服装设计的表现手法精选(九篇)

前言：一篇好文章的诞生，需要你不断地搜集资料、整理思路，本站小编为你收集了丰富的服装设计的表现手法主题范文，仅供参考，欢迎阅读并收藏。

第1篇：服装设计的表现手法范文

通过利用款式优美的舞台服装，能够更好的塑造演员所扮演角色的形象美感。借助服装色彩，可以营造出良好舞台氛围，而艺术美感更要通面料与精湛的工艺来表现。因此，研究并探讨舞台服装设计中的美学艺术，有利于进一步促进舞台服装设计的创新与发展。

一、塑造角色的形象美感

演员在塑造舞台角色过程中，外部形象有着重要影响，合适的服装能够增强表演者自信，观众也更认可角色，因此要根据舞台人物形象要求来设计服装款式。在舞台服务设计中结构与款式较为重要，可采取松紧对比、宽窄对比、长短对比等多种对比方式。而在服装结构上则有长短、松紧等不同方式，服装风格有写实与写意、古代与现代等多种表现手法，这样能够让角色不同特点展现出来。身为服装设计者，在开始设计舞台服装时，对款式认识程度要高，包括导演对塑造人物的认知，要站在不同角度加以分析。如导演指导风格、音乐元素所涵盖的情绪、人物角色基本特征等。所以，在设计舞台服装过程中，要对人物特征是否鲜明、与剧情是否相符、现代与传统划分是否明确等，只有明确掌握了这些主题设计元素，所设计的服装才能满足舞台效果。

二、营造舞台氛围

舞台服装在舞台表演中十分重要，在进行服装设计时，要重点掌控服装的着色。人们情感与心理是不同的，能够借助色彩展现出来，利用色彩的合理搭配，对人们的修养与情感展现出来。对于舞台服装而言，在展现人物情感与性格的同时，还要赋予时代背景色彩，这样才可以更加侧重表演主旨。所以，舞台服装着色要根据角色的不同，对主要、次要任务色彩加以区分，保证角色性格与环境相匹配。在舞台中决定色彩的是灯光与布景，服装是细节，服装是舞台色彩的基础，能够表现主体、体现舞台色彩风格。针对以舞台为特色的表现手法，要根据主题的不同变化搭配颜色，这主要取决于导演的演绎手法，舞台服装要与舞台主题契合。

三、恰当地选择面料材质

舞台服装要讲究面料的选择，在舞台灯光照射下，选择的面料要能吸收光源，主要使用材料为缎、棉、麻、丝等，选择不同的艺术形式，对材料进行二度制作表现其材质肌理，以此取得较好视觉效果。目前厚、薄、软、硬、透、密、重、轻等都让舞台服装材料选择方向更加宽广，塑料制品、金属制品、丝织品等都能够成为舞台服装材料，主要根据表演形式进行选择。比如，强度与质感是舞台服装材料首要考虑因素，尽量选择较轻的材料，面料要选择飘逸高、悬垂感强的材料。对现实主义话剧而言，主要反应现实生活，服装要偏向于真实，主材要选择较为厚重的面料，主要体现沉稳、现实生活。而展示性服装主要是更好的服务于舞台。现代很多展演服装设计人员都重视面料质感，要求创新度要高，采用多种手法加以设计，或者采取压褶、堆褶、抽纱等处理方式，让服装立体展现力更强。

四、精湛的工艺手法是审美的基础

裁剪与制作是主要两种服装工艺，其中对裁剪而言，合体服装能够更加自如的展现形体之美。服装能够辅助舞台艺术表现的更好，舞台角色可以借助语言表达、肢体动作、音乐歌唱等各种艺术表现形式对角色特征加以塑造。服装设计与裁剪时要重视舒适感与美观度，为保证服装裁剪更加漂亮，就要从分割线与结构线入手，为让服装穿着更为舒适，就要筹划运动与表演两个方面，尤其是舞蹈艺术为主要表现形式时，服装更要重视舒适度。舞剧演员为将不同角色特征展现出来，一般要借助夸大的肢体动作，细腻的表现出人物的内心精神世界，这些特征能够在演出服装中获取。服装设计人员的艺术理想与审美情感，能够反映在角色的舞台展现效果。立体裁剪法、平面裁剪法是两种不同的舞台服装裁剪方式，对于展示性、实用性服装来说，在裁剪过程中，要将人体结构放在收付，裁剪要贴近人的身体，根据颈、肩、臀、腰、胸等不同角度，将尺寸大小量好，把握好其结构，控制各部位的松紧程度，最大限度做到准确与精细，达到动作伸展自如的要求。而在使用服装裁剪过程中，缝制工艺手法与结构设计较为固定，标准比较统一，但是这种统一的模式化设计思路是与舞台服装设计不相符的，无法满足舞台夸张的表现手法。所以，舞台服装设计要有一定独特性，不能以普通服装设计思想进行设计。服装设计为满足舞台需求，契合演员气质，要讲究缝制工艺、结构设计与裁剪手法，并不断进行创新。

第2篇：服装设计的表现手法范文

本文阐述了中国画艺术精神在现代服装设计中的传承，通过对中国画色彩在现代服装设计的应用以及中国画笔墨意象对服装设计的影响进行研究，以此说明了现代服装设计在融汇现代印染科学技术和先进手段的同时，必须充分挖掘传统的民族文化历史，并与之相融合，才能使服装设计作品更具感染力与生命力，才能在世界设计舞台展示中国设计的力量。

关键词：

服装设计；民族艺术；中国画

服装是人类智慧与辛勤劳动的产物，既有物质文明的结晶，又有精神文明的含意。现代服装设计的发展离不开对传统艺术文化的传承，正所谓民族的，才是世界的，中国服装设计必须立足于传统艺术文化的基础之上，才能在世界设计舞台展示中国设计的力量。中国传统艺术文化博大精深，是设计师们取之不尽、用之不竭的灵感源泉。中国画艺术积淀了中华民族数千年的艺术精髓，无论是表现技法还是艺术精神，都对现代服装设计有很好的借鉴作用。在当今提倡传承民族传统文化的时代背景下，服装设计融汇现代印染科学技术和先进手段的同时，导入中国画艺术元素，再造服装设计的“本土语境”，使现代本土的服装设计更具民族特色与文化内涵。

一、中国画的艺术精神在现代服装设计中的传承

最早出现的服装是以遮羞为目的，经过历史的发展逐渐转变为以保暖为目的，继而为了满足人们精神上美的享受，服装开始注重其装饰性。服装设计与中国画是两个不同的专业领域，看似没有太多关联，但在优秀的服装设计师眼中，作为传统艺术瑰宝的中国画是现代服装设计最好的灵感来源之一，他们将中国画的元素与服饰色彩或图案纹理相融合，不仅把服装演绎成一件三维的中国画艺术，也把具有民族特色的服装设计表现得淋漓尽致。在当今社会经济快速发展的时代，服装在满足了功能性需求的同时，越来越多的人追求张扬个性，喜欢强调自我、突显自我，而现代服装设计完全可以满足人们内心思想变化的需求。随着中国综合国力的不断提升和经济的高速发展，中国文化在世界设计领域的影响力与日俱增，使众多西方服装设计师对中国的民族艺术文化表现出极大兴趣，并且开始运用中国画风格及元素进行服装作品创作。［1］这些具有中国画特色的服装设计作品，让世界服装界感受到了耳目一新的中国时尚。服装设计是一种从生产产品到经营品牌再到营销时尚的生活方式，同时也是在激烈的市场竞争中通过产业转型，以流行时尚文化引领大众消费行为，进而使服装产品与品牌附加值不断提升的生产消费过程。在市场经济环境中，衡量服装设计成功与否的标准莫过于市场的需求。而设计师的成功与否，在于其作品能否被更多的人所接受，且能否长期主导市场的时尚潮流。只有唯一将文化内涵融入服装设计之中，创造出独特的设计风格，才能在激烈的竞争中占据一定的市场份额。正所谓民族的才是世界的，服装设计也应当坚持走民族化的设计路线，以中国传统文化精髓为创作源泉，同时拥有独特的设计语言。而我们所强调的民族化设计，首先应当立足于本民族的文化艺术的借鉴与传承，其次是要学习和吸收外来民族文化，通过融合与创新不断实现进步和超越。而博大精深的中国传统文化正是现代服装设计灵感和创意的源泉，更加值得设计师们去借鉴和发扬。［2］中国画是我国传统艺术的精髓，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的综合认识。中国本土设计在探索新的出路的同时，中国画自然成为设计师们争相借鉴的目标。在服装设计领域，借鉴中国画造型元素与表现形式进行设计的服装作品，不仅丰富了服装设计的表现手法，同时也为其他设计领域带来新的设计思维，进而在国际设计的舞台上将中国传统文化发扬光大，也为中国整个现代设计行业，提供了更加多元化的发展空间和创意来源。

二、现代服装设计对中国画色彩的借鉴与创新

中国画与西方绘画都比较重视物体本身的固有色，而中国画在色彩方面较为独特的是，既不拘泥于光源冷暖色调的局限，也不强调在特殊光线下的条件色，而是赋予绘画对象的基本色，达到色与物、线、墨、色的完美调和，其色彩笔墨浓淡层次，墨色淋漓，设色温润浓丽，正好与服装设计追求色彩上的视觉享受这一特点不谋而合。中国画极为重视黑白墨色之间的关系，通过笔墨的明暗、纯度来表达绘画的意境，并将这种干湿浓淡、虚实相生的处理手法发挥得淋漓尽致。不论是在服装设计还是在其他设计行业中,黑白灰都是永不过时的经典配色，选择适当的服装面料之后，通过虚实明暗的晕染工艺对服装色彩进行加工处理，进而表现出婀娜多姿、优雅时尚的独特气质。例如，北京国际时装周2011春夏男装会上，以“简影”为主题的国内知名男装品牌“非主流”，时尚流行的造型、合体的剪裁、经典黑白色系组合，印花工艺与拼接手法的运用，树木的剪影、空间与自然意识概念相结合演绎了空灵的“禅意”。第16届中国十佳时装设计师张鸿雁在此次男装会上，不仅采用了中国画元素，还结合传统剪纸艺术造型图式，在服装设计的表现上充分体现了中国传统文化特色，采用树枝与鸟的图案为设计元素，以剪纸的形式表现在服装上，不仅能塑造修身时尚的服装轮廓外形，又能表现出中国男性含蓄内敛的独特个性，而奔放的中国画泼墨元素又给服装设计带来洒脱之美，进而将当代流行时尚与中国传统文化完美融合，以经典、时尚、创意的理念诠释和展现了传统文化内涵。

三、中国画笔墨意象对现代服装设计的影响

辞书之祖《尔雅》云:“画，形也。”中国画的“形”是画的基本，也是最直接的因素。在中国画的美学意识中，“形”与“笔法”、“墨法”并不是孤立的，而是有内涵的，并在“似与不似”的美学理论背景下产生与发展。中国画讲究意境，强调“神似”，正所谓“意到笔不到”，“神似”是中国画“形”的最高境界。因此，千百年来中国画艺术特别注重的“形神兼备”，而毛笔、水墨与宣纸等绘画工具和材料决定了中国画的表现手法是以线为主的笔墨。如果说油画是体面与色彩的交响乐，那么中国画就是点线与水墨的协奏曲，明末清初著名的书画家恽南田说:“有笔有墨谓之画。”讲究用笔用墨，推崇有笔有墨，追求笔意墨致，成为人们衡量中国画优劣的重要标准。［3］南齐谢赫提出中国绘画上的“六法”论，其中就有“骨法，用笔是也”之说，就是指灵活运用笔墨来塑造形体，既有干湿浓淡的笔墨，又饱含内在的审美情趣，笔中有物，有神有气。在中国画创作过程中，通过用笔之勾勒点染，运笔之轻重缓急等不同处理，产生变化丰富的笔触墨迹，表达出不同的审美趣味，平面设计中的肌理效果与其有着相似之处，但笔墨却比肌理更易于画家情感的表达，近代著名画家黄宾虹说过“画之气韵出于笔墨”，这也说明中国画有着丰富的形与质的表现。在现代服装设计中运用中国画虚实相生的笔墨元素，就会增添更加丰富的视觉效果。中国著名女设计师梁子于2006年11月的时装会以幽静空灵的“濡”为主题，并由此揭开了服装文化发散升华的设计序幕。每一件服装设计作品都采用手绘的中国画元素，其形象取自荷花淀、牡丹花丛或竹林，并且与服装材料完美结合，让人感受到中国水墨画与时装艺术完美结合的意境，使时装会宛如一幅动态的水墨画，飘逸洒脱，极具东方情调。吉林艺术学院设计学院马唯在2008年中国“名瑞杯”晚礼服设计大赛中的金奖作品《水墨•蝶》，以传统水墨的技法绘出墨蝶的形条，面料主体采用光泽质厚的大缎和轻薄通透的真丝绢，并通过吊染的工艺对其进行处理。之后在头饰、肩部、下摆等位置使用的面料飘逸的真丝绢，从而产生水墨晕染的效果，整体服装设计散发着传统中国画的墨韵余香，使人感到优雅、简洁、淡然。由此可见，中国传统文化已成为中国本土设计的最佳创作源泉，设计师们从传统文化的精髓获得创作灵感并运用到现代设计之中，将有中国特色标签的设计推向世界舞台。［4］现代服装设计对气韵生动的中国画元素的借鉴，用水墨画抽象方式提取服装色彩，不仅是对中国传统文化的传承和拓展，也是现代审美特征与传统审美经验的完美融合，使衣亦画、画亦衣成为可能，进而创造出具有独特民族文化和鲜明时代特征的服装设计作品，对保持及弘扬中国艺术设计的本体特征具有重要意义。

四、结束语

随着中国经济实力的增强和中国传统文化的复苏，更多的国内外知名设计师越来越重视中国传统文化元素，并将其与服装设计相融合，不仅可以进一步提升服装设计的美感，更体现了本土设计对民族传统艺术的传承与弘扬。服装设计是艺术和技术的结合、科学和艺术的融合，也是一个极具艺术魅力的行业，是“美”和“用”相结合的产物。要让服装设计更具民族特色与文化底蕴，就必须坚持创作立足于本民族的传统文化，衷中参西，用最时尚的设计手法表现最传统的文化元素。中国画独具特色的艺术表现形式为服装设计独具匠心的构思增添了具体价值的表现形态，为服装设计提供了一种创作思想及表现手法。

作者：李玲 蔡梦雅 单位：宿州学院美术与设计学院

参考文献：

［1］闫永忠.中国画元素在现代服装设计中的运用［D］.石家庄：河北大学，2013:76.

［2］苗靖.现代服装设计中传统服饰元素的应用分析［J］.长沙：长沙铁道学院学报，2012:51.

第3篇：服装设计的表现手法范文

从20世纪60年代起，后现代主义思潮一前所未有的速度席卷了全世界，对包括工业设计、服装设计、平面设计和工业设计在内的设计行业都产生了极其深远的影响。涂鸦文化无论是从其艺术性或是社会性来说，都是一种典型的“后现代主义”的行为和形式。于是，无数的设计师在寻求自身价值的同时，把目光投向了涂鸦这个独特的艺术形式，将涂鸦图案融入自己设计作品。所以，现代服装设计和涂鸦地结合在极大程度上也表现出现代服装设计对后现代主义的需求。无论是从外在形式或是内在气质，涂鸦都很好地诠释了其代表的服装时代个性。对比保守的中产阶级品味，涂鸦文化的活力、自由甚至是破坏力，让涂鸦逐渐成为服装时尚界创造新刺激和结构传统的挖宝之地。对大部分服装设计师来说，后现代主义的服装设计观已不再单纯体现传统价值观，更表现了设计师对周围环境的应激和对个体的需求，哪怕这种应激和需求是毫不实际。涂鸦充满了对现代社会的调侃和影射，是一种典型的后现代主义形式。涂鸦手法是现代服装设计大师喜爱的惯用手法，运用非洲图案，色彩十分鲜明，涉及美国社会有色人种方面话题，可以说是有色人种在美国社会中的典型例子。涂鸦艺术具有一种属于年轻人的野性和自由感，这些新鲜的元素是米兰巴黎这些主流时尚圈不具备的，为现代服装设计带来新的启发。一些年轻设计师在谈起涂鸦艺术的时候，认为其能给他们带来兴奋感。服装设计者对涂鸦有一种天然的亲近，他们认为涂鸦艺术是他们对于设计和艺术理解的块段，包括色彩、组合、线条、造型以及每一个图形元素具有的普遍感情和原创意义，开始将涂鸦图案在去设计的服装中应用。一些涂鸦图案和字体被运用到面料的设计中，使设计呈现出一种全新面貌。当然，涂鸦的意义不仅在于对面料的改造，更在于它是种从心底迸发的需求，有着自身的情感，而用这些情感来表达设计才是涂鸦精神带给我们最大的影响。对于如今的服装设计师来说，可用的素材太多，常常让他们失去了自己的个性及原创性，设计出的服装缺少灵魂。真正优秀的创意应是凭借自身的直觉和情感，这样设计出的作品才能打动人。涂鸦这种表现形式冲破了传统的禁锢，源自与设计者的内心，体现了设计者精神上的返璞归真。

二、涂鸦图案对服装行业的影响

在当下社会的消费品市场，涂鸦图案已经从初期简单的实验转变为有很大的社会影响力的文化符号和视觉符号。在人们现实生活中这种文化符号随处可见，不管是在家居、日用品还是服装。这些文化符号体现了现代人不同群体的消费观和价值观，同时也体现了现代社会价值观的多元化。对于现代的服装设计，文化符号是重要的设计元素。首先，文化符号体现了所属社会的价值取向和文化背景，不管是图案、造型或是色彩上的文化符号都表现了设计的时代特征，这也正是服装作为消费品的检验标准。其次本随着大众媒体的引导及宣传，服装品牌具有更多的象征意义，民众通过服装的消费渐渐构建自我和社会的认同感，在消费和社会意识见建立起一种联系，继而不断改进服装产业的消费及营销模式。

三、结语

第4篇：服装设计的表现手法范文

（一）具象表达设计

1.采用直接移用方法

所谓直接移用，主要是指在服装设计中，根据服装整体的设计主题以及设计风格直接移用瓷器裂纹，搭配恰当的色彩。一般直接移用是最常见、最容易掌握的一种设计方法。比如，可以在真丝上衣上直接印染瓷器裂纹搭配出飘逸的雪纺长裙，这样可以将女性的天然、自然、纯净的一面充分展示出来。然而在设计时应用直接移用的方法的话，极易出现设计死板、纹样套用等情况。

2.采用变化形方法

所谓变化形主要是在保留瓷器裂纹本质的基础上，变化其形貌进行设计，可以变化点、面、大小等元素。

（1）变化形类型

瓷器裂纹应用于服装设计中采用的变化形类型主要包括以下两种：第一种是舍弃、保留。也就是指选取保留裂纹元素的某一方面，然后再挤压、拆解、夸张、重叠、分离其他方面形成一定的变化。比如可以保留服装面料图案中的瓷器裂纹线，这样挤压面会有更多重叠、交错凌乱的变形设计。又比如可以将裂纹的块面感保留下来，然后分离、规整裂纹线，最后在新的块面上补充一些新纹路；第二种也就是变换象形，这种设计方法实际上是模仿了形貌变化设计理念。扭曲、装饰裂纹线的“K”形、“X”形以及人形等，使其代表新的形象内容。比如，装饰变化、扭曲变形裂纹线，经过变换象形后可以展示出繁花似锦的装饰美，也可以表现出藤蔓缠绕的野性美。总之，变换象形后可以使瓷器裂纹和服装整个的设计风格以及设计主题更加贴近，更容易引起人们的联想，灵活性相对比较强。

（2）接合变化形的方式

接合单个形后慢慢构成了整体的瓷器纹样，因此瓷器裂纹的节奏美以及次序美更加突出。现代服装设计中不仅可以采用变化形，同时还会应用变化结合排列方式设计，通常排列结合方式包括无序排列和有序排列两种方式。有序排列方式。这种排列方式主要是立足于理性角度，根据一定规律有序地进行排列组合，包括比例排列、渐变排列、平均排列等方式。平均排列组合相同的纹形大小、纹形形状等可以使服装显得更加庄重、简洁。其中渐变排列主要是根据疏密、深浅、大小等组合排列单个裂纹。比如按照自上到下的方式将裂纹面积扩大，将疏密程度进行变化，形成一种节奏美，然后设计成纯净、自然、高贵的晚礼服，这种设计方式的风格比较随意、热情。

（二）采用抽象表达设计方法

在服装设计中应用瓷器裂纹，不仅需要应用、变化裂纹形，更重要的是要在服装中融入其意蕴美。和“形”的表达具有很大不同，“意”的表达往往比较简单化，结合一些独特的服装造型或者相关的工艺手法、材料等进行象征式的抽象表达，这种表达和具象描述有很大差异，对于情感表达更加注重。在设计中将裂纹元素的某些形态特征弱化，重点体现出服装设计中瓷器裂纹的意蕴，或者是以瓷器裂纹的一种美学性作为表现手法或者灵感，然后融合现代服装特点设计。在服装的实际设计过程中，在设计前期进行构思时一定要紧扣设计风格以及设计主题，因为所有的元素灵感都是为了服装设计，将服装设计风格确定后一定要找准切入点，然后在整个设计中始终贯穿这个主题风格，在设计中千万不能局限于某种单一的设计表现手法，也不能一味地强调形、意的界限，这样很容易导致本末倒置，也可能会导致设计作品显得没有表现力。

二、在服装设计中实现瓷器裂纹工艺的方法

（一）实现平面效果的方法

通过提花、扎染、印花、绣花、蜡染等诸多方法可以实现瓷器裂纹的平面效果。提花以及绣花的方法主要是在织造的过程中表现出裂纹效果，这样的织纹面料在平面上触摸会有凹凸不平的感觉，其表现出的光泽效果和平布印染有很大差异，因此也被广泛应用。扎染主要是在染液中捆扎绳子、线进行煮染，这样产生的效果类似于蜡染，而且在捆扎的外力作用下也会产生裂纹、晕染的肌理效果。印花产生的裂纹效果可以基本满足设计图的色彩搭配以及纹样造型，这种方法适用范围较广，很少会有限制，通常不会对服装面料自身的手感、风格造成影响，如果是批量生产的话所需成本较低，因此被广泛应用于实际市场中。蜡染以及扎染都是一种传统手工艺，通过蜡染得到的裂纹纹路的浓淡、粗细、深浅都有所差异，有的地方若隐若现，有的非常深邃，虚实夹生，有一种自然的变化，给人一种非常独特的感受，在民族风的现代服装设计中应用较多。

（二）实现立体效果的工艺方法

服装面料工艺在现代工艺技术不断发展的形势下变得越来越多样化，也有非常丰富的肌理效果，根据瓷器裂纹的基本特点可以通过多种方法实现其立体效果，比如叠加、皱褶、镂空、编织等。立体效果相对于平面效果的瓷器裂纹而言，空间感、层次感更加强烈，而且也具有非常丰富的视觉效果。叠加主要是将裂纹面进行粘合，或者是缝制面料的表面裂纹线。结合服装设计效果，可以叠加处理成多种风格，比如面料薄透的话，可以顺着设计纹路将遮挡的面辅料粘合起来，这样一方面可以具有裂纹效果，另一方面也可以实现遮挡身体的功能，整个服装的可穿性大大增加。褶皱可以将面料的质感以及光泽改变，突出面料的层次感以及动感，从而使面料可以完美地结合瓷器裂纹的美感，赋予整个服装更多的光彩。镂空主要是对服装面料进行腐蚀加工、切割雕刻等处理方法，最开始这种方法应用于建筑设计中，在服装设计中往往是比较硬挺的面料会应用到镂空工艺。编织有机器编织、手工编织等方式，不同的编织方法产生的裂纹效果的风格也会有所不同，在服装设计时可以直接编织出瓷器裂纹这种花型，可以产生刺绣、蕾丝的效果。

三、结语

第5篇：服装设计的表现手法范文

关键词：审美自由；想象力；创新；表现形式；技能规范

在服装美术设计课中，我们所说的审美自由，应该是通过审美主体的想象唤醒人内心深处对自由的渴望。服装的美是一种自由，是解放，是舒适，是没有杂念的彻底放松和愉悦，它可使审美主体赏心悦目。

服装美术设计课正是以服装为载体来创造美、表现美的，美与时间、环境、审美主体密不可分，审美是自由的，更为重要的是，我们在服装设计中的想象力也应该是符合美的秩序的想象力。一个成功的设计师也正是由于把内容交付给了审美秩序而取得成功的。

在服装美术设计课中，我要求学生不受限制地想象，大胆提出自己独特的想法，展示自己对美的理解。构思与表现是服装美术设计课中的主要内容。服装设计的表现一般有三种形式：服装款式图、服装效果图、时装画，每一种表现形式都有不同的技能要求。一堂成功的服装美术设计课应该既能体现审美自由又能做到技能规范，因此我经常在学生团队完成设计任务的教学中通过两大步骤来实现教学目标。

一、超越审美经验，实现审美自由

审美需要自由，审美也创造了自由。但在具体的服装设计课中，同学们常常有这样的困惑：到底设计出怎样的服装才是成功的，当发散思维达到一定程度之后，我们又该如何筛选和综合，最终让零散的思维变得清晰起来，并找到一个恰当的切入点，通过具体的造型、款式、色彩、面料等形成具体的服装形象。在这样一个构思过程中，个人的认知、情感和审美经验发挥了巨大作用。

我把服装班的学生分成5个团队，每个团队在接到设计任务时常常要完成以下几个内容：首先，团队合作，集体收集信息，明确设计任务，具体包括明确穿着对象及穿着目的，为设计准确定位等内容。其次，组内同学接到具体任务后开始单独构思，多做联想和想象，构思的数量要越多越好，不求完整，可以让想法和想法之间存在较大差异，具有跳跃性，反对求全责备和一票否定，整个构思过程呈散射状，从而努力寻求思维创新的线索。服装设计是一门艺术，虽然需要理性但也需要创造的激情，更需要人的直觉和自由，而每个人的思维是因人而异、不可替代的，我们要给同学们足够的思维空间去创造美的服装形象。最后，集体讨论，在这个展示和讨论的过程中，我们可以注意到每个学生的审美和品味与他的个性品质、人格倾向和知识经验等都密不可分。

在这个阶段，最大的难点就在于如何突破已有的服装形象，不受传统审美经验的束缚，创造出令人愉悦的服装形象。在学生构思之前，我往往会让他们听几段优美的音乐，或欣赏几幅有特色的图片，引导他们利用局外信息，从其他的领域或离得较远的事物中得到新的想法，可以说，生活中任何美好的事物，都可以给我们带来美好的想象和启示，当然也都可以转化为服装的设计语言，服装设计并非一定要从他人成功的服装作品中得到灵感。在这个过程中，我往往会让他们先完成设计构思，然后再欣赏他人的服装作品。而在评讲时，我会让他们比较自己的作品和别人的作品，分析并讨论，以提高他们的审美能力，为下一次作业更好地发挥奠定基础。

二、表现手法的选择与规范

在构思的初级阶段，同学们可以不受限制地自由想象，但随着构思的深入，由发散思维过渡到集中思维，最终形成清晰的、具体的服装形象后，同学们还必须通过一定的形式把这个形象表现出来，比如说服装效果图，这里就涉及一个技能规范的问题。首先，服装人体不同于真实的人体，它是真实人体经过夸张和装饰美化后的人体，一般写实的服装人体比例在8.5~10个头之间。我们首先要把这个衣服架子的比例和姿态表现出来，再添加服装效果。值得注意的是，服装与人体的比例、角度要一致，服装会随着人体的姿态和动作产生相应的衣纹和变化。面料不同，线条的表现手法也就不同，这里的练习一定要规范，如何熟练地画出线描稿很关键，经常有同学画着半侧的人体却穿着正面的衣服，或者是衣服没有随人体动作产生衣纹，而是将款式图生硬地套在人体上，这样服装效果图就显得僵硬、不自然，不能展示好的着装效果，也就无法将自己想象的美感准确地表达出来，我们常说的心有余而力不足大概就是指这种情况了。因此，规范的技能练习就显得举足轻重了。当然，熟练地画出线描稿还不是最终目标，对于配色的构想也要求同学们表现出来，那么如何调色、如何着色、如何用笔等都要有规范的要求。服装设计思维是一种形象思维，最终要靠“图”或“画”来表现自己的构思。因此，服装美术课上不仅要训练学生敏锐的观察力、宽泛的联想力和丰富的想象力，更要训练规范的美术表现能力。

第6篇：服装设计的表现手法范文

关键词：中国元素；服装设计；工艺表现；应用

1 中国元素与现代服装设计结合的意义

中国服装业经历了长期快速的发展， “中国制造”的服装出现在世界各地。但在服装贸易上中国服装业并没有多大的利润空间。因为在整个服装产业链中，中国服装业接触最多的是下游的加工制作，而上游的设计开发、流行品牌推广等环节较少涉及。如何应用中国元素于现代服装设计中？ 如何使中国服装业从“中国制造”转变成“中国创造”，使中国的服装产品真正在融入世界时尚的同时又拥有“中国风格”，就成为中国服装业界共同努力的目标。

从2008年的奥运年之后，在国际时尚大潮中，中国风越刮越强劲。特别是，最近几年国际大牌在设计中巧妙地运用了众多中国元素，将中国风玩出新高度。拥有5000年历史的中国，以深厚的文化积淀让“中国风”在国际舞台大放异彩，频繁被顶尖时尚大牌们演绎。在2016年米兰时装周中，沉醉在西西里故乡的热闹和人海中的Dolce和Gabbana两位设计师，这回让意大利绅士们穿着中国皇帝新衣走进秀场，其2016秋冬男装是在自己传统的西西里风情基础上融入了中国元素，印花上大量采用工笔画的花鸟鱼虫与植物。此外，中国红、刺绣、旗袍、龙凤、祥云、仙鹤等更是体现了外国人对中国符号的理解。这样的趋势在2017年国际四大时装周中体现得更加明显，更为普遍，爱马仕推出马年主题系列首饰；Burberry推出印有“福”字样的围巾；Gucci的“竹节”包设计灵感来源于中国的竹子；Dior的限量马鞍包则运用了东方巨龙为产品增添神秘色彩。

2 中国元素在现代服装设计中的应用原则

当谈及富含中国元素的服装设计时，很多设计师按照固定的思维模式都会自然而然想到旗袍、马褂、坎肩，以及盘扣、刺绣等装饰图案。把传统服饰中的某些局部元素直接搬用到服装设计中，进行凌乱的拼凑、堆砌。由于没有把握住中国传统服饰文化内在的精神，这些作品虽有一定视觉效果，但走下舞台也就结束了它们的生命。但高明的设计师更注重的却是将现代的生活理念融入设计中，对传统的款式造型进行重新演绎。

首先，中国传统元素必须建立在时尚潮流的基础之上，然后传统文化元素巧妙的融入其中，不能一蹴而就的再现复古及简单地拼接。也只有如此，才能彰显传统文化，又能顺应市场需求并赢得消费者青睐。如在现代时装外形轮廓基础上大做局部文章，以寻求创新和突破之处，并以实现现代设计与传统民族元素的完美结合。最常用的设计手法有采用中国工艺材料和图案色彩或装饰或打破基本固定的款式造型。

其次，在设计上要以中国传统纹样和传统色彩为切入点，把日益盛行的简欧风格进行整合兼融。而在这些纹样和色彩方面，不能仅仅停留在对龙、花卉、青花瓷、中国结、京剧脸谱等纹样的简单复制，更需要进一步挖掘中国人文气息的元素，如中国的水墨画、皮影、织锦、拉染、扎染等。使中国传统元素的神秘与玄妙和西方时尚元素的大气和开放互相融合，互为补充，才能真正刷新全球服装界，从而推进“中国风”在世界流行。

3 典型中国文化元素在现代服装制作中的设计和工艺分析

3.1 脸谱的设计应用

戏曲脸谱图案丰富，色彩鲜明，具有很强烈的装饰效果，不同的脸谱代表了不同的人物性格。每一件服装都有自己的性格，将戏曲脸谱艺术以一种特殊的方式融入服饰设计当中，凸显了服装鲜明的特色，也是一种艺术与时尚的完美融合。Valentino在2005年秋冬作品展示会上直接将京剧脸谱变成了随身配饰，将京剧脸谱扣饰别在衣服上，挂在包上，或者插在盘起的头发上。

工艺分析：脸谱图案在服装中的表现可以是贴布、刺绣、印染等工艺手法，不同的工艺手法应用，表现出的脸谱图案也有不同的效果。比如在采用刺绣工艺的时候，可以采用特定的排线手法，表现出图案的深浅色调以及不平整的纹理和反光效果。而用贴布工艺的时候，表现的图案是平面大气的。

3.2 剪纸的设计应用

剪纸艺术以它浓烈的地域风情，和深刻的情感内涵得到中外服装设计大师们的青睐2013年春夏巴黎时装周上，中国台湾时装品牌“夏姿・陈”（Shiatzy Chen）将中国传统的“剪纸”元素融入本季设计中，作品运用大量的雕刻、镂空、精准对称的线条、近乎抽象符号化与程式化的表现手法，大胆明艳的用色搭配大面积剪纸印花图腾，为国际时尚界奉献了一场融合东西方艺术灵感的视觉盛宴。

工艺分析：剪纸最大特点就是镂空效果，强调的是一种透和遮的关系。传统的剪、刻工艺只适合少量的服装生产，而服装激光切割机等现代生产设备可直接完成面料的镂空雕花，为剪纸类服装的批量生产提供了设备保障。

3.3 年画的设计应用

中国年画色彩比较艳丽、强烈，常常用对比色，传达欢快、喜庆、祈福的情感，烘托出节日的美好氛围。选择年画图案的位置、大小、疏密和方向都需要运用形式美的原理和方法，以弥补穿着者自身在比例上的一些缺陷，达到视觉的协调和美感。作品《一璇一玑》，吸取了“福娃”造型，应用在服装的胸前、腰部、胯部等主要部位，体现女性“S”型的优美曲线。整个系列的设计在色彩上采用传统的大红色作为主色调，点缀的青、绿、红、白、黑等色彩，民族文化的感觉十分强烈。

工艺分析：在图案的表现上可以数码印花等工艺手法。转移印花是最近几年比较流行的表现图案的方法，具体操作如下：先将染料色料印在转移印花纸上，然后在转移印花时通过热处理使图案中染料转移到纺织品上，并固着形成图案。数码印花操作简单灵活，印花色彩鲜艳，层次丰富而清晰，艺术性高，立体感强，为一般方法印花所不及，适合服装的局部装饰。

3.4 水墨画的设计应用

中国的水墨画以墨色的焦、浓、重、淡、清产生丰富的变化，表现物象，有独到的艺术效果。水墨印花仿佛可以让时装产生灵魂，散发出独特的文艺传统气息。2011年中国国际时装周上，设计师薄涛以“水墨丹青”为题专场作品。赢得了时尚界的好评。2016春夏时装周，Dior的设计师John Galliano则另辟蹊径地运用中国山水国画的泼墨手法在白色的面料上画上了黑色的花朵，以红色点缀，立刻呈现简练的清雅之美。

工艺分析：水墨元素最适合用手绘的方式表达。采用丙烯颜料或者是纺织染料直接布料用毛笔画出，或在手绘图案外覆盖了一层有垂坠感的半透布料。当模特走来裙子不规律摇摆的时候，水墨仿佛在裙面上流动，水墨元素被动态地表达出来。

参考文献：

[1] 陈苗苗，佟倩钰.论中国传统文化元素对现代文化的影响[J].艺术科技，2015（03）.

第7篇：服装设计的表现手法范文

关键字：剪纸艺术；服装设计；应用

民间剪纸具有悠久的发展历史，但是史料中的相关记载并不多，其在唐朝时期得到普及，这与当时开放的文化环境有很大关系。随着中国特色社会主义文化建设的推进，人们对传统文化的认识越来越深入，对剪纸艺术的保护力度逐渐加大。当前该项艺术被广泛应用于服装设计中，并取得了不错的效果，可以说既丰富了服装设计理念和方法，同时又实现了对我国传统剪纸文化的传承和发扬。

一、剪纸艺术概述

剪纸就是在纸上剪刻出艺术形象，一般采用的是镂空手法，这是我国古代劳动人民在生活中创造出来的，用剪纸来表达自己对生活的感悟以及对美好生活的向往。剪纸艺术发展到今天，已经与电脑科技结合起来，表现力更强。从表现形式上来看，可以分为单色、彩色、阴刻、阳刻等。剪纸艺术与服装设计的联系非常紧密，设计师会从优秀的剪纸艺术作品中寻找灵感，设计出独特的服装风格。一方面，剪纸艺术的装饰性很强，从色彩上来说一般比较浓艳，色彩对比非常强烈，给人一种淳朴华美之感；另一方面，剪纸艺术的寓意性很强，表达人们对丰收、长寿、富贵等的向往。将剪纸艺术应用于服装设计中，是对我国这一民间传统文化的继承和发扬，同时也为服装设计师们提供了新的设计思路，可谓一举两得[1]。

二、剪纸艺术在服装设计中的实际运用

1、剪纸构图与服装设计

剪纸构图的最大特征就是平面化取物，由于剪纸作品的创作材料基本上是纸张，因此无法创作出三维立体形象，但是创作中非常善于三维向二维的转化。创作者会根据自己的理解对现实形象进行二次创作，大胆取舍，用非常简单的线条实现对复杂形象的概括。这种创作方式具有自由性的特征，在构图上打破了空间以及比例关系的限制，形成了统一的画面。将这种方式应用于服装设计中，就会给人一种耳目一新的感觉。例如，很多具有民族特色的包在设计时就会选择这种平面式构图，将动物和植物直接组合，不采用交叉的方式，给人一种自由、随性之感[2]。剪纸在构图造型上最大的特征就是夸张，创作者们将自己对大自然和生活的观察展现在作品中，但是绝不是简单的临摹，而是加入了创作者的想象。对剪纸造型进行研究我们会发现，其往往要比现实形象更加夸张、引人注目。例如，民族服装设计中就会采用夸张的镂空动物图案，如老虎、狮子等，展现出一种独特的夸张美。

2、剪纸工艺技法与服装设计

剪纸艺术的材料虽然比较单一，但是我国古代劳动人民凭借自身智慧和丰富的生活经验创造出了很多技法，除了镂空之外，还包括拼接、剪、印染以及刻等。由于服装设计具有一定的特殊性，因此并不是所有的剪纸技法都适合用于其中，经过设计师的探索与实践，证明以下几种方法比较适合：一是印染，比较经典的就是水浆印花，就是将剪纸图案上的花纹直接印在浅色面料上，最大的优势就是花位牢度很好、成本低，因此应用非常广泛，目前服装设计中仍旧经常采用这种方法；二是拼接，就是创作者将不同类型的剪纸拼接在一起，这种差别可能体现在色彩上，或者是体现在材质上，最终形成新的作品。这种方法应用在服装设计中，就可以取得不错的效果。例如在设计裙摆时，很多设计时就会选择将不同颜色以及不同面料的材料拼接起来，就会给人一种很强的层次感。第三是镂空，这是剪纸中最常使用的技法，可以使作品中的形象更加生动有趣，提高画面的丰富度，这种技法也非常适合应用于服装设计中。值得注意的是镂空服装并不代表单纯的，而是要在性感中体现出含蓄，一方面要带给人一种独特的视觉效果，另一方面是要留下想象空间，给人一种意蕴丰富的感觉。

3、剪纸艺术中的色彩与服装设计

剪纸艺术中的色彩分为两种，一种是单色，一种是多色，其色彩表现形式也被广泛应用于服装设计中，具体如下：首先是单色，通常情况下，如果剪纸作品被应用于美化室内中就会选择单色。单色剪纸的最大特点就是虚实对比明显，红色主要用于烘托喜庆气氛，黑色和白色则给人一种明快醒目之感，具备较强的感染力。很多礼服设计中就会采用这种单色表现手法，例如，衬底采用白色的透明纱，外部选择黑色镂空，黑白单色的鲜明对比会给人一种工艺精美之感[3]。彩色剪纸中包含两种或者两种以上的颜色，可以用白色剪纸剪完以后再在上面染色，或者直接将多种色纸剪叠在同一个画面上。前者是被称为点色，后者可以采用套色、分色或者是衬色。其中套色是要将不同颜色的部位一一贴在背面上，颜色要事先设计好，完成之后再将多余的部分剪掉。很多民族服装的设计中就会选择多色表现形式，例如，某设计师就将中国传统古典元素作为色彩基础进行服装设计，经典的梅、兰、竹、菊色彩与剪纸手法融合在一起，将四个经典元素的颜色统一成整体，动中有静、静中有动，展现出独特的韵味，再在其中加入一些现代元素，带给人一种既淡雅、又活泼的感觉。

三、总结

剪纸艺术是我国的传统文化，是中国劳动人民智慧的结晶，其独特的构图、技法以及色彩表现形式为服装设计带来启发，无论是在民族服装中还是在现代服装设计中，都会将其作为参考。实践证明，将剪纸艺术应用于服装设计中，可以取得良好效果，大大丰富了服装设计手段，同时实现了对剪纸文化的继承与发扬。

作者:陆凡 单位:武汉纺织大学

参考文献:

[1]亓妍妍.陕西剪纸艺术元素在现代服装中的设计应用与研究[J].大众文艺,2010，14（10）12:158.

第8篇：服装设计的表现手法范文

[关键词] 电影；艺术美感；空间设计

一、电影空间设计概述

（一）电影空间设计的含义

电影不仅仅是文化传播的载体，电影其实更是一门空间艺术。随着现代电影制作技术的提高，人们在观看电影的时候无一不感受到影片随处展现的空间立体概念。最初的空间设计，也仅仅是在建筑领域运用，是指在建筑外观设计完成之后，对建筑内部进行的设计，它包括装修与装饰两个方面，装修是指对室内空间界面（地面、墙面、顶棚）的处理，装饰是指通过室内的家具、织物、陈设等对室内进行的二度布置。空间设计不仅反映人的品位、性格，更能营造出一种特殊的氛围，不同的空间设计形式，会形成一个全新的空间环境，体现新的理念。

电影的空间设计不仅可以利用电影表现手法展现空间环境，也可以利用化妆、服饰等达到空间视觉效果。电影中的空间设计艺术，不仅能烘托影片的氛围，渲染一种空间艺术魅力，还能给予观众比较大的视觉震撼力，在影片与观众之间形成共鸣。

电影空间设计是指为达到强化影片的视觉表现力，以影片剧情为依托，通过各种影片表现手法刻画人物性格、渲染人物情感、突出影片主题，在影片的造型与视觉表现上呈现出活跃鲜明、内容丰富、层次明显、效果逼真的影片魅力。

（二）电影空间设计的表现手法

1.蒙太奇

从法文“montage”音译而来的“蒙太奇”原是指在建筑学中的构成、装配的意思。随着电影元素的发展，蒙太奇越来越多的运用到电影创作中，成为电影的主要叙述及表现手法。完整的影片需要多个电影镜头组接而成，这个镜头的组接其实就是选择与处理现实的方法，蒙太奇表现手法就是导演按照剧本或影片的主题思想，将分拍的影片镜头有机地、艺术地剪辑在一起，使各个镜头之间有连贯性、对比性、想象空间及突出影片主题等。电影的空间设计离不开蒙太奇表现手法，一部好的影片，不仅给人一种心灵上的启发与享受，更有比较逼真的视觉效果，能在影片中展示电影的魅力及独特的视角是每部影片追求的灵魂，如何能在影片拍摄中运用电影手法，营造良好的影视视角与效果，是电影空间设计必须考虑的因素。

蒙太奇的表现手法在无声电影时代使用较多，最初的电影注重视觉效果，片面强调影片的形象特征，将电影与文学及戏剧加以区分。蒙太奇的表现手法注重时间的表达，是时间的美学。虽然无声电影在表现影片空间上的效果远远没有当今影片的丰富，但是在20世纪作为无声电影的主要手段——蒙太奇，虽然注重时间镜头的组织而不是空间，但是影片的空间设计不仅包括空间场景的设计，更有时间的组织。蒙太奇的影片表现手法展现影片的视觉艺术，强化视觉表现力。

2.电影场景设计

电影空间设计是在影片中非常重要的一个环节，在进行空间场景设计时一定要了解摄影机、剪接的概念，才能有效地配合设计。现在的观众越来越注重影片所能展现的丰富空间艺术，越来越希望感受更为层次分明、色彩丰富的影片空间环境。影片的拍摄是需要以市场为导向，有的影片为了达到观众期望值，不惜斥巨资在电影场景设计中使用各种空间设计，特别是采用一些难度较高的特技来吸引观众的眼球，达到更好的影片效果。

电影场景设计是指除却影片角色外，对影片中其他相关对象的造型设计，包含了对电影主体起主要衬托作用的动态和静态相统一的时空环境艺术设计。电影主题制约电影中空间环境的形式、色彩、道具陈设等设计要素，场景空间形式、色彩基调、道具陈设等设计又反过来影响电影主题的表达。

（三）电影空间设计的类型

1.电影空间设计根据空间环境的真实性与否为标准，划分为真实空间设计与布景空间设计。真实空间设计是指通过改变根据影片建造场景的内部结构（包括色彩、陈设等），或利用真实的自然场景，或是人类的文化遗产景象，对这些景象加以改造、装饰等，使之符合影片表达的需要，使场景中的建筑、风格等与影片所表达的主题一致，达到影片效果逼真的视觉感受。真实的空间设计需要剧组耗费人力物力去搭建场景，虽然实景设计能更有效地衬托影片氛围，如一些清宫影片往往是在一些现代仿造的建筑内拍摄，使观众能感受到紫禁城的辉煌雄伟、宫廷的奢靡氛围。当然实景设计存在缺陷，由于建筑的结构固定，能给剧组发挥的自由度就变小，不利于剧组根据影片做出较大的改动。

2.从人类活动空间来看，又可以将电影空间设计分为建筑空间设计和自然环境空间设计。建筑空间是人类生存与发展的物质条件，在历史发展的过程中蕴涵一定的文化价值，在特定的建筑空间内安排一定的故事情节，极易将观众带回到故事情节发展的情景当中，也是许多著名影片获得成功的关键所在。自然环境空间设计虽然没有建筑空间那样拥有人类活动的痕迹，有人文氛围，但是它的可贵之处是不加修饰、自然地展现影片丰富的人文与艺术氛围。

二、电影空间设计展现的艺术美感

影视是一门综合性的艺术，不仅包括诗歌、音乐、舞蹈的元素，还将建筑、绘画、雕塑等空间艺术结合在一起，是对传统艺术的再创造。为了满足人们的视觉效果及审美观、观赏情趣，影片采用空间设计手法来展现真实的情景，展现了艺术美感。制作人对影片的制作，采用的手法无不透露出该制作人的心思，影片通过塑造空间、时间、地点的情境，改变人们对外在世界的概念，电影空间作为现实世界的再现或反映，不再是真实空间的呈现，而是一种超越，改变人们对传统空间的认知。每一部电影所展现的空间环境都是不一样的，通过不同的电影表现手法、化妆、服饰、场景布置等空间设计丰富影片的文化内涵，向观众展示影片的艺术美感。人们喜欢电影不仅是因为电影情节吸引人，更是因为电影能带给人们视觉、听觉上的享受与美感，不同电影有着不同的场景，影片中夸张的表现手法（如人物装扮、恐怖场景设置等）或温馨浪漫的场景都能给观众带来感受。电影是由各种各样的空间组合而成，电影的成功离不开空间设计艺术。

（一）电影空间设计展现的色彩美

人类对美的追求从来都没有停止过，一切美好的事物值得人们去珍惜珍藏，色彩使世界绚烂而有意义，一部好的影片要求体现其电影艺术价值，满足人们对色彩美的感受。从无声电影时代，黑白影片通过人物的动作表情展现的是一种无声艺术，这时候的艺术是一种纯粹的视觉盛宴。人类为了满足自身对色彩美的追求，经过不断的努力，不仅赋予影片声音，还开创彩色影片，结束无声电影的默片时代。彩色影片的出现，反映人类对原始色彩、真人真貌的追求，希望通过电影空间设计反映真人真事。

经历百年的发展，现在的电影在空间设计上充分利用色彩这一塑造方法，尽情展现电影的色彩艺术美。如《满城尽带黄金甲》影片中，为了展现大唐盛世的富丽堂皇，在影片的空间设计上，斥巨资及人力、时间在北京横店影视城重建辉煌的大唐宫殿，尽可能地确保每个细节保持唐朝风貌，布置皇宫场景中的门、600条柱子都采用图案雕刻，并特别定制长达1 000米的丝绒地毡，使整个皇宫显得金碧辉煌。配合影片的情节，而皇宫外的外墙也采用图案，还采用真实的空间设计，用超过三百万朵铺满十三万平方尺，形成一个花海，并在沿途摆放六百多盏宫灯，给予观众十分震撼的视觉效果。而在演员的服饰上，华丽的服装、精致的头饰、完美的化妆，都无一不透露着色彩美。《满城尽带黄金甲》影片花费36亿制作的大片，美国的影评人对此片的评价是“视觉绚烂之极”。影片也获得了第79届奥斯卡最佳服装设计的提名、第26届香港电影金像奖的最佳美术设计、最佳服装设计奖以及美国第33届“土星奖”最佳服装设计奖、美国影视美术指导工会古装类影片最佳美术指导奖、美国电影业服装设计工会最佳历史类服装设计奖等奖项。

通过电影空间设计，对场景的布置、服饰的选择以及灯光等拍摄手法展现一部气势恢宏、色彩鲜亮、层次鲜明的艺术盛宴，电影的空间设计能带给人们色彩上的美感，使人们真正能感受色彩的魅力。

（二）电影空间设计给人们营造空间立体感

随着科学技术的发展，电影制作可采用的技术越来越多，有越来越多的3D电影占据电影院的票房冠军。如占据国内票房榜首的《阿凡达》，影片采用3D电脑技术拍摄，创造一个虚拟的存在空间“潘多拉星球”，影片在空间设计上给人们带来了一场视觉享受，参天大树、群山漂浮于空中、色彩斑斓的茂密树林更有晚上会闪闪发光的各种动植物……使观看者似乎真实处于一个梦幻花园。《阿凡达》获得了第82届奥斯卡最佳视觉效果奖。《阿凡达》的票房成功不在于它的情节有多吸引人，而是整部影片的空间设计让人震撼，观众在观众的过程中能真切地感受到潘多拉星球上的各种生物的活力，能让观众在惊叹的时候有感动有开心有落泪，整部电影营造出一个立体的空间环境让人去享受，真正实现了电影为人造梦。

又如在《爱丽丝梦游仙境》影片中，电影空间设计艺术呈现得异彩缤纷，影片的3D效果，给人们增加了空间立体感，使人们留恋影片中美丽的仙境景色。影片的空间设计，通过对场景的利用、科学技术的使用，给人们展现一幅越来越逼真的场景，仿佛观众就是置身其中，能与影片产生更多的共鸣。

三、结 语

电影依赖空间设计艺术，电影的主题展现、发展离不开电影的表现手法，也离不开空间设计艺术，电影是展现艺术美感的重要载体，由于编剧、导演与演员的努力，我们才能在体会每部电影独特的空间设计的同时，更能享受到影片的真正艺术美感，满足人们的感官享受是电影追求的目标之一，人们观看电影更多的是为了去审美，去欣赏美，而电影空间设计正是展现艺术美感给人们的重要载体。

[参考文献]

[1] 黑格尔.美学（第一卷）[M].北京：商务印书馆，1979：87.

[2] [苏]B·日丹.影片的美学[M].北京：中国电影出版社，1994：201.

[3] 范虹，崔彤.建筑蒙太奇[J].建筑创作，2005（12）.

[4] 王继开.电影手法在空间设计中的运用[J].文教资料，2011（12）.

第9篇：服装设计的表现手法范文

一、历史

到生活中去借鉴各种艺术门类的表现手法,这是服装设计总的原则，舞台服装也不例外。舞台服装的发展方向，和时代的大环境，和艺术理念的变化密切相关，这是肯定的。具体的说，在舞台服装设计的创作走向、艺术思想、表现观念、运用手段在不同的时期、不同的剧种、不同的剧目中会有不同的主脉。譬如说，同样是《天鹅湖》的服装设计，20年代的，40年代的和90年代的服装就不一样。它也要与时俱进，因为观众在变，时代在变，20年代主角的衣服和现在相比，就更长，把身体覆盖得更多一些，衣长过臀，裆也开得更大，这是因为时代潮流更自由了，思想观念更开放了，大众的接受程度提高了，没那么多条条框框了。另外，由于舞台服装使用的短暂性，比起国外发达国家来，制作的时候就没那么精心，从材料到裁剪都比较马虎，追求大效果就差不多了，毕竟大家都没那么多的时间和精力，经济上目前也不允许尽善尽美，以艺术的角度来看，部分的粗糙也会影响到整体氛围的和谐表达。

传统戏曲服装都是千锤百炼后的精华，集中国古代服饰之大成，是“国粹”。而现代的舞台服装还没有摸索出一套自己的招牌“行头”，现有的服装的艺术魅力和独立的审美价值还远远赶不上前者，这有历史积累的因素，也是和现在这浮躁的心态离不开的，精雕细琢的太少了，如果大家不愿努力和认真，仅仅为了创新而创新，是很让人担心的。

二、类别

大部分的舞台服装设计师在做的是各类的文艺演出，歌舞晚会的服装设计，相当多的观众对舞台服装的认识是建立在这上边的。

具体细分也有几类：第一类是歌星演唱会上的服装设计，以包装歌手为目的，流行歌手大都追求个性化的东西，色彩单纯强烈，款式新奇，面料多样，表现的是创意和领导潮流，更接近时装。第二类是综艺节庆的晚会服装设计，这涉及的面就比较广，古典的、现代的、高雅的、通俗的，一台晚会就是一个大杂烩，设计师就是多面手，各类表演艺术都有所涉猎。节庆是群众性的活动，只要突出喜庆欢庆的气氛就行，在服装上就不像舞剧歌剧那样有极强的整体感，前后色的区别也不太严格。第三类是些地域性的主题性的文艺活动服装设计，例如广西国际民歌节，突出地域特色，打民族牌，壮族民歌用通俗唱法唱，服装也是，民族服装时装化。这类服装也要求炫目、好看、烘托主题，偏艺术化一点。

三、设计

在进行舞台服装设计时要考虑的界定因素非常多。首先要考虑的就是剧情的需要。在着手设计之前，设计师要反复揣摩剧本、深刻理解剧情。设计过程中要充分考虑人物在剧作中的作用、地位及其性格特征，通过服装语汇表达出来，这些信息准确的传递给观众。从这个意义上讲，人物形象的着装设计是设计师对剧本对角色的诠释。所以“剧情”可以说是舞台服装设计中的一个很重要的界定因素。

另外，还要考虑演员自身的气质、性格。一套服装很可能非常适合剧情及角色的需要，但不适合演员本身的特点，那么它也不能算是一套好的舞台服装。一个成功的角色可以说是由演员及服装等共同演绎的结果，不同气质的演员演绎同一个角色肯定会有不同的效果，因此选用的舞台服装也会不同。这就是另一个界定因素。还有导演是一部剧作从书面效果转换成舞台效果的指挥者，设计师对整部剧作的服装设计当然要符合导演对剧作的基调要求。

第三，舞台服装设计不同于其他的设计的一个重要考虑因素是服装面料要适合特殊的动作需求，尤其是在舞剧中，也是要重点考虑的。

不同的剧目对服装设计思想的收放会有很大不同。有的时候剧目本身给设计师发挥的空间非常有限，这就要看设计师怎样充分运用有限的空间完整地表达设计意图，简单而不粗糙。而有的剧目给设计师的空间就非常大，比如《日出》，剧中有一次黑白到彩色效果的切换，这就给了服装设计师很大的发挥余地，设计师可以利用这个来更好地表达自己的设计理念。

四、审美

舞台服装在“舞台”这个大前提下，首先要配合表演者的需要，高度突出精神价值，塑造艺术形象的要求是第一位的。