工艺美术运动成就精选(九篇)
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第1篇：工艺美术运动成就范文
1工艺美术运动的思想
1851年，伦敦“水晶宫”国际工业博览会成功地炫耀了欧美国家工业发展的成就，但的钢铁和玻璃却暴露出机器和美学之间的格格不入，刺激了人们探索新的美学规律的冲动，并试图寻求工业产品与艺术间的某种平衡。19世纪下半叶，理论家拉斯金、艺术家莫里斯的理论实践及其影响促成了英国历史上著名的工艺美术运动。拉斯金反对“纯艺术”和大机器生产，主张艺术家从事设计实践活动，否定单纯制作工艺品的行为，艺术家应当自发地去改造社会，将美学与技术融合，从自然中获取灵感，指引人们的审美走向。莫里斯身体力行地将拉斯金的理论付诸实践，他不满当时社会上流行的矫揉造作的复古风气，认为艺术设计应该服务于大众。他的设计有三个原则：一是崇尚哥特式风格，推崇中世纪的自然风格和手工创作，这样的设计是民族的、有品位的；二是将自然材料以及形态运用到设计中，保留了原始材料的特性；三是注重设计的完整性与统一性，讲究协调，讲究美和功能的和谐。
2英国的建筑设计
英国具有代表性的建筑设计作品是莫里斯于1859年落成的新家——“红屋”（图1），其坐落在肯特郡内科斯利赫斯的郊外，周边地域开阔，环境优美。“红屋”的屋顶和窗户都保持了哥特风格的样式，外部简朴，采光良好，散发着浓郁的田园别墅气息。整体平面呈L型和非对称构造，房屋外表贴满了红色的砖瓦，没有粉刷，绿树环绕。室内装饰和家具用品则是由他亲自设计，秉承了忠实自然的原则，将自然界的植物藤蔓、花鸟鱼虫作为题材，以纯粹的中世纪手工方式创作，功能良好且不乏装饰性。整栋建筑、室内装修与周边环境达到了高度统一，将功能、实用与舒适感完美结合。然而，英国的艺术改革者们反对工业化生产、否定机器产品、主张回归自然、回归中世纪的传统创作模式的思想，显然与工业化潮流背道而驰，这也是英国工艺美术运动的局限之处。…图1
3美国的建筑设计
工艺美术运动的思想漂洋过海迅速传到了大洋彼岸的美国，运动的代表人物阿什比等人先后前往游访，并在美国社会积极宣扬设计思想。美国的艺术家们认为这种风格的设计能展现这个新兴国家的民族特色，更能用来表达个性。路易斯•沙利文和弗兰克•劳埃德•赖特作为受到工艺美术运动影响的芝加哥建筑学派的代表人物，他们的理论和设计引领了美国建筑设计的潮流。沙利文设计的芝加哥百货公司大厦凸显了注重内部功能、强调结构的逻辑性、立面简单利落的设计特征。沙利文最早提出的“形式追随功能”，被奉为功能主义设计的首要准则，功能永远在第一位，形式服从于功能。赖特沿袭并发展了沙利文的设计思想，他主张在建筑设计中，使功能、结构、装饰、环境等能形成一个和谐的整体，这是对莫里斯注重设计的完整性和统一性思想的继承。赖特还有诸多设计理念，包括崇尚自然的建筑观、构筑属于美国的建筑文化、技术为艺术服务等。他认为：建筑本应是自然的一种延伸，建筑是有生命力的；设计师要汲取传统的、有价值的营养，创造具有美国特色的建筑文化，他身体力行地将其草原式住宅保留了门廊这一传统构件；技术的进步能为艺术提供新鲜的血液。赖特的建筑作品充满着天然气息和艺术魅力，源于他对材料的天然特性的尊重，既然材料来源于自然，那么建筑就不应该是一个封闭的几何空间，应该是有生命力的、运动的。因此，他极力宣扬有机建筑，即建筑应与大自然和谐，他的流水别墅便是有机建筑的代表之一（图2），这栋建筑就像是从山林里生长出来的一样，生机勃勃地向四周伸展，粗犷的岩石材质与周围的山石融为一体。内部装饰不是人为的强加，而是如从建筑中生长出来的那般自然。赖特作为世界四大现代建筑大师之一，强调应用现代工业化材料，利用好每种材料的优点，不仅注重建筑自身各个部件的关系，而且充分考虑了人在建筑环境中的地位以及心理感受。加州西海岸的格林兄弟有别于其他建筑设计师，他们更多地执着于手工艺和对细节的把握，这源于他们早年的手工艺创作训练。格林兄弟认为建筑设计是一项艺术活动，所以他们的设计作品不管是外观还是室内，都非常的细腻，且讲究工艺。格林兄弟还受到了日本传统建筑的影响，所以在他们的设计中可以找到日本工艺风格的影子（图3）。
4结语
工艺美术运动更像是知识分子反对工业化的逃跑计划，是没有出路的，但莫里斯作为现代设计运动的拓荒者，他倡导的中世纪手工创作、自然主义、人性化设计等都是难能可贵的探索实践，给后来的设计者提供了新的设计风格参考。更重要的是，美国建筑设计师经受了工艺美术运动思潮的洗礼后，在丰富工艺美术运动设计思想的同时，扩充了设计创造过程中要考虑的因素，着重协调了人与物、功能与形式、传统与现代的关系，发扬了美国式的个性。
参考文献：
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［2］…何人可.工业设计史［M］.北京：北京理工大学出版社，2010.
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［4］…邱佳妮.建筑师的匠心——美国工艺美术运动大师格林兄弟［J］.家具，2014（4）.
第2篇：工艺美术运动成就范文
18世纪工业革命以来，人类进入了一个设计的时代，一个设计观念不断更新的时代。这是一个“物化”的社会，设计渗透生活的各个方面，小到一枚精致的纽扣，大到舒适的城市环境，都是现代设计的文明成果。现代设计最早是从建筑开始的，设计在早期时代便带有浓厚的社会管理性质，美国评论家罗伯特・休斯（Robert Hughes）提出“穷人没有设计”，设计是为贵族服务的。设计是怎样潜移默化进入并影响我们生活的，我们要站在一个社会管理者的角度看现代设计的发展。
放眼古代艺术，从中世纪的美索不达米亚、埃及艺术、希腊艺术、罗马艺术，到中世纪艺术，以致后来的文艺复兴时期艺术，其大都跟统治者有源源不断的联系，这里的艺术带有浓浓的设计意味，艺术主要是为了满足统治者的欲望，为宗教服务的，设计风格也充满着装饰主义色彩。
工业革命是现代设计的开端，工业革命取得的辉煌成就使欧美等西方国家的工业技术迅速发展，工业革命带来的机器大批量生产，使产品外形丑陋不堪，呆板雷同，过分的装饰、矫揉造作的维多利亚之风在设计中日渐蔓延，使传统的装饰艺术因失去了造型基础而成为一个为装饰而装饰、画蛇添足的东西。1851年在英国举办的水晶宫博览会上使艺术家们再也按耐不住内心的愤怒，以约翰・拉斯金和威廉・莫里斯为首的工艺美术运动爆发了，约翰・拉斯金提供理论支持，威廉・莫里斯是真正把理论运用到设计实践中的设计师，他们共同反对机械化生产，提倡回到手工艺作坊生产，注重产品外观，把设计产品推向大众。
对于矫揉造作风格的厌恶，对大工业生产的恐惧，是这个时期知识分子当中非常典型的心态，英国人在19世纪中期开始的“工艺美术”运动探索，其实代表整整一代欧洲知识分子的感受。当时能够真正认识工业化不可逆转的潮流的人其实在知识分子中并不多见，因此在“工艺美术”运动的感召之下，欧洲大陆又掀起了一个规模更宏大，影响更广泛的“新艺术”运动，“新艺术”运动最重要的一点是把自然元素运用到设计当中，重新以自然主义的风格开设计新鲜气息的先河，复兴设计的优秀传统。如法国设计师吉马德设计的法国地铁入口，采用金属结构模仿植物形态，使设计真正的进入大众的生活中。
“装饰艺术”运动与欧洲的现代主义运动同时发生，受到了现代主义运动的很大影响，其最大的进步之处是不再反对机械化生产，不回避新技术新材料的应用，这是相对比“工艺美术运动”和“新艺术”运动的最大的进步之处。“装饰”艺术运动看到了社会发展的必然趋势，对待机械化和批量化问题上也有独到之处，主张批量化生产进入商场，进入人们的生活中。
“现代主义设计”是继“工艺美术”运动、“新艺术”运动、“装饰”艺术运动之后，又一次设计师为寻找能代表新时代的风格，从设计观念、形式、材料、方式等方面进行探索的设计运动。兴起于19世纪初的欧洲，20年代在德国达到，后经美国发扬光大成为国际主义风格，传播到世界各地，其中最著名的现代主义设计五大设计师：沃尔特・格罗皮乌斯、米斯・凡德罗、勒・柯布西耶、弗兰克・赖特、阿尔瓦・阿尔托，他们的贡献改变了整个世界的设计，我们现在住的房子，上课用的教室，坐的椅子，无不是这些伟大的设计师带给我们的，米斯・凡德罗的“less is more”即“少即是多”的思想传播世界各个角落。可以毫不夸张的说其设计思想改变了世界都会三分之一的天际线。
第3篇：工艺美术运动成就范文
美术是人类文化的一个载体，反映了一个民族的多个方面，而当今学生对于本民族的文化和精神却不甚了解，甚至盲目地去“哈韩”“哈日”，因此很有必要结合课本中的绘画工艺等作品对学生进行民族文化教育，让学生体会到民族自豪感。只有对本民族文化有着强烈的认同，他才能成为一个有国家、有民族、有文化归属感的人，才能深入地体会我们的“民族文化”，才能更加真切地体会我们的“民族感”。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，是人类最早认识社会的主要媒体，反映了一个民族的生产方式、思维方式、生活态度。一个民族的凝聚力主要体现在本民族文化和民族精神的认同上，一个民族、一个国家如果漠视民族精神的教育，国家民族意识就会淡漠、虚无乃至异化。我国美术有着悠久的历史和辉煌的成就，与其他国家和民族的美术共同构成世界美术的多元化。而我们在学习美术鉴赏时，要在尊重多元文化的前提下培养学生的民族审美意识。利用教学对学生进行中国传统民族文化教育。
在平时的教学中了解到：很多学生民族自尊心、自信心、出现缺失，文化价值观迷茫。当面对汹涌而来的“韩流”、“日流”时，容易失掉辨别能力。在欣赏张萱的《捣练图》时，首先让学生判断作品从材料上看是什么画，画的是哪个时代的内容？学生的回答很让人寒心，不知道什么是中国画，中国画的分类有哪些；从体型上服装上判断出是唐朝作品，但接下来让他们说唐朝服装的特点时，他们的回答是因为唐朝的服装和韩国的传统衣服很相似，他们是通过看韩剧了解到的。包括他们现在穿的衣服也是追求“韩版”，民族的他们认为土气、俗气，韩版的才是潮流才是时尚，很标准的“哈韩一族”。所以我专门介绍了我国的民族服装，尤其是汉族的服装变化，这些服装自唐以来，就有“汉服”或“汉装”的正式称呼，经历将近四千年，一直自成体系，一脉相承，并深远影响了日本、朝鲜、韩国、越南等周边国家。其中日本的“和服”韩国的“韩服”便是汉服在这些国家的正常延续。
随着时代的发展，以都市青年白领阶层为骨干的“汉服复兴”运动的兴起，在不失传统韵味的前提下，又颇具时尚特征。传统服饰正越来越受到人们的欢迎，而传统服饰的兴起也可看做是中华文明复兴的一种征兆。为了让学生弄清中国画了解其分类及传统的装裱艺术形式，我特地在班内举办了一次小型中国书画展览，内容包括了人物、山水、花鸟，装裱形式有立轴、册页、手卷、帛画、横披、镜心等，直观的教学手段使学生掌握知识轻松愉快，同时感到中华文化的博大精深，产生民族自豪感。中国古代工艺美术是中国古代人们生活的反映，它既体现了人们生活方式和审美意识的演变，又体现了社会生产水平和社会文化艺术的发展过程。通过教学可以使学生了解中国古代工艺美术的发展历程，熟知其各个历史时期的工艺图特点和民族文化特色。
尤其是通过对多工艺制作、艺术特色、文化特点方面的了解，亦可感受到我国历代工艺美术创造的伟大和艺术的光辉。对于具有中国传统特色和民族风格的中国工艺美术作品，使学生对其有一定的鉴赏能力和审美情趣，并为此培养良好的文化素质修养。比如从古到今一直流传的在世界上影响非凡的瓷器，以青花瓷为例，南京古陶瓷收藏专家周道祥先生认为，青色在古代时是人们喜欢的颜色之一，不容易使人产生视觉上的疲劳；除此之外，青花瓷还有一系列“隐喻”之意，古时的读书人希望“青出于蓝而胜于蓝”，走上仕途后便有“青云直上”的愿望，渴望做一个人民爱戴的“青天”，甚至在卸甲归田之后，还希望能够“名垂青史”，“留取丹心照汗青”。“青”在当时士人心中的分量可见一斑。如今，我们日常用的碗筷、茶具等物品上也都不难发现青花的影子，足见“青花”在国人心中的地位和情结。青花瓷润澈通透，古色古香文化底蕴十足。中国的瓷器传统最早起源于餐具的制作，仿中国古典青花瓷器的作品别有一番味道，比如成套的青花瓷制茶具、带盖儿的青花瓷杯、素静雅致的花瓶等，选上一套摆在家中，既增加了古香古色的文化情趣，也给居室增添了一份温馨。
“素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆……”青花瓷不仅成为了歌曲传唱中国风的对象，而且现在的一些服装上也印制出了青花的纹饰，尤其以青花旗袍著称。所以在介绍瓷器时展示一些青花旗袍的图片，银白色的旗袍上淡蓝色的花纹，每一处都惟妙惟肖，每一笔都淋漓尽致，青花之美跃然于银白色打底的旗袍上，尽显出一种古代高尚典雅的美好。青花旗袍，将温润的肤色、细腻的白绸以及青花绣结合起来，充分展现了东方女子的清韵，再配以周杰伦的《青花瓷》，学生的感官刺激很强烈，感受颇深，对于中国传统服装有了全新的认识。另外，在介绍民间美术时，要求学生收集一些旧的年画、剪纸、玩具、草编等。尤其在收集草编时，学生亲眼看见棕叶在民间艺人手中折来折去，一会儿一个活灵活现的蝴蝶就出来了，可以说是很有说服力和感染力的教学了。
第4篇：工艺美术运动成就范文
但不同的是中世纪时期是受着宗教的统治，因此，织染工艺上的大多数主题都与宗教题材有关，只是装饰纹样都是缠绕弯曲的花草纹样。如《珠绣圣像》中背景的缠绕花草的图案。新艺术运动与巴洛克艺术有着很大的相似之处，巴洛克的形式与内容大致有三个方面。首先，它追求标新立异，把人们的创作思想与艺术的形式与内容发展到一个崭新的阶段。其次，强烈奔放、豪华壮观、奇特玄妙和大气磅礴，是巴洛克艺术的风格特征。再次，特别注重作品的外在表现形式，强调形式上的多变和气氛的渲染。作品充满韵律、量感和空间感，充满立体的富有变化的艺术效果，充满强烈的动势和生命力。被誉为“天才”的安东尼.高迪，他的建筑设计标新立异、奇特玄妙、豪华壮观、大气磅礴这些特点都不容质疑。从米拉公寓、举埃尔公园、巴特罗公寓可以看出，米拉公寓那类似于溶化的冰淇淋的造型、巴特罗公寓那类似骷髅的阳台都可体现。个人认为，高迪所属的时代虽然是新艺术运动，作品风格也与新艺术运动风格相契合，但他作品所具有的独特个性以及所取得的成就远远要高于新艺术运动。纵观整个建筑史，从古希腊的建筑，如帕特农神庙，到古罗马建筑；从中世纪的哥特式建筑，如圣德尼教堂、巴黎圣母院、夏特尔教堂、圣徒小教堂到巴洛克建筑，如圣卡罗教堂，他的建筑在整个建筑史上都独树一帜。装饰艺术运动中与洛可可艺术在某些方面有着相似之处。从外部造型上来看是注重几何化、机械化，从几何形式到有抽象形式再到几何象征性诸多风格，但从设计背后来看，装饰艺术运动中的作品极尽奢华之能事，如家具设计中，选材上大量采用进口的贵重木材，装饰上采用象牙、动物皮革等材料，进行奢华装饰。
二、装饰艺术运动的服务对象主要是少数的高阶层人群
而洛可可艺术中，它的主要服务对象是法国巴黎的皇室阶层，从凡尔赛宫的居室中的装饰便可见一斑。我们不难发现，大部分真正的设计大师并不是学设计出身的，其原因有三。首先，正是由于他们本身不是学设计的，所以不会被一些条条框框，一些规律法则所束缚。正所谓“无招胜有招”。其次，源于兴趣。通常他们不是为了设计而设计，而是为了兴趣而设计。如，工艺美术运动中的查尔斯·罗伯特·阿什比，早期是在英国剑桥大学学习历史，而后学习设计；查尔斯·沃赛早期从建筑学徒出身；爱弥尔·盖勒早期是一位植物学家、矿物学家，后来成为了一位具有高度创造性与艺术性的玻璃品工艺师。在他的作品“镶有蜻蜓的器皿”“镶嵌花纹玻璃瓶”等中，都可以看到那些独特的纹样，从这些作品也可以看到它早期的专业知识对他设计作品的影响。而且，他们不仅能在某个特定领域取得成就，还能涉及了多个领域，这也是一个良性循环，当初的所见所得同样也会在其他领域指导并发挥作用。如工艺美术运动中的奠基人威廉.莫里斯，他是一位著名的设计家、诗人和社会主义者，他的设计包括书籍设计、染织设计、家具设计。查尔斯.罗伯特.阿什比的设计包括金属器皿设计、家具设计；沃塞设计领域包括家具设计、纺织品设计和墙纸设计等；新艺术运动的设计师米恰，设计领域包括招贴画、广告画和商品包装画、首饰设计、建筑设计（1899年，为巴黎举行的国际博览会设计了波黑展馆，并获得了银牌奖）油画、邮票设计（为自己的国家设计第一套邮票，用自己的方式为国家贡献自己的力量）。比利时的新艺术运动的发起人之一亨利.凡.德.威尔德是著名的理论家，建筑家和家具设计、平面设计、织物和瓷器设计师；装饰艺术运动时期的漆器大师让杜南，设计领域涉及家具设计、屏风设计、首饰设计、以及诺尔曼游轮的大饭厅等。这些足以说明了设计师们涉及设计领域的广泛。最后一点，创新。他们拥有自己的东西，例如，建筑领域的专业知识，科学领域的专业知识（植物学、矿物学），这些领域的专业知识再结合设计，极有可能创造出与设计史上所不同的设计风格，在他们的作品中有着反应自我的东西在里面，如盖勒，从他的作品中能看到许多植物图案，而且在颜色的运用方面，有很多类似于矿物颜色。包括一些作品中形成的偶然性的肌理。有很多作品给人一种偶然性的、略带神秘的无法复制的自然形成的美。正是由于自身的经历，创造出了不同于以往的设计风格。在平时生活中看的电视、短片、图片、艺术品，也会引起相应的反思。如奥运频道NBA篮球赛中，每场间隔时的花絮是用蔓延的花草藤蔓的形式来与球员进球镜头相结合，这个花絮中的设计手法就是源于19世纪末、20世纪初的新艺术运动，这种表现手法与劲爆的进球结合，也产生了区于以前的另一种感觉——刚柔并济。在生命科学研究所不难看出它的建筑就是现代艺术运动中类似包豪斯学院的建筑，在几幢楼之间有长长的玻璃走廊连接着。在一个会议室中可以清楚地看到局部实验室的情况（包豪斯魏玛学院几乎可以看到所有房间）。延之，想到现在普遍谈论的一个话题，就是现代建筑没有了自己的民族特色，地域文化特色这一现象。个人认为这还是要看设计对象的特征。比如，生命科学院是一个注重理性、科学性、逻辑性、严谨性的地方，它的建筑设施要与它的内容、特征相结合，那就是实用性、功能性第一。其次，在不破坏这些的情况下，一些细节上的装饰可以让人有种空气感，如门窗上玻璃纸缠绕藤蔓的花草纹样。用于其他功能的一些建筑，如：剧院、商店、场馆等，这些建筑的设计空间很大，就可以加入更多富有特点的民族文化元素在里面。
三、学习美术史、艺术概论、设计史、设计概论后可以看到几千年来，艺术的表现形式不是单一存在的，是多种多样的。
第5篇：工艺美术运动成就范文
让中国传统的精致文化回归
当下，用技术代替艺术，用机器代替手工，用共性代替个性，用数量代替质量的问题十分突出。大规模的机器生产加工，使产品越来越冰冷。具有文化内涵的生产被边缘化了，使得“工匠精神”没有了市场。
其实“工匠精神”契合供给侧结构性改革大战略，如此一来，评价产品的好坏就不再以机械化生产程度的高低来评判，而是要看产品的设计、创意、文化内涵，看产品的人性、温度和活着的灵魂。这些都有了，产品才能有“品质”。这个“品质”，更多的应该是强调中国传统文化、精致文化的回归。
中国是一个很精致的国家，我们现在提“工匠精神”，实际是要回归到精致文化的本来面目，回归到它的文化本体。对于精致文化的内涵，我觉得包括了职业良心、职业信誉、职业忠诚等重要特征。从生产的角度看，我们不应该把生产者个人的创造性、个人的审美、个人的情趣、个人的技艺、个人对产品的理解，淹没在工业化、机械化的生产之中。
随着消费领域的不断扩展，产品的工艺品质、个性内涵、性价比成为关注的重点，只有品质过硬、个性突出、性价比好的产品，才会越来越占领市场。“工匠精神”，就是在为工匠正名，要让他们有应有的社会地位和尊严，要对他们做新的价值判断，让他们有应有的价值。
“工匠精神”，是一种伟大的精神，是中华民族的精神，是非物质文化的灵魂。同时，“工匠精神”也应该是大众文化，是个人成就事业的核心所在，由此推动人人可以成才。所以工匠精神的研讨，要跳出工艺美术各自小的专业领域，既要在“术”的层面讲工匠精神，也要在“道”的层面上讲工匠精神。
工匠精神是一种情怀、道德与操守
中国曾经是并且现在也依然是一个工业制造大国，但制造大国不等于制造强国。之所以我们还没有走到制造强国这一步，原因在于一种精神的缺乏，即缺乏精益求精的工匠精神。
说到手工艺创作，其实在中华手工艺精神中，工匠精神是最重要的组成部分。中华手工艺始终保持贯穿着一种伟大的工匠精神，或者说就中国工艺美术发展历史而言，这种工匠精神不仅不缺乏，还始终处在世界领先地位。但眼下，我们的传统工匠精神在流失，在当代手工艺创作中，这样的工匠精神甚至在大量流失。
说到工匠精神，我们首先会想到的是精益求精的精神。就历史悠久、传统深厚的中国手工艺而言，成体系的工匠精神远不止于精益求精这样一种内涵，它是一个非常丰满的精神价值结构。它包含信仰因素；包含中国人以“天工”把握世界万物的一种基本认识；包含对自然界和人类社会发展规律的深刻认识，对“工艺”神圣性的执着坚守。所以中国古人说：“家有良田万顷，不如薄艺在身。”有了在身的薄艺，我就可以改变人生，改变命运。中国工匠一直强调格物致知，强调天工开物，强调物尽其用，强调立功成器，强调利用天下，这些都是作为工艺行为指南的信念、思想，是信仰性的东西。
在我看来，工匠精神也是一种情怀，是工匠处事，面对世界、面对工艺的一种自信，是天、地、人三才中，人傲立于世间的一种蓬勃的人性情怀。中国工匠因此强调以己度物、缘心感物，强调用沉静之心去感知和体贴世界，强调技术上的得心应手。这样的情怀很重要。工匠们因此以人性之心面对自然，面对工作。他们像对待自己的朋友、手足一样对待工具，像对待自己的生命一样对待自己的作品。正因为有着这样的情怀，我们所身处的世界，我们所造就的世界，或者我们所关心的世界，才成为一个温情的世界，一个不是只有冷冰冰物质的世界。支持我们去感知感悟的这种主体情怀，于今非常重要。对于往往冷漠地对待一切的当今社会，这种情怀尤其重要。
工匠精神还是一种态度。包括严谨认真、刻苦勤奋、精益求精、一丝不苟、执着坚毅、敬业进取等，都是这种态度的重要内涵。中国工匠、中国的手工艺，真是了不起。我们的丝绸、陶瓷等之所以始终处于世界领先地位，都是这种态度下的产物。这些工艺态度的内涵，我们今天应该好好发掘和梳理，更应该在工艺实践中好好坚持。
工匠精神同时也是一种操守。中国手工艺行业有非常多的道德规矩，从原料采伐，到入行事艺，到工艺制作，以至到出品销售，手工艺所涉及的各个环节，行业传统中都有大量操守上的原则性讲究。不做假、不欺世、不懈怠、不苟且，工匠总是强调安分守己，强调以诚相待，强调尽善尽美……这些操守非常可贵。我们会读到历史上手工艺行业的很多故事，先人们在操守方面作出了很好的行为表率。这一切是我们今天需要很好地去发掘、去认知、去研究的宝贵精神财富。
创新不能伤害传统工艺
工艺美术深含着工匠精神，但光谈精神是不够的，如果没有措施、体制的保证，就难以兑现我们所要发挥的精神。过去，工匠带有贬义，但现在是一种认可的名称，这是好事。我们要根据现代生产、生活的发展需要，把传统进行推广，但创新不能伤害传统的工艺，不能失去原有的特色。
让工匠精神回归 是现代工业文明的开始
工匠精神这个话题，从政府到民间形成了高度共鸣。工匠精神的失落问题反映了当前普遍存在的社会焦虑，也促成了非常重要的一次文化反思运动。中国工匠精神的失落，伴随着中国近百年来剧烈的社会变迁，整个中国从传统社会向现代社会转型的过程中，都在快速学习、急速奔跑、拼命追赶。“速度为王”曾是我们的社会共识或普遍心理，如今经济发展到了新常态，我们需要稍微放缓脚步，找找自己的短板，思考决胜未来的动力。此时谈工匠精神的回归，是中国制造业理性建立自己的工业文明和现代手工业文明的开始。
一个匠人的技艺是在不懈努力的实践中慢慢提升的，无论在哪一个阶段，即使功成名就，仍保持这种态度，不断精益求精，就已经具备了工匠精神。做一件事，是一生的追求，不离不弃，就是一种坚定的信仰，是奠定工匠精神的坚实基础。
第6篇：工艺美术运动成就范文
【关键词】德育 美术教育 渗透
德育作为社会主义精神文明建设的一个重要内容，德育是社会主义教育的重要组成部分，学校是实施德育最重要的基地，德育是学校教育的灵魂，而中小学美术教育在德育方面也有着不可推卸的职责。下面就本人作为一名中学美术教师如何在中学美术教育中，把美育和德育有机地结合起来，谈谈自己的几点体会。
一、利用教材渗透德育
美术课不是政治课、品德课，不是靠理论说教和标语口号式的教育，而是靠视觉艺术形象或通过艺术审美活动感染、熏陶，使学生了解历史，丰富知识，陶冶情操。比如通过讲述达?芬奇的代表作品《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》的构思、布局、色彩，介绍了14世纪始于意大利的文艺复兴运动；通过讲雅克路易?大卫的代表作品《马拉之死》的创作背景，向学生展现了18世纪法国大革命的风暴；通过介绍德拉克洛瓦的名作《自由引导人民》的构图特点，讲述了19世纪法国人民反对王权复辟的斗争史。这些讲解，不仅使学生重温了过去学过的世界历史的知识，加深了理解，而且感受到了艺术的魅力，受到了美的熏陶。
二、创设情境渗透德育
美术是一种偏于视觉艺术而不是客观事物简单的再现，大多数学生观赏作品时，只停留在美不美、像不像的初步审美层次上面，很难体悟到作品的意境及其在人们心灵上所起的联结思想。因此，在美术教育中，应该让学生欣赏美的和谐与平衡，学会区分什么是美，什么不是美，让他们欣赏美的作品，鼓励他们画出美的作品。在平时的教学中，要以素质教育为核心，创设形式多样、别具一格的教学情景，使学生在特定的情景中受熏陶和感染，激发学习兴趣，从而获得丰富的艺术感受，提高审美能力。同时，要充分发扬民主，尊重学生的人格。积极探索开放性的、多元化的自主型的个性化的现代学生美术教学方法，对儿童进行认识美、爱好美和创造美的教育，渗透德育教育。
三、多种教法渗透德育
在工艺美术教学过程中，结合服装的艺术欣赏，使学生了解各种服装的艺术特点，引导学生认识如何着装才能体现青少年的青春活力，做到仪表美。在介绍油画艺术时，油画这一艺术品种来自西方，但却是在中国这块黄土地上生根、开花，由中国画家耕耘、哺育，在中国文化艺术的滋养下开花结果的。今天的中国油画，已经不再是当年的“西洋画”，而是带有一些东方中国民族与地方的特色，如意境的追求，写意的笔法等等，从而激发学生的民族自豪感。再通过介绍我国历史绘画、雕塑、工艺美术及建筑艺术在世界美术领域中产生的重要影响和贡献，激发学生的民族自尊心和自豪感。如，中国传统绘画中的山、水、花鸟、人物画，它经流数千年的历史领域直到今天还在继续奔流向前，这是世界绘画史上很少见的。在表现风格上，除了西方绘画有相同的一面，还具有与西方绘画迥然有别的许多民族特色。为此，使中国绘画在世界绘画之林中独树一帜。此外，中国的雕塑、工艺美术和建筑艺术也具有很高的成就。如陶器、青铜器、宫殿、寺庙、园林建筑等，无不闪烁着我国人民的勤劳和智慧。以此增强学生热爱祖国、热爱民族的自豪感。
四、教学评价渗透德育
新课程认为：“美术评价是促进学生全面发展的重要环节，美术评价既要关注学生掌握美术知识、技能的情况，更要重视对学生美术学习能力、学习态度、情感与价值观等方面的评价，强化评价的诊断、发展功能以及内在激励作用……行之有效的评价，是能够诊断学生学习中遇到的问题，促进学生学习，即能够充分肯定学生的进步和发展，并能够使学生明确要克服的弱点和发展的方向。”美术评价主要包括对学生学习活动的评价和美术作业的评价。对学生学习活动的评价，主要表现为教师的教学基本功和教学的机智，一个好的教师要用自己独特的人格魅力，个性化的教学风格，生动有趣的教学语言，来影响学生的学习行为，要耐心细致地听学生的发言，真诚地表述自己的意见，启发学生积极思维，引导学生深入学习。
在保持学生学习美术兴趣的同时，有时，只要一句赞赏的话，一个开心的笑，一个幽默的动作，就能宣泄和释放出学生在情感上的不良情绪，使学生体验到和升华美好的情感，从而促进学生身心健康发展。美术作业的评价，也具有一定的德育作用，教师给予的评语，对学生个人以及整个班级都具有导向作用。
第7篇：工艺美术运动成就范文
关键词：仕女雕刻;砂岩石;四大美女;雕刻手法;
文章编号：1674-3520（2015）-10-00-01
人物雕刻是石雕的一大品类，传统人物雕刻更是占有较大比重。传统的人物石雕题材众多，有宗教题材、神话传说、历史人物、文学名著中的人物等。雕刻艺术发展至今，产生了众多的艺术表现形式：一些同山水搭配的人物作品，如“竹林七贤”、“三顾茅庐”、“松下问童子”等，表达了人物寄情山水之景，以景达情，耐人寻味;一些脍炙人口的历史故事，如“将相如”、“苏武牧羊”、“貂蝉拜月”、“昭君出塞”、“贵妃醉酒”等，以大众所认知的角度，将人物放置于历史特定的大背景下，通过典型环境，表达人物的内心世界，塑造人物的典型形象。
一、仕女雕刻艺术的传承与探索
仕女是人物类雕刻中最多的。仕女本意是指官宦家的女子，在工艺美术中泛指所有古装青年女子，包括了我国神话传说、历史传记和小说戏曲中的古装女子形象。[1]如：嫦娥、西施、杨贵妃、王昭君以及《红楼梦》中的众多女子等，都是脍炙人口、为大众所喜闻乐见的仕女题材。在业界，传统塑造美女的概念是“新月眉、鹅脸蛋、樱桃小口杏子眼;杨柳腰、削双肩，纤纤细手步态缓” 。这几句话，勾画出了一个具有大家闺秀之气、体态窈窕的佳人形象。许多雕刻者也是按照这个标准来雕刻仕女。
在古代，不同的着衣特点代表着不同的等级阶层，宫廷贵族与平民百姓的衣着均有着规定的样式。同样，仕女形象也有等级之分，服装也多样，如四大美女之一的西施在还未遇到范蠡前是一个浣纱女，她的穿着打扮就是一个村妇装扮，后来到吴国后就是宫妆打扮了。另外，不同朝代的服饰、打扮也不同。所以在雕刻仕女时，传统雕法主要用写实的方式表现古典题材，除了注重对仕女的整体形象的塑造之外，也十分注重对仕女服饰、装扮的处理。不过，随着时代的发展以及社会需求的不断变化，要想在人物雕刻方面跟得上时代的步伐，适应人们的审美需求，就要求雕刻者必须在传统的基础上加以创新，吸收现代科学的方法，讲求人体比例结构和运动规律，并与传统技法相结合，创作出符合当代审美情趣的作品。
仕女雕刻怎么突破传统，创作出符合当代审美情趣的作品？笔者从业几十年来一直都在探索研究。作为仕女形象的典型代表，中国历史上的“四大美女”，不仅在我国妇孺皆知，在世界上也享有一定的美誉。四大美人有着倾国倾城之貌，关于四位女子，不仅流传着众多富有浪漫主义色彩的小故事，更充分体现了中国传统文化的丰富内涵。“沉鱼、落雁、闭月、羞花”四大美女的典型称呼里所包含的历史典故，更是受历代雕匠喜爱。
二、砂岩石的雕刻题材广泛
砂岩石作为使用最广泛的一种建筑用石材，是笔者较为喜爱的一种创作材料。因它颗粒细腻，质地较软，颜色和纹路等富有特色，所以雕制成工艺品的砂岩石更是有着非常高的欣赏和收藏价值。几百年前用砂岩装饰而成的建筑至今仍风韵犹存，如巴黎圣母院、罗浮宫、美国国会，哈佛大学等，砂岩高贵典雅的气质成就了世界建筑史上一朵朵奇葩。最近几年，砂岩作为一种天然建筑材料，被追随时尚和自然建筑设计师所推崇，广泛地应用在商业和家庭装潢上。在雕刻行业，沙岩石广泛用于雕刻人物、动物、花鸟、山水风光、文具、器皿及其他多种艺术品。
三、四大美女的雕刻手法及艺术内涵
在雕刻手法上，笔者因材施艺，充分利用石质、石形、石色来确定相应的造型。运用娴熟的刀法，结合笔者细腻精美的雕刻技法，将古代四大美女的美妙身姿呈现出来，让四位美女雕刻形神结合，各有其美态：西施身姿婀娜，手指轻捻，不笑却有笑之美;昭君抱琴而立，神情略带忧伤，带着一股不舍之情;貂蝉站在放着酒壶的亭台石桌旁边，虔诚的拜月身影顿时让月光黯然失色;杨玉环手拿酒杯，脸上略显醉意，神情落寞，眼神迷离，呈现出醉酒的美态。四位美女的头发丝丝缕缕，条纹清晰，如真的一般。她们的衣服雕刻精细，与头饰相配，将她们各自的身份体现出来。
另外，笔者摒弃了传统宫廷仕女衣纹繁复、装饰精美的形象，在雕刻四尊美人时，着衣、头上装饰整体呈现简约状，一个发髻、一道衣纹、一条风带都精雕细琢，，力求简约以及细节的真实，搭配流畅的整体线条，圆润自然，婀娜动人，让人觉得一切总是恰到好处。笔者的这套作品从不同人物主题思想出发，细腻刻画人物的内心世界，以表现各自的典型性格和形象，增加人物的艺术真实感。
在雕刻表现上，笔者讲究人物风度和衣纹的转折、飘逸、舒卷。所谓“风度”，是指人物的动态、身段、手势和眼神。所谓“衣纹”，是指人物在一定动态形式下衣服所形成的皱褶。这套作品把貂蝉拜月、昭君出塞、西施浣纱、贵妃醉酒的不同动态形式，细腻地表现出来，衣纹的变化也处理得十分柔和，对胸部、肩膀、腿部等部位进行了写实刻画，增强了身段和动态的美感。并且让衣纹走向与人物动态形式一致，衣服的质料，风吹的感觉及人物的运动节奏都得到表现。所谓“风摆罗衣”就是这个意思。而袖兜、裙摆等处则通过“虚”的表现手法，刻画出衣纹的翻转折叠，以示其内部有回旋的余地。把“内有空气、外有风度”表现得淋漓尽致。另外，这套作品还最大限度地将飘带刻画得转折回绕，飘洒舒卷，增强了人物轻盈、飘逸的动态感，给人以回味和美的感觉。
最让笔者满意的还是在这套作品上使用了“开眼”技艺，针对四大美女不同的人物性格，笔者使用了不同的开眼技法，让整套作品达到“心融意艺、形意传神”的境界 [2]，即使是同一个年龄阶段，同一种性别，外国人和中国人的眼睛也不一样。对于小件的砂岩石人物来说，要“开眼”是有一定难度的，很考验雕刻者的功力。笔者在雕刻时，认真研究了四大美女的性格特点，以及典型环境里的不同眼神表达，通过不同的角度、形状和技法，赋予四位美女不同的眼神内涵，真正达到“形、神、韵” 的和谐统一。
参考文献：
第8篇：工艺美术运动成就范文
关键词：景泰蓝；装饰性；纹样；创新；东西方
一、景泰蓝的概述
1.1景泰蓝的历史
景泰蓝，历史上称为珐琅器，工艺上称为铜胎掐丝珐琅，是北京著名的传统特种金属工艺品。在明朝的景泰年间（1450-1457），这项工艺已经十分成熟，尤其是蓝色釉料有了新的突破，像蓝宝石般浓郁的宝蓝，高贵华美，所以，被称为景泰蓝。这一古老的艺术瑰宝发展到现代，虽然景泰蓝作品已是各种色彩具备，但仍然沿袭着习惯称谓景泰蓝。
作为我国的传统工艺品，景泰蓝纹样繁复美观，没有固定模式，全凭工匠创造，集我国传统纹样之大成，有其独特的文化性，是独特的视觉语言。
1.2景泰蓝的工艺与制作
景泰蓝的制作工艺是先用紫铜制胎，而后用细铜丝轧扁后，以手工掰成各种花型图案，先掐、后焊，让其牢固地贴在紫铜胎体上，再加上各色珐琅釉料，经过烧制、磨光、镀金等多道工序后，才能最终完成。景泰蓝的制作工艺，既运用了青铜和烧瓷的传统技术，又吸收了传统绘画和雕刻的技法，制作而成的工艺品具有浑厚凝重、富丽典雅的艺术特色。有关景泰蓝这种工艺的起源，由于历史文献记载不足，而且缺少具有可靠年款的制成品作为断代依据，所以专家学者的看法多有不同，目前尚且难以定论。目前最集中的看法有两种。其一，景泰蓝的工艺起源于中国。早在春秋时期，越王勾践剑的剑柄上就已经嵌有珐琅釉料；满城出土的汉代铜壶，壶体上也用珐琅作为装饰；日本正仓院所藏的唐代铜镜，镜背面的花纹上就涂饰着各色珐琅。中国金属工艺中，珐琅的运用历史悠久，只是由于种种原因，这种工艺制作没有得到继续的发展，直到明代，才迎来了它的繁荣时期。其二，景泰蓝工艺在我国的出现始于元朝。忽必烈西征时，这种工艺从西亚的阿拉伯一带传入中国，首先在云南一代流行，以后受到京城人的喜爱，得以传入中原。据《新增格古要论古窑器论大食窑》记载大食窑出于大食国。以铜作身，用药烧成五色花者，与佛郎嵌相似。尝见香炉、花瓶、盒子、盏子之类，但在妇人闺阁之中用，非士大夫文房清玩。世又谓之鬼国窑，今云南人在京多作酒盏，俗称曰鬼国嵌，内府作者，温润可爱。我国古代的工匠们很快地掌握了大食窑的制作技艺，并结合我国本土的传统工艺技法，几经改良，制作出了具有民族特色的崭新的金属胎掐丝珐琅器景泰蓝。此时，珐琅的译名有十几种，如佛林、佛郎、发蓝等。
以上两种看法对于景泰蓝工艺的起源虽有很大的分歧，但其中有一点则是相同的：这种工艺并非始于明朝的景泰年间，其历史渊源可追溯到元朝甚至更久远的年代。另外，学界也公认：景泰蓝能在短期内有极高的艺术成就，主要原因是元末明初，中国已经具备了成熟的铸铜等冶金技术以及玻璃、琉璃的制作技艺，且掌握了控制煅烧的温度，为景泰蓝工艺的发展创造了良好的条件。明清两代，景泰蓝工艺得到了极大的发展，成为中国传统工艺美术领域中的一枝奇葩。
可以说，景泰蓝的制作工艺既运用了青铜工艺，又利用了瓷器工艺，同时又大量引进了传统绘画和雕刻技艺，堪称中国传统工艺的集大成者。
二、景泰蓝纹样的价值与局限性
2.1景泰蓝纹样的价值
北京有着数百年的国都历史，是集全国优秀的人才与各种技艺并使之相融之地，可谓是物华天宝，人杰地灵，北京的文化艺术成就也正是来源于这种得天独厚的优势。作为景泰蓝工艺主要的发祥地和最为重要的产地，明代的御用监和清代的造办处均在北京设有为皇家服务的珐琅作坊。
北京景泰蓝工艺最初的兴盛是在元末明初，至明代，北京的景泰蓝工艺已经趋于成熟。清代是北京景泰蓝工艺发展的又一高峰期，景泰蓝工艺得到了空前的发展。在风格上，此时的景泰蓝工艺品不仅继承了明代景泰蓝的豪华、古典、雅致，而且也开始呈现出纤巧而绮丽的风格特征。同时，景泰蓝工艺品鲜明的民族风格开始引起西方人的注意，并得到了他们的青睐，景泰蓝工艺品开始作为重要的外销商品出口，这就使得景泰蓝的生产得到了一定程度的恢复和发展。自此，北京景泰蓝在国际上声誉大振，各国客商纷纷前来订购。民国至解放前，由于整个国家形势处于动荡之中，北京景泰蓝工艺的发展和全行业的生产经营也基本上处于徘徊、低落的状态。原料成本提高、市场购买力削弱、从业人员锐减等原因，使得景泰蓝行业奄奄一息。解放后，国家对于传统工艺实行了抢救、保护和扶持的政策，景泰蓝工艺也得到了恢复和发展。到1958年，北京已先后成立了北京景泰蓝厂和国营北京市珐琅厂。1958年成立的北京市工艺美术学校还开设了金属工艺专业，专门培养景泰蓝设计人员。这一时期，景泰蓝行业获得了快速的发展，景泰蓝工艺无论在造型和装饰纹样上，还是在色彩及艺术水平上，都有了很大的发展和进步。
现如今，工艺美术品一般都具备实用价值、鉴赏价值、收藏价值、荣誉价值。当然景泰蓝也不例外。我认为，景泰蓝的价值最主要体现在其装饰纹样上。
景泰蓝艺术除了它本身奇妙的创思以及精湛的工艺，最夺人眼球的是其完美的装饰纹样。叶圣陶先生曾在《景泰蓝的制作》一文中描述到：“掐丝工人心里有谱，不用在铜胎上打稿，就能自由自在地粘成图画。他们简直是在刺绣，不过是绣在铜胎上而不是绣在缎子上，用的是铜丝而不是丝线、绒线。他们能自由地在铜胎上粘成山水、花鸟、人物种种图画，当然也能按照美术家的设计图样工作。反正他们对于铜丝好像画家对于笔下的线条，可以随意驱遣，到处合适。美术家和掐丝工人的合作，使景泰蓝器物推陈出新，博得多方面人士的爱好。粘满了铜丝的铜胎是一件值得惊奇的东西。且不说自在画怎么生动美妙，图案画怎么工整细致，单想想那么多密密麻麻的铜丝没有一条不是专心一志粘上去的，粘上去以前还得费尽心思把它曲成最适当的笔画，那是多么大的工夫！一个二尺半高的花瓶，掐丝就要花四五十个工。咱们的手工艺品往往费大工夫，刺绣，刻丝，象牙雕刻，全都在细密上显能耐。掐丝跟这些工作比起来，可以说不相上下，半斤八两。”由此可见，景泰蓝装饰纹样的价值是如此的珍贵。
2.2景泰蓝纹样的局限性
一般认为，宣德、景泰时制作精细，嘉靖、万历时则掐丝渐趋潦草，色调也由以冷色为主渐变为以暖色或中间色为主。掐丝珐琅毕竟来源于西方，在中国生根后，也始终没有改变色彩丰富明艳、图案精细繁密、效果富丽华贵的面貌。因此，明人以为，掐丝珐琅只能“供妇人闺阁中用，非士大夫文房清玩”。
虽然景泰蓝纹样是一种传统纹样，但随着时间的流逝，景泰蓝艺术以及其装饰纹样并未被现代设计者与消费者所关注。其实，景泰蓝纹样在现代设计中，能够提供极为多样化的表现形式。现如今的景泰蓝纹样大多停留于形式美法则，仅仅把传统纹样作为构成元素，并没有推陈出新的打破以前的传统纹样。大部分的景泰蓝艺术品虽然都强调其浓烈的民族特色，但区别不足，难以凸显景泰蓝艺术品的个性。
三、景泰蓝的纹样创新
3.1景泰蓝艺术的传统纹样
首先，景泰蓝纹样的本质可以概括为功能基础、符号意义及审美价值三个方面。纹样是装饰花纹的总称，又称花纹、花样，也有泛称纹饰或图案的。从其艺术的本质来说，它必须附存于工艺品或工业品的本体上，从这个意义上看，她不具有独立的价值。纹样是装饰的属性，一般应与装饰联系起来探讨。
其次，在纹样的演变方面来看，我国纹样的历史十分悠久，如果以运用纹样做为器物装饰甚为发达的彩陶文化算起，也已有六七千年。从这漫长的纹样的发展过程来看，它具有渐进的、阶段性的性质，这可以从遗存的各类装饰器物中明显地看出来。它的演变进程，是人们生活的发展、拓宽和深化的过程，也是人类文化从低级到高级、从简朴到丰富的提高过程。因此，景泰蓝的装饰纹样也应随着人们生活而创新改变。
再次，在纹样的审美方面来看，景泰蓝的装饰纹样包括最简单的形式元素，或称基本元素，即点和线。也包括一些基本形，可以分为二次元的平面效果和三次元的立体效果。另外，其形式法则也不容忽视。在美学著作中，谈到形式法则，通常是从固定的格式，如统一变化、对称均衡、比例节奏、尺度安定等方面来论述。
最后，在景泰蓝装饰纹样的组织上，用我国习用的传统定名可分为：团纹、散纹、带纹、网纹四种。其变化的方法主要有简化、添加、分解、组合四大类。
3.2西方的现代艺术特征
西方现代艺术由各种不同类型的视觉风格组合而成，是基于科学和理性基础上建立的，是西方数百年来的思想文化核心。现代艺术，又称现代派艺术，很难有一个准确的定义。大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来，区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。现代艺术的特点在于打破艺术家、作品和观众之间的区别，主张艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。
现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代――现代――后现代。无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“传统”进行比较后才产生的看法。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神。
3.3景泰蓝纹样的中西合璧――融汇东方传统美学和西方现代艺术风格
清代的画珐琅产在北京和广州，而如服务于宫廷的郎世宁等外国传教士也曾参加绘制。乾隆时代，画珐琅极盛，宫廷的制作带有较浓郁的中国风貌，而广州的产品则受西欧影响较深。
现在看来，西方现代艺术体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。“冰起于水而寒于水，青出于蓝而胜于蓝”。后现代主义是起源于现代主义内部的一种逆动，是对现代主义纯理性的反叛，终日面对冷漠呆板的设计人们已感到厌倦，它表达了人们对于具有人性化、人情味艺术品需求的心声。
因此，我国景泰蓝艺术的装饰纹样可以中西合璧，融汇东方传统美学和西方现代艺术风格，创造出新颖的装饰纹样，更加充分的体现当代设计的人性化与以人为本。
四、景泰蓝纹样与品牌包装的结合应用
4.1当代品牌包装图案的现代美感
当代品牌包装中的“图案”不仅指的是为产品披上件外衣，而是指在与消费者接触的各类场合，把产品的个性特征，以各种载体形式进行塑造和推广。“包装”是产品概念由内至外的诠释，它从包装物的形式、材料，到终端卖场的各类推广物品，形成一个对消费者由大到小的环境的影响。消费者从整体环境到细小环节，无处不在感受着品牌的文化影响力，从而留下一个深刻的印象。比如可口可乐、农夫山泉、IKEA、苹果公司等，每件产品都是件艺术品，只有具备了视觉美感和文化品位，才能与消费者产生深层沟通，才能打动消费者的心灵。
4.2用现代包装图案重新定义景泰蓝纹样
包装中的图案是将产品概念、定位结合创意的思维，以特定的材料和形式形成对产品的装饰，帮助产品提升价值的行为，除此之外，包装图案还要具有传播产品个性特征的作用。“图案”要体现出与产品相对应的审美趣味，“包装”的材料、形式要体现出产品的文化品位，和产品一起影响着消费者的认识和选择。不同价值、价格形态的包装形式是各不相同的，只有与之个性相吻合，才能达到最好的传播效果，过于高档或过于简陋都是不适合的，反而会削弱产品的魅力。传达品牌的核心理念，凸显品牌个性。
因此，我认为在景泰蓝艺术中，其装饰纹样可以采用平铺、居中、截取及构成与拼合的手法，运用现代包装中的图案创意，用不同的手法表达艺术品的个性与价值。
五、景泰蓝纹样的“现代化”
现如今，使用计算机辅助工具所创作出的景泰蓝纹样图案也越来越多，这种趋势表现出了时代的特征。因此，我们可以大力推广这种做法，运用PS、AI等软件，将景泰蓝装饰纹样进行更加高端先进的效果处理，消除仅仅是手绘纹样的局限，产生更加有特点并且规整的效果。另外，还可以将文字与图案搭配，使景泰蓝艺术品整体更加完美无缺，确实达到景泰蓝艺术的“现代化”。
结语
技艺娴熟而极富巧思的匠人，在全铜胚上手工掐出朵朵铜纹饰，以天然矿物釉料反复多次着色烧制，历经50道复杂而严苛的纯手工工序，集冶金、铸造、绘画、窑业、雕錾等多种工艺大成，方成大器。整个过程稍有差错，都将前功尽弃。铜与釉本就取自于自然之中，材质决定了珐琅不会因时间的推移而腐蚀，破败。大器所成，经千百年也无碍其光彩。（作者单位：北京服装学院）
参考文献
著作：
[1] 田自秉/吴淑生/田青《中国纹样史》，高等教育出版社，2003年11月第1版
第9篇：工艺美术运动成就范文
关键词:晚清 伦敦万国博览会 水晶宫 日记
第一届万国工业博览会在世界工业制造和设计史上具有重要影响,这次史无前例的盛会共有1800家展商出席,成列总计10万多件展品展示了19世纪快速发展的工业文明所取得的阶段性成就,也成为了璀璨的维多利亚时代的标志性事件。但从设计和艺术的角度来说,快速发展的大工业文明在这次活动中展示的缺失工业产品的丑陋,单调和设计感缺失使得后来工艺美术运动的重要参与者——威廉莫里斯和约翰拉斯金等人对其中的机器工业带来的艺术感缺失感到反感和不安,以至于成为后来的工艺美术运动的兴起的发因。
一、水晶宫
水晶宫始建于1850年8月,次年5月竣工,原址为英国伦敦海德公园(Hyde Park)。1849年亨利科尔(Henry Cole)向艾伯特亲王提议主办一次世界性的工业产品博览会,向世界展示英国当时强盛的国力和巨大的工业成就,并选定海德公园作为博览会的会址。水晶宫是近代历史上第一个纯粹的钢架玻璃结构建筑,使用的主要材料是玻璃、铁和木材,主要构件是平板钢筋、角铁、螺丝和铆钉。1851年5月1日,伦敦万国工业博览会顺利召开,水晶宫在展会期间共计接待了约600万游客。6个月后博览会结束,水晶宫由帕克斯顿本人买下,选址于伦敦南部的席登汉姆(Sydenham)重建,席登汉姆水晶宫的体量较海德公园水晶宫有所增加,并且修建了一系列附属建筑,收罗和展览了来自世界各处的不同艺术和工业展品,成为英国向世界展示了其文化取向和影响力的窗口。席登汉姆水晶宫的展览每年吸引了无数参观者,英国皇室也十分热衷于水晶宫的各种活动,各类国内、国际政治活动都在水晶宫内举行。1865年开始,水晶宫每年定期举办盛大的烟火表演。
1866年一场火灾烧毁了水晶宫的北支的走廊;1936年一场大火将水晶宫几乎完全摧毁,除了南翼以外,地上仅存一堆扭曲的金属和融化的玻璃;1950年又一场大火将水晶宫仅存的南翼彻底烧毁,对此,英国政治家丘吉尔说道:“这是一个时代的终结。”水晶宫的焚毁彻底宣告了璀璨的维多利亚时代的结束。
二、中国人和水晶宫
1851年在水晶宫举办的英国伦敦第一届万国工业博览会,中国官方并没有委派代表参加,参展的中国人仅有上海英商“宝顺洋行”的商人徐荣村,并且以他经营的“荣记胡丝”参会并获得金银大奖。当时中国政府中以官方背景最早详尽记述游览水晶宫的是晚清的外语学校同文馆出身的张德彝。
张德彝(1847-1918)汉军镶黄旗人,乃是清政府兴办的第一所外语学校——同文馆的最初十名学生之一。同治五年(1866年)随斌椿,赫德以及另外两名同文馆学生一行五人出使游历欧洲。张德彝一生出国八次,前后共著有《航海述奇》四卷、《再述奇》六卷、《三述奇》八卷、《四述奇》十六卷、《五述奇》十二卷、《六述奇》十二卷、《七述奇》(未成书)、《八述奇》二十卷,总计其实卷,二百馀万言。其中随斌椿和志刚两次出国随行游历英国所著的《航海述奇》和《再述奇》实际共记录了其出席水晶宫五次的见闻。张德彝这两次到达英国的时间是1866年和1868年,实际上此时距离第一届伦敦万国工业博览会闭幕已经过去了10几年,他们所到达的是迁至席登汉姆重建的水晶宫。
1866年张德彝一行第一次抵达伦敦首先游览的名胜即是席登汉姆水晶宫,对水晶宫本身以及在水晶宫的所见所闻,他在《航海述奇·英国日记》中作了较大篇幅的详尽记述。
(1866年四月)初二日庚寅 阴。卯初抵英国京都伦敦,……,后乘火轮行四十四里,至水晶宫。此宫系十三年前,官派伯爵柏四屯所建,以铁为梁柱,上下四旁镶嵌玻璃,遥望之金碧辉煌,悦人耳目,故名水晶宫。其中园囿楼台,占地十余里,西通大马路,南抵呐伍村,北至赛达庄。其宫楼地作日子形,面如高土二字形,长约百六十丈,宽三十余丈,正中高十六丈八尺,左右先十丈五尺,次六丈二尺至二丈二尺。楼上前面成列洋琴、洋画以及玩耍等物出售,后列名人油水画一千二百余轴。楼下正中设一乐台,上置一大凤琴,高约二丈八九尺,四面铁筒数十,周皆盈尺。一人弹之,其音洪亮,如遇顺风,百里外皆能闻之。左右有弹琴、鼓瑟、厌笛、吹箫之座数百余。台下藤椅千张,盖为听乐者而设。对面一戏台,苦不甚大,后列新造洋车数辆。
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