现代艺术的开端精选(九篇)

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第1篇：现代艺术的开端范文

木口木刻起源于欧洲，最早用它来翻印油画作品。木口木刻从盛极一时到最后因为石版印刷的出现退出历史舞台。现代语境下的木口木刻何去何从？在这里，随之而来地，几个我们很难回避的问题便立于面前：1、从《艺术作品的本源》角度谈木口木刻的出现。2、艺术历史性角度谈木口木刻及对版画而言意味着什么？3、木口木刻现代语境如何转化？

对于以上一些问题，我想从另一个角度进行思考，在艺术作品的本源的角度。出发点是：艺术的问题或许只能在艺术本身那里寻找答案。

一、从《艺术作品的本源》角度谈木口木刻的出现。

木口木刻起源于欧洲，最早使用它来翻制印刷油画作品，随着印刷术的发展，木口木刻逐渐退出历史舞台。现在的木口木刻不同于传统：他必须用梨木的横断面，因为梨木非常致密，可以刻出非常细腻的效果；

海德格尔所说：“每当艺术发生，亦即有一个开端存在之际，就有一种冲力进入历史之中，历史才开始或者重又开始。”在这里，历史并非意指无论何种和无论多么重大的事件的时间上的顺序。历史乃是人类进入其被赋予的命运中而同时进入其捐献中。艺术在其本质中就是一个本源：是真理进入存在的突出方式，亦即真理历史性地生成的突出方式。艺术作为本源性的历史，使真理的生成成为可能，使历史自身成为可能。

“真正的开端作为跳跃始终都是一种领先，在此领导中，凡一切后来的东西都已经被越过了，哪怕是作为一种被掩蔽的东西。开端已经隐蔽地包含了终结。可是，真正的开端绝不具有原始之物的草创特性。原始之物总是无将来的，因为它没有赠予着和建基着的跳跃和领先。它不能继续从自身中释放出什么，因为它只包含了把它囿缚于其中的那个东西，此外无他。”

木口木刻起源于欧洲，到了18世纪晚期，一个叫托马斯.比伊克的艺术家在传统木刻白线技法和铜板雕刻的基础上发明了在木版横截面上雕刻的技术。木口木刻的发明使木刻以精致的雕刻与铜版画展开激烈竞争，法国木刻也由于英国的影响盛极一时。

海德格尔谈艺术的诞生：神灵礼物的赠与，大地上的建立，跳跃的开始。首先，真理无法从曾在的事物中产生，因为真理是圆满的，它将非凡推向高处，将庸常推入低谷，它无所不包容，但是在有限中无处真正显现。只有神灵的赠与才能够产生真理的火花。

其次，真理不是投射到虚空之中的，而投射于保存者，历史的人类之中，因此是在大地的土壤上人类中建立的。

最后，因为它来自天上，来自地，所以它具有suprung，它是一种领先，能够跳跃过即将到来的一切。

二、艺术历史性角度谈木口木刻及对版画而言意味着什么？

“语境在西方现代语言哲学语义学派那里，是指词语使用所处的环境，但作为版画的语境，已超出了语言学的层面。它是精神意蕴和语言媒体的综合结晶，生成于‘形式语义场’，艺化于社会环境中，透溢着时代的文化精神，体现着一个时期版画之境界及特色。”

“现代的第一个根本现象之一是‘科学’；现代的第二个根本现象是‘机械技术’；现代的第三个同样根本性的现象在于这样一个过程：‘艺术进入了美学的视界之内了’。这就是说，艺术成了体验的对象，而且，艺术因此就被视为人类生命的表达。美学把艺术作品当作感知的对象。现在人们把这种广义上的感性知觉称为体验。人体验艺术的方式，被认为是能说明艺术的本质的。无论对艺术享受还是对艺术创作来说，体验都是决定性的源泉。

木口木刻对现当代版画语境、绘画语境、艺术语境乃至社会语境缺少足够的关注及深入的思考。艺术是历史性的，它在时代的变迁中与其它许多事物一起出现，同时变化、消失。艺术与历史的关系何其亲密，以至于海德格尔认为艺术为历史建基，艺术乃是根本意义上的历史。版画语境是社会大语系的一部份，随着社会政治、经济、文化诸方面的变化和革新必使版画语境发生相应转换。就像它与铜版一决高下一样，二次世界大战后，西方现代绘画勃兴，很多艺术家被石版画的直接性和绘画性所吸引，不管是具象、抽象的画家都纷纷利用石版技术绘制石版画作品。有不少现代画家都借用它大胆尝试，以表现自己自由奔放的画风。而且继续推动着世界绘画艺术的发展。

三、木口木刻现代语境如何转化？

创作木刻，大多都是画面黑白对比强烈的木刻创作。国外的木刻作品与国内都不一样，国内的大黑大白木刻语言为了表现宣传性的强烈感，是中国当时的社会背景赋予中国木刻这种强烈的东西，激起人们对事件本身的反映、但是现在人们的审美随社会背景转变了，所以到了20世纪90年代中国木刻应该是有这方面的转变。版画在这整体低潮的时期，版画创作队伍中凸显出一些成功的个体。从其作品中，我们可以看出木口木刻与现当代中国版画语境的转换是同步的，甚至成为这一转换的重要的推动者。具体体现在这些艺术家的作品重视版画本体语言的探索；强调版画媒材、技法的研究；倡导作品表现精神内涵的深度；在继承传统中关注当下的中国社会政治、经济、文化景观；借鉴中西，积极探索新的作品表述图式、样式，并不断置疑传统版画艺术表达样式。

那么，在新世纪整体迷失的背景中脱颖而出的成功个体对于木口木刻的现状究竟有何启发呢？一、我们再谈一下艺术历史中的“思潮”问题。应该说任何思潮的形成都是与流行的、转瞬即逝或者昙花一现相关的，在一个思潮中，最终留世的只是思潮之少数发起人，浪潮之少数领军者，而组成汹涌大潮的多数大众是不可能被记住的。木口木刻从作品中不难看到成功个体（他们中不乏绝版思潮领军人）对思潮问题是有清醒认识的，从他们不断变换的作品面貌说明他们是尊重艺术规律的，也说明他们创作艺术作品的出发点相对整体而言要更为纯粹。二、木口木刻当随时代。把版画理解为历史性之艺术，活力才能得到释放，艺术家才能在找到新的创作题材切入点。新的版画语境要求版画艺术家进一步关注现当代历史性；进一步研究思考版画的艺术本体深度，纯化版画表述语言；进一步创新版画图式，摆脱经典样式的束缚；进一步拓展版画表现的空间，表现的可能性，以适应当下艺术大语境之节奏；进一步钻研版画新的媒材、技法，重视艺术作品中“物”因素的重要性。三、学习成功个体的开拓精神的同时，努力提高自身社会、历史、文化、艺术综合修养，深度挖掘作品精神内涵。

第2篇：现代艺术的开端范文

一、社会学角度研究现代电影

（一）从人类文化方向研究电影1.现代主义电影艺术的创作与道德真正标志着西方电影中现代主义的再次兴起的，是以法国新浪潮电影运动为开端的现代主义电影。其发展与当时的时代特征息息相关。第二次世界大战之后的法国，正处于百废待兴之时，此时的新浪潮电影，涉及到了许多当时青年一代对于生活的彷徨与无助，同样，电影创作者也有意的将道德的因素融入影片的当中。2.现代主义电影艺术的创作与哲学两者相互影响。新浪潮，反映了那个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考相互影响，对于人性、人生、社会现状的深刻思索与检讨。法国新浪潮运动就其本质来说是一次要求以现代主义的精神来彻底改造电影艺术的运动。（二）从社会人生方向研究电影看待一个时期的电影，必须要把其放入当时的时代背景之中，深刻理解当时的创作背景，并且也要清楚知道这一时期作品对于当时社会又有着怎样的影响作用，甚至是对于现在的艺术发展又有着怎样的相互关系。然后，就是要清楚知道一个作品对于人的反应及影响。新浪潮，是对当时法国社会的混乱颓废局面的一种控诉，是作者个人化的作品，反映了当时人们的心理状态，但是由于极具风格化，所以并不为大众所接受。

二、艺术创作的风格分析

分析的这一过程，其实是一个心灵物化和物化心灵的过程，创作者要创造出具有一定物质形态和时空形态的艺术作品，具有强烈的精神性和积极的实践性。艺术创作的过程，其实就是艺术家、艺术品、艺术接受者所组成的一个人类活动空间。（一）现代主义电影一切对艺术的传统观念有所突破的艺术都可称为现代艺术，同样，现代电影艺术也是反传统的电影艺术。其主张是打破艺术家、作品和观众之间的区别，艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。艺术家不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生。他们的叙述语言是荒诞的、寓意的或抽象的。（二）法国新浪潮法国新浪潮，对法国商业电影的平庸和虚假进行了猛烈抨击，提倡在电影创作中展现导演的个人风格。这些年轻人尽管有共同思想和理论，但不组织学派或集团，拒接发表共同的纲领性宣言。强调个人风格，声称电影是个人思想的产物，他们的表现手段和风格相差许多，但是都是表现个性张扬自我。导演的创作意图非常个人化，也就带来了革新电影的语言和形式（更真实—实景拍摄和现场即兴拍摄，真实音响）、更简捷（跳接剪辑手法）。确立了电影个人风格的地位，鲜明的个人印记，更真实，更个性，更内化，甚至有自传性作品。但在这些个人化作品中，仍能感受到强烈的时代特征和共同情绪。都反映了二战后法国青年一代的失望和幻灭，他们挑战传统，愤世嫉俗，但是没有理想和信念，没有生活寄托和目标，表现出一种消极和颓废的世纪病。现代主义电影，风格各异，但有一个共同原则：非理性主义思想主宰创作活动。要求在艺术创作过程中摆脱理性的束缚，用非理性的直觉、本能、潜意识、意志等。“原始力量”在作品中体现创作者的“自我”因此，这种作品的含义常常是隐晦的、暧昧的、多义的，需要欣赏者自己去探求。可以说，现代主义电影是深刻的、自我的、个性张扬的同时也是小众的。人，对于电影这个载体的主宰能力充分体现出来。

作者： 单位：四川大学 艺术学院

第3篇：现代艺术的开端范文

随着科技的进步，信息产业的不断发展，传统的艺术形态、传播环境等已经不能满足现代人们的需求，新媒体艺术的出现无疑是传统艺术的一种升华，新媒体艺术区分其他艺术门类的显著特点是其具有虚拟性、数字性、交互性。其中新媒体艺术的交互性是与传统艺术门类比较中最具有优势的特征，新媒体艺术是传统媒体模式的一种升华，新媒体艺术是传统媒体与现代先进技术完美结合的产物，新媒体艺术是现代科技水平进步的体现。

关键词：

新媒体；艺术；交互性

随着经济的发展，科技水平的进步，传统艺术得到了进一步升华，人们从传统只能通过电视、报纸、杂志、广播传统媒介向新媒体过度，新媒体艺术成为现代人们的宠儿，新媒体艺术是传统艺术的升华，新媒体艺术具有交互性，从而更全面的挖掘了时代艺术优点，充分发挥了它的优势，更好的满足了人们对艺术的需求，同时也提高了消费者满意度，对促进我国新媒体艺术发展、审美取向创新有着深远的意义。

一、新媒体艺术的界定

20世纪末摄影技术的出现拉开了最早“新媒体艺术”的帷幕。传统的艺术评价标准无非是某位作家无可复制的作品，独一无二的作品特点宣示的它的价值，20世纪末摄影技术的出现了人类这一艺术观念，摄影技术的出现可以说是“新媒体艺术”的开端，新媒体艺术的产生和时代的进步，技术水平的提升是分不开的，可以说“新媒体艺术”与技术的发展是相辅相成的，新媒体艺术是建立在传统艺术之上的，传统的四大媒体包括报纸,杂志,广播,电视，而新媒体艺术区分于传统艺术的最大特点使其具有交互性，现阶段新媒体艺术主要应用领域有影视制作、房地产领域、建筑规划、展示设计、工业设计、网络艺术等，计算机的出现是推动新媒体艺术发展的关键要素。

二、新媒体艺术交互性具体体现

新媒体艺术是建立在传统艺术之上的新型艺术表达手段，新媒体艺术与其传统艺术相比较具有传播范围广、互交性、时效性、立体性等特点，现阶段新媒体艺术主要应用领域有影视制作、房地产领域、建筑规划、展示设计、工业设计、网络艺术等领域，将传统艺术与现代先进手段相结合，为需求者提供了一场完真立体的视觉盛宴。针对新媒体艺术交互性，本文从以下几点进行分析。

2.1画面真实、立体感强

新媒体艺术具有虚拟性，利用这一特点虚拟现实影像，让人感觉画面更加立体真实，具有身临其境的视觉体验，在商品信息的传播上，可以借助高端的互联网科技，将产品信息，商家资料，声色并茂的呈现给需求者，充分发挥出新媒体艺术的优势性，传统艺术时常不能满足顾客的需求及时性，比如电视广告的播报，需求者一旦错过了广告播放时间，就没有办法再获得广告信息，而新媒体艺术需求者可以随时观看，因此，新媒体艺术又具有时效性。另一方面数字电影的出现更加凸显了新媒体艺术的立体效果，是身临其境的感觉更加逼真，从而提高了人与作品的交互性。

2.2新媒体艺术作品交互性强

针对新媒体艺术中的作品，需求者可以通过虚拟环境及反馈的其内容，进行人与作品间的互动，另一方面，需求者通过设计者所构造的人物、环境、声音切身的感受虚拟世界人物质量、声音、语言上的互动，进而实现行为交互。

2.3新媒体艺术互动性强

新媒体艺术有效的运用了计算机网络的优势，因为计算机网络具有灵活性，借助计算机网络可以充分实现设计者与顾客的互动，可以是局部区域亦可是全国乃至全世界的互动交流，新媒体艺术在互动中了解自己产品的不足及优点，在交流互动中需求者可以真实立体有效的与设计者进行沟通，使身处异地的两个人没有距离感，进而了解需求者的反馈建议，用户的反馈意见对企业的发展很有价值意义，企业可以通过用户反馈的意见，进行收集，详细分析消费者的需求和消费趋向，设计者及时有效的掌握需求者对商品的需求量和评价等等，从而实现及时有效的了解自身优点与不足，做到知己知彼，进而进行方案的讨论与调整，最终达到完善设计的目的，新媒体艺术形式的广告设计营销有效的推动了企业的营销效率，新媒体艺术可以让需求者立体真实的了解自身的设计作品，不但在提升设计者的同时也提高了需求者的满意度。

2.4虚拟传播，拓宽市场

新媒体艺术具有虚拟性，立体性、交互性的特点，正是借助新媒体艺术自身的特点，让新媒体艺术在娱乐游戏领域也有了突破性的成就，新媒体艺术具有虚拟传播立体真实，交互性强的特点，让其在娱乐游戏中迅速发展起来，仔细观察我们都会发现，每一款电脑游戏，设计者都会精心设计人物形象，游戏场景画面，吸引人的交互模式，如发出声音，游戏人物的肢体语言进而实现互动，新媒体艺术，具有传播速度快，传播范围广的特点，没有地域的束缚，可以将每一个人都变成消费者资源，同时也免去了现实生活中，因为地域不同，生活习性，生活方式的不同，所带来的不必要麻烦。

2.5广告营销互动

信息产业飞速发展的今天，传统的营销手段已不能满足企业与消费者的需求，新媒体艺术常常被用在广告的设计中，互动广告逐渐成为企业宣传模式中的宠儿，互动广告抓住了人自然沟通双向沟通的特质，为广告赋予了灵魂，设计者借助新媒体艺术以及计算机营销的特点实现企业互动广告的有效传播，新型互动广告的本质具有传播速度快，传播范围广，交互性强的特点，新媒体艺术广告形式利用这一特点，将企业信息，产品资料，及时有效的将信息传达到世界的每一个角落，企业可自行设计产品的详细资料，顾客只要点击产品的一个链接，企业信息，商品资料便声色并茂映入眼帘，互动广告交互性强的特点，不但方便顾客间的互相交流、传播，也极大程度上提高了企业的营销效率。

三、结论

信息产业飞速发展的今天，传统的艺术形式已经不能满足人们的需求，新媒体艺术是传统媒体与现代先进技术完美结合的产物，新媒体艺术的出现，对提高顾客的满意度，我国新媒体艺术发展、审美取向创新有着深远的意义，新媒体艺术是媒体艺术必然的发展趋势。

参考文献：

[1]唐雪雯.新媒体艺术交互性探究[J].艺海,2013,12:130-131.

[2]李琪.新媒体艺术交互性的时空特质[J].艺术品鉴,2016,03:154.

第4篇：现代艺术的开端范文

11月26日，由山水美术馆主办的“自然密码--观一灵性绘画”沙龙交流展，在山水文园地产的样板间精彩亮相。本次展览邀请了业界的藏家、金融家和艺术家及部分媒体到场，一改以往展览展出的形式，以品鉴、欣赏和沙龙交流的方式为活动方法。 天气寒冷还下着雪花，但依然挡不住大家的热情，沙龙现场座无虚席。 艺术家观一老师跟大家分享了他的艺术经历以及创作思路。

他说： 我要寻求一种未曾出现的但又是与我们这个时代息息相关的思想点。它既是地域性的又是世界性的。今天展出的两个系列类的作品，也就是体验和观照系列。在这个工业化快速消费的时代，我们越来越感觉到生活节凑的加快，带来的生活的节凑上的压力，所以我们就想，这种现代的生活，工业化，城市化的生活，需要艺术来填补或调和一下，所以，这次展览主题定义为灵性艺术，首先灵性不是那么沉重，是比较飘逸的，轻松的一种东西，是心灵的一种归宿感觉。

而后两位业内嘉宾与观众的深度的交流和互动对话， 《世界艺术》杂志主编、策展人、美术批评家徐亮以及独立文化学者、独立艺术家、独立策展人游浩分别阐释了自己对观一作品的见解。

徐亮在谈到观一的作品时说：艺术是没有定义、公式和推理的。就是见仁见智。“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。所以，在我看来，他的作品是有抽象意味的抽象艺术。因为是世纪的“85”时期是中国历史上少有的一个狂飙复兴阶段。那个时代，我们中国艺术界在学院内部有一位很重要的艺术家吴冠中先生，他提出了形式的重要性，他的画面我们称之为“意象画”，绝对归不到抽象里面，反倒是他的同学赵无极，群等在西方的艺术界给艺术做出了贡献。 他们的作品线条、色彩、绘画的方式是一个对哲学式生命体验的过程。也是他对自己本体文化的认识。 比如观一这次展出的作品，颜色艳丽的比较抒情，线条像瀑布，我们也可以很形象的去表达；而黑色、灰色就像一个人的品质一样，就像着装、喜好、审美都体现出来，越看越有味道。我在08年做了一本中国抽象大全的书， 85时期，北京有一帮画抽象的，比如星星美展有几位，无名画会有几位，上海和北京两个城市之间，共同托起了我们从80年代抽象艺术的开端，甚至更早一点，75年左右的时候，就有一些人开始做抽象艺术了，在我心目中他们是非常了不起的。

游浩先生针对传统和现代的关系就观一的画面颇有感慨。他说：我们曾经理解的那个艺术，不可能是永远是传统的那个样子，再去跟西方对话交流，那样的话，对人类是很难做出贡献的。一定要有新的思考，新的可能性。 在我们快速的生活方式之后，因为商务时代是个外求的时代，用外求的方式来获取财富的，获取所谓物质的丰富性，而内心往往是被冷漠的、被忽略的。所以说，艺术恰恰提供了一个这样的可能性。再一个，纯粹理性罗格斯式的思维方式之下的抽象艺术，对东方人而言恰恰应该是我们回避的。内观式的，内心触摸式的灵魂观照层面的，这样一个灵性层面的触摸，可能是东方艺术的未来的可能性。我觉得观一老师的作品最起码从我这个专业的角度来看，在我们的传统审美之下，在西方现当代的艺术观之下它就有一个新的思考。当然，我们看他的作品不仅仅是在抽象艺术的范围之内了，就是在抽象艺术之后，他的一个新的探索一个新的可能性。

第5篇：现代艺术的开端范文

西方油画艺术的发展经历了相当长时间的发展演变。经历了不同的演变时期，从简单模仿，到脱离对完整形象的依赖，即从具体到抽象的根本性转变，再到对审美不同理解的发展，最终遭遇全面危机。

一、西方绘画艺术的渐变及现代艺术观念的跳跃式突变

相对于过去的简单模仿，保罗·塞尚本文由收集整理（1839～1906）开始将西方绘画引入了新的发展阶段，即现代艺术发展时期。通过塞尚的视角，人们可以清晰的了解到绘画的独立性，整体性。基于塞尚的观点，绘画理应被当作具有完整结构的独立体，而不仅仅是用来反映世界的工具；绘画因自身而存在，应该根据被表达内容加以构建和完善。在这样的，有着全新艺术倾向的环境下，西方绘画在塞尚的指引下从传统演变到了现代。而后经历了毕加索对绘画独立性的进一步强调及康定斯基对画面全体结构的否定，使得现代绘画艺术发生了由具体到抽象的彻底性转变；达达派对清醒的非理性状态、拒绝标准、随性无拘束等的强烈追求；约瑟夫·鲍依斯将艺术作为观念的载体，纠正传统审美的狭隘性，导致了架上绘画被“影像”等取代。至此，西方传统意义上的架上绘画变遭遇了前所未有的危机。人们开始了围绕“油画艺术的去向”的话题展开争辩。那么，是否艺术真的会走向死亡？不论结局怎样，我们都应面对这样的现实，即绘画艺术作为一个整体，似乎已经到了由文艺复兴给予的支配地位的尽头。

二、我国油画艺术发展的民族化

中国油画艺术是在西方现代艺术的影响之下发展起来的，这是在上世纪80年代国门的打开，人们思想愈发受到外界影响的基础上建立的。行为艺术到20世纪90年代便在中国社会普遍流行开来，这也招致了人们对于中国油画价值存在与否的深入思考，不同关于我国油画的理论开始形成，于是对于油画“民族化”讨论变成了焦点。而我们都知道，所谓的“民族化”无非是继承传统并融汇外界较好的因素，这是一种模糊而又不好掌握的概念。概念上的不确定性，也进一步说明了认识的不足。

中国油画的“民族化”问题并非“全球化”的组成部分。

首先，中国油画艺术的民族化问题，早已不是一个新话题。上世纪初，刘海粟就已提出了油画艺术民族化的观点。这种观点的宗旨是保护中国文化艺术精髓，用中国文化传统来包容、融合西方文化。然而这种近乎口号式的观点，却使得中国油画艺术的民族化过于模式化、标准化，即对中国油画艺术的发展产生了不利影响。咎其原因不难发现，民族化并非一蹴而就的，而是一个渐变的过程。它是自外来文化跨境域传播自我国之后，不断被模仿、覆盖、融合甚至于创新的整体过程。从真正意义上来讲，中国油画艺术的发展是以向西方学习布景画和画技法为开端的。

其次，基于“全球化”背景的“民族化”才是学术界议论的焦点。通常所说的冷战，时间范围是从冷战结束开始的。经济全球化的迅猛发展，带来资本、劳动力、技术及生产资料在全球范围内更加有效的配置和利用，必然带来“文化全球化”的后果。在这样一个过程中，如何更加有效的抵制西方文化的冲击、侵染以及增强本国文化影响力与竞争力，则显得格外重要。这就引发了人们对“文化民族化”的思考。如今，在传统文化的领域中，更多关于中国传统文化的话题逐渐开始流行，中国油画艺术则是其中之一，理论界关于中国油画艺术前途的思考逐步加深。但是，基于中国油画艺术仍旧游离于世界油画艺术之外的情况，我们是否真的有必要高举“民族化”的旗帜？这着实需要我们重新对中国油画艺术所处的境地进行审视。

三、当代中国油画艺术所处的境地

从总体上来看，当代中国油画艺术处在尴尬的境地中。明朝时期，就有意大利的传教士携带西方油画走进中国，后来发展到专聘西洋画家为朝廷作画。但在随后的朝代，专职为宫廷作画的西洋画家不断减少至消失。可见，当时我们对西方油画的认识只是通过那些接触了西方油画的中国画家，并非油画真在中国被推而广之。随着西方文化的全面影响，中国出现了很多真正意义上的油画家，如，李淑同、徐悲鸿等，更有甚者远涉国外学习油画。因此可以说，中国油画的发展受到西方油画的强烈影响。尽管这样，由于中国油画基础薄、发展时间的相对滞后，最终便使得当代中国的油画艺术处在相对尴尬的境地。

与西方传统油画相比，一方面，在西方印象派激战并取得统领地位及后印象派又应运而生的环境下，中国油画则由于发展的相对滞后而错过了黄金时期，因此中国的油画家无论如何也不可能成为像梵高、莫纳那样的大家。另一方面，西方油画艺术是在经历了文艺复兴、工业革命等伟大事件后才有了古典主义、浪漫主义的不朽作品，伟大的事件是伟大作品产生的前提条件。因此在这一点上，中国油画艺术更是望尘莫及了。

四、中国油画艺术的发展道路

中国油画艺术面临着追随传统还是转向现代的双重难题。造成这种困境的最根本原因就是东、西方文化的巨大差异，尤其是针对美的不同理解及与美相关的文化艺术的价值追求。一方面，我们应该清楚的认识到，纯粹的“跟随”与“附和”西方油画艺术是行不通的，这会导致与中国传统、现代文化价值差异的造成。另一方面，中国处于转型期，需要新的观念和新的思维的注入，因此不能将陈规惯例照搬和简单复制，即不能走单纯传统的民族化道路。

我们能做的，或许就是应将中国油画艺术与中国自身艺术的发展体系相结合，使得油画艺术真正成为中国绘画艺术的有机组成部分。值得一提的是，艺术的发展体系应该充分体现当代中国创新的文化与艺术风貌，引领中国油画艺术成为真正只具中国特色的油画艺术。

第6篇：现代艺术的开端范文

在西方，一个百年足以诞生一个大师，并影响世界艺术的风格和进程。这场展览，则跨度700年，七个世纪，更神奇的是，你会触摸到只在美术史书上见过的、梦寐以求的、几百年前的笔触、色彩以及意象……

大师的出现意味着一场艺术变革，中西均如此。国画在美术史上的变革虽不及西方明显，却同样存在。

于是，站在西方艺术大师作品面前，你会奇妙地发现，在那些相同或相近的时代，中国同样出现了成为伟大和永恒的艺术家，比如倪瓒、齐白石、张晓刚。

不妨做个简单有趣的对比。

一棵树的境界

1452年，达・芬奇出生在遍布橄榄树的宁静乡村。不知童年的风景对他产生过怎样的影响，多年以后，树成为了他的研究对象。树的生长规律、叶子的每一个角度旋转，都让达・芬奇的艺术几乎走上了科学的路。画人物亦是如此，蒙娜丽莎和她背后的神秘风景，都是他对真实和细致的无限渴求。

这种渴求让达・芬奇成了意大利文艺复兴的伟人，并让"再现性"这种当时最具变革的艺术形态成为永恒。

较达・芬奇早一个世纪的倪瓒，出生在无锡太湖边。太湖寂寥的风景让倪瓒性情颇为怪异。他也擅画树木，但与达・芬奇的树全然不同，倪瓒的树从山石中突然钻出，似乎没有根，不存在任何透视感。他说，我只写胸中逸气，何必在乎似与不似呢！

浪迹天涯、枯淡清逸，却让倪瓒成为元代最伟大的画家。从此，文人画延续至清，成为中国画最重要的画风，也让倪瓒成为永恒。

最令人难以抗拒的或许就是这种比对。同样是一棵树，你惊叹文艺复兴的细腻和真实，也难以抗拒倪瓒的逸笔草草。一笔油画的厚重、一抹水墨的超然，这就是艺术的魅惑。

两个自由的灵魂

与达・芬奇和倪瓒完全两个世界不同，当艺术走向近代，毕加索和齐白石生在了同一年代。一个是西方现代艺术立体主义大师，一个是文人画走向雅俗共赏的革新者，他们可谓同是影响世界的大师。

毕加索将实物分解，组成几何体，让画作从二维抽象成三维甚至多维，这种自由和探索让他成为西方现代主义的拓荒者。而齐白石同样是自由的，他的率真和朴实用一种生涩的文人之笔展现，文人画从倪瓒的萧瑟转换为平淡天真的执著。

他们的共同点还在于人文关怀。在艺术急剧变革的20世纪上半叶，人文关怀是奢侈的艺术表达。毕加索对和平的向往和齐白石对宁静安乐的盼望，让他们成为美术史巨变中最纯真的意象。

毕加索在看到齐白石的画作时曾这样说道：为什么中国画家要跑到西方学画，齐白石才是真正的印象派大师！他们一个成为西方现代主义的开端，一个成为中国文人画的结尾，尽管他们不曾相识，却惺惺相惜。

永恒在发生

立体主义后，超现实主义、抽象主义、波普艺术等西方艺术形态相继发生，当代艺术以上世纪60年代为上限快节奏层层展开，生生不息。

在沃霍尔看来，艺术不再是创作，而是现有材料的运用。当人们质疑他的艺术不是原创时，他说，我只是纯粹地喜欢复制，因为更简单。他分别拿来和梦露画像，用色彩的渲染了这场波普风。

艺术仿佛被解构了，并在国内掀起轩然大波。更多的人开始玩波普，国画也开始向现代水墨演变。但，这样的艺术会像达・芬奇一样永恒吗？

答案是肯定的，除了生活中处处波普，我们也看到张晓刚的政治波普还在拍卖会上创造着奇迹。在《大家庭》系列中，他用上世纪五六十年代的标准像和集体照为母题，绘制出国民记忆的文化印记。这种幽默的自嘲和艺术的自觉是永恒的，因为它更接近现实。

这是一个艺术的大时代，中西融合，适当分叉行走，无材料不用，无疯狂不欢了。

第7篇：现代艺术的开端范文

中国传统文化中的水墨元素源于唐朝时期，并于五代时逐渐成形，水墨艺术的鼎盛时期为宋元年间，直至近代中国水墨元素仍有发展。在千百年的历练与传承过程中，水墨艺术的时代气息更加浓厚，无论是艺术表现风格还是技法展现都别具特色，将中国画中的水与墨元素表现得淋漓尽致。水墨多以宣纸作画，通过对水与墨浓度的控制来表现出对应的浓淡色彩，独具传统艺术魅力。欧洲工业革命之后，现代平面设计逐渐兴起，作为实用美术的一种，现代平面设计与市场因素之间的联系较为紧密。相较于欧洲现代平面设计而言，中国的平面设计发展相对较晚，受制于西方设计思想的影响，中国平面设计与本民族之间的关系并不融洽。伴随上世纪初期水墨动画的出现，现代设计中水墨元素的渗透逐渐被关注，设计师纷纷探讨如何能更好地实现水墨艺术与现代平面设计的完美融合。上世纪八十年代之后，水墨艺术凭借自身独特的艺术设计风格风靡一时，成为了众多设计领域炙手可热的宠儿，现代艺术设计领域刮起了水墨热潮。视觉是设计的开端，视觉的目的是美感。现代平面设计中水墨元素的融入兼具典雅、含蓄及浑厚特征，是民族风格与现代审美艺术的有效结合，这对于现代平面设计而言也是文化内涵的丰富过程。现代平面设计中诸多水墨作品的呈现不仅令国人顿生亲切之感，同时也使得地域性特征在现代平面设计中得到彰显，民族个性成为了现代平面设计的发展主流。在民族文化日趋多元化的今天，现代平面设计除了本身的艺术审美元素之外，更多追求的是个性的解放，在传统民族文化元素中汲取有效的设计灵感，进而实现艺术创作的审美创新，可见传统水墨元素的应用在现代平面设计发展中已然成为一种不可逆转的趋势。

二、水墨元素在现代平面设计中的应用路径

1．水墨元素中笔墨技法的应用

笔墨技法作为水墨艺术创作的艺术精髓，这一“笔情墨趣”是水墨元素区别于其他艺术创作手法的核心内容，同时这也成为了现代平面设计丰富自身艺术内涵的主要借鉴方面。笔法是中国传统水墨艺术尤其重视的方面，针对不同的物象特征，对应笔法的曲直、刚柔以及粗细都截然不同，甚至水墨艺术来讲究根据不同的创作题材来对应不同的运用笔法，人物特征描绘方面一般采用行云流水描或是铁线描的方式，而山水效果则通常会选用相对应的皴法技巧，至于画干、勾花或是拓叶则主要适用于对花鸟虫鱼的描绘。此外，水墨艺术创作还尤为注重艺术呈现效果与运笔方式的选择，“笔断意连”是水墨艺术尤为突出的效果呈现。运笔力度方面，水墨艺术强调轻重缓急对于艺术效果的影响，这与现代平面设计中的造型式样如出一辙。现代平面设计中设计师往往从水墨的线条表现力和用笔技巧出发，从水墨元素中的情感与性格对应到平面设计效果当中，以此来促进作品情感表达的效果。在作品风格特色方面，水墨元素中的用墨技法像是泼墨法、淡墨法、积墨法以及宿墨法等都是现代平面设计常用的风格设计技巧。水墨艺术强调“墨分五色”，分别为浓、淡、清、重、焦，在水与墨相互调和之后配之以平面处的留白，这就形成了所谓的“六彩”。现代平面设计中正是从这样的“六彩”出发，并以此建构单色明度之间的关系。作为一种极其特殊的造型模式，水墨元素在想象空间的营造方面也是无限的，这就赋予了艺术作品更加广阔的文化内涵。从墨法角度分析，现代平面设计中针对水墨墨法的借鉴也是极为明显的，这不仅表现在水墨艺术的简洁与单纯方面，同时也巧妙避开了细枝末节对于艺术呈现的干扰，整个作品演绎显得浑然有力。最后，在笔墨技法方面现代平面设计还充分体现出对水墨艺术本质特征的运用，无论是物象造型、用墨技巧、运笔方式还是情感底蕴都与传统水墨元素如出一辙。

2．水墨元素构图章法的运用

传统水墨创作中构图章法与现代平面设计中的布局有着相似的涵义，这是对物象位置的设计过程。巧妙的构图和章法不仅能够给人以更加丰富的情感体验，同时在审美意境方面也会带来截然不同的心理感受与艺术熏陶效果。水墨艺术惯用透视及散点技巧，通过移步换景的方式来突破现有的视觉限制，让整个画面呈现更加饱满、灵动。这一构图章法的运用除了能够突出画面的意境效果之外，也为现代平面设计创设了更加广阔的设计空间，从疏密布置、聚散程度及虚实相称等方面突出了平面设计的空间呈现效果。传统水墨艺术在设计思想方面尤为重视“计白当黑”，也就是说在作品设计过程中通过空间留白的方式来展示作品意蕴的主次与疏密，而由此所产生的独特视觉感受也不禁令人连连称赞。现代平面设计中，空间留白的手段也时常见到，是对水墨构图章法的有效借鉴，这一独具韵味的平面设计作品，也成功地拓展了我们的艺术现象空间。

3．水墨元素意境美感的渗透

水墨元素放弃了对斑斓色彩的追逐，在黑白间尽情抒发着内心的真实艺术感受，这一独善其身令人对之赞叹，黑白两色的运用不仅从繁琐的现实枷锁中逃离出来，同时也使得现实的束缚不再出现在艺术作品当中，自由与现象成为水墨元素在意境美感方面的集中呈现。在黑白墨色间我们品味着墨迹的高远与空灵，这也是我国传统水墨艺术的“墨韵”之所在。简约和含蓄是水墨艺术的主要特征，在寥寥数笔间展现出物象的生动气韵，这与当前现代平面设计中追求的作品欣赏价值有着相同的特性，试图在作品设计中能够给人以最为直接的艺术审美体验和心理感受。由此可见，突出作品的意境与美感是当前平面设计在借鉴水墨元素时需要考虑的重要方面之一，不仅需要从思想意识中抛弃原有功利思想的制约，还需要置身于高远境界中切身感受意境美感呈现的重要性，在作品设计中留出必要的回味与想象空间。

三、结语

第8篇：现代艺术的开端范文

关键词:艺术设计;民族文化;风格

当今世界的艺术设计伴随着信息科学技术的迅猛发展和普及,“信息技术把世界日益变成一个地球村”。艺术设计因图形语言的交流便捷和获取信息的优势,及大地推动了艺术设计在世界范围内的交流与发展。

中国的现代艺术设计起步较晚,现代设计教育的年青化和不成熟,使设计教育体系中引用借鉴西方教学内容与方法较多,因而受西方现代设计观念与设计思维的影响较为严重。特别是对民族的传统文化教育的不够重视与忽略,导致了大多青年设计者民族文化底蕴的匮乏,缺乏自己的思想与创新能力。因而在设计创作中盲目模仿借鉴西方的设计形式风格导致了设计创作只流于表面形式,而缺少了作品的文化内涵和精神追求。没有自己的文化风格和艺术个性,更谈不上既有民族文化内涵又具中国特色风格的设计。

如何使中国的设计走向世界,创造出中国风格的艺术设计,把握和坚持设计中的民族性,将传统的中国文化内涵与现代的艺术风格有机的结合尤为重要。

我们提倡艺术设计中的民族文化与民族化内涵。民族文化是指该民族成员历代相传的共有价值观、思想意识,它是思想情感、风格习惯、审美情趣、道德观念、等因素的综合。而设计与文化有着千丝万缕的联系,它不仅反映着文化,就它本身而言,也是一种文化和文化的传播形式。

在世界的发展日益呈现多元化的今天,中国的艺术设计应在国际化艺术设计中将民族化的元素进行有益的补充,使本民族的设计文化得到发展,并创立出具有民族化特色的艺术设计风格,在国际艺术设计领域中,提升中国艺术设计地位。

国际主义趋势的同一性,必然形成一种单一、僵化的艺术语言,设计师的个性不能得到充分发挥,形成单一性,它必然导致视觉传达效果的削弱,不利于艺术设计的进一步发展。日本在民族风格溶入现代设计中取得了很大成功,日本的设计起步阶段也是西方化盛行,但最终还是回到了传统,创造了极具民族文化风格又是现代设计观念的艺术设计成为了民族特色与现代时尚观念相结合的优秀典范,使日本的艺术设计颇具世界影响力,在日本设计中,传统文化元素的应用是其最重要特征之一。

从艺术的发展史可以看到任何主流艺术或文化的发展都曾受到民族传统艺术的影响和滋养。传统文化艺术能够流传至今,也证实了它具有永恒的生命力,坚持现代设计的民族性很大程度上要求对民族传统文化艺术的学习与借鉴。尊重传统,发扬传统,从优秀的民族传统文化中去吸取精华丰富素养,民族优秀的传统文化是每一个中国设计者的必修课。

民族文化是丰富多彩的,民族文化有共性,又有历史阶段性;同时也具有社会阶层性,民族的多样性。汉族和各少数民族共同创造了灿烂的中国文化,各少数民族文化是中国民族文化的重要组成部分,它个性鲜明、千姿百态,有着取之不尽,用之不竭的创作源泉。传统民间艺术的亲切感,是人与人、人与物、人与世界的直接接触与碰撞的结果。它即朴实又生动感人。因此,在每一件民间艺术作品中都融入了创作者们对世界、对生命、对社会的理解。它再现了每一代人的生活、观念与情感,成为最直接的艺术之源,所以说传统的民间艺术是最具原创力的艺术。设计归根到底是为人类服务的,个性化是它的重要特征。设计不仅要有民族性,也要具有世界性,而且世界性某种意义上是民族性的归纳和概括。只有个性的,民族性的东西才能被世界人士所发现并在相互交流中得到认同。同样设计作品的民族性是其具有世界性的前提,这也是我们的中国画、书法、京剧等艺术能在世界艺术领域大放光彩的重要原因。

以我国传统民间彩色剪纸为例,它不仅是融绘、刻、染于一体的工艺美术品,也是极具装饰魅力的设计作品。在造型上,它追求自我完美的中国民族装饰形式美;在构图上,强调对称、均衡、有稳定感;在形式上,通过点线面的对比,色彩的映衬,效果上虚实动静,产生节奏和韵律感;方法上,重归纳和概括,将自然形态规律化,更符合装饰美的要求,手法上,多采用夸张变形,并赋予象征和寓意。用色上,色彩鲜艳,感彩浓郁,这些对我们现代艺术设计都起到典范和启示作用。

设计艺术的是在空间中的设计活动,其涉及的内容包括字体设计和插图、摄影的采用,把图形、字体、插图、色彩、标志等以符合传达目的的方式组合起来,用于传达信息及指导、劝说等目的,达到准确的视觉传达功能,同时给观众以视觉心理满足。由于民间美术与现代设计的某种巧合,以及传统艺术本身的艺术魅力,传统艺术受到了前所未有的青睐,特别是那些优秀经典的作品,往往以很高的审美价值引起现代人们的赞叹与兴趣,并对艺术设计起着一定的影响,以致在一些现代设计大师的作品中,我们不难发现传统艺术的踪迹和设计应用的经典范例。

有很多设计师就是把中国传统文化的精髓,融入现代设计的理念中去设计出了成功的作品。例:我国著名艺术设计大师韩美林先生为中国国际航空公司设计的标志就取材于传统的凤纹,该标志简洁有力,三条主线粗重,垂直稳健圆满,每一笔的开端和收尾都处理成尖头,使视感粗中有细、刚中与柔,飘逸的凤纹婉曲秀丽、妩媚生动,头部水平,胸部处理为垂直的线条,整体显得器宇轩昂,寥寥数笔刻画出一个姿势动人的凤纹,表明该公司能够像神鸟凤一样给人们提供舒适的飞行服务和安全保障,该标志属于现代设计中民族化风格的典范之作。再如中国银行的标志,整体简洁流畅,极富时代感,标志内又包含了中国古钱,暗合天圆地方之意。它巧妙地把中国的“中”字和中国传统的圆形方孔币作为金钱象征,结合在一起。这是一种很自然的运用传统寓意,这是民族、地域所拥有的“集体表象”,使设计显示出丰富的想象力与造型上的合理性。了解中国传统文化背景的人,就能从中一目了然地解读其标志的内在涵意,这个标志可谓是香港平面设计大师靳埭强融贯东西方理念的经典之作,他在对传统民族心理、民族感情的理解和研究基础上,把民族的内核与国际化的语言完美的结合在了一起。

综上所述,我们应该清楚的认识到在现代艺术设计中对本民族优秀传统文化的学习和传统文化素养的深厚积累,对一个中国艺术设计师来说是何等的重要。要创造出中国艺术设计的特色与风格,提升中国艺术设计在世界设计界的地位和影响离开了优秀的民族传统文化是行不通的。正如我国老一辈设计大师韩美林先生说的一样:“我始终坚信,我的路在中国。”

参考文献:

《装饰》总第117期杨先艺《论设计文化》

《世界平面设计史》王受之中国青年出版社

第9篇：现代艺术的开端范文

关键词：版式设计；原则；发展趋势

中图分类号：J524文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）15-0263-01

一、版式设计的原则

（一）思想性与单一性

版面设计本身并不是目的，设计是为了更好地传播客户信息的手段。设计师以往中意自我陶醉于个人风格以及与主题不相符的字体和图形中，这往往是造成设计平庸失败的主要原因。一个成功的版面构成，首先必须明确客户的目的，并深入去了解、观察、研究与设计有关的方方面面。简要的咨询则是设计良好的开端。只有做到主题鲜明突出，一目了然，才能达到版面构成的最终目标。主题鲜明突出，是设计思想的最佳体现。

平面艺术只能在有限的篇幅内与读者接触，这就要求版面表现必须单纯、简洁。对过去的那种填鸭式的、含意复杂的版面形式，人位早已不屑一顾了。实际上强调单纯、简洁，并不是单调、简单，而是信息的浓缩处理，内容的精炼表达，这是建立于新颖独特的艺术构思上。因此，版面的单纯化，既包括诉求内容的规划与提炼，又涉及到版面形式的构成技巧。

（二）艺术性与装饰性

为了使版面构成更好地为版面内容服务，寻求合乎情理的版面视觉语言则显得非常重要，也是达到最佳诉求的体现。构思立意是设计的第一步，也是设计作品中所进行的思维活动。主题明确后，版面色图布局和表现形式等则成为版面设计艺术的核心，也是一个艰辛的创作过程。

版面的装饰因素是文字、图形、色彩等通过点、线、面的组合与排列构成的，并采用夸张、比喻、象征的手法来体现视觉效果，既美化了版面，又提高了传达信息的功能。不同类型的版面信息，具有不同方式的装饰形式，它不仅起着排除其他，突出版面信息的作用，而且又能使读者从中获得美的享受。

（三）趣味性与独创性

版面构成中的趣味性，主要是指形式美的情境。这是一种活泼性的版面视觉语言。如果版面本无多少精彩的内容，就要靠制造趣味取胜，这也是在构思中调动了艺术手段所起的作用。趣味性可采用寓言、幽默和抒情等表现手法来获得。

独性性原则实质上是突出个性化特征的原则。鲜明的个性，是版面构成的创意灵魂。试想，一个版面多是单一化与概念化的大同小异，人云亦云，可想而知，它的记忆度有多少?更谈不上出奇制胜。因此，要敢于思考，敢于别出心裁，敢于独树一帜，在版面构成中多一点个性而少一些共性，多一点独创性而少一点一般性，才能赢得消费者的青睐。

（四）整体性与协调性

版面构成是传播信息的桥梁，所追求的完美形式必须符合主题的思想内容，这是版面构成的根基。只有把形式与内容合理地统一，强化整体布局，才能取得版面构成中独特的社会和艺术价值，才能解决设计应说什么，对谁说和怎么说的问题。

强调版面的协调性原则，也就是强化版面各种编排要素在版面中的结构以及色彩上的关联性。通过版面的文、图间的整体组俣与协调性的编排，使版面具有秩序美、条理美，从而获得更良好的视觉效果。

二、发展趋势

（一）强调创意

平面设计中的创意为两种，一是针对主题思想的创意;二是版面编排设计的创意。将主题思想的创意与编排技巧相结合的表现，以成为现代编排设计的发展趋势。在编排的创意表现中，文字的编排具有强大的表现力，它生动、直观、富于艺术的表现与传达。这种手法，给设计注入了更深的内涵和情趣，是编排形式的深化，是形式与内容完美的体现。

（二）突出个性

在版式设计中，追求新颖独特的个性表现，有意制造某种神秘、无规则、不理量的的空间，或者以追求幽默、风趣的表现形式来吸引读者，引起共鸣。乃是当今设计界在艺术风格上的流行趋势。这种风格，摆脱了陈旧与平庸，给设计注入了新的生命。在很多情况下，图片平淡无奇，但经过巧妙组织后，即产生神奇美妙的视觉效果。

（三）注重情感

“以情动人”是艺术创作中奉行的原则。在版面编排中，文字编排表述最富于情感的表现。如文字在“轻重缓急”的位置关系上，就体现了感情的因素，即“轻快、凝重、舒缓、激昂”。另外，在空间结构上，水平、对称，并置的结构表现严谨与理性;曲线与散点的结构表现自由、轻快、热情与浪漫。合理运用编排的原理来准确传达情感，或清新淡雅，或热情奔放，或轻快活泼，或严谨凝重，这正是版式设计更高层次的艺术表现。