艺术创作的理解精选(九篇)

前言：一篇好文章的诞生，需要你不断地搜集资料、整理思路，本站小编为你收集了丰富的艺术创作的理解主题范文，仅供参考，欢迎阅读并收藏。

第1篇：艺术创作的理解范文

【关键词】传承；创新；当代陶瓷艺术

中图分类号：J527 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）01-0183-01

在科学技术的发展下，各种类型的生产工艺衍生出来，这些生产工艺被人们应用到陶瓷艺术领域。为了丰富我国传统艺术形式，需要在时展下传承与创新当代陶瓷艺术。

一、当代陶瓷艺术发展概述

当代陶瓷艺术是指在传统陶瓷艺术上发展起来的一种在思想观念上更为先进、富于变化的陶瓷品。当代陶瓷艺术品是艺术家通过视觉符号、视觉形象等对内心情感的一种理解，通过这种表达能够让人们了解陶瓷艺术的生活意义。从陶瓷制作工艺上看，当代陶瓷艺术从自然中取材创作，在制作的过程中融入了创作者的情感，为人们带来了具有审美意蕴的艺术品。

二、当代陶瓷艺术传承和创新的意义

第一，传承和创新发展当代陶瓷艺术符合时展需要。在经济全球化和科学技术的发展下，当代陶瓷艺术传承和创新成为推广我国传统文化的重要媒介，对提升我国在国际上的地位发挥了重要的作用。第二，当代陶瓷艺术的传承和创新符合中国文化环境发展需要。陶瓷艺术本身发展也体现了全球化的特点。我国文化在发展和传承的过程中受到了外来文化和外来艺术形态的冲击，为了更好地彰显我国文化特点，在当代陶瓷艺术发展的过程中需要传承和创新。

三、景德镇陶瓷发展没落现状

惯有“瓷都”之称的景德镇虽然在发展的过程中体现了陶瓷艺术发展设计的优势，但是在时代的发展变迁中，景德镇陶瓷发展逐渐显示出自己和时展不相适应的地方，呈现了一种流水线式的生产模式，陶瓷艺术品的大批量生产仅仅是为了满足人们对陶瓷的数量和生活需要，忽视了陶瓷作品的艺术性特点。

四、传承和创新当代陶瓷艺术的策略

（一）摆正陶瓷创作的目的。当代陶瓷艺术创作的最终目的不是实际应用，而是在结合了陶瓷艺术创作手法和艺术创作者的思想之后对当代人文化意识和价值观念的传达。这种具有时代特点的陶瓷艺术创作能够更好地促进中国当代陶瓷艺术发展，为此，需要有关陶瓷艺术创作者摆正陶瓷艺术创作的意图，树立全新的陶瓷艺术创作思想理念。

（二）实现对传统陶瓷艺术创作审美特征的继承。当代陶瓷艺术在某种程度上是对传统陶瓷艺术的继承和发展。在审美领域发展范畴上，审美发展是一个动态化、开放化的发展过程，随着时代的发展变迁，审美发展趋向也会发生相应的改变，这种改变不仅体现在陶瓷制作工艺上，而且也体现在对陶瓷创作思维理念的开发。当代陶瓷创作的审美艺术取向加强了对人性和物性的关注，即陶瓷艺术的一切创作要以人的发展需要为基础，精准的陶瓷艺术创作品需要体现天人合一的创作境界，将当代陶瓷艺术创作从技术层面发展到精神层面。在时代的发展变化下，当代陶瓷艺术创作注重审美艺术创作理念的新颖，尤其是强调陶瓷创作高温综合色釉装饰物的选择，从而向人们充分展现当代陶瓷艺术创作的缺陷美。

（三）实现对传统陶瓷创作工艺的取其精华、去其糟粕。当代陶瓷艺术创作在以实用设计为设计目的、原则的基础上，更加注重当代陶瓷艺术创作创新，将当代人的思想理念、文化意识等充分融入到当代陶瓷艺术创作设计中。当代陶瓷艺术创作在吸收传统陶瓷艺术创作精华的同时，还要去掉传统陶瓷艺术创作的糟粕，改变陶瓷艺术创作的单一理念、单一创作模式，加强对创新性陶瓷艺术创作工艺手法的应用。在当代陶瓷设计中多应用抽象化、概括化、艺术化强的意象和理念，采用颜料的多种组合方式，从而更形象、生动地展现陶瓷艺术作品的形象，展现当代陶瓷艺术的民族文化特色和文化内涵，实现当代陶瓷艺术的中国化发展。

（四）借b国外先进陶瓷艺术创作理念。当代陶瓷艺术随着时展需要进行创新，为此，当代陶瓷艺术创作者在继承中国传统陶瓷艺术设计理念的同时，要注重陶瓷艺术创作的世界化发展，在当代陶瓷艺术创作信息接收、筛选等过程中，充分吸收世界先进的陶瓷艺术理论，实现当代陶瓷艺术创作的与时俱进。

五、结束语

综上所述，随着时代的发展，我国当代陶瓷艺术发展要在继承传统陶瓷艺术创作的基础上，结合时展需要对其进行创新，深入挖掘陶瓷艺术品创作的文化内涵，在发扬陶瓷艺术创作内涵的同时，吸收国内外最新的陶瓷艺术创作思维、创作文化，从而在时代的发展下更好地实现对当代陶瓷艺术的继承和创新。

参考文献：

[1]邵长宗.传承与创新的当代陶瓷艺术的几点建议[J].现代装饰（理论），2014，（09）：144.

[2]当代体育科技2015年第5卷总目录[M].当代体育科技，2015，（36）：257-302.

第2篇：艺术创作的理解范文

【关键词】艺术创作；生活；内容；形式

艺术的开始，是随着人类的产生而产生的，由于工业文明的快速发展，现代文化的大量产生，及传媒能力的迅速膨胀，人们越来越难找到真正属于自己的内心世界。而艺术创作正是一种精神的体验方式，属于自己的内心世界，通过自己的真实感受来认识自然界中的万世万物，通过艺术创作的形式再现自己真实感受。

一、艺术创作是生活的再现

艺术创作是生活的再现，它是对生活中事物美的提炼，并且把它表现出来。艺术创作是一个表达自己内心世界活动，通过自己在平时生活中的观察和体验去了解自然的规律和时代的变化发展，在内心活动的驱使下，运用一定的艺术语言和艺术手法技巧，经过艺术加工和创作，将自己的生活体验和思想感情转化为具体、生动、可感的艺术形象。艺术创作是现实生活在我们头脑里反映的产物，是一种复杂的精神活动和生产制作活动，要谋求艺术创作与生活达成真正的联系，首先在艺术家这个层面上，作为美的创造主体的艺术家，既体验着生活，也表现着生活，从而形成艺术作品。这就是说，从艺术层面上讲，艺术创作原本就是再现生活的，并且艺术创作就是生活的一部分。

在生活中自身的沧桑生活经历，在其自己的创作中表现的由为重要，是一种自我宣泄的方式，有生活才能有艺术的创作。挪威画家爱德华・蒙克，堪称20世纪表现主义艺术的先驱，他出生于挪威洛顿，童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下了不可磨灭的印记。这些经历无数次震撼了他的内心，触动了他的情感，这种经历成为他后来创作的源泉。他在忧郁，惊恐的精神控制下，以扭曲的线形图式表现他眼中的悲惨性。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惶之情，表现的淋漓尽致，蒙克的作品则惊人的表现力来自于对艺术家内心世界不加掩饰的忠实表达，

二、生活是艺术创作的源泉

生活是艺术创作的源泉，而艺术创作又高于生活。艺术创作不是简单的描摹，如果说没有对生活的体验和感受对于绘画创作将会是沉重的打击，那么将会导致艺术作品趣味性的下降，生活中经验和完整的知识结构体系都是我们必须积累和准备的，它可以决定我们对生活和对生命，以及对人与人之间情感的把握和认识。我们只有对于艺术的表现形式及精神内容的辨证关系有一个明确的认识，如何去表现什么和怎样去表达思想内容，对所要表达的东西在头脑中要有充分的认识和定位。

从古到今无数的成功的艺术作品，都可以充分表明现实中的生活是他们无可置疑的创作源泉，绘画是一种艺术活动，所不同的是它具有自己独特的艺术语言，它是运用线条，色彩，造型，肌理等，依据一定的形式进行搭配组合，完成和传达精神内涵的任务，绘画作品不仅是形式和内容的体现；更是精神外内容的传达，当我们欣赏作品时仿佛能感受到画家创作时心情，由此看来绘画语言包含了技巧，形式，内容和情感，它们相互制约，相互渗透。在众多的展览会上，人们不仅关注作品的内容和形式，更多的是在短暂地浏览中体会作品所述说的某种观念，所以艺术家大多把艺术的高境界放到了心灵的磨合中，都不是简单的照描画虎，而关注的主题是怎样表现人的思维方式和生活状态。

如果要在现实生活的需求和喜好中来挖掘美的所在，领悟美的所在，就必须起积极对复杂的世界有所了解。荷兰画家伦勃朗身世起落坎坷，前半生家业腾达，主顾盈门，后半生家道中落，丧妻丧子，自身经历的坎坷和对当时社会现实的冷峻透视，使他在绘画中寄寓了对真与善的执著追求，赋予笔下形象博大深邃的精神感召力。他的肖像深刻地揭示了各式各样人物丰富而复杂的内心世界，伦布朗最具标志性的群像作品，也是使其名利受损的作品《夜巡》，画面描绘的是射击手连队的群像画。表现的是荷兰在对西班牙的独立战争中，自发成立的民间军画组织发挥了巨大作用。荷兰独立后，这些组织的军事职能已经完成，往日的战士成为有相当高社会地位的市民。他们的组织已经蜕化成俱乐部性质，对战斗精神的回顾，也就仅仅保留在这些纪念日的巡游仪式中。在这幅画库克队长里和他的副手引导着他们的射手连所有人物皆着花式的盛装模拟着往日曾经的出巡，库克队长和他的副手似被一束舞台灯光照亮显出突出，其他人物渐隐，在或明或暗的光影中做着各自的准备，二十多个人物复杂的安排，形成生动的形、光的图案、效果。

艺术是一种特殊的情感，通过人的内心世界反映生活，绝不是自然主义的照相翻版式，而是渗透了作者内心的理想、意念、观念和综合心理，自觉不自觉的体现着作者的人生观、价值观和审美指向。艺术家作为社会中的一个元素,对现实生活的认识和表达方式是从现实到本质,从普遍到个别,从具象到抽象。他们对时代的变化和事物的发展不会无动于衷的。因为任何一种新的情感，对具有创作精神的艺术家来说，都不是外加的，而是一种自发的内在表达。

通过对几位大师艺术创作的生涯的了解，从中可以知道在生活中需要不断增强自己各方面素质修养，来增强自己的各方面能力。大自然中各种事物都是创作的对象。艺术创作不是简单的描摹事物外在的外形象就可以的，只有表现出的创作观念情感和思想，深度感悟生活各自的外在属性与之共情得其理，成为客观外物的主人，才能把握事物本质才能进行艺术创作。我在这几年的学习过程中，由于对知识的片面理解。从而造成自己对绘画及审美的困惑。在几次的写生的过程中，总是理解不了或理解不透老师们所说的意思，只是在描摹写生对象，并不是通过自己的主动观察去表现事物的美，感悟不到自然中的内在规律，从而导致自己只是粗略的了解皮毛，而要想自己有所全面的提高，则需要如其内而出其外，体验生活，才能表现生活。

第3篇：艺术创作的理解范文

艺术来源于生活，艺术是文化的一部分，有着独特的社会价值。艺术创作是艺术家以一定的世界观作为指导，再运用特定的创作方法，通过对现实生活的观察和思考，塑造艺术形象，创造艺术作品的艺术创作性劳动。艺术创作具有在现代社会具有特定的应用价值，本文主要从艺术家的艺术创作上简要谈谈其应用价值。

关键词:

艺术;创作;应用价值

一、艺术创作的定义概述

艺术创作有着悠久的历史，格罗塞曾经说过:“艺术的起源，就是文化起源的地方。不过历史的光辉还是只找到人类跋涉过来的长途中极短的一段，历史还不能给予艺术起源以什么端倪。”艺术创作是艺术家运用自己的艺术经验以及内心的审美体验，再通过一定的艺术语言和艺术手法，把特定的艺术内容转化为艺术形象。在这个过程当中，艺术家是艺术创作的主体，艺术家的艺术创作总是从特定的审美感受和内心体验出发，按照美的规律对日常生活中观察到的素材进行艺术创作，进行选择、加工、提炼、概括，然后以物质作为载体将其体现出来。真正的艺术作品是必须符合艺术创作活动的审美特征和规律的，艺术创作与艺术鉴赏和艺术批评三者是统一的结合体，艺术创作是艺术鉴赏和艺术批评的前提，没有艺术作品自然就没有后者的艺术鉴赏和艺术批评。艺术创作是一项复杂又艰巨的精神劳动，对艺术家的要求相当的高，它通常分为生活上的积累、内心的创作构思、艺术上的呈现等阶段。在生活上的积累阶段，艺术创作的灵感常常是稍纵即逝的，艺术家在生活中要细心的观察生活、善于体验生活，艺术家在生活中找寻自己艺术创作的素材，在看到某一特定的素材产生灵感之后，再结合自己内心的情感体验，表现出一种强大的冲动力，就形成了艺术作品。灵感是艺术家的创作体验，是在长期的艺术实践中积累而来的，艺术家的创作常常是厚积薄发的产物，在一定意义上艺术创作是人类自由创作的结果。

二、艺术的应用价值分析

(一)艺术创作与现代设计的结合

作为身处在一定的历史情境的艺术工作者，在利用和享受艺术资源的同时，有责任、有义务对艺术资源进行再认识与再加工，在这个过程中，一些在艺术历史上被奉为经典的艺术作品，被一些艺术家和设计师拿出来进行再创作，来作为自己设计和创作的灵感来源，虽然这一行为还没有得到明确的优与劣界定，但是就目前来看已经是取得了良好的效果，尤其是在艺术创作与设计的结合上面。著名的艺术家江因风和艺术家马艺星就曾经山寨的世界名画来创作衣服，他们是把一些手工绘制的山寨版的世界名画，经过手工的加工缝制成衣服，然后把这些衣服穿在模特的身上，用美术的角度去欣赏人类的美术，这种类似服装工业化的流程对人类的美术产生了重要的影响。不仅仅是这些，艺术创作也与很多国际上的著名品牌相结合，例如德国的大众汽车的汽车标志，就是与大卫•弗里德里希的《雾上的流浪者》相结合，德国大众汽车是德国最大的汽车生产厂，在弗里德南希的《雾上的流浪者》这幅油画中，流浪者从容淡定的气质与德国大众汽车的生产理念相契合，给人的视觉上造成较大的冲击力，有种混合艺术的风格。

(二)现代技术对艺术创作的再加工

在2010年的上海世博园中，中国馆的镇馆之宝是我国著名的《清明上河图》。但是这幅《清明上河图》并不是一个静态的展示，它实实在在的“活”了起来，它是技术人员通过投影和动画上的幻化技术对《清明上河图》的再加工。在动态画面上，我们可以看到流动的河水、张扬的风帆、络绎不绝地往来市民、来来往往的商人、小贩，甚至还可以听到小贩叫卖的声音和鸡狗的叫声，甚至连天空的颜色都可以竞相变化，这幅动态的画面不仅保存了原作的所有特征，还在此基础上加入了声音、色调等现代技术进行再创作和再加工，加入了现代人的一些大胆的想象，对《清明上河图》每一位任务都进行仔细的研究之后，完美的展现了古代清明上河园的景象，给观赏者造成较大的视觉和听觉的冲击，可以说是艺术创作的一场盛宴，让人心灵震撼的同时，记忆犹新。

(三)艺术创作的社会应用价值

随着改革开放的不断深入，我国的国民经济逐渐增长，人民的生活水平不断提高，在物质需求得到满足的同时，人们越来越追求精神需求的满足。在这种社会环境下，为了缓解社会压力，满足人们的精神需求的需要，将艺术创作和社会生活中结合起来，既满足了人们的精神需求，还提高了大众的艺术品位，受到广大人民的充分关注的广泛的应用。尤其是在公共艺术领域，公共艺术与艺术创作的结合典范来看，它已经完全融入了人们生活环境当中，成为城市建设的重要组成部分。在城市的公共空间放置雕塑作品，是体现艺术创作社会价值的重要举措。城市雕塑不仅可以美化环境，而且在一定程度上还可以提高城市居民的审美情操和个人艺术修养，拉近人们与艺术的距离，增强群众与艺术的交流。在城市中放置雕塑的位置是相当灵活的，在国外它并不叫“城市雕塑”它被称之为“公共艺术”。一开始，我国的民众对着并不太理解，随着我国经济的不断发展和与国际的逐步接轨，人们对这种艺术创作越来越喜闻乐见。但是，随着城市雕塑的逐渐增多，一些雕塑艺术家为了完成雕塑工程忽视了城市雕塑的质量，产生了许多粗制滥造的艺术品，城市雕塑质量参差不齐，再加上一直以来城市雕塑只是简单的复制模仿，缺乏艺术上的创新，失去了自我创新的灵魂。中国的书法和书画是智慧的结晶，是中国独特的艺术形式，在城市雕塑中加入书法和绘画的艺术内涵，将这种生命精神和意识与雕塑相互融合，从而形成我们民族自己的特色，从而弘扬中国优秀的艺术文化。

三、结语

综上所述，艺术是人类思想文化的重要载体，艺术创作是人类灵魂的重要展现，艺术创作与社会的结合，不仅有利于现代社会的进步和发展，还能够加强人们与艺术的沟通交流的能力，拉近人们与艺术的距离，促进人与人之间关系的协调发展，从而有利于构建和谐社会。一个历史悠久的文化古国，没有艺术创作与社会的结合，无法体现社会的文明和进步，只有充分的尊重艺术创作，积极的进行艺术创作，才能创造美好和谐的现代社会。

参考文献：

［1］格罗塞．艺术的起源［M］．北京:商务印书馆，1984．

［2］邵强．沟通和协调艺术［M］．北京:国家行政学院出版，2011．

第4篇：艺术创作的理解范文

关键词：传统文化；国画；现状；措施

中国分类号：J212文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）05-21-1

国画作为我国所独有的一种绘画形式，经过长期的发展已经形成了一套独有的绘画风格以及表现形式，充分体现了中国传统文化的精髓。每一个时代的国画创作都具有每个时代的意义，但归根结底都是中国传统文化的结晶。在创作国画时，只有把握好中国传统文化的精髓，才能够创作出无可替代的艺术佳品。但现存的国画创作中，却出现了传统文化缺失的现象，严重阻碍了富有中国文化精髓的国画的健康成长。

一、国画创作中传统文化缺失的原因

（一）我国的应试教育

在我国的教育体制下，对美术生的招生主要是通过文化课成绩加美术专业的知识考核。美术考生的文化课成绩大多比较一般，为了考上理想的大学他们就选择了美术特长，而大多数的美术考生往往是在一段很短的时间里学习美术特长，通过专门的有强度的训练使他们掌握了应试所需要的技能，而在他们学习专业技能的同时也忽略了对文化课的学习，因此对文化知识的掌握也不是很牢固。随之考生进入了理想的大学，大学宽松的氛围也使他们忽略了对自己文化传统知识的提升，这样就导致他们创作的作品没能很好都体现出中国文化传统的精髓。

（二）国画作品重形式轻实质

在国画创作中只重视作品的表现形式而轻视作品所应表达的实质内容，这也是导致国画创作中传统文化缺失的原因之一。最近几年，一些国画画家呼吁在国画创作中要有创新性，而一些人将创新性进行了片面的理解，认为只是形式及创作技法的创新，在国画作品中加入了很多技法，但这不能从根本上提升国画作品的质量，反而使国画作品越来越缺乏传统文化的韵味。

（三）国画作品的西化

现代的教育理念在各个方面都渗透着西方教育的思想，无可厚非，西式的教育确实给我国培养了很多精英，极大的带动了我国的经济发展。但也在一定程度上忽视了我国传统文化的发展。在国画创作中，一些画家也是将西方的一些创作思想应用进去，最后导致创作的作品体现不出中国国画所独有的特色，从而导致国画创作中传统文化缺失的现象。

二、加强国画创作与传统文化相结合

（一）改变美术生的应试策略

要对美术生的应试教育加以改变，要加强对美术生文化成绩的要求。这就要求美术生不仅要学好美术专业知识也要有比较好的文化成绩才可进入理想的大学。这样就能保证生源具有较高的文化素养和基本素质。美术生只有具有较高的文化素养，才能在创作中自觉与不自觉加入个人的涵养，从而使创作的作品具有传统文化的底蕴。

（二）创新与传统相结合

在国画的创作中提倡创新，但这种创新不是完全摒弃原有因素的创新，而是在传统文化的基础上进行创新，在创新中含有传统的因素以利于国画作品更好的发展。在继承中求创新，但在继承传统文化时要避免急功近利的态势，要循序渐进以学习其精髓为目的。在此基础上再创作出具有个人见解的创新作品。在创新过程中始终要秉承的是传统文化的精髓。

（三）东西方的结合

在国画创作过程中不能一问的求新鲜感而将大量的西方的创作思想加入其中，久而久之，国画中的传统文化底蕴会越来越缺失。但也不是说一味的保守，只保留中国的传统文化思想而不吸取西方优秀的创作思想，应该在深刻理解作品的所表达的传统文化的基础上适宜的加入西方的创作思想，这样创作的作品才能是一个无可替代的艺术珍品。

（四）加大各学科之间的融合

艺术创作之间都存在一定的互通性，在进行某一艺术创作时，可以大量了解与这种艺术创作相关的文化知识。往往在一些比较经典的作品中就包含了丰厚的文化底蕴。艺术创作来源于生活，在创作时可以更多的在与艺术创作相关的生活中寻找创作的灵感，但也不仅仅是当下的生活，还要在其历史发展中体会其蕴含的精神。在这里的传统文化就不仅仅是国画创作当中的传统知识，还包括与国画艺术相关的其他艺术形式的创作，如壁画、戏曲、年画等有所内涵的传统文化，其主要目的是拓宽艺术创作的视野，更好地提升创作的人文素养。

三、结语

总之，在国画创作中要渗透中国传统文化的底蕴，这就要求在国画创作时不仅仅要考虑艺术表现的一些技法还要更多考虑如何将中国的传统文化融入到艺术创作中。也要在继承中国传统文化的同时去其糟粕，取其精华，并能够不断地探索创作出具有个人特色的优秀作品，以促进中国国画的健康发展。

参考文献：

[1]杨丽丽.传统文化缺失现象在国画创作中存在的若干思考[J].神州，2011，（29）.

[2]李薇婷.论国画创作与传统文化的结合[J].艺海，2014，（01）

第5篇：艺术创作的理解范文

【关键词】高校；素描教学；人文精神

一、高校素描教学中人文精神教育的教学现状

艺术创作的最初目的就是满足人们精神层面的语言，它和文字作品一样，可以给予人们精神层面的提高，还可以在一定程度上净化人们的心灵，好的素描作品应该通过细致入微的高超技巧传达给观赏者一种文化内涵，表现出当代人文精神的一种具体特征。但是由于目前我国的教育体制问题，绝大多数素描教学老师都过于注重对素描技巧的教学，从而忽略了对学生精神层面的教学，致使许多作品只是技巧堆叠出的工艺品，而非真正意义上的艺术品。艺术院校的素描教材普遍缺少人文精神方面的教育内容，相对缺乏关于素描历史人物的人文精神分析方面的知识，使得学生在进行素描训练时，只注重人物表面的现象。人文精神教育的缺乏使得学生过于关注空间构设、轮廓修饰以及写实能力的训练，忽略了人文精神对于作品整体表现张力的提升作用，这在极大程度上遏制了学生艺术创作的质量提升。学生缺乏对于作品整体文化内涵的思考，过于注重写实，导致艺术成品多了工业制造的感觉，少了艺术创作的精神内涵。其次由于绝大多数教师对于素描成品的评价流于形式，多从技巧方面进行打分评估，致使具有人文精神内涵的作品缺少发展根基，无法在真正意义上得到重视和发展。素描是绝大多数艺术创作的基础，学生应该通过对笔触、整体画面布局以及光影运用的思考去设计作品的文化内涵，提高作品中表现人文精神的能力，创作出真正的艺术品，而非工艺品。

第6篇：艺术创作的理解范文

一、艺术作品的生产过程

马克思在运用唯物史观分析人类社会形态的过程中，提出了艺术生产理论。艺术生产理论把艺术创作、艺术作品、艺术鉴赏这三个相互联系的环节，[1]作为一个完整的系统来研究，深刻揭示出艺术作品与欣赏者、对象与主体、生产与消费之间的相互依存、相互转化的辩证关系。

艺术生产理论中的“艺术创作”环节指的就是一度创作。对于歌曲来说，一度创作是曲作者通过丰富的生活生产体验产生乐思，形成歌曲创作的灵感，最终谱写成歌曲。与艺术生产理论中的“艺术作品”环节相对应的是二度创作。在原作的基础上，演唱主体通过分析和理解，真实再现曲作者的创作思想，再加以创造性地延伸，最终通过演唱表达出作品更深层次的内涵。二度创作是演唱主体赋予作品以新的生命力的过程。艺术生产理论中的最后一个环节——“艺术鉴赏”，则是观众对艺术作品的评价和欣赏。在这个过程中，观众潜移默化地提高了自身的审美修养和艺术鉴赏力，对于培养健全的审美心理建构起到了积极的作用。因而，这一过程又被称为三度创作。艺术教育的意义正是于此。

音乐活动中一度创作是对生活的提炼和概括，二度创作是对一度创作的补充和丰富，三度创作则是将一度创作的结果还原到生活，推动新的一度创作完成。艺术课堂的说、唱、演、奏、舞、画等活动都是在创作中进行。一度创作、二度创作和三度创作三者相互作用、互为联系，形成了一个完整的闭环。

二、做好二度创作的“四要”与“四不要”

声乐演唱中，二度创作是关键一环，通过演唱主体对艺术作品的再次呈现，将词曲作者与表演者、欣赏者在不同时空不同维度紧密连接起来。因而，二度创作需要演唱主体从歌曲的本质内容开始，认真研读，反复揣摩，掌握歌曲的精髓，将其内化于心，外化于声，既有对原唱的形似神似、形神兼备，更贴有自我独特个性的标签。即使是由原词曲作者或原唱者多次演唱同一首歌曲，每次也会有不同的心灵体验。很多歌手都表示，对于同一首作品，每次演唱效果都会不同。因此，做好二度创作对于演唱一首歌曲来说显得尤为重要了。建议从以下四个方面做好二度创作。

做足唱前功课——熟读歌谱的音符、节奏、歌词、表情术语等，为歌曲演唱的二度创作打好基础。识谱、读谱、背谱是演唱主体必备的基本音乐素养。通过听歌来模仿和学习歌曲是非常有限的。演唱前，需要认真研究歌谱，掌握歌曲的全貌，分析谱中的调性、音符、节奏、段落等基本要素，这样就能在练习前做到胸中有数。接下来，还需要大声朗诵歌词，掌握咬字与吐字的韵律。有的歌谱还会标记音乐表情术语，了解各种常用音乐表情术语，对于准确地唱好歌曲是有很大帮助的。

理解歌曲内涵——了解歌曲创作背景，分析歌词情感变化，产生“心灵共鸣”，更加准确、深入地了解歌曲作者的创作意图与歌曲的艺术内涵。每一首歌曲的背后，都有一个鲜为人知的故事。例如，1999年，贵州某景区发生了缆车坠毁事故。一个名叫潘子灏的孩子的父母在缆车坠落时双手将孩子托起。孩子得救了，而他的父母双双失去了生命。歌手韩红知道这个故事后，非常感动。她领养了这个孩子，并创作演唱了歌曲《天亮了》。这样的歌曲创作故事还有很多。这就需要演唱主体在熟读歌谱的同时，还要深入了解歌曲的创作背景，走进歌曲作者的内心，以独创性的行腔形成声情并茂的演唱，触发自身与歌曲作者之间的“心灵共鸣”，同时也为歌曲演唱的二度创作做好情感铺垫。

适时调整改进——根据不同演出需求，对歌曲的演绎形式进行适当调整。参加不同的演出，对歌曲的需求也随之发生变化。例如，有的节目将独唱改为对唱或重唱，应与合作者设计好分句、声部和表演动作。或者把独唱歌曲与其他歌曲整合为联唱节目，应挑选歌曲的部分进行重点练习，熟悉前后歌曲，做好与其他联唱节目的连接。

三、实现二度创作的主要手法

英国著名戏剧家、诗人莎士比亚曾说过，一千个读者眼中就会有一千个哈姆雷特。意思是每个人有不同的经历，对事物就有不同的看法。每个人对同一个事物的看法也会各有不同的见解。声乐演唱的理解与表达也是因人而异的。尽管实现二度创作的路径不同，最终判断的标准都是唤醒歌曲新的生命，表演富有感染力和影响力，达到启迪心智的作用。

经过归纳总结，进行声乐演唱的二度创作主要有深度情感表达、改变演唱方法、创编歌词陈词、设计曲风节奏这四个手法。各手法之间是相互依存、互为联系，共同作用形成二度创作。

(一)深度情感表达

情感是艺术创作的内在生命和灵魂，没有审美情感就没有艺术。每首歌曲被赋予的情感是不同的，有表达爱国之情的，有歌颂美好生活的，有描写亲情友情爱情的，也有宣泄内心情绪的，等等。演唱的最高境界是感动观众，但首先要感动演唱者自己。当演唱者完全融入歌曲的意境时，其情绪和声音随着歌曲的变化而跌宕起伏，令观众的情绪也随之起伏，收获了美的体验。因此，演唱种类各异的歌曲，需要演唱主体具备一定的情感阅历，能够与歌曲产生情感上的联觉，真正理解和领会歌曲深含的意蕴[3]。对于相关情感上未曾经历或经历不深的演唱者，需要多阅读文学作品，观看不同门类的艺术表现形式，增强自身的人文素养，运用假想或移情的方法，揣摩歌曲韵味，逐渐走进歌曲的内心。深度情感表达是最为常用的，也是见效明显的二度创作手法。

(二)变化演唱方法

歌曲的演唱方法不再囿于原有的传统唱法。随着现代流行唱法发展，流行唱法又细分为布鲁斯(blues)、摇滚(Rock)、爵士(Jazz)、RB、Hip-Pop、民谣等多种表现形式。因此，在改变演唱方法方面，具有较大的发挥空间。比如平安、黄石磊、黑鸭子组合等，用通俗唱法重新演绎美声、民族唱法的经典歌曲，激发出歌曲新的活力。国内各卫视举办的歌唱选秀类节目中，很多歌手也将传统的流行歌曲改编为布鲁斯、摇滚、爵士等，为歌曲增添了神秘色彩。

(三)创编歌词衬词

一首歌曲往往是因其朗朗上口的旋律而深入人心。在二度创作过程中，借助歌曲原有的曲调，根据演出的需要重新改编歌词或衬词，也是一种很好的表现手法。创编歌词衬词，既保留原曲的整体风格，又能“接地气儿”，与观众产生近距离的互动。被称为“急智歌王”的台湾流行歌手张帝，常在现场用现有的歌曲即兴填词，创作出符合现场气氛的歌曲。一般来说，选择旋律较为简单的歌曲，适合做歌词衬词的改编。

(四)改变曲风节奏

这一点在本质上是与“改变演唱方法”相通的。为追求炫酷的表现效果，在歌曲中融入更多的音乐元素，或将几种不同风格的歌曲进行整合，在不同歌曲中切换演唱，增强表演的新颖度和演出效果。在实际应用中，还需视歌曲内容、演出场合、受众群体等因素谨慎使用这种方法。

第7篇：艺术创作的理解范文

【关键词】数字媒体 教学设计 艺术创作

20世纪80年代，随着电脑技术的成熟和个人电脑的普及，与之相匹配的数码相机、数码摄像机、数码扫描仪和打印机等的出现，以及飞速发展的网络科技，使影像世界得到了空前的发展。在信息化时代的今天，多媒体技术的广泛应用，使得数字媒体艺术创作被提上日程，在大学的艺术系，数字媒体艺术创作被逐步应用到教学中，笔者通过数字媒体艺术创作的特点与语言、数字媒体艺术创作的教学设计、数字媒体艺术创作的不足与对策等方面阐述数字媒体艺术创作教学中的经验。

一、数字媒体艺术创作的特点与语言

在多媒体日益发展的今天，人们有意无意拿数字媒体艺术创作与传统的艺术载体相比较，感受到了数字化影像带给艺术全新的变革，其通过技术和艺术的结合构成丰富多样的表现形态。这种全新的创意和创作使得刊物、网页和电影生动起来，达到震撼人心的艺术效果，给观众一种强烈的视觉冲击力，数字媒体艺术创作使人们得以在现有的环境中体味和感受多种方式的交流互动，而这也必将对高校的数字媒体艺术创作和商业化现代设计理念提出新的发展要求。

数字媒体艺术创作，不仅仅是电脑软、硬件技术水平的体现，更是艺术创作水平通过技术的再现。与传统的数码影像和简单的电脑绘图相比，数字化影像具有自身的特点：第一，具有可宣传、传播性。数字化影像艺术创作在各个领域被广泛应用，尤其是广告、电影电视、地产、金融、保险等。第二，成本高，数字媒体艺术创作基本都是在后期完成，需要大量的制作资金作为保障，因此，数字媒体艺术创作只用在很少的场景中。第三，视觉冲击力强。任何刊物封面、电视电影场景、地产广告加入了数字媒体艺术创作，便有一种直观性和立体感。数字媒体艺术把充满了想象力的艺术元素用二维、三维等各种技术构建了与现实不同的奇异世界，而这反映在数字媒体艺术创作另一个明显的语言特征是其特有的节律，数字媒体艺术创作语言形式也是丰富多彩的，如视觉效果、听觉效果等。

二、数字媒体艺术创作的教学设计

随着数字化影像艺术在国内各个领域的广泛运用，这一庞大的需求在各大、专院校也引起反响。各大、专院校已不同程度招收理工、工程、艺术、多媒体等方面的学生加入这一学科的学习。那么如何在实际的课程中对学生进行数字媒体艺术创作的教学，笔者为此设计了一整套教学课程，作为教学实验。

1.市场现状。数字媒体艺术在近几年强势进入人们生活的方方面面，甚至很多时候控制和影响着人们的生活。数字化图像、影像已成为人们沟通和交流的桥梁和渠道，甚至影响到社会某种体系的变革，毫不谦虚地说，数字图像艺术已渗透到社会的各个方面，也已成为21世纪社会文化体系建设的主旋律。由于数字媒体艺术在各个领域的广泛应用，这方面的人才显得捉襟见肘。既懂影像技术又具艺术素养的复合型人才就更是凤毛麟角，对此，市场和社会急需数字媒体艺术创作方面的人才。

2.培养方向。技术的发展对数字媒体艺术创作人员的素质提出了新的要求，迫切需要大批既懂数字化技术又有艺术素养综合素质的人才。数字媒体艺术设计专业方向培养运用数字化的影像、音乐、图像、图形等数字多媒体形式进行艺术表现的专业人才。最终的目的是让学生具有良好的艺术素养和创新能力，吸收国外先进的数字媒体新理念和新技术，从而适应数字化技术对艺术设计人才的需求。

3.课程设计。这一专业的课程设置上，从艺术和技术两方面开设。艺术设计的课程如艺术欣赏理论、建筑艺术欣赏、工艺美术欣赏、雕塑艺术欣赏、绘画艺术欣赏、书法艺术欣赏、音乐艺术欣赏、舞蹈艺术欣赏、戏剧艺术欣赏、戏曲艺术欣赏、摄影艺术欣赏、电影艺术欣赏、服装表演艺术欣赏、动画作品的欣赏、网页设计的欣赏、室内设计的鉴赏、景观设计鉴赏、展示设计鉴赏等课程。

计算机方面课程如现代艺术设计原理、应用计算机辅助图形图像处理、视频合成、动画制作、影像编辑、音响技术、互动技术、二维、三维多媒体创意设计。

数字技术课程如造型设计、数字表现设计、网络媒体设计、数字娱乐设计、数字插画艺术。

创新设计系列课程——创新设计、数字媒体创意思维训练、数字媒体专题。

4.教学手段：这是数字媒体艺术教学的最主要环节。

教法分析：

第一，课程体系以学期或者学年为单元进行课程整合，进而形成阶梯式系列循环教学对课程设计中的课程进行系统的学习，对数字媒体艺术专业有了一整套系统的理论研究。

第二，展示案例，激发学生的创作兴趣，再提出明确可行的任务，并引导学生分析任务，提出设计题目，然后让学生充分发挥艺术的想象，并辅助技术，进而心中有数，做出理想的艺术品。电影中数字化影像艺术的运用更能让学生有直观的感受，人们在欣赏电影时，已经不是停留在过去那种对单纯的故事情节的关注上，电影中色彩、光影、音乐、音响、画面、造型的细节更为人所重视。一部大片问世，人们总会评价电影的艺术性和欣赏性，画面色彩、光影、画面等的运用是否到位。一代人有一代人的审美感受，一代人有一代人的影像风格，数字媒体艺术为不同的导演群体提供了新的创作手段。

第三，总结数字媒体艺术运用的合理性。无论是动画还是刊物的设计，抑或是电影，都开始把数字化影像运用其中，使其摆脱了传统的固定的黑白单一模式，尤其是电影，一组组快速变化的画面，各种场景的氛围几乎都可以看到艺术的韵味和数字化技法的运用。从一个个场景的变换到演员的服饰，处处都渗透出数字媒体艺术的痕迹，很多场景中，表现人物心情常常通过周边环境的移动和色彩的变换来体现，更多时候，一部电影中写实和写意的创作手法用数字化技术体现。其实，我们在电影中能看到的现实中难以实现的理想或者场景，是数字媒体艺术在电影中最佳的诠释。

第四，给学生布置作业，学生自己选择题材，自己进行创意。制作复杂的特技效果，并让学生根据自身艺术的领悟和对数字化技术的熟练掌握设计作品，使学生达到最大限度的自由发挥。这种教学实验需要三四年时间课程的教学，也是学生在大学四年或者研究生在高校度过的时间，不是一蹴而就能达到的。

三、数字媒体艺术创作的不足与对策

数字媒体艺术在国内已经取得了长足的发展，成为当今我国教育工作者一个重要的研究课题。然而，比起其他科目，数字媒体艺术这一专业仍旧不太完善、不太成熟。笔者在实际教学过程中，对其在发展中出现的问题进行了总结，并提供一些有针对性的建议和对策。

（一）数字媒体艺术创作的不足

第一，数字媒体艺术在国内还处于初期阶段，缺乏一整套有序系统的理论研究。众所周知，任何一门成熟学科的教学都是因为其在教学过程中具有自身的规律与方法，然而数字媒体艺术教学在国内却是缺失的一环，在教学理论体系中没有应有的研究热情和氛围，导致国内大、专院校数字媒体艺术创作教学专业理论知识缺乏。

第二，数字媒体艺术学科中，艺术与技术之间还有一定的不对称，学校教育要么欠缺对学生艺术素质的培养，要么忽略了对计算机技术的重视。一方面，在国内教育体制中，在数字媒体艺术课程设置上，欠缺对学生艺术素质的培养成为各大、专院校普遍存在的问题，学生的艺术素养参差不齐，过多地重视和强调技术层面，只会使这一学科限于呆板化和程式化，很难满足市场对数字媒体艺术创作专业人才的需求。这就是因为利用计算机的技术功能被提到了很高的地位，对数字艺术的工具应用能力占据主要部分，使得这一学科的教育停留在技术培养的表层上，学生设计出来的作品缺少艺术的表现，看起来更像一种技术产品而非艺术品。另一方面，有些大、专院校在体现数字媒体艺术创作教育的课程设置上，很多时候排斥计算机的技术优势，认为数字媒体艺术仅仅是另一种艺术的载体，注重学生艺术素质的培养，而对数字媒体的技术完全茫然无知。纯粹的表现艺术或者对纯粹的关注电脑、影像的技术，两者割裂使得数字化影像艺术创作理论研究无法适应时展的需要。

第三，很多大、专院校缺乏雄厚的师资力量。国外数字媒体艺术正高度发展的时候，国内的数字化教育体系处于滞后封闭状态。当国外的数字媒体处于成熟期时，国内的数字媒体艺术教育推广刚刚起步，其现有的技术与理念难以与国际接轨，虽然有些高校有意识培养这一学科的师资力量，选送一批教师到国外接受数字媒体艺术学科的先进理念和方法，但这毕竟只是个例，大部分教师队伍还是缺乏对数字媒体艺术创作的方法和观念的理解，直接影响了国内数字媒体艺术创作专业学生的专业素质和整体水平。

第四，数字媒体艺术观念的滞后和创意的缺乏也是其问题所在。国内各大、专院校的这一专业还停留在早期的计算机辅助设计或者是电脑绘图的初始阶段，很多人根本不了解计算机绘图、电脑美术和数字媒体艺术设计的区别，表现出对数字媒体艺术专业知识的贫乏和肤浅，对这一专业的观念没有跟上目前日新月异的发展。而同时，人们对创意的理解也仅仅局限在对计算机以及软件是否用得精到。更多的创意主要是抄袭外国的一些刊物、画册甚至是他们在电影、电视中数字媒体艺术的运用，脱离了自身的实际状况，往往起到了相反的效果。

（二）数字媒体艺术创作的应对措施

1.面对数字媒体艺术专业的不足，笔者认为最重要的是追本溯源，应加强和重视教师队伍建设。教师队伍在教学体系中占据绝对的主导地位，对学生授业解惑，教师的专业素质和专业水准与学生的学习质量息息相关。国家应考虑对数字媒体专业的资金投入，以此确保对教师整体素质和专业知识的培养，所以教师有足够的专业素质和过硬的专业知识是提高数字媒体艺术创作教育质量的有效方法。相关的教育机构制定一系列的培训计划，比如和国外某些擅长数字媒体艺术专业的高校建立合作关系，定期输送一批教师去深造；同时也要定期开展培训，为教师专业素质的提高搭建良好的平台。

2.数字化技术与艺术两者相辅相成。数字媒体艺术创作不仅仅是单方面艺术或者技术，而是艺术和技术的完美结合。数字媒体艺术专业课程中，数字技术与艺术修养对于培养出优秀的数字媒体艺术创作专业人才缺一不可，这一专业的佼佼者需要能将数字化技术与艺术修养两者实现和谐统一。

3.数字媒体艺术不仅仅是在课堂上，更要以市场和社会需求为导向，要重视根据市场需求培养复合型人才，而实行高校与企业的合作是行之有效的措施。很多时候，高校培养出来的人才很难适应社会和市场对数字媒体艺术创作专业人才的要求，那么我们应该意识到高校培养与市场需求之间的衔接问题，所以学校应当深入市场，以市场需求和学生就业为导向，与企业合作进行产学结合的教学模式，培养适应社会需求的复合型人才。这样的双向培养，一方面能使学生在实际工作中意识到自身的不足；另一方面通过在学校的理论知识，结合市场的需求，能较快地适应这一领域在社会上的实际功用，从而实现高校与企业的双赢，最后能快速填补市场对数字媒体艺术创作人才的迫切需求。

参考文献：

[1]尹定邦.设计学概论[M].长沙：湖南科学技术出版社，1999.

[2]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2002.

[3]孙冬梅，纪涛.浅析当代数字艺术教育发展前景[A] 数字影像传播研究，数字艺术理论体系构建及其人才培养模式研究，文章编号：1674—9324（2012）07—0119—02

[4]凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.

[5]夏进军.数字化设计艺术审美探析[D]武汉：武汉理工大学，2006.

[6]张晓艳.CG环境下的中国影视教育[J].电影评介，2009（14）.

[7]梅格斯.20世纪视觉传达设计史[M].柴常佩，译.武汉：湖北美术出版社，1989.

[8]索晓玲.动画影片画面赏析[M].北京：北京广播学院出版社，2003.

[9]徐军强.论审美意象的基本特征[J].浙江师范大学学报（社会科学版），1997（4）.

[10]章利国.现代设计美学[M].郑州：河南美术出版社，1999.

第8篇：艺术创作的理解范文

关键词：艺术创作；园林艺术；创作规律

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）08-0046-01

一、主体性

艺术家作为艺术创作的主体，在艺术的创作过程中有着至关重要的作用，无论何种艺术作品，都凝聚着客观世界与艺术家主观意识的融合与发展。在古典造园中，人们通过园林这种形式来表达自身的情感和意义，中国古人造园，山环水抱，曲折蜿蜒，"虽由人作，宛自天开"。造园者以独特的形式体现、抒发这些朴素的哲学观点和传统思想。景为心造，尊重自然，效法自然，才能具有小桥断处疑无路，流水过去又一园的诗情画意。

二、目的性

艺术创作的目的性即为了谁而作，试图确定一个群体。中国皇家园林，规模宏大、建筑富丽堂皇，有着浓重的皇权象征寓意，皇家造园追求宏大的气派和“普天之下莫非王土”的皇权观念，凭借皇家手中所掌握的雄厚财力，加重园内的建筑分量，突出建筑的形式美因素，作为体现皇家气派的一个最主要的手段，从而将园林建筑的审美价值推倒了无与伦比的高度。而封建士大夫们在城市中大量建造以山水为骨干、饶有山林之趣的宅园，在不大的面积内，追求空间艺术的变化，风格素雅精巧，达到平中求趣，拙间取华的意境，满足以欣赏为主的要求。而其色彩崇尚淡雅，粉墙青瓦，赭色木构，有水墨渲染的清新格调也迎合了文人士大夫的审美要求。

三、形象性

形象性是艺术最重要的特征之一，所谓形象性，即指艺术是通过形象来表现艺术家对生活的感受、理解和评价，反映丰富多彩的社会生活。中国园林的一道“云墙”，可使人产生山庄的联想；一湾池水、几座湖石，可予人以深山濠濮的印象。中国园林或模拟山水画，或取意田园诗文，或借鉴自然风景，但从本质上来说，它的艺术形象无不以某类大自然山水形象为蓝本，结合园主一定的思想主题而创作的。

四、情感性

情感是艺术创作的原动力，在艺术创作中，具有审美属性的客观世界点燃了艺术家的灵感的火焰，引起艺术家生命和情感的激荡，孕育出饱含思想情感的审美意象。呈现在观赏者面前的艺术形象虽然是外在的形象，但情感和思想则是一件艺术品的灵魂和血肉。而园林，是中国古代文人思想感情的寄托之所，故以冷洁、超脱， 等为高超意境的， 以吟风弄月、饮酒赋诗、踏雪寻梅为风雅内容的中国古代园林艺术的主题思想， 就是浓浓的文人情结。他们在园林艺术中找到了寓情于景、触景生情的精神归宿。虽由人作， 宛若天开，这种造园的最高境界， 就是文人想把自己融化于自然界中， 在如诗如画的园林里，寻找四野山水， 任我飘游的那种心境。

五、创造性

坡曾说过：“出新意于法度之中”，就是强调了在艺术创作的过程中，在遵守创作规律的同时，务必独出新意。创造是设计师的灵魂。就其审美本质而言，任何艺术都应该是独特的审美创造。园林艺术家受客观条件的影响比较显著，主观必须在创作中随客观而改变，通俗些说，园林艺术家多半不可能按预定的什么美的形象创造，而要在创作过程中自始至终不断探索，不断改革，不断完善，创造出新的美的观念和美的形象来，很少象其他艺术按照已有观念“一挥而就”，更不可能有其它艺术的“纯主观表现了”。

六、形式美

形式美是指各种形式元素，点、线、面、体、色彩、声音等有规律的组合，是许多美的形式的概括反映，是多种美的形式所具有的共同特征。园林的形式美是指园林整体以感性形式直接引起人们视觉美感和听觉美感。园林的形式美是通过园林的构成元素――山水、泉石、植物、建筑等的物质属性表现出来的。而各形体间的组合又是按一定规则进行的，绝不是随意的堆砌。在造园的过程中，同样也遵循形式美法则，如对称与均衡、调和与对比、节奏与韵律、比例与匀称、整齐一律与多样统一。

七、结论

园林造园手法有多种多样，但规律仍复合艺术创作的一般规律。论其形象性与形式美，园林总体形象可谓园之命脉。论其主体性，要塑造好园林，首先须确立这个园的目的，是为谁而作，是文人士大夫的山水写意园林还是宏大气派的皇家园林。说到主体性，造园者的艺术境界在造园艺术中有着不可或缺的重要性。而造园者在造园过程中想表达的个人情感和创造，更是达到了咫尺之内再造乾坤的艺术境界。这些园林艺术作为中国文化的瑰宝，以其精雕细琢的设计，折射出中国文化中取法自然而又超越自然的深邃意境。

第9篇：艺术创作的理解范文

一、武汉地区壁画艺术的发展过程

任何一种艺术门类的实践，都有其发展演变的过程，武汉地区壁画艺术的创作也不例外。

随着首都机场壁画群的落成，武汉地区的壁画艺术创作也同步发展起来，以唐小禾、程犁、田少鹏、蔡迪安为代表的艺术家的创作实践开启了武汉地区当代壁画艺术的大门。这一时期出现的大量壁画作品，如《楚乐》、《赤壁之战》、《火中凤凰》《新世界奏鸣曲》、《关羽在荆州》、《巴楚风》、《海韵》等，向世人展现了具有楚艺术特点的浪漫的艺术风采，从而得到全国壁画界的赞许，成为中国壁画领域中不可小觑的一股力量。

之后的十年，武汉地区壁画层出不穷，在题材、风格上趋向多元化。1996年，唐小禾、程犁先生在壁画艺术上再次突破。壁画装置《天籁》吸收了现代艺术的元素，将楚乐器中的元素进行重构与组合，用象征性的手法表达具象的事物。2001年，徐勇民先生创作的《荷韵》以抽象、单纯、极具寓意的方式传达了创作主题。

随后出现的以现当代元素为主题的作品，艺术家们直面当代人的生活，反映当下正在发生的事情，追求壁画在整体环境中给人的视觉感受和心理感受。代表作有：丁晓的《奥运之光》，叶庆、丁晓的《首义之魂》等。及至武汉地铁二号线特色站点壁画的落成，地铁壁画正以“公共艺术”的形式呈现在公众视角里。

在武汉地区的壁画艺术创作的演变过程中，艺术家们从题材、风格、手法等多个方面进行了积极的探索和实践，极大地丰富和拓展了壁画艺术的表现空间，提升了城市公共艺术的功能。

1、题材上

武汉地区壁画从1979年的唐小禾、程犁先生创作的《楚乐》开始，这一阶段创作的题材主要是围绕传统楚文化、武汉地区的历史故事、以及神话典故。主要代表作品有田少鹏、蔡迪安等创作的《赤壁之战》，1986年，唐小禾、程犁的壁画《火中凤凰》。以楚地历史故事为内容的壁画还有徐勇民创作的《关羽在荆州》，陈孟昕、郭雪等创作的《高山流水觅知音》，陈绿寿、郭红琳创作的《鹦鹉诗画》，之后还有叶庆、丁晓为首义广场创作的《首义之魂》，这些壁画在主题上，都利用当地历史文化素材，作为城市的“地标”展示在世人眼前，加深了人们对城市历史文化的记忆。

随着武汉城市的现代化程度加深，壁画的创作主题逐渐过渡到关注现代生活上来，延伸到与日常生活密切相关的空间。由于空间的包容性比较大，可以给壁画家更多的选择主题的空间，所以题材上可以有更加主观性的表达。这一时期的代表作有唐小禾、程犁先生创作的《信息时代》、《绿色家园》。陈绿寿先生创作的《生命的科学》，谢荪创作的《星之舞》等。这一时期的作品还有很多，壁画家们借助壁画传递着自己对于生命、生活、社会、科技的理解与感触。

随着城市化的发展越来越快，现代的城市更加关注的是对公众的人文关怀，满足他们的心理需求，达成一种与心灵的碰撞和交流。在武汉地铁宝通寺这一站，一颗菩提树活灵活现，使路过此处的人也感受到了几分禅意，让人在嘈杂城市生活中，也能保持心灵的宁静。

2、风格上

武汉地区壁画创作在风格上也逐渐发生着变化，这些风格是在近几十年里交替进行的，有穿插也有重叠。归纳起来看，武汉地区的壁画风格主要有三个：起初采取装饰性的风格比较强烈，采用的是对传统的装饰纹样进行的提炼与组合，给人一种秩序美的。这一风格的代表作品有徐勇民的《关羽在荆州》，采用平面化的表达方式，构图在对称中寻求变化，元素的重复与并置形成强烈的秩序感。

随着城市文化多元化的需求，壁画家开始创作一些与社会现实生活密切关系的题材，画面也由平面化逐渐转变为立体空间，将多个视角的场景巧妙的并置在一个画面，显得生动而丰富。这一风格的优秀作品有丁晓的《奇迹》、《奥运之光拥抱世界》等，采取的就是带有写实风格的元素，将空间运用到壁画当中，增强了画面的深度与广度，吸取了埃舍尔的多维空间的组合，画面生动而富有现代感。

壁画家尝试着将现代西方艺术理念运用于中国化的题材上，给人以新的视觉冲击。唐小禾、程犁创作的《天籁》吸收了构成的特点，将楚乐器中有表现力的元素进行抽离、组合与归纳，使作品在具有传统文化特质的同时吸收了现代艺术的特点。这些看似如直线与曲线的元素，让我们感受到了类似于康定斯基、毕加索的那种抽象语言。

3、手法上

随着建筑环境材质的逐渐丰富，武汉地区的壁画也由起初的绘制型逐渐过渡到不同材质综合运用，材质上的丰富与变化，增强了壁画的内涵、视觉美感与表现力。张志刚的《漆树叶之百态》，艺术家将广玉兰的树叶裱了布，再揭下树叶，叶脉纹理具存。把800多片漆布叶子挂在空中，形成了一个漆的空间。陈绿寿的《阳光明鉴》，采用的是紫铜锻制与青铜铸造结合。还有陈绿寿的《巴楚风》，采用的是楠木浮雕的形式，整个感觉大气、简洁。叶庆、丁晓的《首义之魂》，采用的是花岗岩浮雕的方式，很好的表现了革命历史题材的庄严肃穆之感。冯建平的《千湖渔歌》，采用的是锻造与大漆结合的方式，金属的明快与大漆的沉稳形成一种强烈的对比，给人难忘的视觉记忆。

二、武汉地区壁画艺术的发展特点

1、“地域性”的体现

地域文化元素是一个地区艺术创作的精神符号，也是艺术家们取之不尽的创作源泉。湖北地区是楚文化的发源地，楚文化的艺术元素，为武汉地区的壁画家提供了宝贵的创作素材。武汉地区的壁画家很多醉心于传统楚艺术的创作，主要作品有描绘楚国歌舞奏响的壁画《楚乐》，壁画家捕捉了画像砖中的艺术形式运用到自己的创作形象中。蔡迪安、田少鹏等壁画家创作的《赤壁之战》，是取材于《三国演义》中孙刘联军与曹操在赤壁进行水战的场景。根据楚文化创作的壁画还有很多，比作《火中凤凰》、《关羽在荆州》。陈绿寿、郭红琳创作的壁画《鹦鹉诗画》等。他们作为城市的“地标”，向世人展现着武汉的人文历史，从而加强了城市文化记忆的力度。

2、“时代性”的体现

随着经济的发展，科学技术的进步，武汉地区的壁画艺术在材质和形式上也逐渐丰富起来。由刚开始的绘制性壁画，逐渐出现了多种材质的壁画。主要代表作有叶庆、丁晓创作的壁画《首义之魂》，壁画家采用古朴、肃静的浅赭红色，整体环境让人感觉到历史的沉淀以及人民对历史的追忆、对英雄的崇敬之情。冯建平创作的作品《朴》，运用金属冷锻的方式进行创作，追求工艺与创作手法上的创新，拓展了艺术表现的空间。张自刚创作的大漆作品《禅石》，则是针对漆语言进行探索，而灵感来源于古代的石窟。

叶庆创作的壁画《时尚江城》，主题表现江汉路商业区的繁华，“时尚感”成为壁画追寻的核心。徐勇民、朱明键创作的壁画《奔流》对于抽象形式美的追求，巧妙运用黄铜与不锈钢材料表现出的协调而又富有变化的色泽与质感，体现出时代感与现代感。