艺术美的审美意义精选(九篇)

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第1篇：艺术美的审美意义范文

【关键词】民族声乐艺术 审美意识 方法

中国传统音乐绵延几千年，包含诸多审美意识，它们是音乐思想特殊本质的集中体现，也是音乐思想意识的结晶。在古代的音乐美学中，倡导中和观，这主要受儒家思想的影响，其讲究平和之美。在音乐创作中，追求“和而不同，违而不犯”的和谐。

一、古今民族声乐艺术的审美意识体现

（一）古代民族声乐艺术的审美意识

中国传统民族声乐艺术在追求“字与声和、情与声和、艺与技和”的过程中生成了最高境界的艺术美――和谐美。对民族声乐中字与声相结合的论述，最早出现在《乐记・师乙篇》中，如“倨中矩，句中钩，累累乎端如贯珠”。其中“倨中矩”是指转折声音的角度，“句中钩”是指行腔变化的和律，“累累乎端如贯珠”是指歌唱的声音要像用线串起来的明珠一样圆润而连贯。古人强调声乐演唱要依靠语言字调的行腔去进行音乐的表达，在“出音必纯”的前提下，准确利用喉、舌、齿、牙、唇着力，做到既吐字清晰，又使歌声有光泽，由此达到完美的声乐审美标准。

我国传统音乐在灵动的旋律之外，还追求一种情感之美，这不仅是一种音乐领悟，更是一种由音乐而营造的美好意境、一种艺术美的创作与体现。从审美的角度来看，民族声乐包括语言美、旋律美、演唱美，追求的是韵味与情感因素。所谓的韵味是追求一种幽曲之美，形成一种清淡、疏远、宁静的氛围，这也是民族声乐的特点所在。

（二）近现代民族声乐艺术的审美意识

随着社会主义文化的发展，音乐也随之发展，尤其是全球化之后，我国与其他国家的交流更加频繁，音乐在发展的过程中，在继承传统文化的基础上与时俱进，创造了新的表现形式。与传统的民族声乐相比，其具有更强的灵活性、内容更加充实的特点，因此受到了广大人民群众的欢迎。20世纪50年代，同志为文艺工作和科学研究工作提出“百花齐放、百家争鸣”的基本方针。这一政策鼓励了很多音乐学家进行民族声乐的创作。从音乐审美的角度来看，这一时期的民族唱法有着鲜明的民族特色，且能够迎合我国民族发展的特色，符合艺术的发展特点。

60年代，在我国范围内掀起了“土洋”之争，就是本土音乐与外来音乐的文化和艺术冲突。“”使音乐发展受到影响，对于民族声乐艺术的教育也有一定的影响。

二、培养民族声乐艺术审美意识的方法

（一）树立民族声乐艺术审美观

学习声乐艺术必须先弄清楚声音观念问题，才能通过科学的训练方法，让学生能够掌握客观的审美原则。一般来说，审美原则包括声情并茂、字正腔圆。作为音乐工作者，只有树立正确的民族声乐艺术审美观，才能够切实有效地实现我们民族声乐艺术的审美理想。

在民族声乐艺术应用的三种呼吸方法（胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹联合呼吸方法）中，经过实践证明，胸腹联合呼吸法比较科学和适用。作为艺术性的歌唱，为了充分发挥声音的美，就必须有足够的气息支持和流畅的气息贯通，必须有精巧的气息变化和优美的气息发挥。同时还要注意：1.气与字的关系。即“咬字千金重，听者自动容”“字音要唱准，气送足，字收清”，不能光有气而无字，否则就会产生“气包字”或“音包字”的问题；也不能光有字而无音，即没有圆润的音响与气息的贯通；2.气与腔的关系。即“气沉丹田贯三腔”之说，如果使行腔圆满流畅，声音的高低、强弱、连断、起伏等，都要运用气息的贯穿作用；3.气与情的关系。即“动情即动气，情动而气生”，也就是传统声乐艺术所要求的“望文知义，因义声情，以情引气，因气出声，以字行腔，声情并茂”；4.气与势的关系。即音响表现出的声音状态，高低起伏、抑扬顿挫、快慢疾徐，以及语调语势的变化都与其有着相辅相成的关系。因此，我们的民族声乐艺术要求字正腔圆、气韵贯通、神情逼真、声情并茂，这样才能达到艺术美感，才能让民族声乐永存。

（二）培养良好的民族声乐艺术之审美趣味

关于民族声乐艺术的审美趣味，不同的审美对象因不同的兴趣和爱好产生不同的审美趣味。可见，这种爱好和趣味是因人而异的，并且其差异的存在不以人的意志为转移。因此，作为教师，首先要承认和尊重每个学生对音乐的不同趣味和爱好。在教师的正确引导下，使学生真正认识到高尚健康与低级庸俗音乐的区别就在于，人们是从音乐中去欣赏与体验美的创造，并且把这种美作为一种崇高的精神内涵来加以品味，而不能把音乐仅作为一种官能满足和生理刺激的工具。从这个意义上说，培养不同的审美趣味，意味着可以直接影响我们的思想境界和精神文明程度。因此，不管是教师还是学生，都要不断地拓宽自己审美趣味的层面。对不同民族、不同地域有着不同风格特点的音乐接受得越多，就意味着我们的审美趣味内容的不断扩展，那么，我们的音乐审美水平，不论是纵向的还是横向的，都会得到不同程度的提高，这才是我们学习民族音乐艺术的目的。

（三）建立自己的民族声乐艺术之审美理想

中华民族文化传统中历来提倡情理统一、形神统一的美学观，所显现的是丰厚、多样、浓郁的民族艺术风格，这也是我国民族声乐艺术审美之最高境界。

首先，要在认识民族声乐艺术表演客观规律的同时，达到感情与理智的统一。通过听觉或视觉接受他人所表达的感情，才能体验到他人所体验过的同样的感情。情感表现固然是抒发了作者自己的感情，但更重要的在于实现创作者和欣赏者之间的感情交流，即通过表演在欣赏者心中引起对情感的体会，这才是我们所说的“艺术共鸣”。

其次，在进行艺术处理与表现的时候，还要注意到形神兼备，即把主体与客体、内容与形式、情感与理智、感性与理性、天然与人工诸方面有机地结合起来，使其得到统一和协调。作为演唱者，必须把生活中的原型，即外在的审美经验，经过艺术加工，创造出作品所需的艺术形象，并运用艺术思维体现审美对象外在神态的个性特征和内在精神的本质属性，即形与神的统一。

三、审美意识对我国民族声乐艺术审美的调节作用

审美是一种主观活动，在很大程度上能够影响人的心理。从音乐的角度来看，审美理想、观念、趣味对表演者的感知、体验、想象和理解等心理因素的影响极其重要。

首先，审美知觉受审美欲望的驱动，在审美经验的影响下，受审美观念、理想的调控，同时还受人的个性特点以及过去生活经验的影响与制约。因此，审美知觉对审美主体的审美意向、经验、观念的依赖性，在心理学上被称为“统觉”。审美知觉之所以被称为“统觉”，可以从两方面来看：一是从主体看，它依赖主体的审美需要以及其他主观因素；二是从客体看，它不仅直接感知其外部形式结构，而且理解形式所暗示的主观的观念和意义。因此，民族声乐艺术应该利用审美知觉的统觉作用，把握好艺术作品的内涵和外延，对于要演唱的声乐作品，不仅符合歌唱与审美需求，还要根据歌词的内容对作品进行细致分析和推敲；不但反映出词曲作者的艺术目的，还要体现作品的精神内涵与艺术风格和特点，以求达到作品的内涵和外延的统一、审美理想和趣味的统一，这样才能更好地演唱民族声乐艺术作品。

其次，还要注意把握演唱的适度感与分寸感。因为，表演者有时需要激情、夸张和各种不同的润腔等技术技巧。比如润腔，在我国古代的音乐理论中被叫做韵味，在很大程度上是因为其自身的独特所在。其能够通过民族声乐来营造一种宁静美好的氛围，这也是与其他音乐所不同的。大体表现在三个方面：一是地方语言的特点。大多数民歌的内容来源于生动的地方语言，在适当的节奏和声调上的夸张和延续，具有浓郁的、多变的民族特色。如陕北民歌的高亢悠长，江南小曲的婉转细腻，东北民歌的粗犷开阔，蒙古民歌的自由奔放等；二是不同的民族风格要求不同的咬字与行腔。尤其是我们民族声乐中戏曲的大小嗓、“云遮月”等许多表演音色及其咬字上的快吐、慢吐、喷口、反切等方法，与其他民歌的演唱方法有着明显的不同；三是各种装饰性润腔的使用，如滑音、颤音、倚音等。这三个方面体现了，韵味是我们民族声乐艺术最高的形式美。作为审美的重要内容，以润腔为契合点，分析民族声乐的表演水平，能够进一步升华音乐所表达的情感，创新音乐演唱的形式。

结语

作为中国传统文化的重要表达形式和艺术结晶，民族声乐艺术具有较高的文化价值。在几千年的历史发展过程中，我国民族音乐在历史文化、心理特征、思维方式、表现方法、审美情趣等方面都有自身的个性和特点。这种与其他国家声乐表演形式不同的艺术形式，重视自身独特个性的表达，虽然还没有较为完整和系统的理论，但这并不影响其成其为中国独立的声乐学派。作为一名音乐工作者，在今后的工作中，要进一步重视自身审美意识，同时将这一意识传授给学生，以切实提高学生的声乐水平和欣赏水平，促进民族声乐文化的传承。

参考文献：

[1]霍玉魁.浅谈中国传统戏曲的群众性、艺术性、国粹性[J].齐鲁艺苑，2001（1）.

[2]王忠.我国唐代声乐艺术的发展状况[J].齐鲁艺苑，2001（4）.

[3]石险峰.浅论美声唱法与民族唱法之共性与个性[J].商丘师范学院学报，2004（3）.

第2篇：艺术美的审美意义范文

新媒体艺术又称 New Media Art，起源于上个世纪 60年代录像艺术的发展。随着大众传媒技术，尤其是商业电视艺术进入到普通家庭，新媒体艺术发展态势迅猛。在这种背景下，艺术家开始反思大众电子传媒对我们感受世界方式及艺术可能带来的影响。精英艺术家极力反抗商业资本追求利润带来的对于大众声音的漠视。于是录像技术诞生后，便自然而然被这些艺术家利用起来作为反抗商业电视的武器，此时期他们将这种新技术即如录像技术和媒介命名为“新媒体”，并采用与传统不同的艺术观念来运用这种“新媒体”进行创作，藉此表达这种新的媒体以及新媒体艺术对于影响人类生活的可能性的多方面思考。 [1]

进入上世纪 80年代特别是 90年代之后，随着电子传媒技术不断发展，先后出现了电子计算机、电子光盘和互联网，新媒体艺术的发展也不断变化着创作的媒材和观众。从激浪艺术、前卫电影、视频艺术，到数码和网络艺术，新媒体艺术的发展无不彰示着它与高科技的亲密关系。 [2]人们开始把建立在 60年代以来的新媒体概念基础上的以电子计算机为硬件基础，以互联网技术基础上的信息传播的带有综合性的多媒介或超媒体称为“新媒体”。这个时期的新媒体由于是以数字多媒体及互联网技术为支撑，所以在艺术创作上全面出新，几乎彻底颠覆了传统艺术观念，也改变了原先的新媒体概念；进而在艺术审美的感觉、体验和思维等方面带来深刻变革。这种新型艺术形态我们可以称为“新媒体艺术”。它反映了数字时代艺术家试图将尖端科技与先锋艺术思考相结合，探索新的艺术空间和对世界感知新方式的不懈努力。 [3]

进入新世纪，数字技术和网络传播的迅猛发展，使新媒体艺术也迅速进入大众的审美接受视野，并使艺术家借助这种新型媒体来进一步实现其与大众读者的精神沟通与合作。新媒体艺术家们适应这种超媒体艺术的特征，通过显现作品的形成过程而使观众理解和支持新媒体艺术，也为了吸引观众的接受兴趣，他们便充分利用互联网的超媒介手段，促使观众积极参与作品的创作过程。新媒体的交互流，把美的生产者和消费者更紧密地联系在一起，使其共同参与美感体验 ，甚至难分彼此。 [4]新媒体艺术对于连接性和互动性的艺术特质的强调、对于观者在艺术作品中是否参与了新影像、新经验和新思维的创造原则的确立，基本上已经成为当代艺术作品质量高低的评判标准。应该说，新媒体艺术的热潮在世界当代艺术的创作中已成燎原之势，并不断给人们的生活方式、视觉经验带来变革性力量。

新媒体艺术到底有哪些重要表现？有哪些新的艺术倾向和审美特征？下面就是我们对新媒体艺术现状与发展的一些理论思考。

二

新媒体艺术的源头包括：受杜尚影响甚巨的 60年代观念艺术，以及由早期未来主义宣言和达达式行为及稍后出现的偶发艺术（ happening）脱胎转变而成的 70年代表演（行为）艺术，以及激浪艺术运动所倡导的综合行为、舞台、绘画、音乐、身体的互动媒体艺术等，为以技术为核心的新媒体艺术打下了坚实的艺术基础。同时，五六十年代的前卫艺术实验中，也出现结合工业时代机械技术的动力艺术（ kinetic art）和最早的电子艺术作品。沟通与合作成为在这些范畴进行创作的艺术家关注的焦点，他们不断探索新的行为模式与新的媒介材料，企图发掘创造新思维、新的人类经验，甚至新世界的可能性。新媒体艺术最鲜明的特质为连结性与互动性，促使观众（使用者）和作品进行互动并介入参与作品转化与演变的网络与数字科技当中。对新媒体艺术影响最大的还是技术语言的观念意识，以数理计算为核心的技术化设计，以及创作和放置与环境的关系等。

上世纪 80年代出现的数字技术和录像艺术，开始在各种国际艺术大展上尽显风光。它挟现代数字技术之威，以其具有传统艺术媒介不可比拟的敏感性、综合性、强烈的现场感，成为当今国际艺术中与架上艺术、装置艺术并架齐驱的主要艺术媒介。而新媒体艺术另一个重要的特征是它的互动性，它体现为通过数字手段在观众与艺术家之间、观众与作品之间实现交流，并用新的科学技术成果和崭新的观念来表达创作者对人生的感悟和对艺术的重新理解。

新媒体艺术不仅仅是一种以展出为目的的艺术，它也是一种新的思维方法和创意手段，它更重视如何挖掘新媒体在运用时的新美学，或是协助传统的艺术家如何运用新技术，期望对原有作品产生变化。

每一艺术门类的特征有本质性特征和功能性特征之分，审美特征属于艺术的本质性特征。而其中造型机制的特征、活动方式的特征和交往机制的特征又是构成艺术审美特征的基本要素。新媒体艺术的这种审美本质特征就集中表现在这三个方面：

第一，近二十年来，新媒体艺术多媒体融合的造型机制实现了艺术表达语汇的变化和综合，形成了新媒体艺术审美趣味的特征。所谓多媒融合的造型机制就是将众多媒体的艺术元素有机整合，产生每一独立媒体单独所不具有的新的意义，类似依靠镜头整合产生新的意象的蒙太奇，我们不妨就将这种多媒融合的造型机制称为“媒体蒙太奇”。它包括共时的叠加和历时的链接，它是最基本的多媒体编辑和艺术语汇。新媒体艺术创作将多媒体进行链接，而后全身融入其中，与系统和他人产生互动，从而导致作品以及人的意识产生转化，最后出现全新的影像、关系、思维与经验，产生创作上新的艺术追求和欣赏中新的审美趣味。因此，我们可以把新媒体艺术看成：一百年前当电影出现的时候，尽管人们只是把它当作一种新“玩意儿 ”来看待，但实际上，它很快就成为当时既不同于传统的戏剧、绘画、舞蹈、音乐、建筑和雕塑，又融合了这六门艺术形式的新媒体艺术。多媒融合的造型机制就是艺术家创作时所用的材料和形式，就是后现代艺术中有别于传统艺术的装置艺术、行为艺术、数字艺术、影像艺术等具有新观念、运用新材料和新形式的纳入融视觉和声音等综合性的造型艺术。

第二， 20世纪 90年代末，随着 IT产业的发展，个人电脑以及编辑设备（包括软件和硬件）日趋廉价并得到普及。这种新技术手段带来的不仅是影像艺术日益繁荣，而且更多的艺术家着手探索互动多媒体和网络艺术形式（如超文本艺术形式），这也正在成为当代艺术中的重要潮流。新媒体艺术是以高科技数字化媒介为其创作手段的新的综合性艺术，这种新媒体艺术是随着国际互联网的普及和数字影像操作工具的出现而产生的新技术条件下的艺术形式。借助于新媒体数字技术，新媒体艺术可以实时交互的参与式艺术交往机制，如此就实现了艺术生产和传播活动方式的变化，形成了新媒体艺术美感激发的模式等特征。新媒体艺术将不同媒体及造型和传播机制的应用功能有机整合，产生更为强大的综合艺术功能。例如，将多媒体的虚拟现实功能与互联网的远程传播、实时互动功能有机整合，打造成优质艺术资源共享的远程审美平台—— BBS的网络文学“复调文本”的群体写作、远程现场演奏会、互动式展览会、全球化的网络舞蹈等等。这将引发艺术创作与欣赏活动方式一系列重要变化，其中之一就是随着创作门槛的降低和欣赏者参与性的提高，使得创作与欣赏的界线不再泾渭分明。在互联网世界中，现实可以被虚拟，虚拟的超文本似乎能够被指称为一种准现实或类现实，而且这种新艺术形式依靠观众的积极参与来实现其传播和价值。作品不仅需要观众的接受来完成，而且还需要观众来激活它，赋予它实在的内容，进而推动它不断生长和丰富。这也许就是新媒体艺术的魅力所在。

第三，新媒体艺术瞬时远程的传播机制不仅造就了新型的艺术交往方式，而且改变了艺术存在的环境模式，并将导致人们审美意识的深刻变革。新媒体艺术将成为不同文明、不同文化相互接触和交流的渠道和机制，它有可能带来文化间的相互融会与整合（整合并不意味着同化、同一甚至兼并，它应该而且完全可以合而不同）；但是也有可能造成文化间的相互碰撞与冲突，从而对不同民族的文化结构以及世界的文化格局带来深刻的负面影响。这些作为环境因素必将波及人们的审美意识和艺术理想，从而改变人们的审美心理结构。

三

新媒体艺术的灵魂即在于它能够调动人们的心灵，在客观的物质的世界里创造更加深邃的精神世界，要利用多种多样的新技术作为艺术手段，探索新形式，表达新内容，使得我们的生活世界更加丰富多彩、多元包容。新媒体艺术创作既要关注科技的最新动态，又要不断充实自己的人文性观念的根基，要将为艺术而艺术和为人生而艺术在新媒体艺术形式中努力结合起来，从而祛除一百余年来关于这两者之间存在的尖锐矛盾和冲突。新媒体艺术在经历了从单媒到多媒以及从技术的跟踪到观念的升华的初创探索后，正在步入全面快速发展的新阶段，新媒体艺术已经实质性地改变了艺术的思维模式、设计模式、传播模式及欣赏模式：虚拟图像技术创造了魔幻般的世界，超链接的方法带来了完全非线性的作品体验形态，分布式多媒体技术及虚拟现实技术提供了多人交互参与的创作空间。 [5]新媒体艺术理论上的重大课题包括文化本质的探讨、载体与传播的研究、审美特征的阐释以及评价标准体系的建构，这些对于今后我国新媒体艺术事业的健康发展具有重要意义。

数字化技术和新媒体空间力量不仅重新型构了哲学美学上的时间与空间概念，对数字世界艺术创作和消费的观念与实践提出挑战，同时也为研究网络空间或虚拟世界的美感经验，及其与人类思维想象空间的联系创造了更为直接的条件。数字化时代存在观念发生了深刻的变革，网络空间同样具有美感特质，建立针对数字化审美艺术的新媒体美学已是相当紧迫的问题，艺术家、美学家应面对挑战，担负起时代的责任。

*本文为三明学院科研基金项目成果（HX201006/Z）。

注释

[1]刘秋娜.新媒体艺术无界限[J].环球，2005，（14），（p70）.

[2]段运东.新媒体艺术的语言品格探察[J].装饰，2004，（12），（p24）.

[3] 王秋凡.西方当代新媒体艺术[M].沈阳：辽宁画报出版社，2002，（p105） .

第3篇：艺术美的审美意义范文

关键词：中国当代艺术；后现代；反审美；消解

谈及中国当代艺术，不得不追溯到后现代主义“反审美”理念。反审美是一个美学概念。反审美这是指对于传统审美方式的自觉反抗或消解形态，它反对传统审美的固定化和权威化，力图以各种个人的方式重新表达对美的体验和认识。

在消费社会的当代语境中,"审美"概念正在发生从“自律性”到“他律性”的嬗变。这种嬗变背后有着思想潮流和文化背景转换的深层原因，这并没有改变审美经验在审美活动中的核心地位。审美经验的“日常生活化”有利于突破经典美学的“象牙塔”和独断论。后现代艺术消解了现代艺术奉为信条的艺术自律性，后现代艺术虽然在相当程度上弥合了艺术与大众的鸿沟，但艺术的审美存在性质却也由此被改变了。艺术的诗意品质让位给世俗化、商品化的消费，艺术的审美距离让位给直接的感官刺激与反应。

后现代艺术将艺术的原创性牵引出画面之外，使艺术的审美特性消磨殆尽。在艺术现象和审美现象都泛化的后现代文化语境中，审美与非审美的界限日趋减小。当代美学和艺术哲学中出现的一系列的否定性主题给人们带来的只有更模糊的审美倾向，使失去了创造性的艺术变的面目全非。他们认为再中国当代艺术语境中，西方后现代主义没有任何实际功能，只能消解艺术的本质属性和审美特质，将艺术的创造性分崩瓦解。

可以说后现代美学呈现出了反审美的意识形态。一方面后现代美学在当代思潮的发展中全面反思了美学思想的内在问题性。另一方面，后现代主义美学具体的反审美主义倾向。中国当代审美文化在一定程度体现了美学体系丰富性的缺失；而同时当代中国文化建设所需要的对于真正具有创造性独创性文化构成的诉求则因为在接受后现代美学的时候忽略了其新的意识形态特性，造成了较为严重的后果。在后现代主义影响下,基于中国改革开放以来特殊的经济、社会和文化背景,特别是向市场经济以及信息社会、消费社会的转型,中国当代审美文化发生了一些显著变化,在多个方面表现出后现代性的趋向。如果从创作思想上来看后现代主义对中国当代审美文化和文学艺术的影响,那么由解构主义引发的消解意义、消解理想、消解崇高、消解价值标准,就是一个带有倾向性的问题。后现代主义追求纯粹客观性的美感个性,它更多地将视线投向审美客体方面,追求“无感情”,“无个性”为内涵的所谓“极端客观性”；后现代艺术对生活的关注和远离生活的矛盾二重性;后现代艺术带东方特征的空无、无界限境界的审美意向。

大众文化的娱乐性、消遣性特点，决定了当代人不再喜欢“悲哀”，也不愿去“净化”和“反思”。现实生活中的激烈竞争和人性的矛盾、分裂，已使人的精神倍感压抑和折磨，人们在艺术这个情感的庇护所里不愿意再受“自我折磨”。对意境和深度的追求，曾经是艺术价值的核心，也是艺术的独特审美品格。然而，20世纪80年代中期以后，在大众传媒和各种视听艺术活动的大面积冲击下，诗意的和谐逐渐被人们所冷淡、疏远，直接的视听感官刺激成了艺术传达的主流：各式各样的“包装”把“艳俗”推为时尚，对当下感官享受的要求使人们着迷于影视歌星、卡通形象、流行歌曲、青春偶像以及各种怪诞、离奇的艺术形象。极度逼真的视觉形象取消了审美所必需的心理距离，代之而起的，则是通过视听活动所直接感受到的各种生理欲望和刺激。当代视觉文化的技术特性改变着艺术，也改变着人们对艺术的审美接受方式。

当代艺术的审美观念方式在世界艺术领域中出现至今已经形成了一种潮流,它对传统的审美观念所带来的冲击是不可逆转的,在当今世界艺坛已无可争辩地成为了主流方式。特定的时代有特定的美与艺术，当美与艺术向新的形态转型之时，最初往往只有少数人会首先感受到，并加以提倡，大多数人却会仍旧在“传统的梦魇”中沉睡，并将这少数人视为离经叛道者、哗众取宠者，必欲除之而后快。

第4篇：艺术美的审美意义范文

一、油画审美观念

油画作为艺术的一种表现形式，是艺术文化的重要组成成分，是艺术家们思想意蕴与生活体验的有机结合，处处透露着时代的气息。创作者们通过绘画这种手段方法，适时的表达出主体情感与时代精神。不同时期的艺术创作者所呈现出来的画风画貌是各有千秋的，他们受时代气息的支配和主体认知情感的支配。随着油画这门艺术的不断发展成熟，所透露出来的时代气息更加浓郁。油画创作者们运用自己的生活体验绘画出一幅幅生动鲜明的画作，观赏者们通过画面的呈现来感受作者的艺术作品，感受作品的艺术美丽。很多时候人们错误的将美和艺术的定义混淆，认为美的则是艺术的形式，却否定丑的存在。其实很多时候在文学创作中会将美好的事物毁灭或者破坏来体现文学作品的深刻含义，同样在艺术创作过程中，油画的艺术美丽不仅仅是去呈现事物美好的一面，很多时候甚至去根据事物的丑来反映显示的社会生活和画家们所要传达的思想情感。这都是需要我们去思考和赏析的。用正确的艺术审美方式来感受创作者们的思想情感和创作主旨。在现实生活中，油画家们擅长挖掘生活中的创作题材，甚至是丑的事物也可以融入作品，将丑的事物转化为具有艺术审美价值的艺术美。在创作《秋千》时，弗拉戈纳尔就很好地将社会生活中奢靡和混乱通过手里的画笔，来达到艺术审美的价值和高度，展示了艺术的艺术魅力。画面的主要内容是一个荡着秋千的搔首弄姿的女子，不慎将鞋丢下。和一个浪荡放纵的少年嬉戏调笑的画面。整幅画很生动的描绘出上流社会的混乱和奢糜。画家通过这样一个“献殷勤”的举动，很好的传达出作者的创作意图，削弱了现实生活的刻画，增强了艺术的表现力和审美价值，画面的内容虽然恶俗和低下，但作品本身的艺术价值没有削弱，巧妙地将现实生活中的丑结合了艺术的审美特征，传神的表现出作品本身的价值和感染力。这幅画可以说是油画艺术史上不可多得佳作。著名雕塑家罗丹曾经说过，很多人错误的理解现实生活中的丑，认为艺术创作不应该去触碰丑的或者让人不愉快的创作题材。罗丹很准确的指出了现实社会中人们的偏执观点。在他的作品《老妓》中，就是将老去的身体刻画出来，那具老去的身体曾经被多少虚伪、卑劣的人们玩弄过，这样一副以“丑”为美的创作，很好的诠释了正确的审美艺术和艺术的价值。真正优秀的作品是可以引起人们反思和思考的，让人们在欣赏的同时可以引起心灵的震撼，可以让人们产生愉快的或者悲伤，甚至深刻反思的情绪情感体验。在艺术作品中只有引起欣赏者的共鸣才能达到艺术作品的价值体现。具有艺术审美价值和意义的作品，是融汇了艺术家们的创作情感和审美意识的。不是随随便便的创作，这些都是影响作家创作的艺术因素。很多时候生活中处处都有美，有些画家的笔下无论是一滴水，一棵树，一片云还是淡淡的尘埃都是创作者们不可多得的创作素材。很多时候生活中不是缺少美，而是缺少善于发现的眼睛。在通过手中的画笔细腻的描绘出事物的风貌，展示画家们的内心世界和情感表达，通过正确的审美意识的再现来唤起人们心里的认可和肯定，升华作品的艺术审美价值和魅力。

二、油画的色彩艺术

油画作为一门艺术语言，是艺术家们将自己对客观事物的主观描述经过加工创造，借助油画这一载体，表现出创作者们心灵上认识、凝聚、融汇、体验、升华的过程。而色彩与形体是油画的主要表现方式，色彩的运用增加了作品的表现力和感染力，是油画的重要语言，在贡布里希的著作《艺术与错觉》中，就表达过色彩的作用，强调了色彩是画家表达情感的主要方式。也是油画自身与欣赏者的交流语言。在油画不同的发展时期，对于色彩艺术特点的表现要求也有所区别，使得作品也各具特色。色彩具有非凡的艺术表现力，它的成功运用直接关系到作品的感染力和艺术价值。在东西方审念观念的影响下，对于色彩的运用也各不相同。例如黄色，在中国是高贵与威严的象征，代表了权利与地位，是帝王的色彩；在东南的佛教中寓意着神圣不可侵犯，是超凡的代表色；但在西方人的世界观里，黄色是被视为卑劣的象征，常将这种颜色运用到的囚服上。因为文化差异，常常会使同种颜色赋予上不同的情感色彩。包括在色彩的侧重点上，因为创作者的主观感受，也会使画风呈现不同类型。中国画侧重色彩的主观性，西方油画则更强调物象的再现，着重将色彩的客观变化和规律进行一一展示。画家在进行艺术创作时很注重内心情感的表达，运用色彩布局和颜色深浅的经营安排画面，突出表现画家的情感世界。为了更好表现细腻的心理活动，很注意把握色彩冷暖的变化。在自然色彩中，色调是客观存在的，从色相上看可以分为红调子、黄调子和蓝调子；按照色性上的分类有冷调子、暖调子和中间调子；按明度划分有亮调子、暗调子和灰调子。色调是具有可调和性的,随着时代的发展，对于油画色调的加工和处理也不断发生变化，使得画面感更具立体性和层次感。世界之所以有色彩是因为光的产生，我们可将色和彩区分来看，色是存在于物体身上固有的颜色，彩可以概括的说成是物体的三要素，即光源色、环境色和固有色三个要素。物体色彩的产生是因为光照，那么画家在创作时会敏锐的捕捉到色彩的变化。不同的画家用不同的表现手法来展示画面色彩，例如以印象主义画家马奈为代表，就善通过省略某种色彩层次来刺激画面。在他的《苦艾酒的嗜好者》，就很好的少用中间色调，强调光影的对比，突出瞬间效果的体现，色彩不显单调反而更加的厚重。也有画家选择突出不同光影下色彩的扑朔迷离，这个以莫奈为主，他是印象主义早期创始人，打破过去传统题材和内容上的限制，其画作《干草垛》，展示了在同个背景下，同样的主体，在不同季节的早上、中午、和傍晚时，所受阳光照射不同下的色彩状态。这类的作品大都忽视事物的轮廓描摹，利用光和色的变化突出某个瞬间的动态美。将绘画色彩的关系处理的很和谐。

三、油画的情感审美

在写作时常强调“一切景语皆情语”,同样在油画创作过程当中，要想体现一幅作品的价值，不单单是很好地将色彩、内容和线条细腻的描绘出来，更需要融入自己的情感态度，情感的表现是油画创作的一个不可或缺的部分。如果说色彩的运用是画面的血液，线条是骨骼，那么情感则是灵魂，贯穿画面的每个细节和角落。只有正确的选择绘画内容，才能在创作中表现出自己的情感思想。艺术创作的主体情感体现在画家对客观事物的主观感受，通过高超的绘画技巧和表现手法展示出创作者的情感。在很多时候的创作过程中，画家们关注油画的表现情感，即油画的表现性、多样性和个性等因素。这种艺术的创作是一个人的精神世界的阐述，这与油画技法是密不可分的。著名的表现主义画家席勒，善用充满震撼力的线条勾勒画面，在画家的内心情感表现的淋漓尽致，在《死神与少女》、《干洗房》等用扭曲的人物造型，将整个画面都蒙上一层紧张的面纱，那压抑的视觉效果，体现着画家内心深处剪不断的呐喊。可见主体情感的表达是艺术创作的主体因素。将个性化的情感与技法在创作中相互统一，通过细腻的画面展示真实的内心情感，来引起人们的共鸣，把艺术表现情感也推到了。有些独具特色的画家，不依照事物本身的状态来进行再现，而是按照自己的情感态度和风格体验来进行艺术创作。比如梵高，他的作品更多体现出自己的创作激情和思想内容，通过油画这个载体来传达自己的精神世界。他的艺术作品《星空》，将天地的景象都进行了扭曲和虚化，在这里画面的实物都在旋转，月亮，星空，树木，好像整个世界都在旋转。这里的梵高将作品从固有的世界里抽离出来，强化了情感的表现，来表现出创作者内心世界的迷狂和躁动。梵高的作品很好的符合了特鲁先生在《现代色彩学》中所说的,很好地将不同的、纯色彩的点块都进行了有机的融合。我们在这些光怪陆离的画面上，看见创作者的内心和情感态度，看见他们强化自己的思想情感来进行艺术创作，这让作品的感染力大大增加。

四、结束语

第5篇：艺术美的审美意义范文

[关键词]:工艺美术 审美特征 工艺形象

工艺美术往往受到它的实用性和制作条件、所使用的材料的制约，认识工艺美术的审美特征，首先要抓住这一实质。

一、适用性与审美性的有机结合是工艺美术的首要特征

工艺美术与人们的衣食住行有着极其密切的联系。它同建筑一样，具有两种基本的社会职能，即同时满足人们生活上的实际需要和思想上美感上的需求。从某种意义上来说，工艺品首先是适用的，然后才是美的。不能照明的台灯，不能书写的钢笔，无论其外形装饰多么精美，也是没有审美价值的。正因为这样，许多陈设工艺在设计上也就适用的方向发展，如装饰用大型插屏可兼作挡风和分隔大型厅堂的屏风就是一例。但这并不否认单纯装饰用的工艺美术品的存在与发展。从广义上说，装饰用的陈设工艺其装饰功能的发挥，即是它的适用性的一种体现。由此看来，日用工艺品的审美价值主要是通过适用性的发挥才得以完美体现的。而对陈设工艺品来说，它的适用性正是通过审美价值显示出来的。在这里，“适用”是具体的，“美”是抽象的，这种“具体”和“抽象”的对立与统一，使得许多工艺美术品能历经世事沧桑而永葆其环境的、历史的、

社会的各种美的形态，适用与审美相结合，是工艺美术本质的、首要的特征。工艺美术品的审美性还同时受到工艺种类特性的制约。各类工艺品的审美价值在一定程度上就看这类工艺品的特征是否得到完美的发挥。如雕刻是刀锉的艺术，必须根据不同的材料，采取不同的运刀方式，选用合适的工具，运用多样的刻镂技巧来完成雕刻制作。中国明代的“核舟”就充分发挥了这类工艺的特点。明末魏学曾有详实记载，在一枚长而窄的桃核上，当时的艺人王叔远，刻上了五个人、八扇窗，还刻出了一张船篷、一支船桨、一个火炉、一把壶、一卷书、一副念珠。更为奇特的是上面还刻有对联，题名篆文共34个字。人物神态各异，刀痕细如蚊足，雕刻工艺如此精湛的发挥为古今作品中所罕见。因此，当我们在鉴赏工艺美术作品时，必须看其自身工艺特征在制作过程中受材料、工具、制作水平的限制的发挥程度，发挥程度越高，其工艺美学价值就越大。工艺美的效果不在于所用材料的贵贱。一粒金刚石、一块纯金、一支象牙就其经济价值而言实属很高，但在工艺美学的范畴中如果它们没有被用来进行工艺创作，它们的美学价值也就同一粒核桃、一块胶泥、一支竹子那样等于零。因此，工艺美术鉴赏不能也不允许就工艺材料的贵贱来区分其艺术价值的高低，而是要视其材料是否合理、充分地利用、改造的水平来鉴别优劣。如石料的颜色不纯，是原材料的严重缺点，有时可以使一件即将完成的雕刻工艺品毁于一旦。然而，我国玉雕艺人处理原材料斑痕的优良传统就是所谓的“巧做”。换句话说就是审时度势、因材施技。

因此，对原材料运用改造的合理与充分的程度，直接影响着作品的审美效果。工艺制品的协调感体现于色彩和谐、大小适度、布局合理，以及与环境搭配的恰当等方面，这是工艺美的高级境界，即通常强调的一个“宜”字。当工艺品与其存放的环境也达到协调一致时，工艺品的协调美又能得到更充分的展现。如人民大会堂湖南厅内的湘绣大插屏的布置，就极富湖南的乡土情调。特别是双面绣上那双双戏水的鸭子和朵朵出水的芙蓉，一下子就把人带到了烟波浩渺的洞庭水乡，引出许多美的联想，情趣盎然，一派生机，收到了很好的审美效果。

二、工艺形象的象征性特征及有关因素

“工艺品主要以色彩、结构和形体造型来表现一定时代民族的宽泛而朦胧的情感气氛。”它一般不是再现、摹拟客观对象，即使以现实对象造型，也是把对象当作情感的外在形式而已，所以说，工艺美术品是人的本质感情对象化的产物。因此，我们只有透过工艺形象的外在形式去理解作品的内在情感，才能找到领悟象征意蕴的基本途径。工艺形象的象征性与艺术类型的变化发展有关，而这种变化和发展又使工艺形象的崇高美有了展现的依据与可能。

第6篇：艺术美的审美意义范文

一、建筑艺术的类别

建筑艺术的类别复杂而繁多，可以从不同的角度分类。大体上有这样几类：从使用的角度来分类，有住宅建筑、生产建筑、文化建筑、园林建筑、纪念性建筑、陵墓建筑、宗教建筑等；从使用的建筑材料来分类，有木结构建筑、砖石建筑、钢筋水泥建筑、钢木建筑等等；从民族风格上来分类，有中国式、日本式、伊斯兰式、意大利式、英吉利式、俄罗斯式等等；从时代风格上来分类，可以分为古希腊式、古罗马式、哥特式、文艺复兴式、古典主义式等。从流派上来分类，就更多了，仅第二次世界大战以后西方就有历史主义、野性主义、新古典主义、象征主义、有机建筑、高度技术等等不胜枚举的流派。

二、建筑艺术的审美特征

（一）建筑艺术是物质功能性与审美功能性相结合的艺术

建筑的物质功能性是指建筑的实用性、群众性、耐久性。所谓实用性，即是说，建筑的目的首先是为了“用”，而不是为了“看”。即使是纪念碑、陵墓也要考虑举行纪念仪式时人流活动的具体要求。其它各类艺术，美可以是唯一目的或主要目的，而建筑却必须和实用联系在一起。建筑的实用性特点，影响着人们的审美观。即是说，建筑物对人类生活的功能好坏，往往决定着人们观感的美与丑，因而建筑的审美意义，有赖于实用意义。建筑的实用性是艺术性的基础，而艺术性中也常常包含着实用性。

建筑的物质功能性还表现在它的群众性上。没有一个人能离开建筑，建筑的审美是带“强制性”的。人们可以不听音乐，不看戏剧，不欣赏画展，不读小说，但却不可能不住住宅，不可能对矗立在自己眼前的建筑视而不见。因为它是物质存在，是实实在在的东西。建筑的物质功能性另一表现是在于它的耐久性。建筑是巨大的、造价可观的物质实体，一旦建成，除非地震火灾和战争破坏，它都会长期保留下去，很难被人遗忘或丢失，事实上成了一个时代、一个民族的纪念碑。建筑的物质功能性决定了建筑物具有纪念性。比如希腊的神庙、罗马的广场、巴黎的铁塔、中国的万里长城、非洲的原始村落，还有数不清的古城市、古村镇，当初并不是为了纪念而专门建筑的，但是到了后来，却成了纪念性很强的古迹，成为人们欣赏的历史文化了。

（二）建筑是空间延续性和环境特定性相结合的艺术

建筑是个空间环境，它要占据一定长、宽、高的位置。那么，我们在一定的视点上，不可能一下子看到全体，只能看到它的一部分面。比如，看一座坡屋顶的房子，在室外我们只看到三个面。如在室内，我们最多也只能看到它的五个面。我们要想看到全部的面，就要移动自己，才能陆续地把所有的面看完。即是说，人们在任何一点上欣赏建筑，感觉都是不完整的，只有在各个位置，从远而近，从外而内，从上到下，从前而后，围绕建筑走遍，才能获得完整的感觉。如果是一个建筑群体，那就更复杂，更需我们不断地变换观赏位置。人们就是在这种位置的不断变换中，也就是空间的不断延续中获得了审美感受。

正因为建筑具有空间延续性，因此，它的艺术形象永远和周围的环境融为一体，有的甚至还主要靠环境才能构成完美的形象。道理很简单，建筑物一旦建成，就不能移动，除非特殊情况，不会出现房子搬家、桥梁搬家的事而一旦搬了家，其审美效果也随之改变，原来的效果不复存在，后来的又出现新的审美效果。比如埃及的金字塔，必须是置于埃及这广阔无垠的沙漠中，才有永恒的性格，如果搬到了东北大森林，很难设想，那是一种什么效果。又如，欧洲的哥特式教堂，必须是在中世纪狭窄、曲折的街巷中，才能充分显示飞腾向上的气势，如果放到宽阔的大街上或者林立的摩天大楼中间，就很难设想是什么景象了。由此可见，正是这种空间的延续性和环境的特定性构成了建筑艺术的又一个审美特征。

（三）建筑艺术是正面抽象性与象征表现性相结合的艺术

第7篇：艺术美的审美意义范文

【关键词】中学美术 审美艺术 渗透方法

【中图分类号】G633.955 【文献标识码】 A 【文章编号】1671-1270（2014）02-0088-01

美术教育是一门艺术，美术教育的主要目的在于对学生进行审美教育，提升学生的审美素质和艺术修养。传统的美术教学过于重视审美基本知识和技能的训练，美术学习往往局限于书本，脱离了学生的日常生活实际，忽视了学生的审美体验，这在很程度上抑制了学生审美创造力的发展。因此，在中学美术教学过程中，教师要注重审美艺术的渗透，优选一定的策略，激发学生的审美意识，培养学生健康的审美观和审美情境，增强学生感受美和鉴赏美的能力，发展学生的审美创造力。

一、抓住艺术本源，培养学生形式美感

在艺术作品中，形式美感是本源。学习美术时，学生最先接触的就是美术的形式之美，如色彩与线条、肌理与质感等，当把握艺术作品的形式美时，才能更好的发掘其中蕴含思想与内涵之美。如花朵的妩媚明丽、山的雄伟蜿蜒等，这些首先源于形式美感，而后抽象延伸，蕴含意境，富有思想深度。所以，在中学美术教学中，要渗透审美艺术，教师要培养学生形式美感，给迁移创造奠定基础。

（一）感知线条之美

艺术造型以不同形态的线条为基础，线条浓淡、粗细、疏密各不同，则能演绎出造型各异、富有美感的万千事物。因此，中学美术教师需要通过多种方法，如引导学生欣赏古代壁画、参观书画展览等，欣赏艺术作品中不同线条的艺术魅力，学习不同画种中线条造型的运用方法，更深刻的认识线条造型，能运用线条艺术来创造美，表达感情，展现生活。

（二）体会色彩之美

在艺术作品中，色彩往往能够令人产生各种联想与感情。如广告画设计，借助色彩感情规律来体现主题，激发受众的情感，唤起他们广告商品的兴趣。如在中国绘画创作中，讲究“随情运色”、“随类赋彩”，简而言之，就是通过观察物象，以个人心理感受，促使客观物象的色彩与主观审美趣味和谐统一。比如齐白石的“红花墨叶”，就是以情入画。因此，在中学美术教学中，教师需要充分利用《生活中的色彩搭配》等内容，指导学生认识不同色彩现象，感受色彩美感与内涵，把握色彩搭配规律、色彩调配方法，学会使用色彩来表达情感，描绘生活，再现生活。

二、强化情感教育，培养学生审美情趣

审美情趣，也就是“审美鉴赏力”或审美趣味，是个体对事物的欣赏、评判与鉴别能力，综合了审美感受与判断力、想象与创造力，直接体现出审美主体的审美选择以及评价。换而言之，审美情趣影响了审美主体的审美标准。因此，若要让青少年树立高尚、健康的标准，中学美术教师需要注重学生审美情趣的培养，这也是审美艺术的渗透内容之一。正如我国现代画家、美术教育家丰子恺先生给我们的美术教学启示：“教艺术课，主张不求直接效果，而重视间接效果；不求学生能直接作有用之画，但求其涵养爱美之心，能用作画一般的心来处理生活，对待人生，此为艺术之最效用。”

而若要培养学生审美情趣，教师需要强化情感与兴趣教育，立足学生角度，优化教学方式与活动，唤起学生积极情感，使其主动投入审美活动，体验中发现美、感悟美、升华美，促进美术综合素养的提升，形成良好的审美观，树立审美理想，学会辨别美丑。如教学《人教版初中美术》八年级下册单一单元活动一“欣赏与评述”时，播放有关影像资料，引导学生比较与鉴别意蕴相近、风格各异的作品或题材相近而意蕴不同的作品，评述或拓展。而后通过谈话形式，师生一起探讨：怎样欣赏美术优秀作品等，碰撞思维，让学生学会探究艺术作品深意与审美价值。同时，教师可结合教学需求，适当介绍作品的背景知识或故事，让学生感悟艺术家身上的审美品质。另外，还可以让学生根据个人兴趣，自选作品进行欣赏与评述，逐步提高学生鉴赏能力。

三、鼓励想象创作，培养审美创造能力

美术学习具有较强的实践性与操作性，需要进行大量的审美创作活动，满足创造美的需要。所以，美术教学的目标不仅是培养与提升学生审美感知力与鉴赏力，还需要训练学生的审美创造力，让学生基于审美感受与审美鉴赏之上，运用美术知识与技能，再发挥想象力与智慧才能，用自己的双手创造出独具个性的美术作品，以艺术美来装扮生活，提升艺术美感，这也是审美艺术的体现。正如马克思所说的：“美感就是人在创造性劳动中感到各种本质力量能够发挥作用的乐趣。所以，在中学美术教学中，教师要充分发挥指导作用，启发学生想象与灵感，唤醒学生潜能，使其在主动探索与自主发现中形成发展创造思维能力，在实践操作中提升增强审美创造能力。

（一）鼓励学生想象与创作

在美术学习中，想象是十分重要的，能将无形的事物，使之变得有形，可让有形的东西，使其变形，更富艺术美感。而中学生本身就蕴含巨大的想象潜能，喜欢幻想，教师要加以引导，让学生在美术技巧技能的基础上，将头脑中的想象构思转变成可视可感的形象。

（二）沟通生活，用艺术改造生活

第8篇：艺术美的审美意义范文

【关键词】声乐表演艺术;审美;声乐演唱;地位;作用

1.前言

声乐表演艺术审美主要探究声乐艺术中的审美本质和规律，它事关声乐表演的成功与否。声乐作品的歌词曲谱作为声乐表演艺术展现的载体，所展现出的艺术效果完全经由歌唱家演绎出来，进而对观众产生感染力的作用，使歌唱家与观众产生心灵上的共鸣，声乐表演艺术以它的大众性，娱乐性，欣赏性，及鼓舞性艺术价值成为最受人们欢迎的艺术形式之一。声乐表演艺术审美对声乐演唱的成功实现具有不可比拟的作用，它不仅提升了人们的审美情趣，还让人感受到艺术的美感，燃起对生活的美好希望。

2. 声乐表演艺术审美的体现

2.1声乐表演艺术统一的客观性和主观创造性

艾伦 科普兰曾经说过：音乐必须具备真实的风格，并结合作品产生的一定历史背景和作曲家的风格范畴，在认真依照表达有作曲家创作真实意图的乐谱前提下，把握好音乐作品多个方面的要求，尽最大可能如实表现出作品本身的真实内涵。对于声乐作品的歌词，更要关注其所包含的情感，因为一幅完整的声乐作品是乐谱和歌词的和谐统一，乐谱和歌词之间所涵盖的内容和思想是互相渗透融合的，作曲家在领会歌词所表现情感的前提下，往歌词里添加上自己的思想感受进行曲子的创作，所以歌唱者要首先理解作词作曲家在作品中的情感思想，保证声乐表演艺术的客观性，确保作品感受本身的优先地位。其后再考虑赋予作品更多的表现活力，诸如李斯特，雨果 沃尔夫，舒伯特，舒曼，他们依托着歌德所作《竖琴师之歌》最本初的想法感受，结合《竖琴师之歌》创作出各不相同的乐谱，诠释了不同涵义的感情，如此保证了作品令人信服的真实性。此外，声乐艺术还讲究主观创造性的个性化表现，这是由表演者的不同表演个性和风格决定的，声乐表演者通过采用独特的手法进行表演的独特创造，展现出表演艺术本身的特殊魅力，从而使得观众在表演欣赏中获得独具个性的艺术审美享受。

2.2 声乐表演艺术统一的历史性和时代性

声乐表演带着极强的历史时代烙印，每个特定的历史时期都有其代表性的音乐产品。同时，声乐表演者在诠释历史作品时，应紧随时代的进步，在尊重声乐作品历史意义和个性的前提下，积极探索历史作品内在的审美情趣和精神内涵，对作品做出全新独特的演绎，赋予作品新的时代意义，同时结合自身的独特艺术审美情趣和内在情感凸显出音乐作品的历史风格，从而实现历史作品的历史性与时代性的有效融合。

2.3声乐表演艺术统一的演唱技巧性和表现性

在声乐表演艺术的演唱技巧上，外国著名女高音歌唱家卡拉斯通过使传统美声唱法和富于抒情花腔、戏剧的女高音完美融入到歌剧表演艺术中，实现听众艺术和审美上的双重享受;在声乐表演艺术的表现性上，意大利男高音歌唱家马提内利曾经为了表演好歌剧《犹太女》 中犹太人埃利埃卡的内心世界而亲自深入犹太人家中去体验感受他们的文化、、及日常生活这些深刻反映着犹太人思想和灵魂的事物，最终使内心真实的感受生动再现于音乐中，获得观众高度喝彩与称扬;在声乐表演艺术演唱技巧性和表现性的统一上，歌唱家卡拉斯除了在声乐表演艺术的演唱技巧上表现卓越外，她还擅长声乐表演的艺术表现性，带给听众的不仅是高超巧妙的表演技巧，而且还有丰富完美的情感内涵，令人感动不已。在我国的传统唱论中也特别讲究这样重视表演艺术技巧和表演艺术精神内涵的“声情并茂”美学标准，它完美实现了声乐表演艺术的最佳境界，使人们获得更高质量的音乐熏陶。

3. 声乐表演艺术审美的体现在声乐演唱中的重要地位和作用

3.1声乐演唱技巧的运用

声乐表演艺术审美在声乐歌唱技巧的运用方面有着不可忽略的作用，歌唱技巧作为声乐表演最基础的条件，它与歌唱者的音声吐字表现息息相关，歌唱的呼吸本身作为声乐表演艺术的一部分，只有包含情感色彩的技巧性呼吸才能使歌唱艺术展现出完整性和艺术美感，从而带给人美的享受。在歌唱音色和音响方面，歌唱者首先要控制好演唱的响度使观众听见听清，通过准确调节和平衡好语调，节奏，音区变化，以及情感表达等的轻重强弱规律，实现声乐艺术美的相得益彰之妙，从而使观众更真实可感地体会到作品的情感内涵，获得声乐艺术上的美享受。

3.2“声情并茂”声乐艺术美学标准的运用

声乐作品内在思想感情的完美诠释除了需要歌唱者具备优秀歌唱技巧和嗓音效果外，还需要歌唱者深刻剖析作品的内涵思想，调动起自己的情感体验，辅以一定的艺术加工理解，从而实现声乐作品艺术内涵和美感的展现，达到“余音绕梁，三日不绝”的声乐艺术效果。“声情并茂”作为声乐艺术的美学标准，歌唱者通过运用这一标准，忘我地投入于声乐表演中，充分发挥和利用自身的艺术想像力，不断丰富和酝酿内心的情感，从而实现表演从内而外的真实自然流露。真切动情的声乐作品离不开歌唱者的表演技术要素和艺术情感的和谐统一，声乐艺术表演的“歌中有情，情中带声”的沁人心脾艺术效果能使观众到达回味悠扬的境界，即所谓的声情并茂完美实现了字、声、情体系的有机结合，在一定层次上提升了歌唱技术和艺术的新高度。

4.结语

当前，声乐艺术美学在艺术表演多样化发展的今天对歌唱艺术的作用越来越突出，一个完整的声乐艺术活动是由创作―作品―表演―欣赏的系统过程组成的，艺术的情感表达在整个过程中显得最为重要，它创造了声乐表演的艺术美，实现了声乐演唱中艺术美的展现。声乐表演艺术审美的体现在声乐演唱中占有举足轻重的地位，它作为歌唱者内在审美意识的直接体现，丰富了作品本身的感染力，增添了作品表演的魅力。声乐表演艺术的审美为声乐演唱注入了艺术的灵魂和生命，提升了作品的格调和趣味，给观众带去美好音乐熏陶的同时也提高了观众的审美情操。

参考文献：

[1] 丁超. 初探声乐表演艺术与大众审美取向之融合[D]. 福建师范大学 2013：47-48

第9篇：艺术美的审美意义范文

新媒体艺术最早源于20世纪60年代的观念艺术。在20世纪60年代，随着信息革命的不断深入，个人电脑成为计算机的主要形式，国外艺术家掌握了便携式摄影录像设备的使用技术，便把这项技术运用到了艺术创作中，开启了新媒体艺术时代。新媒体艺术在中国的发展虽然只有20余年，却可以和石油、电力等实体经济相抗衡，足以看出它未来市场的空间和潜在实力。MOMA录像部主任芭芭拉・兰登认为：“录像艺术在中国的活跃，是在西方新媒体艺术的圆周闭合之后画出的一个新圆的起点。”

新媒体艺术与传统艺术的不同点在于，首先艺术表现的技术手段不同。新媒体艺术充分发挥了个体所有的感官细胞，完全突破了原有人们对艺术作品单一、被动的体验式欣赏方式，利用多媒体的技术手段，将眼睛看到的，耳朵听到的，嘴巴问到的，鼻子嗅到的全部纳入传播的艺术轨道上来，进而激发客体对艺术的精神感官、视觉感官、听觉感官、心灵感官。其次是交互过程中的接触范畴不同。传统的艺术方式基本与客体是相互隔阂的，主要依托于创造主体自身的艺术细胞进行发挥，凸显个人的天赋和魅力。而新媒体艺术的作品是实时与客体进行交流的，通过网站或其他传播工具都可以快速听到客体对主体的反馈和声音，进而促进新媒体艺术的不断改进和完善。在这两个层面上，《新媒体艺术》这本书已经给了我们最好的答案。该书第一章就对新媒体产生与发展的美学渊源进行了概述，并对其美学特征、表现形式、发展历程进行逐一汇总，最后得出重要结论即新媒体艺术是数字与信息技术发展的必然产物。

该著作还有其独有的学术价值和指导借鉴作用。正像书中所说，林迅先生在外考察期间，意识到新媒体科技对艺术的辅助与促进作用。艺术研究有必要引进各种新媒体技术，并借鉴发展“边缘科学”的新经验，编写了这本书。当下新媒体的艺术创作过程凸显出了复合性、交互性、开放性等特点。在传统的艺术表现中，个体的创造与传播，艺术的交流与回馈都是碎片化的、不连贯的，而新媒体艺术凭借其先进的技术手段，可以实现创作主体和创作客体之间的无缝拼接，这种多样化的互动模式、先进的体验感受，成就了新媒体艺术未来不可小觑的霸主地位。书中，林迅先生从新媒体艺术的审美与创作关系入手，对主客体双方进行分析，认为主客体的此种交流模式会使主体在审美活动中能够用一种“距离感”来看待艺术作品，并从中获得美的体验。

从新媒体艺术的审美经验来看，作为个体的审美意识，必然受到其自身的心理、生理、时间、环境等因素的制约和影响。这对于个体的创造无疑带来了不可避免的干预和妨碍。但是新媒体艺术是结合了传统的审美意识作为主体，通过技术的融合和生成，凭人们的直觉和想象创造出世界上完全不存在的事物。比如《阿凡达》中的外星生物、《长城》作品中饕餮的样子，完全是通过个体绘制原型加上新媒体技术的优化加工设计而成。可以毫不夸张地说，新媒体艺术已经完全突破了传统艺术的思维空间，可以完全按照自己的自由意志去虚构、营造出虚拟的现实。