工艺美术运动的特征精选(九篇)
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第1篇：工艺美术运动的特征范文
英国工艺美术运动的领导者莫里斯倡导用中世纪哥特式风格和自然主义风格来解决维多利亚风格的繁复和大工业生产下产品丑陋的问题，而作为设计实践，不管是他的“红屋”住宅的设计还是家具、地毯、书籍、纺织品的纹样设计都体现了他的设计风格和对自然主义的推崇。工艺美术运动的主要思想恰与东方艺术中“天人合一”的思想不谋而合，自然主义使得东方装饰和东方艺术元素得到借鉴和运用（图1、图2）。“大量的装饰都有东方式的、特别是日本式的平面装饰特征，采用大量卷草、花卉、鸟类等等为装饰动机”[1]，设计作品所呈现出的清新、自然和朴实无华受到了大众的欢迎。除此之外，他还受到了日本木版印刷的影响，采用线条和色彩使装饰图案平面化和风格化，具有浓郁的浪漫色彩。无独有偶，在工艺美术运动影响下形成的各设计行会和很多设计师都从东方艺术中吸取养料，如设计师爱德华•威廉•戈德温，他在各种印刷品上看到了日本风格的家具，并对日本式的风格产生了兴趣，于是将其与英国的文化结合，仿制了许多具有日本家具的直线风格的英国家具。英国工艺美术运动不仅仅在英国本国展开，并且对其他国家也产生了影响。在美国的“工艺美术”运动中，设计师也在设计中采用了东方艺术元素，这些元素不仅仅是平面的具有自然主义风格的纹饰图案，而且具有更细致、更深刻的内容（图3）。美国设计师格林兄弟从结构上采用了日本民间传统建筑的结构特点和模数体系，设计了根堡住宅，从中国明代家具风格中寻找设计灵感，设计出大量具有东方特质的家具。与格林兄弟相同的还有美国著名设计师赖特和古斯塔夫•斯提格利，他们将东方艺术的典雅、朴实、自然和简洁大方运用到建筑、家具和平面设计中，得到世人的认可。在东方艺术中，陶瓷拥有着悠久的历史和重要的地位，“东方各国，特别是陶瓷的故乡中国和陶瓷发展非常突出的日本，对于英国的陶瓷带来了非常大的影响。从当时英国的陶瓷设计上看，可以看出东方陶瓷设计的明显影响，特别是图案、釉色的运用、器型上，东方的影响特别明显” 。[2]
二、 新艺术运动时期的东方艺术元素
在工艺美术运动之后蓬勃兴起的新艺术运动，不受中世纪哥特式风格的局限，热衷于传统装饰风格，更加崇尚自然，热衷于自然曲线的运用。在这样的宗旨下，新艺术运动并未形成统一的设计风格，而其影响力却波及到十几个国家。东方艺术形式特别是日本和中国的工艺美术在新艺术运动中更加明显，“对日本等东方艺术的借鉴、对矫揉造作风格的反对，对于手工业的爱好，对于大工业化的强烈反感，都成为新艺术的基本特征” [3]。法国是新艺术运动的发源地，定居法国巴黎的德国人萨穆尔•宾成立了“新艺术之家”，他个人对日本美术和日本传统手工艺非常入迷，不但专程去日本考察，收购日本工艺美术品，还出版了杂志《日本艺术》专门用于宣传日本艺术和工艺美术。萨穆尔•宾作为一名出版商、贸易商，为东方艺术走入欧洲，影响欧洲的现代设计做好了基垫。这样的情况不仅仅发生在法国，在比利时的新艺术运动中，设计师博维不但设计家具还经营日本进口的陶瓷和工艺品商店“日本之家”，而英国人阿瑟•里柏提在伦敦开设了日本工艺品店，这都为艺术在欧洲的传播起到了重要作用。日本的版画可以说对新艺术运动有着非常大的影响，设计师们从日本版画中学会了平涂的手法，学会了运用留白的设计形式和提炼抽象的纹样。在新艺术运动中，陶瓷作为东方艺术的瑰宝仍影响着新艺术运动，不管是装饰风格还是加工工艺都成为他们学习的内容。日本陶瓷的粗犷和中国陶瓷手工绘制的精细、色彩明快都丰富了设计师的设计实践（图4）。再次，东方艺术在建筑方面也得到体现，比利时的设计师霍塔将东方艺术中植物纹卷曲回旋的形式自由并流畅地运用到室内设计和建筑设计中，既浪漫又具生命力，装饰性强。
更值得一提的是，曾为英国工艺美术运动成员的设计师麦金托什，新艺术运动时期成立了“格拉斯哥四人派”。他对日本浮世绘的绘画方式非常感兴趣，特别是那些简单的直线，经过对这些简单直线的理解和运用，他排列和设计出不同的装饰效果，这使得他对直线有了了解，接受了新艺术运动中所没有的直线表达方式，不但追求横竖直线的构图，还以黑白为主，设计风格不同寻常（图5）。在产品设计上也体现了他的设计风格，采用直线和简单的几何造型，在细节处稍加自然纹饰，这影响了很多后来的设计师，形式上与在德国开展的名为青年派的新艺术运动有着联系，为现代主义的规整几何形式的出现打下了铺垫。
三、 装饰运动时期的东方艺术元素
装饰艺术运动是在新艺术运动之后在法国等国家开展的设计运动，它与欧洲的现代主义运动并行发展。在这场运动中，东方艺术仍然散发着浓郁的香气，各国的运动中当然少不了对陶瓷设计、家具设计以及装饰图案等东方艺术的借鉴和学习（图6、图7）。比如，法国的陶瓷在釉彩方面就深受中国陶瓷的影响。装饰艺术运动时期，中国的漆器工艺也被运用到室内设计和家具设计中，借此传达出华丽、尊贵的效果，“装饰艺术运动对于东方装饰的迷恋，自然导致了对于东方装饰重要手段之一的漆器的模仿和发展”[4]。除此之外，东方艺术元素还被运用在首饰设计、灯具设计等其他方面，“东方人实际上在教西方人如何设计，直接把他们的知识传播给西方世界。”[5]在传统美术和工艺上有着优势地位的东方艺术，在现代设计初期被西方各国家很好地借鉴、运用和融合到设计运动和思潮中，促进了各国现代设计面貌的形成和腾飞。
结语
在现代设计思潮跌宕起伏中，各国总是在当时具备的社会背景下学习和借鉴先进文化及其艺术形式。古代的东方艺术以其美的形式、优良的功能性、良好的质地影响了很多国家的器物设计和平面设计。其实，现代设计中还有很多深受东方艺术影响，运用和融汇东方艺术元素的实例，如后起之秀北欧的现代家具设计等。这说明了深厚的文化底蕴能为现代设计提供养料。而在目前的环境下，西方的工业化及设计理论和实践有着明显的优势，我们一方面要像他们当时运用和吸收东方艺术一样吸取现代设计的成功经验，融合到中国现代设计的发展中，实现“洋为中用”，另一方面，要挖掘自身文化中的精华和特质融入现代设计中，实现“古为今用”，融会贯通下的中国现代设计才能迎头赶上、独树一帜。
注释：
[1]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第56 页。
[2]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第60页。
[3]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第65页。
[4]王受之：《世界现代设计史》，中国青年出版社2002年版，第94页。
第2篇：工艺美术运动的特征范文
关键词：拉斐尔前派；美学思想；英国工艺美术运动
一、拉斐尔前派及其美学思想
1849年3月24日，“P.R.B”三个大写字母第一次来到大众面前。但丁·罗塞蒂将它签在自己的作品《圣母玛利亚的少女时代》这幅画的左下角。在随后的一个半世纪，这个签名将持续响彻英国。拉斐尔前派的创始人包括但丁·罗塞蒂、约翰·米莱斯和威廉·亨特，他们都就学于英国皇家艺术学院，但是他们不满于学院派绘画的死板和空虚，而是对拉斐尔以前的中世纪艺术充满兴趣，认为中世纪的绘画艺术情感真挚、形象朴实生动，因此三人推崇拉斐尔以前的艺术精神，并希望用这种风格拯救当时英国的绘画。在拉斐尔前派成立之前，著名的思想家约翰·拉斯金在《现代画家》中对艺术家提出了师法自然的要求。拉斯金对透纳作品价值的重新解读改变了大家对透纳的认识。拉斐尔前派受书中思想的影响，将其奉为纲领。拉斯金曾经写道：“绘画的至关重要的原则，就是人必须用他的眼睛和心灵去观察”。拉斐尔前派的作品充分体现了这一原则，具备两个为大众所公认的特征：第一是绘画方法上的精细，第二是具备诗意和浪漫的气息。我们可以从拉斐尔前派艺术家的艺术原则中直接感受到其对拉斯金美学思想的继承：“1，检验和藐视一切陈规；2真实地反映现实，特别是最简单、最普通的日常生活中的事物；3，主张艺术门类之间的交融，提倡学科互补；4，寻找新的绘画题材，特别是从经典的作家作品中寻找灵感。”
二、英国工艺美术运动及其美学思想
1851年，在伦敦水晶宫中举办的世界博览会将工业与艺术的矛盾进一步激化了。展览上的家具、生活用品等等由于工业化批量生产，只重数量和效率，设计水准却下降了。水晶宫世界博览会引发了一部分知识分子的忧虑，拉斯金认为，艺术家已经脱离了日常生活，只沉醉在过去的迷梦之中，为了改变这种状况，必须要求手工艺与艺术相结合，要求工匠与艺术家的结合。新时期的设计必须基于对自然的观察，以及将观察的结果反映在自己的作品中。以威廉·莫里斯为代表的一批设计师将拉斯金的思想付诸实践，成立了自然主义设计风格的设计事务所和行会，莫里斯商会主要成员均来自于拉斐尔前派兄弟会或与兄弟会交往密切的群体，包括但丁·罗塞蒂、福特·布朗和菲利普·韦伯等7人。以莫里斯为代表的工艺美术运动的设计注重曲线和装饰性，追求自然元素美感，追求精美，在流畅的线条下深藏着世纪末的怀旧情感。“它所倡导的民主主义思想和运用的精英主义态度，它的知识分子良心思想和执着精神，它的迷离精致的设计产品和展现出的乡愁一般的文化内蕴，都令这一运动具有唯美与感伤的美学和文化意义。”
三、拉斐尔前派美学思想对莫里斯商会的影响
（一）自然主义美学思想的继承
拉斐尔前派对自然的忠实学习和反映的原则，受到约翰·拉斯金的理论指导，并且被莫里斯发扬光大。在莫里斯商会的作品中，尤其是其壁纸和挂毯的图案取材于自然中的石榴、玫瑰、雏菊、向日葵等花卉，进行变形夸张和平铺处理。其设计的图样充满了有机的自然主义色彩，曲线繁杂动人，生机勃勃。比较米莱斯的画作和莫里斯商会的壁纸，可以更直观地感受两者在自然主义美学方面的继承和发展。莫里斯商会的作品无论是作为主体的大朵花卉和卷草，还是作为背景的小雏菊和细小的茎叶，都被细致地描绘，画面中没有直线，线条富有层次感。米莱斯的《奥菲利亚》，植物描绘逼真有层次。无论是前景中的水仙，奥菲利亚手中的花朵，还是背景中的百花，都毫无省略地精心绘制，并且层层深入，呈现出纵深感。
（二）古典题材和宗教色彩的偏爱
拉斐尔前派兄弟会的成员对古典主义泛滥的局势感到失望，放弃了学院派的绘画传统，而将目光投向拉斐尔以前的时代，亦即中世纪。虽然拉斐尔前派的作品因其风格惊世骇俗而备受指责，但是其题材却很传统，大多围绕宗教和神话故事。莫里斯商会制作的挂饰中，除了部分以植物纹样为主外，带有人像的挂毯主题均来源于宗教或古代神话故事。《圣杯》系列是莫里斯商会挂饰制品中最为著名的一个系列，创作与1890年到1894年。这一系列作品取材于亚瑟王的传说，表现了“寻找圣杯”的故事。亚瑟王的传说是英国文学和艺术的重要源泉之一，从这里我们可以看到莫里斯的复古倾向。《圣杯》系列挂毯和罗塞蒂的《圣母领报》，挂毯上中间白衣女子的形象与《圣母领报》中的圣母有几分相似。左数第三个手中执头盔的白衣女子，其相貌与发型可以让人联想到罗塞蒂一系列作品中的模特的神情。综上所述，诞生于19世纪末期的拉斐尔前派在充满革命和变革气息的维多利亚时代形成一股复古又创新的新风潮，受约翰·拉斯金影响，其浪漫主义和自然主义的美学观念勇敢地与当时的艺术风尚相悖，预示着新时期的审美倾向。他们的观念随着成员各自的事业发展而融入到其后的英国工艺美术运动中，将自然主义和中世纪复古倾向发扬光大，并成为现代设计的先声。
【参开文献】
[1]巴林杰.拉斐尔前派艺术[M].中国建筑工业出版社，2007.
[2]拉斯金.前拉斐尔主义[M].上海人民出版社，2008.
[3]蒲海丰.罗斯金与维多利亚时代文化思潮[J].广东广播电视大学学报，2011，01.
[4]王受之.世界现代设计史[M].中国青年出版社，2001.
第3篇：工艺美术运动的特征范文
一、新艺术运动在各个国家的表现形态
新艺术运动在欧洲各国的性质和表现不尽相同，但也存在着一些共同的特色。比如他们通过艺术家集体的力量去探索现代工艺美术的语言，他们对反对传统的风格，要以新的工艺美术形式表现出时代的特征。尤其是新艺术运动所带来的影响和所形成的艺术特征更有相互一直的地方。
下面我列举一下几个国家，说明一下“新艺术运动”在各自国家的表现形态。在介绍的内容方面有所侧重，由于法国是“新艺术运动”的发源地，所以介绍的内容比其他国家相对详细一些。
法国是“新艺术运动”的发源地，“新艺术”（ArtNouveu）本是巴黎一家商店的名称，由出版商萨穆尔宾（SamuelBing）1895年12月创立，是在仿效威廉莫里斯设计事务所的基础上开设的，取名“新艺术画廊”，（TheGalleryDeI’artNouveu）。虽然名称是“新艺术画廊”，其实主要经营和展览风格新颖的家具及室内陈设用品。“新艺术运动”在十九世纪末就初见端倪，1900年的巴黎世界博览会为“新艺术运动”提供了强大的展示舞台，从那时候起“新艺术运动”在法国持续二十余年，并影响到其他国家，因而，我们称法国是“新艺术运动”的发源地。
法国的“新艺术运动”的发展主要有两个中心：巴黎和南锡（Nancy）。南锡主要集中在家具设计上，而巴黎则包罗万象，涉及领域非常广泛，包括家具、建筑、室内、平面设计等。在巴黎，最主要的代表人物是建筑师格里马尔。他为巴黎许多建筑以其出色的很多相当精美的装饰，其中最出色的是巴黎地下铁路的出入口站，一共有141种不同图案。他还为卡斯第尔.布拉齐旅店设计了一扇非常出色门，上面的图形变化莫测，线条优美，更是体现了新艺术的风格。在南锡，玻璃工艺家加莱是个十分重要的人物，以他为核心有南锡派的工艺美术联盟。他的玻璃器皿，运用砂轮磨花、酸腐蚀、金属镶叠、金属镂嵌和吹泡等特殊技法，加工出来的图案和花草昆虫都流畅美观，因而被成为“玻璃玻璃镶嵌细工”也不足为奇。
具有影响的“新艺术运动”组织有“新艺术之家”、“现代之家”、“六人集团”等。
英国的新艺术运动是莫里斯美术与工艺运动的继续。在莫里斯和拉斯金相继谢世之后，他们的学生马克默多建立了"新世纪艺术家协会"，生产新颖的家具和装饰品，成为向"新艺术"的过渡。稍后，在格拉斯哥，出现了以麦金托什为首的设计家集团。1896-1909年间，他们为格拉斯哥的四家茶室进行了别出心裁的设计，风格简练、明快。1909年建成的格技斯哥艺术学院新主楼，被喻为英国第一所新艺术风格的建筑。
比利时地处英国和法国之间，经济和文化交流非常密切，英国工业革命对比利时影响很大，工业发展十分迅速。1859年，在艺术上比利时出现了一些基金的组织，如“二十人社”（LesVingts）。“二十人社”由奥克塔毛斯（OctaveMaus）领导，在比利时经常展出雷东、修拉、劳特累克、高更。凡高。塞尚等人的美术作品。
亨利•凡•威尔德是比利时“新艺术运动”核心人物，新艺术在意大利的“自由风格”，主要表现在建筑设计方面，参加这一运动的建筑师、设计师，分布在意大利一些大城市里面，他们的创作大都与地区特色相练习，但新艺术在意大利新艺术发展中，一些期刊杂志的出版发行，起到了推进作用。都灵新艺术运动在佛罗伦萨也得到了发展。佛罗伦萨是意大利中部的文化名城，这个历史上艺术家云集、群星璀璨的城市，建筑物古香古色，已经形成独特的建筑格局。建筑师乔万尼米凯拉泽的作品很有代表性，他不受传统的束缚，而是从中汲取为新艺术有益的成分、参照文艺复兴建筑的典雅形式，充分运用优美、流动的曲线，装饰建筑物的内部和外观。
奥地利新艺术的代表是"维也纳分离派"中的工艺家和画家们。他们有建筑与设计家奥托瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇，画家克里姆特、莫赛等人。奥托瓦格纳为首的维也纳学派在新艺术运动的影响下形成了。奥托瓦格纳早期从事建筑设计，并发展形成了自己的学说，但在设计界的影响则是从1894年担任维也纳艺术学院建筑系教授开始的。他早期建筑风格倾向于古典主意，后来在工业时代技术的影响下，逐渐形成了自己的新的建筑观点。1895年，他出版的《现代建筑》一书中，指出新结构和新材料必然导致新的设计形式出现，建筑领域的复古主意样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务的，而不是为古典复兴而产生的。在维也纳艺术学院就职演说中，他说：“现代生活是艺术创造唯一可能处罚点：。”所有现代化的形式必须与我们时代的新要求相适应“。在《电代建筑一书中，他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑”像在古代流行的横线条他们设计的分离派陈列馆、印刷广告、装饰画等，主题上颇受象征主义影响。
德国新艺术运动是以"青年风格"出现的。它得名于1896年在慕尼黑创刊的《青春》杂志。年轻的设计家埃克曼、雕刻家奥布里斯特是其骨干。他们设计的缀锦、封面和各种美丽的花卉图案，被广泛地应用。此外，凡.德.维尔德和建筑家贝伦斯在柏林方面以抽象的青年风格设计建筑和建筑装饰。
西班牙的新艺术运动只限于巴塞罗那。建筑师高迪和蒙塔列分别代表着两种不同的风格。高迪以富有中世纪哥特艺术趣味的、简化的曲线形，设计了离奇古怪的卡萨.米拉公寓和圣家族教堂，至今是西班牙人的骄傲。蒙塔列所设计的卡兰塔音乐厅，代表了大陆风的历史主义的新艺术风格。
新艺术运动在欧洲大陆“昙花一现”，但在中国的哈尔滨却持续了30年。哈尔滨的艺术运动建筑数量居世界第三。早在上世纪二三十年代就有人将中央大街同柏林的菩提树大街、东京的银座大街、上海的外滩、天津的维多利亚(解放北路)大街相提并论，可见其影响之深远。此次“修旧如旧”的改造原则基本保持了中央大街建筑的欧式风格。中央大街整体改造完成，市民发现原来松雷商厦门前侧面大广告牌不见了，取而代之的是一堵造型新颖、别致的“假墙”。这是一堵“新艺术运动”墙，它与所依附的中央大街58号保护建筑的前脸一模一样。哈尔滨工业大学土木楼后楼就极有新艺术运动时期的风格，现在世界上已不多见。这是1920年的作品，希腊陶立克柱式，厚重的石础，挺拔的柱身，柱身上匀称的凹槽，中段柔美的墙饰，与底层阳刚形成对比。目前是一类保护建筑。建于1927年的哈尔滨摄影社（现中央大街58号）就是世界“新艺术运动”建筑风格的句号。
二、新艺术运动在设计史上的地位
新艺术运动在设计史上有是有重要意义的。“新艺术运动”实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播，在思想和理论上并且没有超越“工艺美术运动”。它主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。在具体的设计中，避免使用直线，注重从自然中获得自然形式的运用，但还没有从功能、结构、形式的统一上进行产品设计。在追求自然形式上，“新艺术运动”试图摆脱任何古代亡灵，真正从自然中获得启迪，完全走向自然主意风格，强调自然中不存在直线和平面，在装饰上突出表现曲线、有机造型，装饰的构思主要来源于自然形态。艺术家在“师法自然”的过程中寻找一种抽象，把自然形式赋予一种有机的象征情调，以运动感的线条作为形式美的基础。新晨
新工艺运动时期的建筑装饰的大胆实践，至今对探索新建筑发生潜在的影响。新艺术风格表现了19世纪末和20世纪初艺术家感到需要影响现代人生活的整个环境。这种风格当时不仅影响到工艺美术，而且还影响到建筑、雕塑和绘画。它是有意识地抵抗“循环论”，因而在工艺方面，如在陶瓷设计方面，为获自由的形式开拓了道路。良好地解决了艺术趣味同工业生产利益之间的冲突。与此同时，强调实用的主张，从建筑扩大到陶瓷、玻璃、金属器皿在内阿弟其他工艺美术，“形式服从于功能”的思想在各个领域表现日趋明显，工艺美术发展阶段也进入了造型简洁、装饰单纯的形式，对后来的艺术形式影响甚远。
参考书目及资料：
《工业设计史》杨钢主编张怀强编著郑州大学出版社2004
《外国工艺美术简史》张夫也著高等教育出版社2000
《西方现代设计艺术史》董占军著山东教育出版社2002第48、57页
《工业设计史》杨钢主编张怀强编著郑州大学出版社2004
《20世纪意大利美术》晨朋著湖南美术出版社2002第2页
第4篇：工艺美术运动的特征范文
关键词:美术；创作；要点；语言；审美；精神
美术创作是美学欣赏与美术教学的基础与前提,没有美术创作创作出来的美术作品，美术欣赏与美学教学便成为无源之水,无本之木。
因此,对于美术创作的艺术要点，所有的美术创作人员都必须全面把握，在具体的创作实践中落到实处。
概括起来说，美术创作的要点，主要有以下三点，我们分别进行论述。
一、 掌握艺术语言
美术创作的第一要点，是掌握美术的艺术语言。
任何艺术都是它自身独特的艺术语言，例如音乐艺术的艺术语言有旋律、节奏、和声、织体、调式、调性等；舞蹈艺术的语言有结构语言、动作语言、时实语言等。
美术作为“造型艺术”，包括绘画、雕塑、建筑、书法、摄影、篆刻、工艺美术、工业美术、商业美术、现代设计等等。这些造型艺术，有着共同的艺术语言，其中主要有以下几种：
（一） 线条
线条是所有造型艺术的最基本的语汇。世界级绘画大师达・芬奇说过：“绘画科学首先是从点开始，其次是线，再次是面，最后是由面规定着的形体。”①而在点、线、面、体中，线具有最重要的贯穿作用。因此，法国画家安尔尔说：“线是绘画的主角。”②岂止绘画如此，造型艺术中的书法、篆刻，乃至雕塑、建筑、工艺美术等等，无不如此。
线条是造型艺术的主要艺术语言，多种多样的线条，可以塑造出多种多样的艺术形象。例如直线中的水平线，可以塑造舒展、开阔的形象；垂直线可以塑造挺拔、宏大的形象；斜线可以塑造激荡、运动的形象。而曲线中的圆线、螺旋线、抛物线、波纹线等，则共同具有柔和、流动、优美等特点。
（二） 色彩
色彩也是美术的重要艺术语言之一。
色彩是辨别物体的重要依据，它具有强烈的表现力，它由物体借助光的照射而形成。又分为固有色、光源色、环境色、情感色、象征色等等。各种色彩又具体分为色相（色的相貌）、色度（色彩明暗深浅的程度）、色性（色彩的性质）三要素。
色彩的运用，是美术创作的重要艺术手段之一。例如建筑艺术中的北京天安门城楼，以红、黄色为主，被称为“民族色”，我国国旗也是这种色彩组合，均具有庄严、热烈、宏大、温暖、辉煌之感。
（三） 构图
构图同样是美术的重要艺术语言之一。
构图是在美术创作中，根据一定的美学原则与艺术法则，并根据作品题材、主题、体裁、风格的要求，在平面或立体空间中对物象的各个部分与各种因素所进行的艺术安排与布置。我国传统绘画中，把构图称作“经营位置”，又称为“章法”、“布局”。
构图也是造型艺术“造型”的重要艺术语言。构图的要点有二：
1. 构图的原则
构图以均衡与对比为原则。均衡是比例相称，力度与分量均等；对比则是大小、高低、明暗、疏密等的明显不同。均衡具有稳定、平衡的效果；对比则具有活跃、生动的效果。这两条原则常常共同运用。
2. 构图的形式
构图的形式有以下几种：
（1）正方形。具有宁静、肃穆之感。
（2）长方形。具有整齐、稳定之感
（3）正三角形。具有坚实之感。
（4）斜三角形。具有运动之感。
（5）倒三角形。具有倾危之感。
（6）圆形。具有柔和、圆满之感。
（7）波浪形。具有自由、活跃之感。
二、 把握审美特征
美术作为造型艺术，具有以下几个审美特征，把握这些审美特征，是美术创作的第二大要点。
（一） 直观性
直观性也称“可视性”，是指美术所塑造出来的艺术形象，都是可以看见的，可称作“视觉艺术”。由此使得美术创作更加注重形式美。
（二） 永固性
美术作品具有永固性审美特征。许多绘画作品、书法作品、摄影作品、工艺美术作品、雕塑作品，成为珍贵的文物或价值连城的艺术品，就因为它们的永固性使然。当然，这种永固性又是通过美术作品选择瞬间性形象完成的，即通过永固表现瞬间，通过静止表现动态。
（三） 表现性
美术作品的表现性审美特征，表现于它们的抒情性、寓意性、独特性、创造性等方面。例如国画中的“四君子”梅、兰、竹、菊，都成为人的品格的象征：梅的高雅、兰的清新、竹的亮节、菊的清幽，无不与人的情操、志向、品格密切相关。又如在书法艺术中，清代“扬州八怪”中的郑板桥、金冬心、黄慎三人作品的形式与风格都个性鲜明，大有惊世骇俗之风、领异标新之气。把画家特有的造型能力与诗人特有的天真情趣，融入书法艺术之中，开拓了近代书法的表现空间。
三、 守握艺术精神
美术创作的第三要点，是守握艺术精神。艺术精神创作艺术神髓，是美术创作的指导方针。
首先要分清中外美术截然不同的艺术精神：“中国传统美学强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值；西方传统美学则强调美与真的统一，更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志；西方传统美学则强调艺术的再现、模仿、写实。”③
其次要把握中国传统的艺术精神，主要有：“天人合一”、“中正平和”、“写意传神”、“气韵生动”、“心悟”、“意境”、“线型思维”等等。
参考文献：
第5篇：工艺美术运动的特征范文
关键词：新艺术；风格；米拉公寓
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）23-0086-01
一、“新艺术运动”的风格和特点
“新艺术运动”（Art Nouveau）是19世纪后20年―20世纪前10年出现并流行于欧洲的一种装饰运动。其影响面极广，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计到书籍插图、绘画、雕塑等，涉及法国、英国、美国、比利时、意大利、西班牙、德国、奥地利、斯堪的纳维亚等多个国家和地区。“新艺术”运动与工艺美术运动在某些方面有着实质的不同，它在反对单调、冷漠的大工业的同时，也反对一切传统的装饰动机，而崇尚自然风格与个性表达。
“新艺术”主要特点就是运用曲线和非对称的线条，这些线条大多取自花梗、花蕾、葡萄藤、昆虫翅膀等自然界中优美有波状曲线的线形。简单的说，可分为直线风格和曲线风格，装饰上平面艺术的风格，并以其对流畅、婀娜的线条的运用、最有代表性的是有机的外形和充满美感的女性形象。还有波浪形和流动的线条，使传统的装饰充满了活力，表现形式也像是从植物生长出来。
二、“米拉公寓”与新艺术运动
（一）代表人物
安东尼・高迪（1852-1926）是西班牙伟大的建筑设计师，塑性建筑流派的代表人物，属于新艺术建筑风格。是19世纪末20世纪初整个新艺术运动重要的代表人物之一。
（二）安东尼・高迪的设计风格
安东尼・高迪的设计风格体现出极强的折衷主义特点。这种折衷主义设计风格源于他的民主思想及其生活的时代。他推崇工艺美术运动提倡的哥特式风格和自然主义风格，反对传统艺术的机械模仿，而是主张吸取传统艺术、传统设计的精华，在设计实践中进行折衷处理，同时融入新艺术运动的时代风格。他的设计既有新哥特式风格，又有新艺术的特征，呈现出独特的个性特点。
（三）分析米拉公寓的风格特点
在高迪的设计生涯中，最具代表他的设计特点与风格的作品，应该是他设计的“米拉公寓”，这也是他的重要的代表作品之一。
米拉公寓是用一组组石质隔墙和柱子为结构，大的阳台和窗户，中间有两个天井。不同高度的顶楼形成，有波状的楼顶，独特的阳台和窗户设计，再加上巨大神秘造型的通风口。在当时引起很大的骚动，许多人不理解它，认为此建筑若非出自恶魔之手就是疯子所为。
米拉公寓位于街道转角，地面以上共六层（含屋顶层），这座建筑的墙面凸凹不平，屋檐和屋脊有高有低，呈蛇形曲线。建筑物造型像是一座被海水长期浸蚀又经风化布满孔洞的岩体，墙体本身也像波涛汹涌的海面，富有动感。米拉公寓的阳台栏杆由扭曲回绕的铁条和铁板构成，如同挂在岩体上的一簇簇杂乱的海草。米拉公寓的平面布置也不同一般，墙线曲折弯扭，房间的平面形状也几乎全是“离方遁圆”，没有一处是方正的矩形。公寓屋顶上有六个大尖顶和若干小的突出物体，其造型有的似神话中的怪曾，有的如螺旋体，有的如无名的花蕾、如骷髅，形态各异.米拉公寓受到新艺术运动的影响，设计中借鉴了自然界中的凹凸、螺旋、抛物线等各种曲线的形态，这也是新艺术运动的风格，建筑的楼层上下之间运用自然的曲线造成呼应效果，墙面凹凸不平，到处可见蜿蜒起伏的曲线，整座大楼宛如波涛汹涌的海面，富于动感。高迪的幻想力使雕塑性艺术渗透到三维空间的建筑里，将伊斯兰建筑风格与哥特式建筑结构相结合，采取自然的形式探索独特的建筑形态，不得让人惊叹。
米拉公寓的阳台扶栏取材于海浪的波浪造型，采用铸铁的材质，典型的体现出Art Nouveau中的特点，使线条的造型上表现出波浪形和流动感，使传统的装饰充满了活力。
米拉公寓不仅在造型上具有独特的创造性与独特的美感，它有效的自然通风系统使所有形式的空调成为多余，公寓内的墙壁可以移动也可以重组，所有的走廊都有自然光。到现代，米拉公寓都被人认为是所有现代建筑中最有代表性的，也是最独特的建筑，是二十一世纪中世界上最重要的建筑之一。
第6篇：工艺美术运动的特征范文
【关键词】美术欣赏 文化情景 艺术氛围
在推进素质教育的过程中，越来越多的人认识到美术教育在提高与完善人的素质方面所具有的独特作用。尤其是美育列入教育方针以后，美术教育受到了前所未有的重视，迎来了新的发展机遇，进入了重要的发展时期。然而，当前的初中美术教学确实还有许多不能适应素质教育要求的地方，如课程的综合性和多样性不足，过于强调学科中心，过于关注美术专业知识和技能等，这在一定程度上脱离了学生的生活经验，难以激发学生的学习兴趣。而美术教育中的欣赏课，可激发孩子的兴趣，提高学生的审美情趣。
首都师范大学美术学院尹少潭教授在阐述“美术课程标准”时，指出新课程的基本理念之一就是“要在广泛的文化情境中认识美术”。“因为任何美术作品都不是孤立的，都是在一定的文化环境中创造出来的，艺术家在创作艺术作品时，不可避免地受到所处环境的影响，所谓文化情境，实际上指的是一件美术作品被创作出来时，所依托的文化环境、条件及其特征。”因此，在美术欣赏教学时，不能单讲技法，要把美术作品放在一定的文化环境中去学习。那么具体怎么做呢？
首先，为了帮助学生更好地理解作品的内涵，需要了解作品产生的时代背景和相关的历史与故事。如欣赏拉斐尔的《雅典学院》时，就有必要介绍有关“文艺复兴运动”的历史以及“人文主义精神”。欣赏达维特的《荷加斯兄弟之誓》时，可适当讲述罗马的历史传说——荷加斯家族和库里茨亚人的姻亲关系。再如，在欣赏古希腊雕塑《掷铁饼者》时，学生如果不了解古希腊人有裸身参加体育竞技运动的风俗习惯，他们肯定对大量的人体雕塑疑惑不解，教师必须使学生明白：正是由于这一点才奠定了西方人以人体为美的传统审美观念。当然为了提高学生的学习兴趣，可以通过各种方法来了解这些知识，如放录像、到图书馆查资料、上网搜寻等。
其次，尽可能创造一些教学情境，激发学习兴趣，是上好鉴赏课的前提。
比如，在欣赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，这样一方面可集中学生的注意力，另一方面可使其进一步理解山水画面的意境；如在欣赏外国传统工艺美术——具有“罗可可”艺术风格的苏比兹公馆客厅家具时，可以放一段巴洛克时代德国音乐家巴赫的小提琴协奏曲，这样有利于学生加深对作品内涵的理解。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生欣赏，如在欣赏任伯年的作品《苏武牧羊》时，教师可吟唱起“牧羊北海边，雪地有冰天”的词曲，使学生尽快进入到作品欣赏的情境中来。
再次，开拓学生视野，拓展思维，尽可能地组织学生参观博物馆或实地考察，这对上好鉴赏课也是必要的。如讲“中国古代工艺美术鉴赏”这一章时，带同学们参观博物馆，使其亲临实物，感受文化氛围。馆内有许多学生从未见过的工艺品如彩陶、瓷器、玉器、青铜器、漆器……琳琅满目，目不暇接。要求同学们留意这些工艺品的名称、出土时间和出产年代，分析工艺品相同之处和不同之处。如彩陶，半坡类型彩陶造型朴实厚重，彩绘纹样除几何图案外，以人面、鱼、目等形象最为人注目；庙底沟类型彩阳彩绘纹样以几何图案为主，变化更为多样，除少数兼用红彩外，多为黑彩，有时彩陶上有红白色陶衣，加强了色彩的对比效果；马家类型彩陶则满身装饰；半山型造型更加优美，最有特色的是长颈和短颈或无颈而有折沿的小口宽肩大腹双耳罐、壶，形象丰满浑厚，稳重大方。在对比中分析彩陶的异同，另外还邀请博物馆管理人员给学生做了一次有关古代工艺美术知识的讲座。管理人员把水倒进有舞蹈人物的彩陶盆里，舞蹈者的身姿便倒映在水中，巧妙地构成了一个池畔欢舞的场面。动一下盆内的水就发生晃动，倒映在水中的舞蹈者和身姿，产生一种婆娑起舞、婀娜多姿的艺术效果。同学们被祖国如此悠久的历史及人类如此灿烂的文化所吸引，增强了热爱伟大祖国的思想感情，逐步树立起继承中华优秀传统的审美理念，培养积极向上的创造精神，为发扬中华文明努力学习，扎实奋进。
第7篇：工艺美术运动的特征范文
摘要：所谓的新艺术运动，就是指发生在19世纪末期、20世纪初期设计艺术正处于新旧转换的时期，欧洲地区出现的设计艺术运动，其富含着探索创新精神，对于我国当代首饰设计有着重要的影响。中国的首饰设计应当借鉴该艺术运动的特征、表现手法，以及题材选择，表现出更大胆富有勇气的设计，探索出一条适合中国首饰设计艺术发展的合适道路。
关键词：首饰设计；新艺术运动；发展
一、新艺术运动概述
（一）产生发展
新艺术的发源地在历史上可以追溯到法国，在浪漫之都巴黎有家画廊的名字叫做“新艺术”，所以新艺术在法国诞生。这一名词在内容诠释上非常的到位，所以沿用至今。新艺术运动，是一场历史持久和影响深远的“装饰运用”，在时间上横跨30年。此运动从欧洲开始蔓延，涉及到很多国家，甚至是远在北美洲的美国，成为影响国际的艺术设计风格。以文化传播的形式蔓延到每个地区，每个地区的本土特色设计风格又与之相融洽，从而形成具有本国特色的设计风格，所以在一定程度上新艺术促进了艺术的创新变革，从而打破传统的艺术发展形式。比如法国的埃菲尔铁塔（La Tour Eiffel）建设，是世界性的伟大建筑之一，在建筑设计上有1711级阶梯，并且用去钢铁7000吨，建设极其华丽，使其成为永久性建筑。这也是建设史上不菲的成就，现在埃菲尔铁塔成为巴黎的标志之一。我们可以根据建筑时间和建筑风格很明确的肯定埃菲尔铁塔就是法国新艺术的典型设计，基于此，可以说明，新艺术运动是工业发展的新兴产物。随着欧洲社会的工业革命发展，人们的思想和生活有了不同程度要求，在物质需求上更加的追求人文精神的理念。新艺术运动的促成因素是比较复杂全面的，最直接的影响就是社会因素，在当时，更多的国家在寻求工业变革和工业发展。这不但使得国家的经济形势有所转变，还促进了文化、政治多个方面深刻的变革。当时世界化的经济形势在发展雏形中，自然科学在这个时期达到飞跃式的发展，促使社会新艺术形式的变革。还有随着显微镜和照相机的出现，人们在审美领域开阔了更广泛的视野。所以视觉主义解放和深化了人的浪漫天性，伟大的艺术家们在这段历史篇章上刻画了不朽的痕迹[1]。
（二）艺术风格
新艺术运动的设计风格，是对传统设计风格的反思，在当时社会的革命浪潮中，人们更多的沉浸在复杂多变的审美氛围里。传统的设计已经不符合人们的审美需求，想要扭转设计的陈旧趋势，就要在新的文化环境氛围里摄取创作灵感。任何时期的设计变革，都是人们需求美丽与精神需求的粮草，这是推动社会发展中的新的力量。新艺术运动的设计风格传承了英国工艺美术运动，英国的工艺美术运动是为了更好的提升设计品质和保持传统设计，在理念上追求自然形态元素，并且深受东方设计的影响，最后在将这些设计元素融合到本土的设计理念中。同时，在设计风格上也摈弃了一些传统的设计风格，比如：巴洛克风格、维多利亚风格。在这次设计运动中我们可以发现，设计上华而不实的应用并不广泛，反而是自然主义得到推广。新艺术运动的设计风格也更加的理性化和自然化，人的审美和设计的使用功能结合的更完美。然而，这个时期的审美更加的具有理论思想，社会对生态的平衡重视加深，不在推崇矫揉造作的复兴风格，追求简单朴实的自然生态回归。其表现手法在这一时期可以分为两种类型，分别是曲线和直线派。曲线派在艺术手法上追求自然因素，让线条的设计更加的有生命力，比较符合欧洲人的浪漫天性。直线派在设计手法上展现的更加简单、以白色、直线为设计的主要基调。总的来说，新艺术运动是一次审美变化的装饰潮流，把装饰设计构建的更加完善[2]。
二、新艺术运动对首饰设计的影响
新艺术运动追求的艺术与技术统一模式，对现在的首饰设计理念影响深远。现在的首饰设计在方案上比较注重自然和女性装饰题材，这属于新艺术运动影响领域。在女性涉及题材上，倾向于女性内在角度诠释珠宝概念，将女性的美发挥的淋漓尽致。在线条和设计灵感上常常引用曲线和自然元素，比如花草、孔雀、婀娜的少女、高贵的天鹅，这样的设计元素，让首饰更加具有生命力和生机勃勃的活力。比如勒内・拉里克的蜻蜓女人，让昆虫回归到人们的设计话题中，捕捉精美的设计细节，让作品迸发出无法描述的魅力。这件蜻蜓女人珠宝设计采用了黄金、绿玉髓、钻石等多种材料，不但将宝石原料诠释，还展现了自然元素在珠宝设计中的创作魅力。蜻蜓女人如下图所示：
勒内・拉里克的创作更像是女人的幻想，魔术般的在天使和魔鬼之间穿梭，让其作品富有内在灵魂，是真正的艺术巨作，让女人的形象更加的梦幻更加的美好。新艺术运动给现当代首饰设计留下了丰富的创作经验，那么现当代设计创造力的表现也是前所未有的。在设计思想上，自然事物的运用将会更加的灵活化，花朵叶子素材让珠宝设计更加的受人们青睐。引发人们在现代浮躁多变的生活环境中去感受美和发现美[3]。
新艺术运动对首饰的发展路线影响巨大，让首饰的表现手法更加的多变，也让装饰创造形成自己的发展特点。引导现在的设计师更加大胆的去探索新的设计思路，在选择题材上也更符合人们的审美倾向。新艺术运动的自然抽象选材，让首饰拥有了一种有机的情调和象征，引导现当代首饰在形式美上不断的深入探索，那些流动、蜿蜒、鲜活的珠宝设计构造，赋予了首饰奇异的生命力。可以让首饰的细节更加的别出心裁和优美。促使现在当代首饰设计更加的融入大千世界，在自然的灵感驱动下，首饰设计能更加的符合人们审美需求。随着全球化经济的发展，地域文化在不断的融合和创新，首饰设计需要寻找更广泛的设计出路，只有与时俱进的设计理念，才能更好的发扬本土首饰珠宝。设计的创新是在传统设计思路上不断的改进新的设计方式，让设计者拥有更加广泛的设计理念，从而真正的融入到人们渴望的生活理念中，实现人们首饰的乌托邦之梦。
结语
目前当代的首饰设计，需要一种生活情绪，这种设计理念能让首饰更加的富有内在灵魂。可以在内在上展现人们的美好生活向往和热情。艺术的表现形式是多变的，新艺术运动引导了现代首饰的回归自然性，让更多的自然因素和人性美融入到设计理念中来。（作者单位：武汉工程科技学院）
参考文献：
[1]邵敏.新艺术运动镜象下的现当代首饰设计[J].深圳大学学报（人文社会科学版），2012，29（1）：158-160
第8篇：工艺美术运动的特征范文
随着人类文明的发展进步，图形、符号、文字等等在拓展交流范围以及把有用信息保存下来传递给下一代的感召下逐步形成。因此，标志作为一种图形，原本和文字同源，在最初之时，都为信息的承载和传达交流而存在。
1.标志源起
在12世纪的战场上，骑士们因为披戴盔甲难以辨别，渐渐形成了在自己的盾牌上涂上不同的色彩的习惯，标志的最初形式纹章的雏形就这样诞生了。纹章逐渐发展与普及，在信息大爆炸的今天，标志作为企业的形象，在企业的发展中起着至关重要的作用。
2.字体标志的优势
字体标志作为一种图形有着视觉的意义，作为文字，它又能表音和表意，用文字做标志，最大的优势就是读到的既是你看到的，同时刺激人的各种官能，给人留下更加深刻的印象。基于此，字体标志被部分商家竞相用采用，并获得了良好的效果。像美国的微软（Microsoft），芬兰的诺基亚（Nokia），韩国的三星（Samsung）等。
3.字体标志设计的发展
字体标志设计随时代的发展而发展，十九世纪初，欧洲进入平稳发展的维多利亚时期，安静与富裕，使人们不安于现状，试图在设计中创造出更多的装饰性手法，在字体标志设计中，将文字夸张，变形，采用阴影、透视等方法增加立体感，把文字与图形结合，更多的是与植物纹样结合，创造出各种各样繁缛的文字造型，文字标志的装饰性与审美性在此时远远盖过了它最基本的意义识别性与信息承载。多数企业的标志无论是否符合企业的理念，都采用了这种繁缛的装饰，降低了识别性与独特性。文字的这种繁缛的装饰在十九世纪下半叶发展到了极致。以致招来某种程度上的排斥。
十九世纪下半叶，以威廉•莫里斯为实践代表，以约翰•拉斯金为理论代表的工艺美术运动，其中很重要的一条思想就是反对矫揉造作的维多利亚风格，在图形与文字中并不完全放弃装饰，而是适度的装饰。十九世纪末、二十世纪初在欧美国家产生并发展了一场“新艺术”运动，它是对工艺美术运动的继承与发展，“新艺术”运动弃绝一切以前的装饰风格，向自然学习，强调弯曲的仿生的造型，植物纹样，女性形象等。在字体标志的设计中，也是如此，弯弯曲曲的线条，女性的柔弱感，在各行各业的字体标志设计中体现的淋漓尽致。这一时代风格发展到登峰造极，设计作品中没有一根直线，一个平面。被人们戏谑的成为“面条风格”、“蠕虫风格”。
十九世纪末，二十世纪初，随着工业技术的飞速发展，新的机器设备工具给人们的生活带来前所未有的冲击，新的标志形态也层出不穷，面对如此多的视觉形象，如何使标志更具识别力成为设计师与商家关注的问题。1907年德国设计师彼得•贝伦斯为德国电器公司（AEG）企业设计标志，他在设计中做了全新的尝试，与以前的新艺术风格截然不同，用简洁的字体“AEG”与几何形来设计其标志，其简洁易识别给人全新的感受，并充分展现了公司的行业特征，同时在当时各行业都在采用弯曲线条，柔弱女性风格的标志时，德国电电器公司（AEG）标志的简洁几何形式，符合工业时代精神的特征，又具有新颖性，很好的与其他企业的标志区分开来。
二战后，现代主义发展到国际主义时期，成为一种风格，这种简洁明了的标志形式成为一种流行，在这种流行的驱使下，无论是电器行业、汽车行业，还是食品业、化妆品业，在需要表现工业化特征和不需要表现这种特征的行业，都表现出这种工业技术急速发展的时代特征。简洁的、几何的造型在这个时代的字体标志中随处可见，它成了一个时代的特色，每个企业都试图在这种简洁形式中寻找一点特色的东西，IBM标志采用“城市字体”---一种带有几何感与机械感和粗大夸张的装饰线的字体，而中间的字母“B”做了特殊的处理，中间空白处呈现出两个正方形，更加强了其几何感，体现其行业特征。
二十世纪下半叶，随着这种在米斯的“少则多”思想影响下的简洁形式的普及，人们逐渐厌倦了这种单调的形式，个性化的需求浮了上来，伴随着计算机技术辅助设计的发展和计算机技术纳入生产系统，小批量、多样化成为可能，产品逐渐将受众群体做了定位，标志设计代表着一个企业的形象，也逐明确市场定位。美国百事可乐的新标志将“PEPSI”改为斜体，红色与蓝色组成的图案至于右下方，改变以往的呆板，采用放射状造型，体现了青年一代的活力，热情与奔放，很好的迎合了年轻人的口味。
跨进二十一世纪的大门，字体标志又有了全新的尝试，不再局限于一种固定的形式，而是体现出一种动态感，在其基本格式不变的前提下，改变排列，呈现出丰富多彩的形式，同时又不影响其整体的识别力。给人一种新鲜感与变化感，充分满足了人们求新求奇的视觉欲望。
4.结语
字体标志的读到既是你看到的优势使其为许多企业所采用，字体标志的设计要整体考虑企业的特色与理念，同时也要使其具有时代特色。作为一个企业，一个商家，要迎合消费者的需求，其标志也要符合其品味，而时代赋予人们很多近似的审美，像在“新艺术”运动时期，对弯弯曲曲的线条，对自然风格的偏爱，现代主义运动时期对直线，黑白，简洁形式的偏爱等等。在与时代相接轨的同时，标志设计不能被时代所束缚，要在体现企业特征的同时，开拓创新，要兼具信息功能与审美功能。
参考文献
[1] 朱健强. 企业CI战略[M]. 厦门：厦门大学出版社，1999.
[2] 王受之. 世界现代设计史[M]. 北京：中国青年出版社，2008.
第9篇：工艺美术运动的特征范文
关键词：设计；艺术；融和
进入21世纪后，物质产品日益丰富，越来越多的人开始追求精神和情感层面的满足。在这样的语境下，艺术形式迅速出现并渗透于产品设计、平面设计、环境设计以及首饰设计等物质生产领域：各地的知名建筑纷纷展现出丰富的艺术特征和精神内涵；越来越多的工业产品、平面作品和首饰制品流露出自身独特的艺术魅力；有的设计甚至走进了艺术博物馆，作为艺术品被永久收藏。伴随着设计作品的艺术特征不断加大，设计与艺术二者的关系需要人们进行重新审视。
1 艺术与设计的渊源
在人类历史文明的长河中，艺术与设计一起孕育和发展，它们之间的关系时而分离，时而聚合。在造物伊始的石器时代，人类社会的最初设计与艺术形态便产生了。尽管这些早期的石器工具还非常粗糙、稚嫩，但是物质文化和精神内容已包含在其中。换句话说，萌芽时期的设计与艺术是融为一体的。所以，在历史上相当长的一段时期里，艺术与设计是没有分别的，被人们统称为“技艺”。也就是说，艺术不仅涉及精神层面的美与道德，还包含着与物质技术相关的实用性。此外，古希腊时，艺术又被称作“techne”，包含与设计相关的技术与技巧的意思，中国古代的“六艺”――“礼、乐、射、御、书、数”，同样是和实用性分不开的。在西方艺术史与设计史中，我们也可以看到古代的设计者――工艺匠人与艺术家是没有区别的，是一枚硬币的两面。我们在博物馆中，很难将装饰艺术品与日用品区别开来。[1]甚至到了文艺复兴时期，艺术家也既可以是画家、雕塑家，也可以是建筑师、机器设计师、广场规划师，他们的作品可以是绘画、雕塑，也可以是建筑、机器和广场。这些都体现了人类早期的艺术与设计活动是融为一体的。
到了后来，随着生产力的发展，原始人类开始认识到对称、节奏、比例、光滑等最初的美学形式，并逐渐提高了认识能力，丰富了情感体验。在经历了技术的飞速发展及社会分工的细化后，各个行业的差距才逐渐拉开。艺术才开始从物质技术领域中分离出来，转向纯粹精神领域的探索，并最终产生了注重精神的艺术与注重物质的设计。
2 设计中的艺术含量
设计是满足人们需要的一种创造性活动，包括物质需要和精神需要。在人们的日常生活中，当基本的物质需要得到满足后，便生发出更高层次的以真善美为追求目标的精神需要。我国古代哲人墨子所说的“食必求饱，然后求美；衣必常暖，然后求丽；居必求安，然后求乐”，就是最好的例证。正是由于设计对美的不断追求，才决定了设计中必然的艺术含量，从而在历史的进程中，根据生产力的发展，调整着艺术与设计之间的“交集”。
德国古典主义美学的开山祖康德在《判断力批判》一书中对设计中的艺术含量有所提及，他把美分为纯粹美和依存美，其中依存美是附属于对象概念的美，可被视为含有对人有用的美学属性。康德认为依存美是具有更优越的美学范畴，他提出：“只有当对象吻合它的目的时，它才可能是最美的。”这里的吻合目的以及有用性都是设计当中非常重要的价值判断标准。到了19世纪，奥地利美术史家里格尔在其《风格问题：装饰历史的基础》一书中，从价值的意义上打破了大艺术和小艺术的界限，指出了装饰和设计中存在着内在的“艺术意志”。工艺美术运动的先驱威廉・莫里斯也强调实用性与美观性相结合，他曾经说道：“不要在你的家里放上一件虽然实用的，但是难看的东西”。[2]由此看来，设计并不单单是实用化的求美过程，亦是一种特殊的艺术创造，必然包含着丰富的艺术特性。
设计中蕴含着艺术属性，这一事实将会逐渐为人们接受。在设计领域，已经有许多人承认贝聿铭设计的卢浮宫前的水晶金字塔是艺术的一种形式；中国汉代的长信宫灯和朱雀灯是一种艺术形式；雷蒙德・罗维设计的可口可乐瓶是一种艺术形式；菲利浦・斯塔克设计的水果榨汁器同样是一种艺术形式。艺术是基于时代特征的精神及文化内涵的建构，从历史发展来看，当设计解决了物质技术产品的技术课题与使用功能后，对艺术的探索与追求将永远不会停息。
3 艺术推动设计发展
艺术是人们对社会现实生活作出的审美反映和精神建构，它以特定的物质媒介将人的感受、审美经验和人生理想物态化和客观化。纵观东西方设计艺术发展历史，艺术总是以不同的方式渗透到设计过程中，从不同层面影响并推动着O计的发展。
首先，造型艺术当中采用的工具和材料，为设计的进行提供辅助和借鉴，极大地促进了设计的创造与表达。同时，造型艺术当中的构成要素，如线条、构图、空间关系、光影和色彩等，被继承和应用于设计当中，极大地提高了设计创作的科学性、高效性和艺术性。另外，艺术创作中的形象思维方法在设计创造中占有非常重要的位置，也可以根据设计的需要对艺术符号以及艺术中的符号加以运用，使设计作品具有一定的文化内涵和审美价值。
其次，艺术史丰富和完善了设计史，艺术思想和艺术风格的变革为设计的发展指明了方向。在东方的中国，艺术的传统思想为“外师造化，中得心源”以及“气韵生动”，主要是指依据自然之道进行艺术创作，并且在创作的同时对自然形象进行概括和提炼，上升到一种精神上的把握，以至于达到气韵生动。这些优秀的思想对中国传统造物和设计影响深远，形成和塑造出独具特色的东方设计文化。在西方，立体主义、表现主义、构成主义等一系列艺术活动，都力图追求能够体现时代精神实质的理想形式。其中荷兰“风格派”运动及俄国构成主义运动所倡导的艺术抽象形式直接影响和生成了现代设计的语言形式，以至于产生出新时代的机器美学。
最后，艺术家参与实用性的设计实践和探索，可以直接推动设计的发展和进步。英国工艺美术运动的先驱威廉・莫里斯进行的设计实践和探索就是一个很好的例证：在19世纪的英国，工业革命业已成功，机械化和批量化的生产方式已经淘汰了手工作坊，生产企业还未来的及为工业产品准备设计师和适合的形式，粗糙、丑陋和矫揉造作的产品充斥着市场。受拉斯金的影响，艺术家莫里斯开办了自己的设计事务所，设计出一批风格简约、朴实无华、功能良好的金属工艺品、家具、墙纸、挂毯等，他的许多的设计原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。19末20世纪初的新艺术运动时期，许多艺术家都抱有这样的信念，“即使是绘画和雕塑也应该是有用的”，艺术家转而从事产品设计、平面设计和首饰设计是非常普遍的事。比利时新艺术运动时期的艺术家和设计家亨利・凡・维尔德通过设计研究和探索，提出：“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才可能实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”。而由绘画转向设计的彼得・贝伦斯设计了一大批功能主义的产品，为功能主义设计风格奠定了基础。其他参与设计实践和研究的重要人物，还有苏格兰的马金托什和奥地利的约瑟夫・霍夫曼等。正是新艺术运动的一大批设计师和艺术家们，以改天换地的革新思想，探索和实验了设计在新时代下的新形式，为现代主义设计的发展铺设了康庄大道。[3]除此之外，20世纪初叶，包豪斯的伊顿、康定斯基、克利、纳吉等艺术家参与设计研究与教学，转变了原来个人的、行会式的浪漫主义，使设计开始走向理性主义，并推动着科学方式的艺术与设计教育的产生。
4 术与设计的融和
艺术是一种精神生产，它需要通过人的精神活动作用于生活。当今艺术家尤其强调艺术活动与日常生活的联系，强调艺术行为对生活的干预，这同设计师所追求的目标是一致的。纵观整个设计的发展，我们不难看出，经典的设计产品和器物，必然不会是纯粹的“架上之物”，也不会是技术的极端体现，而是艺术与设计和谐交融的产物。
在中国古代设计史中，艺术与设计相互融和的例子不胜枚举。河北省满城刘胜和窦绾墓出土的长信宫灯和朱雀灯在设计的科学性和艺术性统一上具有典型意。[4]东汉张衡的地动仪，不仅有精巧的科学性的结构，其造型设计更堪称是艺术的精品。北宋年间的《山东济南刘家功夫针铺》印刷品招贴，采用了绘画与文字相结合的艺术手法。既实现了信息的有效传达，又体现出独特的传统文化意味。
在西方现代设计阶段以及后现代社会中，设计师对艺术的探索也从来没有停止过。他们利用技术与艺术的融和，创造了一批彪炳史册的优秀设计作品。西班牙著名的建筑家安东尼・高蒂所设计的圣家族大教堂，作为世界上最有影响力的建筑设计作品，同时也是一个高度个人表现的艺术作品，具有强烈的雕塑式的艺术表现特征。芬兰设计师阿尔瓦・阿尔托1982年设计的弯木椅，功能的合理性与材料工艺和美学形式完美的融为一体，成为现代家具设计的经典之作。丹麦家具设计师雅各布森，从“蛋”和“天鹅”的形态中受到启发，设计了两件具有雕塑艺术美感的作品――“蛋椅”和“天鹅椅”，堪称艺术与设计的完美结合。法国设计师菲利普・斯塔克1990年设计的水果榨汁器――的沙里夫，被视为工业设计中的经典之作，同时作为抽象艺术雕塑被收藏于美国现代艺术博物馆。
5 结语
设计是一种综合性的创造性活动，其核心在于满足人们的物质与精神需求，通过人造物使人们享受到生活的品质和乐趣。而艺术是一种精神生产，它通过人的精神活动作用于社会生活。从历史的发展来看，设计与艺术的关系如同一古谚所说――“合久必分，分久必合”。在未来的发展当中，二者也必然会不断地进行交流与碰撞。我们可以说，正是由于设计与艺术的不断融和，才更好地促进着人类社会物质与精神文明持续向前发展。
参考文献：
[1] 陈立勋.艺术与设计的共谋[J].美术观察，2007（2）：108.
[2] 王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：56.
