绘画表现手法精选(九篇)

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第1篇：绘画表现手法范文

关键词：城市规划；手绘；教改；表现技法

中图分类号：G642.0 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2012）12-0046-03

《规划手绘表现技法》是城市规划专业的一门重要课程，具有较强的基础性和应用性。该课程教学的主要目的是让学生掌握城市规划设计的手绘表现技巧，从而达到培养学生创造性思维能力、提高学生视觉审美修养、锻炼学生专业表达能力等目标。通过该课程的学习，要求学生熟悉手绘表现的工具与技法，掌握规划设计手绘的主要类型和各自的表现技巧，掌握几种详细规划的表现技巧。但随着科学技术的迅猛发展，计算机在设计领域得到了广泛的应用。在我国高等院校当中，存在着学生盲目追从和依赖计算机制图、表现，忽略用手绘的表达方式来探索与表现自己创作思维的状况。这种状况极大地限制了学生审美水平的提高，也束缚了创意思维的综合发展。因此，深入研究城市规划专业手绘表现技法课程的教学内容和教学方法等方面出现的问题和潜在的教学危机，对其进行教学方面改革和采取一些相应的措施是具有深远的教改意义的[1]。本文作者通过几届的教学实践，在分析该门课程在教学中存在的问题的基础上，对课程设置、时间安排，以及教学方法、教学内容等方面提出建议。

一、《规划手绘表现技法》课程的重要性

在规划、设计过程中，人们通过思考、表达和规划实施的一系列设计过程，来达到不断完善生活环境、提高生活品质的目的。如果我们要将思考的内容转化成现实的设计成果，则需要一套表达设计思想的表现方式，如：草图构思、建筑专业制图、计算机辅助设计图表现、施工图设计、模型表现以及电脑动画等多种表现方法。而在众多的表现技法中，手绘能够快速的将构思内容表达出来，并反映出作者的艺术修养[2]。手绘表现不但可以进行设计训练，收集整理资料，表达设计理念，也可以提升设计者的艺术审美能力，同时还是形成个人化设计风格的有效途径。因此，手绘表现图不仅是设计思想表达的一个重要途径，其本身还具有一定的独立的艺术价值。通过对手绘效果图课程的不断学习，学生能积累大量的艺术素材，使个人的艺术修养全面提高[2]。手绘表现图既可以作为设计初期个人化的构思研究图，充分运用到规划设计的思考环节上，也可作为设计过程中的方案交流图，还可以作为规划设计方案的最终表现图提供给客户。与电脑制图比较而言，手绘表现更自然，更具有感染力。手绘表现的练习在设计创作的自由性、主动性方面有着巨大的帮助，能够激发设计师的创造力，唤起其设计的欲望。因此，在第一堂授课时就应引导学生认识到一个成功的规划设计离不开好的创意，手绘草图就是规划设计的基础，良好的绘画基本功加上长期的练习和大量的设计实践才能创作出好的设计作品。特别是在设计创意与表现训练过程中，应避免过多依赖计算机。

手绘课程的学习还有助于增强学生的创造能力。一幅优秀的效果图背后隐藏着无数张草图和推敲方案，更隐藏着无数个结构的详细尺寸图、解剖图与分解图。这些均是手绘效果图课堂上学生应该掌握的基本知识，目的是使学生在今后的设计生涯中培养和锻炼出正确的设计方法[2]。

二、传统教学存在的问题

1.课程时间安排不合理。《规划手绘表现技法》课程是一门基础课程，但又与美术基础课程有一定区别，该门课程应是规划专业知识与手绘基础知识的结合，专业性强，因而该课程的教学需要建立在一定的专业基础之上。对于五年制的城市规划专业而言，手绘课程的前修课程应有美术基础以及城市规划专业相关课程。而传统教学在一年级或者三年级进行《规划手绘表现技法》教学，过早或过晚的教学时间安排，均不利于学生对专业知识与手绘基础知识的结合和掌握。

2.教学未区分建筑专业、景观专业、规划专业表现之间的差异性。规划专业、景观专业、建筑设计专业三者联系紧密，在表现技法上也具有很多相同点，如表现工具、表现元素等。但它们之间侧重点仍存在区别，建筑设计侧重于微观，以建筑本身及其周围环境为主要表现内容，专注于建筑本身的比例、尺度、优美的形象、完善的功能；景观设计是对资源与环境的综合利用与再创造，主要对聚居领域的开发整治及土地、大气、水、动植物等，专业分工基础是场地规划与设计，指导环境建设及建筑物（构筑物）建设；城市规划专业表现为战略性，侧重于宏观，以社会、经济、环境要素为主要研究内容，以城市或区域层面为对象。专业侧重领域的不同，在表现内容上也有一定区别，但大多数情况下，规划专业手绘教学未能区分三者侧重点，选用教材及教授内容也无差别，常会让学生找不到专业重点，不知从何学起。

3.为了表现而表现。规划专业学习手绘的目的是为了将规划设计方案便捷的表达出来，因此方案才是表现的精髓，在传统教学过程中，往往忽略了这点，而是把重点放在了表现上，致使学生认为手绘就是如何将图画好看，花大量时间在表现上，而忽略了规划设计的精髓其实在于方案[3]。

三、教学改进探讨

对《规划手绘表现技法》课程在教学中的时间安排、教授内容、教授方法等问题做出了教改方法探讨。

1.课程设置时间安排。针对城市规划专业为五年制专业的特点，《规划手绘表现技法》课程安排在第二学年较为合适。因该课程属于基础课程，但又有别于美术基础课程，因此应设在第一学年的基础美术课之后，第三学年的专业课程之前，为《居住区规划设计》、《景观设计》等课程做好前期准备。

2.教授方法。《规划手绘表现技法》课程为理论与实践紧密结合的课程，重点训练学生的实际操作能力。课堂教学分为表现技巧理论讲解、教师示范加上学生动手训练三个步骤。教学结合城市规划专业特点，重点培养学生创造性思维能力、提高学生视觉审美修养、锻炼学生专业表达能力。在教学前，应充分了解学生美术基础现状。针对大部分学生存在的基础不够好、不愿动手等问题，认真研究如何贯彻多方面素质教育，使学生想动手、愿意学、学有所得。对于刚刚叩开规划设计之门的学生来说，了解课程的重要性是十分重要的。除了教材的示例外，用演示室内空间、景观环境、建筑设计等各种类型的手绘表现图，引导学生感受手绘表现的快速、生动的独特魅力，启发学生表述各自对于设计的感想，使学生在学习新课程一开始就产生热烈的情绪，形成一个良好的学习氛围，让整个教学过程有个可喜的开端。在教学时，采用多种教学方式结合。如一堂课的教学可以用以下方式进行：首先有针对性的讲解手绘技巧理论，然后教师现场演示所讲内容，让学生近距离接触绘画过程，最后学生自己再练习一遍，遇到问题及时询问教师。同时，学生之间也可相互观摩。对于教授内容较多，较复杂的内容，如平面图、鸟瞰图等，现场演示会花较长时间，教师可提前绘制，并将重要步骤图纸扫描打印出来，贴在课堂上让学生观摩。

3.教授内容。进入该门课程之前，通常存在学生手绘基础较差，特别是对线条、透视、构图等基础知识的掌握较弱的问题。针对这种现状，在教学过程中要着重加强基础训练以及加大训练强度，严格要求学生每周课堂外完成至少四幅手绘作业。总平面图、透视图是规划项目里重要的表现图纸。因而课堂教学时采用由简到繁的顺序，先对平面图、透视图里的元素进行分解，单独练习。如重点练习平面乔木、灌木、草坪、水体、铺地、石材、木材等内容，然后进行小平面、小透视练习。待大部分同学已基本掌握绘制平面、透视技巧后，再进行总平面、鸟瞰图训练。在对某一单项教学时，也要求学生讲究步骤，避免一蹴而就。如对于局部平面练习，应将线稿画好，再上色（如图1、2）。为避免一次上色不够理想，可将线稿扫描存档备用。

在工具应用方面，针对规划专业特点，重点教授彩铅和马克笔。彩铅大部分学生能较快掌握，而马克笔相对较慢。因马克笔具有笔触较宽、渗透性较强等特点，在笔触大小、长短、方向，以及色彩调和等方面较难控制。针对这种情况，在教学时，应多花时间在笔触的表现、色彩叠加与笔法训练上。教学内容除了对基础、基本元素训练外，还应引导学生重视表现与图式语言、设计构思等的结合，不能为了表现而表现。因而在接近期末的教学时间段，加入城市规划表现成果与快速设计内容，即快题设计。在该门课程教学里，快题设计主要针对居住区规划设计、城市中心区设计和城市广场设计，重点训练居住区规划设计表达。要求学生掌握居住区规划设计所包含的总平面图、立面图、剖面图、分析图、透视图、鸟瞰图等图纸的绘制，以及排版等。

4.考核方式。《规划手绘表现技法》课程实行结构评分考核方式。结构评分平时练习成绩以及期末图纸成绩，分别占30%、70%。

课程期末图纸设计以一个居住组团为题目，目的是让学生熟练运用彩铅、马克笔等工具，结合规划专业知识，将住宅区总平面图、功能分析图、局部透视图、鸟瞰图等在至少两张A1图纸上表达。要求图文并茂，排版合理新颖。

四、结语

《规划手绘表现技法》课程是一门实践性较强的课程，需要教师有较强的动手能力和引导性，同时也要求学生具有绘画的热情以及相应美术基础。为了适应社会对规划从业者要求的不断提高，作为教学工作者，应摒弃传统教学存在的弊端，重视教学方法以及教学内容的改进，帮助学生为后续的专业设计课打好基础，以此实现培养应用性人才的需求。

参考文献：

[1]李菊红.对环境艺术设计专业中手绘教学的研究与探析[J].科教导刊，2001，（7）：38-39.

[2]潘景果，姚玉娟.手绘效果图课程教学的新思考[J].南昌高专学报，2011，（1）：124-125.

[3]柯培雄.手绘快速表现技法是设计师必备的专业技能[J].武夷学院学报，2008，27（1）：93-95.

第2篇：绘画表现手法范文

所谓表现语言就是表现手法，是画家表现个人情感和实现创作目的的手法。而版画的表现语言则首先是使用个性化的版画语言去表现画家的艺术观念和思想情感，其次是通过对版画材料的选择以及版画技法的个性化制作，呈现出独具特性的版画符号。这两者相互联系融为一体，使版画外在表现形式产生内在本质的艺术升华。因此一幅优秀版画作品的产生，不仅需要画家自身深厚的艺术修养和丰厚的思想内涵，更需要画家个性鲜明、技艺精湛的版画表现语言，这在版画创作中是极其重要的。

我国版画虽有上千年的历史，但真正的版画艺术创作始于鲁迅先生所倡导的新兴木刻。兴起于20世纪30年代的新兴木刻，深受20世纪初以欧洲柯勒惠支、麦绥莱勒等一批世界著名版画家创作形式的影响。虽然他们的艺术风格和表现手法各不相同，但却有一个共同的特点，就是他们都把目光投向了当时的社会现实。他们在作品中表达的不仅是个人主观的情感，而是基于民主和人道的思想，对终日劳作而生活贫困的劳动人民寄予的深深同情。欧洲版画特别是黑白木刻版画中那强烈的对比和伤口一般的刀痕印痕，都准确地表现了当时的社会本质，这也和上世纪20一30年代的中国大背景相吻合，所以中国新兴木刻一经产生就有了大批的参与者和追随者。但当时还是以学习欧洲版画为主，在版画表现语言上探索较少。

在经历了、等一系列的风雨洗礼之后，在各个不同阶段的社会历史背景下，对版画表现语言的探索都有了大的进展，出现了很多在版画表现语言上不断探索和极具个性的版画家，如吴凡的《蒲公英》。我国版画在经历了从服务于政治需要和地域风情民俗的描绘到对版画本体语言的研究与探索的过程之后，版画表现语言的突破是我国版画创作进程中最本质最关键的成就之所在。

第3篇：绘画表现手法范文

【关键词】漫画；油画；互通互异

中图分类号：J21 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0151-01

一、特性

漫画与油画二者作为艺术表达绘画方式的一种，存在着很大的互通性与互异性。绘画艺术都有共同之处，也各有特征性。作者通过绘画这种形式来抒发自身的想法和情绪。无论漫画还是油画，解决造型问题是共有的也是最基本的。利用线条勾画形状在各类绘画中都可以归类于互通性。而漫画相对于其他形式绘画而言，除了互通性之外，互异性更加有待考究。

我们将漫画和油画进行一次对比研究。油画特性在于绘画媒介的讲究等，从绘画方式上来说，大致分为写实与抽象。而漫画对比油画，其特性尤为突出。漫画的谐趣性和评议性是油画乃至其他种类绘画所没有的。漫画是一种笑的艺术，它包含滑稽、幽默、讽刺……，漫画的受众面地域范围广泛，各行各业的人都有，其出现的频率高，在报纸、电视等媒体上都会看到它。谈其特性，漫画与动画、影视的关系也是密不可分的。漫画的绘制可以是纯手绘画也可以是电脑绘画。这一点是油画不能比拟的，油画之所以叫油画是通过用油与颜料混合进行创造，这便是油画的特性，但也存在着一定的局限性。

二、表现形式

漫画的形式分为多种，有单幅漫画、两幅漫画、多幅组画和连续动作的连环漫画。其中，单幅漫画是截取一个故事情节，利用主观思维创造体现画面的意义。两幅漫画的两个画面之间有一定的连带关系，有因有果。而多幅组画延续了因果关系，增添了其中的情节。有时多幅组画也可以表达一个主题，通过多个角度展现。多幅连环漫画则如同一幕剧作中的一节，最后达到一个的创作。而油画创作就与之截然不同。大多数油画讲究独立成画，有些甚至追求以大制胜，有些油画创作者认为画面越大越有冲击力。漫画的连续故事性足以让观画者了解因果的完整性，而油画有时表现得太抽象非专业人士无法体会画作的内涵。漫画的作用就是传达信息，体现社会动态、人文生活，由此可见漫画表现形式的多样性。除了按画幅数量定义漫画表现形式外，其创作方式也是多种多样的，有时甚至用油彩也可以与漫画结合最终呈现利用不同媒介绘制的漫画。

三、艺术手法

艺术手法是因艺术特性而产生的。漫画最显著的手法就是夸张。而且相比之下比其他绘画的夸张程度更大。我们经常会在小说或某些文学作品中看到作家有时会把一个人描写得“漫画化”了。这种艺术手法不仅突出了主题思想，还能使读者觉得有趣滑稽。除了夸张的艺术手法之外，在漫画创作中还有许多艺术方法。例如经常能在报刊上看到一些内容，以事实场景为依托，将其中一些情节夸张虚拟化，突出了重点表达部分，又阐述了客观事实。再者，构思出一定的活动情节也是常用手法。作者为了能有效吸引读者的眼球和增添画面效果，常常运用这种添加“小料”的手段。分析法国漫画家迪布的《餐厅即景》，从这幅作品可以看出，塑造人物的表情夸张，情节虚拟，场面即是现实又夹杂创造，不禁感受到了漫画创作带来的特有效果。

而在油画创作中，普遍的表现手法有两种，即写实和抽象。写实不难理解，即利用眼睛捕捉到景象的客观真实性，再用精准的手法按正常比例描绘。这样的画作和漫画比较起来缺少了趣味性，但是能展现出画家的纯熟性。另一种抽象手法则是作画中的一个由繁至简的过程，留下重要的部分省略掉多余的部分。抽象油画虽说也是用简练线条描绘，但其中的内容与漫画差之千里，漫画中人的体现是必不可少的，而抽象油画可以省略掉生命这一细节，其着色的优势足以支撑一幅抽象画作。如果说漫画中最显著的艺术手法是夸张的话，那么油画最显著的艺术手法则是变形。进行对比之后不难看出，漫画与油画的艺术表现手法决定了其在各个领域的不同职能。

四、结语

在经历了四年的漫画学习和三年的油画探究之后，笔者不禁想把两种表现形式的绘画进行比较。漫画带给人的感觉是一种活跃的、灵动的、充满生气息的绘画方式。无论是在纸上作画还是在电脑上作画，它的灵活性带动了作画者的情绪。许多有趣的人，有趣的事可以通过漫画这个平台记录下来。而对于油画来说，沉稳、神秘、赋予创造性，这些无疑是它独特的魅力。油画往往会和奢华这个词联系到一起，从这点上看漫画，其更具有大众普遍性。

绘画艺术是相通的，两种绘画都以线条和色彩为基础建立起来的，却又因创作方式、媒介等的不同产生了互异性，放眼望去，艺术作品的不同领域也都是大同小异。绘画中的互通互异性往往可以碰撞出新的火花，点亮绘画，点亮艺术。

参考文献：

[1]方成.漫画艺术[M].太原：山西教育出版社，2008.

第4篇：绘画表现手法范文

关键词：现代陶瓷 设计 装饰美

一、平面构成在现代陶瓷装饰设计中表现

现代陶瓷艺术的装饰形式是多样的，可以是具象的，例如某些祥云纹、山村小景、林景等。也可以是抽象的，例如一些简单的几何纹饰、简单的弦纹、有规律或无规律的点线面等。平面构成是视觉元素在二次元的平面上，按照美的视觉效果，进行编排和组合，它是以理性和逻辑推理来创造形象、研究形象与形象之间的排列的方法。不同的陶瓷艺术产品造型也可以采取不同的装饰纹饰。点、线、面是平面设计平面构成中最重要的元素。将平面构成作为一种表现手法和设计形式，充分运用到对陶瓷装饰设计中去，既继承了中国传统装饰的成就，又促进现代陶瓷装饰艺术设计的发展。它的装饰美可以从以下几个方面体现出来：

1、点在现代陶瓷设计中的应用

以散点式装饰为主的装饰型盘子，一般可以选择集合纹样来进行装饰，（图1）通过点的大小与密集程度均匀分散占盘子的一半或三分之二。色彩统一用青花与白色的结合。由于不同的点会给人不同的感受，在陶瓷装饰中的形状和位置的不同，所表达的情感也可能不同。对自由点状型的，则以柔和优美的自然花来点缀（图2），对花瓣的造型采用了点的设计，选择合适的装饰手法和样式，不可机械地照搬所固有的装饰规律、方法，做到灵活及变化。

2、线在现代陶瓷设计中的应用

线的组成结构严谨，富有较强的抽象性和形式感。能创造出多方面的实用特点和创造力的设计作品，与具象表现形式相比较，它更具有广泛性。比如对于以线为主的形式在现代陶瓷中的表现，（图3）采用的装饰就是线，通过对现代餐具的造型流线，将线条以分散式的形式组成装饰图案。等距的密集排列线表现出了线的构成形式中的面化的线。营造出现代陶瓷作品中的装饰美和意境感。

3、面在现代陶瓷设计中的应用

陶瓷装饰的意义很广，它不仅包括了构成装饰设计的色彩，还包括色泥、色釉和综合装饰。在现代陶瓷装饰设计中，面与面之间的对比可以采用一些颜色釉形成的肌理表现，肌理代表着材料的不同的质感，能够表现出不图4一样的效果。大多数设计者都利用不同的色块，以拼凑组合的手法在陶瓷作品上进行表现与装饰。如（图4）将冷暖两种色调的颜色釉形成肌理的表现形式，运用形式美的规律和法则进行夸张的变形的这种艺术手法，达到不一样的现代陶瓷装饰的视觉艺术效果，使整个作品营造出旋律、节奏和意境方面的氛围。

简洁的的陶瓷艺术产品，也是现代陶瓷装饰的一种趋势。在简洁中呈现出多层次的色块造型变化，统一中又组成视觉元素的虚实关系。

点、线、面是实现现代风格特点不可缺少的重要途径，现代陶瓷艺术创作者应该明确平面构成的装饰设计必须清晰有度、层次分明，明确以哪种方式为主，而且要深刻体现出要表达意义的主题。

二、现代陶瓷装饰材料设计的装饰美

陶瓷装饰材料的载体可以分为三个部分：泥料、釉料和彩绘，另外在工艺手段上可分为肌理和绘画表现手法两种。现代陶瓷装饰在设计的同时，对载体的功能和工艺的手段上都有了新的尝试。由于陶瓷装饰设计在形式、工艺及材料的选择和运用上都没有固定的模式，这就为陶瓷设计者提供了较为自由的创作空间。然而，鉴于各种装饰材料有其本身固有的工艺特性，这就要求艺术家们在进行创作组合时需要对装饰材料有一个驾驭的能力，做到繁而不乱，处理好部分与整体之间的关系，达到独具风格的装饰效果。

1、色釉彩绘装饰

陶瓷装饰设计在表现手法上包括肌理和绘画两种表现手法，其中绘画表现手法包括：釉上、釉中、釉下，通过青花、粉彩、古彩、新彩等手绘表现形式，在陶瓷上传达出一种视觉美感和艺术形式。

如（图5）为手绘色釉装饰瓷板画，风格迥异的色釉装饰使得画面丰富精致，它是在烧好的白胎上，用珠明料作画，填好粉彩颜料后，再次入炉750℃左右温度烧制。由于施釉的不同工艺、多种釉的并用，以及烧成过程中发生的窑变，升华了作品表现的意境。从美学的角度来看，这种意 境既有艺术家个性自由奔放的主观情感，又有客观现实的升华意境，寓情于景，情景交融。用色釉的丰富变化来表现情与景、意与境的统一，产生出意犹未尽的艺术美感。

2、釉料彩绘装饰

新彩是陶瓷釉上彩的一种装饰技法，也是现代陶瓷装饰手绘技法用的较为广泛的一种。比起其他传统的陶瓷装饰方法少受工艺流程与色料的制约，同时也具备了强烈的艺术装饰美感。（图6）结合了花卉、花瓶、蝴蝶等动植物以及经典的纹饰，以一种古朴的绘画技法表现出现代创作思想和艺术风格。

三、结语

伟大艺术家王尔德曾经说过：“明显地带有装饰性的艺术史可以伴随终身的艺术”这句话充分体现了艺术家对装饰意味在绘画中地位的充分肯定，它们认为脱开具体对象，充满自由的色彩，可以用各种方式打动人们的心灵。优美、匀称和节奏感的线条与块面，可以给人带来和谐感。

随着科学技术的发展和人们审美意识的提高，为了满足和适应人们物质和精神生活不断提高的需要，陶瓷艺术家们不断拓宽陶瓷装饰的应用范畴和创作思路。现代陶瓷装饰艺术作为一门新兴的艺术陶瓷产业在展现出作品装饰性的同时还能展现出创作者的思想情感。

参考文献：

[1] 欧芹.传统装饰艺术在现代陶瓷装饰中的体现[J].中国校外教育，2008（08）

[2] 汪勇.浅谈现代陶瓷装饰技法.天津工业大学硕士学位论文.2007.12001；106

[3] 李正安.陶瓷设计.杭州：中国美术学院出版社，2002.3

[4]郭新生.装饰艺术的形式美[J].河南师范大学学报，2001（3）

第5篇：绘画表现手法范文

一、西夏绘画艺术发展概况

虽然西夏王朝在建立之初，文化艺术层面不是很发达，但在其政权建立之后其他方面得到迅速发展的同时，在绘画艺术方面，吸取了中原王朝的优秀成果，不断加以改变，从而创作出了越来越多的珍贵作品，众多绘画艺术家在此期间脱颖而出。就发展情况而言，西夏政权被党项族统治了180多年。在多年的历史长河中，西夏为后人留下了敦煌莫高窟、酒泉万佛洞壁画以及众多历史遗址，由此可以看出，西夏绘画艺术所体现出的绘画水平已相当纯熟。

首先，从现存的壁画作品数量中可以看出，出自西夏绘画艺术家之手的作品比辽、金时期要多出很多，而且绘画水平较高。从体现出来的色彩方面而言，整体冷色调偏多，体现出了与其他朝代绘画作品风格的不同之处[1]。

其次，从壁画中体现出来的题材也可以看出，西夏绘画作品所表现出的题材都比较现实，表现出了西夏民族是属于民族杂居的特点。而且表现手法也是来源于现实而高于现实，整体表现风格具有想象力且形象丰富。

二、西夏绘画艺术风格发展的原因

无论是民族政权还是文化方面的传承，都或轻或重的影响了西夏绘画艺术风格的形成，但又是什么原因促使西夏的民族政权不同于其他民族的政权，其绘画风格也得到了不同的发展，下文对此问题进行了详细分析：

（一）西夏最高统治者对绘画艺术的热爱

西夏在中国历史上是由党项族在中国的西北地区建立起来的封建王朝，最高统治者在对西夏王朝的统治方针中，巩固统治、发展文化，使文化艺术得以充分发展，才有了后来绘画艺术的鼎盛时期。这其中尤其是最高统治者，对绘画艺术十分感兴趣，这对绘画艺术的推动起到了极大的作用。因此，受统治者影响，西夏的绘画艺术家人才辈出，绘画艺术得到充分发展，艺术风格也逐渐形成。

（二）受到汉族文化的影响

虽然当时，西夏已经建立起了自己的政权，但刚刚兴起的西夏王朝都还深受其中原地区的影响，更重要的是，西夏所统治的众多领土都是中原汉族人民生活之地。因而，汉族地区不仅影响到了西夏的政治、经济方面，其绘画艺术的发展方向也深受其影响。西夏早期曾经学习北宋的绘画风格，之后也受到了佛教等壁画艺术的影响，西夏绘画艺术将自己的思维方式与其进行了良好融合，最终形成了西夏自己独有的绘画艺术风格。

（三）西夏与北宋王朝的对立推动了绘画艺术风格的发展

西夏与北宋王朝的对立在潜移默化中也对其文化及艺术产生了深远影响，两个政权在时间与空间上的对立也给了两者绘画艺术上的相互渗透，从而在一定层面上也推动了西夏绘画艺术的向前发展及独特风格的形成。

（四）中原绘画艺术家的涌入

中原民族与西夏人民并没有完全断开联系，在战争时期也没有停止交流。中原绘画艺术家的介入很好地激发了西夏人民对绘画艺术的渴望与追求，提高了西夏人民学习绘画的兴趣。这也使得西夏绘画艺术水平得到充分提高[2]。

三、西夏绘画艺术风格的特征

西夏的绘画艺术虽然受到了中原地区的很多影响，但并不是完全的照搬照画，而是形成了独有的艺术风格。无论是表现手法、思维方式还是艺术题材都是在学习了其他民族之后形成了自己独有的艺术特征，如《水月观音图》、《农耕图》等均体现出了西夏独有的艺术特征。

（一）从绘画题材上分析

西夏绘画除了传统的绘画题材如佛教、风景图等的描述还涉及了西夏人民生活环境、居住方式以及战争场面。西夏绘画题材范围涉猎之广让其风格显得更加独特。即便是在传统的绘画中，西夏人也有了自己的创新方式，如将传统的人物画放在了西夏民族的生活环境中，使画面变得丰富、充实。绘画艺术中起到主导作用的艺术家也在其中发挥了重要作用，从作品中可以看出，更多的画是在绘画家们的亲身体验中呈现出来的，这也给绘画题材的创作提供了更为广阔的空间[3]。

（二）从绘画表现手法上分析

西夏绘画艺术家们用其丰富的想象力、推陈出新的绘画技巧以及西夏奇特的地域条件，都呈现出了与其他朝代不一样的绘画作品，形成了独有的画派。西夏的地域条件与中原不同，山水相连、地域独特，能够给绘画艺术家无限联想，表现手法上得到了充分施展。

第6篇：绘画表现手法范文

关键词：室内效果图 表现手法 具体特点 表达能力

从事绘制室内效果图的技术人员，首先，应具有一定的建筑学知识。因为只有充分理解建筑设计的构思和意境方能着手进行室内设计效果图表现。同时，室内设计效果图的表现应严格符合建筑结构的逻辑性、空间形体的严密性和尺度比例的准确性；其次，必须具备一定的艺术修养和绘画基础；第三，具有娴熟的表现图技法。因为具备了一定的室内装修知识和相当的绘画基础，不等于就能创作出优良的表现图。其原因就是，建筑表现图的表现虽然同一般绘画有不少相通之处，但也有许多自身的特点。相对于纯绘画而言室内设计效果图更注重程式化的表现技法，它有许多严格的制约和要求，更多的强调共性而非个性表现，作画步骤也十分理性化和公式化。所以，若不熟练掌握室内设计效果图的一些基本原理和表现方法，即使具有相当的绘画能力，有时也不知如何着手，既快又好的画出具有征服力的室内设计效果图。一张优秀的室内设计效果图，必须是设计与表现设计师与画师共同创造的结晶。只有先诞生高品质的设计原型，再加上优秀建筑画师的表现，才能产生真正具有审美价值的建筑表现图。反之，二者缺一，就很难出现高质量的画面效果。

室内装饰设计可通过工程制图、模型、文字说明及效果表现图等形式表达出来。其中，工程制图虽表现的最为确切，但由于其专业性太强而使一般未经专业训练的人很难读懂，尤其是为业主提供设计方案时，设计人员与业主之间对设计方案的理解常常不易沟通。模型，因直观性强，并可以从不同角度进行观察，在国内外设计领域内被广泛应用，但它却无法表现出建筑物所处的环境、气氛和材料质感，故而显得美中不足。文字说明是设计师设计的辅助手段，仅可以作为视觉形象的补充说明。上述三者都不如建筑表现图真实感人，具有说服力。建筑效果表现图具有的直观性、真实性、艺术性，使其在设计表达上享有独特的地位和价值，这一点已被我国近年来室内设计效果图艺术领域的飞速发展所证明。它作为表达和叙述设计意图的工具，是专业人员与非专业人员沟通的桥梁。在商业领域里，室内设计效果图，其优劣直接关系竞争的成败。

建筑装饰设计表现图的表现手法多种多样，有铅笔素描表现、水粉表现、水彩表现、钢笔淡彩表现、马克比表现、喷绘表现、电脑辅助设计表现等等。其中，水彩表现方法生动、明快；水粉表现方法厚重、立体感强；钢笔淡彩表现方法快捷、方便；喷绘表现方法细腻、真实。各种表现手法各具特色,但他们都依据于素描、色彩、透视、构图等绘画知识，是具科学性，具象性的专业绘画形式。

装饰设计表现图是基于其它绘画形式基础之上的，但有区别于其他画种的绘画形式，它模拟待建设中的建筑空间尺度、物体造形、环境气氛、材质肌理等等，因此，绘制表现图应以绘画理论知识为依据，运用绘画的基本观察方法所观察到的物体在不同色光照射下物体产生的形象、色彩等因素，让表现图与实际中的形象吻合起来，使画面中表现的待建筑空间具有实际空间所显现出来的形、色，这是一个从认识到描摹到记忆再到再现的过程。因此，要掌握表现图技法，就必须有很强的专业观察能力和绘画表达能力。

装饰效果表现图的特点：

准确性。就是表现的效果必须符合建筑装饰设计的造型要求，如建筑空间、体量的比例、尺度、结构、构造等。准确性是表现图的生命线，绝不能脱离实际的尺寸而随心所欲的改变形体和空间的限定；或者完全背离客观的设计内容而主观片面地追求画面的某种“艺术趣味”；或者错误地理解设计意图。表现出的效果与原设计相去甚远。准确性始终是第一的。

真实性。指造型表现要素符合规律，空间气氛营造真实，形体光影、色彩的处理遵从透视学和色彩学的基本规律与规范。灯光色彩、绿化及人物点缀诸方面也都必须符合设计师所设计的效果和气氛。

说明性。能明确表示室内外建筑材料的质感、色彩、植物特点、家具风格、灯具位置造型、饰物出处等。

艺术性。一幅建筑表现图的艺术魅力必须建立在真实性和科学性的基础之上，也必须建立在造型艺术严格的基本功训练的基础上。绘画方面的素描、色彩训练，构图知识，质感、光感调子的表现，空间气氛的营造，点、线、面构成规律的运用，视觉图形的感受等方法与技巧必然增强表现图的艺术感染力。在真实的前提下合理地适度夸张、概括与取舍也是必要的。罗列所有的细节只能给人以繁杂，不分主次的面面俱到只能给人以平淡。选择最佳的表现角度、最佳的光线配置、最佳的环境气氛，本身就是一种创造，也是设计自身的进一步深化。

一幅表现图艺术性的强弱，取决于画者本人的艺术素养与气质。不同手法、技巧与风格的表现图，充分展示作者的个性，每个画者都以自已的灵性、感受去认读所有的设计图纸，然后用自已的艺术语言去阐释、表现设计的效果，这就使一般性、程式化并有所制约的设计施工图赋予了感人的艺术魅力。

目前，在室内设计效果图领域主要有以下几种常用技法：

手绘：水粉表现技法、丙稀表现技法、颜色铅笔表现技法、水彩表现技法、钢笔淡彩表现技法、透明照相色表现技法、马克笔表现技法。

喷绘：喷笔表现技法。

电脑：电脑绘画表现技法。

构成室内设计效果图的基本要素是设计的立意构思、透视造型的准确、明暗色彩、构图布局的完美结合。

设计思路。正确地把握设计的立意与构思，深刻领会设计意图是学习表现图技法的首要着眼点。为此，必须把提高自身的专业理论知识和文化艺术修养，培养创造思维能力和深刻的理解能力作为重要的培训目的贯穿学习的始终。

透视造形。设计构思是通过画面艺术形象来体现的。而形象在画面上的位置、大小、比例、方向的表现是建立在科学的透视规律基础上的。违背透视规律的形体与人的视觉平衡格格不入，画面就会失真，也就失去了美感的基础。因而，必须掌握透视规律，并应用其法则处理好各种形象，使画面的形体结构准确、真实、严谨、稳定。

除了对透视法则的熟知与运用之外，还必须学会用结构分析的方法来对待每个形体内在构成关系和各个形体之间的空间联系，学习对形体结构分析的方法要依赖结构素描的训练。

明暗色彩。在透视关系准确的骨骼上赋予恰当的明暗与色彩，可完整体现一个具有真实性和艺术性的形体。人们就是从这些色彩与明暗中感受到形体与空间的存在。作为训练的课题，要注重“色彩构成”与“物体色彩空间变化规律”的学习和掌握。

构图布局。构图是任何绘画形式都不可缺少的最初表现阶段，装饰设计表现图当然也不例外，所谓的构图就是把众多的造成型要素在画面上有机的结合起来，并按照设计所需要的主题，合理地按排在画面中适当的位置上。

第7篇：绘画表现手法范文

文化创造是人类对真善美的追求，而民族精神则是区域民族在追求真善美的文化创造中所表现出来的民族性格。民族精神是一个民族发展和生存的根基。如何用绘画去表现和再现，这需要艺术家从思想层面去表现和深挖。绘画语言不同于其它形式的艺术，它是通过直观的视觉再现来表现艺术的内涵，而直观视觉要表现出精神高度的思想，这需要我们如何用技术表现手法去呈现这种视觉冲击力度。现代艺术流派众多，我们有许多艺术家在从事民俗绘画的探索路上摸索，更多的是通过表现而去表现，或者是记载似的表达，这种形式的表现从思想层面上缺乏民俗文化的深度，没有站在更高精神层面上去表现和感悟，从而流于表象的语言视觉传达。而精神和民族性格的表现是需要我们走进这个区域，通过学习、认知、田野和实践生活的感悟，我们才有可能去理解，从思想深度去领悟而转变成表现思想。无论选择什么流派和技法去表现，表象和思想的结合才是我们要面对的问题。

现在土家民俗文化随社会的发展而遂渐消失，而更多本土文化现象在许多老人身上还有较深的印记，笔者曾田野接触过许多乡野老人，切身体会到老人身上展现出的自信，真诚，淳朴和善良的面貌。在生活中勤劳善良，且能歌善舞。田间劳作，吊脚楼中的人影大多是老人的影子，笔者曾参加过一土家老人的丧葬，在土家特有的丧葬舞中多为老人的身影。年轻人多外出务工，被现代文明同化，我曾经询问许多外出务工和学习的土家年轻人他们对土家文化的了解，几乎都是一脸茫然。我们应该重视这个问题，民俗文化是我们生活的一部份，它是我们民族共同的精神支柱和传承，它是我们共同的精神家园。在绘画语言中，现实主义绘画提倡客观地观察现实生活，按照现实生活的本来面貌，真实地表现典型环境中的典型形象，再现生活，从而推动历史前进。我们在表现土家民俗文化时，往往需要呈现生活中最直观的映像，而现实主义绘画就能满足这一条件。

用现实主义油画创作土家民俗题材，具体如何表现，用什么样的手法表现，是一个值得探讨的课题。用现实主义手法表现土家民俗文化, 首先必须从田野开始, 掌握第一手资料, 了解地域地貌特色、民俗文化内容, 运用理论知识来研究总结, 探究民族精神的内涵。而要真正探究土家民族精神深层文化形态, 我们还要重视土家民族传统心理结构因素的表现, 表现土家民族心理结构的精神内涵是展示土家民族油画的关键。深入研究土家民族精神就是用油画的艺术形式来表现民族精神, 因此, 用现实主义油画来刻画土家民族精神, 首先应该从土家人民长期自然流露出来的精神面貌入手, 在现实主义原则上逐步构建油画民族化的精神及心理模式, 在创作过程中能够从心理层面上自觉地融入土家文化，从而能够自然深刻地表现民族精神, 用现实主义油画的形式发展自己的风格, 既传承又发展形成自己的风格，为油画的发展注入新鲜血液。

土家族是湘、鄂、渝、黔毗连地带的一支历史悠久的少数民族，主要居住在云贵高原东端余脉的大娄山、武陵山及大巴山麓的10 万余平方公里的土地上。在历史上该地域属于偏僻险境之地，而土家人是由巴人及多民族同化演变而来的，在历史的抗争中为躲避战乱和压迫转入深山老林，在长期的演变过程中逐渐形成独立的文化体系，而地域的险峻造就了土家人坚韧、不屈、勤劳的性格，所以，地域形态铸就了土家人特有的文化、精神及性格特征。深厚的地域特征总是能够承载着一种艺术形式的形成,而地域形态造就的土家人文精神我认为是油画表现的重点。地域形态只是表态，而生活在这里的土家人才是油画表现的主角。地域造就的土家人所体现出来的精神面貌是油画内容的支柱和真正内涵。我在创作中注重土家人在险峻地域形态中形成的土家民族精神风貌的表现。而淡化地貌的陈述，这将是我研究创作的重点。

现实主义艺术创作方法是基于用现实主义原则进行写生创造。这需要我们深入生活，体验生活，捕捉生活中的细小讯号和素材，运用现实主义真实性和典型性原则进行艺术创作。真实性就是要求创作素材反映现实特征，典型性原则要求我们抓住共性，去捕捉表现生活状态的共同特征，通过提炼、再现出来。

第8篇：绘画表现手法范文

[关键词]李伯安 中国画 传承 创新

李伯安出生于古都洛阳，在这片诞生中华文明的古老大地上，有着深厚的历史文化积淀。李伯安孜孜不倦地探索着中华文化之根，凭借他的绘画语言来诠释他对中华文明的热爱，对中国传统精神的追寻和对中华民族灵魂的探求。其绘画作品以形写神，形神兼备，作品精神与绘画语言的完美融合使他的水墨人物画艺术风格独树一帜，气势磅礴，震撼心灵。他创作出的太行山系列绘画作品和巨幅长卷《走出巴颜喀拉》，在20世纪中国绘画艺术史上产生了重大的影响。

一、民族精神的诠释

中国画向来以表达创作者的生命之道为根本目标。在中国画当中，立意的高远决定了绘画作品的等次。传统的写意人物画较多的是表现现实生活中的形象以传达创作者的人格寄托，如佛道人物画等主要表达对佛道文化的推崇。而山水画则主要推崇道家“道法自然”的思想，显示创作者对大自然的热爱和崇敬。中国画表达了中国人的内心世界，抒发了民族的情感，展现了民族的魂魄。中国画家对时代命脉、民族灵魂的把握能滋润人们的心灵，启迪引导人们找到心灵的归宿。李伯安在生活中获取灵感，创作出了描绘现实生活的众多作品来诠释自己对民族精神的崇拜。他继承了中国画传达生命之道的传统，而他的生命之道又与现实生活紧密相连，与时代相结合，这也是对民族精神传达地创新。

李伯安连续几年创作的多幅有影响力的作品都是对太行人的真实写照。他绘画作品中的纯真、善良、朴实、坚强的太行人把中华民族风骨充分地展现出来。为进一步探寻中华文明的源头，他在20世纪80年代末多次独自一人到青藏高原和甘南藏区深入体验生活， 从藏民的现实生活中寻求他的创作源泉。藏族人民粗犷、热情、真诚的生命情感和他们对宗教的虔诚，以及他们在艰苦的环境下依然散发着生命的热诚和勃勃生机，使李伯安深深感受到黄河文明内蕴的深沉力量和中华文明得以诞生、成长和延续至今的伟大力量。这力量激发了他的创作激情，促使李伯安拿起画笔开始创作巨幅长卷《走出巴颜喀拉》。冯骥才先生评价这幅画为“它浩瀚又豪迈的整体感，它回荡其间的元气与雄风，以及对中华民族灵魂深刻的呈现。”

二、苍劲厚重的线条

线条是中国传统绘画的主要表现语言。中国画的线有很多种，例如铁线描、高古游丝描、钉头螳螂肚鼠尾描等。“曹衣出水、吴带当风”等都是形容中国画的线条艺术的。敦煌壁画中的线圆润挺拔，刚劲有力。陈洪绶用线细柔匀缓， 情劲圆润， 清幽随意， 从而达到一种“迹简意澹而雅正、平和自然的高古之境”。任伯年的线如桑蚕吐丝，细腻柔美。范曾的写意人物画中的线铁线如钩，飘逸潇洒。李伯安的绘画表现手法主要也是以线为主，他的线条继承了传统绘画所要表达的笔墨精神和古韵特征，又显示了自己独特的风貌。

李伯安的绘画画面主要构成是苍劲的线条和阳刚的块面， 它们既表现出严谨的结构， 又衬托出了丰富而豪迈的整幅画面的情感主题。李伯安的线既继承了传统中国画用线的精到，又吸取西画光影素描的造型方法及油画、版画等画种的艺术表现形式，使作品显得大气雄浑。例如在其绘画作品《走出巴颜喀拉》中，他运用苍劲厚重的线条表现衣纹， 层层叠叠， 如江涛海浪，灵动而有力量，大气而厚重。他的线条一种粗而宽的刚劲有力的线，他把这种线与光影适当结合起来，使线条变得情感丰满和魅力无穷。

三、色彩及笔墨方面的传承与创新

色彩作为绘画的组成因素，具有十分重要的地位。中国画的色彩运用数千年来有着丰富的经验和高超的艺术成就，在新石器时代的陶片上便有了黑、白、红、桔黄等色彩绘制的图案。李伯安继承了中国画用色简洁的特点，在太行人系列作品中，墨分五色，大面积的色块对比把水墨运用的淋漓尽致。在大面积的水墨当中点缀一点红色使画面显得格外高雅。在《走出巴颜喀拉》之一《圣山之灵》中大面积的暗红色、桔黄色与单纯的水墨色彩浑然天成，高雅，深沉，有韵味。

中国画以特有的笔墨形式在世界美术史中占一席之地。中国画家特别注重笔墨的灵活运用。中国画的笔墨语言变化无穷。在这方面，李伯安以单纯的水墨追求笔墨语言的鲜明、苍劲和厚重，既有对传统的继承，又有对传统的突破。在用墨方面，纵观他的所有作品，往往用重笔浓墨配合刚强有力的线条在画面中形成大的几何形的墨块，这些墨块对画面进行了分割，整体感非常强，庄重而深沉，营造出了浓厚的宗教氛围，黑白的冲突在画面中构成强烈对比效果。李伯安绘画作品整幅画大部分是浓重的墨块，墨块中墨色变化细腻，使画面浑厚宁静，充满了幽幻神秘的气氛。在整体的黑白灰对比中，可以看到墨分五彩及干、湿、浓、淡的变化，笔墨变化蕴含着丰富的情感。李伯安把中国画当中的线扩展为面，将虚实关系转化成黑白对比，创造出一种有利于表现力量和气势的新的笔墨语言，他不仅打破了传统中国画的程式和“笔墨”这个观念的局限，而且将黑白块面进一步加强，在版画和雕塑中寻找一种坚实有力的块面结构。特别指出的是素描式的笔墨——显示结构、质量感、空间感， 适当保留的光影又不失笔性墨气、与作品的崇高风格融为一体。

中国画伴随着中国文明的发展经历了数千年的兴衰，潮起潮落，也经历了无数殉道者的传承与创新。中国画的发展经历了历代大师们的天才耕耘，到如今已枝繁叶茂。李伯安既重视对传统绘画的继承，又能做到不拘泥于传统，创新出奇，所绘作品超凡脱俗，气势磅礴。他对传统、经典的理解和学习不仅仅是停留于表面技法上的模仿，而是带有自己强烈的个性和情感，深入到绘画的精神和本质去理解和探索，这才使得他的绘画从表现手法到形象塑造不仅具有特殊的古韵，而且具有鲜明的时代精神。

悠悠的过去只是一片漆黑的天空，我们所以还能认识出来这漆黑的天空者，全赖思想家和艺术家所散布的几点星光。李伯安的绘画在人类文明中仿佛一颗璀璨的星，照亮了众多在黑暗中的行路人。最后借用朱光潜先生的话来结束本文，“朋友，让我们珍重这几点星光！让我们也努力散布几点星光去照耀那和过去一般漆黑的未来！”

参考文献

[1]朱光潜，谈美，生活.读书.新知三联书店，2012.11

第9篇：绘画表现手法范文

【关键词】岩彩画；色彩；自然性；装饰性；平面性；统一性

“岩彩指的是岩石的色彩，岩彩画则是指用五彩的岩石磨成粉或细颗粒，用胶调和之后，绘制在纸、板、金属、麻布等物质材质上绘画的作品。”――胡明哲。早在三万年前，在西班牙阿尔塔米拉岩画中发现了神秘的公牛，也许是远古人类随意选取身边之物做颜料，而这些材料使他们的神秘精神延续了几万年。在中国，著名的敦煌、永乐宫、克孜尔、麦积山等石窟，在其天顶、四壁运用了岩石色彩绘制了丰富的壁画，经过了上千年的兵荒马乱之后，依旧光彩照人，强烈而浓郁，抽象而自由，但是并没有确立岩彩之定义。直到1996年，岩彩才以一种新的概念在中国美术界诞生。

一、现代研彩画的色彩与古代色彩观

现代岩彩画的主体色系是墨（黑色）、蛤白（白色）、朱砂（红色）、石青（蓝色）、石绿（绿色）、石黄（黄色）等几种颜色为主要用色。这与古代的色彩观有着渊源的流传关系。

《左传・昭公元年》中记载：“天有六气，降生五味，发为五色，徵为五声，生六疾。”“六气”源于“五行”之说，而古人形成的五色观念“白、青、黑、赤、黄”对应“金、木、水、火、土”，这是早期色彩与天道自然运动的五行法则之间的密切关系。在公元三千年左右，皇帝开始以黄色作为单色崇拜，历经禹、汤、周、秦，帝王们从“阴阳五行”说分别崇尚于白、青、黑、赤、黄。“五行”中的色彩象征，体现了中国古人自发性的哲理，从天地四方和自然物质基本属性在四季变迁中，宏大的时空变化进行倾向性的色彩把握。

中国传统的色彩把红、黄、青（绿、蓝）、白、黑五色视为正色。它的原始依据是黑、白之后的单色肯定。中国古代早于文字的太极图，黑白表示阴阳合一。《吕氏春秋・大乐》中记载：“太一出两仪，两仪出阴阳。阴阳变化，一上一下，合而成章。……万物所出，造于太一，化于阴阳。”太极之象即无极之象。黑白分明即太一，阳动阴静，阳变阴合而生金、木、水、火、土五行。太极中含阴阳（黑白），阴阳生五行（五色）。反过来说，五行归一为阴阳，阴阳归一为太极。这是中国古人自发的理性之中似乎接近指明人类色彩本质的发展规律。

二、现代岩彩画之色彩特征

现代岩彩画色彩斑斓，表现手法多种多样，不受旧规范约束，融合了东西方绘画样式，尝试着各种新方法是中国现代岩彩画的创作现状。岩彩画蕴含着中国传统绘画的精神，又借鉴了西方绘画的优点，具有强大的色彩优势，同时还有丰富的肌理效果，甚至光学原理也可以运用到创作中，极大地拓宽了岩彩画的表现手法和艺术内涵，也打开了艺术家的思想。丰富的表现手法、深厚的情感、先进的理念在岩彩画中得以运用、抒发、传达，呈现出更新、更独特的面貌，使艺术家在创作、创新中前进，使得岩彩画成为独立的画种，并快速发展着。

（一）色彩稚拙的自然性

《说文》中道：“拙，不巧也。”《广雅》中有“拙，钝也。”拙，指的是不灵巧。而《老子》四十五章中道：“大直若屈，大巧若拙，大辩若讷。”老子以“无为而无不为”的哲学思想，分析了巧与拙的辩证关系，即最正直的人外表反似委曲随和；真正聪明的人，不显露自己，从表面上看，似乎笨拙；卓越的辩才，好似不善言辞一样。

表示善辩的人发言持重，不露锋芒。说明真正的巧不在于违背自然的规律去卖弄自己的聪明，而在于处处顺应自然的规律，在这种顺应中，使自己的目的自然而然地流露出真性情。现代岩彩画中的色彩即是如此，其表达方式则是人们完全按照自己的意志去对各种各样的色彩、材料加以运用，反映材质本质的属性美，画面中透露出原始的、纯粹的自然美，与传统工笔画的三矾五染有很大的区别，传统工笔画表现出的是细腻、内秀美，而现代岩彩画则是表现画面本身的质朴、粗犷美，流露出作者、材质、画面内涵的真性情。

（二）色彩强烈的装饰性

现代岩彩画的一个主要的特点就是大量的使用纯正色相，与设计色彩有很多相似的元素，运用现代的设计理念，排除自然界中的光源色与环境色之影响，把自然界中的色彩关系进行综合、概括、抽象出来，利用色彩的浓淡、冷暖、明暗、互补等对比手法进行艺术创造，强化的是艺术家的个人感受，突出画面的整体效果，强调色彩调子和画面的整体协调关系，不受客观对象的固有色彩限制，创作中可以根据个人主观感受去尽情表现，体现出作者慰藉心灵和视觉的愉悦，具有强烈的装饰性。如蒋采苹的《鸡冠花》则是运用色彩的装饰效果，表达出岩彩画中的现念。

（三）色彩突出的平面性

现代岩彩画在画面中以颜色为主，通常运用勾线填充的方式或者泼色做底，再进行描绘等。其表现手法多种多样，但是在整个画面的布局中最为常见就是不同色彩之间的叠加组合，这些颜色块面在形状、大小上都有着明显的不同，在画面中形成了不同的形态，极大地丰富了画面的平面性特点。现代岩彩画创作需要作者对色彩有直觉的敏锐感，运用自身的机能性响应，挖掘精神文化深度，通过不断的深入感受和体验，创作出让人感动的作品。其创作并没有固定的表现手法，但是需要不断地完善，挑战自我，精益求精。其创作关键之处在于发现与表现，足够的细节感动人，色彩创意打动人，色彩品味打动人，材料质地打动人……把O计的多种元素理念与现代岩彩画进行恰当的艺术化结合，突出了色彩的平面个性。

（四）画面色调的统一性

画面整体色调的统一性即对色彩的整体走势、主色调予以准确把握。在现代岩彩画的创作中，各个部分在色彩上都极具个性，不注意色彩的统一性，容易产生杂乱无序的感受。所以在色彩方面要选择一种居于支配地位的色彩作为主调色彩，并以此构成画面的整体色彩倾向。主色调如同乐曲中的主旋律，给听众一种连贯的、一气呵成的感觉。所以在创作中，需要运用色彩中相同色相的配色、相似色相的配色、相同纯度的配色等，色彩要求对比统一，保持色彩与色彩之间在色相、纯度等方面的某些共性。将这些存在共性的色彩加以组合配置，通过反复、交替、渐层让众多的色彩通过合理的搭配，形成空间的流动感，产生色彩的调和感，形成一个和谐统一的整体，给人协调统一的感觉。

随着时代的发展，现代岩彩画使用的颜料在传统颜料的基础上极大地丰富了起来，打破了传统绘画用色相对单调的局面。在以前颜色种类相对较少的情况下，引进国外先进技术，在国内进行研发，使颜料在品种和数量上都极大增加，为画家作画提供更多的物质资料。现代岩彩画的创作中一个最主要的环节和因素就是对色彩的应用和设置，在创作的过程集前人留下来的宝贵经验，挖掘中国传统文化内涵，丰富表现手法，创作出符合现代人们审美需求的经典之作。

参考文献：

[1]胡明哲.岩彩画艺术[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，2001.

[2]王雄飞.中国岩彩画材料与表现[M].杭州：中国美术学院出版社，2014.