美学与设计的关系精选(九篇)

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第1篇：美学与设计的关系范文

1 设计美学的概述

1.1 设计美学的概念

当人类自身发展到一定程度，时间、物质等条件的富余自然生出对生活需求的要求，当人类物质生活得到满足，精神生活出现空缺急，由此产生对美的需求，学习研究创造美学的体系应运而生，即设计美学。设计是发现美，创造美，它将社会、生活、经济、文化、历史、现代科技、现代审美等种种因素加以理解融合，创造新的艺术作品，满足人类对美的追求和精神的享受，设计使人类更加完整和丰富。

1.2 设计美学的产生

人生存于世界，首先满足生理层面的需求，其次是精神层面的需要。在衣食无忧的前提下，空余的时间与精力去追求精神层面的需要。随着时间的推移，社会经济的发展进步，人类已经不再困顿于基本的衣食住行范围中，人类的思想紧跟着时代的发展变迁，取得跨时代的进步，对事物的要求不仅仅局限在单纯的功能上面，自然生出对美好事物的追求。古人云：“爱美之心，人皆有之。”美是人类从古至今追求的永恒主题，喜爱美的事物是人之天性，正基于此，设计美学应运而生。严格来说，设计美学究竟从何时产生，人类又是从何时对设计美学概念产生意识，我们并没能准确地对此查找追究，笔者认为，人类对美所有的追求远比想象中的根源要深，时间要早，也许在人类有意识之初，便对事物之美存在潜在的意识觉醒。

1.3 设计美学的种类

设计美学包含了很多种类，建筑设计美学、服装设计美学，环境设计美学、视觉传达美学等，生活中所能看到的、听到的，触摸到的，甚至脑海中所能想到的一切事物，都与其相关，遵循着形式美的法则将其转化成物态，供鉴赏交流。如建筑设计，在远古时期，始于人类的动物性，人类的祖先会寻找洞穴居住，这也是各类野生动物的生存方式，为遮风挡雨、躲避猛兽天敌的袭击。人类发展至今，随着科技进步、思维开拓，人类对于居住地有了更深层次的需求。服装设计中，远古时期的人类由赤身到以树叶蔽体，现代社会则产生了专门以研究服装之美的独立体系。环境设计美学在当今也是极其重要的一个体系，人类由有地可居到对生存环境的美学研究，整个发展过程都离不开人类对于美的向往这一内在根源，它是推动着这一切发展的根本动力。

2 中国传统文化的概述

2.1 中国传统文化的概念

中国的传统文化历史悠久，内容体系庞大。何为文化，笼统来讲，文化是一种包容性和综合性极强的产物，它既是一种社会现象，也是一种历史现象。人类发展至今，所经历的民族历史、风俗习惯、风土人情等皆包含其中。何为传统，著名艺术家张授一先生对传统的解释，认为：“‘传’即传布和流传，‘统’即一脉相承的系统。”传统就是我们对我国前人的历史、思想、文化、行为方式的传承。

2.2 中国传统文化的历史传承

作为四大文明古国之一的中国，是一个具有五千年文明历史的传统国度，如果要用一个词语来形容中国的传统文化艺术，博大精深再恰当不过了。中国的传统文化对整个中华民族，整个国家，乃至整个世界都是极为重要的至宝，上下五千年的文化历史都包含其中，现代的人民应当从中学习，结合新的文化知识加以融合，增添生命力。经典的文化经得起时间漫漫长河的洗礼，不会因人类的向前发展而黯淡无光，中国的传统文化艺术时至今日仍如璀璨星空般熠熠生辉。在未来的发展中，将如同生命的火种，一代一代相继传承。中华民族自古以来就是一个庞大的多民族，中华文化也是多民族传统文化的交融碰撞，正如《中华民国解》中所称的：“中华之名词，不仅非一地域之国名，亦非一血统之种名，乃为一文化之族名。”

3 设计美学与中国传统文化的关系

设计与文化相辅相成，紧密相连，相互影响，不可分割。纵观历史，每个时代的设计审美都与该时代的文化传统相联系。经典的艺术作品体现所处时代整体的文化、历史、思想和审美。任何一件艺术作品，皆能从中探其根源。例如，在考古学中，判断未记载有朝代信息的出土文物，由于器物的造型及材质变化有着一定的历史规律和发展顺序，通过对统计材料的分析，找到合理的变化顺序，就可以推导出它们之间相对的年代关系。在母系社会，当时的文化环境是以母性的生殖崇拜为背景，所以众人皆以女性的结实粗壮为美。而在古代唐朝，从皇宫贵族到民间百姓，皆以胖为美，究其缘由，也与其文化背景关系甚密，唐朝国运繁荣昌盛，文化文明开放，统治者与人民百姓充满自信，对于不同的事物兼并包容。每个时代的设计美学都与该时代的文化背景息息相关。由于设计美学本身具有文化的一些特征，也就承担着如文化一般的传承使命与时代印记，对设计的审美追求从未能离开所处的文化背景和时代环境。综上所述，文化是设计美学的土壤，美学在文化中汲取精华，吸收养分，发展壮大。追求设计的美学是人类自身的行为，人类生活在特定的时代背景条件下，言行与思维毫无疑问带有这个时代文化的烙印。

第2篇：美学与设计的关系范文

关键词：工艺美术 艺术设计

中图分类号：G613.6 文献标识码：A 文章编号：

就是说,工艺美术学在设计实践中的具体体现主要是系统论主导的思维方法问题,而我们面对的各种各样功能需求进行设计,在现代设计早已成为了一门科学的背景下,我们不能总习惯于靠经验设计这一手工艺时代的观念来行事,要靠理论,靠思维方法;应该以形式美感、视觉冲击力、设计要素的分配三个方面为基准来进行设计,而这种设计的基准涉及工艺美术学,即为素描、色彩和三大构成。

(一)工艺美术学是建立在农耕文化的基础上,它带有明显农业时代的特征。虽然其中也有一部分民艺品,但大部分是为少数官僚士大夫阶层服务的产物,儒士的审美趣味决定着传统工艺美术的方向和发展。而艺术设计是在工业化大生产中完成的,建立在工业文明的基础上,它带有明显工业时代的特征,为大众服务,民主的意识较强。

(二)工艺美术学中的传统工艺美术相对于当代艺术设计在美学上,实质就是手工技术的装饰美与机械技术的功能美的比较。手工技术的美常带有个人的情趣,贯穿着个人的精神,保持着经验、感性的特征,以装饰为美。而机械技术的功能美是建立在流水线基础上的,以实用功能为最终目的,反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。如果说工艺美术学中的工艺美术是技术与艺术的结合体,那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体。

(三)工艺美术学所设计的对象主要是手工艺品,而艺术设计是批量生产的工业产品。一个是传达了传统的道器思想,一个是体现现代人的设计理念。以往的工艺美术史论多是讲技术和现象,多是研究图案、装饰的问题,或者亦偏重于材料的工艺阐释。因此有人认为过去的工艺史是材料史,而设计史可能更偏向于器具史,是从器具的立场出发,研究和讨论的是具体的器具的形式与功能、以及从中反映出的设计思想,目的是为现代设计提供良性的参照体系。

(四)工艺美术学为艺术设计的物质体现提供了评价的标准。产品接受社会的检验应该是最好的评价,但如果要是失败了,那就晚了;所以应该设立一套民主的有原则的科学评价体系。或者说,设计应该能满足人们的功能需求和心理需求,有良好的社会和经济效益,但如果让最终的消费者来评判的话,那么对此次设计来说就是定论了,能做的工作只是推出改良产品或新的型号,而且一个设计要满足每个使用者的需求和评判标准是不太可能做到的,那么好设计就是符合设计要求的设计。设计要求包括企业对产品的要求、设计定位的要求和产品自身的要求。工艺美术学为这些要求的满足提供了定量和定性的方法以及衡量的标准,使设计师对产品的市场前景有一定的预先性,也为设计师优选多个设计方案提供了方法:先根据一定的准则和方法对各方案作出评价,然后按正确的原则和步骤进行决策,逐步求得最优方案。

(五)伴随着人文和科学的进步,国内外各种新思潮在不断地涌现,它们对于工艺美术学的不断完善和发展应该讲具有决定性的作用,这里不能光借鉴技术工艺进步所带来的方式更迭,有的时候民族文化、风俗人文精神也需要在产品中体现它的价值。同时,艺术设计也随着工艺美术学的发展,在设计理念、设计方法、设计手段方面发生相应的变化,比如绿色设计的出现:

现代工业文明发展到今天,在围绕发展经济的同时,如何节约资源、有效利用能源和保护环境这一主题时,提出了绿色设计这一新的设计概念和方法。所谓绿色设计,就是在生态哲学的指导下,运用生态思维,将物的设计纳入“人―机―环境”系统,既考虑满足人的需求,又以注重生态环境的保护与可持续发展为原则,既实现社会价值又保护自然环境,促进人与环境的共同繁荣。绿色设计实质上是一种对产品从“摇篮到再现”的全过程控制设计。这要求艺术设计必须从设计的初期阶段就按照绿色产品的特点规划、设计产品,只有这样,才能设计出具有个性化、符合消费个人情感要求、有利于生态环境的商品。

(六)设计工具,它也是工艺美术学研究对象之一。它不是完成具体的设计项目所采用的工具,而是将众多系统方法信息分类、检索与分析的技术工具,甚至可以理解为实现对繁复信息的把握和分析所制定的工具方法,当然也要依靠具体的技术设备和软件来支持。像TRIZ理论、计算机辅助设计等等都可归于设计工具。它对艺术设计的影响可以说是不言而喻的。就拿计算机辅助设计来说,过去一幅作品的创作要几天、几月、甚至几年的时间,运用电脑的美术创作只需几小时即可完成。运用电脑创作, 与传统艺术有机结合,二者所产生的艺术效果是无可比拟的。当然任何一种新的艺术形式的产生都会对人们的审美意识产生重要影响。电脑美术将传统的二维(绘画)、三维(雕塑、建筑)的创作空间拓展到四维空间,这无疑大大地开阔了人们的审美视野。计算机辅助设计大大缩短了这一过程,而且通过数据库等模块设计方式将设计师从大量重复性的工作中解脱出来,从而使设计师把更多的精力投入到创新的工作当中,更好地借助本身的直觉能力去发掘和构筑世界的新价值,并且具体地予以视觉化表现,为人们描述未来远景。

从上面对于工艺美术学和艺术设计的阐释中可以看出,在概念的外延上,古代艺术设计所包含的内容应大于传统工艺美术的内容。例如,传统的工艺美术史论领域所称颂的道器思想,多只限制在官方以及宫廷工艺美术的范畴内。其实,中国古代科技和民间工艺中还有许多造物思想值得我们去探讨和剥析。应该说“工艺美术”和“艺术设计”一样都是西方近代设计文化和思潮对我国设计教育界的影响而派生出来的。把一个语义符号与其产生的语境背景联系起来一起思考,才是一种系统和契合客观实际的思考方法。如果我们从需求的角度分析即衣食住行用相对应的物质载体,会发现传统手工艺品在满足功能的前提下出现的被称为工艺美术品或民艺品的对象,实质上就是艺术设计学专业对应的研究对象。工艺美术与艺术设计的关系就是传统与现代的关系,是一个有机体不同的两个历史阶段的产物,同样都美化和影响着人类的生活,二者之间相对于人性本质而言,都是满足人们的需要,它们之间只是表达上的不同,却没有根本的不同。

总之,工艺美术学与艺术设计,二者的关系同源而异流。研究中国古代设计造物思想是迎合当今艺术设计教育的需要,是时代的呼唤,也是从工艺美术学史论的转向艺术设计史论拓展的必然。

参考文献:

[1]何伟民. 浅谈方法论在设计实践中的作用[J].家具与室内装饰,2004(3).

[2]边守仁著.产品创新设计[M].北京:北京理工大学,2002.

[3]刘志峰,刘光复编著.绿色设计[M].北京:机械工业出版社,1999.

[4](日)黑川雅之著.世纪设计提案[M]. 王超鹰译,上海:上海人民出版社,2003.

第3篇：美学与设计的关系范文

论文摘要：建构主义学习设计原则认为知识的学习过程是知识的建构过程，它突出主动建构的学习方法，提倡走同化和顺应的学习路径，强调情境对学习的重要作用。这些原则对中小学美术教学改革有诸多启发，它有利于发挥师生积极主动性，创造良好学习环境，培养学生的创新思维与原认知能力。

一、建构主义学习设计原则

建构主义作为一种认识论是由多学科交叉渗透、杂交而生的产物。建构主义理论的主要代表人物有皮亚杰、科恩伯格、斯滕伯格、卡茨、维果斯基等。建构主义强调世界的客观性原则，认为世间万物都是客观存在的，这是不以人的意志为转移的。建构主义在关于人与客观世界的的关系问题上给出了经典的阐述，它认为世界所赋予个体的意义完全由个人决定，人们以自己的经验为基础来建构现实，人的认识的本质是认识主体在一定的社会环境下通过自身的经验能动地建构他对客体的认识，每个人的经验都是由自己的头脑创建的。因此，每个人的经验是有差异的，从而导致了对外部世界理解的差异。认识主体在认识过程中，不是去发现独立于他们头脑之外的知识世界，而是通过自身的经验世界，重新组合，建构起一个新的认知结构，具有建构性。建构主义学习设计原则主要内容是：

1．突出主动建构的学习方法。建构主义认为知识不是被动地接受的，既不是通过感官也不是通过交往接受的。知识是由思考的主体积极建构的。个体认知的作用就是适应的方式，即在词汇的生物学意义上的适应，其目的是适应或生存力。认知服务于主观经验世界的组织，而不是服务于一个客观的本体论实在的认识。建构主义坚持认为人们定义的所有的知识仅仅存在于人的大脑之中，思维的主体只能在经验的基础上建构他的知识。所以，建构主义学习主张一种基于个体能动性的主动、自觉、自我组织的接受新知识的学习方法。它要求学习主体充分结合已有的知识和经验，通过对各种现象的把握、分析、组合，积极主动地去探寻客观世界的奥秘，建构新的知识体系。

2．提倡走同化和顺应的学习路径。同化和顺应是学习者认知结构发展变化的两种途径。同化是指学习者把外在的信息纳入到已有的认知结构以丰富、加强已有的思维倾向和行为模式。顺应是指学习者已有的认知结构与新的外在信息产生冲突，引发原有认知结构的调整，并建立新的认知结构。同化是认知结构的量变，而顺应则是认知结构的质变。学习是知识的建构过程，学生不是简单被动地接受信息，而是主动地建构知识的意义，这种建构是无法由他人来代替的。学习过程是一个双向建构的过程，已有的知识经验水平只是学习的基础。

3．强调情境对学习的重要作用。学习离不开一定的情境，知识也总是在～定的情境中才有意义。脱离情境的教学必然足枯燥无味，只有把学习者嚣于真实的情境中，并尽可能在实际任务中，获取经验和建构知识，才能使学习者掌握并学会应用知识。建构主义理论强调“情境”对意义建构的重要作用，认为学生的学习是与真实的或类似于真实的情景相联系的，在实际情境下进行学习，可以使学习者能利用自己原有认知结构中的有关经验去同化和索引当前学习到的新知识，从而赋予新知识以某种意义。因此，在建构主义学习环境下，教学设计不仅要考虑教学目标分析，还要考虑有利于学生建构意义的情境创设，并把情境创设看作是教学设计的最重要内容之一。

4．主张互动性的知识构建方式。语言是知识的文化积累、传输和表征的基本形式，对各个领域中任何问题的表征需要经过社会性的相互转换才能获得合理性。知识是在学习者进行的为他人所知的建构活动中获取的。而这种知识建构需要借助于语言和对话。建构主义学习设计原则强调人的学习和发展发生在与其他人的交往互动之中。认为语言的功能并不体现在其真理定向性中，而是体现在过程的关系之中。即我们使用语言并不是用其作为一种反映世界或表达自我的手段，而是作为我们“在一场游戏中的行动”。

二、中小学美术教学中过程遵循建构主义学习设计原则的意义

建构主义学习设计原则揭示了人类学习过程的认知规律，即学习如何发生、意义如何得以建构以及什么是理想的学习环境等。形成了行之有效的认知学习理论，这一理论对于中小学美术教学实践具有重大的指导作用。

1．能够充分发挥师生的积极性、主动性、创造性。教学不是知识的传递和灌输，而是知识的加工与转换，是运用各种方法促成认知主体发生主动的知识建构，教学不能无视学习者已有的知识经验，教材所提供的知识不再是教师传授的内容，而是学生主动建构意义的对象：媒介不再是教师传授知识的手段，而是学生主动学习、合作学习的认知工具，教学环境和和教学任务应该是真实的。

2色够创造良好的学习环境。强调把“理解的认知过程”和有用的“意义建构”作为教学的中心目标。建构主义学习设计原则非常重视学习环境在学习中的作用。建构主义理论认为知识是在一定的情景中通过意义建构获得的。学习环境中的情景必须有利于学生所学内容的建构。中小学美术教学设计不仅要考虑教学目标，还要有利于学生意义建构的情景的创设，使每一个学习者的智慧通过“合作”和“会话”化为整个学习团体所共享的智慧。

3．能够培养学生的创新思维与原认知能力。学习不是由教师把知识简单地传递给学生，而是学生个体积极主动的自己建构知识的过程，学习也不是单纯的知识记忆或外显行为的改变；学习者不是被动地接受外在信息，而是根据先前认知结构主动地和有选择地知觉外在信息，建构当前事物的意义：学习者的学习建构是多元的，并不是任意的和随心所欲的，而是受社会环境影响，应该与他人协商并达成一致。学习是为了保持有机体的适应和生存，而不是为了追求真理。 三、建构主义学习设计原则在中小学美术教学过程中的应用

1．以学生为中心。意象造型介于主观与客观、再现与臆造、写实与抽象之间，具有最为开阔的自由表现空间。因此，探索和研究意象造型在素描教学中的操作方式对于挖掘学生的综合艺术创造潜能具有十分重要的意义。在意向造型的素描教学中我们将有关人物、景物、动物在各个场景下的状态排列出来，并将这些信息分类整理。然后教师提出各种启发性的问题，要求学生从不同角度作回答说明。在教学中我们不能以造型写不写实，准不准确，去规范和束缚学生的个性和激情，而应该释放学生的情感，让学生尝试用自己的生命去体验客观物象，将生动、鲜活作为绘画的基本要求。只有感动自己的东西才能进而感动他人。要让学生以饱满的热情去投入创作和生活，发掘和表现自己熟悉和感兴趣的东西。课堂上，照一定的规则，大家轮流发言，而后是评比、总结。总的来说就是要发挥学生的主动性，体现学生的首创精神，要学生们开动脑筋把自己融入具体角色环境中去。

2．设计情境。建构主义薛系设计原则指出情感(与乐趣和恐惧的交往)以及个人的认同对学习内容也是有意义的，因为合作学习、在复杂的学习情境中同错误的交往、自我控制和使自我经验服务于学习等要求都超越了理性。素描中情感是意象造型的内在驱动力，夸张和变形是意象造型的语言和特点。夸张是一个度的概念，任何一件写实的绘画作品都不免要进行形象夸张的艺术处理。常人一般面对于夸张程度较大的艺术形象才能意识到其夸张，意象造型应该是比较明显的夸张。但夸张的形象仍不会失其原始形象的本来面貌，而变形则意味着质的变化，是在原始形象基础上作根本的改变使其彻底成为另一种形象。意象造型注重作者情感的表达，它放弃纯客观地再现，主要是画家的情感和审美心理需要所致。它不仅是表现日常生活中简单的喜、怒、哀、乐，更是画者对于人生对于世界的关切和体验的表现，同时也是画者审美情趣，形式美演绎能力，画面整体把握能力的体现。教师的角色是帮助学生掌握运用各种媒介来获取信息的方法。通过课前给学生设定任务，要求学生搜集相关画家的素描资料，比如：席勒、梵高、毕加索等。课上向学生提出问题，要求他们结合自己的感受做出评价。

3．协作学习。教师应该重视引导学生丰富或调整自己的解释。学习要以学生为中心，注意主体的作用，教师的作用只在于协助学生建构意义。素描要培养的基础是一种综合的艺术能力。素描要在艺术的感知能力、艺术的评价能力、艺术的创造能力，以及相应的交流能力，发现和解决问题的能力等诸方面培养学生。因此素描教学不仅是对素描材料的认识和技巧知识的应用，还包括由不同的艺术观念对素描提出的多角度、多层次的诠释方式和内容。现代艺术的蓬勃发展带来了多元化的绘画形态和艺术观念，艺术能力的指向也趋向多元。笔者课前先把学生5～6个人一组，分成若干组。要求学生课下合作分工去完成课前布置的搜集信息的任务，课堂上分配的任务也要求每个小组内的成员共同讨论，通过交流和协商达成最佳方案。在方案完成向全体同学陈述时，与其他组成员之间的问答以及竞争都是一种协作学习。学生们普遍认为，协作学习使得自己的思路拓宽，并且锻炼了个体的协商以及会话的能力。

第4篇：美学与设计的关系范文

关键词：科学技术；美学艺术；现代工业设计

1.科学与美学的定义

讨论科学与美学的关系首先要分别理解科学以及美学，科学一般指反映现实世界各种现象的客观规律的知识体系，什么是科学？科学是一种不断升华的思维学术，也就是说任何以结论形式出现的学术都不属于科学。科学是指由权威人、组织和机构经过实践、论证所得出的具有普遍性、必然性的数据，并通过一系列技术完善、确认、推荐、宣传、传授和捍卫的一种广泛领域的思维学术。亦指人类为了论证自然现象、文艺学术、宏观发展而造就的一个具有广泛领域的综合性学术名词。需要注意地是，科学是可以代表某种经权威人、组织和机构确认的文艺学术而存在，并非代替某种知识领域而独立存在的。

美学是研究人与现实审美关系的学问。它既不同于一般的艺术，也不单纯是日常的美化活动。 美学这门科学的渊源，可以追溯到古代奴隶社会。古代思想家对于美与艺术问题的哲学上的探讨，对于艺术实践经验的研究、总结，可以看作是美学理论的萌芽和起点。 美学作为一门独立的科学，则是近代的产物。在十八世纪资产阶级哲学和科学蓬勃发展的时期，美学在德国古典哲学中作为一个特殊学问开始确立起来。鲍姆加登在1750年第一次用“美学”这个术语其含义是研究感觉和感情的理论，并把美学看作哲学体系的一个组成部分。哲学的产生，给美学研究提供了真正科学的世界观和方法论，改变了美学研究的面貌。的经典作家们也提出了许多重要的原则性的美学观点，然而他们没有来得及使之系统化。美学作为一门社会科学，是在社会的物质生活与精神生活的基础上产生和发展起来的，是研究美、美感、美的创造及美育规律的一门科学。 至于美学属于哲学的范畴吗？ 至今还是一个有争议的话题。什么是美学？ 美学是关于研究现实的美、美感和美的创造的有关规律的学科。它是一门既古老又年轻的学科。 说它古老，是因为美学作为一门学科已有悠久的历史渊源。在我国的甲骨文中，就已经有了“美”字，这说明当时的人类对美已开始有一定的认识。在西方，从古代希腊、罗马开始，以著名的哲学家柏拉图、亚里士多德为代表，就留传下一些关于美学思想的专著和残篇。 1750年，德国哲学家鲍姆加登《美学》著作的问世，标志着“美学”作为一门独立学科而出现。 因此美学思想的产生和形成虽然很早，但是美学作为一门独立的学科却是近代的事。这个框架仍在建构之中，已经有了非常深刻的研究成果了。美学即是一门独立的学科又是包含着所有的学科，同时，也被所有的学科包含着。

2.科学与美学的关系

2.1科学与美学的对立关系

科学与美学似乎在某种范围内是对立的，例如，艺术中的美往往是直观的，而科学则更趋向于抽象。艺术中的美往往停留于感性层面，科学则更进入理性层面。美学中的美感审美经验往往比较“通俗”，容易被大家认可，理解。科学中的理论规律比较“深奥”，需要经过专门的学习和训练才能理解。西班牙超现实主义大师萨尔瓦多・达利，他的艺术作品中（图一）大量表现他的奇思怪想以及表现出生命中难以捕捉的素材，如性、死亡、变态、苍穹。他惯用不合逻辑地并列事物的方法。将受情感激发产生的灵感转变为创作过程，将自己内心的荒诞、怪异加入外在的客观世界，将人们熟悉的东西扭曲变形，再以精细的写真技术加以肯定，使幻想具有真实性。达利的许多作品，通过探索潜意识中的反映。总是把具体的细节描写和任意地夸张、变形、省略与象征等手段结合地使用，创造一种介于现实与臆想、具体与抽象之间的“超现实境界”。他通常都十分细致，精确地用十分斜视的手法描绘这些创造的形象。因此，在他的绘画作品往往很难用科学的客观规律理解和解释，这也正体现了美学的艺术美于科学规律之间的对立。

2.2 科学与美学的统一关系

当然，它们二者也又相同之处，科学和美学作为一门学科，都有其自身的规律。美学中的艺术美感需要依据一定的科学规律，例如，古代希腊人发明的黄金分割法则，它的比值约为1.618：1或者1：0.618。将人的审美感官通过精准的数学比值表现在艺术范畴，因此黄金分割法大量运用在造型艺术中，具有很高的艺术价值，尤其是工艺美术和工业设计的长和宽的比例，设计中更容易引发美感。19世纪80年代后期，在欧洲出现后印象主义团体。代表艺术家修拉，潜心研究关于色彩学的著作，试图把感觉加以综合上升到理性分析，变成科学的表现形式。他的画尺寸很大，虽然数量不多，但却有重要地位，因为这些精心设计的作品表现出对几何学和形式结构要素的关注，预示了20世纪抽象艺术家的创作。修拉的代表作是《大碗岛的星期日下午》 在光的照耀下， 一切物象的色彩是分割的色彩， 必须把不同的， 纯色彩的点和块不经意混地在一起. 用这种科学的方法， 颜色的彩度的亮度可以获得最鲜明的效果。

2.3 科学与美学的包含关系

发展到近现代社会，美学与科学之间的关系则更加紧密。20世纪初包豪斯现代设计学院的建立预示着美学与科学全面融合并产生出一门新型学科―现代工业设计，工业设计起源于工业革命时期，至今已有250多年历史。工业设计从一开始，就强调技术与艺术相结合，所以它是现代科学技术与现代文化艺术融合的产物。工业设计以科学技术为基础，运用美学观念对各种工业化产品有用性与美以及整体环境方面的设计活动，随着人类的生产力不断提高现代，在科学技术的支持下美学艺术得到更大发挥，例如，3D打印机的逐渐普及，预示着个性化产品时代的到来，每个人都可以按照自己的审美情趣设计产品。相同的，在美学艺术领域中提出的新造型新材料等都能成为提升科学技术水平的新挑战。

因此，科学与美学是一对关系紧密的学科，随着人类生产力水平的提高，科学与美学的关系将变得更为密切和复杂。一方面，它们相互结合产生新型学科――工业设计，另一方面，科学的发展为美学艺术的提升提供技术依据，而美学的提升则要求科学水平的进一步提高。二者相互作用不可分割。（作者单位：西南交通大学艺术与传播学院）

参考文献：

[1]王受之.世界现代设计史.[M].北京：北京青年出版社，2011.5.

[2]王次.艺术学基础知识. [M].北京：中央音乐学院出版社，2006.6.1

[3]董占军.西方现代设计艺术史.[M]山东：山东教育出版社，2002.9

第5篇：美学与设计的关系范文

【关键词】建筑；美学；设计；结合

建筑是人类社会发展到一定阶段的智慧的结晶，也是人们追求物质享受的主要标志。建筑作为一个时代的标志，其外观不仅可以反应一个时代的进程，同时也可以反映一个社会的发展方向。建筑的美学性就是在满足建筑物的功能、当下的施工设计水平以及时代美学法则的条件下，将美学与建筑设计有机的结合起来的过程。二者在现实的发张中体现了相辅相成、相互依存的复杂关系，其结合的程度反映了社会的发展状况以及历史的变迁步伐。

1 建筑美学与建筑设计关系概述

建筑设计作为建筑的基本要素，主要包括建筑结构、建筑材料、生产设计以及建筑设备等内容。材料与结构是建筑空间环境的骨架，而建筑所使用的设备是限制建筑水平的设计条件。

1.1 建筑设计的基本原则

1.1.1 抓大放小。由于建筑设计要达到绝对的安全是不可能的，在设计之中要选择次要的构建先受到冲击与毁坏，保留重要构件的完好。

1.1.2 设置多道防线。建筑的质量要靠多道防线把关，如果将希望寄予单一的构件就会发生很危险的情况。因此多墙体比单片墙效果好、框架剪力墙比纯粹的框架墙效果好等就是体现了多道防线的思想。

1.1.3 刚柔相济。合理的建筑设计应该体现出刚柔相济的特点，不是建筑的刚性或者柔性越强就一定好，而是根据实际的情况确定建筑钢到什么程度。

1.1.4 打通关节。由于在建筑的结构体系中力量的变化相聚之处很多，如果不将建筑结构中各个关节打通，使得力量不能在整个建筑分担，就会产生力量的集中引发的破坏。

1.2 建筑设计与美学相互支撑

建筑设计的发展可以说是建筑美学发展的前提与保障，没有一定的设计作为支撑，再完美的美学也只能停留于纸面或者头脑；而建筑业经常出现的情况却是建筑美学的发展滞后于设计的进步，致使建筑美学的水平受到限制。建筑美学作为一门综合性的设计，是设计与美学最为直观的体现。

特别是随着经济社会的发展，不断的要求建筑设计人员以及施工设计人员在建筑的美学性设计以及建筑设计方面不断的提高，其目的是既满足建筑物安全、耐久、适用以及经济的建筑特性，同时也尽量的体现美学性，给人们以美的感受，而这也是对于建筑美学的基本要求。

1.3影响建筑美学性的因素

影响建筑美学的因素除了设计的局限性和美学的发展外，在不同的地域环境下还受到例如文化、地域气候、政治、环境、哲学等因素的影响。而也正是由于这些复杂的影响因素导致了世界各地出现了风格各异、形态万千的建筑美学形象。

1.4建筑设计进步的来源

早期的建筑仅仅是为了满足基本的生活需求，并没有考虑到建筑的美学特征。但随着时代的发展与人们审美能力的提升，人们不单单的要求建筑停留于满足基本需求的层面，更多的是体现建筑美学性。因此建筑中开始越来越多的体现出美学美的概念，例如为了增加建筑物的美感而增设里斗拱、屋顶的翘角飞檐等，或者是在建筑的表面雕刻兽纹。当现实的审美水平不断提高以及对于现实建筑的不满足时，就会想到新的建筑形式，而新的建筑形式需要更高的建筑设计，而这就会极大的促进人们去发现如何实现提升美的建筑设计。

2 建筑美学在实际应用中的主要体现

建筑美在实际应用中的主要体现以下几点：

2.1 空间。建筑主要是通过空间构造来满足实际需求的，建筑设计中应用空间的转换可以达到很好的美学表现性。实际中可以通过将住宅中的房间设计为不同的大小或者有意识的将公共建筑中各个建筑设置为不同的占用面积等形式来实现这一目的。

2.2 比例。通过调整建筑物的各部分的比例，例如虚实的比例、长宽高的比例以及凸凹的比例等，可以有效的改变人们的视觉印象，达到增强审美性的目的。

2.3 均衡。均衡主要指的是建筑物构图上的对称性，可以理解为建筑物上下、左右以及各部分之间的比例关系。我国建筑的均衡方式主要是在中轴线上实现左右的对称，最典型的就是北京的故宫。

2.4 形体。形体即建筑物的总体轮廓或者理解为外形，是通过形体与线条，空间和实体采用不同的组合方式，并且有意识的凸显个性特色以及美学性，尤为引人注意的是色彩在此发挥的作用。

2.5 与自然的和谐。建筑之美最为重要的是与周围、自然的和谐，即不能显得突兀。设计中不能仅考虑建筑个体而忽略了与其它建筑整体性，而这也是当今建筑设计的弊端，很多的建筑单独看很具美学性，但是和其它建筑放在一起就显得不协调了。

3 如何深化美学在建筑设计中的应用

现代建筑的发展与人们对于建筑物审美要求的提高是一个不断前进的过程，经常的情况是人们感觉已有的建筑水平不能满足审美的要求，并且希望通过将建筑设计与建筑美学的结合达到更为理想的情况。

3.1 加强建筑设计，推进建筑美学

如上文所述，建筑设计是建筑物的支持与保障，没有一定的设计作为支撑，美学的发展就无从谈起。例如从新石器时代到现代的钢筋混凝土，期间设计的进步极大的促进了建筑美学的产生及发展，而设计的发展也只有在建筑达到一定程度后才能成熟。

3.2 深化建筑美学，提升建筑设计

一个国家的社会、固有观念、经济以及文化等因素影响着建筑美学的发展。而任何一个时代的建筑都要以当时人们的审美观为前提进行建造，以期满足人们的审美要求。当今科技的日新月异更是促使人们对于建筑有了更为高层次的要求，这也就要求施工中加强设计的改造与监督，达到建筑物在设计与美学两方面的协调。例如当下流行的清水混凝土施工工艺，由于施工工艺简单，并且浇筑成型的混凝土平整、有光泽，外观大方、优美，后期的装修使用较为的简洁，因此得到了众人的青睐。

3.3 实现生态可持续的设计观和美学观

每一个时代的建筑都要充分的采用当时的科学设计以及美学水平，美学与设计作为人类文明的一部分必须是共同成长的整体。设计作为造福人类的主要支撑，建筑设计的进步也不仅仅指物质的丰裕或者改善，而是要看建筑的进步方向是否朝着有利于人类的长远发展。90年代以来，随着能源资源的危机的加重，可持续发展越来越多的被关注，在这一思想的影响下，生态可持续的设计观要求设计不能看作征服自然的工具，而是将其视为实现人与社会、现实与未来以及人与自然和谐共荣的手段。

4 结束语

建筑美学与建筑设计的发展是相互影响而又统一的结合体。建筑设计的发展可以直接的给人们以建筑美学形象，而建筑美学的发展反过来又可以促进建筑形象的更新，可谓是相辅相成的关系。在实际的发展过程中要将二者的联系理清，让二者相互的促进，做到建筑设计与美学的统一。我们有理由坚信在不久的将来，更多具有美学性的建筑会呈现在人们的面前，与此同时建筑的设计和美学也会达到一个新的水平。

参考文献：

[1] 降尔维．建筑的美学与设计[M]．黄运升译．北京：中国建筑工业出版社，2004．

[2] 郭建民．浅谈中国建筑当代建造艺书[J]．四川建材，2006（02）：62-63．

[3] 王瀚．建筑的美学与设计[J].科技创新，2009（12）：195-195．

[4] 陈伯超．世界建筑形态美[M]．沈阳：辽宁美术出版社，2000：29-45．

第6篇：美学与设计的关系范文

关键词：生态美学；生态设计；校园景观；可持续设计

随着我国经济的发展，人们对环境的要求日益提高，改善高等教育环境迫在眉睫。大学校园越来越人性化，大面积的绿化改善了校园环境，提高了学校形象。在进行校园绿化的过程中，应该认识到这不只是简单的绿化，还应该考虑到校园景观中丰富的生态性。

1生态美学

所谓生态美学，是生态学和美学相结合而形成的一门新兴学科，生态美学是研究人与自然、社会以及人自身的生态审美关系。具体的研究对象是对人类自身生存状态的生态思考和对人类生存环境美学关系的研究与思考。

2我国生态美学理念下的校园景观设计现状

景观设计学科本身在我国的发展时间不长，在设计过程中很少有考虑到生态美学方面的内容，所以，从生态美学理念方面来考虑，校园景观设计还处于盲区。现阶段的大学校园景观设计多停留在设计本身，也就是其形式、纹理、样式等，少数考虑到人在其中使用的，也都是浅显的并未深入到生态美学的层次。因为在景观设计的过程中，我们不只要考虑物质文化的需要，也要考虑到精神文化的需求，也就是生态美学在校园物质文化和精神文化建设上的应用。

2.1生态美学在大学校园物质文化建设中的应用研究

人与环境的关系是生态美学中最首要的关系。校园物质文化建设，可以说是校园物质环境按照人的意愿进行改造，人是校园环境的影响者，人可以按照主观意识来改造校园。马克思曾说过：“人类可以创造环境，同时环境也可以创造人”。环境对其中的审美者进行影响，审美者自身的心理及行为会受到直接或间接的影响而产生或多或少的变化。校园的物质文化建设从生态美学角度上来看，主要体现在校园自然文化（包括人文景观、自然景观）方面。西方早期的大学多选址在乡村或者城郊地区，厚重肃穆的建筑和优美的乡村景色，给人以心灵的净化和宽慰。大学校园应该给学生营造一个安静的气氛，通过建筑与景观以及整体建筑风格和整体景观风格都应该统一，相互融合，也要结合校园周边的自然环境和人文环境。校园自然景观建设包括校园原始保留的自然风景、校园内的花坛草坪、景观雕塑等，自然景观是最贴近学生日常学习生活的物质环境，以客观的存在展现美，具体可分为自然美和形式美，自然美是校园环境的基础，树木、石头、花草皆是自然美的表现，有些大学还保留着整体性景观的自然美。人文景观根据特定历史或人物背景，或者特定场景环境产生的景观，一般具有教育意义，如雕塑等。人文景观对于个体情感的思想展现具有很大作用，校园内的人文景观在结合了历史文化名人之后，具有很深的文化底蕴。

2.2生态美学在大学校园精神文化建设中的应用研究

校园精神文化的建设也离不开生态美学理论，校园的精神文化建设，其实就是人与人自身的关系建设，用生态美学的方法处理人与人自身的关系，才可以为大学校园的全面发展提供帮助。在生态美学中，有一个原则就是人和其自身的发展进步原则，这个原则的目的是为了人本身，作为生态中的一部分，研究人自身也是有意义的，为了人本身的发展以及人与人之间的生态美学关系。大学校园中，老师和学生是创造校园的中坚力量，老师和学生和睦相处也是校园生态建设的重要保障之一。

3生态美学在大学校园景观建设中的应用

生态美学在人与自然和人与自身方面，对校园景观建设都有指导作用，人与人自身方面则更偏重于哲学问题。在校园生态景观建设中，人与人自身关系的问题起到了引导作用，在具体的落实过程中，主要考虑的还是人与环境、人与气候文化以及经济、人与生态的关系问题，校园景观的生态设计是基于如果校园内环境条件允许，可以利用自然力但不进行大规模破坏，尝试风能、水能、太阳能来发电。校园景观设计中的人文景观、可持续生态景观等都会对学生产生教育意义，让学生感受人和自然的和谐，珍惜校园环境。除了以下这些总体的概念，还应考虑一些细节，比如，设计取材应多用当地石材和植物，减少资源消耗，节约能源，大面积铺装选择本地石材，少数非本地石材在选择过程中也要考虑到卫生及安全问题。生态美学理念中，不仅包含人与自然和人与人自身的发展问题，同时还包括自然与自然自身的发展问题，自然本身也具有能动性，当它遭受破坏时，在一定程度上可以进行自我修复、自我调节和发展。人类对自然环境的改变越大，自然环境的这种自我调节能力就越弱，所以，在设计校园景观过程中，应当尽量多保留现有的完整生态环境，才能使环境的自我发展得以实现，为广大师生带来一个和谐、美好、充满生机的大学校园。

参考文献

1余树勋.园林美与园林艺术[M].北京：中国建筑工业出版社，2006

第7篇：美学与设计的关系范文

［关键词］设计美学;设计美;模块化教学

［中图分类号］G642．3;J01［文献标识码］A［文章编号］1007－9882(2016)02－0190－03

设计美学是随着欧洲工业革命而产生的一门新兴美学学科，它超越了传统哲学美学的范围，传统意义上的设计、现代工业造型设计、当代艺术在各种领域的设计现象等都是设计美学的研究对象。设计美学是将“美学原理运用到设计领域之中，探索设计美的来源、本质、规律和审美形态、体验、标准、活动、形式以及设计中的一些具体技艺美等问题”［1］7而产生的一门应用美学。当今时代激烈的产品竞争对设计的要求越来越高，设计美学由此成为各高等学校设计专业的核心课程。

一、设计美学的学科定位

通常认为，设计美学是由美学、设计学与艺术学交叉发展而来的一门新兴学科。各种设计美学著作或教材虽然谈到了这种交差性，但皆略而言之。笔者认为，设计美学与三者的关系应详加辨明，这有利于使设计美学具有更加清晰的学科定位。从设计美学与美学的关系看，设计美学的学科属性首先是一门美学学科，设计美学是现代美学的发展与延伸，“是当今美学重要的分支学科之一”［2］6，但又不同于传统美学。1750年，德国哲学家鲍姆加通的《美学》(Aesthetic)一书的出版标志着美学作为一门独立学科的诞生。传统美学属于哲学的范围，它以人类的审美活动为研究对象，是研究人与世界审美关系的一门学科，尤其在美的本质问题上有深入探讨，康德的《判断力批判》和黑格尔的《美学》可谓是哲学美学的经典著作。哲学美学是设计美学的基础，设计美学将哲学美学的原理运用于现代设计之中，强调美学原理在现代设计中的指导意义，是美学渗透到技术的结果，可以称之为一种应用美学，因此设计美学不能完全照搬传统美学理论，而是对设计文化中的美的研究。从设计美学与艺术学的关系看，设计美学实现了艺术与科学、功能与形式的有机统一。艺术学是“综合研究人类艺术活动的学科”［3］2，它的研究对象是“探索艺术内在的基本价值规律，就是透过丰富多彩的艺术现象来探寻艺术价值的本质”［4］4。艺术学研究的是艺术的一般性，其核心是探讨艺术的价值本质。设计美学则是寻找设计中的美的规律，将美学理论自觉地运用于设计，从而实现人类设计创造的审美价值，这样的设计同时具备了艺术性与实用性，比一般实用物品具有更高的价值。设计美学的实质可看作是艺术将其范围扩展到工业领域，“艺术家深入到生产中去的结果”［5］34。从设计美学与设计学的关系看，设计美学是设计学的基础理论。设计美学不是单纯的设计学，它兼有美学和设计学的双重特征。设计是人类为实现一定的目的而进行的创造性活动，人类创造任何物质与精神财富的活动都需要预先的计划与设计，设计是将规划、设想通过某种形式传达出来的活动过程，任何创造性的活动计划皆可谓设计。因此，通常的设计以追求功能性为直接目的，而设计的最高目标是功能性与审美性的有机统一，这就将美学的理论运用于设计之中。其实，设计学作为一门独立的学科是“从美术学中分离出来的”［6］8，表明设计学与美学之间存在紧密关系。设计美学研究设计领域的审美规律，以审美规律在设计中的运用为目的，旨在为设计活动提供美学理论支撑。设计美就是按审美规律进行设计，赋予产品审美价值。总之，设计美学既是美学的一个分支，又是设计的基础理论，与艺术学又有一定的交叉性，对它的研究有利于实现设计的艺术化。由于设计美学的审美性、应用性与时代性的特点，它不仅可以解释设计艺术中的美学现象和美学问题，而且可以通过设计现象的总结而提炼审美价值，从而丰富美学理论，深化美学理论研究。

二、设计美学的理论内容

由于设计美学的边界尚未完全确定［7］，其研究对象与内容仍在不断延伸之中，因此各种设计美学著作或教材的理论框架之间存在较大差异，这必然要求在教学过程中对各种理论体系的内容进行剪裁与综合，根据需要对教学内容进行设计。笔者认为，设计美学的理论教学内容应包括两方面:第一，设计美学的基本理论。设计美学就是研究设计中的美的来源与设计美的本质，寻找设计美的规律，因此设计美学研究的首要内容是设计美。然而“美学界的人士多从哲学角度研究设计中的美学问题，理论性较强，而对实际的设计美缺乏相应的分析”［1］9，而“设计界人士的研究又大多囿于具体技法或细节的范围，讨论的主要是‘形式美’、‘技术美’”［1］9等内容。有的学者将功能美作为设计美的一个独立类型，有的则将功能美作为技术美的核心内容而未作为设计美的独立类型，也有学者将艺术美作为设计美的一种类型。这表明设计美的研究内容在学术界仍有一争议，根本原因在于设计美学的边界尚未完全确定。设计美通过科学技术与美学、艺术的结合而实现，可谓是采用现代科学技术来设计制作艺术品，因此设计美不同于自然美的不加修饰，也不同于艺术美的纯粹美感，而是实现了技术、工艺与审美的有机结合。通常认为，设计美的构成要素包括“形式美、功能美、材料美、技术美”［8］68等。形式美即设计产品的视觉审美，任何审美活动都离不开感性形式，都是由色彩、线条、形体等形式的组合，设计美学的重要内容就是寻找设计中的形式美原则，如尺度与比例、对称与均衡、对比与协调、变化与统一等原则。功能美是“设计美学的核心”［8］77，它涉及产品设计的“价值取向和合目的性”［8］77。功能美是设计美学将审美理论应用于生活实践的重要体现，强调工艺产品的实用功能、认知功能和审美功能，不同于西方传统美学强调为艺术而艺术的方向。技术美是以技术和产品为对象，是科学的视觉化、艺术化的体现，呈现了材料、工艺、功能、形式、科技的综合之美，是一种潜藏着物质功能的美。材料美即构成产品设计的物质材料的美，如色彩、材质和肌理等可视可感的要素都可以产生材料美。以上四要素共同构成了设计美的主要内容，是设计美学研究和教学的重要内容。设计美学正是以设计美为主要内容，研究设计美的本质，分析设计美产生的规律，进行设计美的鉴赏与批评，最终走向自觉运用设计美的规律创造美的事物。虽然设计美学是一门新兴学科，但随着现代设计分工的细化，设计美学迅速产生了很多分支:如按设计门类分为建筑设计美学、广告设计美学、包装设计美学、环境艺术设计美学、网络设计美学等;按设计效果分为三维设计美学和平面设计美学等;按设计目的分为产品设计美学、环境艺术设计美学、图形设计美学和视觉传达设计美学等。［8］10可见，设计美学是一个内容广泛的交叉学科，内容涉及现代生产生活的方方面面，因此在一门课程中无法全面讲解以上所有内容，只能针对不同专业采取相应的案例进行个性化教学。第二，中西方设计美学的演变。对中西设计美学的发展演变的梳理不仅可以揭示出中西方各自的设计美学历史，更能从中西对比中揭示出中西方设计美学理念的不同特质。从西方设计美学看，人类最初的设计与艺术是浑然一体的，最初的设计实用而古朴。直到工业化时代来临，技术与艺术开始分离，机器化生产下的产品有明显的非艺术化倾向，在提品的实用功能时缺少了审美功能，因此二十世纪以来的现代设计艺术转向了技术与艺术的统一，满足了人们的审美享受和生活要求。现代西方设计美学的演变经历了三个重要事件:一是英国艺术与手工艺运动。十九世纪下半叶的英国艺术与手工艺运动旨在解决技术与艺术、实用与审美、机械与手工之间的矛盾。二是欧洲大陆的新艺术运动。新艺术运动是十九世纪末二十世纪初的源于法国，波及欧洲及美国的一场设计运动，它不反对工业化，而主张“艺术与技术相结合，提倡艺术家从事产品设计”［9］9。三是现代设计运动。现代设计运动包括德意志制造联盟、荷兰风格派和俄国构成主义等，他们强调理性与功能。德国的包豪斯学校是现代设计美学的起点，它继承了英国艺术与手工艺运动的设计美学思想，尤其是新艺术运动和德意志制造联盟的传统，它重视艺术与技术的统一，认为设计的目的是为人，设计必须遵循自然和客观的法则，形成了比较成熟的设计美学思想。包豪斯是现代设计的摇篮，影响了世界上很多国家，培养了一大批杰出的设计师。二战后的英国、法国、美国、日本、苏联在借鉴包豪斯设计美学的基础上，发展了本国的设计美学理论。从中国设计美学看，中国古代的设计审美思想散见于典章、古籍之中，《考工记》、《天工开物》为较集中的设计著作，但仍难以由之了解中国古代设计思想的全貌。一方面，中国古代的设计理论受宗法礼仪影响很大，各种器具都必须按照礼的规范来设计，都具有礼的象征意义，突出中和之美的特征。另一方面，中国古代的设计理论以天人合一为主要思维模式。正如《考工记》曰:“天有时，地有气，材有美，工有巧。合此四者，然后可以为良。材美工巧，然而不良，而不时，不得地气也。”［10］117这里强调天时、地气、材料和工艺四个条件的结合，才能制作出精良的器物，尤其突出强调即使材料上佳，工艺精巧，然而没有顺应天时和适应地气，也不能制作出精良的器物。二十世纪八十年代，中国成立了工业设计协会和技术美学协会，九十年代开始探索建立设计美学，至今有二十多本与设计美学相关的专著问世，设计美学成为受到广泛关注的学科。中西方设计美学的最大差别是中国的天人合一思维与西方科技理性思维的不同。中国设计美学的天人合一思维注重工艺品的精神气质和形象特征，无论是陶器、石器、青铜器、玉器还是家具设计，不但追求合乎材料的特点，还力求合乎天时、地气、工巧等多重和谐。西方设计美学重视科学理性，讲究科学实证，追求设计的形式与功能，技术与审美的分与合在西方设计美学理论的演变中交织，由此不断衍生了新的设计美学流派。中国设计美学的未来发展将是在吸收中西设计美学理论基础上的综合创新。

三、设计美学的实践应用

设计美学最鲜明特征就是实践品格，力图将美学理论应用于设计实践之中，让人们在生活中体验审美情趣。本课程作为艺术专业的理论课程，必然要重视理论的应用，这种应用既表现为对设计艺术的鉴赏与批评，更表现在工业设计与艺术设计活动之中。第一，注重设计艺术鉴赏与批评。对设计艺术的审美鉴赏不同于对纯粹艺术品的欣赏，设计艺术必须被接受和消费，因此对设计艺术的审美欣赏无法做到无目的性和无功利性。古典主义的审美原则强调浪费主义精神和手工艺的价值，“审美批评原则不是一种客观的评比标准，而是一种主观的情感判断”［2］148，与现代机器生产下的标准化工业产品有一定距离。工业时代的设计艺术鉴赏与批评着眼于产品功能基础上的艺术评价，以工业发展的时代性为背景，艺术评价的标准也呈现出时代性变迁。例如，二十世纪初期，随着现代工业体系的确立，现代主义的机器美学标准逐渐大行其道;二十世纪六十年代以后，后工业时代的来临，后现代的审美标准对机器美学和现代主义审美原则进行了批判。随着时代的变迁，人们的审美标准在不断发生变化，对于设计艺术的鉴赏原则也在发生变化。第二，重视分析中西文化影响下的设计差异性及其典型表现。中西设计的差异归根结底是由中西文化的差异性导致的，因此，最高的设计应是文化的设计。从中西文化差异性的角度探寻中西设计的差异，会发现中西方生命精神的差异、时空观的差异、审美文化的差异体现在不同的设计门类中，而呈现出类似的差异化走向。我们也可以从具体的设计方向如建筑设计、园林设计、装饰图案设计、服饰设计、器物设计等方面比较中西设计艺术的差异性，揭示其背后不同的审美文化属性。以建筑为例:(1)从材料看，传统的西方建筑多以石头为材料，采用围柱式、券柱式结构，墙柱承重，在造型上重视块、面的应用，形态厚重。传统中国建筑则多以木头为构架，采用榫卯安装，梁架承重，在造型上讲究曲线美，气韵生动。(2)从气势看，中国建筑重视飞动之美，宗白华指出:“飞动之美，也成为中国古代建筑艺术的一个重要特点”［11］62，例如，中国建筑有飞檐，中国建筑上的雕刻用龙虎鸟蛇等生动的动物形象，不同于希腊建筑上的雕刻多采用植物叶子为花纹。西方建筑重视静态的庄严之美，如希腊雅典帕台农神庙的柱廊整齐匀称、静穆庄严。(3)从空间布局看，中国传统建筑重视群体组合，由多个单位建筑组合成一个大的建筑群，空间上横向扩展，注重中轴对称，追求纵深效果。中国的城市布局多为矩形和方形。西方传统建筑多注重单体的建筑艺术效果，空间上垂直扩展，重视突兀高耸，讲究立面效果。西方的城市布局多为同心放射状。(4)从色彩看，中国传统的木构建筑需要油漆、涂料保护，色彩以红、黄、绿、蓝为主色调，台基多为汉白玉，鲜艳夺目，具有强烈对比的性格特征。西方传统石材建筑的色彩以白、灰、米黄为主色调，朴素淡雅，具有调和性格特征，但内部装饰鲜色彩丽，追求一种光怪陆离、迷乱、朦胧的宗教感应氛围。中西设计艺术的比较可以让学生深入了解中西设计艺术的精神特质，既可以增加他们设计的历史感，又可以让他们更好的理解现代设计艺术的走向。第三，重视设计美学理论教学与实践应用的模块化设计。通常讲的模块化课程体系就是“打破原有的学科课程体系，以学生的实践能力和必备素质为培养目标，采用模块教学形式，改进原有学科内容的编排方式，综合原有相关学科内容，从而形成全新课程的集合。”［12］设计美学课程可以与其他设计实践课程打通教学，形成教学模块，把设计美学的基本原理贯彻到具体的设计实践过程之中，这是设计美学理想的教学模式。设计美学的模块化教学内容可以分为三个部分或模块，一是设计美的内容模块;二是东西方设计美学历史发展模块;三是与专业相联系的设计案例分析模块。第一、二个模块是设计美学的基本理论内容和设计美学的发展史，这两块内容对于所有专业都相同的通用模块，只是在举例说明相关理论时，要尽量做到与专业相结合。第三个模块则是直接与艺术设计的各个具体专业方向相联系的实践应用模块，选用不同的第三模块与第一、二模块相组合，就可以组成针对不同专业学生的设计美学课程。针对艺术设计的不同专业，可以进行与专业相结合的设计美学教学与研究，如针对环境艺术设计专业学生多结合建筑、城市规划、园林设计相关的案例，服装设计专业的学生多结合服饰设计的案例，平面设计专业的学生多结合视觉传达的案例，工业设计专业的学生多结合工业产品的设计案例，动画设计专业多结合影视动画设计的案例，展示设计专业的学生多结合展馆展示设计的案例。总之，通过中西审美文化影响下的典型设计案例，阐释中西审美文化的差异性，引导学生立足中国传统文化，探讨中国传统设计理论的现代转型。这既深化了学生对设计美学基本理论的理解，提高了学生的审美鉴赏能力，又能够引导学生在设计中自觉地遵循和运用美的规律，为他们的设计实践提供典范。

［参考文献］

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［3］柴永柏，曹顺庆．艺术学导论［M］．北京:北京大学出版社，2013．［4］邱正伦，冯洁．艺术学概论［M］．重庆:西南师范大学出版社，2014．

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［7］黄柏青．设计美学:学科性质、演进状况、存在问题与可行路径［J］．湖南科技大学学报(社会科学版)，2012(5)．

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［9］李龙生．设计美学［M］．合肥:合肥工业大学出版社，2008．

［10］闻人军．考工记译注［M］．上海:上海古籍出版社，1993．

［11］宗白华．美学散步［M］．上海:上海人民出版社，1981．

第8篇：美学与设计的关系范文

【关键词】现代美学；构成要素；应用

对我国现代美学的研究，特别是对我国现代美学中的某些重要概念进行界定，都应以一定的历史背景为前提，综合考虑美学的民族性影响以及与外来思想相互融入这两方面内容。为此，我们将中国现代美学的研究状况归纳如下：前半期对中国现代美学的研究，主要是为启蒙思想，而后半期则是为了重新塑造中华民族的光辉形象。

一、美与美学的概念

美是一种能够唤醒人类的心灵和愉快情感的特质，它体现的是审美对象作用于审美主体的一种心理体验。美学，是探析人内心这种特定的情感，分析该情感的形成原因、过程及本质等方面的一门科学，它研究的是人类对现实的审美关系。在这里，本文认为应把握住美的几个基本特征：美，实质上是客观与主观的辩证统一，同样，人类的审美活动也是确定与不确定性的统一。美的客观性，表现为它是一种客观存在，且来源于客观世界。正是由于美的这种客观属性，使得人类在观察和改造自然的过程中，产生了某种特定的审美心理以及某种特定的美学规律、标准。例如，人类经过长时间的实践，观察并掌握了自然物质材料间存在的各种组合方式和期间存在的某种联系，归纳出了各种不同的形式美法则，这类法则即是人类在长期的实践中创造出来的结晶，它不会因为人的意志而发生改变。

二、现代美学的构成要素及其特点

（一）现代美学的构成要素

1. 形式美

形式美是对美的形态产生的一种抽象知觉，形式因素（如物体的形、色、声等）既表现为物体的实质性内容，同时也隐藏着某些观念内容。人类可通过其视觉感官来接受形式因素，以及它带来的物质刺激，并从中领会审美的愉悦。例如，某个物体根据一定的组合规律，将其形状、色彩等形式因素结合在一起，我们在观察该物体的形式美的同时，也能领会其中的某种情感。

2. 立体美

（1）比例。比例，即事物的整体与局部、局部和局部间存在的数量关系，一个整体通常都是由多个不同的比例关系构成的。线条可以改变物体原有的比例，其具有竖线加高、横线加宽的特点，也就是垂直线能通过改变物体的比例来获得某种独特的审美效果。

（2）韵律。韵律听觉艺术主要是运用韵律来获得和谐的效果。尤其是在版面设计中，韵律感一般会通过相同或相似的构件，如文字、图片等根据某种规则排列开来，使整个版面布局能达到统一、平衡的效果。

3. 技术美

技术美通常被运用到现代工业产品中，它通过新材料和先进的加工方式，如电镀、拉丝、抛光等，能有效提高整个产品的质感和美感。巧妙的产品结构，实际上是技术与设计灵感的完美融合，如汽车的飞速、稳定等，都能刺激人类的审美认知及内心的愉悦感受，这些都属于技术美的范围。在科技日益进步的今天，技术美感的实现需要以技术和工业设计美学的发展为支撑。

4. 意象与意境美

意象、意境是我国古典美学中的两大重要概念，也是一对内涵与外延都比较广泛的美学概念，它充分体现了“天人合一”的思想。进入现代美学后，美学的概念发生了变化，它不仅被纳入到了西学的认识领域，同时也激发出了其自身独特的传统美学特性。此外，从整体角度来看，现代美学还要求实现自然、社会与人类间的和谐统一，在遵循社会伦理道德的基础上，创造出健康向上的社会环境与文化。

（二）现代美学的特征

首先，应用性。从古希腊到19世纪，西方美学和艺术理论为哲学为主导，基于抽象的哲学理论而发展起来的。不过哲学家们并不等同于艺术家，他们自身缺乏艺术创作的实践经验，哲学家们的理论很难为艺术创作、欣赏提供指导。19世纪以来，美学逐步发展且日益成熟，并同各类艺术创作融合，各领域的美学由此而生。相似地，在现代工业文明发展初期，美学也开始将眼光放在现实应用方面，很快便形成了设计美学。基于此，现实应用性成为设计美学中最显著的一大特征。

其次，审美性。设计活动是在现实应用的基础上形成的一种艺术创造活动，与其功能性相关的是审美性特征。设计的艺术性与审美性主要体现为：设计是一种美的“造型艺术”和“视觉艺术”。因此，设计美学中研究的艺术性内容，与视觉美学和造型艺术研究的内容基本相同。从实际应用的层面上分析，设计是将一项计划、设想或方法，运用视觉语言的形式予以呈现。鉴于此，这种视觉语言也拥有艺术化的特征，也能体现出设计美中的某些特征。除符合功能性的基本要求外，审美性也是现代设计应关注的重要问题。

第9篇：美学与设计的关系范文

关键词：“衣以章身”；服饰美学；现代服装设计

1 有关课题内容的研究

目前，国内学者对《闲情偶寄》美学思想的研究非常之多，如杜书瀛先生的《李渔美学思想研究》，就目前来看，这是迄今为止我国第一部全面系统的研究李渔美学思想的专著。在杜先生的《李渔的服饰美学》一文中，他深入分析了李渔的服饰美学思想，同时提出了“与貌相宜”几个方面的含义。张志春先生在《中国服饰文化》中谈“衣以章身”，谈到人与衣服的几层关系，深入细致。其他一些学者也在不同的著作论文中提到李渔的服饰美学。汪开庆的《李渔的服饰审美理论与日常生活审美化》中，提出“衣以章身”的命题，强调人的主体价值。另外，邵卉芳《李渔服饰思想论》、钱水悦的《李渔〈闲情偶寄〉生活美学思想初探》等，都提到了“衣以章身”这个命题，提出了一些李渔服饰审美观的原则和方法。

纵观国内学者历来研究可以看出，李渔所著的《闲情偶寄》已经得到了广泛的关注和认可，许多学者从不同的角度入手，对李渔的美学思想进行了深入细致的研究，其中不乏对李渔服饰美学的研究。但是除了杜书瀛先生以外，其他的学者只是在谈论李渔美学思想的时候涉及服饰仪容美学，但未深入探讨，大多数是列举了李渔服饰美学思想的一些观点和审美原则，加以延伸，并未研究李渔服饰美学在现代服装尤其是女性服装审美中的一些启示。作为衣食住行中重要的一部分，服饰美学也应受到更多重视。本文拟从李渔服饰美学思想入手，以“衣以章身”为切入点，深入分析李渔服饰美学思想对现代服饰搭配的启发和指导价值。

2 衣以章身审美思想对现代服装设计的影响

从今天的审美角度来看，李渔“衣以章身”的审美思想与现代很多服装设计思维和审美标准是一致的，同时对现代服装设计的原则有深刻的影响。归纳起来大致分为以下三个内容：

2.1 以人为本的设计理念

每当人们谈论服饰，总要谈论起服饰与人的关系。中国古代思想大家谈论服饰的不在少数，儒家对服饰的审美观讲究和谐合礼，《墨子》则有“作为衣服带履便于身”的实用主义审美观。李渔谈论服饰，提出“衣以章身”的观点，强调人的主体地位。他说：‘衣以章身’，请晰其解。章者，著也，非文采彰明之谓也。身非形体之身，乃智愚贤不肖之实备于躬，犹‘富润屋，德润身’之身也。”这句话的意思是衣服可以彰显一个人是否贤良淑德的内在品质。人是穿着的主体，但衣服也绝不是附属品，人和衣服的关系，是不能分出一二的。尽管如此，我们还是要强调李渔始终把身放在主体地位上，认为身是具有导向作用的，即使是同一件衣服，穷人和富人穿上，亦能彰显出贫富来。同时，李渔所说的“身”，并非形体之身，而是有形神兼备的意思，是物质和精神的统一。我们今天所倡导的人性化设计理念和李渔以人为本的思想是一致的，人性化设计理念不仅是对服装功能上的要求，更是要服装能够反映出一种人文精神和服饰文化。例如，传统的民族风格、自然闲适的田园风格、夸张时尚的街头风格等，也形成了许多设计思潮和流行趋势。另外，对特殊群体服装的设计也无不体现出以人为本的设计理念。

2.2 与人相称的美学思想

李渔在谈论女性服饰审美的时候讲道：“妇人之衣，不贵精而贵洁，不贵丽而贵雅，不贵与家相称，而贵与貌相宜。”这和他“衣以章身”的原则是一致的。表面看来是衣服和人体的关系，衣服是为了突出形体之美，实则是衣服和人的内在的一种联系。相称，是中国古典美学的一个重要特征。这里有一个装饰适度的问题。李渔讲到“楚王好细腰，宫中皆饿死”的典故，强调任何的美都有一个度，否则是谈不上美的。简洁适度是许多设计师孜孜以求的境界，也成就了很多经典款式。例如，香奈儿著名的“小黑裙”，展现独特的女性韵味，直到今天也依然是全球女性梦寐以求的选择。适度装饰，摒弃繁琐，并非是简单简化，今天的许多服装华丽刺眼，乍一看觉得赏心悦目，仔细看来没有文化内涵，没有人文关怀。人穿上衣服，就好像被束缚了，被繁琐的装饰禁锢了，哪里还能谈论美感呢。李渔一直强调人的主体地位，就是在强调人的品行心性制约着整体形象的境界，而不是服装引导穿者的气质。

另外，李渔讲到妇人之衣，即女性服饰的审美观。提到洁雅宜，不推崇过于华丽的服饰，认为女性服装的美是与面色、体态、气质等相得益彰的美，是一种素面朝天的美。那么如何才能与貌相宜呢，就是相体裁衣。相体裁衣是实现与貌相宜的方法。李渔说：“相体裁衣之法，变化多端，不应胶柱而论。”[1]大概有三方面，即面料、色彩和裁剪，和我们现在说的量体裁衣大致相同。这里，李渔对青色甚是推崇。他讲到皮肤白的人穿上青色更显得白，年轻人穿上更显得年轻，他的这个运用色彩心理来掩盖缺点创造美感的概念在当时应该是难能可贵的。对于今天的设计师和制作者来说也有很大的影响力。Augusta Bernard的裙子，斜裁工艺，腰间十几条针形褶，顺着纱线丝绺捏合，塑造身形却藏而不显，款式简洁，却异常合乎女性身材。

2.3 和谐自然的审美观念

穿衣，说到底是人和衣服和谐自然的关系。李渔有一个比喻：“常有不服水土之患。”[1]衣服与人是否自然和谐，就好像人是否服水土一样。服装是一个层积的审美境界，衣服与人的气质，相互磨合，相互适应，是一个过程。如果一蹴而就，就很容易出现“沐猴而冠”的笑话。当代社会，这样的审美观念也是毋庸置疑的。结构与人贴合，色彩与人相宜，人与衣服“你中有我，我中有你”，把每个人独特的气质展露无遗。这里，还涉及实用性和审美性的统一。李渔讲到云肩的例子，既能保护衣领不沾油渍，又能起到装饰效果。又如百褶裙，虽然优雅却浪费布料，并不方便。和谐自然，其实就是与人相称，与貌相宜，服饰与人看上去相辅相成，不蹩脚，就是服饰审美的最高境界了。

3 结论

“衣以章身”表达的是一种人与衣服和谐共处，相得益彰的境界。衣服和人的关系一直是辩证统一的，尽管李渔始终强调人的主体地位。以人为本是他服饰美学思想的主干，无论服饰多么的变化无常，它始终脱离不了人的躯体。穿衣吃饭是冷暖自知的事情，毕竟是身体与衣服亲密接触。舒适自然，才是穿衣服所追求的境界。这也正是现代服装服装设计师认真思考并追求的一个境界：“什么是服饰美应该遵循的原则”，从五花八门的世界中剥离出来，找到衣服最原始、最自然的形式。当然，这并不是提倡我们穿朴素简陋的衣服，而是要以这样的精神理念为指导来进行设计。“衣以章身”所传达的正是这样一种美学思想。

参考文献：

[1] 李渔（清）.闲情偶寄?声容部?治服[M].沈勇，译注.北京：中国社会出版社，2005：37，30.