设计的审美特征精选(九篇)

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第1篇：设计的审美特征范文

〔关键词〕幼儿图书 装帧设计 审美特征

幼儿指的是学龄前1至5岁的儿童，这是一个特殊群体。幼儿图书指的是符合幼儿心理和生理特征，能够开发幼儿智力，引导幼儿快乐成长的图书。幼儿图书是对幼儿进行学前启蒙教育的初始教材，对幼儿的成长具有非常重要的引导和促进作用。因此，幼儿图书的装帧设计十分讲究，要求非常之高。实验调查发现，幼儿的生理特征导致他们的注意力难以长时间集中，他们观看图书的时间比较短，一般难以超过15分钟，所以，幼儿图书的装帧设计必须符合幼儿的心理和生理特点，使之更具趣味性和美观性，将图书内容中承载的优秀思想和正确的价值观逐渐引入幼儿的头脑之中。

一、幼儿图书的细节处设计

（一）幼儿图书的色彩设计。幼儿极其容易被高纯度、鲜艳、明亮的色彩所吸引，研究结果表明幼儿最喜爱的色彩包括：红色、黄色、蓝色、绿色、橙色以及粉色等。实验研究表明，幼儿出生时就追随视觉上的刺激，对于色彩具有本能性的偏爱。幼儿通过双眼开始认识这个世界，最先辨别出来的不是物体的形态或形状，而是色彩，因此幼儿图书装帧设计中色彩的合理运用是非常重要的，幼儿图书的封面以及内部插页都应该使用鲜艳的色彩图谱进行设计，大胆使用过渡色。而且幼儿对色彩的喜爱在性别方面也具有一定的差异，一般女孩子最喜爱的是红色和黄色，橙色、绿色和蓝色次之，能够体现出女孩子的娇俏性格；而男孩子更喜爱黄色和蓝色，红色、绿色次之，男孩子更适合比较稳重的颜色。

（二）幼儿图书的开本和正文页面设计。幼儿对图书的概念理解思维还没有像成人一样被固定住，被模式化，并且幼儿的心理审美特点包括期待有趣的东西，因此幼儿图书的开本设计比较有发展空间，幼儿图书设计者无需拘泥于书架空间以及印刷规定的约束，能够在图书开本上进行具有更多功能、更多趣味、更多装饰的设计，丰富幼儿图书的形态，引导幼儿多动手进行翻阅，多用眼睛去观察，满足幼儿心理对审美的需求。

幼儿的注意力难以长时间集中，阅读时间不长，因此幼儿图书的装帧设计可以在图书承载正文的页面增添更有趣的因素，提升幼儿对图书的观看兴趣，增长幼儿的观看时间。

（三）幼儿图书的插图设计。幼儿的思维主要是形象思维，具有无尽的想象力，因此他们对于图书插画更加关注。幼儿与成人在心理和生理上具有很大的差异，从而导致审美观念上也有很大的区别，成年人眼中优美的插画经常得不到幼儿的喜爱。幼儿并不关心图书插画是否精致优美、图中的造型是否与实物相似、插图采用的是何种绘画方式，幼儿对插画的喜爱与否来自于该插画能否激发他们的想象力。因此幼儿图书装帧设计中的插画绘制应该比较夸张，富有童趣。

二、幼儿图书注重实用的审美设计

（一）设计要防止幼儿受到身体伤害。幼儿的视力尚未完全发育，因此为了使幼儿在阅读时眼睛更加舒适，图书的字号设置不应小于5号，文本行距也要大于1.5倍，每一行文字应该控制在12厘米左右，如果太长就会使幼儿在阅读时失去耐心；文章字体的选择应该是粗细适当，比如楷体、宋体或者是细圆体等都是比较适合幼儿阅读的字体。幼儿的未完全发育导致他们缺乏保护自己和爱护图书的意识，因此，图书的制作应该更加结实和安全，还要照顾到图书色彩的设计，幼儿图书封面设计应该选用强度较高、质量较好、耐折力较强并且能够将色彩表现得更好的纸张。图书内页应该选择厚度适中、质地比较柔和的纸张，书角可以放弃直角的设计，采用安全的弧角设计。内容不仅有文字还有图片的幼儿图书，应该使用较厚的纸张，防止图案印刷时颜料透过纸张，因此书芯纸张多选铜版纸。虽然铜版纸的色彩还原度比较好，但是书页两面在光的照射下比较刺眼，而且其硬度较高，经过裁剪后纸张边缘比较锋利，容易划伤幼儿的手。可以采用当前比较流行的有色胶版纸，该类型纸张本身具有一层浅淡的底色，能保护幼儿的视力。

（二）设计要照顾到幼儿的行动能力。幼儿的生理特点包括，幼儿的身体协调能力、观察力和注意力等都比较差。图书的开本过大，幼儿阅读时比较困难，开本过长，难以翻阅。幼儿的行动能力较弱，一只手固定图书，一只手进行图书翻页活动比较困难，而且幼儿使用物品时比较随意，比较冲动，因此幼儿图书设计所选用的材料要求不易被破坏，具有较高的安全性能。比如骑马订的书页展开较好，能够将书页随便摊平开并且固定，这种方式比较适合幼儿阅读。精装版的幼儿图书使用较厚的纸张材料作为封面，甚至是图书内页也采用质地较硬的纸张，这样能方便幼儿的翻阅，有效保护图书。

（三）设计要尊重幼儿的阅读习惯。幼儿图书的内容以图画为主，文字为辅，这是为了方便幼儿对图书内容进行观察，加深对内容的理解和记忆。一般幼儿图书都采用满版编辑的模式，有效利用图书的内页空间，而且这种方式更加适用于尺寸较小的图书。幼儿图书的色彩比较鲜艳、画面和谐、内容简单、文本字体较大等等，这些在图书细节方面的合理设计，无一不显示出对幼儿的爱护。幼儿正处于对事物的表象进行直观认识的阶段，其当前年龄段的审美观点比较随意、直接、简单，因此幼儿图书的装帧设计不要被固定的图书设计思维所约束，可以跳出常规模式，可以是比较常见的矩形页面，也可以是圆形或者一件物品的形状等等，图书的内容可以处于一个平面，也可以出现在两个平面内，以此提升幼儿对图书的翻阅兴趣，丰富幼儿的生活。

三、幼儿图书设计在趣味中增添美感

阅读能够促进幼儿的成长，幼儿通过阅读图书获取知识，在阅读的氛围中培养自己的理性，这就是幼儿图书与普通图书相比最明显的功能。因此，幼儿图书的最终目的就是在趣味中为幼儿传达美感。

快乐教育理念认为，幼儿在愉快的状态下更容易认识事物，幼儿在气氛欢快的游戏中的认知能力、记忆能力以及思维能力等都能够达到最佳状态，这种气氛更容易激发幼儿的想象力和创造力。因此，幼儿图书中可以添加一些比较夸张的视觉因素，或者是触觉因素等刺激幼儿的感官体验，引导幼儿对图书内容进行认知，实现图书的审美教育功能。

在幼儿图书中传递美感的唯一介质就是各种图像。图像的信息比文字更加符合幼儿的认知方式，图像所传达的美感是直观的，这也符合幼儿的情感表达方式，具有美感的图像对幼儿审美能力以及创造力的发展是非常有利的。色彩能够直接传递图像的美感，给予幼儿视觉感官上的刺激，使幼儿在生理上产生审美愉悦，与图像相结合更能发挥其传递美感的作用，进而使幼儿在心理上产生审美愉悦。幼儿图书中的文本知识对幼儿来说并不是非常重要的美感传递因素，因为幼儿的视力发育未完成，认识的字比较少，而且幼儿的生理发育决定他们比较好动，对长时间的文字阅读缺乏兴趣，但是幼儿的好奇心理非常强，认知能力和接受速度快，因此幼儿图书中文字信息排版应该突破常规排版的制约，激发幼儿的阅读兴趣，从中感受有别于图像的新奇美感。幼儿图书的设计应该注重培养幼儿的智力开发和动手能力，创新图书的形态，使图书更具有新颖性、趣味性以及玩具化，促进幼儿动手能力的发展。

结语

幼儿时期是人类生命中非常重要的一个成长阶段，在这个阶段他们刚刚开始认识、接触这个世界，不仅仅是单纯地接受知识，还有选择美丽的想法，从中体会到感情的真挚。幼儿的健康成长离不开幼儿图书，幼儿图书的内容、封面等细节设计是否具有美感能对幼儿心理产生重要的影响。因此，幼儿图书的装帧设计要考虑到幼儿不同于成人的审美观念，尊重幼儿生理和心理的成长规律，设计出安全性、舒适性、教育性较高的幼儿图书，促进幼儿快乐成长。 （责任编辑：尹雨）

参考文献：

[1]李冬梅.幼儿类图书中的插画设计[J].科技经济市场，2010（12）.

[2]黄群.幼儿读物插图的视觉形式研究[D].安徽大学，2013（05）.

[3]赵汇鑫.趣味性儿童图书多维形态设计[J].科技与出版，2012（08）.

[4]刘敏妮.谈儿童图书装帧设计的儿童特点”观照[J].出版发行研究，2011（06）.

第2篇：设计的审美特征范文

【关键词】艺术语言;构成原则;审美特征;秩序结构

在平面设计艺术的具体创作过程中,对于不同视觉形态结构的组合、编排,目的是要创造出合规律性的艺术语言的秩序结构,即形的秩序、色的秩序、质的机理秩序、明度的层次秩序与空间的分割秩序等。所谓的“秩序”,是指画面中各个视觉形式要素,能够激发人的审美情感的种种体验。这种对“秩序”的组织、运用与表现的过程,不仅注重情感的艺术表现性,而且更为强调画面中秩序的合理性,这是创造出合规律性的艺术语言构成形式的核心因素。平面设计艺术创作过程中所涉及到的空间界面规格设置、文字的选择、空间形态的组织、色的配置、层次关系的划分、图形图像的组构与运用等,都要讲究其形式结构的严谨性、形态的可视性与美感中的合规律性,平面设计艺术语言的构成,无论是线形态的构成、或是点形态的构成,或是色块的构成、或是空间界面分割的构成等,都不能偏离平面设计艺术语言结构的内在秩序,否则,就会导致视觉形态审美关系上的失调,既失去了形式构成中的和谐性,也不符合视觉心理的知觉规律,因为对艺术语言的审美知觉把握,凡符合秩序的结构,便能够呈现和谐的状态,并予人以愉悦的感觉,否则,就无法构成具有审美情感表现力的整体意象。

因此,平面设计艺术语言的构成,必须以符合“秩序结构”为原则。具体地讲,在平面设计艺术的创作实践中,对于秩序结构的“意味”追求与审美形式特征的构成,我认为,主要有以下几种审美把握方式:

1.“同一律式”审美把握方式

在平面设计形式构成中,强调艺术语言之间的共性因素,目的是创造一种统一中的和谐性,如“一致性”与“重复性”,黑格尔称其为“符合规律”的初级形式美,同时,又超出了“一致性”与“重复性”,而成为“自由的自然线形”的、使“一切高级生动复杂的形式都服从这种‘符合规律’的规律”。在平面艺术语言的构成中,如“对位”的构成形式,就是同一律式的主体形式内容。所谓“对位”,是针对在形式要素之间,通过位置上的某种秩序结构关系来寻求艺术语言的统一,常见的有:直线的对位构成,即把视觉形态的重心都保持在同一直线上;间接的对位构成,即把视觉形态的中心线都交接在一点上;单项的对位构成,即把视觉形态进行趋于一个方向的整齐编排;双项的对位构成,即把视觉形态的上下或左右方向进行整齐编排;以及比例的对位构成,即把视觉形态按照一定的比例关系进行编排。

2.“对比律式”审美把握方式

对比律的审美形式是指平面空间中视觉形态构成因素之间的相异性。即在艺术语言的整体构成中去寻找相互对比的规律,如大与小、多与少、明与暗、显与晦、疏与密、高与低、粗与细、冷与暖等。对比律的形式因素十分丰富,其美感的形式效果可以使画面的“趣味”中心得到生动地体现,能够引起视觉的高度注意,产生对视觉的“冲击力”,从而使画面富有生动性、鲜明性。在平面设计艺术创作中,运用对比的形式规律,目的是突出主题,使受众对象获得“知情达意”的视觉审美效果。

3.“均衡律式” 审美把握方式

均衡律式是指人的视觉对于平面空间中的视觉形态构成要素,保持着力度的平衡感。对于人的视觉审美心理而言,有静态的均衡美,如形、量、质的同等大小,具有严谨性、庄重感;也有动态的均衡美,如形、量、质的非同等大小,具有灵活性、多变性,产生出对比的形式效果。均衡律式在平面设计艺术语言的构成中,蕴含着强烈的视觉形式的心理效应,是不可或缺的形式因素。

4,“节韵律式” 审美把握方式

节奏、韵律是构成形式美感的主要因素之一。节奏,是有规律的反复,具有单纯性、明确性和带有一定的机械性,富有理性的形式意味。韵律,是使节奏的构成形式深化,富有极为丰富的情感特性。情感一旦介入理性,必然要打破形式秩序的“纯化”规律。富有情趣性、抒情性,具有刚柔相济的形式效果。它对于艺术语言的秩序组织,能够增加形式美感的魅力,如渐变、起伏、旋转等形式的构成都具有这一审美特征。

5.“数比律式” 审美把握方式

所谓数比律式,是指形式要素之间的某种数理逻辑关系,是比例关系中的基本形式规律。如通过黄金分割律,可以得到最佳的空间分割面或是最佳的直线分割点,运用黄金分割律分割构成的形式,能够呈现平面空间的均衡性、谐调性,具有平稳、安定感。又如比率式分割,是形式构成中各要素之间的逻辑关系,充满着“数的秩序”性,能够产生节奏、精确、整体统一等富有理性的美感形式效果。现代艺术中风格派的几何造型,就是运用数理逻辑的语言秩序进行艺术创作。平面设计作品的空间界面分割,即对平面设计空间的比例关系确立,亦有不同形式规律的审美特征,如将1:1.236、1:1.414、1:1.618等等以不同的数比律构成多种空间分割形态,其中将1:1.618称为最佳空间分割,即“黄金分割律”。由此可见,数比律在现代平面设计艺术的创作中,是艺术语言构成的重要内容。

平面设计艺术与其它门类的造型艺术一样,是人与自然的审美关系的物化形态,它存在于对审美意识、审美评价与审美表现这三个要素的把握之中,但是,就平面设计艺术语言形式的审美特征而言,除以上所述,我认为,还包括着对平面设计家实践创作中审美价值取向的认识、追求。对于艺术语言进行抽象的或纯粹的视觉表现,是构成现代平面设计艺术语言独立样式的具体体现,也是对其进行审美把握中的主要形式特征。平面设计艺术的创作,无论是倾向于绘画艺术的注重形象的思维方式,还是倾向于设计艺术的注重逻辑的思维方式,无不蕴含着注重情感的表现性与强调画面秩序结构的合理性。

第3篇：设计的审美特征范文

关键词：平面艺术设计 审美意识 时代特征 设计风格

一、平面艺术设计中审美意识的时代特征

（一）审美意识的定义

审美意识的实质是一种带有社会性意识特征的感知能力。在不同的综合因素影响下，产生不同的审美性心理特征，同时审美意识随着社会和时代的进程而变化。平面艺术是一种具有极强应用性的艺术形式，拥有表现度极强的审美特征。平面设计是将实用性和审美特征完美结合。例如把生活用品设计成各种萌宠的形状；把灯具设计成不用样式的花朵形状；插花的花瓶被设计的反而比真实的花朵更美丽。这些平面设计都体现了人们生活中对美的追求。这也是人们的自由意识和精神上的满足。创造艺术作品时应结合时展需求，把握时代审美特征，将实用性和审美特征相结合，突出不同时代不同的审美特征。

（二）审美意识的时代特征

审美意识的时代性是与时代文化气息紧密相连的一种时代精神。熟知中国历史都知道，汉以纤细轻盈为美，而到了唐代又以丰盈为美，转而到了现代人们崇尚以瘦为美。明朝衣服的布料有着鲜明的阶级规定，官员着针织丝绸，商贾富有却不能穿丝绸，平民不限制却因贫困只能穿棉麻，而当今棉麻衣料则是绿色环保，休闲时代气息的体现。原来只有乞者才衣着破洞褴褛，到了现代破洞牛仔裤是经久不衰的流行，这种残缺美流行于当下，凸显了现代人对个性化的追求。每个时代艺术作品的设计在微观方面体现的是设计者的审美特征，在宏观方面体现的是这个时代的整体审美文化内涵。不同的时代由于人们的生活观念和审美追求的不同，所产生的审美需求也是多种多样。

一个时代的文化是以这个时代的经济和政治为依托。平面艺术作为文化的一种，与一个时代的经济和政治密不可分。所以平面设计在表达实用性的同时，也会表现出鲜明的时代性。例如，从1905年中国电影产生后，随着电影产业和报刊业的兴盛，很长一段时间的宣传画都以电影时尚女郎为主题。建国初期，在工业复兴时代，宣传画册又以政治色彩为主题，纺织女工、钢铁工人跃然于作品上，祖国繁荣建设的蓬勃气象，以鲜明的暖色调表达出来。到了现代，更多企业更新了自己的标志图案，以更好地展现自己的企业文化，树立企业形象，满足企业在新时代的发展策略。

二、平面艺术设计构成要素的时代特征

（一）文字的时代特征

文字是人文明的象征。各个时期关于文字运用都体现了该时代的特征。图形文字的成熟运用在于商周青铜时代，是当时生产生活的具体反映。设计师将这种经过历史沉淀，充满原始情调的远古图像运用到现代平面设计中，形成独特的艺术字体，体现中国历史的悠远韵味。在建国初期，文字在设计上带有强烈的时代特征――鲜明的政治色彩。鲜艳的暖色系选色，字体加大，字体工整都是那个时代的特征。改革开放后，进入到互联网时代，“电脑字体”将技术运用于个性化的设计中，最大程度的展现字体的个性化。通过技术手段，将文字进行夸张的变形，不仅达到了装饰作用，也突出了其意识形态的表达，让用户产生更为丰富的联想。到了现代，涂鸦式设计更多的表达了当代的审美需求。在文字变形的基础上，涂鸦式设计进一步加强了文字在个性化方面的突出，充分的表现了现代思想中对个性化、自由化的追求。很多网站采用涂鸦式设计，表达其自由的思想和个性化的理念。涂鸦式设计在给人以美感的同时，更加突出地表达了当今时代的审美意识。

（二）图形的时代特征

图形的定义很广泛，可以是符号、图案、一幅画等等。图形作为一种视觉语言，对比于不同文字之间的沟通障碍更为形象，也更容易让人们产生美感的共识。在当今时代，图形设计是平面设计的重中之重，直接关系到设计作品的表达。图形的设计中也体现了不同时代的审美特征，可以感受到该时代的精神表达。例如我国传统的龙凤图案，大多出现在婚嫁用品中，这会使得人们产生对于中国久远的婚嫁文化的想象，让人联想到中国婚礼独有的隆重和美感。再如我国传统的青花图案，常用于茶具和酒具中，这会使人产生对中国悠久的茶文化和酒文化的想象，将强烈的文化气息通过这样的形式美充分地表达出来。设计者的情感通过图形艺术更为深刻的表达出来，让人们感受到更为浓烈的文化氛围，进一步开拓性的将平面设计的内涵表达出来。现代，将电脑技术运用于图形设计中，将个性化的涵义蕴藏于更为丰富的构图中，开拓用户的想象空间。因而，现代平面设计中的图形更具有时代的审美特点和鲜明的时代特征。

三、现代平面艺术设计中审美意识的时代特征

21世纪的设计主要有两大理念：一是个性化理念，个性化设计反映了时代的发展趋势，在人与物之间达到和谐状态的同时，集中表达了这个时代的人文精神。在很多平面设计领域中充分体现了个性化特点，例如交通信号灯的盲人提示，社交软件中的语音信息，电梯中的盲文按键等。二是环保理念，2006年6月1日，我国颁布《限塑令》，取消无偿向消费者提供塑料袋。从政府到个人，越来越注重环保问题，很多包装开始采用可循环利用的材质而不在使用塑料了。奥斯卡金像奖的礼品袋选用具有“伦敦袋后”称号的Anya Hindmarch设计的一副作品――I’m not a plastic bag，（我不是塑料袋）。这款环保产品受到很多大牌明星的青睐，广受瞩目，这个事件也加强了环保理念的推广。

四、结语

平面艺术设计中的审美意识的形成，主要基于当下时代环境和历史文化的影响。二者之间密不可分，人们可以从一个平面设计的作品中感受到该时代人们的审美意识和审美情趣。所以平面设计要充分理解时代的审美意识，领悟时代精神，将这些通过作品表达出来，同时努力地凸显个性化的特征，来满足现代社会多元化的审美需求。

参考文献：

[1]芦影.平面设计艺术[M].北京：中国人民大学出版，2005.

第4篇：设计的审美特征范文

关键词:美术;审美;特征;造型;永固;再现

中图分类号:J501文献标识码:A 文章编号:1673-0992(2010)06A-0081-01

美术,通常指绘画、雕塑、书法、摄影、篆刻、工艺美术乃至建筑设计、现代设计(包括产品设计、环境设计、视觉设计等等)。

把握美术的审美特征,对于美术创作、美术教学、美术欣赏,均具有理论与实践的导向意义,可以从更高的美学层面上观照、提升其美学品格。为此本文结合笔者个人多年来美术创作与美术教学的艺术实践与理性思索,对美术的审美特征这一重要艺术命题发表几点浅见,以与美术人共同讨论、共同分享。

具体而言,美术的审美特征,可以分为以下三大层面进行解读―

造型性

美术的第一大审美特征,是它的造型性。“美术”一词,又称为“造型艺术”,可见造型性是美术的最基本的审美特征。所谓“造型性”,是指艺术家运用一定的物质材料,塑造出欣赏者可以通过感官直接感受到的艺术形象。”①例如绘画,就用线条、色彩等艺术语言,在二维空间(平面)里塑造形象;书法也是在二维空间(平面)运用笔墨、布白、结构、章法等艺术语言,塑造文字形象,表现神采、气韵;摄影也用影调、色调、构图等艺术语言,同样在二维(平面)空间塑造艺术形象;雕塑则用泥、石、木、金属等材料,在三维(立体)空间塑造形象。所有的造型艺术,无不通过具体形象的造型来塑造艺术形象的基本手段和基本审美特征。用通俗一点的话说,所有的美术,都以“看得见,摸得着”的具体可感的形象之“型”为重要的审美特征。

美术的造型性审美特征,要求美术家要注意观察生活,善于捕捉生动感人的人物或事物的外部特征―造型性特征,在此基础上,以表现人物或事物的外形为自己的特长,并做到“以形写神”、“形神兼备”。在这方面,有许多成功的典范。例如意大利画家达・芬奇的油画名作《蒙娜丽莎》,据史料所载,是画家受意大利佛罗伦萨商人佐贡达委托,为其妻所画的一幅半身肖像画,又有学者考证,该画是画家以自己的情人为原型而画的,但不管哪一种说法,都有一个共同的特点:在生活中选取原型。因该画画出了青年女性含蓄的笑容,故艺术史上被誉为“永恒的微笑”。又如我国清末画家任颐,就有惊人的形象观察力、记忆力、表现力,在他年仅10岁时,一次他单独在家,适逢父亲的一个朋友来访,因见不到任颐父亲,便很快告辞,任颐就用纸笔把来客的模样画下来,他父亲归家看到画后,立刻认出了来访者是谁。由此可见,造型性作为美术的审美特征,是至关重要的。

永固性

美术的另一大审美特征,是它的永固性。

美术必须采用物质材料与艺术语言,将事物发展变化的瞬间固定下来,可以供人们多次、永久性欣赏,甚至流传百年千年。这些美术品成为人类文化史上的瑰宝。例如西班牙、法国等西方国家旧石器时代的洞穴壁画,史前时代的雕塑品《奥林多夫的裸女》、《持兽角杯的妇女》等,距今匀有上万年的历史。我国内蒙阴山地区发现的岩画,距今也有上万年的历史。

当然,世间的万物都是一分为二、辩证统一的整体。美术的永固性审美特征,是与它的瞬间性密不可分的,也就是说,美术作品是选取人物或事物的瞬间形态而被固定下来的,这就要求美术家以静显动、以不变显万变,善于寻找恰当的表现方式,在动静的交叉点上,抓住客观事物发展变化的某种瞬间形象,然后再将其固定下来。例如古希腊阿格桑德罗斯、波利多罗斯、阿塔诺多罗斯联合创作的雕塑作品《拉奥孔》,取材于古希腊诗歌《荷马史诗》中的故事,叙事诗中的情节是:希腊人与特洛伊人作战,十年不分胜负,后来希腊人巧用木马计,攻入特洛伊城,该城祭司拉奥孔,事先曾向特洛伊人提出过警告,但他此举违背了神的意旨,所以宙斯便派巨蛇将拉奥孔父子三人活活绞死。雕塑《拉奥孔》选择的恰恰是拉奥孔父子三人濒临死亡痛苦挣扎的最后一瞬的形象,表现出人物激情的顶点,达到了“寓动于静”、“寓瞬间于永固”的至高境地。又如我国画家罗中立创作的《父亲》,也选取了勤奋、慈祥的父亲的瞬间形象,创造出震撼人心的永恒的艺术形象,由此可见,永固性作为美术的审美特征,既是重要的,又是辩证的。

再现性

美术的基本特征是再现空间(平面或立体)形象,因此再现性自然也是美术的重要审美特征之一。美术家都十分注重再现生活中的形象,并以写生、速写作为素材的积累,这无疑都是正确的。

许多成功的美术作品,也的确以再现性为基本审美特征。例如董希文的油画《开国大典》,就再现了开国大典时天安门城楼上庄严神圣的历史瞬间,成为史诗性作品。又如摄影作品中《二次大战时的邱吉尔》、《》等,更凸显出美术作品再现性的审美特征。

当然,这种再现性也是与表现性辩证统一的,即通过再现性体现表现性内涵―表现美术家主观的思想、情感、意愿。正如德国美学家黑格尔所说:“艺术作品比起任何未经心灵渗透的自然产品要高一层。例如一幅风景画是根据艺术家的情感和识见描绘出来的,因此,这样出自心灵的作品就是要高于本来的自然风景。”②例如我国国画中的梅、兰、竹、菊“四君子”,就分别寄托了画家的情感、情操、志向、志趣,达到了客观与主观,再现与表现的完美结合。

由此可见,再现性作为美术重要审美特征,也是辩证的。

参考文献:

第5篇：设计的审美特征范文

通过摄影机镜头形成的光学图像，最初产生的动因并非是平面设计的要求，然而随着科学技术的进步和社会的发展，它与平面设计的关系越来越紧密，并最终与图形融合，形成了一种重构的审美形式，对平面设计的进步起到了推波助澜的作用。摄影的诞生对平面设计也产生了一定程度的冲击，两者之间逐渐实现了越来越紧密的融合。这种融合似乎是一种必然的趋势，毋庸置疑，这种融合也是需要一个过程的。早期的摄影器材虽然简陋，却已然具备了较好的瞬间捕获场景和事物的功能，大量真实的社会生活图片及优秀的摄影作品与摄影术诞生之前的平面设计图形相比，更加真实、生动和准确。而这些特征也正是近代杂志、报纸、书籍插图设计所需要的。于是，摄影和平面设计在以上这些领域开始了必然的结合。这些结合多数是具有实用性目的的，即使其艺术性还不尽如人意。真正使摄影和平面设计在艺术层面上的结合，应该是20 世纪 20 年代在前苏联与德国享誉一时的“至上主义”和“构成主义”的设计师们。他们将现代绘画的造型和空间概念运用到平面设计之中，版面中综合运用照片叠印、拼贴等技法，结合几何图形的线条与强烈的对比色彩造成非常刚正有力的视觉冲击，因此作品就具有十分独特的艺术魅力（见图 1）。

20 世纪 50 年代，美国的平面设计进入发展，摄影技术在平面设计中越来越广泛地得以应用。五六十年代期间，美国涌现出新一代设计师，他们更注重个体观念的形象表达，注重平面设计的感性效果，并大量运用了摄影和插图结合的设计手法（见图 2），自此，摄影与平面设计的结合得以全面推广[1]。通过历史事实的梳理可以看出，摄影与图形的结合是一个自然而然、循序渐进的过程，是由两种艺术语言自身自觉的艺术诉求决定的，这种结合是一种历史的必然。在将来平面设计的发展进程中也必将继续得到广泛的应用与合理的发展。

二、 摄影与图形的审美特性比较

作为两种不同的艺术语言，摄影与图形各具审美特性。这两者的审美特性既有共通之处，也有一些差别。正因如此，才使得这两种艺术语言的重构成为可能。在研究这两者以何种形式重构之前，我们有必要首先认识一下它们的审美共性和审美差别。

1．摄影与图形的审美共性摄影与图形虽各具特点，但其审美特性却具有一定的共通性。这一点是两者重构的前提条件。摄影与图形的共通性主要体现在以下几个方面：

第一，摄影与图形都具有捕捉事物基本特征的审美特性。阿恩海姆在《艺术与视知觉》一书中讲到：“所谓‘观看’，就意味着捕捉眼前事物的某几个最突出的特征。”[2]而“形状，是被眼睛把握到的物体的基本特征之一”[2]56。摄影和图形都属于平面造型的艺术语言，它们都能够以自己独特的方式准确地把握物体的形状，也即事物的基本特征。

第二，摄影与图形都具有较强的审美表现能力。作为平面造型的艺术语言，摄影和图形都能够以自己的方式在二维空间中实现三维空间的再现或模仿。

第三，从审美功能上讲，摄影与图形都具有大众传播的特性。摄影和平面图形设计自诞生之日起，没有一天离开过书籍、杂志、报纸等大众传媒方式，即使是被用在纯艺术创作之中，这些艺术作品无论如何也都逃脱不了大众的审美与评判。因此，不论是摄影还是图形，二者都是集信息传达与艺术性于一体的，并且只有当信息传达的任务被充分完成的时候，它们自身的审美价值才能够真正地得到确立。

2．摄影与图形的审美差别

作为两种不同的艺术语言，摄影与图形还是具有比较明显的审美差别的。

首先，虽然两者都具有在二维空间再现或模仿三维空间的能力，但是，其模仿的程度显然是存在着差别的。图形的设计是构成空间的设计，它对于三维空间的模仿具有一定的抽象性或不准确性，而摄影则是三维空间的直接反映与再现，这种模仿的准确性比较高，是图形语言无法实现的。

其次，摄影与图形虽然都融汇着艺术家们的审美理想、审美创意及审美情感，但是这些审美观念在两种艺术语言中融汇的自由度是不相同的。图形语言的运用比较自由，因为图形的设计可以源于某个概念、某种认知抑或某个形象。设计师可以自由地发挥着自己的想象力，不受限制于约束。然而摄影的创作却没有那么自由，它一般要以三维空间作为创作依据，要靠摄影师独立的思考与操作将这个三维空间提炼或转换成二维空间，在瞬间把握事物的本质特征。因此，其创作的自由度明显低于图形的设计。

三、 摄影与图形重构后的审美构成形式

摄影与图形的审美特性各有千秋，因此，这两种艺术语言重构在一起时，如能做到取长补短，，那就必将带来卓越的审美效果。许多设计师在如何将两者重构这一问题上都进行了孜孜不倦地艺术探索，其所探索出的两者重建的审美构成形式也是多种多样的，如李西斯基大量地使用摄影蒙太奇手法，将摄影与图形重构在一起，造成视觉的冲击力；再如罗德琴科在为马雅可夫的诗集创作插图时 ( 见图 3)，运用摄影蒙太奇的手法将各种不同的照片素材统一在一个图形空间之中，使它们产生相互碰撞的可能性，从而制造出新的视觉及心理含义的画面空间等。

在各种重构方式中，意大利平面设计师和插画家阿尔贝托 塞韦索的创意颇具特色。他在作品中大量运用了计算机技术，通过图形设计将原本的数码摄影进行解构，并再组合，所以一些作品颇具立体主义的风范（见图 4）。

这种解构与重组打破了摄影的原有模式，造成摄影与图形间的一种视觉矛盾，成功地挑战了传统的视觉方式。形成解构的图形设计无论从线条上还是色彩上都极具现代感与装饰感，与解构之后的摄影恰如其分地重构之后，形成了兼具现代特色与装饰效果的艺术作品。阿尔贝托 塞韦索的作品多以暗色调为主，许多作品常常以配以大面积的黑色作为背景（见图 5）。这种暗色调与大面积的黑色背景恰恰使得画面不会因为图形设计的装饰感过强而显得繁乱喧闹，反而让背景与前景的解构和装饰效果形成了强烈的对比，带来更为震撼的视觉冲击。

在当代的平面设计中，致力于摄影与图形重构形式探索的设计师不乏其人，此处不再一一赘述。而需要明确的是，艺术是一条永无止境的道路，摄影与图形的重构也不会止于当今的各种重构形式。设计师们将会不断地探索，找出更多的重构构成形式，创作出更多优秀的设计作品。

四、 摄影与图形重构的审美意义及其价值

对于任何一件艺术作品来说，审美属性在其众多属性中无疑是最为重要的。一件艺术品如果不具有审美价值，那我们就不得不质疑其存在的合理性和可能性。对于平面设计这一艺术门类而言也是如此。如果一件设计作品、一种设计形式不具备任何审美意义和审美价值，那么对于它的任何讨论和探索都将是徒劳无功的。根据设计美学理论的说法，设计美可分为材料美、结构美、形式美和功能美等构成要素，而针对摄影和图形这种重构形式，我们将从结构美与形式美两个方面来分析它的审美意义及审美价值。

1. 摄影与图形重构的结构审美意义及其价值

“所谓‘结构’，是指物质系统内部各组成要素之间相互联系、相互作用的方式。”[3]美学家 M 李普曼曾经说过，“结构是一切意思和意义的基础”，“没有结构，任何东西都不存在，都不可设想”。由此可见，结构美是一切审美，包括整个设计美的基础，而摄影与图形的重构则丰富了结构美的构成方式，对设计作品的结构审美具有重要的意义。它们以两种不同的艺术语言形式相组合，扩充了设计作品的结构组成，使得设计作品的结构更具层次感，画面也更加丰富。例如阿尔贝托 塞韦索的设计作品，如果只具有单一的摄影或图形，其作品结构就显得单调而乏味，但当设计师用艺术的手段将两者重构之后，作品的结构立即呈现出惊艳的效果，其结构美瞬间就能打动人心。

2. 摄影与图形重构的形式审美意义及其价值

对于艺术作品来说，形式美是具有相对独立性的审美对象，它指的是构成事物的物质材料的自然属性，如色彩、形状、线条和声音等，及其组合规律，如整齐一律、对称与均衡等，而所呈现出来的审美特性。其平面设计作品中的形式美则指各种设计素材按照一定规律组合起来的色彩、线条和形体等形式因素本身所具有的那种被高度概括化、抽象化了的美。歌德曾经说过：“题材与表现它的方式必须与明显的艺术规律有联系，那就是和谐、清晰、匀称与对比等，这样的艺术作品看上去就会觉得美丽。”因此，形式美是审美创造和审美接受的重要环节。毫无疑问，摄影与图形的重构对设计作品的形式美具有重要的审美意义与审美价值。

首先，从形式上讲，这种重构形式符合形式美的审美规律。形式美的审美规律是抽象的，这些抽象的规律是图形这种艺术语言本身就已经具备了的，当它与摄影重构之后，这些形式美不仅没有被削弱，反而被加强、被突出了。例如在阿尔贝托 塞韦索的作品中，其图形本身便具有强烈的形式美感，是一种富有节奏性、具有不对称特征及强烈对比性的形式美。当它与摄影重构之后，这种节奏感、不对称感及强烈对比就被放在更为突出的位置，它的形式美感被强化了。两者的重构既在审美形式上显得矛盾对立，又在最高审美层面上达到了和谐统一。这种形式美感是单独的摄影或图形都无法实现的[4]。

其次，这种重构形式在形式美的意义上实现了两种艺术语言审美特性的互补。摄影的审美特征是具体、详细而缺乏概括性、抽象性的，而图形的审美特征是抽象、概括却缺乏准确性的。将两者的艺术语言重构在一起则实现了两种审美特征的互补，使得设计作品的形式美既具有抽象美、概括美的简洁，又不乏具象美的细腻，从而达到了形式美的又一新的高度。

第6篇：设计的审美特征范文

关键词：湘西苗族银饰图案审美特征装饰手法

湘西苗族重视穿戴打扮，特别对银饰情有独钟，无所不饰，银饰制品不仅造型美观，技艺精湛，而且种类繁多，华丽精美，定型银饰花样多达两三百种。所有饰件均为本族男工匠手工打制而成，在造型上注重于银饰质材的单纯表现，较少和其他物质材料组合，它不但是装饰品，更是植根于苗族社会生活中的文化载体，一个关乎民族行为、支系、文化传承的符号。湘西苗族银饰文化作为苗族服饰文化中不可缺少的部分，在漫长的历史发展中伴随苗民生存的地理环境、风俗习惯、以及制作技艺，经历了由简单到复杂，由朴素实用到趋向华美的过程，形成了独特的传承风格和审美特征。在全球民族设计风格和国家关于特色民间工艺的传承与保护的社会背景下，研究苗族银饰图案的应用与开发，对服装设计尤其是民族服装的发展有何启示与影响，具有非常积极的现实意义。

一、湘西苗族银饰的图案内涵、图案种类与审美特征

1、图案内涵湘西苗族银饰图案蕴藏着深刻的民族文化内涵，也体现了自成系统的符号世界。其定型纹样主要依靠口传心授得以流传，题材运用丰富多变，选材吉利，纹样创作夸张质朴，涉及物质文化精神活动、民族现实生活、人生理想等诸多审美形式，在图案构成、造型变化方面明显的反应了苗族历史、自然崇拜以及图腾崇拜、神灵崇拜现实追求等等，是苗族物质文化和精神文化的有形载体和无形表征，是与异族或本族支系相互区别的视觉形象依据和标志， 具有极高的艺术审美价值。

2、图案种类湘西苗族银饰常用图案可分为以下几类：（1）、自然物象题材：金银花、梅花、荷花、牡丹花、苗花、蝴蝶、螳螂、喜鹊、凤凰、鸳鸯、龙凤、虎头、盘瓠、牛马等；（2）、生活用具题材：刀枪剑戟、耳勺、秤钩、牙签、扣链、铃铛、银针等；（3）、民间故事题材：二龙戏珠、龙凤呈祥、骑马飞渡等；（4）、象形文字题材：福禄寿喜、长命富贵、万字花、王字花等。

3、审美特征湘西苗族银饰常用图案类型，反映了苗族长期赖以生存的自然环境，又融合了其他民族图案造型元素，凝聚着苗族人民的智慧，体现了苗族人民的审美心理和审美趣向。这种审美特征是文化上的，也是视觉意义上的，例如自然物象题材，反映在银饰中具有古朴稚拙浪漫的审美特征；生活用具题材具有装饰实用的审美特征；民间故事题材具有追求吉祥幸福的审美特征；象形文字题材具有表达美好生活向往的审美特征等。正是构思上的智慧才情，工艺上的精益求精，才使得苗族银饰日臻完美，既散发出浓郁的乡土气息，又体现出深厚的民族底蕴，同时也将民族气势展现无余。另外，银饰的图案审美与湘西少数民族面料图案相比也略有差异，虽然在图案的装饰手法上，两者都擅于运用美妙的构图、稚拙的造型及充满幻想的表现手法，带有一定的浪漫抒彩和写意性，但银饰在细节或局部的刻画方面更注重推陈出新，善于从湘西少数民族刺绣及蜡染纹样中汲取创作灵感，具有立体单纯的装饰效果，而湘西少数民族面料体现的却是一种平面装饰效果。（参见图一图二）

图一苗族银牌

图二苗族银璎珞

二、湘西苗族银饰艺术变化手法在服装设计中的运用

服饰是表现民族文明的载体，湘西苗族银饰不仅向我们展示了一个艺术的物质世界，更为我们设计民族风格的时装提供了一个途径。随着民族化设计风格越来越受到世人的追捧，银饰作为一种流行元素，其审美价值也得到进一步的体现。一方面，苗族银饰图案可以提升现代服装的美感，另一方面，苗族银饰元素在服饰设计中的运用，是传统民族文化在现代设计中得以传承的最可行方式。

1、湘西苗族图案的审美特征在服装设计中的运用

我们在运用银饰图案进行现代服装设计时，为了更好的传承苗家银饰文化，可以将银饰的创新表现作为一个重点设计内容，利用时空转换的现代设计理念、现代装饰手法将传统银饰进行二次创造，分解重组，也可运用夸张变形的手法将纹样姿态设计成符合图案装饰特点和大众审美趋向的式样，进一步丰富图案造型语言和艺术想象力，赋予银饰以新的生命力，使银饰在服装流行前沿成为时尚的装饰品。

比如图二所示Jean Paul Gaultier时装秀上的一款略带中式风格的外套，就运用了银饰图案的二次创造、化繁为简的手法，在完善时装造型的基础上，大胆运用中国红色印花丝绸，结合苗族银饰，将银饰作为面料设计的一部分，其银饰图案重点点缀在服装前胸、袖口等部位，取植物花卉纹样结合钉珠手法，突出表现银饰的耀眼美感及与红色相互辉映带给人们的奢华享受。为了充分发挥银饰的层叠美感，该款时装还在颈部佩戴银项圈、银挂件，袖口手腕部佩戴银手链、银指环，整套服装色彩鲜明，配饰相得益彰，充分吸收了苗族银饰文化的内涵，体现了古典与现代，达到中西文化交融的审美承接和雅俗共赏的创新效果。（参见图三）

图三银饰在现代服装中的运用1

还有2011年湘西少数民族歌唱家宋祖英的春晚着装也是以银饰图案为主线进行装饰，除别具一格的头饰外，其银上装的设计也是一大亮点。头饰运用大小不一的银花，全花或半花花瓣组合为银花冠，上装运用银花浮雕镂空纹样、银锁、银花腰带等进行组合，结合服装结构造型，运用流行元素夸张的肩部设计，飞袖、立领、流苏坠饰，大方而时尚，此作品款式在吸收传统文化中外轮廓的同时，大胆采用现代服装结构，突出表现内在结构的立体造型，华美繁复的装饰手法，使服装既有文化内涵和视觉冲击力，又突出了设计元素的新奇性与自由性，较好的体现了传统再现与现代表现的审美价值，使银饰的图案美感得到淋漓尽致的完美展示。（参见图四）

图四 银饰在现代服装中的运用2

2、湘西苗族图案的运用不仅仅是外观的，同样存在文化的 湘西苗族银饰代表了民间金属工艺制作的最高水平，别致的造型，耐人寻味的精致工艺，激发了服装设计师的想象空间，刺激了服装设计师的创作激情，在现代装饰造型方面取得了一定的突破。与传统银饰艺术相比，现代的银饰品有了更多的表达方式。比如在制作工艺和材料处理等方面有了新的突破，采用尖端科学技术处理的银饰使传统银饰艺术得到了升华，潮流的设计理念赋予了银饰更多的生命力，银饰艺术有了更丰富多彩的表达主题。

比如Christian Lacroix时装秀上的内衣设计，虽然不是苗族银饰的典型特征，但采用了银饰图案重构组合的手法将银花和花蕊放置在一起，在领口、腰部、下摆等部位，运用呼应、节奏等形式美法则，组合成富有波西米亚风格的时装。在现代服装设计领域，服装本身并未采用银饰直接装饰而达到类似装饰效果的服装还有很多，这也不失为是银饰的一种图案运用的方式。（参见图五）

图五 银饰在现代服装中的运用3

湘西苗族银饰这种极具装饰性和民族感彩的个性特征，有力的张扬了苗族人民乐观浪漫，开放进取的精神特质，并成为一种不同于其它民族银饰的视觉符号系统。它以形象化的图形，纯净的色彩，不仅对现代服装起着装饰美化作用，更反映出聪慧的苗族人超凡的艺术概括力，高超的工艺水平和对服饰艺术大胆的追求。古老的苗族银饰艺术至今还保持着旺盛的艺术生命力，启迪着设计师的灵感，民族的即世界的，现代银饰设计体现着民族风格的独特魅力。（参见图六）

图六银饰的运用

三、结语

湘西苗族银饰以其多样的品种、奇美的造型和精巧的工艺，不仅向人们呈现了一个瑰丽多彩的艺术世界，更体现出具有丰富内涵的精神世界和独一无二的文化品位，达到艺术和技术的结合。在现代服装设计尤其是民族服装的发展方面带给我们诸多启示与影响，首先，湘西苗族银饰强调整体造型搭配，这与现代服装讲究整体着装效果的理念不谋而合，其次，我们在设计民族风格的时装时可将苗族银饰的图案作为主线进行装饰，再次，市场还流行在运用银饰图案的同时将苗族刺绣结合装饰，突出各自的美感，使艳的更艳，亮的更亮，更将银饰的装饰境界推向极致。

参考文献：

[1]李延贵：苗族历史与文化 [M]北京，中央民族大学出版社1996

[2]伍新福：苗族文化史 [M]成都，四川民族出版社2000

[3]龙湘平：湘西民族工艺文化 [M]沈阳，辽宁美术出版社2006

[4]宛志平：苗族银饰 [M]贵阳，贵州民族出版社2004

第7篇：设计的审美特征范文

关键词：书法艺术字体设计教学

在现代艺术设计专业教学中，字体设计是一门非常重要的专业基础课，对这门课程掌握的程度，会直接影响到将来专业课程的学习。遗憾的是，在当今大多数设计院系的字体设计教学中，由于各种原因，教学过程中部分教师仅要求学生掌握各种美术字的基本结构和在此基础上的各种装饰性字体设计，缺少对汉字结构和风格特征更深层次的探索。笔者认为，书法艺术所蕴含的审美特征，是字体设计课程中非常重要的一部分，了解和研究书法的发展、演变过程及其蕴含的时代特征，让学生感知到我国不同时代书法艺术所具备的审美特征，才能对现代字体设计（特别是汉字字体设计）的审美特征有所把握，才能设计出符合我们这个时代审美取向的字体。

一、书法艺术与字体设计之间的关系

文字是人类彼此交流的视觉语言，是记录语言的书面符号，中国的文字历经了数千年的发展，书法艺术也历经了数千年的发展，字体设计也历经了数千年的发展。从概念上看，书法艺术是以线条的组合和变化来表现文字之美的艺术形式，它主要通过用笔用墨、结构章法、线条组合等方式，进行造型和表现主体的审美情操。字体设计则是通过对字体结构和文字意义的理解，进行解构和再设计，使学生掌握文字的书写规律及韵律美感，目的在于培养和训练学生的设计和书写能力，并将这种能力运用到今后的专业设计中。直观地理解，二者并没有太大的区别，只不过书法艺术更加注重书者的主观感受，字体设计则是注重外在形式美的同时，强调其实用功能。

在中国文字发展的过程中，不同的历史时期所形成的各种字体，都有着各自鲜明的艺术特征，而各种内在美的艺术形式，都能为现代设计所用。当我们用一种“敬鬼神，畏天命”的态度开始书写甲骨文时，书法之美便已不知不觉地融入到我们的血脉之中，刀刻所产生的挺劲朴拙的图形化文字，殷商巫术礼仪文化的时代风貌充分地得以展现。当文字发展到金文时期时，人们已开始有意识地将文字作为艺术品，强化对形式美的追求，从不自觉的行为，逐渐变成自觉的行为。秦灭六国后，以李斯为代表的一些人，为了提高工作效率，在以秦文字为标准的基础上，整理出书写更加简单的小篆，成为官方文书通用的字体。小篆线条挺劲圆润，且富有立体感，结构整齐对称，将庄严凝重与舒展自如统一于崇高肃穆的气度之中。以上三种字体古朴典雅，都有很强的装饰和图形化色彩，但在识别性上都很弱，在现代设计中，很难作为信息传递的工具使用。但很强的图形化特征，却可以作为其他文字的有益补充，去表现那类历史沉厚的设计课题。

隶书产生于秦代，大量使用于汉代，因为小篆结构的繁琐，笔画减少、化圆为方、书写速度加快的隶书便应运而生。隶书古朴厚重且便于识别，在现代设计中非常适宜于传统题材的表现。楷书始于西汉，魏晋盛行，盛于唐代；行书兴于东汉，是最为实用的字体；草书得名于草稿，从章草开始，唐展到一个高峰时期，至此不再有新书体出现。楷书、行书的定性化字形呈长方形，为现代美术字（印刷字）之基础，且风格多样、个性各异，在现代设计中被广泛使用。草书线条优美、灵动顺畅，有很强的韵律感，虽然识别性不强，但在现代设计中仍可以作为图形化语言使用。

综上所述，传统书法艺术和现代字体设计有很强的血缘关系，可以说过去的时代，当某种书体为官方所认可时，便成为该时代时尚的、实用的字体，书法家也自然就成了该时代的字体设计师了。

二、如何将书法艺术融入到现代字体设计教学中

在字体设计教学中，如何将书法艺术所蕴含的美感融入其中，是一个很值得研究的课题，笔者在课堂教学中也作了一些探索性的尝试。

1.理论讲解。在理论教学中，教师首先需要让学生了解文字即中国书法的发展史，认识书法艺术中所蕴含的审美取向。随着学生认知及思维的拓宽，教师便可以利用一定的方法来强化这种概念。如：教师可以在介绍中国书法艺术的审美取向及发展规律的同时，对有代表性的书法作品进行一些字体特征的分析，引导学生去认识时代审美风尚和实用要求的制约对书体形式的催生作用，从而能够启发和明晰对字体设计原质及方法的认知。

2.原型解析。教师尽量鼓励学生利用课余时间，对有设计风格特点的书法（特别是传统书法）作品进行临摹练习，目的在于通过具体感性地对字体结构及点画特征进行摹习，激发灵感，去发现、探索具有个性特征的、新的字体形式。由于其目的不是去写好、掌握某一名帖，因此对于字帖的选择，临习的方法与时间的安排，都应当与传统的临摹有所区别。如：字帖不一定强求名帖，只要是风格特征明显，具有个性，甚至是字体发展过程中的不成熟形态。由于其自身具有形式的倾向性和可生发性，反而可以成为我们观察、研究的资源；另外，一些非主流的书家，其独特的字体形态相对于传统审美，或许伤于乖张，但倒不失为字体设计中具有启发性的素材；再者，周期要短，原因在于我们不追求技巧上的熟练，而重点在于对其形态特征的解析；临习的手段与方法上，形似并非首要的追求，可更多地强调感受，强化对形态特征的夸张，主动把握内在组合及符号化局部点画的规律。而且，更进一步的是对于审美特征的把握、梳理，当然，从审美特征角度的运化、升华，需要更深层的文化审美的底蕴，但这正是从传统艺术角度进行探索的原动力与目的所在，自然是我们努力的方向。

3.案例分析。教师需要收集一些以书法艺术为基础的字体设计典型案例，做专题讲解，具体可从三个方面切入：第一，直接借鉴传统书法形态而进行的单纯的字体设计案例；第二，以书法的形态特色、审美风格为基础而展开的设计应用，如：以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等，经典的例子包括：2008北京奥运会的一系列视觉设计，靳埭强的设计作品等；第三，可以尝试从日本的字体设计中汲取营养。日本也是一个东方国家，日本文字又是从汉字中分离而来，其文字设计就是在鲜明的现代风格基础上，融入了个性独具的东方文化元素，在审美取向上，是东西方结合的很好范例，我们可以从中得到很好的启示。在专题分析的基础上，再可以安排学生各选择几组自己感兴趣的字或词，结合书法艺术和现代元素进行多种形式的尝试设计。

4.综合实践。有了以上的基础后，教师便可以结合某些主题进行一些有针对性的课堂练习。如：教师可以寻找一些适合用传统元素去表现的实践性课题，结合主题，让学生去完成字体设计部分。

经过以上四个阶段的学习，学生对书法艺术在字体设计中的实用性、艺术性及时代性上，都会产生一定的认知，丰富字体设计的内涵，在今后的专业课程的学习中也自然会做到融会贯通。

结语

通过历代书体的风格剖析，不难看出不同时代的社会状况和审美取向对字体风格的影响，这也和当代文字设计的要求相吻合，所以对书法艺术风格的研究，也是研究字体设计风格规律的必要手段。一方面汲取传统书法中民族审美的营养，一方面体会时代风格的变迁，必然能够设计出反映我们这个时代审美取向的优秀字体设计作品。因此，在字体设计的教学过程中，带领学生去了解我国文字发展的历史，了解传统书法的审美特色与风格演变，对于学生今后的专业课程学习具有非常重要的意义。

参考文献：

[1]萧元.中国书法五千年[M].东方出版社，2006.

[2]靳埭强.视觉传达设计实践[M].上海文艺出版社，2005.

第8篇：设计的审美特征范文

艺术种类

1音乐

音乐是乐音和噪音组成的有规律的音响运动．构成音乐的基本要素是节奏、旋律、和声、织体、复调、曲式、调式、调性、节拍、速度、力度、音区、音色，等等．其审美特征主要有形象性、抒情性、节奏性、韵律性等．

2舞蹈

舞蹈是以经过艺术加工的人体动作为媒介，通过肢体表演，表达一定思想情感、反映社会生活情态的艺术形式．舞蹈具有抒情性、表现性、节奏感、韵律感、流动性的审美特征．舞蹈的发展呈现出明显的多元融合的大趋势．例如艺术体操、冰舞、“水上芭蕾”(花样游泳)等，就是舞蹈与体育的双向交流、完美结合的结果．

3曲艺

曲艺是我国各种说唱艺术的总称．曲艺以叙事讲故事为主要内容，一人扮演多个角色是其重要的审美特征．曲艺在与时俱进的发展过程中，不断创新，呈现出贴近时代、贴近观众的发展趋势，并且广为吸纳，化为己用．例如“刘老根大舞台”表演的许多新二人转，就集传统唱腔、通俗歌曲、器乐演奏、绝活表演等为一体，形成兼收并蓄的大格局．

4杂技

杂技是指在特定的表演环境中，借助道具表演的人体技艺．杂技根据表演条件和环境的不同，分为舞台杂技、高空杂技、水上杂技、冰上杂技等，其中大部分是舞台杂技．另外还有马术与驯兽表演，有时称为“马戏”．而在欧洲，则将杂技、马术、驯兽表演统称为“马戏”．杂技的审美特征主要是高难性、惊险性、表演性，以超常性显示其美学品格的非凡性．杂技的代表作品有《空中体操》《抖空竹》《杂耍》等．

5魔术

魔术与杂技密切相关，魔术是借助道具、通过观众的错觉表演的一种艺术形式．魔术按历史源流，分为中国戏法、印度魔术、东洋把戏、西洋魔术等;按技巧构成，分为手彩、器械、遥控、光电、裁割、遁术、心理、滑稽等类型．魔术的审美特征主要是智慧性与科技性，以超常智慧与高科技手段显示其美学品格的知识含量．魔术的发展呈现出高科技化与大型化两大趋势．例如美国大卫•科波菲尔的《自由女神》《大变火车》等大型魔术，就开辟了魔术的新天地．魔术的代表作品主要有《仙人摘豆》《大变活人》《仙人脱身》《金蝉脱壳》等．

舞台艺术的审美特征

1表演性

表演性是舞台艺术重要的审美特征．由于表演者对作品的不同理解、不同演绎，便形成了不同的艺术风格．仅以音乐为例:同样演唱歌剧《江姐》中的主要唱段《红梅赞》，我国著名歌唱家杨维忠、殷秀梅、就各有自己的风格特色:杨维忠的演唱清脆流畅;殷秀梅的演唱则气势磅礴、激越高亢;的演唱圆润深情，等等．

2形象性

形象性是舞台艺术重要的审美特征之一，所谓“舞台形象”主要指舞台人物形象，即通过演员表演塑造人物性格、表现人物情感．其中情感含量相当重要，即“动情点”“煽情点”，通过演员动情的表演，烘托出感人的气氛，将观众引入到特定的情境中，达到“以情动情”的艺术效果．例如歌剧《江姐》中的江姐、《白毛女》中的喜儿都是成功的舞台形象．

3互动性

互动性是舞台艺术重要的审美特征之一．演员与观众互动的好坏，是舞台艺术成功与否的关键．同时，舞台艺术要以广大观众的审美需求为出发点与归宿，俗话说:“金杯银杯，不如百姓口碑;这奖那奖，怎及群众夸奖?”舞台艺术要力戒只为少数领导、专家服务的弊病．

舞台艺术的发展趋势

1创新性

一切艺术都要与时俱进，不断创新，充分反映时代风貌与时代精神，才能不断繁荣，不断发展，长盛不衰．舞台艺术正是以创新性作为未来发展趋势之一的，这种发展趋势早已显露端倪．例如，相声剧、杂技剧等新兴的交叉性舞台艺术新品种，就成为这种创新的重要标志．

创新性还包括剧本的创新，例如，评剧《半江清澈半江红》，就运用了散文式与板块式的结构手法，一反戏曲“线性”结构方式．唱词也摆脱了戏曲传统的五言句式、七言句式、十言句式的旧框，运用了新诗的自由体写法．在音乐创作上，戏曲创新的步子也很大．例如，京剧《奇袭白虎团》采用了歌曲《志愿军进行曲》的部分音乐素材;京剧《蝶恋花》融入了湖南民歌《浏阳河》的旋律;汉剧《弹吉它的姑娘》创造了唱腔新板式“西皮圆舞板”．在表演上，也进行了同步创新，同样取得显著成就．例如京剧《黛诺》中的唱腔“山风吹来”，成功地运用了美声唱法中的抒情花腔女高音的演唱技巧;根据同名话剧改编的京剧《骆驼祥子》中男主人公祥子的“洋车舞”，就是新创造的新程式．

2民族性

民族的就是世界的．民族性是舞台艺术重要的审美特征，是指艺术家创造性地运用本民族的艺术手法进行艺术创造，反映现实生活．以民族性作为支撑的经典的舞台艺术精品，比比皆是．以音乐作品为例:“钢琴之父”肖邦，在祖国波兰灭亡后流亡法国，他创作的钢琴曲《玛祖卡》，表现了对故国的怀念之情，使民族风格与民族情感合二而一;俄国作曲家柴科夫斯基创作的器乐曲集《俄罗斯民歌五十首》，充分表现出俄罗斯的民族风情和民族韵味．同样，我国萧友梅创作的钢琴曲《新霓裳羽衣舞》，贺绿汀创作的钢琴曲《牧童短笛》《摇篮曲》，何占豪、陈钢创作的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，都做到了中西合璧、古今一体，成为“洋为中用、古为今用”的典范．而民族歌剧《白毛女》《刘胡兰》《小二黑结婚》《江姐》《伤逝》《原野》《苍原》，民族音乐剧《快乐的推销员》《鹰》等，就更彰显了中华民族的民族精神、民族气派、民族风格和民族文化．

3交融性

各种艺术整合重组、交叉交融，使舞台艺术在外在形式上形成了许多新的艺术品种，成为舞台艺术创新的一种重要艺术手段．以音乐为例:冯小泉、曾格格、郭蓉、“女子十二乐坊”等融演唱、演奏、舞蹈为一体的新音乐形式;杂技节目《对拉弹唱》，通过“对头顶”的传统杂技技艺，让“底座”拉京胡，“尖儿”倒弹月琴并演唱京剧，融杂技、声乐、器乐为一炉，显示出舞台艺术交融性的发展趋势．

4多元性

多元性是21世纪的时代舞台特点，全球政治的多极性、经贸的多边性，导致舞台艺术内容要素的多元性．例如我国戏曲大量吸收话剧、美声声乐、现代舞、动漫艺术、电脑设计等高科技与科技的优长，形成了多元化的大格局．戏剧小品在戏剧要素的基础上，广泛吸收音乐(特别是通俗歌曲)、舞蹈(尤其是现代舞)、相声(“包袱”的技法)、二人转(“说口”)等各种艺术要素，使自身更加丰富多彩．又如话剧艺术，在以往文学、导演、表演、舞美多元综合的基础上，广泛吸收了曲艺、现代新潮艺术等，其艺术要素的多元性成为舞台艺术的发展趋势．

第9篇：设计的审美特征范文

（一）三维动画艺术的形式美

三维动画艺术的构成元素多种多样，绘画艺术中的素描、水彩和雕塑艺术等都可以被用来构建三维动画，这也造就了三维动画艺术表现形式上的多样化。中国动画《大闹天宫》就是运用中国传统水墨画的艺术风格，在传达故事的同时也给予观众水墨画的感官享受。另外一部中国动画《小蝌蚪找妈妈》更是将水墨画风格运用的恰到好处，在表现动画电影故事乐趣的同时还能欣赏中国传统文化的魅力，体现了艺术表现上的形式美。在国外，众多动画电影也运用雕塑等多种艺术表现形式。②在动画电影《小鸡出逃》中动画形象都是由泥偶橡皮形象地表现出来，泥偶橡皮形象引发观众的童年记忆，充满了童心童趣。短片动画《星期一闭馆》，通过动画技术使人物动作夸张化来表现醉汉的心理，这种表现形式引发观众的共鸣并得到好评。后来随着计算机软硬件技术的发展，动画电影不再是单一的动画展示，也开始与真人表演相结合，这种全新的表现形式给予观众新鲜的观影感受并受到热烈欢迎，代表作品有《谁陷害了兔子罗杰》、《疾走罗拉》、《天生杀人狂》等。正是计算机软硬件技术的迅猛发展让三维动画艺术的表现形式更加多样，以前只能通过观众想象的清洁画面，现在也能通过三维动画艺术形象展现出来，这使得观众在欣赏令人震撼的影视画面的同时审美也发生着改变。三维动画艺术多种表现形式都存在着自身独特的美感，这给设计师不同的选择适当地表现场景和画面，也使三维动画艺术更加受到观众的喜爱和欢迎。

（二）三维动画艺术的虚拟美

三维动画艺术作为一种基于计算机软硬件技术发展起来的一种艺术形式，其存在着与众不同的虚拟美。有了三维动画，人们可以将幻想变为现实，将以前不可能实现的场景变为银幕上令人震撼的画面，在虚拟的世界中重塑现实，在现实的存在中展示虚拟，虚拟和现实的交汇也给观众带来了一种全新的艺术审美样式。恐龙在很久很久之前就已经灭绝，我们无法在现实中观察到恐龙的生活习性和状态，但在著名导演斯皮尔伯格的电影《侏罗纪公园》里恐龙的形象栩栩如生、十分逼真，这给观众带来了一种新的观影感受，也使观众实现了观察已经灭绝生物的梦想。数字动画技术的发展和成熟使得虚拟和现实的距离越来越近，存在于想象的生物和画面也可以通过三维动画艺术展现出来，观众在欣赏时有着真实之感。③后来美国拍摄了众多科幻题材以及末日题材的电影，如《Alien》、《七天》、《E.T》等，这满足了人们对于不同未知事物的渴望，也带来人们全新的观影感受。近期上映的科幻大作《地心引力》更是突破了人类的想象力，全片只有一个人物角色，通过三维动画艺术表现人物在外太空的生存状态,真实展现了人物的动作表情和状态，既有传统电影的美感和细腻情节，又有让人叹为观止的动画效果，展现了人类无与伦比的想象力和对于虚拟现实的渴望。

（三）三维动画艺术的造型美

三维动画艺术对于人物形象与影视场景的刻画是逼真和精确的，加上艺术化的创作，打造了或夸张或真实、或可笑或荒诞的视觉效果，这给人们的视觉带来了极大的感官享受。早期的动画电影如《白雪公主》就运用符合儿童心理的弧线造型，让小朋友在观影的同时得到亲切温暖的感觉。动画电影之所以能够收到各个年龄段观众的喜爱，也正是动画电影展现出一种令人感受到亲切和安全感的画面。对于真实的再现已经不再是三维动画艺术表现的唯一追求，反而在设计时对造型的夸张式设计更能带给人们虚拟与现实的落差感，这对于观众是前所未有的观影感受。电影《疾走罗拉》中罗拉的主要动作就是奔跑，其奔跑之夸张、嘶吼之神经与正常人有所差别，但正是这种带有三维动画艺术的设计恰当地表现出罗拉这个人物形象的生命力，只有通过行动才能将人的生命力展现出来，这给观众带来的视觉冲击是巨大的。三维动画艺术中对于人物造型的精确刻画极具美感，新的视觉感受也给观众新的体验，这也正是三维动画艺术的造型美。

（四）三维动画艺术的技术性审美

技术性审美成为三维动画艺术的重要特征，这正是由三维动画艺术的特点决定的。随着计算机软硬件的发展，三维动画艺术能给人们带来越来越多的场景效果，创造出人们无法想象出来的“视觉盛宴”。长时间的发展使得动画艺术的表现形式得以扩展，新的制作手段更是层出不穷，三维动画艺术给予创作者更多的启发和尝试，也带来了许多无法想象的场景画面。现在的影视制作已经不再需要人工上色，也不需要一次又一次的胶片拍摄，既节省了拍摄人员的体力劳动，又减少了经费投入。从传统二维动画制作手段到先进的CG技术，三维动画艺术正处在飞速发展的阶段，丰富的表现形式和精美的场景效果使得三维动画艺术得到了观众的一致好评，这也使得众多导演和制片商对三维动画艺术倍加青睐。计算机技术在三维动画艺术中的应用效果可以说是瞩目的，众多获得巨大成功的电影如《怪物史莱克》、《玩具总动员》、《卑鄙的我》等刻画了生动真实的形象，具有强悍性能的计算机也给三维动画艺术的应用提供了技术上的支持。正是技术带来的巨大变化让三维动画艺术插上了飞行的翅膀可以翱翔在幻想的天空中。技术性审美成为三维动画艺术的审美特征，也使三维动画艺术的突出特点。

参考文献：

①陆美玲《三维动画的艺术特点与审美特征》，《大舞台》，2012年第7期。

②宋成《动画电影审美趣味与审美体验》，东北师范大学硕士论文，2009年版。