艺术化设计精选(九篇)

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第1篇：艺术化设计范文

【关键词】家具 艺术设计 市场 风格

20世纪60年代，西方各工业发达国家先后进入了后工业时代，伴随着生产力和科技的发展，人们清晰地意识到，科技是为设计服务的，无需对之盲目崇拜。相应的文化思潮也进入后现代时期，开始出现各类多样化的人文思想和设计思潮。在此之前的现代主义设计风格所强调的“功能合理、形式服从功能、科学与技术统一”的观点显然不适合新思潮的发展，而且现代主义设计已走到了极端的形式化、理性化的境地，这一风格的产品单调、冷漠而无趣；应运而生的后现代主义风格是针对现代主义在设计形式上的修正和反叛，它强调设计的隐喻性，鼓励艺术在设计中的渗入，主张对装饰艺术在产品设计中运用的再认识，刻意地反对科学对人的奴役，提倡以人为本、多元共存等。

1 家具艺术化设计对国内家具制造业转型的现实意义

中国已经当之无愧地成为全球最大的家具制造大国，但由于对于设计潮流认识的缺失以及企业设计能力的匮乏，大多数中国企业对国内外同行的学是停留在形式上而不是设计灵感上，因而只能赚取少量加工利润。

我们的企业家要改变一款新家具可以占领“大片江山”的观念，要建立起品牌的设计风格。家具产品的风格化个性化设计将引导企业走出单纯制造型模式的困境，为企业带来丰厚的高附加值孙润，而在此实践中，家具的艺术化设计也将以最为耀眼的形式感凸显创新的力度。

家具艺术化设计针对的是特定人群，甚至走的是定制模式的道路。依据需求层次理论，基本的需求层次提升势必扩展上一层面的市场需求，而上一层面的需求较下一层的区别在于更趋向精神层面的需求，这为家具艺术化设计带来了可能。当消费者升级后，有设计能力的企业没有必要再去揣摩迎合大众的普遍消费心理，而是要在多元而立体化的市场中找到那些喜欢彰显设计师个性的家具作品的用户；加之借助现代传媒多方位多角度的传播优势，只要是优秀的设计都能以不同的媒介不同的方式传播，这时的市场会由之前的“面状”向众多的“点状”发展，小众化个性需求自然会逐步扩大。当然，在一定商业模式的保证下，家具艺术化设计利润会比大众化量产的产品利润高很多。

2 家具的艺术化设计与艺术化家具的区别

家具艺术化设计不同于艺术化家具。家具的艺术化设计是通过学习了解各类艺术风格与流派，汲取这些艺术风格中能成为家具设计创新点的元素以及思维方式，为家具设计服务。在此，设计是作为主体的地位，而艺术化的表现则通过各种设计创意方法融入到家具设计当中。这时所设计出的家具有艺术化的倾向，但这些艺术化的倾向更多的是在传达设计目的。由此可见，家具的艺术化设计是对艺术风格借鉴与创新的过程。

很多家具厂商排斥家具的艺术化设计，一些设计院校也将此归类到概念设计的范畴。在他们看来，家具的艺术化设计仅仅是一些光怪陆离的家具造型，没有实际的功能，生产成本高，购买人群少。这实际是对家具艺术化设计的曲解。家具的艺术化设计是为设计服务的；而且作为家具的艺术化设计不仅仅限于家具的造型表现，例如对于后现代的艺术风格，而更多的是汲取其人文思想，以及家具的造型和使用方式的隐喻表现等。因此，家具的艺术化设计是具有市场前景以及生产的可能性的，并将艺术向更具大众化的方向推广和引导。还有―种混淆的认识我们不能忽视，就是将家具的艺术化设计与艺术化家具混为一谈。国内常见的一些模仿欧洲宫廷或中国皇家的古典家具，造型复古而雍容华贵，制作工艺考究，但从当代设计角度而言，它们不具任何没计含量，仅是对原有艺术风格和型尺寸的模仿与再现。同样，有一些家具被做成工艺品的形式，如利用天然的木料以及根雕形式，做成各类造型华丽的装饰，这类家具更多的体现材质与造型，而并非从家具本身的设计来做文章。

3 家具艺术化的设计分析

我们将这些艺术化的家具与家具的艺术化设计做区分，并不具有褒贬的倾向，也绝非是对其否定，它们毕竟具有与之相适合的使用环境和购买人群。之所以区分，目的是强调艺术风格需要经过提炼和再设计的手段融入家具设计中，并在设计中担当作用或功能并为家具主体服务，具有大众化推广的可能。艺术与设计的结合绝非捆绑也非嫁接，当艺术风格与家具设计相结合的时候，常常会由于创作的指导方法原因，出现两种偏差的处理状态。

状态一：艺术与设计的捆绑。我们会看到艺术与设计是剥离的关系，极具艺术化的家具造型与家具的使用功能、材质工艺等各个设计要素间没有丝毫的关联，仅仅在做简单的加法处理，这在很多家具企业的设计作品中经常出现，同时也是一些高校设计教育的一个误区。如果这方面得不到改善，势必会带来艺术在设计中运用的肤浅和盲目，以及艺术化的风格无法量产，仅仅停留在图纸模型阶段。

状态二：设计被艺术嫁接。不仅设计师喜欢将自身设计风格在家具领域展现，同样艺术家也喜欢将家具作为创作的载体。经过艺术嫁接的家具，所长成的“植株”却是艺术家以家具为载体的艺术创作，这与我们讨论的家具艺术化设计走到了相反的方向，在一些艺术年展中这样的作品是很常见的表现形式。目前艺术院校对家具艺术化设计的尝试，对家具艺术化设计的教学尝试具有良好的基础。同时也尝试将艺术与家具设计结合，这种结合同时也是将艺术的工作方式与家具设计相结合的尝试：以实际材料出发，强调在与材料的实际操作对话中寻找要表达的主题或是个人的感受，这种方法看似对最终的成品毫无最终形象确定，但并非是盲目的、无目的与意义的。相反，在这样的工作方法下剔除了来自客观环境背景之下对设计行为自身的条件约束，放大了设计师的主观特性，因此设计师获得了真实的自由。获得“自由”的目的是为了摆脱家具“约定俗成”概念与形式的束缚，在与限定材料的摸索与对话中，个人感受会不由自主地流露在家具作品中，自然也就显现了鲜明的风格化特征。

在确定家具艺术化设计主题之前，我们也强调家具设计的方向：第一，家具设计的首要条件是围绕家具展开的艺术化设计能够满足家具特有的功能与存在语言，艺术创作思路最终为家具服务；其次，超越“家具”的设计，各类家具的概念在此基础上仅仅残存为功能与意象的指示，摈弃了家具设计形而下的造型束缚；第三，无消费群特指的设计，摆脱原有程式化设计流程中对假定消费群体、购买力等一系列特指环境而带来的约束，取而代之的是以设计师个人风格特征为主体，并在具体操作实践中完善风格强化特征，这也正是设计工作方法的改变特征。

随着经济的不断发展，家具的设计时代已经来临，设计需要创新，创新可以是功能上的、结构上的、材料上的，或者是综合性的，但必须是在视觉上形成足够的冲击力。家具市场的发展也说明了不同的家具类型是由不同结构形式的企业来制作，艺术化家具有其自身的市场层面，市场和消费者都需要多元化的设计，因此具有个性的“艺术家具”有着广阔的市场。这些艺术风格在产品设计语言中有目的的担当和理念的阐述，应该是艺术融于设计的前提和有效尝试。

参考文献

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第2篇：艺术化设计范文

关键词：互联网；网页界面；艺术设计

中图分类号：TP393.092　文献标识码：A　文章编号：1009-8631(2010)05-0173-02

一、网页的组成部分

一个完整的网页大致包括文本、背景、按钮、图标、图像、表格、颜色、导航工具、背景音乐、动态影像等要素。网页设计者所要考虑的是如何以感人的形式把它们放进页面这个“大域布”里。

(一)图形、图像处理制作

提到界面艺术化，在网页上插入一些精美、适当的图片是必要的。我们常用的图片处理软件是Fireworks。它可以制作出传输较快的gif格式的图片。占用空间非常小。相比之下，Photoshop制作的是jpg格式的位图，有损压缩，象素小了就会出现模糊或者马赛克小方格。所以我们推荐采用Fireworks处理网页图片。

(二)动画制作

网页艺术设计，少不了动画的加人，这就要求设计者有艺术修养和对颜色的综合把握能力。在没有FLASH之前，用的是Go live，后来是在htInl中嵌入Java程序编写阳动面，这要求设计者对Java语言非常熟悉。随着软件的发展，有了制作动画的专门软件。现在我们用FLASH软件制作的动画，小巧迷人，只需作为一个，swf格式文件导出，再导人到网页编辑器里即可。

(三)文本的编写

一般在网页中可以用网页编辑工具的“所见即所得”功能直接写人文字，如用Dreamweaver或者Front page等软件都可以进行文本的编写。为了体现站点的“与众不同”，可以根据需要选择一些特别字体。例如，为了体现专业可以使用粗仿宋体，体现设计精美可以用广告体，体现亲切随意可以用手写体等等。目前常见的中文字体有二三十种，常见的英文字体有近百种，网络上还有许多专用艺术字体下载，要寻找一款满意的字体并不困难。

(四)框架的应用

框架是网页的常用形式，它可以使网页更为清晰。可以把不同的页面超链接到同一框架中，使页面更加紧凑。一般框架用在小说浏览页面，或者介绍图书章节的部分。

(五)表格的应用

表格在网页中使用最为广泛，可以布局、定位，使网页更加灵活。我们可以设定表格的宽度、高度、边框、背景色、对齐方式等参数。

二、网页的版式设计

所谓网页的版式设计，是在有限的屏幕空间上将视听多媒体元素进行有机的排列组合，是一种具有个人风格和艺术特色的视听传达方式。同报刊杂志等平面媒体版式设计相比。印刷品都有固定的规格尺寸，网页的尺寸是由读者来控制的。这使网页设计者不能精确控制页面上每个元素的尺寸和位置。而且，网页的组织结构不像印刷品那样为线性组合，这给网页的版式设计带来了一定的难度。

三、色彩的运用

人眼对色彩非常敏感。打开一个网站，给用户留下的第一印象就是网站的色彩，一个网站设计得成功与否，在很大程度上取决于设计者对网页颜色的运用和搭配。主页的色彩处理得好，可以锦上添花。达到事半功倍的效果。在色彩的运用上，可以根据网页内容的需要，分别采用不同的主色调以及与内容风格相适宜的颜色。

(一)色彩有冷暖的感觉

如儿童类站点宜使用暖色系(即红色、橙色、黄色、赭色等)，不宜使用冷色系(青色、绿色、紫色等)，且色彩要丰富。

(二)色彩有柔软和坚硬感

同色相，明度高，则有柔软感。明度低，则会有坚硬感。女性站点，适量选用柔美的淡粉色或高级灰，而男性类站点，就可以使用棕色，深蓝色。

(三)色相

从色相看，暖色给人的感觉华丽，从明度看，明度高的感觉华丽：从纯度看，纯度高的色彩给人的感觉华丽。由此首饰类站点可以使用高雅的咖啡和金黄色，而香水类站点可以用明度高的淡绿或浅蓝色。

(四)色彩的联想

红色：热情。橙色：温暖、欢乐。黄色：光明、快活。绿色：和平、新鲜。蓝色：安宁、平静、理智。紫色：优雅、高贵、庄重、神秘。黑色：恐怖、死亡。白色：纯浩、神圣、清净。灰色；谦逊等等。如游戏站点，适合黑色，因为暗色感觉诡秘。旅游类站点，可以选用草绿搭配黄色。政府类站点，可以使用红色、蓝色。时装类站点，可以选择高级灰、紫色等，突出高雅氛围。校园类站点也适合绿色。科技类适合深蓝色。新闻类适合深红色，或黑色，搭配高级灰等等。

(五)对比色调

即把色性完全相反的色彩搭配在同一个空间里。例如：红与绿、黄与紫、橙与蓝等。这种色彩的搭配，可以产生强烈的视觉效果，给人亮丽、鲜艳、喜庆的感觉。当然，对比色调如果用得不好，会适得其反，产生俗气、刺眼的不良效果。这就要把握“大调和，小对比”这一个重要原则，即总体的色调应该是统一和谐的，局部的地方可以有一些小的强烈对比。

四、网页界面的优化

在页面设计中，网页界面的优化是较为重要的一个环节。它的成功与否会影响页面的浏览速度和页面的适应性，影响观者对网站的印象。

(一)背景与字体

在资讯类网站中，文字是页面中首要构成元素，因此字体的优化显得尤为重要。通常我们使用ess样式表指定文字的样式，将字体指定为宋体，大小指定为12px，颜色要视背景色而定，原则上以能看清且与整个页面搭配和谐为准。在白色的背景上，一般使用黑色。这样不易产生视觉疲劳，保证浏览者可以较长时间地浏览网页。

(二)分辨率因素

网页的适应性是很重要的，在不同的操作系统上，不同的分辨率下，不同的浏览器上，我们将会看到不同的结果，因此设计时要统筹考虑。一般我们在800×00下制作网页，会得到最佳浏览效果。现在我们设计网页，一般要考虑800×600和1024x768两种分辨率。因此我们的表格一般为居中的770左右的表格，表格的宽度最宽不要超过778。

五、网页艺术设计的建议

要提高网页设计制作的整体水平，除了设计者努力提高自身的修养，我们还可以在技术和技巧上提几点建议：

(一)主题要鲜明

优秀的网页设计必须服务于网站的主题。例如，设计类的个人站点与商业站点性质不同，目的也不同，所以评论的标准也不同。有些情况下，“功能”即是“主题”，还有些情况下，“美”即是主题。例如，雅虎作为一个搜索引擎，首先要实现“搜索”的“功能”。它的主题即是它的“功能”。而一个个人网站，可以只体现作者的设计思想。或者仅仅以设计出“美”的网页为目的。它的主题只有一个，就是――美。

(二)形式与内容统一

任何设计都有一定的内容和形式。内容是设计存在的基础，被称为“设计的灵魂”；形式是其外部表现方式。设计者只有将二者有机地统一起来，深入领会主题的精髓，再融合自己的思想感情，找到一个完美的表现形式，才能体现出阿页设计独具的分量和特有的价值。因此，在网页设计中必须注意形式与内容的高度统一。

第3篇：艺术化设计范文

作为造型艺术的线，它在造型中要体现的是对装饰花板造型的丰富表现力。

线在造型时的变化是无穷无尽的。同样是一根直线或曲线，创作者可以通过其长度、曲度、方向的改变来处理成成千上万种起伏不定的线，将这些形状各异的线进行有机的组合处理，就可以产生异常丰富的造型，用以表达创作者的设计意图、创作思维。一件成功的花板艺术作品，它的造型应该体现与配合创作者自己独特的个性。线形的流畅、形体的起伏、面的转折及相互关系，作者都在有限的空白里发挥了自己的独创性，一方面，它通过造型的轮廓线来构成形体；另一方面，是通过造型上两组交叉平行直线来增强造型形式感。其造型充分而理性的应用了线的各种处理方法，通过他们各自力量的对比、方向的变化、变化中求统一的形式来构造整体，营造出别具一格的艺术特色。

一方面以直观的线与抽象的线同时存在于某一造型设计中，其设计充分运用和体现出了抽象与具体两种概念线的相互并存、相互制约的关系，作品以“人物”形为基准的外轮廓线，构成飘逸，柔美的造型特征，它转折明快的折线所表现出来的正是抽象的线的概念与内涵，而作品运用花，装饰人物，浪花，传统的花窗的元素组合构成形体块面的转折及线条疏密的变化，表现了抽象线与直观概念线的相互并存和相互制约的关系，各种元素的组合构成了作品内在美的本质。另一方面，线造型的表现功能及表现魅力，产生了作品的内外空间既虚实、阴阳空间。一条条粗细不同，流动、畅达的线条将作品进行有机分割，使作品具有无尽的流动感和生命力。从作品各个角度来分析，造型体面的转折，面与面之间的界限，整体各部分形体与形体之间的分割，以及作品自身的外轮廓线，这些都体现了线在花版中的具体应用。再次，线在造型时表现为确定与不确造型可以随着欣赏角度的不同而在视觉上产生改变。基于以上线在花板艺术造型中无穷魅力及丰富的表现力，创作者灵活应用直观与抽象这两种不同概念的线，使两者有机紧密结合，对于传达创作者的创作思想、意图，启发创作者的创作灵感都有着十分重要的作用。当然，作为一对似乎矛盾的造型要素，在实际的创作中，不论任何一件作品都不可能是由绝对直观的线来构成，更不可能是由绝对抽象的线来构成，它们之间是相互影响，相互制约，统一于艺术作品中的。

2线的节奏与韵律

艺术花板是现代装饰常用到的一种艺术表现手法。

常用的装饰花板基本呈现特征大概可分为两类：镂空花板和浮雕花板。其中线造型在镂空花板中的表现是平面二维的。线条的本质属性是平面二维的。平面二维性或称为表皮性，依靠雕刻刀或钻头，手工或激光雕刻机器对木，金属等表面进行装饰处理。有阴刻和阳刻两种。往往只有一个面进行欣赏。这种花版讲究刀法，力度和线条的完美结合。在镂空花板艺术创作中，木板镂空后产生的正形或负形就相当于绘画作品中的线条，是花板艺术作品的生命，体现线条性格和韵律。

远在六千年前的仰韶文化和龙山文化时代，线条已经显示出二维艺术的平面表现能力。战国时期，出现了用“线条”绘制的帛画人物，发展到顾恺之，吴道子，黄宾虹，齐白石等各代名家的平面二维绘画作品中，无不以线条的变化和线条的气韵生动而构成，可以归纳为两个方面：一是独立线条的节奏与韵律，二是整幅画面线与整体的节奏与韵律。

（1）独立线条的节奏与韵律。线条的长短，疏密，交错，层叠，浓淡，虚实，呼应等，形成二维空间的节奏美和韵律美。在画面中，讲究线条和谐的应用与排列，利用系列符号的程式手法将纷繁杂乱、模糊抽象的物象规律化，条理化，具体化。浮雕花板不是本文的重点，暂不详谈。

四川邛崃文君酒店的文君花板设计，将线条的二维表现艺术达到高度概括、精炼、明确的程式化。文君故事是《史记》记下的唯一的一个情节完整的爱情故事。故事浪漫动人。在设计平面稿时，线条所呈现的风格与故事有异曲同工之妙。线条已远远超出简单的塑造形体的要求，成为表达情感，意念，思想的载体。

二维平面中，线条不仅可以构筑起自然物的形、质和空间，蕴育了画家的主观情思。形成一种形而上的追求。如：陈老连的“高古奇亥”顾恺之的“春蚕吐丝”等都是完全超越物象之范畴，超越画家的情感范畴，进入审美层面。

（2）线的整体空间的节奏和韵律表现。线条作为独立的艺术形式存在，具有独立的审美价值之外，在整体空间的装饰中，设计师对空间的线条和花板的线条的节奏与韵律，需要很好的衔接与考虑。文君酒店运用艺术装饰花板作为门的装饰手法，镂空的花版门与酒店的建筑装饰设计能很好的融合。一路走过听着文君与司马相如的爱情故事，闻着文君酒的醇香，看着精心制作的文君艺术花版，艺术气氛与情感都达到一种融合。在酒店公共空间，镂空花板的艺术形式视觉效果强烈而突出，提升了酒店主题文化。

3花版线造型与技术工艺的关系

传统木雕花板作为一种民族文化的表现形式，体现出中国人民特有的文化精神与审美趣味，体现出中华民族追求至善、至美、至真的精神。

装饰花版是现代装饰与工艺结合产生。一定的装饰品格、形式、风格的形成，直接与一定的工艺技术，工艺规范相联系。所谓工艺规范，是工艺材料与工艺技术和工艺过程的一种限定。

（1）工艺材料的限定。材料，无论是自然材料还是人造材料都有自己的质的规范性。在设计时必须遵循它，适应它，把握它，在把握内去改造、利用，使其造型、成型。如文君花板运用高密度冲纤板，运用雕刻机切割，由于冲纤板的密度很高，限制了线条的连贯性，花板阴刻，要求线条互不连接，并不超过一定的长度以保证花板的一定强度和雕刻的适应性。

（2）技术条件的限定。工艺规范的形成，除来自材料本身的制约之外，很重要的另一个条件是技术条件。文君故事花板在设计时就考虑到雕刻刀是机械化，不是使用人工雕刻，在很多细节的地方需要线条高度概括，也给设计的艺术性的体现提高了难度。

工艺不仅影响装饰，还能产生一定的装饰形式。工艺本身就成为一种装饰方法和装饰形式。线，作为艺术创作的基本手段，具有强有力的表现力。随着工艺材料的更新，技术条件的提高，线造型在装饰花版中会创作出更多更有艺术性的作品。

4花板艺术创作的新趋势

将花板运用在餐台椅，酒吧椅的屏风背上是艺术花板立足传统，寻求突破，创新的一种尝试，将生活艺术化，将艺术普遍化是装饰艺术的发展趋势。文君酒店就大胆的尝试，将文君系列花板运用到餐台椅，酒吧椅的屏风式靠背。靠背经过特别设计，文君花板经过进一步的概括和提炼后，设计成屏风式靠背，既呼应了空间环境的气氛，又增加了餐桌椅和吧台椅的文化价值，提升了整个空间环境的整体感。变化中求统一，统一中求变化；传统中寻创新，创新立足传统。

花板的创作是一个对材料和技术结合的尝试，在实验中摸索和体会，随着技术的不断进步和新材料的不断试验，生活中的方方面面都将成为花板创作的题材

第4篇：艺术化设计范文

关键词：CG插画艺术；动画；场景设计；运用策略

动画设计中应用CG插画艺术是系统化的过程。作为数字化技术载体，其艺术形式上可以展示一定的规模，不仅具有宏大动画场景，而且设计细致入微，能够将动画的角色衬托出来，任务角色独具特色，所设计的场景环境能够突出设计思想，也可以作为情感传递的工具。信息时代的发展，CG插画艺术在数字技术的推动下更好地发展起来，使得动画效果更为精湛，具有良好的发展前景。

一、CG插画艺术的理解

“CG”是一切图形的总称，英文全称为“ComputerGraphics”。随着信息技术不断更新换代，视觉设计应运而生，相关的产业形成，按照国际标准，“CG”为视觉的设计与相关产品生产的总称。“CG”中所涵盖的内容包括与视觉艺术有观点各种创作活动。比如，在设计平面印刷品的时候，所涵盖设计内容包括三维动画的设计、网页设计和影视特效的设计，通过运行计算机设计软件对图形进行设计。日本对于“CG”的界定是非常明确的，专门用于指数码技术所创作的作品，其设计内容不仅包括纯艺术创作的作品，还包括广告设计作用，而且设计的技术范围不断扩展。随着时代的发展，“CG”的界定得以扩展，与媒体文化产业相结合，逐步产业化方向发展。在使用CG插画艺术的时候，就是运用视觉艺术表现形式，将产品的信息、服务信息等等都通过CG插画艺术形式传递给消费者。CG插画艺术所涉及到产业也非常多，包括各种插画、书籍插图的设计、网络界面的设计以及产品包装设计等。随着电子传媒的发展，CG插画艺术融入到该产业中，使得媒体产业得以艺术化展示。CG插画的表现形式也多样化，诸如时尚插画、幻想画等都是电子传媒与CG插画艺术融合的结果。

二、动画场景设计对CG插画艺术的运用策略

（一）动画场景的表达中采用CG插画艺术更具有直观性

动画角色活动需要在动画场景中进行。采用CG插画艺术可以为动画片设定特定的剧情空间、塑造相应的时间环境，这是CG插画艺术的基本功能的，对动画片的艺术风格起到了决定性的作用。设计动画场景的过程中，在动画影片中除了对动画橘色进行造型之外，还可以根据环境和时间的变化而对角色造型进行改变。采用CG插画艺术所塑造的动画场景与环境存在着区别，也不同于背景。所谓的“环境”，所涵盖的内容是非常多的，除了自然环境和地理环境之外，还包括时代环境和特定的社会历史环境，主要是为动画角色提供活动的空间，创造生活的场所。所以，“环境”的范围是非常广的。“背景”是作为动画景物存在的，其作用就是将动画的主体烘托出来。“场景”就是在展开剧情的时候，所创设的空间为动画角色提供了活动场所。动画场景中场景空间是基本构成元素，将“环境”“物质”“角色”以及“背景”综合概括，形成新的组合元素。在设计动画场景的时候，既不是写生，也不是照相，而是在设计处理中使得画面产生了变形，设计师按照主观想象对原型进行延伸，构建唯美主义的造型，给人以耳目一新之感。比如，动画片《圣传》中所设计的动画场景，就是主建筑为枣核形，所对应的就是修罗城。修罗城建在水底，与主建筑相互映衬，两者大体上雷同，但是在设计特点上存在着差别。主建筑所体现出来的是神秘感，包括水道、六芒星，所设计的造型都户给人以神秘感。随着动画技术的发展，CG插画艺术的运用使得动画作品各位直观，立体感更强，对于动画场面的描绘上，简单而纯净，在手法的运用上多采用夸张的手法，对比鲜明，做到虚拟与现实相结合，更符合受众的审美，提高对受众的吸引力。总之，CG插画艺术运用了计算机辅助设计，为动画片场景设计起到了重要作用。动画片的创作要获得长弓，运用CG插画艺术可以调和艺术氛围，特别是特定环境的设计上，更具有真实性。

（二）故事情节的表达中采用CG插画艺术更具有趣味性

CG插画艺术用于动画创作中，使得动画内容更有趣味性。人类的一个重要情感需求就是通过媒体获得情趣，动画的趣味性就可以满足受众的这一需求。如果CG插画艺术用于动画创作中并得到广泛认可，就意味着CG插画艺术在动画领域具有成功的表现，而且对动画片的艺术品味以及娱乐效果都起到决定性的作用。动画片所要表现的主题就是运用独特的艺术创作手法将动画故事演绎出来，给观众传递丰富多彩的视觉艺术成果，同时对现代娱乐起到了引导的作用。CG插画设计中，动画设计师通常会采用比较夸张的创作手法，比如，往往涂鸦、变形的设计手法用以对动画主题角色的刻画，为动画角色提供服务。在动画场景的设计中，要求动画主题运用CG插画艺术设计手法，可以使得场景设计要符合主题需求，将故事的社会历史背景、地理环境、文化风貌等都展示出来。演绎故事情节中，动画角色是作为主体存在的，根据角色表演的需求对动画场景进行设计。场景也会成为故事情节中的“角色”，根据故事情节的需要，运用CG插画艺术设计手法可以将故事情节设计为分镜头，从不同的场景角度对动画主题进行展示，设计师对特定的内容进行夸张设计，以使得动画片更具有趣味性，而且个性化展示，以满足不同的受众需求。比如，日本的动画片《龙猫》就是以自然环境为背景进行设计，在画面的设计上运用了CG插画艺术手法，森林、小溪、农田等，包括鸟类、昆虫、人类等，加之各种不可抗拒的自然现象，构成了具有独特气息的日本动画。整个的动画表达都是自然、淳朴的，与复古情怀的动画片完全不同，使得动画片充满了娱乐性，而且趣味性更强。

（三）主题意境的表达中采用CG插画艺术强化动画效果

动画片的主题意境不同，动画设计也会有所不同。CG插画艺术的设计表现体现在角色的设计和景物空间的设计上，使得所设计的场景让受众对故事的发展充满期待，由此唤起对动画主题的想象。比如，《森林大帝》的动画设计上，动画家将其创作为连续剧，主要的故事内容是非洲，这里被誉为“黑色大陆”。白狮子潘加是“森林之王”，当妻子遇到危险的时候，为了救妻子而失去了生命。妻子产下了一只小白狮，取名“雷欧”，这只小白狮非常勇敢，犹如其父亲一样，在成长中经历了坎坷而成为了“百兽之王”。动画片将非洲大陆的自然景观呈现出来，加之故事内容的渲染，使得动画创作者的对大自然的热爱、对生命的敬畏都体现出来。整个的动画片中都贯穿着“生命的尊严”，这也是动画片的主题。动画设计就是对动画环境进行布局，将故事内容呈现出来。在艺术设计上运用CG插画艺术，在色彩、线条的运用上，在结构的设计上都艺术化，使得动画意境被塑造出来，将受众的想象力激发起来。动画设计中，将假定性时空塑造出来，通过变性效果就可以使得动画片的主题得以强化。一部优秀的动画设计作品可以将动画片的内在涵义充分地表达出来，随着时间的推移，动画场景设计也会相应地作出改变，以满足动画片的需求。

三、结语

综上所述，CG插画属于是一种视觉传达艺术，在设计动画场景的过程中就采用这种技术，可以获得良好的效果。信息时代，各种视觉艺术涌现出来，在商业行为频繁的社会环境中，CG插画的作画手法不仅效率高，而且可以将动画虚拟表达出来，作为现实生活内容存在。随着CG插画艺术迅速发展起来，插画的形式也多种多样。CG插画的表现形式多元化，成为了绘画领域中独特的创作手法。对CG插画艺术的风格进行研究，把握动画设计的内在涵义，对CG插画艺术在动画领域中更好地发展起到了推动作用。

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第5篇：艺术化设计范文

(一)贴合剧情性

从整体上来说，动画电影美术造型设计是以故事内容为基准，尤其是动画角色的美术造型设计更加需要贴合故事剧情。因而，我国动画电影美术造型设计的第一个特征是贴合剧情性，这对于个体动画角色的美术造型设计尤为重要，动画角色的形象塑造完全取决于故事剧本，并且在一定程度上决定了动画美术造型设计的艺术风格。如二维平面风格(或称之为“单线平涂”)是我国早期动画电影美术造型设计的整体风格表现，具体表现在线条、色彩的使用上，进而实现角色的外形塑造。由于在早期创作发展过程中，动画电影美术造型设计受技术的局限性，因而在动画角色的线条勾勒上并没有如今动画电影美术造型设计那般精湛与完美，柔和性线条运用并不能鲜明地表现出棱角凹凸的动画角色造型。但是，我国动画电影美术造型设计者通过不同线条组合形式弥补了这一技术缺陷，动画角色的胖瘦、高矮等都能利用不同的线条组合来刻画，进而满足故事剧情对动画角色外形塑造的要求。为了令动画角色看起来更具有审美性，色彩运用在动画电影美术造型设计中同样非常重要，通过合理的色彩搭配与色彩处理使动画角色更加形象与传神。

(二)辅助叙事性

辅助叙事性是我国动画电影美术造型设计的又一大特征，而这一特征主要表现于动画电影作品的其他设计方面上，如角色的服装、配饰设计、动画室内、室外场景设计等，这些美术造型设计都是为了辅助故事剧情的叙事，帮助实现对故事内容的讲述。在我国早期的动画电影作品中，虽然有许多各式各样的故事题材(如神话、民间传奇故事、寓言故事等)，但在故事情节与故事线索上却逐渐走向了模式化道路，而且故事线索、角色关系非常的单一、古板，这些在很大程度上限制了故事叙事的精彩性，影响着动画电影美术造型设计的多样化。于是，我国动画电影人积极借鉴与汲取美日动画电影的制作经验，尤其是在故事线索与角色关系的设计上得到了一定的启示，打破了以往模式化、套式化的创作禁锢。为了使故事叙事更加吸引人、跌宕起伏，故事线索开始分枝化，不再是以往单一的故事线索叙事，并且故事的角色关系更加复杂化，从而增强了故事内容的可看性。而这样的转变使动画电影美术造型设计能够发挥更大的功能，因为故事线索与角色关系的多样化、复杂化，所以在设计中需要利用细节来表现，从而凸显了动画电影美术造型设计的辅助叙事性。

二、我国动画电影的美术造型设计启示

(一)细心观察生活，激发设计灵感

生活是一个聚宝盆，其中包罗万象、丰富多彩，细心观察往往能从中发现许多富有趣味性的现象与瞬间，这些对于艺术创作者来说都是非常宝贵的财富，是能够从中不断汲取养分的资源宝库。这一原理同样适用于我国动画电影美术造型设计艺术，艺术创作需要发挥无限的想象力，但是这些想象也是设计者依托现实生活的物象而实现，并非是设计者的凭空捏造。因而，这就启示我国动画电影美术造型设计者应当细心观察生活，从现实生活入手，获取更多贴近现实生活与人物的题材，以激发设计者更多的美术造型设计灵感。在欣赏动画电影作品时，观众往往会感到影片中的场景、剧情等都似曾相识，但在平常的现实生活中却并没有发现其中的视觉美感或触及内心，因而对动画电影美术造型设计者肃然起敬，佩服他们的敏锐观察与独具匠心。事实上，动画电影美术造型设计者之所以能够取得成功离不开他们对生活的细心观察、体验与感悟，因而现实生活往往能够激发他们的设计灵感，而他们则从现实生活中巧妙地提取设计元素，运用设计手法将现实物象、场景等进行艺术化，再发挥自身的创新意识从而设计出富有新颖性、独特性的美术造型。如在《大闹天宫》这部动画电影中，美术造型设计者也是从现实生活中获取设计灵感的，孙悟空这个动画角色形象的原型就是现实生活中的猴子，设计者在对孙悟空的动画角色进行塑造时，自然实现了艺术与生活的结合，从而设计出具有视觉审美的角色形象。

(二)弘扬民族传统，丰富设计元素

我国的民间传统艺术历史悠久、源远流长，不仅具有丰富多样的艺术类型(如剪纸、年画、水墨画等)，而且还充分展现了我国的民族特色，这些民间传统艺术的造型形式、设计表现方式都呈现出民族性与独特性。而在现今这个国际化、多样化的竞争环境中，民族性往往成为各种艺术行业取得竞争优势的武器，所以动画电影这个同属于艺术范畴的产业自然而然懂得充分利用我国民间传统艺术这一有利的资源宝库。我国动画电影美术设计者树立这样的设计理念可谓是一个明智之举，不仅能够积极弘扬我国优秀的民族传统艺术，而且还能够丰富动画电影美术造型设计的元素，从而增强我国动画电影美术造型设计的视觉表现张力。虽然时代在进步，人们的审美品味也在不断提高，但是怀旧情结依然在深深影响着人们的审美意识，因而在现代设计元素中融入传统艺术元素能够很好地吸引人们的关注，将民族性与时代性完美融合，从而提高现代艺术设计的视觉审美。对于这一点，我国早期的动画电影美术造型设计者早已经身体力行了，如在《猪八戒吃西瓜》这部动画作品中，美术造型设计者就巧妙地利用剪纸这一民间艺术进行创作;又如在动画作品《小蝌蚪找妈妈》中，美术造型设计者又巧妙地运用水墨画的艺术设计手法来凸显出其中的民族特色。现如今，传统民间艺术设计元素在我国的动画电影作品中被运用得更加炉火纯青，同时在高科技的美术制作软件的帮助下，我国动画电影美术设计变得更加精湛，而且中国韵味十足。

(三)发挥科技功能，实现设计创新

事实上，我国动画电影之所以能够取得如此快速的发展，除了动画电影人的努力探索、不断创新之外，新科技发展也为动画电影产业的不断成熟注入了新动力，加强与丰富了美术设计软件的功能，从而有利于将设计者的创新、想象变为现实。新科技的加入让美术设计的技术越来越多样化、高层次化，三维技术、CG技术、3D技术等绘画技术的更新推出让动画电影美术造型设计更加的简单、方便，绘画功能也越来越齐全。这在一定程度上推动着我国动画电影美术造型设计的发展与完善，令我国动画电影美术造型设计的视觉形象越来越精致与流畅，渲染了动画电影作品的审美意境。面对动画电影市场上的激烈竞争环境，我国动画电影人开始通过探索与创新来开拓新的发展道路，从而突破我国动画电影的发展瓶颈，于是他们充分发挥科技功能，以实现动画电影美术造型设计上的创新。如CG动画电影《魔比斯环》，这是我国第一部采用CG技术制作而成的动画电影作品，影片中展现了我国动画电影美术造型设计者的才华，以及运用新科技的能力。但由于这部动画电影作品在美术造型设计风格上模仿了美日动画，因而许多国家电影人质疑这是出自于中国动画电影人之手，这种偏见虽然不公平，却警示了我国动画电影人在发挥科技创新时也要注重民族性的凸显与弘扬。随后，我国又推出了一部三维动画《桃花源记》，实现了三维绘画技法与传统艺术元素的完美融合，从而证明了我国动画电影美术造型设计的真正实力。

三、结语

第6篇：艺术化设计范文

一、摄影技术与现代绘画艺术之间的内在关联

（一）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的艺术共通性

摄影技术与绘画艺术都是有效进行现实生活表达的艺术形式，受众在进行摄影作品的欣赏以及绘画作品的鉴赏时，都需要通过艺术语言向受众传达视觉形象，摄影技术与现代绘画技术都是对现实事物某一固定瞬间或形态的展现，受众能够从自身的主观感受中感受到明确的画面和事物。同时，摄影技术与现代绘画技术都是一种平面化的艺术表现形式，相较于其他艺术表现形式而言，不具备立体性的表现特征。

（二）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的艺术差异性

摄影技术与现代绘画技术之间虽然存在艺术共通性特征，但是二者也具有艺术的差异性特征：其一，两者进行艺术创作的应用器材存在较大的应用差异，绘画艺术采用的创作工具发展历史较为久远，因而其创作题材的不同会进行不同的工具选择，而摄影技术的发展主要依靠的则是现代化的摄影技术装备，将现代社会的电子科学、光学等内容进行综合的技术应用；其二，二者在艺术表现手法上存在一定的差异，现代绘画艺术更重视对创作者个人创作思想以及思维意识的表达，创作者可以通过绘画技巧的应用将个人的思想进行随意性的绘画或者刻意性的意境营造，具有较强的主观性和个体性，而摄影技术的应用则更重视对实际生活场景的记录以及对客观事物的表现，使其艺术形式能够体现出一定的随机性和目的性，能够通过技术应用反映现实事物的真实面貌；其三，摄影技术应用于现代绘画艺术在创作场景要求中也存在较大的差异，现代绘画艺术的创作者在进行画面创作时，对场景的要求度不高，创作者既可以进行个人记忆中一个场景的勾勒和描绘，也可以对当下的场景进行艺术再创作，不同的创作风格会体现不同的艺术表现效果，摄影技术的应用若要体现更好的表现效果，对场景有较高的要求，甚至还会根据实际的应用需求对场景进行后期的处理和加工制作；其四，摄影技术与现代绘画艺术的创作过程存在差异，摄影技术的应用和创作在某个瞬间便可以完成，而现代绘画艺术则需要依靠创作者的主观创作思想，有的创作作品可能一气呵成，而有些作品则可能需要较长的时间才可以完成创作。

（三）摄影技术与现代绘画艺术之间存在的内在艺术关联性

摄影技术的应用和发展是在绘画艺术的认知基础之上产生的，其艺术审美的驱动力来自于绘画艺术的表现形式，很多摄影技术的作品创作，都是受到某些绘画创作风格的影响而针对性地对摄影场景和构图形式进行设置，或者进行后期处理，而形成预期的表现效果，比如：古典主义创作风格的绘画艺术表现形式便对现代摄影的古装风格造成了较大的影响。摄影技术的应用和发展也在不同程度上丰富了现代绘画艺术的表现形式和创作风格，很多画家在进行现代油画的创作时都会通过摄影技术的应用将某一创作场景定格，进而对摄影作品进行自主再创作过程，在画面的某些细节方面的表现能够体现出记忆创作方法不能够表现的创作效果。摄影技术更多的是重视光和影的视觉处理，现代绘画艺术的创作者善于通过摄影技术的应用来获取艺术创作灵感，对其中的视觉信息进行加工处理，并对其进行整合应用，从中捕捉有利的创作素材，使绘画艺术表现出真实的艺术表现效果。对摄影画面进行绘画艺术再创作的过程，需要画家具备相当的艺术功底和创作能力，也需要画家对艺术元素有自己的认知和感悟，并且具备独特的自我表现风格，反之，如果画家缺乏自我表现风格和深刻的理解能力，会导致绘画艺术作品的创作失去艺术灵魂和生命力。摄影技术的应用可以为现代绘画艺术创作提供丰富的素材，但不能一味地对其进行复制，摄影技术能够使绘画创作者的艺术表现力得到巨大的促进。

二、摄影技术对现代绘画艺术的影响

早在19世纪摄影技术诞生初期，很多绘画创作者产生了不安和恐慌的情绪，担忧摄影技术的应用和发展进步会将绘画艺术逐步取代，主要是因为摄影技术能够使平面艺术形式达到更为真实的视觉体验，同时能够实现受众对于事物的重塑和固化状态的愿望。这种优势使绘画艺术再现现实的应用价值逐渐削弱，特别对于写真绘画，摄影技术只需要在几秒之间便能够对任务的姿势和表情等内容进行固态表现，而传统绘画艺术则需要写真对象保持同一姿势和表情相当长的时间来配合创作，画家在摄影技术应用的压力影响之下，为探索新型绘画的表现途径和应用价值，现代绘画艺术应运而生。现代绘画艺术更趋向于画家进行自我情感表达的艺术创作形式，摄影技术在民众生活中的应用范围逐渐拓展，其应用价值也逐渐提高。现代绘画艺术为迎合现代受众的审美和应用需求，其艺术表现性以及审美需求也逐渐提升，有效地促进了绘画艺术审美潜力的提升。摄影艺术的发展也使现代画家的创作理念发生了重大的变化，摄影艺术既有效地丰富了现代绘画艺术的表现形式，同时也给其带来了更多的视觉应用元素，使画家的绘画技巧以及表现技法等能力实现综合提升，进而表现出与摄影不同的表现风格和画面效果，并在个性化和多元化发展趋势愈发明显的今天，逐渐形成现代绘画的艺术流派。摄影技术的应用为画家进行艺术创作拓展了新的观察视角，拓展了其艺术创作视野，使画家能够用独特的艺术视角去感受世界，摄影技术能够实现对事物的动态、间歇性记录，使画家能够在不同的视觉效果和表达状态中对事物有更为深刻的体会，进而形成崭新的绘画语言表现形式。现代绘画艺术的产生是在摄影技术的发展态势下形成的，同时又借助于摄影艺术的力量形成了更深层次的提高和发展。

三、摄影技术对现代绘画艺术发展的作用

（一）摄影技术使现代绘画艺术的社会应用价值发生转变

传统的绘画艺术形式只是作为社会上层人士进行观赏的艺术作品，其在社会价值和应用价值的层面是非常有限的。在摄影艺术的应用和普及之后，人们对于艺术表现形式的关注程度逐渐提升，同时对于艺术应用的需求也逐渐提高，现代绘画艺术为实现与现代艺术受众的应用价值和艺术审美需求相契合，逐渐形成了艺术生活化的发展趋势，拉近了现代绘画艺术与生活现实之间的距离，进而奠定了稳固的受众基础，促进了其社会应用价值的实现和转化。

（二）摄影技术的应用使现代绘画艺术的审美功能更加凸显

如今，公众的艺术审美品位逐渐提高，传统的绘画艺术在民众生活中的主要艺术审美功能随着摄影技术的应用途径的拓展不断发展，现代绘画艺术失去了原本的画面记录和展示功能，纯艺术化的发展趋势成为现代绘画艺术的主要发展方向。画家进行绘画创作更多地体现的是其创作思想和创作感受，使作品赋予更多的精神内涵和文化内涵，使其绘画审美表现特质更具艺术性和人文性特点，绘画自身的审美功能也更加凸显。

（三）摄影技术的应用使现代绘画艺术的艺术观念发生变化

绘画艺术的发展也需要根植于社会的土壤，在社会应用层面有其存在的价值方能够实现其传承和发展，传统的绘画艺术能够具备广泛的应用价值，因而在18世纪到19世纪中期经历了快速的发展时期。但是随着摄影技术的诞生和应用，其发展速度逐渐减缓，同时面对艺术应用市场的冲击，绘画艺术创作者对自身的艺术创作理念不断进行革新，进而产生了现代绘画艺术流派，同时体现其在现代社会的应用价值。摄影技术的发展使现代绘画艺术的创作素材更加丰富，现代绘画艺术也实现了现代化的发展趋势，现代绘画艺术为实现更高的发展目标，也对其生存理念进行了革新，能够主动迎合现代社会的应用需求而进行创作思想的转变，使艺术重新根植于社会的土壤中，对于推动现代绘画艺术的发展产生了积极的促进作用。

（四）摄影技术丰富了现代绘画艺术的视觉语言

绘画艺术需要借助视觉表达语言来进行创作思想的传递和交流，摄影技术的应用能够使具象事物的表达更为逼真，产生较为强烈的视觉影响力，现代绘画艺术在这一方面难以与摄影技术相媲美，因而绘画艺术的创作者进行创作思维的革新，更加重视绘画艺术的本质性特点和艺术性特点，增强绘画技巧的应用，进而形成更为丰富的视觉符号语言，给受众带来更具感染力的视觉传达效果。

四、结语

摄影技术是基于绘画艺术的画面记录功能而产生的技术应用方式，而现代绘画艺术流派以及发展趋势则是在摄影技术应用背景下产生的，摄影技术能够为现代绘画艺术的发展提供更多的创作元素，促进其创作理念的实现和艺术应用价值的不断革新和进步，摄影技术的应用也需要对现代绘画艺术中的艺术表现性等特点进行学习，进而实现摄影技术和现代绘画艺术的共同发展。

参考文献：

[1]徐淮.新媒体艺术对中国当代油画的影响——评《当代中国油画研究》[J].新闻爱好者，2017（1）.

[2]胥碧，余胜泉.基于学习元平台的大学生深度学习研究——以“摄影技术与艺术”课程为例[J].现代教育技术，2016（4）:48-54.

第7篇：艺术化设计范文

关键词： 日常生活审美化 艺术设计 无功利性

近年来，“日常审美生活化”作为当代社会文化的重要现象，成为美学界讨论的一个热门话题。这种现象的出现有其深刻的历史和社会根源，对今后的审美研究及审美教育亦有着深刻影响。

一、“日常生活审美化”的含义

审美是人类掌握世界的一种特殊形式，指人与世界（社会和自然）形成一种无功利的、形象的和情感的关系状态，审美活动是一种基本的人生实践，本质上是不可能脱离人的生活实践而存在的。只是在过去很长一段时间里，审美活动集中于少数精英分子的高雅艺术创作活动，与大众生活有着明确的界限。随着精英文化现象的消融、大众文化的崛起，审美活动与大众生活之间逐渐趋于融合。

“日常生活审美化”这一命题是英国诺丁汉特伦特大学社会学与传播学教授迈克・费瑟斯通（M.Featherstong）最早提出来的。他于1988年4月在新奥尔良“大众文化协会大会”上作了题为《日常生活审美化》（The aestheticization of everyday life）的演讲，认为日常生活审美化正在消弭艺术和生活之间的距离，在把“生活转换成艺术”的同时也把“艺术转换成生活”。之后费瑟斯通又在《消费文化与后现代主义》一书中将日常生活审美化分为三个层面：第一是艺术向日常生活泛化；第二是反过来日常生活向艺术逆向转化；第三是符号和图像深深渗透入当代社会日常生活结构。①

我认为，日常生活审美化主要从以下两个层面来解读。

一是艺术和审美进入日常生活，被日常生活化。自后现代主义艺术主张开始，人们有意识地让艺术更加贴近现实生活，甚至直接从生活当中挖掘美的体验，发现源自于生活本身的艺术。传统意义的艺术与非艺术、高雅与世俗之间的界限日趋模糊，审美与现实、艺术与生活呈现交织与融合的状态。随着大众文化代替精英文化成为社会文化主流，占据社会文化生活中心的已经不是传统的经典的文学艺术门类之下的作品，而是一些新兴的、以文艺和表演等形式出现的流行性大众文化作品，如广告、流行歌等。

二是日常生活中的一切，特别是大工业批量生产中的产品，以及环境被审美化。在今天，人的审美活动早已突破了传统审美的纯艺术范围，更多地发生在日常生活场所，如公园、广场、街道、购物中心等。随着生产力的提高，实用性得到极大满足之后，普通民众对生活的需求开始上升到更多精神的、感性的、审美的层面。当代设计艺术致力于将美的元素植入各类产品之中，达到功能性与审美性的完美结合。生产者利用先进的技术将这些设计理念转变为现实。

二、艺术设计与日常生活审美化的实现

1.艺术设计是日常生活与审美之间的桥梁。

正如《意大利设计50年》一书所说，一个椅子，只需要四个腿，就能入座；一盏灯，只需要灯泡，就能为阅读照明。但是，如果一把椅子和一盏灯，不仅能用，而且是美的，那么它们就能让我们生活得更美好。

21世纪是大众文化、消费文化占主导地位的时代，发达的生产力水平和日趋成熟的设计理念迅速地推动了日常生活审美化的进程。除了传统的文化艺术领域，日常生活的各个领域各个层面，都开始重视设计与创意：我们从建筑、环境、交通、家居、服饰、美容、美食等各处都能看到不同的民俗文化、审美取向。设计艺术成功的沟通了物品的功能性与审美性。就像上海世博会的主题口号“BETTER CITY，BETTER LIFE”（城市，让生活更美好），充分表达出创意设计对生活的重要意义。

当设计渗入广告营销领域，广告开始从过去简单的广而告之，发展到今天的文学化、艺术化，广告文体越来越具备审美方面的价值，或诗意化，或哲学化，同时赋予产品更多精神层面的附加价值、象征意义，使之具备无可替代的品牌性格和竞争力。从奢侈品牌到大众品牌，从耐克那句广为人知的“JUST DO IT”，到国内原创设计品牌达衣岩的广告语：“是艺术，为生活”，还有台湾诚品书店那些辑结成书的充满文学意味的广告文案……人们消费的已远远超出功能性这类物质化体验。产品的美感，与广告为其铸造的品牌文化、身份地位象征、价值观表达，使人们愿意花费更多来拥有它，并且得到更美好愉悦的生活体验。

2.要警惕审美低俗化，保持审美活动无功利性的本质特征。

正视审美活动向大众日常生活的泛化，强调审美的广泛性、普遍性，并非否定审美的无功利性。不管怎么说，无功利性是审美的基本特征。

随着消费文化的盛行，审美性与功利性似乎结合得越来越紧密，尤其在消费领域，商家通过广告、营销传播等类文化传播手段着力宣扬商品的精神价值、审美价值，抬高商品的交换价值，以此来达到其最终的功利性目标。于是造成了这样的结果：一方面，传统的纯艺术，是少数精英分子的特权，而消费文化背景下的审美活动，则成为少数消费能力高者的特权。另一方面，为了迎合更多人的精神需求，降低审美层次，甚至低俗化，将审美等同于感官的愉悦。

蒙娜丽莎的微笑之所以价值连城，是因为画家通过细腻的绘画行为，传神地刻画了这位贵妇的温婉端庄、与世无争的精神状态，现代先进的技术可以轻而易举将这幅名画不断加以复制，但原作中所包含的画家与被画对象之间细腻而深刻的精神交流，及其带给观赏者的心灵触动，是不可能通过冰冷的机器设备复制出来的。只有保持审美活动无功利性的本质特征，才能避免审美活动走向低俗化，不管是高端的纯艺术创作活动，还是贴近日常生活的设计艺术，不变的目标是丰富人的精神世界，使人与社会、与环境的相处更和谐美好。

注释：

①迈克・费瑟斯通著.刘精明译.消费文化与后现代主义［M］.上海：译林出版社，2000：94-98.

参考文献：

［1］刘悦笛.日常生活审美化与审美日常生活化――浅论“生活美学”何以可能［J］.哲学研究，2005，（1）.

第8篇：艺术化设计范文

论文摘要图画现代主义是广告设计语言在装饰艺术运动和现代主义艺术综合影响下的过渡状态，它极大地巩固绘画要素在平面设计领域的地位，在现代广告视觉语言现代性转捩的过程中起到了承上启下的作用，同时它以特殊的形式主义语言表达了时代特有的精神内涵。

图画现代主义肇始于20世纪初，促使它产生的原因首先在于西方各国资本主义经济高速发展带来的商业宣传的需要；其次，由于印刷技术——石版印刷的完善并大量用于商业海报设计从而出现平面设计表现力的丰富；第三，现代主义艺术语言的娴熟运用，使得这一时期的商业美术作品的形式语汇完全呈现出现代艺术语言的家族特征简洁的图形、平图色彩以及富于表现力和图形化的文字。因此，一批设计师游走于视觉抽象和图画传达之间，将网画现代主义演绎到极致。

一、现代主义艺术语汇对平面广告现代视觉形态的建构

新艺术运动和装饰艺术运动时代的广告设计同样重视广告画面的插图图像，但有着强烈的主观装饰和唯美追求。而在现代艺术影响和洗礼之后的广告设计插图更进一步尊重广告信息传达的目的。

其中有代表性的广告视觉样式创造者鲁西安·伯恩哈特(LucianBernhard)就是一位中坚人物。伯恩哈特的商业广告设计奠定了现代广告设计的基本样式——简单的罔形描述广告主的产品或公司名称，主题突出，目的鲜明，强烈的色彩对比和设计意识(而非艺术表现的需要)造成视觉冲击和明确的视觉印象，从而实现和发挥良好的视觉传达功能。在广告艺术设计史上伯恩哈特的贡献在于他完成了现代商业广告设计的现代化转型，即从新艺术运动时期艺术化和唯美化的商业海报设计向服务于现代商业活动的视觉传达设计的转折。但是，这个转折绝不是功能主义和艺术表现的简单对立。广告设计的现代转折并不意味着对艺术表现的发扬或者舍弃，图画现代主义广告设计的历史事实告诉我们广告设计走向现代的关键在于设计重心转移到对广告信息传播的有效性的重视，强调广告诉求基本点的视觉传达；同时，这种传达所运用的基本语汇并没有脱离整个时代艺术风尚的影响。例如，伯恩哈特早在1905年设计的普莱斯特火柴公司平面广告和1912年设计的斯第尔皮鞋广告就是两例经典的说明。普莱斯特火柴公司平面广告的设计方案是在一步步简化的过程中成形的。最早的设计方案画面主图像有圆桌、方格布、桌上有烟灰缸和点燃的雪茄，画面背景还有装饰性的跳孩。然而，作者最终一步步简化，大胆删节直到剩下两根火柴和公司名称的艺术字体。斯第尔(Stiller)皮鞋广告的基本视觉结构同样如此，只有产品形象和公司名称的艺术字体。然而，二者均匀的背景色彩，产品大胆而简洁的形象描述、平涂色彩无不受到现代主义艺术语汇的熏染。著名设计史家菲利浦·梅格斯在其著作《20世纪视觉传达史》评价道“这位年轻的艺术家或许没有意识到，他把自然主义简化并且消减到视觉传达的形体语言过程中，已使视觉招贴移进了一步。劳特雷克(ToulouseLautrec)曾开始这个过程，而伯加斯德夫(Beggarstafs)兄弟曾继续这个过程。伯恩哈特则创始了用平涂色的形体、产品名称和产品形象的处理。”这个评价极为中肯，指出了伯恩哈特的图画现代主义广告设计在现代艺术史和现代广告设计史中的承上启下的历史地位。一方面，广告平面设计的视觉组织结构发生了现代转折最大限度的删节和减少了商业视觉传达以外冗余的图像内容和画面信息；另一方面又强烈的受到现代主义艺术运动的影响，创造出具有视觉表现力的插图和造型，显示了与现代艺术千丝万缕的承递关系。图画现代主义广告设计呈现出广告设计艺术现代转折的一种过渡状态，他有革命性和继承性的双面特征。梅格斯的总结极为确切“它(图画现代主义)受到现代主义艺术的强烈影响……视觉传达设计师受立体派和构成主义的影响。但认识到要有说服力的向一般大众传达，就要维持与图画的联系。他们一方面创造表现的和象征的形象，另一方面他们关心画面的视觉组织，他们在这两方面走钢丝。这种传达的意象和设计造型之间的对话，产生了图画现代主义的刺激与活力。”在他的影响下，德国广告设计界和平面设计界形成了一个遵循伯恩哈特方式发展的设计运动，称为“海报风格”。这场运动涉及平面设计的很多侧面，同时对室内设计、工业设计产生影响。其设计风格大量汲取了现代艺术的精髓，并结合“装饰艺术”运动的细节处理，品味相当高，受到社会各界的广泛赞誉。然而在二次世界大战特殊的语境中，海报设计以特殊的身份介入战争的宣传，以感情力和注意力结合的方式完成了时代赋予的使命。

二、后立体主义图画现代主义对视觉语言现代性转捩的影响

图画现代主义的延续与发展是后立体主义图画现代主义(Post—CubistPictorialModernism)的出现和风行。在现代平面设计史中，人们一般把装饰主义艺术运动在平面设计上的反映称为后立体主义图画现代主义(Post—CubistPictorialModenrism)。

在这一运动中涌现的两位设计师爱德华-考夫(EdwardMcknightKaufer)和卡桑德拉(A．M．Cassandre)分别都在商业广告设计领域做出了非凡的贡献。他们的历史地位如果定位在广告设计艺术形式的现代转型，那么我们可以归纳为在于顺应了现代化机械化工业大生产，并进而探索出中和与融通的机械理性和优雅华贵的广告设计艺术语言。考夫的广告设计风格和设计成就是现代广告设计艺术语汇现代转折的典型和代表。一方面，他的广告设计作品融会了装饰主义艺术语言的优雅和唯美特征色彩明快、构图独具匠心，不是简单的产品照片或者效果图。这种优雅和迷离的艺术效果是有工业革命后城市文化发展和变迁的文化背景作为底蕴的，其中巴黎的城市生活构成了这种效果的灵魂。在这样一种文化和时代大背景中广告设计家的惯用艺术语汇那面受其影响，千丝万缕的微观文化传播与影响构筑了现代广告设计艺术语汇的复杂和丰富内涵。设计史家在描述和分析考夫的广告艺术轨迹的时候往往直指要害——1913年美国纽约举办的“军械库”展(theArmoryShow)的现代艺术语言影响。这是欧洲现代主义艺术成就在美国最集中、影响最大的一次展示，展览将欧洲的立体主义和未来主义诸艺术流派介绍进美国。虽然舆论大哗、指责不断，但是作为现代主义艺术语汇的跨洋传播活动，以及对美国广告设计艺术语汇的现代转换所起到的作用却是供认不讳的。所以考夫的广告艺术设计语言明显带有欧洲现代艺术影响的文化基因。考夫1918年为英国《每日论坛报》所作的广告设计就是明证作品整体结构为直立长方形，明黄背景底色，画面上段为黑白两色立体构成的象征性飞鸟；下端为报纸名称字体，简洁鲜明。一方面，广告视觉传达信息准确，主体明确；另一方面，立体主义和未来主义艺术语言特征鲜明。卡桑德拉的法国铁路公司广告和大西洋轮渡平面广告设计也显示出立体主义风格图形创作的力量。1923到1926年问他曾设计出惊人的作品，他运用最简单的图形结合恰当的文字传递出无限丰富的意义，他的海报设计成为象征性立体主义平面风格的典范。可以说没有对以立体主义和未来主义为代表的现代艺术语言的学习和锤炼是不可能凭空发展出广告设计语言从新术运动画意插图和装饰画面的图形化转化的。在这一视觉语言现代性转捩的过程中，现代主义艺术的语言探索起到了承上启下和无可限量的作用，间接地催生出现代广告的基本视觉形态

后立体主义图画现代主义以“装饰艺术”运动运用到平面设计上为明显标志。“装饰艺术”注重平面上的装饰构图，大量采用曲折线、成棱角的面、抽象的色彩构成，从而产生强烈的视觉冲击和装饰效果。这种风格被许多法国平面设计师采纳，创作的作品多以巴黎的夜生活为背景，凸显出城市的魅惑，从而具有了更深层意义上的文化价值。让·卡卢的作品是很有说服力的代表。1930年他为《名利场》杂志设计的封面，利用线条的变化组成象征的男女，加上由色彩烘染形成的霓虹灯效果以及黑色背景中的摩天大楼的灯光，营造出纸醉金迷的名利场镜像，具有极强的现代感。除了上文谈到的德、法、美等同，英国、奥地利也出现了“图画现代主义”平面设计运动，并取得了世界范围的影响，它们共同勾勒出“图画现代主义”的发展。

三、图画现代主义的设计史意义

总的来看，“图画现代主义”平面设计运动综合了当时各种现代艺术流派和设计流派的精髓，发展出独具特色的平面设计风格。一批设计师潜心经营，用独特的视角记录历史的脉动。他们捕捉到现代化和工业化机器和技术的内在肌理，以立体派的空间组织和观念，在对形象的阐发上开拓了新的方向。尤其是法国设计师的作品几乎成为都市文化学者无法绕开的视觉经验。梅格斯曾这样说，视觉传达设计的直接性和短暂性，结合它与社会、政治和经济生活的联系，使它比许多其他人类表达形式更接近于表达一个时代的精神。而图画现代主义的意义即在于此。

上升到视觉现代性的高度，可以说图画现代主义平面设计流派是广告设计艺术语言现代转型的中介和过渡。视觉形态的现代性转化并不是一个简单的逻辑问题，一方面它的确是社会化大生产带来的视觉传达、商业社会定型带来的以商品促销为中心的广告信息传播需求的结果；但是，视觉形态现代转型作为一种文化现象又体现出相当的复杂性。

各种现代主义艺术流派、设计流派与文化追求从宗教、文学、绘画、建筑观念的变革人手从而塑造出崭新的理性而抽象的形式语言，其影响力之大可以说塑造了现代社会所有人为事物和生活环境的视觉形态基础。视觉形态现代性转折的结果，一是锤炼和积淀出深厚的理性主义视觉语言基础(即便是后现代主义平面设汁和设计造型语言也无法回避这种视觉文化传统的影响)；二是通过图形化、平面化的平面语汇设计，准确传达现代社会运作的各种信息，包括现代生活和T作环境、科学研究、以及服务于企业运作和宣传的各种信息传达活动。

第9篇：艺术化设计范文

一、 环境艺术设计与文化的内涵

1.环境艺术设计

人类生存的环境主要是由自然环境与人工环境两大部分组成。自然环境的形成是一种生态关系的自然演替过程。人工环境则是通过人力与自然力的合力作用所形成的“以人为主体”的人类生活环境。我们所谈论的环境艺术设计是指人工环境的设计。它与人类的生活密切相关，它大到一个城市或区域的规划，小到厨房或阳台的设计。一般来说，环境艺术设计涉及的主要范畴是城市规划、景观和园林设计、建筑与室内设计等等。

人们在现实生活中所处的各种空间和场所，均为人们改造的对象，同时也是设计的对象。只有当人类在对环境的适应和改造过程中，通过设计行为赋予环境空间以新的内涵、形态并使之具有形式美感时，人类对环境的改造才上升到艺术层面，称之为环境的艺术化处理，即环境艺术设计。它也可以看成是人类的艺术创作活动，人们通过设计手段借助科技与人文的力量有意识地物化自己的审美理想，是人类文化活动的重要组成部分。科技的发展为人类的环境艺术设计活动提供了工具、材料和合理的依据；而人文需求则使人类的环境艺术活动充满了情感表现和精神寄托。

2.文化

文化是人类特有的智慧结晶和心灵感悟，是人们在长期的生存活动中不断总结积累、不断发展延续中产生的。它是人类创造的一切物质文明和精神文明的总和，文化的生命与人类的生存是共生的，它伴随着人类的发展进程。俗话说“一方水土养一方人”。由于地域环境的不同，人类生存条件必然存在差异。人们在特定的环境条件下，为生存和发展创造越来越丰富的具有文明表征的事物和环境，这些与习俗、规范、情感，人际及社会关系共同构成不同的“人文环境”。

二、 文化对环境艺术设计的影响

1. 设计观念

不同地域的人文环境对环境艺术设计的影响是非常深刻的。不同地域文化孕育了自己独特的设计观念，创造出具有各自文化特色的环境艺术作品。这些在园林景观、室内设计等方面体现得非常明显。

有人认为：西方文化是科学的,东方文化则是哲学的。西方古代以认识论作为处理人和自然关系的总纲。不同的学派从科学探究的角度对自然作出种种假设，认为自然的本质是水、或是气、或是数等等。主张利用自然法则来改造自然。因此，一般看来，西方哲学中人与自然的关系较多地处在对立的关系上，在环境艺术设计方面多表现出一种“以人为中心、人力胜自然”的设计理念。

中国早在先秦时代就涌出了一大批哲学家与思想家,儒道思想影响了几千年以来人们的观念与行为。在对待自然与人的关系问题上,主张“天人合一”。作为中国佛家主流的禅宗也主张人和自然的调和。特别是禅宗成佛的必经之路――“顿悟”，常常是在与自然山水草木亲密无间的关系中获得的。这些哲学观对中国文化的影响是深远的。它们均主张顺应自然，与自然保持和谐密切的关系。在环境艺术设计中非常注重处理好人与自然和谐关系，形成“天人合一”的环境艺术设计观念。

2. 设计表达

不同的设计观念在环境艺术设计的表达上相异成趣。翻开中外园林史，我们可以看到景致各不相同的古典园林，中西风格呈现出截然不同的面貌。西方园林显著的特点：首先是布局规整和井然有序，花园最重要的位置上一般均耸立着主体建筑，以中轴对称规则形式体现出超越自然的人类征服力量。园中的建筑、草坪、树木无不讲究完整性和逻辑性，以几何形的组合达到数的和谐和完美，表现出对称、均衡、整体统一的美学原则。其次在对于自然形态和造景材料的处理上，突出人对自然物的改造和加工，通过它们来强化人工雕琢的美。

园中植物均按照数理设计要求，图案化地种在花坛或树坛中。灌木乔木一般均要经过人工修剪成球形、方块或锥形等几何形状，或剪成动物形状，有的甚至剪成拱门、廊道等形状。再次是放置许多直接体现人体美的雕塑点缀园内景致，以突出人的力量，处处体现出人工造美的魅力。例如，文艺复兴时期意大利佛罗伦萨的波波里御园，整个花园被道路和林带分割成一个个方形网格，在每块绿地内又布置了环环相套的同心花坛，圆心是一个小广场，在中心每每立有作为主景的人像雕塑。游览道路由小广场的四周呈放射状形地对称向外布置，从主体建筑的高处俯瞰，整个花园宛如是镶嵌在大地上的一张张并放着的射击靶纸，较为完善地表现出符合造型艺术形式规律的均衡对称、整齐一律的美。

在中国古典园林中没有强烈的轴线，没有修剪成几何形状的植被花草，所有的山石、溪流、建筑廊桥，以及花草树木均很妥帖适宜地布置着，显出一种自然的、富有山林野趣的美。它表现出一种人和自然的和谐与协调关系。中国园林是独立的 ，自成格局，与建筑没有逻辑上的主次关系，其布局贵在“适宜”。其主要体现在“因人因地制宜”、“宜简不宜繁”、“宜自然不宜雕斫”等几个方面。同时非常注意整体意境美的营造，偏重对园林自然性的表现，园林景物的布置极为自由，布局形式丰富多样极富可变性，通常由曲径游廊将园中的各个景点巧妙联系起来，产生一种“廊引人随，步移景异”的效果，具有曲折含蓄的意境美。另外中国园林的美还体现在风景形象所包含的文化内涵上。中国有着欣赏自然风景的悠久历史，经过数千年的积累，园中有许多景物均带有一些深层的含意。通常赋予自然山石以稳固、永久、坚贞、不媚权威的象征；赋予翠竹以挺拔高大、宁折不弯、虚心有节、不畏严寒等形象特征。

3.设计趋势

由于现代科技的飞速发展加速了全球经济一体化的进程，也打破了地域文化的疆界，使文化在设计中的界限变得越来越模糊，文化的地域特色逐渐衰微。由此，设计界的“全球化”和“本土化”的争论变得异常激烈。

当前在“全球化”思潮的冲击下，国内环境艺术设计领域呈现混乱的局面，出现了一些似是而非、不求甚解、浅薄空泛、表面平庸，甚至无可奈何的环境艺术作品。尤其是在当前的文化多元共存之际，如何在环境艺术设计中体现出我们自己本民族的特色，如何营造体现地方特征及风俗习惯的环境艺术空间，是需要设计师们共同努力的。21世纪的环境艺术设计作为一种文化，尤其是建筑文化的一部分，我们应更加珍视从传统内部衍生出来的东西，有意识地表现自己的独特性，要充分挖掘地域传统文化内涵，使文化在环境艺术设计中释放出鲜活的、独特性的魅力，让地域文化的营养赋予环境艺术作品以生命。“只有是民族的，才是世界的”讲的就是个性与特色的问题。