清代工艺美术的特点精选(九篇)

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第1篇：清代工艺美术的特点范文

关键词：工艺品；民族性；地域性

工艺品的民族性元素和地域性特征是民族文化和地域文化在工艺美术上的凝聚与展现。当代台湾工艺美术的创作者们很自然地从中国传统文化中寻找思想资源、美学理念和文化灵感，从中国传统文化中寻找养料，加以提炼，取其精华，选择那些有价值、有生命力的元素，进行创意设计。在台北创建了台湾创意设计中心。台湾创意设计中心定位为台湾创意设计发展的整合服务平台，其主要任务为提升设计人才原创能力、促进国际设计交流、加强产业市场竞争力并奠定企业发展自有品牌基础，提高产业附加价值。在政府的支持下，近年来，台湾工艺美术创新带动设计领域和其他领域更多的交流互动和前瞻性思考与突破，吸引了众多海内外消费者的目光，更获得国际专业人士的好评。由于特殊的历史原因，台湾工艺美术融合了多种文化元素，走出了一条传承古今、融汇东西的成功发展之路。台湾的传统工艺美术，从男耕女织时代到声光电化时代，不但未随时代潮流冲击而萎缩，反而得到了一定的保护和发扬。当前，台湾工艺美术行业发展主要有以下几种特征。

一 坚守古风的传统工艺美术

孤远清悠的仿古晓芳窑 而是纯然一色的汝窑，素雅，是和谐胜过对比、“雅淡神逸”比“错彩装饰”更美的审美境界。（如图一）曾应之请承制乾隆书房三希堂内大部分之陶瓷陈设，却仍将其中制作难度极高之轿瓶与瓷如意等器物成功地重现。宋汝窑瓷追求的是“雨过天青云”的玄妙颜色。那温润如玉的釉色中分布着若隐若现、大小不规则的开片或冰裂纹，呈现出奇妙的艺术效果，令人眼见心喜，爱不释手。从汝窑开始，宋瓷之美已更多地凝聚于造型和釉质，斧凿之痕稍重的装饰也不见于供御的建盏和宫窑器物。南宋后期，龙泉青瓷发展迅速，许多高档品甚至割舍了美妙的开片，以无言胜有声，登上了静穆的颠峰。造型单纯吉雅、装饰平和简素是两宋陶瓷艺术的突出特点，往往同宫府、宫廷联系走系越多，造型就越单纯古雅，装饰就越平和简素。晓芳窑台湾晓芳窑以仿古瓷闻名，其品质在台湾尚属首位，还没有人能超越。晓芳窑在产品设计上并非单纯追求完全仿古，而是尝试在古瓷艺术的釉色及瓷质等方面进行突破。

台湾的手工艺形态兼具平凡的生活美和经久耐用的坚实性，台湾传统工艺美术是结合传统性与民族性，包含传统文化的理念与感性的天人合一的人生观，有着浓厚善良的恕道精神，以及敬祖尊贤的礼仪观念深植其中，所以它具有浓厚的乡土风味特征。如台湾原住民的陶罐极富民族特色（图二），黄当喜的《宝贝号》（如图3）则刻画了早期农业社会外出工作便将小孩带在身旁以便照顾，每天看他一天一天长大，再辛苦也值得。坚守古风的台湾手工艺界的复古和创新，也将大有裨益的传统手工艺薪火相传。

二 引进先进科技制作的工艺品

存仁堂艺瓷薄胎碗系列之青花菊瓣镂空碗作品有轻、薄、透、润的特色。从拉胚、修胚、素烧、雕刻、上釉还原烧制，每一道工序，皆是功力、耐心与巧思的结合。薄胎碗是明朝永乐年流传下来的工艺，每件重量不超过三两重，又称三两碗，在双手拉出仅约0.6毫米的胎壁上彩绘、雕琢、上釉，再放于1260℃一1300℃高温中烧制，任何一道过程都是极至的挑战，先进的设备加工使其胎壁薄如蛋壳，胎质晶莹剔透具透光性，釉面温润如玉，配合细腻的中国人文工笔雕作，自成一番气质。在碗内注入清水或置于灯光下，细致、古典玲珑的雕刻纹饰，仿若水印般，若隐若现，凭添一分灵气、一分脱俗，赏心悦目外更能感受到千古中国的智慧光采。而同样运用先进设备的竹瓷结合碗（图5）将竹片压叠切模成型，结合陶瓷，攻克技术难题，将两种温润亲和材质结合制作出产品。自然材质的竹与瓷，两种温暖材质结合的竹瓷结合碗（图5），看似简单的组合，竹的部分却是通过竹片压制楦模成型，再结合瓷的部分，使人对自然材质的亲近感更强。

三 多种元素融合的法兰瓷

法兰瓷在艺术造型上采用西方的器型结合东方的审美，在技术攻关上将现代科技与艺术高度融合，形成古今融合，中西兼具的艺术风格。如果说晓芳窑是在寻访中国传统的古风与气韵的话，那么著名的法兰瓷则走的是一条集现代管理、西方骨架与东方灵魂于一体的新型瓷器品牌，产品营销于全球，数年内快速成长的台湾著名品牌法蓝瓷，迈向中国新瓷器时代。它的定位和口号是“有功能的艺术品”。虽然是艺术品，但可以用它，而不只用来观赏、摆设。因此法蓝瓷除了传统的摆件、茶具、餐具等用来促进“生活艺术化、艺术生活化”。其产品做的让顾客感动，老板陈立恒认为人性极易被独特的事物所吸引，在第一时间抓住消费者的目光及好奇心，触动他们的心灵，才能在市场上众多产品中脱颖而出。传统与现代的有机结合使工艺美术更加斑斓多姿、生机勃勃。如图（7-9）

四 将国际流行艺术形式注入工艺美术创作

结合现代艺术的时尚元素及国际流行艺术形式，张贵菜的包包系列—彩霞满天。（图11）（图12）敏锐的捕捉到时尚气息，对现代工艺品进行表现形式的突破。卜华志《狮身丑面》（图10）作品隐喻了只要有人类聚集生活的地方就有面具的衍生，他是把人类认为的真理、规则、神话写实在日常生活中，更强调万物的灵性及多面向的角色扮演，来解决因人多聚集而产生的各种问题。林辰晏《漂流》（图13）系列透过视觉反应及材质转换，有时光静止、物质失重的平和意境。设计上运用木刻的经典手法，注入现代创意理念。呼唤着现代人远离世情，回归宁静安适的心灵空间。

五 将现代文化创意理念融入生活的台湾时尚工艺品

制作的礼品、纪念品，提出了“Old is New”的概念，把故宫的形象时尚化，要让台湾年轻一代也喜欢上故宫。让与故宫有关的文化、形象以台湾年轻一代喜欢接受的形式进行宣传，比如清代郎世宁，康熙、维正、乾隆三朝以绘事供奉内延，他所画画罂粟册页，（图16）选自《仙萼长春册》，各色花红紫交映，色彩鲜艳饱和。画家以灵活的线条，色彩深浅变化，描画日照花开的光泽与生机，展现了浓厚西洋光影透视技法和写实功力。博物院联合八方新器公司以故宫名画图形为装饰元素，推出一系列茶具，使原本高高在上的故宫藏品走入寻常人家，是传统高雅文化在生活中得到通俗解读，国际化的艺术语言结合中国的民族性、地域性元素进行设计，达到古为今用的目的。

同样，憨态可掬的玉枕娃娃（如图14、图15），走下画卷的“达摩”时尚造型，化身钥匙吊坠（图19）的镇馆之宝“翠玉白菜”等与故宫有关的文化、形象让大众更了解故宫、喜欢故宫。其特点是保持故宫特色，结合世界青年人喜欢的卡通造型，加之细致入微的工艺是其品质的保证。由此可见，本土本身就酝酿着很大的力量，做设计的就是把本土元素拿来，去运用，去创造，这个就是创意的过程。天晴设计的双喜杯（图20）福禄寿禧是中国文化里的主要祝福话语，而双喜象征着美满、幸福，有着世人都懂得、古老丰富的文化内涵，还有寄托对生活理想的追求与渴望。茶杯结合双喜的概念，兼具艺术性及浪漫实用性。

台湾在现代工艺品创意制作上有几大特征，坚守复古和创新的地域性特征；用怀旧的方式结合民族性、地域性特色元素，传承中国传统工艺美术文化；引进国际领先的高科技设备，保证了较高的生产质量和精致的细节刻画；国际流行的艺术形式结合现代工艺品，推动跨领域设计合作，使现代工艺品具有时尚的特征；现代文化创意理念融入现代生活。使工艺品烙有现代时代符号，符合时代需求；科学的设计的管理。组织一群设计师产生一个共同的设计力量，协助产业应用设计；产品在执行上聚焦于创新研发及设计及拓展营销通路，并以建构跨界合作平台。尝试拓展新生活文化市场，在跨领域的主题产品开发方面效果显著。

综上所述，台湾开放、包容的社会特性以及一些历史原因使其文化产业受多种文化的影响，具有兼容并蓄、博采众长的特点。在探索工艺美术创新的审美创造过程中，当代台湾工艺美术的创作者们很自然地从中国传统文化中寻找思想资源、美学理念和文化灵感，从中国传统文化中寻找养料，加以提炼，取其精华，选择那些有价值、有生命力的元素，进行创意设计。另外台湾频繁的国际交流、大量的留学生外派、发达的高等教育、特别是台湾创意设计中心的机构成立和较为前卫的创意思潮，使台湾工艺美术、文创发展迅速，成绩斐然。

参考文献

[1] 林国平主编：《文化台湾》 第37-39页 北京：九州出版社 2007年.

[2] 邱春林著：《中国手工艺文化变迁》第232-237页 上海：中西书局2007年.

[3] 赵燕主编：《物神器韵》第147-151页 杭州：中国美术学院出版社2012年7月.

[4] 戚嘉林主编：《台湾真历史》北京：中国友谊出版社 北京 2001年 .

[5] 刘末鸣主编：《画界.工艺美术》第5期《台湾工艺向文化创意微型产业转型》第106-107页 杭州：《画界.工艺美术》杂志编辑部2012年10月.

[6] 叶时昌主编：《台湾艺术家精品集》第30页、第49页 杭州：第十四届西湖国际博览会·中国工艺美术精品博览会2012年10月.

第2篇：清代工艺美术的特点范文

一、发展概况

原始社会

实用与审美相统一

陶器

奴隶社会

崇高

青铜器、玉器

战国秦汉

轻利活泼、飞动奔放、雄强

古拙

陶器、漆器和丝织品

三国两晋

空疏、清静、平淡

青瓷、建筑物件和宗教工艺美术

隋唐

气势博大、精巧圆婉、富丽丰满

染织、陶瓷、金银器、漆器和木工

宋

沉静典雅、平淡含蓄、心物化一

元

粗犷、豪放和刚劲

明

端庄、简约、程式化

清

矫饰雕琢、精致繁缛

二、主要内容、分类

实用工艺美术和陈设工艺美术

传统工艺美术和现代工艺美术

手工艺美术和工业设计

民间工艺美术、宫廷工艺美术和文人工艺美术

雕塑、锻冶、烧造、木作、髹饰、织染、编、扎、画绘、剪刻

传统工艺美术：雕塑工艺、织绣工艺、编织工艺、金属工艺、陶瓷工艺和漆器工艺。

现代工艺美术：室内环境设计、染织设计、服装设计、日用工业品造型设计、日用陶瓷设计、商业美术设计和书籍装饰设计等。

三、美学特征

和谐性、象征性、灵动性、天趣性、工巧性

第一章

原始社会的工艺美术

概述

石器

原始人从实用生产（还不是从审美）的要求出发，对造型样式有了一定的认识，初步掌握了一定的造型手段。为了砍砸刮削等不同需求而有意打制成不同类型。

旧石器时代石器

新石器时代石器

动物陶塑

形象多生动有趣，在当时社会经济生活中占有重要地位。表明了原始人对生活细致的观察和较强的造型写实能力。

陶猪

新石器时代晚期，河姆渡文化，1973年浙江省余姚市河姆渡出土，长6.7厘米。

从事稻作生产的河姆渡氏族，其家畜饲养业也有一定规模，饲养的家畜主要是猪、狗和水牛，猪的数量最多，破碎的猪骨和牙齿在遗址中到处可见。河姆渡遗址还出土一件陶盆，其上刻有一束捆扎整齐的稻穗和猪纹，反映了养猪与农业的密切关系。

陶鹰鼎，新石器时代，，仰韶文化陕西华县出土，高36厘米，器口开在鹰的背部，整体造型威武而雄壮。

狗的形象生动可爱，其伸着长颈，抬着头，眯起眼睛，像是迎接主人的归来。曲卷着尾巴成为器物的手柄

鸟形鬶

新石器时代.白陶双层口鬶，大汶口文化，这是个鸟形的鬶，最特别的是它的双层口沿，口沿四周还饰有三角形镂孔，双层的口很少见，既可阻挡灰尘杂物，又是很强的装饰效果。

鳖形墨陶壶

新石器时代。鳖形墨陶壶，仿鳖形造，壶腹即鳖身，短尾，周围有4个小爪，每爪有两孔，以作系绳之用。

红陶鸟形器

新石器时代。红陶鸟形器，齐家文化，此鸟形器结合了雕塑与刻划的表现手法，鸟身的一侧刻着细线翅翼纹，另一侧刻细线幼鸟纹，还印有小圆圈纹。

人物陶塑

雕塑中的人物形象不多，但有重要意义，它体现着原始先民对自身的形态面貌力量的初步认识和艺术再现的能力。人物形象多是头像。

玉雕

原始玉石器造型匀称，类型繁多，制作精巧，技术精良，材料优质。不仅有实用价值，而且有很强的美感。

实用工具——礼器和装饰品

碧玉龙、玉琮、玉猪龙、玉勾云双鸟形珮、玉鳖、玉鸟形珮、玉兽面纹丫形器、玉双兽首、三孔器、玉兽形珮、玉鹰形珮、玉猪首形珮

其他工艺美术史

骨雕

牙雕

编织

装饰品

陶器

陶器的出现是中国新石器时代的主要特征之一，它加强了早期人类定居的稳定性，丰富了人们的日常生活。制陶是一种专门技术，一般选用粘土，经过成型、入窑火烧而成。中国最早的陶器资料出现于新石器时代早期。

陶罐

新石器时代，距今1万年左右，食器1962年江西省万年县仙人洞出土口径20厘米、高18厘米，这件陶罐是迄今在中国境内发现的年代最早的成型陶器之一。仙人洞下层出土的一些陶片,全为夹粗砂红陶,火候低,陶色不纯,厚薄不均,内壁凹凸不平,系用手捏制成器,制陶技术相当原始。

新时期时代早期陶器

裴李岗文化（前5500～前4900）

磁山文化

（前5400～前5100）

大地湾文化（前5200～前4800）

裴李岗文化（前5500～前4900）

河南新郑，陶器多为泥质或夹砂红陶，亦有少量灰陶，多用泥条盘筑法成型；器形有杯、碗、盘、钵、壶、罐等，其中以三足钵、双耳壶最有代表性；其纹饰有篦点纹、弧线纹、划纹、指甲纹、乳钉纹、绳纹等。

红陶双耳三足壶

红陶双耳三足壶，裴李岗文化，1978年河南新郑裴李岗出土，高13.9厘米，口径6厘米，中国历史博物馆藏。

磁山文化（前5400～前5100）

河北武安，陶器除仍用泥条盘筑法外，还出现了捏塑法，陶质以夹砂为主，有红、灰、褐、灰褐等色陶器，同时出现了豆、盂、支架等新器形，部分器物表面饰有绳纹、篦纹、剔刺纹、划纹、乳丁纹等。

大地湾文化（前5200～前4800）

发现于甘肃秦安县大地湾，其陶器以夹细砂红陶为主，器形有圈足碗、三足钵、三足罐等；另外大地湾文化陶器中，部分器物有外红里黑,或两面红中间黑的现象,较为别致；其纹饰有网状交叉绳纹、锯齿纹等。

红陶绳纹碗

红陶绳纹碗，大地湾文化，容器，甘肃秦安大地湾1期遗址出土，高7厘米，口径17.8厘米，甘肃省博物馆藏。

新时期时代中晚期陶器

遗址类型：仰韶文化、马家窑文化、大汶口文化、龙山文化

陶器种类：彩陶、黑陶、白陶、印纹陶

仰韶文化

分布：黄河流域的河南、山西、陕西等地，因1921年首先发现于河南省渑池县仰韶村而得名。

年代：公元前5500－前3000年左右。

社会经济：原始社会母系氏族公社繁荣期，以农业经济为主，辅以采集、渔猎和饲养牲畜。

原料：细腻而有粘性的黄土；天然的赭石、红土或锰土。制作方法：泥条盘叠法、慢轮修整、直接捏塑

呈色：橙黄、红或红褐色；纹饰呈黝黑或殷红色。

彩陶——仰韶文化半坡类型

代表：西安半坡村和临潼姜寨遗址出土的彩陶

器型：圆底或平底的盆、小口长颈大腹壶、圆唇直口鼓腹罐

风格：朴实厚重

彩绘纹样：动物纹（人面纹、鱼纹、

鱼鸟结合纹、

鹿纹）

几何纹

（写实纹饰－抽象几何纹）编织纹

人面鱼纹彩陶盆

新石器时代，仰韶文化，葬具，1955年陕西省西安市半坡出土，高16.5厘米、口径39.8厘米。这件彩陶盆是儿童瓮棺的棺盖。仰韶文化流行一种瓮棺葬的习俗，把夭折的儿童置于陶瓮中，以瓮为棺，以盆为盖，埋在房屋附近。这件陶盆上画有人面，人面两侧各有一条小鱼附于人的耳部。有的学者根据《山海经》中某些地方曾有巫师“珥两蛇”的说法以为人面鱼纹表现的是巫师珥两鱼，寓意为巫师请鱼附体，进入冥界为夭折的儿童招魂。

鹿纹彩陶盆

人面鱼纹盆

鱼鸟纹细颈瓶

彩陶船形壶

新石器时代，盛水器，仰韶文化半坡类型，陕西宝鸡北首岭出土，高15.6厘米，长24.8厘米，中国历史博物馆藏。

几何纹彩陶钵、瓶布纹陶钵底部印痕

新石器时代，仰韶文化，1955年陕西省西安市半坡出土，口径14.7厘米，这件陶钵的底部有布纹印痕，是制陶时把未干陶坯放在麻布上衬垫所致。布纹纹理粗细不均，粗线直径约

0.4厘米，细线直径约0.05厘米，反映出当时纺线、织布的水平低下。半坡遗址出土有许多纺线工具－陶

纺轮，用陶纺轮纺好一定量的线以后即可织布。当时人们织布使用的工具是水平式踞织机，又称“原始腰机”。

红陶小口尖底瓶

红陶小口尖底瓶，新石器时代，仰韶文化半坡类型，汲水器，陕西临潼姜寨出土，高54厘米，口径6.5厘米，中国历史博物馆藏。

彩陶——仰韶文化庙底沟类型

代表：河南陕县庙底沟和陕西华县泉护村出土的彩陶

器型：大口小底曲腹盆和碗

风格：挺秀饱满、轻盈而稳重

彩绘纹样：纹样多为两端相交组成的新月形、叶形、花瓣形纹（植物纹），以及弧线与直线相交而构成的三角形纹（几何纹），还有少量的动物纹和编织纹。

彩陶花瓣纹盆

陶花瓣纹盆，新石器时代，盛水器，仰韶文化河南陕县庙底沟出土，高12.2厘米，口径20.3厘米，中国历史博物馆藏。

勾叶纹彩陶盆

植物纹彩陶盆

鱼鸟纹彩陶盆

彩陶鲵鱼纹瓶

彩陶鲵鱼纹瓶，汲水器，新石器时代，庙底沟类型，甘肃甘谷西坪出土，高38厘米，口径6.8厘米，甘肃省博物馆藏。

漩涡纹曲腹盆

鹳鱼石斧缸

新石器时代、陶质彩绘、器高47cm、口径32.7cm。1978年河南省临汝县阎村出土，属新石器时代仰韶文化类型，陶缸绘有鹳鸟衔鱼，旁边竖立一件石斧的画面，作者用白色在夹砂红陶的缸外壁绘出鹳、鱼、石斧，以粗重结实的黑线勾出鹳的眼睛、鱼身和石斧的结构，画面效果粗犷有力，绘画具有中华民族远古时代的造型特征，是一件罕见的绘画珍品。

彩陶双连壶

1972年，郑州市北郊大河村仰韶文化遗址房基内出土，高20厘米，两壶并列，腹部相连处有一圆孔相通。两壶两侧各附一耳，圆腹平底。泥质红陶，红衣黑彩，器表布满平行线条，古朴流畅。在众多绚丽多彩的仰韶文化彩陶中，双连壶以其独特造型和新颖的构思，独压群芳，被誉为中国彩陶之冠，对研究原始社会的习俗和制掏艺术有重要的价值。

马家窑文化——马家窑类型

分布：1924年发现于甘肃临洮县马家窑村，其范围可达青海、宁夏、四川等省区

年代：公元前3300～前2900年

器形：仍以盆、钵、罐、壶为主，尖底器已基本消失。

纹饰:人物纹；动物纹,有蝌蚪纹、蛙形纹；

最具有时代特征的为旋涡纹和波浪纹，纹饰旋转、起伏，给人以强烈的运动感.

彩陶舞蹈纹盆

彩陶舞蹈纹盆，盛水器，新石器时代，马家窑类型，青海大通上孙家寨出土，高14厘米，口径28厘米，中国历史博物馆藏。

彩陶人形浮雕壶

彩陶人形浮雕壶，新石器时代，盛水器，马厂类型，青海乐都柳湾出土，高34.4厘米，口径9.3厘米，中国历史博物馆藏。

鸟纹壶

新石器,马家窑文化是黄河上游的新石器文化，以彩陶制作闻名。此壶属马家窑文化中最早类型的彩陶，

黑彩绘画，构图疏朗，看似几何形的纹饰实为鸟纹的变形，具有较高的艺术和审美价值。

彩陶钵

彩陶钵，新石器时代，盛水器，马家窑类型，1975年甘肃临夏水地陈家出土，高10.4厘米，口径29厘米，甘肃省临夏回族自治州博物馆藏。

彩陶筒形瓶

新石器时代、马家窑文化、陶质彩绘。马家窑文化中曲线构成的旋涡纹饰是结构最复杂、完美而又有典型意义的几何纹饰之一。作为器物纹样的几何装饰手法，这件作品反映了我国原始社会中高超的构图技巧。

漩涡纹罐

马家窑文化——半山类型

分布：1924年发现于甘肃和政县（今临夏回族自治州）半山地区，分布于甘肃及青海东北部

年代：公元前2650～前2350年

器形：短颈广肩鼓腹罐、单把壶、敛口钵、敞口平底小碗等

纹饰:

锯齿纹、网纹及鱼、贝、人、蛙等形的纹样，以锯齿螺旋纹、波浪纹、锯齿纹最

为典型。另外，有的器物盖纽还被塑成人首形，形象较生动。

彩陶罐

彩陶瓮

马家窑文化——马厂类型

分布：1924年秋发现于青海民和县马厂塬。主要分布于青海、甘肃等省

年代：公元前2350～前2050年

器形：基本沿袭半山类型的造型，较之半山显得高耸、秀美。出现了单耳筒形杯，耳、纽的造型富有变化

纹饰:同心圆纹、菱形纹、人形蛙纹、平行线纹、回纹、钩连纹等。

彩陶蛙纹瓮

彩陶蛙纹瓮，新石器时代，容器，马厂类型，青海柳湾出土，高52厘米，口径19厘米，青海省彩陶中心藏。

几何纹双耳罐

新石器时代

其他文化的彩陶

大汶口文化、大溪文化、屈家岭文化、齐家文化等遗址中也出土有彩陶。但其数量、规模和艺术水平已与上述文化类型有一定的差距。

白彩陶豆

白彩陶豆

大汶口文化（公元前4300-公元前2500年）高29.3厘米

1974年山东省泰安市大汶口出土，山东省文物考古研究所藏。

彩陶双体罐

新石器时代.彩陶双体罐，卡若遗址出土，夹砂黄陶，绘黑彩，双体纹饰各个相同，其一为折线纹，其一为菱形纹，器形独特。

彩陶筒形瓶

彩陶筒形瓶，新石器时代，大溪文化，四川巫山大溪出土，高19.2厘米，口径6.8厘米，中国历史博物馆藏。

彩陶带盖罐红山文化

红山文化彩陶罐

高37厘米，口径16厘米，底径10厘米。1936年内蒙古赤峰地区蜘蛛山出土，现藏中国社会科学院考古研究所。此罐为泥质红陶，整体接近竖向长圆形，乍看如直立蛋状，口微敛，方唇，粗颈，深腹近底部稍鼓。内凹小平底。口至腹中部间用黑彩绘对称的四片鱼鳞纹，每片以一竖条为中心，自里向外绘六条同心椭圆纹。器型优美简洁，为红山文化常见的风格。

圆底彩陶罐沙井文化

夹砂红陶，高颈，双耳，扁圆形腹，圜底，施红褐彩。颈、肩、腹部饰细长倒三角纹、乌纹、间以弦纹、连续菱形纹。此罐是沙井文化典型器物，反映发当时草原游牧族的文化特点。

人体彩陶

甘肃省临洮县辛店镇出土。经考证，该彩陶瓶的年代大约为3200年前，属于马家窑文化辛店类型。其造型为甘肃彩陶中常见的鱼口瓶，高约30厘米，整个瓶身呈土黄色，两侧有两只对称的耳把，瓶上有两个人体图案，均以黑色颜料绘成。经考证，这种图案在国内尚属首次发现。

双大耳罐齐家文化

红陶双耳罐，新石器时代，盛水器，齐家文化，甘肃武威皇娘娘台出土，高12.6厘米，口径10.7厘米，

甘肃省博物馆藏。

黑陶

在器物烧成的最后一个阶段，从窑顶徐徐加水，使木炭熄灭，产生浓烟，有意让烟熏黑，而形成的黑色陶器。它是继彩陶之后，中国新石器时代制陶业出现的又一个高峰。1928年，黑陶首次发现于山东章丘县（原属历城县）龙山镇城子崖，其文化遗存，考古学界称为“龙山文化”，据放射性碳素断代，其年代为公元前2500～前2000年。这种典型的龙山文化，又称为山东龙山文化，是继大汶口文化之后发展起来的一种新石器时代晚期文化。其分布区域以山东和苏北地区为主。

黑陶作为山东龙山文化的一个重要特征，是中国新石器时代制陶工艺中与彩陶相媲美的又一光辉创造。

黑陶蛋壳杯

黑陶蛋壳杯，新石器时代，龙山文化，山东日照出土，高26.5厘米，山东省博物馆藏。

黑陶蛋壳杯龙山

黑陶豆龙山

黑陶双耳杯龙山

黑陶碗龙山

新时期时代

其他文化的黑陶

屈家岭文化、良渚文化等

黑陶高足杯

黑陶高足杯，新石器时代，盛酒器，屈家岭文化，河南浙川黄楝树出土，高19.5厘米，口径7.5厘米，河南省博物馆藏。

黑陶贯耳壶

黑陶贯耳壶，盛水器，新石器时代，良渚文化，江苏吴江梅堰出土，高15厘米，口径7.2厘米，南京博物馆藏。

黑陶壶

黑陶壶，盛水器，新石器时代，良渚文化，1983年上海青浦福泉山出土，高15厘米，上海博物馆藏。

黑陶釜

新石器时代，河姆渡文化，炊具，1973年浙江省余姚市河姆渡出土，高25.5厘米

釜是与灶配套使用的炊具,用于煮食。这件黑陶釜的底部已部分脱落,从脱落的痕迹可以看出这件黑陶釜是，用泥片贴筑法制成的。泥片贴筑法是新石器时代早期普遍使用的一种制陶方法,先把陶泥弄成片状,再把陶片层层相贴,直至贴筑成器形。

白陶

用高岭土烧制，质地洁白细腻。它起源于新石器时代，至商代因制作技术的提高，使原料的淘洗更加精细，烧制火度的掌握也恰到好处，因而使所烧器物愈加素净可爱。白陶的器形多为生活用品，有壶、卣、簋等。其纹饰主要吸取青铜器的装饰纹样，如兽面纹、饕餮纹、夔纹、云雷纹、曲折纹等。其装饰方法有刻纹和浅浮雕两种。白陶的装饰往往遍布器物全身，构图严谨而富于变化。白陶是当时奴隶主贵族使用的一种生活器皿，至西周已渐消失。

印纹陶

在做好的陶坯上，趁未干前用印模将所需花纹在所定部位捺印上去后进行烧制。依其烧制温度的低高，又分为印纹软陶和印纹硬陶。前者又有泥质与细砂质之分，多呈红褐、灰白、灰等色，多流行于新石器时代晚期至商代以前；后者因烧制时温度较高，故胎质坚硬，呈灰色，系在前者基础上发展起来，其出现年代约在商代以后。印纹陶的器形大多为日常生活用具，主要有瓮、坛、罐、盂、钵、杯、盘、豆、簋、尊等器皿。制作方式为手制、模制和轮制。

印纹陶

其纹饰是用印模在作好的坯胎上捺印出来，最初只是出于防止器物变形，有加固陶坯的目的，故早期的印纹陶上多留有布纹、席纹和绳纹的痕迹，后随技术的提高和人们审美能力的发展，逐渐使纹样趋于丰富、精美。印纹陶的纹样均为几何形，主要有水波纹、米字纹、回纹、方格纹、编织纹、云雷纹。其纹饰多与器形相协调，如曲折纹、云雷纹、回纹等较粗犷的纹样，多用于瓮、坛及较大的罐等。而小件的盂、钵等多饰以米字纹、方格纹等细密、秀美的纹样,其中尤以商、西周、春秋时期的纹饰线划均匀,结构严谨，且富有韵律感

商--手工业从农业中分离出来，私有制形成，原始社会逐渐向奴隶社会过渡。

石器时代以后，经历了金石并用期，人类历史进入青铜时代。在社会发展史上，是奴隶社会时期。

夏代是我国历史上的第一个朝代。在河南郑州一带发现的“二里头”文化遗址与夏代同期。二里头文化已经进入青铜时代。

商代分为早期和殷商（晚期）两个阶段。以晚期最为辉煌，河南安阳小屯为其王都。

周--周人是我国西部的一个古老的部落，活动在陕西、甘肃一带。

周武王灭商成立周朝。定都西安西南的镐京。

周代实行分封制、世袭制和等级制。礼治是其根本。

周代的等级制充分反映在工艺美术方面。

这一时期，出现了我国最早的关于工艺的专门著作《考工记》，它总结了各种工艺制作的科学经验，提出了“天有时，地有气，材有美，工有巧，合此四者，然后可以为良”的论点，至今仍为工艺制作的基本法则。

依据《考工记》所著，那时的工艺制作的分工已经较为趋向专业化状态。

春秋战国---这是一个大**、大转变的时期，所谓“礼崩乐坏”的时期。

各诸侯国的兼并和分裂，也造成了地方特点的成熟和文化的交融。

封建制度逐渐形成。战国时期，冶铁工业的出现，促进了手工业的发展。

学术领域的百家争鸣，带动了中国社会思潮的繁荣和文化艺术的巨大发展。

青铜是红铜加锡、铅的合金。

青铜较之红铜，有熔点低和硬度大等优点。

大约在公元前2000年左右，我国进入青铜时代。

1、青铜器的型制：

武器和工具：戈、矛、斤、刀、钺、镞、铲、凿等

乐器：钲、铙、钟、鼓

生活用品：（包括炊煮器、食器、酒器、水器）鼎、鬲、豆、爵、角、觚、尊、壶等。

2、青铜器的制造工艺：

陶范、分范、铸造、镶嵌、鎏金、失蜡等。

商代青铜器

是青铜艺术由成熟到鼎盛的时期，流行饕餮纹、云雷纹、夔纹、龙纹、虎纹、象纹、鹿纹、牛头纹、凤纹、蝉纹、人面纹等纹饰，郑州杜岭出土的饕餮乳丁纹方鼎、安阳殷墟出土的司母戊方鼎、安徽阜南出土的龙虎纹尊、湖南宁乡出土的四羊方尊及人面纹方鼎等为代表。

西周前期继承商代风格，在后期逐渐形成自己的特色。总体风格质朴、简约，强调韵律感和节奏性，体现有条不紊的秩序和规律。

酒器稍减，食器增多，铭文加长。流行顾首的夔纹、分尾的鸟纹、窃曲纹、重环纹、波带纹及瓦纹，长篇铭文习见。

陕西扶风出土的毛公鼎（铭文长达497字）、大克鼎等，皆属西周时期的典型器。

春秋战国时期的青铜工艺，在应用角度是一种钟鸣鼎食的组合。它已失去祭祀和礼器的特性，向生活日用器物发展，增加了许多以实用为主的用品。

装饰题材，逐步摆脱宗教神秘气氛，使传统的动物纹进一步抽象化，变为几何纹，并出现了反映社会现实生活的题材，如宴乐、射猎、战争等；装饰手法采用模印、刻划和镶嵌；制作工艺的分铸、焊接、镶嵌（金银错）、腊模（失腊法）、鎏金等新技术，使青铜工艺达到前所未有的精美。

春秋时期的“莲鹤方壶”、战国时期的“宴乐水陆攻战铜壶”为其代表。

陶瓷工艺

商代的陶瓷工艺分灰陶、白陶、釉陶和原始瓷器等多种。

灰陶占全部陶器出土的90％以上，轮制和模制较多，以适应大量生产的需要。

白陶为商代陶器工艺珍品，高岭土制成，商代以后，不再出现这种产品。

釉陶和原始瓷器为瓷器的萌芽，数量较少，品质也有缺陷。

这一时期的陶瓷工艺，在装饰手法上为青铜工艺所主导

周代原始瓷器的出土已经很广泛，有的造型颇具情趣。

陶器以红色粗泥陶为主。

春秋战国的陶瓷工艺，比西周时期更为发展。

浙江绍兴地区发现了许多战国时期的窑址。

这一时期的典型品种有暗纹陶、彩绘陶、几何印纹陶和原始瓷器。

另外，春秋战国时期的彩塑和瓦当也卓有特色。

雕刻工艺

《诗经》有“如切如磋，如琢如磨”，具体反映了雕刻工艺的制作过程。

商代的雕刻工艺有石雕、玉雕和牙骨雕等。

周代的玉器，因为与伦理道德有着直接的关系，得到社会的特别重视。礼仪大典，祭祀朝聘，以玉为必需；自天子至士庶，以佩玉为尚，并延源几千年。

玉器之大小和规格，均有严格规定和不同用途。

春秋战国时期的其他工艺还有玉器、木雕和琉璃等。

琉璃即原始玻璃。我国的玻璃为铅钡玻璃，西方为钠钙玻璃。

战国时期琉璃的产地为长沙地区。

染织工艺

西周时期的养蚕、缫丝、织帛、种麻、采葛、织绸、染丝等工艺，已有专业分工。

当时临淄的罗、纨、绮、缟、陈留的彩锦，都是名品。

染色工艺也有一定的成就。

春秋战国时期，纺纱织造较为普遍，染织刺绣工艺也得到发展，在今天的山西、河北、山东、江苏、湖南一带，尤以齐鲁地区最为著名“齐纨鲁缟”全国知名。

而以湖南长沙和湖北江陵地区的出土最为丰富。

漆器的色彩也要符合礼制的规定。“天子丹，诸侯黝垩，大夫”－－《春秋》

用蚌泡作为镶嵌，是周代漆器工艺的一种流行装饰手法。为镙钿装饰的前身。

1、商代是典型的奴隶制社会。宗教由多神教转为一神教。宗教色彩浓郁。

2、崇尚武力。造型多为方正庄重的直线，装饰采用对称规整的格式。神秘、庄重而威严。

3、其青铜器的组合为酒器的组合。造型来自实用要求。型制多样而丰富。

4、商代工艺装饰的社会意义，其宗教意义大于审美意义。

周代尚德，强调礼治，礼的特点是等级和秩序，在工艺美术中反映明确。

春秋战国一、具有时代的共同性和地区的特殊性。齐国的刺绣、楚国的漆器、吴越的刀剑等。

二、思想学术领域的“诸子蓬起，百家争鸣”带动了工艺美术领域的巧思、清新和活泼的特色。

三、重叠缠绕、上下穿插，四面延展的四方连续装饰，来自于创新，也来自于制作技术的发展，同时与当时的文学格式“回荡法”有“异曲同工”的呼应。

四、诸子百家关于用与美、文与质的论述，如孔子“文质兼备”“质胜文则野，文胜质则史”，以及墨子“先质而后文”，韩非子的“以文害用”，孟子的“与民同乐”，荀子的“万物之美可以养乐”等，均对工艺美术的发展影响很大，及至今日。

秦汉时期的工艺美术

公元前221年，秦统一了中国，至汉代呈现出

大一统的强大国势，也是中国工艺美术艺术得到全面发展的盛世。

美术和工艺美术都以丰富多彩的面貌，奠定了中国民族风格的基点。

秦代的工艺美术品种主要有：青铜器、漆器和陶器。

秦代的青铜器部分为秦并六国，陆续从别的国家运来的具有其他国家特色的器皿，还有部分为秦自己地方特色的器皿。蒜头瓶和鍪是其特色品种。

湖北云梦睡虎地秦墓出土的大量漆器，是秦代漆器工艺的代表。

而秦代最有特色的是陶塑作品。举世闻名的始皇陵兵马俑，一、二、三号俑坑出土了武士俑7000多件，战车百余辆，战马百余匹。另有著名的“秦砖汉瓦”。

秦代风格淳朴，崇尚务实精神，语意平直，不重文采。

汉代的铜器已向生活日用器皿方向发展。以素器最为流行。其中，灯、炉、奁、壶、洗、镜等的产量最大，也最具特色。

另外，西南少数民族地区则流行铜鼓。

汉代还出现了优秀的铜雕工艺品“马踏飞燕”、“铜屋”等。

汉代的金银器，主要是制作各种装饰用品。

最为著名的是河北定县汉墓出土的金银错狩猎纹铜车饰。

汉代的陶瓷，有了进一步的发展。

陶瓷品种有灰陶、釉陶、彩绘陶、原始瓷器、以及砖瓦、陶塑等。

装饰手法丰富多彩，有印纹、划纹、堆贴、彩绘、雕镂等多种。

这时期的釉陶、彩绘陶、砖瓦、陶塑等均有出色的成就。

汉代的丝织主要产于齐、蜀。品种有锦、绫、绮、罗、纱、绢、缣、缟、纨及织成等。

汉代的锦为“经锦”，经丝彩色显花，同一图案，同一色彩，形成直行排列。

汉代丝织的装饰划纹有云气纹、动物纹、花卉纹和几何纹，以及文字装饰。

汉代的印染工艺有涂染、浸染、套染、媒染等。

汉代的刺绣主要为辫绣，著名的有信期绣、长寿绣、乘云绣。

汉代的漆器工艺是鼎盛时期。以四川为主要产地。

汉代的漆器有木胎、竹胎、夹纻等，主要为木胎，旋制、剜制和卷制。造型多种多样，有取代铜器之势。

装饰花纹主要有云气纹、动物纹、人物纹、植物纹、几何纹等。

装饰手法以彩绘为主，另有针刻、铜扣和贴金。

汉代的石雕非常发达。分圆雕和平雕两大类。

圆雕以陕西霍去病墓为代表。

平雕以著名的汉画像石为代表。以山东的孝堂山、武氏祠、沂南、江苏徐州、河南南阳等地为代表。

平面阴刻和阳刻的手法，展现当时的社会生活、神话传说等题材。

玉器亦有较大发展。

汉代的其他工艺还有琉璃、木器、编织等，也各有特色。因多见于文献资料，遗存尚少。

1、是工艺美术的空前繁荣期，成就较高。

2、厚葬风盛行，羽化升仙、祥瑞迷信等为题材。

3、在工艺美术工艺美术上，取得实用与美的统一，并向一物多用化发展。

4、其装饰风格：质、动、紧、味。

5、其图案装饰方法：

变形的处理－－剪影法

构图的处理－－分割法

装饰的处理－－填充法

材料的处理－－减地法

六朝时期的工艺美术

汉代后的三国两晋南北朝时期，是我国历史上一个长期混战的时代，社会经济、文化遭受到严重的摧残和破坏。我们把这一时期简称为“六朝”

战乱同时也促进了各民族、各地人民的交流，使得不少手工业者能够较自由地进行生产和技术改造。

在各工艺美术品种中，具有突出成就的是瓷器，雕刻、金工、漆器也有一定的发展。

佛教的勃兴使这一时期的工艺美术工艺美术带有浓厚的宗教色彩，成为独特的时代特色。

六朝时期，我国工艺美术工艺美术已进入瓷器时代。

自六朝以后，陶瓷制品成为人们生活器皿中一个主要的品种。

陶和瓷的主要区别，一是原料不同，陶器用陶土，瓷器用瓷土。二是烧窑火候温度不同，陶器较低，约800°c左右，瓷器较高，约1200

°c左右。三是物理特性不同，陶器质地松脆，有微孔，瓷器质地致密、坚实、不漏水，敲击有金属声。

最早的瓷器为青瓷。以浙江地区为中心。越窑最具代表性。

鸡头壶、莲花尊、魂瓶等为代表器型。

莲花纹和忍冬纹为代表装饰纹样。

另外，河南邓县的画像砖也享有盛名。

三国两晋时期，四川生产的蜀锦最著名。至南朝时，江南地区的染织工艺已经普遍发展起来。

六朝时期的丝织纹样，改变了汉代云气纹高低起伏的不规则变化的格式，构成了有规则的波状骨架，而更加样式化，形成几何分割线。

铜器中日用器皿的生产开始衰落，而用于佛教铸造铜像。

六朝时期的金银器出土较多，工艺水平也有所提高。

六朝时期的漆器工艺，较为突出的有夹纻造像、斑漆和绿沉漆几种。

这一时期，石雕工艺成为宗教美术的重要组成部分，具有突出的成就。

佛教，在公元前6至前5世纪，产生于印度。它的创始人是乔达摩·悉达多。释加牟尼是佛教徒对他的尊称。参悟“苦、集（因）、灭、道”四圣谛而成佛。

在公元1世纪中叶，贵霸文化自身所形成的融汇古印度、伊朗、希腊文化的多文化特点，使佛教艺术在这个阶段呈现出以希腊神像为范本的过渡阶段特征，称之为“犍陀罗”艺术，并主要体现在雕塑方面。后来，佛教艺术东渐，在中国的早期佛教艺术中仍可见到“犍陀罗”艺术的影响。

佛教艺术的壁画、雕塑和建筑是三位一体的综合系统。

早期的壁画石窟寺以天山以南的克孜尔千佛洞、库木土拉千佛洞等为代表。而最具代表性是敦煌莫高窟。

克孜尔石窟

今新疆库车一带古称龟兹，克孜尔石窟现有洞窟236个，是新疆最大的一处石窟。窟型大致有三种，一种是在正壁塑造像（均已无存），或称为大像窟；一种是有一宽敞的主室，正壁两侧开两条向后的甬道通向后室或后甬道，以便僧徒环绕礼佛。主室正壁开龛或不开龛，塑有一尊主要佛像，满窟绘壁画，此种形式称龟兹型窟。

莫高窟地处沙漠深处，现存从南北朝到元代的492个洞窟。保存着历代塑像2400余身，壁画约四万五平方米，成为我国最重要的一处石窟寺。莫高窟洞窟壁画、雕塑主要是北朝、唐、隋、宋、西夏、元的作品。

莫高窟壁画可以分为：佛像画（佛说法图）、民族传统神话题材、装饰图案和故事画。早期的故事画以佛传故事、因缘故事、和本生故事为主。

其中，275窟（十六国）是现存最早的洞窟之一。其《尸毗王本生图》最具特色。257窟（北魏）《鹿王本生图》、254窟（北魏）《舍身饲虎图》、428窟（北周）《须达那太子本生图》都是这一时期的代表。

北朝壁画常以红、白、蓝、绿等浓烈的原色为基调，给人以庄重深沉的感受。

今知我国最早的佛像是在四川乐山发现的东汉崖墓上的石刻浮雕佛像。

中国石窟造像之风，兴盛于魏晋南北朝，隋唐与日俱增，一直到十三世纪。仍是中国石窟的黄金时代。

最有名的石窟是山西大同云岗石窟、河南洛阳龙门石窟、界于河北、河南间的响堂山、江苏栖霞山、河南巩县石窟寺、甘肃敦煌莫高窟、天水麦积山、永靖炳灵寺、以及四川大足的宝顶山和北山石窟。

早期佛教雕刻可分为三个阶段：

一、以北魏时代的云岗石窟造像为代表。西部昙曜五窟造像最为典型。

二、洛阳龙门石窟的宾阳洞造像为代表。

三、北齐石刻造像为代表。

由沙门统昙主持在京城（平城，今山西省大同）以西武州山开窟造像，即今日的云冈石窟。云冈16－20窟，通称昙曜五窟。主像形体塑造充塞窟内空间异常高大，强调给礼拜者以无比威严的压抑的气氛，是君权、神权高度统一的象征。

继昙曜五窟之后至迁都洛阳（494年）以前，皇室勋贵在云冈开凿了一批重要洞窟，即1、2、3、4、5、6、7－13窟，这些洞窟均以双窟形式出现。这时期许多作品技巧高超、塑造了面貌清癯、眉目开朗、神采飘逸的形象。

龙门石窟位于河南省洛阳市南13公里处伊水河畔。开凿在东西二山上，又称伊阙西窟，是北魏迁都洛阳后再次开凿的一处石窟。北魏时的代表洞窟有宾阳洞、古阳洞、莲花洞、石窟寺洞等。龙门的北魏造像已达到北朝雕刻的颠峰，呈现着浓郁的中国作风和气派。

麦积山石窟

位于甘肃省天水市附近，其艺术风格有异于云冈、龙门石窟，雄伟、庞大的石刻造像，呈现出秀丽、典雅的风格。

东晋至南北朝时期出现的少数知名雕塑家，戴逵（约326－约396年），东晋著名画家也是最有影响的雕塑家、哲学家。尤以擅长佛教雕塑著称，他努力探索和完善铸造、雕刻的技法表现，改善国外传入的佛像式样而创造出为当时民众易于接受的佛刻形象。在为灵宝寺造丈六无量寿佛和菩萨木像时，又以十年精力制作五躯佛像，此像与顾恺之画维摩像、狮子国（今斯里兰卡）进献的玉佛像并称瓦官寺三绝。

南朝陵莫雕刻与陶俑

在今南京郊区和句容、丹阳县境内，分布着30余座宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王、贵族陵墓，墓前依一定制度树有神道石柱、石碑、石兽等。陵墓前石兽一般通称辟邪，形如狮子而有翼，双角者称为辟邪，独角者称为天禄。这些石兽形体硕大，气度恢宏，形象虽源于狮子，但形体极尽夸张。

佛教建筑主要有塔、寺庙、石窟三大类。

塔，也称“浮图”、“浮屠”，是寺中的主要建筑，是为藏置佛的舍利和遗物而建造的。由台基、覆钵、宝匣和相轮四部分所构成的实心建筑物。河北登封嵩山南麓嵩岳寺塔，为国内现存最早的砖塔，建于北魏（公元520年）。

石窟，原为依山开凿的佛寺。基本形制有：中心柱窟、覆斗顶方窟、穹隆顶椭圆窟、崖阁、涅磐窟以及大型佛龛、摩崖等。

寺庙，传入我国后，与我国木构建筑相融合，扩为宫殿式庙宇，包括宽阔的天井、楼阁、画廊、花园等。南方多修佛寺，北方以石窟寺为主。

哲学思想领域中崇尚玄学的清淡、放任无羁和超然物外。具有玄虚、恬静、超脱的特色，出现了反映宇宙观的新的题材。

工艺美术风格清秀、空疏。

与佛教有关的题材和形式开始流行。夹纻造像、莲花、忍冬纹样的流行，以及受到外来文化的影响，都成为这一时期典型的时代特色。

隋唐时期的工艺美术

隋代（公元581年－618年）短暂的过渡统一，便迎来了如日中天的唐朝。

唐代是一个文学艺术成就非常高的时代。诗、书、画、歌舞，以及具有鲜明时代特色的各门类艺术，都得到了长足发展。唐代的工艺美术也非常发达，织锦、印染、陶瓷、金银器、漆器、木工等，都远远超过了前代。唐代的装饰艺术，达到了高度成熟的黄金时代，清新活泼，富丽丰满的艺术风格，流传至今。

一、隋代的陶瓷

白瓷烧制成功，是一项突出的成就。

二、唐代的陶瓷

1、青瓷：越窑“类玉、类冰”“巧剜明月，轻旋薄冰”、“秘色”

2、白瓷：邢窑“类银、类雪”，河北内邱。

3、彩瓷：彩釉瓷和釉下彩绘、及绞釉绞胎等多种瓷器。河南鲁山、湖南长沙等地。

4、唐三彩：三彩陶器烧胎后涂以黄绿、褐、蓝、白等釉烧制而成，由于掌握了大量金属釉的特点，两次烧成，使其成为绚丽夺目、鲜艳多彩的艺术品。长安、洛阳为主要产地，多为明器。

隋代的丝织生产，北方以河北定州为中心，南方则依然是著名的蜀锦。隋代的印染工艺中，出现了夹缬等新技术。

1、唐代的丝织：生产中心已经由北方向南方转移。唐锦的花纹主要有联珠纹、团窠纹、对称纹（窦师纶所创的“陵阳公样”）、散花、几何纹和晕涧。唐锦为纬锦，纬线提花，清新活泼，华美流畅。

2、唐代的印染工艺主要有夹缬、蜡缬、绞缬、碱印、拓印等。

3、唐代的刺绣工艺除辫绣外，还有平绣、打点绣、纭裥绣等手法。

隋唐时期的金属工艺，以金银器和铜镜最为发达。

唐代的金银器以银熏炉和舞马衔杯银壶为代表。装饰精美，手法多样，金碧辉煌。

唐镜因馈赠和献礼而发达，菱花型、葵花型，特色鲜明。

唐代的漆器工艺也有所创新。

金银平脱：唐代首创。螺钿：雕漆：唐代首创，现为剔红。

唐代经历着自古以来席地而坐到垂足而坐的过渡阶段。

家具由矮向高发展。品种有几、案、挟轼、箱、柜、胡床、屏风、棋局等。

菩萨像在唐代彩塑中占有突出的地位，莫高窟彩塑突出的特点是善于利用泥塑与色彩、壁画相结合而达到统一的效果。最重要的石刻造像是奉先寺造像。

著名的六骏石刻浮雕分别选取侍立、徐行、奔驰等动态风姿英武。特别值得重视的是这六件石刻作品纯熟地使用了“起位”这一典型浮雕创作技巧，因而使作品产生了强烈的体积感。

顺陵（武则天母亲的陵墓）石狮和独角兽高大独特，四足挺立。作缓步停留姿态的石狮，造型真实，单纯而有力，具有整体的完整性，充分表现出对纪念性石刻特点的掌握。

乾陵和顺陵的石刻所表现的雄伟气魄是服从政治的要求的，是重要的纪念性雕塑的杰出作品。

唐代的装饰风格具有近代装饰的特点，采用了大量的花草植物纹。

人的意识的解放，带来了开放、自信的清新和活泼。

装饰的生活情趣化，使人感到自由、舒展、活泼、亲切。

较大弧度的外向曲线、多彩运用以及秀美、富丽、丰满、工整的装饰手法，丰富而清秀。

艺术风格概括为：博大清新、华丽丰满。

宋代的工艺美术

五代是继辉煌的大唐帝国以后的又一个各国分裂的时期。北方由于战乱频繁，使经济文化中心转移到南方，尤其是南唐和西蜀，一度居于全国领先地位。

北宋的统一，促进了经济文化发展。南宋虽然偏安，但城乡经济和对外贸易仍趋于上升趋势。宋代在哲学、史学、文学、艺术、医学和科学技术方面拥有突出的成就。

宋代的手工业，已经普遍发展成为商品生产。最具有突出成就的是陶瓷，因此，宋代也称为“瓷的时代”

一、五代的陶瓷：以越窑的“秘色瓷”（青瓷）为代表。专为贡奉使用。

二、宋瓷：南北方众多名窑，各展异彩。

北方地区：定窑－河北曲阳，官窑，白瓷、金银扣、印、刻、划花。

汝窑：河南临汝。青瓷窑。多素器，葱绿色。

官窑：未现窑址。北方青瓷窑。粉青，紫口铁足，蟹爪纹开片。

耀州窑：陕西同官，青瓷，刻、剔、印、镂空花。

钧窑：河南禹县，青瓷系统，色釉乳浊，窑变“夕阳紫翠忽成岚”。

磁州窑：民间特色窑系。河北彭城一带。黑白花装饰。笔力豪放简练。

南方地区：景德镇窑：江西景德镇，影青为其代表。

龙泉窑：浙江龙泉一带。粉青青瓷，釉色苍翠，堆贴、浮雕装饰。

哥窑：釉面开片，鱼子纹、蟹爪纹、百圾碎、金丝铁线。

建窑：福建建瓯一带。盏为特色，兔豪、油滴、天目釉。

吉州窑：江西吉安。南方民间窑系。木叶、剪纸入釉，玳瑁斑。

宋代的丝织品以罗为特色。而以缂丝最具成就。

缂丝，通经断纬，具“雕镂之像”，朱克柔、沈子蕃、吴煦为名家。

另雕版印染和刺绣也具成就。

宋代缺乏铜原料，此时铜器锐少，仅用于铜镜。镜薄而花式较多。

金银器也甚发达。

宋代漆器主要品种有：金漆、犀皮、螺钿和雕漆。

金漆分为戗金和描金两种。戗金为宋所创。

犀皮也为宋所创之新工艺。俗称虎皮漆。

螺钿则多黑白对比，富丽典雅。

雕漆有各色剔法，剔犀、剔彩为著。嘉兴为著名产地。

玉雕以“巧色”为最高成就。

石雕以歙砚和端砚为全国第一。

典雅、平易的艺术风格。以朴质的造型取胜，有清淡之美。

严谨含蓄，是为“理”

文学和绘画对工艺美术起到了非常大的影响。

元代的工艺美术

1271年，蒙古族统一了中国。统一伊始，经济和文化遭到很大破坏

。这一时期的工艺美术发展很不平衡。有的畸形繁荣，有的凋零衰落，一部分奢侈享用的工艺品，制作堪称精美。

如：织金锦、棉、毛织品，以及青花、釉里红为代表的元瓷等。

元代的陶瓷工艺总的趋势较为衰落。而随着青花、釉里红的烧制成功，彩瓷大量流行。白瓷也成为瓷器中的主要品种。

景德镇开始成为全国制瓷的中心。

元代陶瓷的主要成就是青花和釉里红的烧制。

青花，是在白色瓷器上绘有青色花纹的一种瓷器。青花的原料是一种钴盐类金属元素，呈色性很强，鲜明而稳定。元后期达到成熟。

釉里红与钧窑紫红釉的烧制有关。元时较为灰暗。

元代瓷器造型大而笨重。装饰多见松竹梅、和“琛宝”。

在元代的建筑中，琉璃运用较多。山西为最。

元代丝织品中，纳石失金锦最为著名。工艺精美，手法繁多。

捻金、片金、拍金、印金、描金、点金等。

毛织品中毡、罽较为普遍，与其游牧生活有关。

棉织是元展的一种新兴染织工艺。元代著名的棉纺织工艺家黄道婆，习海南彝族人的棉纺技术，促进了我国棉纺工艺的发展。

元代非常重视金银器，而铜器逊色。

金银器出土较多。

元代漆器的著名品种有雕漆、戗金和螺钿等。

张成、杨茂是当时的雕漆剔红高手，有“堆朱杨张”之称。

彭君宝为当时戗金高手。

螺钿也很秀美。

元代强盛而统一。“尚武”

粗旷、豪放、刚劲的艺术风格。

喇嘛教、道教盛行一时，对工艺美术也有影响。

明清时期工艺美术

明代是中国历史上的又一个强盛时代。手工艺得到巨大发展，外贸经济也得到振兴。新理学的兴起，使经史派更加注重实用和科学技术的研究。

资本主义萌芽以及与之相适应的新的文化、科学的产生，使明代工艺美术跨入一个新阶段，得到前所未有的全面发展。

清代的工艺美术大体可以分为两个阶段，清代中期以前，继承明代的传统，不论在生产技术或艺术创造方面，都有所发展。

中期以后，艺术创作走向了繁琐堆饰，格调不高，但生产技术仍取得一定的成就。

明代以后，我国的陶瓷主要以白瓷为主。景德镇已经成为全国陶瓷的中心。白瓷画花成为主要的装饰方法。

明代官窑器开始以年号作款，一直延续明清两代。

清代陶瓷工艺继承明代传统，在釉色、彩绘方面有了进一步的发展。自雍正以后走向繁琐堆饰的作风。

明代永乐年间的景德镇窑，压手杯是著名品种，脱胎器也是佳作。

甜白釉和红釉最具特色。

宣德瓷器，以青花最有名，瓷胎为“麻仓”土，青花原料是南洋进口的“苏泥勃青”，色调深沉雅静。有“灯草口”的霁红釉也是此时精品。

明成化时期，青花加彩（填彩和斗彩）取得了突出的成就。

上下斗合的“斗彩”，成化时期最为精美。小件酒杯，如鸡缸杯著名。

弘治、正德时期总体趋向衰落，但“浇黄”或“娇黄”釉特色鲜明，正德的回回花和“正德式”也各具特色。

嘉靖、万历年间，民窑官窑产量巨大，分工很细。嘉靖的葫芦瓶、

万历的蒜头瓶为当时佳器。五彩初露端倪。

明时福建德化窑的白瓷最为著名。法人称之为“中国白”。

瓷塑像也很有名。何朝宗是当时的瓷塑高手。

宜兴窑和石湾窑为明时的精陶产地。石湾窑仿钧瓷，又称“泥钧”

宜兴紫砂壶以造型取胜，“供春壶”为代表。

珐华器与佛教有关。花纹轮廓用高起的凸线，再饰以蓝、紫、绿等釉彩。

清康熙年间，以红釉为著，宝石红、郎窑红、豇豆红器口呈淡青色。古彩“硬彩”笔力健劲，单线平涂，色彩浓艳。青花则称“康青五色”渲染次数加多，更富层次感。

雍正时期陶瓷逸丽清秀，富装饰性。以粉彩（软彩）最具成就。

乾隆时期陶瓷富丽繁密，细致精巧。珐琅彩、墨彩、模仿器最具特色。

康熙刚健、雍正雅致、乾隆华缛。

康熙装饰多用人物，雍正流行花鸟，乾隆早期尚奇巧，晚期重模仿。

康熙五彩、雍正粉彩、乾隆珐琅彩成就均高。

明代的染织工艺，在织造技术和染色方面，在花色品种方面，都比元代有很大的发展和提高。

丝织品以江浙、四川、山西和闽广为著。妆花、本色花和织金锦各具特色。江南成为棉织品的主要产地。并有“画绣”之“顾绣”为最。

清代丝织种类更加齐全。苏州织造、南京云锦和缂丝为特色。苏绣、粤绣、蜀绣、湘绣、京绣各领。

明代的金属工艺中，最具突出成就的是宣德炉和景泰蓝。

宣德炉是利用从南洋所得风磨铜铸造的一批小型铜器，为宫廷和寺庙作祭祀或熏衣之用。

景泰蓝的学名叫铜胎掐丝珐琅。艺术特点形、纹、色、光。

清代的景泰蓝继承明代。又出铜胎画珐琅，为景泰蓝的演进。另有铁画别有特色。

明代果园厂雕漆、嘉兴姜千里的螺钿和扬州周翥的百宝嵌、苏州蒋回回的金漆最为著名。黄大成的《髹漆录》作为漆艺专著，享有盛名。

清代的漆器工艺以北京的果园厂雕漆、扬州的螺钿和福建的脱胎器最为著名。

明式家具注意木材的质地，多采用硬制的树种，所以又统称硬木家具

充分体现木材的色泽和纹理，不加油漆

注意家具的造型，采用木构架结构

明代家具的艺术特色可概括成：简、厚、精、雅

简，造型洗练，落落大方

厚，形象浑厚，庄穆质朴

精，做工精巧，严谨准确

雅，风格典雅，具有很高的艺术格调。

明代玉雕、石、牙、角、竹、木、核、匏雕均很发达。

其中玉雕和竹雕最著。

清代的玉器工艺在乾隆时期达到极盛。石雕出现端砚、歙砚、青田石雕、寿山石雕、石雕等名品；彩塑以“泥人张和惠山泥人为代表。

吉祥图案是明清以来最为流行的一类图案。“图必有意，意必吉祥”

分类有：表现幸福者、美好者、喜庆者、丰足者、平安者、长寿者、多子者、学而优者、升官者、发财者。

表现手法：象征、寓意、谐音、比拟、表号、文字。

明代是中国民族风格发展的成熟时期。

第3篇：清代工艺美术的特点范文

内画艺术是中国特有的一种传统艺术形式。它以玻璃、水晶料器、琥珀等为壶坯，用特制的变形细笔在瓶内反手绘出细致入微的画面，有人物、山水、花鸟、书法等各种题材，格调典雅，笔触精妙，色彩艳丽，可谓“方寸之间，别有天地”。内画艺术分为“京、冀、鲁、粤”四大流派。衡水是“冀派”内画的发源地，被文化部命名为“中国内画艺术之乡”。

衡水内画也称为冀派内画，其艺术特点风格多样、布局巧妙、立意深远、造型准确、精皴细染、色彩典雅，不仅有以国画色为主的国画类型画种，而且还有国画色和油画色结合的表现手法，摹拟多类型多画种的各种画面效果。体现在画种方面有：国画、书法、油画、版画、装饰画等，题材方面有：人物、山水、动物、花鸟鱼虫、肖像、静物、风景等。

衡水内画在继承京派厚朴古雅的基础上，糅进鲁派细腻流畅的传统画法，又将国画皴、擦、染、点、勾、丝等技法引入内画，将内画技法发挥得淋漓尽致。后来又将油彩加入内画技法，打破了传统单一的水彩作画的局限，使内画的图、形、神达到炉火纯青的地步，被称为“中西合璧”的壮举。

内画和鼻烟、鼻烟壶有深厚的历史渊源。鼻烟是将烟草精工炮制并混入香草、香料、花露研制成赫黄色粉末，有“消寒辟疫”之功效，在明朝万历年间有意大利传教士利马窦以贡品传入中国。到清代，这种宫廷用品已传入民间，出现“人人相见递烟壶”的习俗，人们嗜好鼻烟，并且“争羡收藏器皿”，这种习俗促使鼻烟壶的制作越来越精良。

1696年，极好鼻烟的康熙帝设立了我国第一个玻璃工厂，专门制作鼻烟壶，赏赐给设工大臣和外国使臣。鼻烟壶成为八旗子弟夸耀地位、身份的象征之一。乾隆年间，鼻烟壶制作由料器（玻璃）、瓷器发展到象牙、琥珀、珊瑚、玛瑙、水晶、竹根等等。咸丰年间《鼻烟歌》中写到“凤凰鸾鹤 雀凫，麒麟狮象蛟龙鱼。仙山楼阁烟云嘘，泉石卉木蛙蜢俱。”鼻烟壶从选料、工艺制作、修饰装潢已无所不俱，其材质涵盖金属、玉、石、陶器、料器、有机物六大类，工艺内容包括了传统的写、画、雕、刻、镂、錾、烧、焊、凿、磨、镶、嵌、铸、错、粘、漆及模压技术，鼻烟壶成为清代工艺美术的缩影，被后世称为“集中国多种工艺之大成的袖珍艺术品”而饮誉世界。

第4篇：清代工艺美术的特点范文

关键词：掐丝唐卡；发展；制作

唐卡被称为藏族的“文化名片”，是在锦缎镶边的布轴上绘画或丝绣的工笔画，内容多为宗教、藏族风土人情等。2009年，唐卡与堆绣、泥塑等以“热贡艺术”的名义被列合国教科文组织非物质文化遗产名录。唐卡艺术现已成为青海省主打的民族文化品牌。

随着物质文化生活的不断提高，人们的审美情趣趋于返朴归真。在追求物质文明的同时，对精神文化产品的需求更加高涨。因此，民族饰品等手工艺术品开始走向市场，逐渐火爆起来。民族传统文化，尤其是民族手工艺术正在向世界范围内走俏。手工藏族饰品显示出巨大的开发潜力，具有一个广阔的空间。而现代科技的发展，使民族艺术品许多工序得以简便快捷，民族艺术品向产业化、市场化方向发展创造了更好的条件。

在众多的中国传统艺术形式中，和光祥蕴的唐卡艺术散发着别样的光彩。十八世纪，历史悠久的唐卡艺术因汉藏两地交流的紧密，特别是清代皇室的重视而迎来了它再次辉煌和繁荣的时期。大量藏族画师绘制的唐卡精品出藏入宫，内地绘制的唐卡也回流，对于唐卡艺术和内地佛教艺术的发展产生了深远的影响。

掐丝唐卡是在唐卡制作工艺基础上，以中国传统手工掐丝为基础，与现代科技相结合，以金箔、金丝镶嵌而成的纯手工制作的唐卡艺术品。这种融合现代工艺的青海民族工艺品，它的制作工序为定稿、绘图、掐丝、点蓝、定型、装裱。其中，掐丝与点蓝两道工序是区别于传统唐卡制作之处。

掐丝唐卡艺术早在唐朝就有，但随着社会的发展与进步，在掐丝用的材料和上色的釉料上逐步有所改进。不仅色彩绚丽富有观赏价值，同时也是独具特色的装饰品，符合现代人的审美观和消费掐丝唐卡的制作工序少，但每道工序都非常复杂，不仅要求制作人有足够的耐心，工作中还要一丝不苟，每一个细节都要做到完美，可谓“环环相扣，步步严谨”。 ①定稿：制作人参考唐卡照片或书籍，确定掐丝唐卡图案的内容，由于唐卡作品的人物都有固定的意义，因此不能随意创作；②绘图：将确定好的图案绘在纸上，纸张篇幅由作品大小决定，要注意图案的比例适合、线条流畅；③掐丝：制作人要熟知丝的韧性，掌握好丝的弧度，这是作品能否成功的关键之所在，在整个工期中占用时间较长；④点蓝：即填充矿物原料，以不超过铜丝高度为宜，若溢出，影响线条的流畅性；⑤定型、装裱：为避免原料因受潮、震动等原因引起脱落，产品完工后，要刷一层特制的胶，并装裱，以达美观、实用。与传统唐卡相比，掐丝唐卡画面清晰、新颖，色彩丰富、艳丽，立体感强；在底色的映衬下，主体图案更显突出。而且经过定型后，画面不变色、不变形、不变质，既有较高的艺术欣赏价值，便于长期保存与收藏。可以说，掐丝唐卡既保持了传统唐卡工艺的风格，又充满了浓郁的现代气息，更符合现代人的审美观念。掐丝镶嵌珐琅唐卡又称金丝彩釉画。元朝时期由阿拉伯地区传入我国，工艺色彩艳丽，线条流畅，独具魅力，制作流程考究，主要通过选样、选釉、淘釉、筛釉、制样、掐丝、点蓝、制裱等几大程序，上千道重复手工工序来完成。其工艺特点吻合唐卡制作工艺要求，符合佛理，因此被运用于唐卡制作，通过金箔丝线勾画人物，佛像，展现佛光佛法，并通过艳丽的色彩展现人物的特性，使人物个性鲜明生动，充分体现出不同佛像的不同历史，宗教背景和寓意，使唐卡艺术得到了进一步的升华。

随着唐卡艺术影响力不断扩大，从事唐卡创作的队伍逐步壮大，市场前景日渐看好。不少唐卡大师正在探索将现代元素用唐卡形式展现，推动唐卡艺术走进寻常百姓家，将唐卡艺术发扬光大，正如精美绝伦的宝石唐卡向世人传递着佛的慈悲、智慧和力量。市场化的流通为唐卡艺术的传统文化传承打开了一扇窗户，市场激发和传统艺术产生的创新活力迸发，在传承中保护，在创新中发展。

如今随着国家经济的飞速发展与相应政策的下达推行，传统艺术发展正处于最良好的发展阶段，掐丝唐卡亦是如此。身为非物质文化遗产唐卡传承人，我们所要做的便是紧跟国家政策，抓住机会发展唐卡，不拘泥于原本的狭隘思想，将唐卡艺术传承给更多的晚辈，让更多的人了解唐卡，从而让唐卡实现新的辉煌，让唐卡艺术可以代代相传，薪火相承。不断寻找、发掘出唐卡艺术的灵魂和生命。

参考文献：

[1]德拉才旦.“唐卡”一词的文化含义与语源解读[J].艺术研究，2015，（03）：37-45.

[2]吴秋野.唐卡起源及唐卡与唐代画风关系新考[J].美术观察，2006，（09）：103-107.

第5篇：清代工艺美术的特点范文

紫砂壶从被烧造出来的那一刻起，便注定终身与茶结缘，不用来泡茶的紫砂壶就像失去生命的躯壳，没有任何意义。这一点，在嗜茶者中早已形成共识。但随着紫砂泥的日益稀少，想要选购一把称心如意、高档次、高品位的紫砂壶时，我们才蓦然发现，昂贵的价格已经使紫砂壶成为了一种投资品种，即便是数年前花千八百元就可以买到的普通紫砂壶，现如今的价位也水涨船高，飙升至万元，更不用提名家烧制或年代久远的紫砂壶了。据《宝藏》统计，目前紫砂壶拍卖成交价最高的是2002年香港佳士得一件清乾隆剔红饕餮夔龙纹紫砂壶，该件作品以147.7万港币成交。因此如何鉴赏、保养紫砂壶，已经上升到了收藏投资的高度。紫砂壶的投资收藏也已成为文人雅士对茶文化的另一种理解，不管深谙茶中之道者如何滔滔不绝的讲述对茶道的理解，若无一把上好的紫砂壶，配以绝好的茶叶，这一切都缺乏了底蕴与信服度。爱茶者与赏茶之士可在把玩之间，细品那幽幽茶香，感受那份静谧惬意。

紫砂壶购买三诀：精、真、准

现今投资紫砂壶，仍以优中选佳为真谛。首先，品种要“精”。大师级作品仍是稳中有升，即使在紫砂壶市场低迷的2001年，当现代名家制的紫砂壶价格跌幅达20％时，大师级作品仍牢如磐石。例如已去世的大师顾景舟的茶壶价格，目前保持在10万至20万元。一些现代高级工艺师的精品，市场价格也在万元之上，但助理工艺师的作品则只有千元左右，两者的差距犹如天壤。

其次，鉴赏要“真”。绝大多数赝品均是粗制滥造的对象，大量属于地摊商品，投资者可选择那些“根正苗红”的商家或到拍卖行中竞拍，风险系数将大大降低。鉴定紫砂壶的真伪，一可从亮色上看，因经人手长期抚摩，面呈现亚光。而新制壶一般质地较疏松，颜色偏黄，无光亮的居多。即使有光亮，也是用白蜡或者鞋油打磨上去的。再从文字上看，旧壶的落款皆用阳文，字体极为工整。新壶如用阳文，字体会因摹仿或显呆板，或笔画长短粗细不一。如用旧壶加刻新款，则所刻文字为阴文。

最后，行情要“准”。在高端市场上清代紫砂壶仍是市场的主体。从历年紫砂壶成交情况来看，清代紫砂壶就占了八成，但由于藏家手中的精品壶不愿出手，加上明清紫砂壶存世稀少，所以这两年市场行情较为低迷。尽管2004年紫砂壶市场价位稍有回升，一件“金沙内用”紫砂提梁壶也以55万元人民币的价格高居历年紫砂壶成交价第二，但整体涨幅仍不大，据专家估计最好的行情应该在两年以后。市场低迷期正是投资良机。与其花高价拍来一把数万数十万的明清紫砂壶，倒不如考虑投资价格适中的紫砂壶，比如收藏民国紫砂壶，其价位在百元到万元间不等，一把民国普通紫砂壶就仅需百元左右，而一些名人手绘紫砂壶，如张大干、齐白石、傅抱石手绘紫砂壶一般价格在4万到5万间，投资者须谨慎出手，也可考虑收藏一些现代工艺大师的清品。一般这样的投资周期比较短，投资金额少，但其升值较快，适合短期投资者考虑。

以上所说的也仅仅是选购收藏紫砂壶的三个基本原则，具体怎样才能准确把握住这三个字，还需要从以下几个方面作详细了解。

知壶：紫砂壶的四大特性

中国人对紫砂壶的推崇之情由来已久。紫砂壶最早可追溯到春秋时代的范蠡―一“陶朱公”，但真正制成壶是在明武崇正德年间以后。相传古时候宜兴街头，一日一僧人突沿街叫卖：“卖富贵土了!谁买富贵土，买了就大富大贵了。”其实僧人指的就是紫砂壶的原料。紫砂壶的泥原料由紫泥、绿泥和红泥三种，俗称“富贵土”构成，因其产自江苏宜兴，以紫泥为主，故称宜兴紫砂。

紫砂壶何以受到爱茶者的一再追捧呢?主要是由它特有的性质决定的。

首先，紫砂壶经久使用，壶壁积聚“茶锈”，沸水注入空壶，也会茶香氤氲，这与紫砂壶胎质的气孔率有关，是紫砂壶独具的品质。

第二，它的保味功能好，泡茶不失原味，更无茶具本身所带的异味，聚香含淑，色、香、味俱佳，且香不涣散，得茶之真香真味。《长物志》说它“既不夺香，又无熟汤气”。

第三，陈茶不馊，暑天越宿不起腻苔，有利于洗涤及保持茶壶自身的卫生。这是由于紫砂壶的陶质壶盖有孔，能吸收水蒸汽，加速茶水的发酵。

第四，冷热急变性好，寒冬腊月，壶内注入沸水，绝对不会因温度突变而胀裂。同时砂质传热缓慢，握持壶不会炙手。而且还可用文火烹烧加温，不会因受火而开裂。

品壶：泥、形、工、款、功

品一把好的紫砂壶，可用五个字来概括：“泥、形、工、款、功”。前四个字为艺术标准，后一字为功用标准。

一是“泥”：紫砂壶得名于世，其根本的原因，是其制作原材料紫砂泥的优越。一句“玩赏揩摩在入手”就能说明紫砂质表感觉的重要性。紫砂手感不同于其他陶泥，摸紫砂物件就如摸豆沙――细而不腻，而非紫砂物件就如摸玻璃质器物――粘手，近年来时行的铺砂壶，正是强调这种质表手感的产物。

二是“形”：紫砂壶之形，在存世各类器皿中最为丰富，素有“方非一式，圆不一相”之赞誉。大度的爱大度，清秀的爱清秀，古拙的爱古拙，喜玩的爱趣味。从文化角度讲，笔者认为古拙为最佳，大度次之，清秀再次之，趣味最末。首先紫砂壶是整个茶文化的组成部分，它追求的意境，应为茶道所追求的“淡泊和平，超世脱俗”，而古拙正与这种气氛最为融洽。例如石桃、井栏、僧帽、茄段、孤菱、梅椿、仿古等等传统造型，皆是时代冲刷后仅存的优秀作品，以今眼光细细打量，其仍在闪光。

三是“工”：紫砂壶在“工”上，融汇了国画大写意的豪放、京剧唱段的严谨。在点、线、面三元素上，犹如工笔绘画一样，转弯曲折、抑扬顿挫。面，须光则光，须毛则毛；线，须直则直，须曲则曲：点，须方则方，须圆则圆，无半点含糊。按照紫砂壶成型工艺的特殊要求来说，壶嘴与壶把要绝对在一直线上，并且分量要均衡，壶口与壶盖结合要严紧。

四是“款”：“款”即壶的款识。鉴赏紫砂壶款的意思有两层：一层意思是鉴别壶的作者是谁，或题诗镌铭的作者是谁。另一层意思是欣赏题词的内容、镌刻的书画，还有印款(金石篆刻)。紫砂壶的装饰艺术集中国传统艺术“诗、书、画、印”四为一体。一把好的紫砂壶不仅在泥色、造型、制作工夫以外，而且在文学、书法、绘画、金石诸多方面，给赏壶人带去美的享受。

五是“功”：“功”是指壶的功能美。近年来，紫砂壶新品层出不穷，如群星璀璨，目不暇接。制壶人在讲究造型的形式美时，容易忽视其功能美。紫砂壶与别的艺术品最大的区别，就在于它是实用性很强的艺术品，它的“艺”全在“用”中“品”，如果失去“用”的意义，“艺”亦不复存在。

选壶：实用、工艺、艺术

紫砂壶将功能性实用品与欣赏性艺术品集于一身，壶艺爱好者在选购紫砂壶时，不妨考量这三方面：

一是紫砂壶的实用性。紫砂壶用于泡茶注茶功能性是优先考虑的。优 良的实用功能是指其容积和容量恰当，高矮得当，大者容水数升，小者仅纳一杯之量；壶把便于端拿，重心稳当；口盖严谨，出水流畅：让品茗沏茶可以得心应手。按目前家庭的饮茶习惯，一般二至五人聚饮，宜采用容量350毫升为佳，无论手拿手提都只需举手之劳，所以人称“一手壶”。

二是紫砂壶的工艺性。既是指制作的技术水准，也是评审壶艺优劣的准则。一把好的紫砂壶除了壶的流、把、钮、盖、肩、腹、圈足应与壶身整体比例协调，包括长短、粗细、高矮、方圆、线条的曲直、刚柔和稳重饱满。点、线、面的过渡转折交待清楚与流畅。注意观察壶面是否圆润、光滑而又质感。用手触摸壶内壁，看是否精细，察看壶盖是否有破损，壶身倾注是否落帽，总体上感觉壶形是否自然。

三是紫砂壶的艺术性。紫砂艺术是一种“源于生活，高于生活”的艺术创作形式。一把好的紫砂壶，除了讲究形式的完美与制作技巧的精湛，还要审视纹样的适合，装饰的取材以及制作的手法。再说陶艺家在其创作中会融入独特的心里体会，所以必须能够抒发艺术的语言。既要方便使用，又要能够陶治性情，启迪心灵，给人油然而生的艺术感受。

总之，紫砂壶的收藏与投资目前正处于发展阶段，由于紫砂壶藏品具有欣赏、收藏与实用三者兼顾的功能，正被新一代艺术品收藏投资者所看重。

专家也提醒，自从2006年宜兴紫砂技艺被列入国家级非遗后，收藏界掀起了一个收藏紫砂的小。但随着收藏宜兴紫砂市场的前景看好，也出现了市场的投机者和破坏者，假劣的紫砂产品干扰了收藏市场的纯净度，使人们在收藏紫砂器具的时候，经常会遇到一些困惑。专家建议，刚刚开始投资紫砂壶，可以选择300元到3000元之间的中档价位。投资的紫砂壶也应该多元化，大小、砂料、款式等按照自己的喜好选择。

清宫书画拍卖“退烧”

缘于收藏市场的精品缺位

清宫画家包括清代供奉于宫廷的画院画家，以郎世宁、允禧、钱维城、禹之鼎等为代表。清宫画家的作品在市场中广受追捧，其中早期更以郎世宁的作品为引领，后而带动其他宫廷画家的作品价格出现了整体上扬。

郎世宁作为清代康熙至乾隆三代的宫廷画家，其作品在近年拍卖成绩骄人。郎世宁的绘画作品大都被宫廷收藏，民间罕见，因而其作品弥足珍贵。自上拍以来，郎世宁共有326件作品亮相拍卖场，其中成交181件，成交率为56％，总成交额达10360.3718万元，可见其作品的价格之高以及在市场中的受追捧程度。

在2007年的拍卖中，郎世宁的书画作品却没有出现往年的高价。上拍量为64件，成交量为37件，成交率为58％，总成交金额为406.5551万元，成交价格并不高企，如北京保利推出的郎世宁等绘《平定准噶尔回部得胜图》成交价为29.7万元。

除郎世宁外，钱维城、禹之鼎等其他各家清代宫廷画家的作品价格在拍卖市场上的成交也较为活跃。从2004年起，该单元的活跃程度较高，甚至屡屡成为拍卖现场的“焦点”、“亮点”。2007年，钱维城无疑是拍卖市场最大的赢家。在上半年的拍卖季中，钱维城共上拍作品28件，成交量为1 5件，成交率为54％，总成交金额达3000.1万元，平均价格达200万元。

2008年钱维城或者钱维城款的作品一共上拍了约60件，但是大多数品相一般，多以几万元成交。

总体而言，以郎世宁等为代表的清宫画家的作品价格升涨仰仗的是精品的不断出现，在目前较为稳定的古代书画市场中，精品无疑是带动整个单元价格增长的主要因素。

来源：市场报

名家精品值得收藏

“龙泉青瓷”精品亟待升温

2006年，江苏宜兴中国工艺美术大师吕尧臣的一件紫砂壶拍出了60万元的高价。2007年6月，在中国工美春季瓷器杂项拍卖会上，中国工艺美术大师徐朝兴的五管瓶以38万元起拍，经过多轮竞价后以70万元拍出，创造了现代陶瓷艺术品拍卖单价最高价。

北京合璧兴陶瓷艺术馆翁利总经理表示，龙泉青瓷比起景德镇等当代艺术陶瓷进入市场晚，价格也低，赝品很少，正逢收藏良机。而且，凡是有品质的艺术馆经营的当代艺术陶瓷一般都附有工艺大师的证书，投资风险相对小得多。对于资金不充裕的小收藏者来说，还可以选择收藏初露头角的青年艺术家的陶瓷作品，这些陶瓷作品多富有时代感和创造性，等他们出名以后，这些作品肯定会大大升值。

50多年来，在龙泉窑青瓷的复兴中，涌现出了众多知名陶艺家。徐朝兴、夏侯文、毛正聪等国家级工艺美术大师就是杰出的代表，张绍斌、陈爱明、卢伟孙、徐定昌等省级工艺美术大师或陶瓷艺术大师的作品也表现出了很强的艺术造诣。业内专家认为，这批大师的精品目前价位大多在几千元到几万元不等，随着进一步的发展，龙泉艺术陶瓷将有较大的收藏空间。

来源：京华时报

古墨拍场飘香

藏家藏之有道：越老越黑越靠谱

由于古墨传世不多，精美的观赏古墨更为罕见，且价格不菲。早在上世纪90年代，古墨刚刚进入拍卖市场就获得了较高的成交价位。1995年，北京翰海就曾有乾隆《御题西湖十景诗彩墨》(十锭)拍出套墨的最高价55万元的佳绩；翌年，该公司又拍出《御制天府永藏玺墨》，成交价46.2万元，创造了当时单锭墨的最高纪录；2007年中国嘉德秋拍中清乾隆御制《咏墨诗》墨以128.8万元成交，清乾隆《御制西湖十景集锦色墨》(十锭)以448万元更是创下了古代文房类拍卖成交价的世界纪录。

专家介绍，要玩墨，首先要会区分种类。墨的种类以制作原料划分有油烟墨、松烟墨、油松墨、朱砂墨、选烟墨、特烟墨等。油烟墨质地坚实、细腻、耐磨、色泽乌黑发亮，但用胶量较重。松烟墨的特点是墨色黑，但缺少光泽，胶轻质松，入水易化。好墨具有“质细、胶轻、色黑、声清”的特点。

普通投资者也可选择上世纪90年代以来的新墨进行投资，但投资对象必须是名家上品。由于近20年来用墨量骤减，绝大多数墨厂的产量剧降，因此上佳的新墨存世量愈来愈少，这反而凸显了量少价高的藏品市场规律，投资者不妨多个心眼予以关注，将这类新墨作为中线投资，相信它有广阔的升值潜力。

来源：市场报

问世时间短存世量多

现代币：收藏投资两相宜

一些初涉钱币收藏领域的爱好者可逐步关注已停止流通的第一版、第二版部分人民币和第三版人民币、外汇兑换券、流通金属纪念币和贵金属纪念币等。外汇兑换券只有七个面额九个品种，停止流通才没几年，收藏起来还不太难，除了1979年版伍拾元与壹佰元价格较高外，其余价格适中，日后极具升值潜力。第三版人民币停止流通时间最晚，钱币交易市场上还很多，收集起来较为容易，但其中的二枚“筋币”枣红色壹角券和背绿色壹角券的存世量已不多，收藏难度较大。流通纪念币制作精美，易于保存，深受广大集币爱好者的喜爱，从1984年10月1日发行的《国庆35周年》起，至今才发行了40余套，若想收齐花费的精力和财力对一般收藏者来说尚能承受。第一版人民币由于发行时间较早，品种又较多，且价格极为昂贵，东西虽好，但收藏难度极大，若想全部收齐实属不易，集币爱好者可在收集完第三版人民币的基础上，再从第二版人民币开始收藏，循序渐进，最终向第一版过渡。贵金属纪念币(金银币)无疑是最具有投资价值的现代钱币收藏品，由中国人民银行限量发行(有些品种仅发行数百枚)，但昂贵的价格使一般收藏者望而却步，集币爱好者可先从一些价格相对较低的普制《熊猫》银币和《麒麟》银币开始收藏。《熊猫》银币价廉物美，还曾在国际钱币展上获过奖。以平常心在相对低位购进，做到收藏与投资两相宜。

来源：燕赵晚报

占举足轻重份额“明四家”

书画延续高价特征

“明四家”沈周、文征明、唐寅、仇英的书画作品在中国古代书画投资品类中一向占有举足轻重的市场份额。在2008年春季艺术品拍卖市场上，“明四家”无疑是古代书画市场中表现十分突出的一个板块。

“明四家”作品在目前的艺术市场上存世数量较多，虽精品罕见但有一定的流通量，在近几年的艺术市场中呈高价走势。在2007年的拍卖市场中，春季共有7件作品进入了2007年春季中国书画成交价格前100位排行榜。在整体走势趋缓的书画市场中，这一板块由于精品流通数量的减少而并未诞生千万元以上的高价，在书画家个人作品的成交量和成交金额上也并未突破往年。

第6篇：清代工艺美术的特点范文

任湖北美术学院美术学系主任的周益民教授，最大爱好就是收集明清时期徽派雕刻的艺术品。借助下乡采风涉足边远地段的优势，周教授踏遍了徽州的大小古朴村落，潜心收集和研究这些隐藏于院落古宅的雕刻珍品。“徽雕是和建筑紧密联系在一起的，所以在大型的古宅徽派建筑中，时常能看到它。”数十年的积累，周教授收集的各种徽雕。他介绍说，明代的徽雕古朴而雅致，多以平雕和浅浮雕的表现手法为主；而清代的徽雕显得更为细腻精致，多以深浮雕和圆雕为主，强调雕刻的层次感。徽雕是一种以大繁而称道的艺术，其雕刻多呈现出镂空的效果，给人以玲珑剔透的精致美感。

往昔皇室门庭，今昔民间珍玩

目前古玩市面上流传的徽雕藏品，多半都是徽派建筑或家具部件上的雕花板残件。这些雕花板，通常都用在梁柱下、门板和床头的装饰上；朱砂为底，浮雕人物上裹金漆，有时候会加以石英等石材的镶嵌装饰。虽然红砂底朱颜已改，金漆斑驳，但依稀能管窥徽雕所属家族往昔的气派与繁荣。

周教授上世纪80年代曾留学于日本专修造园设计，东瀛文化的浸染也使得他将自己的书房设计得极具有清雅淡泊的日式特色。在书房内塌塌米的上方，靠墙的木架上安置着一对硕大的徽派牛腿木雕，雕工繁复，精美绝伦。从摆设的地位就可断定出，这是周教授颇为得意的一件镇宅之宝。

所谓牛腿，是取其寓意而名，实为中国古代建筑中的某一个建筑构件。虽然名字不甚优美，但其作用却不小：牛腿正如其名，在建筑中起到支撑梁柱和悬挑，担当起承重的艰巨任务。中国古代建筑中类似的部件还有雀替，但是都是属于较为小巧的装饰部件，而像牛腿这样大型的雕刻才是兼备了美观和实用的双重功效。

那么这对牛腿，到底有何种端倪，吸引众人争相观摩，都想纳为己有？周教授介绍了这件藏品的难得之处：“首先是题材的珍贵。我收的这一对牛腿，题材是非常罕见的‘丹凤朝阳’。一般就规矩上来说，当时属于和皇室沾亲带故的富贵人家才能够有资格使用带有龙凤的图样来装饰。这对牛腿的题材很好，表达的元素也非常的多，梧桐树上站立的生机勃勃的凤凰，祥云缭绕中高高在上的盛日，后方的牡丹和松柏，都有十分吉祥的寓意。其次，看工艺。雕刻工艺的精美程度如何直接决定了藏品本身的价值。很多徽雕都是只做一半雕工，背面仅简单刨平。但是这对牛腿任何一个角度都雕满了，就是所谓的‘满工’。而且这对牛腿的雕刻手法多重，包括各种浅浮雕（日头），深浮雕（祥云），圆雕（凤凰，梧桐树，牡丹），透雕，镂空，手法应有尽有。”

“收这件东西的经历也很有趣，”谈到这个故事，周教授还是很得意个中那比小交易，“是在2006年，系里惯例安排学生年度的下乡写生，我们去的是安徽省泾县下叫一个做查济的小村子――受国家保护的历史文化名村，光祠堂就有100多座。绕到一处古宅，看得出旧时地位绝非一般。当时这对牛腿被拆卸下来放置在堂中，几个老师看了都想要。屋主出价8000块，我自己喜欢写书法，然后就给这家人题了一个中堂匾，书“翔义堂”三字――屋主很喜欢，一字抵一千，最终是5000块成交的。”牛腿终于归了周教授，他也很满意：如此精致的徽派雕刻，悬在书房中，不仅气派，更是文化底蕴的象征。

雕板中的吉兆――民俗寓意

第7篇：清代工艺美术的特点范文

1 德化陶瓷工艺的发展历史

德化瓷业已有一千多年的悠久历史。瓷器质地洁白坚硬，工艺精良、造型雅致，色泽莹润。北宋时代德化以碗砰仑窑为代表的窑场，其制瓷工艺已采用轮制、模印和胎接成型的技术。以龙窑大量烧制青瓷、青白瓷、白瓷的各式碗、盘、杯、碟、瓶、 罐、壶、盒、洗、花瓶；少量烧制黑釉茶碗等。使用刻花、划花和印花等装饰手法，于瓷器表面饰以莲瓣、牡丹、云水、蕉叶、缠枝花卉等花纹以及篾纹、菊瓣、葵纹、 麦穗、卷草等几十种饰纹。到南宋时，瓷窑烧制技术又有新发展，烧制的白瓷，器型大，胎体薄， 釉色滋润，白度高，透光度强，已达到很高的水平。迨至明代，德化瓷业进入新的发展时期。无论是器物造型、烧制技术、产品质量、 生产品种、工艺水平，装饰艺术等方面的综合发展水平都远在宋元之上。以何朝宗为代表的瓷塑闻名世界，被誉为“东方艺术”和“天下共宝之”的珍品。独树一帜的“象牙白”(建白瓷，釉色乳白，如脂如玉，色调素雅)被称作是中国白瓷的代表，享有“中国白”和“国际瓷坛明珠”的美誉。特别是道释人物瓷雕，造型逼真， 格调高雅，具有独特的艺术魅力，达到了德化窑古代工艺技术成就的高峰。清代，德化釉下青花瓷器争奇斗艳。青花瓷取代建白瓷跃居主要地位。青花的花式丰富，纹画内容取材很广，有历史故事、人物仕女、生产活动、社会习俗、禽兽花果、山水景物和带有宗教色彩的纹饰。画面明净素雅，笔法朴实粗犷，构图简洁舒展，充满生活气息，显示了民窑色彩或幽菁淡雅或浓郁艳丽的新风格，开创了德化窑彩的新纪元。如今的德化瓷雕采用捏、雕、镂、刻相结合的技法，把优质原料和精湛技艺融为一体，生产历史传统题材的产品达390多种，各类姿式和规格的瓷观音有100多种。这些神态各异的造型，继承和发展了“传神写意”的传统技法，使瓷雕人物形神兼备，色彩明净，蕴含着美好、健康的意境，给人以美的感受。

2 对德化陶瓷工艺创新的建议

2.1 既要继承传统的工艺技法和艺术表现形式，又要有所创新。中国陶瓷具有巨大的艺术成就和丰富的工艺技术经验，是现代陶瓷业设计生产可继承和借鉴的。当然，我们继承借鉴不是照搬，不是拿来，而是用现代设计理念和设计方法吸收传统精华并有机地融入到现代生活中。产品创新设计主要包括两个方面：一是艺术设计上的创新，另一个则是制作工艺上的创新，即运用现有的制作工艺做出有新意的产品。学习和继承传统艺术，理解和发扬传统艺术，都是一件不容易的事情，需要下一番苦功，认真地去临摹分析；去芜存菁，认清传统艺术精华之所在，在创作实践加以吸收和消化。德化瓷要继承传统的工艺技法和艺术表现形式，并在此基础上得到不断创新。创作的作品题材要广泛，创意要深刻，在造型、釉艺装饰等方面力求有所突破，为德化瓷的发展开辟新的空间。

2.2 充分展示德化陶瓷的艺术表现力。通常人们从艺术中得到“美”的享受，而在产品中得到“用”的满足，艺术品和产品分别以两种截然不同的形态提供给人们。特别是在物质日益丰富的今天，人们对产品的选择不仅着眼于“用”的功能，更在于追求更多的“附加值”，其中艺术化和美的享受是必不可少的。从一些陶瓷艺术设计作品和产品中，我们可以看到大量陶瓷自身独特语言的发挥和表现，并且是其他材料和工艺无法达到的艺术效果。陶瓷极强的可塑性、丰富多变的装饰手法和只有通过“火”才能达到的境界，是陶瓷艺术区别其它艺术最重要的特征。艺术风格应突出严谨而豪放的特征。从整体气势来看应是很放得开的；而细部关键之处的刻划应很深入、很精到，能放能收，收放结合，以写实手法为基础，结合概括和变形的处理，融会贯通，整体和谐。

第8篇：清代工艺美术的特点范文

――《核舟记》

在博物院，有一件拇指大小的珍宝，颇为引人惊叹。它只有3.4厘米的长度空间，却“蕴藏”着一番不小的天地：一叶小舟、舟上有可自由开合的四扇花窗、舟里坐八人、船舱有一应俱全的生活用具，人物动态神情兼备，细致入微，且舟底镌刻着细字《后赤壁赋》全文，下有“乾隆丁巳五月臣陈祖章制”款。更不可思议的是，这一番天地，竟是刻在一枚凡常的橄榄核上。这件珍宝名为《东坡夜游赤壁》核雕，是乾隆年间核雕艺人陈祖章的传世作品。据说当年还是乾隆皇帝的心头之物。苏子泛舟的怡情，已令后人无限神往了，那方寸间营造天地的核雕艺术，更吸引着人们一探究竟。

一

核雕，依其命名，便知是在果核上雕刻成像。桃核、杏核、橄榄核都是首选的材质，依其外形特点或起伏的变化，雕刻人物、山水、鸟兽、亭台楼阁等，能以小见大，以趣取胜，是传统民间艺术的一绝。这果核，原是人们食后的弃物，本就无所价值，但在古代经能工巧匠的想象发挥和施展刀技，却幻化出奇巧无比的模样，真真是“化腐朽为神奇”了。

要说，古代工艺品中，以雕刻见长的却也不少，像玉雕、石雕、牙雕、根雕之类，但在载体的独特性和发挥的受限性上，却显出核雕的不易拿捏来。创作人必须用丰富的想象将紊乱的纹路想象成一幅幅生动、活泼的画面，然后沿着想象的轨迹，运用娴熟的技艺，将神、形、理、趣融方寸之中。如此一来，便很受果核纹理和形状的限制，但凡核或椭圆或扁圆，又或是最为皱脊、错综诡杂的山核桃，其造型布局就要比平面雕刻艰难十倍。且核雕又不同于在平面上划痕的微刻，它是浅浮雕，需要掌握浮雕、圆雕、透雕、线刻、磨制等技艺，真如《诗经・卫风・淇奥》咏唱的：“如切如磋，如琢如磨。”

创作上既需要有一定的写实性，更需要有丰富的想象力。窃以为，核雕是当得起“虚实相生”四字的，远的不说，就单单以大家中学语文名篇――明魏学的《核舟记》所记核雕为例，就颇为引人遐思。那是明天启年间常熟核雕艺人王叔远的“东坡赤壁游”：只见在一枚橄榄核的径寸之间，卧着一长约3厘米，高约0.5厘米的小舟，且为篷船，中间为舱，又左右各开4扇活窗。窗旁有带字雕栏 ，右刻“山高月小”、“水落石出”，左刻“清风徐来”、“水波不兴”，舟棹如画，毕现眼前。若只船无人，也恐唯静而已。夜游自当有人，有人才有动。遂有苏子及其好友黄鲁直、佛印和尚三人坐于船头，苏子、黄鲁直两人共执一书，而佛印和尚如一弥勒，袒胸露乳，左臂挂念珠，念珠历历可数。船尾又横着一楫，楫的左右各立船夫一人。船背有题款：“天启壬戌秋日虞山叔远刻。”字迹细如蚊足，又刻篆章“初平山人”。 若不是文字记载，谁能料想世间曾有此巧物？此文有名，也是因雅而雅。“罔不因势象形，各具情态”、“而计其长曾不盈寸，盖简桃核修狭者为之”道出微雕工艺品的精妙绝伦和艺术价值。

二

核雕在中国有着悠久的历史，但是究竟源于何朝何代尚无史书记载，不过最早可追溯至宋朝中期，距今一千多年了。明清时期，我国大型雕塑艺术无大发展，而小件雕塑品和工艺品的装饰制作却别开生面，富于创造性。桃核、杏核雕刻和橄榄核雕刻是其中一个颇有特色的品种，无论在构思，还是雕刻上都达到了极高的工艺水平和艺术境界，被人称作是“微雕神技，艺术奇葩”。

明代时，小小的核雕常作为一种垂挂在衣带、纨扇或是绣袋下面的坠物，既可作装饰，也可玩赏。当时京城、江浙一带官宦商贾崇尚风雅，流行玩赏竹木牙雕等奇珍，核雕的精而雅，恰好迎合了他们的心理。而在文人雅士，他们则用之施展才情、表达心境、显示身份，于是乎出现了 “凡文人必手持折扇，有折扇必有核雕扇坠”的盛况，精湛而玲珑多巧的核雕被人们争相佩带和收藏。在民间百姓中，则风行珠串，有的把它当作信物，如胶东地区男女传情时，女赠男用荷包，男赠女则常用核雕品。

清代中期开始，核雕物品就不光作为坠物装饰和点缀了，许多橄榄核和胡桃核雕刻工艺品的另一大功能被发现――专门供文人雅士或富家子弟手里摩挲把玩。此时，核雕的取材多选用一种核大、肉厚，质地紧密，含油性高的“乌橄榄”的核。核雕在掌上盘玩，不时“嗑嗑”作响，时人视为时髦之物。文人学士闲庭静坐，王公贵胄后院赏花，手里盘玩着核雕，既可以添助雅逸，又能够彰显清高。就连清乾隆皇帝也是对核雕偏爱有加。末代皇帝溥仪在《我的前半生》一书中提到，紫禁城皇宫保存一只乾隆皇帝的“百宝匣”，其中有一格装的是一对揉手核桃，雕刻着神话人物。

与书画、玉石等在传统文人眼里的上品相比，核雕大约不能堪入其列，但小巧且携带的随意性，却成全了它的亲近感。所谓“古玩、把玩”，不正是在反复摩挲和赏玩之间，增进人与物的感情，完成一段赏识赏心的过程吗？可把玩之物，或许不止核雕，也有象牙、红木雕件的。但象牙雕件长时间把玩后会越来越黄，失去洁白的本色，有碍观瞻；红木雕件佩戴或把玩的时间一久，也会慢慢失去红润的光泽，颜色变暗。相反，核雕经过不断把玩后，外面的色泽会越来越红润，给人一种通透的质感，有点类似于玉雕饰件的特性。如此，在日复一日的打磨中，核雕有了包浆，浸入了人的温度，愈加润泽，愈生光辉，哪怕是弃核一枚也以“金山银山”对待了。

三

从废弃的果核到奇巧无比的核雕，这化腐朽为神奇的转变，当然离不开核雕艺人的“回春妙手”。明清时期，核雕手工作坊、古玩市场涌现了一大批果核雕刻艺人，嘉定有封锡禄，苏州有宋起凤、杜士元、沈君玉，广州有陈祖章、湛谷生等，或善花鸟山水，或工亭台人物。其中一些雕刻名家，本身还是文人，像明代夏白眼、王叔远，清代杜士元、陈祖章、湛谷生，他们给核雕带来浓浓的文人气息，似乎也更偏爱苏子泛舟、仰观宇宙的一类题材。

核雕艺人，确凿见于著述的最早是明代宣德年间的夏白眼。《清秘藏》记载他“能于橄榄核上刻十六娃娃，眉目喜怒悉具。或刻子母九螭，荷花九鸶，其蟠屈飞走绰约之态，成于方寸小核。”在当时被称为一绝，明宣宗朱瞻基大为赏识。

明代常熟的王叔远首创以橄榄核雕制“东坡夜游赤壁”小舟，舟上舱轩篷楫，什物俱全，镌刻坡等五个人物，精妙传神，被魏学的《核舟记》记载而传世。在他之后，“东坡夜游赤壁”成为核雕的经典题材，被很多核雕艺人不厌其烦地表现。

明代的雕刻艺人中，还有一位很特殊的，便是明熹宗朱由校。他自幼不喜读书，好木工手艺，曾亲自操刀刻核，所作的“五鬼闹判”，亦为上乘之作。

清代核雕大师辈出，宋起凤、沈君玉、杜士元、陈祖章皆有巧夺天工的手艺，尤其是陈祖章、杜士元还被人称为技高艺绝的“鬼工”。乾隆皇帝爱核雕，曾召杜士元进宫专门为皇室服务，不料他偏爱自由不爱财，进宫之后郁郁寡欢，甚至假装疯癫才被放归故里，险些丢了性命。杜士元的作品当时被视为至宝，所雕核舟，每枚价值可达白银五十两。其作品传世的，有一件《渔乐图》，现存于常熟博物馆。此核呈枣红色，舟上有舱、篷、舟楫，船内数人都如米粒大小，有人晒网、有人烹茶、有人闲坐聊天，表现渔人生活的其乐融融。

在追步明代王叔远的“东坡夜游赤壁”核舟的艺人中，就包括清代的陈祖章、湛谷生。展览于博物院的那枚核舟，是陈祖章的传世之作。在舟长不及二寸的空间内，雕篷雕窗，人物除坡外，有客人、客妇、艄公、书僮等八人，人物神态自然、宁静、超逸，个个刻画精致，在放大镜下看光影迷离。另，广州增城市博物馆保存有湛谷生所刻的一枚核舟，小舟为两层，可拾级而下，花船上有六个人物，十多件器皿，船底满刻着《赤壁赋》，船舱上有两扇可开合的小花窗，船舷边有九孔栏杆，船尾高挂着一盏风雨灯，同样精巧绝伦。据说湛谷生在雕刻橄榄核时，要先把橄榄核含在嘴里，待湿透后才取出来。每遇晴天早上，他便对着东边的窗台，在阳光照射下精雕细琢。

王叔远的作品，后人只见得《核舟记》的优美文字，却无缘得见核舟是如何光景，幸得陈祖章、湛谷生的作品还可在博物馆一睹真容。不过，有资料显示，核舟核雕全世界也仅有十几枚。

四

兴盛于明清时期的核雕，近几年也走进了现代人的生活，成为艺术品收藏、投资市场的热销货。不过，与古代争相佩带核雕的盛况相比，目前国内收藏界核雕的价值还没有真正体现。与国外核雕拍卖成交价高出国内拍卖成交价几十倍、上百倍相比，国内核雕作品的行情才刚刚起步，不论是桃核雕，还是橄榄雕，单件的市场价格一般在200～1000元之间，雕工优秀的作品也很少突破万元。一些早年清代核雕珊瑚串珠、人物手串、十二生肖手串等的成交价格大多在万元左右。

核雕与书画作品的收藏一样，名家的精品才是收藏的王道，这也是保值增值的关键。收藏核雕的圈内也一直都有“材料不贵人工贵”的说法，原本无甚价值的果核经雕刻师精心加工后，所呈现出的艺术价值让人刮目相看，因此雕工的好坏直接影响核雕的市场价格。而名家作品本身反映的内涵、布局、雕工以及材质等都是个中翘楚，而且数量有限，极难模仿，所以具有极强的升值潜力。在2005年北京翰海的春拍上，清人湛谷生所雕刻的一件“清核雕先贤人物串”108粒以134.2万元的高价成交，开创了核雕拍卖的新纪录。这串核雕颗颗大小匀称一致，包浆圆润呈棕黄色，每颗果核上所雕皆是秦汉至明初的忠臣良将、诗人儒士等共108位。每颗果核上还用阳文雕出人物的姓名，每个字约2毫米，字字清晰规整，让人叹为观止；北京荣海于2011年拍出的由巴黎藏家旧藏的湛谷生所制八窗核雕船，以传神的刻工和潇洒的气度拍得36.8万，是仅次于清核雕先贤人物串的拍卖纪录；其余出现在拍场的核雕作品，以人物手串居多，则几十万、十几万不等，价格不甚昂贵，这也意味着收藏家和投资者不妨大胆到拍卖会上去“捡漏”。

第9篇：清代工艺美术的特点范文

关键词：家具家具的特征中国味

家具，从几千年前的原始状态，到今天绚丽多彩的现代家具，中间经历了无数次的更新，无论是制作材料、造型设计、结构、色泽，还是风格特色都在不断变化。

家具的出现和存在,是因为它满足了人们生活中的实际使用功能。造型、材料、色彩甚至舒适度等等，构成了家具的个性特点。

总之，家具是人们生活方式的一个部分，它必须符合使用者对其功能、结构和审美的要求。在现代社会，中国的现代家具艺术不应是单一的，而应呈现“百花齐放”的面貌。我们要继承并发扬传统的家具艺术，要汲取国外好的设计思想和设计理念，充分发挥自己的想象力和创造力，永远传颂“传统、时代、个性”的三大主题。

居室内最主要的器物是家具，人们起居饮食都离不开它们。家具是建筑与人之间的媒介，它通过形式和尺度在室内空间和个人之间形成一种尺度，在我们的工作和活动中将室内变得适宜于人的生活，居住。室内空间也会因家具，而变得舒适、美观。

1家具的历史演变

家具，从几千年前的原始状态，到今天绚丽多彩的现代家具，中间经历了无数次的更新，无论是制作材料、造型设计、结构、色泽，还是风格特色都在不断变化。

早在殷商以前，我国就已经开始使用家具了。某些铜器，就是原始形态的家具，例如周代的铜禁，是一种承受祭品的金属家具，造型优美，样式简洁。战国时代，出现了施绘彩漆的木器家具。汉代，木器家具流行，并且形成了古朴优美的风格。到唐代，由于国家兴旺，经济繁荣，家具的造型更加讲究，出现了豪华的倾向。宋代是高型家具广泛普及的时代，家具种类繁多，风格趋于复古。明代家具是中国人创造的文化瑰宝，是集前人之大成，是历代家具发展的高峰。明式家具，造型大方，线条简练流畅，色泽柔润，纹理美丽，工艺精密，风格典雅。结构科学，卯榫坚固牢实，简练的雕刻、线脚和金属配件的使用更使得其具有很高的时代艺术品位。明式家具一直延续到清代，与清式家具并存。清式家具在造型上没有更多的考究，但使用了更多的装饰手法，诸如雕刻工艺、漆工艺、镶嵌工艺等，追求五光十色、琳琅满目的富丽效果，以致晚清时期的清式家具流于繁琐、细碎。

到了现代，由于人们生活的习惯、节奏、观念、价值有所变化。家具，也出现了一个大变化——传统与现代化的碰撞、琢磨、调和、融汇。当前流行的家具，造型轻巧精致、色调和谐明亮，实现了造型、装饰、功能、选材、工艺的紧密统一，具有“简洁、朴素、自然、精湛、舒适”的风格。

2现代家具的四大特性

家具的出现和存在,是因为它满足了人们生活中的实际使用功能。当这种功能达到最大值时，它的外在元素就显得尤为重要了，造型、材料、色彩甚至舒适度等等，构成了家具的个性特点。

现代社会，影响家具选择的首要因素已转换为视觉效果，将外在元素加以整合、而创新的任务是由设计来完成的。

1)现代家具的造型美

造型,是关乎到家具设计成败的关键。一个好的，优美的造型，可以给人带来视觉上的美感和精神上的愉悦感、舒适感。

一个成功的造型设计，首先要遵循美学中的对比关系：粗与细的对比、圆与方的对比、曲与直的对比。由于这些对比关系，使家具在造型创造上显得和谐、明快大方、极富现代感且韵律十足。

当今社会，由于人们生活水平的提高，人们对于设计的要求，不仅满足在舒适感上，而更注重于审美。人们更欣赏，更需要新颖独特，有创意的，能给人以耳目一新的家具产品。

这就要求设计师，在造型上，从根本概念出发，考虑人们的未来，考虑人们生活的发展趋势，从而设计出超越当前现有水平，创造出人们新生活方式所需求的家具产品来。并且，要根据消费者对家具的功能需求，而萌发出来的原始构思和冲动形成的产品创意，然后再落实到具体设计去。

例如一件获中国青年设计师大奖赛的家具作品，就创作了一种全新的椅子家具的形态。椅子采用“不倒翁”的原理，材料是成形胶合板，整个座椅分为座面、托盘、支撑座三部分，使用同心空心球型，其中托盘和支撑座是在球面上切出圆形截面，座面则在球面上切出一个椭圆面，从任意角度看，都表现出一个蚕蛹的造型。人坐在椅上，可以任意方向转动，随意的放松。这种原创家具突破了现有椅子的形态和结构，给人耳目一新的感觉。

2)现代家具的材质美

家具设计的造型所以能够给观赏者以美感，也是基于它的材质。我们知道，任何家具的造型都是通过材料去创造形态的，没有合适的材料，那独特的造型则难以实现，就家具而言，其实是依附于材料和工艺技术的，并通过工艺技术去体现出来。

家具材料有二类：一为自然材料（如木、竹、藤等），二为人工材料（如塑料、玻璃、金属等）。材料的不同，使得家具在加工技术上，带给人视觉和触觉上的感受不同，由于材料本身所具有的特性，通过人工处理令其表面质感更为张扬：使光滑的材料有流畅之美，粗糙的材料有古朴之貌，柔软的材料有肌肤之感……这些材质的处理还能使家具产生重轻感、软硬感、明暗感、冷暖感，因此我们可以说，家具材料的恰当运用，不仅能强化家具的艺术效果，而且也是体现家具品质的重要标志。

家具设计强调自然材料与人工材料的有机结合，例如金属与玻璃等人工的精细材料，与粗木、藤条、竹条等自然的粗重材料的相互搭配，玻璃等金属通过机加工体现出人工材料的精确、规整，竹、木、藤等自然材料则表现出人的手工痕迹，传递出一种人性化的东西，所以说自然材料与人工材料相结合的家具设计，反映出巧妙的借用对比和材料的搭配，将粗犷与细腻、精确与粗放，能够在特定的环境中体现一种质感的对比，通过不同材料的视觉反差，让观赏者品味到不同材料的各自细节，以及呈现出家具设计的材质之美。

3)现代家具的色彩美

色彩,是一种富于象征性的元素符号，它本身虽没有感情，但一旦与人们的生活发生联系，便成了人们表达情感的工具。在家具设计中，色彩的运用,可体现出居住环境的设计风格，反映出居住者的职业特征、审美趣味和文化素养。

家具设计师不仅要运用形态与质感来表现家具设计的风格，而且还要充分利用色彩来表达设计的情调，他们习惯于从丰富多彩的自然色彩中，去提炼、概括，并根据所设计的内容，用色彩语言组成一定的色彩关系，并且利用色彩的适当布局，形成韵律感和节奏感，使其形成一种独特的语言，传递出一种情感，从而达到吸引和感染消费者的目的。

家具设计的色彩，有时强调其整洁性，这是由于人们对家具的选择除了要求其舒适感之外，还要求它的易于清洁，许多家具都使用象征清洁卫生的浅色系列。在西方家具设计中，如北欧简约风格的家具设计，其色泽素雅、静穆，多追求一种单纯、宁静之美，这种风格的设计，主要是依赖于家具功能的选择、材料的配置以及色彩的搭配。

家具设计的色彩还必须考虑各种不同环境下的功能特性，以及不同人群对不同色彩的喜好。消费者不同的特性，决定了家具色彩喜好的差异：不同的、文化差异、气候环境以及特定时期的流行色，常常体现出不同人种的心理状态，以及对社会文化价值观的认同，家具设计师只有深刻把握住色彩的特性，才能有助于家具设计的色彩运用。

因此,从社会发展的角度来看，色彩反映着时代精神，包含着人们的情绪因素，体现着文化的潮流。所以，大凡在色彩上能够跳出传统框架，注入鲜明个性的家具产品，往往是市场上受欢迎的宠儿。因为，成功的家具都非常注意对色彩的研究，而在科技高度发达的今天，层出不穷的各类油漆、面板等装饰材料，为家具设计提供了广阔的色彩空间.

4)现代家具设计应符合人体工程学

家具可不是只要好看、奇特就行，还要使用起来舒适方便。现代家具的设计特别强调与人体工程学相结合。人体工程学重视“以人为本”，讲求一切为人服务，是在以人为主体的前提下考虑其他因素。

家具产品本身是为人使用的，所以，家具设计中的尺度，造型、色彩及其布置方式都必须符合人体生理、心理尺度及人体各部分的活动规律，以便达到安全、实用、方便、舒适、美观之目的。人体工程学在家具设计中的应用，就是特别强调家具在使用过程中对人体的生理及心理反应，并对此进行科学的实验和计测，在进行大量分析的基础上为家具设计提供科学的依据。同时，把人的工作、学习、休息等生活行为分解成各种姿势模型，以此为研究家具设计，根据人的立位、坐位和卧位的基准点来规范家具的基本尺度及家具间的相互关系。

家具的造型设计、材料的选用及搭配、装饰纹样、色彩图案等就要更多地考虑到人的心理需要。如老年人房间的家具造型端庄、典雅、色彩深沉；青年人房间的家具造型简洁、轻盈、色彩明快；小孩房间的家具色彩跳跃、造型小巧圆润等。材质的软硬、色彩的冷暖、装饰的繁简等都会引起人们强烈的心理反应，所以，现代家具设计因人而异，更讲究个性化。

因此，良好的家具设计可以减轻人的劳动，节约时间，使人身体健康，心情愉悦，而良好的家具设计得益于正确地使用人体工程学原理。

3现代家具的风格——中国味

当代，世界是一个“多元化”的格局。家具设计——作为现代艺术设计的前沿部分，正以多姿多彩的风格，向世界展示着自己迷人的魅力。

随着工业革命的发生，诞生了适应工业化生产方式的新的设计。这种设计是理性、精确、冷漠的，并向着大众化的方向发展。然而，在发展中，其单调和不近人情的弊端也逐渐暴露出来，其单一的手法成为了设计师的束缚。于是，现代主义走向没落，后现代主义兴起。后现代重新向着传统回归，从传统中提炼符号语言，然后将其打散、重构，以幽默的态度形成新的形式。

正如黑格尔所说：“只有民族的，才是世界的”，高度民族化，高度的情感化，将成为未来设计的一大趋势。中国社会现在也正处于一个后现代的时期，传统文化的回归。

在继承传统，面向未来的问题上，许多设计师都有自己的理解。不光是中国的设计师，就连国外的设计大师都通过自己的作品表达出对中国传统文化的独特理解。

国外的一些设计师在接触到中国传统的艺术与设计时，也能从中汲取灵感，设计出一些很有中国味的家具。这些家具往往大受欢迎，具有很高的市场占有率。目前，中国的家具设计正处于发展阶段，在这种情况下，学习与借鉴一些外国的设计经验，对形成中国风格的现代家具很有意义。

1949年，汉斯维格纳完成了“中国椅”的设计。这把椅子被称为世界上最漂亮的椅子，引起了广泛的关注。这件经典之作将中国明式圈椅简化到“多一分嫌重，稍一分嫌轻”的完美境地。这把椅子适用于多种场合，在国内外均获得了巨大的商业成功。

维格纳的“中国椅”在造型与空间的关系上，对明式圈椅基本上未作改动。选材上以天然木材为主，以木材自身的纹理作为椅子的主要装饰。整体上给人以朴素、典雅、自然、空灵的感受，符合明式家具的基本艺术特征。维格纳对明式圈椅的改造主要表现于装饰的精简——素雅。独板靠背上的局部精雕被完全舍弃了，表现出现代工业产品的简约性。在座面上增设椅垫，增加柔软度和透气性，令使用更加舒适。椅腿造型上粗下细，气势上不如明式圈椅庄严混厚，但增加了轻松活泼的趣味，表达出现代生活的气息。

但我们应看到，异域飘来的“中国味”，不论它有多“中国”，也不会成为未来中国家具的主流。因为这些设计是异域时空的产物，是一种完全不同的设计体系下的产物。比如维格纳的“中国椅”，很明显是斯堪的那维亚风格。如果将每种风格的设计比喻成一张网的话，那么，这种设计是其他网上的网结点，只是在外貌上有点像我们这个网罢了。中国需要的是一张属于自己的大网，而不是别人网上的节点。

不过，值得欣喜的是，我国现代的家具设计师们，在接受“多元化”的，各种设计风格的同时，也不忘继承和发展我国的传统家具艺术。

从明式家具中继承中国传统文化，以中国的“形象、空间和时间的模糊”来设计现代家具，让家具从形式中透出中国特有的“神和势”。

近期，在同济大学建筑城规学院家具设计艺术展，“中国味”强烈地冲击着参观者的视线。师生们设计制作的一床一桌，一柜一架，不仅蕴含着深厚的人文内涵，而且体现着现代审美精神。如这件名叫“圈床”的新颖设计，借鉴了明清的架子床，打破原有床的四方形构造，以围合形式把休息、休闲、阅读等功能结合在一起。这件作品实现了与现代造型、现代材料相结合，使欣赏价值与使用价值融为一体。

旅英学者李亦文先生，将中国艺术哲学提炼为三个方面：朴素之美，实用之道和文质彬彬。因此，在设计中，我们努力把握材料、形态、色质与工艺之间的合理关系，突出表现材料自身的特征。并且，以中国传统形式为元素，从中抽取符号，加以变形，以“后现代”的手法重组，结合在作品中。这样，装饰符号的反复运用加强了家具的整体感，对其功能性的增加使家具呈现出与传统的差异。

“中国味”的家具，造型更趋简洁，使用更加舒适。它是从中国五千年家具文化的沉淀中生发而来，带有中华民族不灭的印记。它不是对中国文化要素的简单拼凑，而是从作品的意境里表达出中国特有的内涵，并面向现代人的生活——简约、舒适和灵活。

总之，家具是人们生活方式的一个部分，它必须符合使用者对其功能、结构和审美的要求。在现代社会，中国的现代家具艺术不应是单一的，而应呈现“百花齐放”的面貌。我们要继承并发扬传统的家具艺术，要汲取国外好的设计思想和设计理念，充分发挥自己的想象力和创造力，永远传颂“传统、时代、个性”的三大主题。

主要参考书目：

1M世界现代设计史新世纪出版社1995年王受之著

2M中国工艺美术史知识出版社1985年自秉著

3M中国装饰文化上海古籍出版社2001年展望之著

4M美术技法大全四川美术出版社1990年陈小清著