对美术的基本要素及情感的表现性有了一定的基础，于是可以有效地迁移到写实作品上来。经研究发现，徐悲鸿的马，陈之佛的花，齐白石的虾等作品，幼儿是很有兴趣的。这些作品直接描绘了儿童较为熟悉的事物，通过对这些美的艺术的欣赏，幼儿会对美的事物更感兴趣，情感体验也更丰富。

特别需要指出的是，对于作品的选择不论是抽象还是具象，具有较强情感表现性的作品都应是幼儿美术欣赏的首选。

三、关于儿童美术考级

针对儿童所进行的美术教育，它的目的首先是培养儿童正确的审美观念，培养儿童享受美、认识美、鉴赏美的能力。然而有些家长片面地认为美术教育的价值是孩子画一幅漂亮、逼真的图画。于是，就把孩子送到校外的美术培训班、少年宫学美术。一些校外美术老师出于经济利益的考虑，抓住家长的心理，让孩子快速地临摹一些写实性作品，选出一些好的美术作品拿去参展、考级，一些毫不知情的家长以为孩子进步很大。于是决定把孩子培养成画家。其实过早地定位人生目标是违背教育规律的。更何况儿童美术和成人美术完全是两码事。事实证明，很多人在儿童时期获得大奖，甚至国际大奖的，长大后碌碌无为，甚至根本就没有从事美术工作。由此看来，儿童美术考级是有违素质教育的精神。素质教育是依据人的发展和社会发展的实际需要，以全面提高全体学生的基本素质为根本目的、以尊重学生主体和主动精神，注重开发人的智慧潜能，注重形成人的健全个性，提高人的自主性和创造性等主体性品质为根本性特征的教育。儿童美术教育是启蒙教育，是儿童对美术这一艺术形式有所了解和感知，注重的是过程而不是结果。

其实，儿童美术教育不同于专业美术教育，也不是以培养画家为目的的，而是用美术特有的形式、丰富的内容和深刻的人文内涵，表现学生的生活，打动学生的心灵。而校外美术培训班和少年宫的多数老师只注重技术训练，单调乏味，或者要求苛刻，批评甚多，严重地挫伤了儿童的学习兴趣。所以，家长应理智地看待儿童美术考级，社会也应坚决叫停儿童美术考级。

四、正确的评价幼儿美术作品

绘画是儿童大都有的潜能，是儿童不启自发的一种自然表现。绘画给儿童带来很大程度的不是作品的本身，而是儿童在信手涂鸦中于纸上留下的痕迹和此过程带来的快乐。对于幼儿美术作品的评价，不能以“画得像”、“画得好”、“××的画是班上最好的”等来作为评价标准。我们应关心孩子是怎么画出来的，用符合幼儿的认知能力和心理状态去了解他们的内心世界。幼儿没有立体、透视、线条等的概念，且他们的观察事物的能力也比较差，秩序紊乱，对复杂的空间感知能力弱，画出的作品没有透视、空间，可能过于大胆，造型夸张、构思奇异、和原始绘画有着惊人的相似，天真幼稚的突出特征淋漓尽致地表现在画面上。这时教育者不可用成人的眼光要求儿童，而应站在儿童的立场去赞美他们，积极地引导孩子充满生机和活力、主动地作画，用手中的笔将真情实感融入画中。

儿童美术作品的评价要兼顾儿童自身的身心阶段和社会发展总体要求。教师、家长要尊重孩子的个性，用亲情的语言，正确的评价激发学生创造力。注重不同幼儿之间的个性差异，让幼儿的画面呈现符合幼儿心灵的美。

五、对学前儿童的绘画心理认识

不了解学前儿童绘画时的心理特点，就不能很好地辅导儿童，也就不能很好地评价幼儿美术作品。学前儿童年龄小，心理没有发育完全，对外界接触不多，缺乏知识经验，所以他们的思维认识、行为动作都是幼稚的。他们在画画时的意识、造型等也都是幼稚的，这就是通常所说的“涂鸦期”，这时他们的手、眼、脑配合得并不默契。从心理学角度来讲，这显然是儿童从直观形象思维向抽象思维发展的过渡阶段。当儿童进入这个时期，教师要及时给予指导。幼儿很乐于在绘画中展现自我，比如他们的自己的作品，一定会拿给家长或老师看，希望能和他们分享成功的喜悦，所以这时的家长和教师一定要丰富其想象力，给予充分的肯定和表扬、尊重儿童的心理，让他们在儿童绘画王国尽情飞翔。

在大力推行素质教育的今天，儿童美术教育已经深入人心，它充满了人性化的关怀和关爱。我们要顺应幼儿的身心发展，通过幼儿的自我表现去构建健全的人格内涵，寻求最佳的教学方法，让儿童在学画的过程中真正享受到欢愉和乐趣，促进儿童美术教育健康发展。

参考文献：

［1］尹少淳.关于儿童美术的几个问题［J］.美术，2007，6.

［2］屠美如.儿童美术欣赏教育研究［M］.教育科学出版社，2001，3.

第9篇：抽象美术作品的特点范文

[关键词]抽象 太空美术 肌理 表现

一、太空美术的起源及发展

太空美术又称天体美术，是建立在现代天文科学和宇航科学的空间探测及理论研究成果的基础之上、以绘画的形式来展示宇宙天体的真实景色以及未来人类更深入认识太空的构想。（《科学在传播中与艺术的互动——太空美术的形成》作者：张品 中国学术信息网1994-2010。）

太空美术是在天文学研究的基础之上发展起来的，虽然形成时间不长，发展历程却很久远。早在1609年，伽利略就试图通过改造的望远镜来观察天体，并描绘出人类历史上第一幅关于天体的素描写生《月面图》。在这之后的二百多年里，由于摄影技术尚未出现，天体素描画就成为这一时期天文学家研究的记录手段。但是这一时期的绘画是以记录和研究为主的复制写实，和太空美术的概念相比，在审美情趣和表现意识上还略显晦涩。

1711年，意大利美术家克雷绘制了关于太阳、月亮、水星、金星、火星、木星以及彗星的8幅油画作品。当然，太空美术的形成，不仅是一种美术语言的表达就足够成形，美术家们对于太空美术的创作还探寻了其他的创作形式，如1865年，凡尔纳创作出版了天体铜版画《从地球到月球》。

至1893年，摄影术诞生后，作为记录天文学研究的天体画逐渐被摄影术所取代。然而摄影术却成就了天文美术家们，他们开始寻求在科学与艺术审美共生的立足点。以美术的形式诠释科学知识，也以科学的完善来充实艺术内涵的扩展。如阿恩海姆在《艺术与视觉》中所说：“在艺术中，人的心灵运用一切有意识和无意识的能力去接收外部世界的信息，并给这些信息赋以形状和加以解释”（鲁道夫·阿恩海姆，《艺术与视觉》，滕守尧、朱疆源译，北京：中国社会科学出版社。1984。638页。）。

天体画的逐渐退役，反而促使了太空美术向艺术性的方向发展起来。太空美术家开始寻求科学与艺术的契合点，在尊重事实的基础上，融入自我对客观的理解，以及选择不能的创作手法来表达他们的作品而非记录。比如，法国画家特鲁夫洛的15幅天文作品首次成为科学美术作品和教材，并且在1895年发表的《大众天文学》中刊登广告来宣传这部画集。德国画家克兰兹也创作了一些天文美术作品，发表于《宇宙和人类》。天文美术家和天文科学普及工作者吕都，在二十世纪初期拍摄和绘制了多幅作品分别发表于英国和法国的书刊上，用来普及天文知识。这些著作由法国著名的拉鲁斯出版社以巨开本的形式出版。其中包括《天》、《在别的世界》、《天文学——天体和宇宙》（《太空美术与科学普及》，作者：李元《科普研究》第2期2006年6月，44页。）。

美国著名太空美术大师邦艾斯泰也深受吕都影响，创作了大量的太空美术作品。他于1944年《生活》画报上发表的名为“土星世界”的组画，排除了图解说明的性质，而转换成为真正艺术的形式，也成为太空美术成为专门的绘画领域奠定了基础。1946年，他又创作了《月球旅行》组画，以及与火箭专家冯·布劳恩等合作的《征服太空》、《征服月球》、《火星探测》等系列图书画册。

进入二十世纪五十年代之后，随着航天技术的提高，人们对宇宙的认识加深，太空美术进入了大发展时期。1957年10月第一颗人造卫星由前苏联发射成功。1964年，前苏联宇航员列昂诺夫第一个离开飞船走进太空，特别的经历，使他成为了一名出色的太空美术家。他与另一位太空画家科洛夫于1984年，合作出版了著名的《人和宇宙》大型画集，收录了近百幅太空画作。

同时期在太空美术中做出卓越贡献的还有很多。如英国的哈代出版的太空画集《星球世界的挑战》。日本被誉为“东方之星”、“日本的邦艾斯泰”的岩崎一彰，与美国科普作家阿西摩夫合著了《宇宙美景》画集。此外，还有美国的米勒、麦考尔等天文美术家，分别在结合科研的画册出版、油画、壁画等多种绘画形式找到了太空美术的语言和表达，也为太空美术的发展再增成果。

二、中国太空美术创作发展

建国以来，我国的航天事业发展迅速。太空美术也逐渐被重视起来。李元作为天文学家、天文科普专家和北京天文馆的创始人，将大量的国外太空美术作品收集研究，展示给国人。也培养了中国第一批太空美术家，其中就有我国本土著名的太空美术画家喻京川。1954年，李元与卞德培合编了一套大型科普活页图册《天文学图集》，图集中收集了大量的天文图片资料，成为迄今为止收录最全面的天文科普图册。李元又于1984年，在世界著名太空美术评论家、美国宇航博物馆前馆长杜兰特等人的协助下，组织了颇受关注的“宇宙画展”和“宇宙在召唤”太空美术展览。这次展出奠定了太空美术在中国发展的基础。

被称为天文奇才的闵乃世，将天文教育形象化，较早的编撰绘画了大量的天文科普读物，并将天体绘画融入了设计装置艺术的元素——擅长以独特的设计手工和绘画直观的展示天文知识。

深受李元对太空美术的的热情影响，喻京川较早的成为太空美术的探索者。1997年，在北京举行的“97’北京国际科幻大会”中的“科幻美术作品展”中，喻京川以他的《鹰巢探幽》等30幅作品与世界太空美术家列昂诺夫等人同时展出。

此外，天文摄影家周熠君将天文观测与摄影技术相结合，创作了大量充满梦幻色彩的天文摄影作品。他也以不同形式绘制了大量的数码和素描太空美术作品。美术家吴同椿为中国画创作与太空美术构建了一座桥梁。他的作品立意于太空，深受艺术界与天文界的认可，先后被各地天文馆邀请出展。

2008年，美术教育家张鹏教授将科学与艺术的思想联系起来，提出了《油彩艺术的观宇架构》的科研课题，并创作百余幅油画创作，先后举办了三次课题阶段性成果展，其中包括广廷渤的油画《天眼》、张鹏的油画《冰河世纪》、巫晓疆的油画《绚丽的中子星》等作品，从不同视角，不同油画技法和手段表现了画家个人对天文天象的理解和诠释。同时，创作团队发表了多篇的学术论文，包括刘晓红的《新的冲击》、张君的《乾坤万里眼，时序百年心》等。（《仰望星空》主编：张鹏，赵慧平，刘凤山，沈阳出版社 2009，12）此次课题的展开，也揭开了中国太空美术的新方向，一方面，它以课题的形式，集中了一批画家和美术爱好者参与到自然天文与艺术的结合的研究探索中；另一方面，它也发展了中国太空美术的艺术形式，由之前较为单一具象的表现形式发展到以油彩为基础，画家主观想象和主观表达深入其中的多角度、多风格的表现。至此，太空美术创作在我国，出现了抽象的油画表现形式。

三、国内抽象天体油画的创作特点

太空美术，是以科学的形式升华到艺术的层面的一种创作，它既需要创作者尊重科学事实，了解掌握已有的科学知识现状，又需要创作者发挥自主的想象力和分辨力，去完善科学成果和探索路程并发现未来的发展方向。它既要与科学同行，又要走在科学以先，又可以是一种时空倒置错位。

所谓抽象， 朱光潜《形象思维在文艺中的作用和思想性》：“抽象就是‘提炼’，也就是同志在《实践论》里所说的‘将丰富的感觉材料加以去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的改造制作工夫。’”（《形象思维在文艺中的作用和思想性》，朱光潜，《中国社会科学》1980，第二期）可见，抽象就是指从许多的事物当中，舍弃他们非本质的个别属性，抽取出其本质共性的东西，从而形成一个概念或者一个象征性的符号。是一个由从共同本质出发来加工提炼的结果。进而，我们说抽象绘画，也就是在与具象画相比之下，更为简明的对与事物的加工提炼与概括的绘画。太空美术家喻京川把太空美术分为三类：一是建立在科学研究，且完全遵守科学事实基础之上的太空科学美术；二是以科学幻想为主，具有预测和前瞻性的太空科幻美术；三是以纯幻想为主，表现抽象的太空世界以及人的内心世界、潜意识的太空意向美术。

国内太空美术中的油画创作有相当一部分抽象形式的作品。与国外不同，国内的创作，常以现代天文成果为基础，结合画家对于成果之外的设想，创作结合画家的内心情感。与国外相比，以英国的著名太空美术家哈代的作品来说，他喜欢把历史故事或者是太空幻想加入创作中，注重结合上的分布与形式感，作品的叙事性和故事性较强。东方人保守传统更注重传统的传承，喜欢遵循事物的本质，使事物看起来合情合理，画面也总体现着儒家思想的中庸之道的基调，较比西方人选材的大胆直接、切入主题的特点，显得婉转而隐晦。正因为如此，早期的中国的太空美术家选择了中国传统的中国画表现形式。国画独有的渲染特点在表现宇宙的空寂非常适合，也表现出了中国绘画质朴纯真的一面。但是绘画材料的选择上，水墨轻薄的特质也有其在厚重质感上表现的局限性。这也促使中国太空美术向更多表现手法的探索中前进。

油彩的表现形式，一方面因其自身色彩的饱和度高，提高了画面的光鲜度；另一方面也更容易于厚度和空间表达。国内太空美术的抽象油画创作大多寻求一种肌理厚度来表达人们对未知事物的猜测，更寻求在光源色彩之上有一种厚重感来表达对宇宙奥秘的理解。如《冰河世纪》，画家在创作中较多的选择了肌理质感来处理他的画作品，使画面显得厚重并且视觉冲击力更强。肌理油画的技法并不是简单的油彩颜料堆积，它需要在色彩创作以前有明确的构思和起草，强调以扎实的基本功作为基础，注重写生素材和思想的积累。这种技法注重于底子的制作，与使人想起美国画家费欣的油画创作。但费欣的油画受到俄罗斯传统油画影响，选用厚实快干的底料做底子，适合于快速层层堆厚的表现。《冰河世纪》的肌理干湿结合，稀释的部分却任由颜料流淌在画面上，一部分自然，一部分人为，将二者充分结合自然的表达出效果。同时运用色彩对比和明暗对比，诠释出宇宙间物质色彩及明暗较大的差异和纯粹的真实。

国内太空美术的抽象油画创作，在色彩和塑造上也加强了主观色彩，意在带人们回归到原始朴素的浪漫情节中。追溯其思潮，使人不难联想到德国当代画家安塞尔姆·基弗的创作。作为德国表现主义的先驱，基弗的创作中渗透着对历史及文化的反省和思考，深受二战影响，他努力正视纳粹时期的恐怖及德国的历史、文化与神话，希望为德国理想主义疗伤，助其复兴。安塞尔姆·基弗在绘画上有很大的抱负，他渴望用绘画来重新界定整个德国历史与文化的发展，以这一点与人类其他某种更高尚的才能和天性相结合，引发人们思考。与画面看似相似的国内太空美术作品《宇宙幻想》相比，画面除了巨大和复杂的肌理使作品充满了力量、给人以震撼的视觉冲击力外，基弗的画面渗透出晦暗的色彩，迸发出一股强烈的历史重量感，给人以威胁和压迫之感，它让我们似乎看到了许多存在于人类灵魂深处的邪恶。虽然两幅作品同样引人思考，基弗而在创作的时候感受到了生命的流逝，而《宇宙幻想》引领我们回归原始的思考，与追寻最质朴特质的人生价值的反思，带我们回到了生命之初，在创作思想和立足点上不同于前者。

我国的油画创作在改革开放的三十年中如雨后春笋，百花齐放，从不同角度去探索中国油画的成长方向。比如中国美术学院的许江教授致力于当代油画创作，依托中国社会发展的契机，融汇了东西方文化思想。他不但吸收西方的经验，而且对来自西方的影响作清醒的文化审视并采取策略性的响应。所以他的作品既不同于马远、夏圭的寄情于物，也不同于莫奈、塞尚的视觉印象。但是许江的作品依然追求一种历史文化上的传承。与许江不同，国内太空美术的抽象油画创作大多落实在了科学知识上，以科学的眼光寻求它们的审美趣味。作品融入丰富的天文科学知识，有着丰富的天文材料和理论为依据，在创作手法上结合中国老子的《道德经》提到的“大象无形”的理论，与荷兰画家蒙德里安所强调的“减去次要、偶发因素，追求一种图像的本质”，并融入了瓦西里·康定斯基在1912年的作品《带黑色的弓形， 154号》中所带有的猛烈冲突的动势和紧张的气愤，给人以生动鲜活的想象，甚至能感受到空间的运动。在中国当代油画创作的大背景下，这无疑推动了新一代在知识信息全球化和文化传播等方面的发展。

四、国内抽象太空美术创作的贡献与展望

太空美术发展到今天，在大的自然界背景下，它是状物的一种；在绘画史的背景下，它与中世纪宗教画相比又是一个叫冷门却被随时关注的题材，同时人类从17世纪到如今对太空的不断认知，也催促着艺术家记录一份这样不断发展不断前进的太空科学发展史。

抽象太空美术创作以不同的角度，去观察并解读太空天体的美感，是在认知的基础上进行的艺术加工，并结合不同的创作技法在抽象天体的质感方面进行了描述。是一种思想认知与科学观念的综合之上，与油彩等综合材料表现手段的双重多层次的结合。它要求作者将物象融汇于心，选择最适合的手段方法来表现作者究其本质的理解；它又是客观宇宙的缩影，不会离开宇宙真理的本质，需要我们在探索科学的同时积极的去认识、去思考；它还代表了我国当代艺术的一部分发展，是一个新课题，一个新方向，更是一个新的审美立足点。

抽象油彩的加入，是我国太空美术首次的创作尝试，它将促进我国的太空美术家，描绘太空景致表现形式的发展和思路的扩展。同时，随着油彩艺术的发展，界定于综合材料与油画的边界也越来越模糊，抽象太空美术的表现手段也将在方向和技法等方面，进行更深层次的探索和发展。

参考文献

[1]《科学在传播中与艺术的互动——太空美术的形成》作者：张品 中国学术信息网1994-2010。

[2]鲁道夫·阿恩海姆，《艺术与视觉》，滕守尧、朱疆源译，北京：中国社会科学出版社。1984年。638页。

[3]《太空美术与科学普及》，作者：李元 《科普研究》第2期2006年6月，44页。

[4] 《仰望星空》主编：张鹏，赵慧平，刘凤山 沈阳出版社 2009，12

[5]《形象思维在文艺中的作用和思想性》，朱光潜，《中国社会科学》1980，第二期