电影发展的几个阶段精选(九篇)

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第1篇：电影发展的几个阶段范文

武侠动作电影的发展起于1928年，历经发展与变形，在中国影坛掀起一次又一次。武侠动作电影中的音乐，从最初的纯戏曲配乐到如今的多元音乐风格，从另一角度反映了中国武侠动作电影的演变发展过程。从电影音乐角度来看中国武侠动作电影的发展演变，大致可归为以下几个阶段：

一、“无声戏曲”中的“纯粹武打”

武侠动作电影的最初形态，应该是带有“武打元素”的戏曲电影。我国出现的第一部带有“武打”成分的电影是《定军山》，在这之后出现的一系列可称为“中国武侠动作电影”的影片也大多以京剧演出剧目为主要拍摄对象，当时正处于无声电影时期，银幕上的武打动作并无背景音乐的烘托，而这个时期的观众由于长时间受过戏曲艺术的熏陶，在潜意识中为影片的画面配上了相应的锣鼓点。

二、“现成乐曲”之下的“生搬硬套”

此后的?资?年中，动乱、战争等因素的影响让中国武侠动作电影的发展受到了严重的阻碍，制作资金的有限和对于电影音乐作用的无意识，让电影制作人开始选择已在民间流传甚广的乐曲充当电影配乐。“标签化”的音乐作品重复出现在某些固定的情节之上，使得这一时期的武侠动作电影稍显“生搬硬套”的僵硬感。比如当时在民间流传甚广的《四川将军令》、《十面埋伏》等常常被用来表现激烈的打斗场面；《闯将令》、《小刀会》则用来表现壮观的场景或大批量的人群。

三、“西洋音乐”中开启“武侠飞跃”

20世纪60年代，著名导演张彻提出“以动作片代替现行的阴盛阳衰的文艺片和歌唱片”线路，开启了“新派武侠影片”之路。这一时期的武侠电影配乐从之前的生搬硬套迭变为以电影情节为主的重新创造，武侠动作电影不再单纯以武打动作为主要卖点，而更多地以音乐配合故事的讲述和发展，真正起到背景音乐应有的作用。在张彻的带领下，武侠影片开始形成以西洋音乐为配乐的潮流，走进了一个音乐服务情节、配乐参与叙事的新阶段。

四、“中西结合”造就的“武侠新生”

20世纪50年代，磁性录音技术开始应用于电影中，给电影音乐提供了全新的道路。很多受过系统专业训练的作曲家加入电影音乐创作中，逐步将西洋音乐与中国传统民族音乐相融合，比如在电影《京都球侠》中，首次使用了交响化的戏曲音乐。自此之后，中西融合之后的电影音乐推动着一个又一个经典武侠动作电影走进人们的视线之中，徐克导演的代表作《黄飞鸿》中根据古曲《将军令》改编的《男儿当自强》、影片《东方不败》中的三弦与电子迷幻音乐的配合……

武侠电影发展到这一阶段，电影音乐无论何种形式已大多数使用配合情节精雕细琢的原创音乐，电影音乐在武侠电影中的位置越来越重要的同时也可以看出武侠电影在理念上的发展与变化，即摆脱原有单薄的动作展示，转而着力于通过更风俗的元素呈现一个浪漫奇幻的江湖世界。

五、“多元音乐”之下的“奇幻江湖”

随着中国武侠影片的第五次创作的出现，电影音乐也呈现出新的时代风格。21世纪初期，武侠电影开始真正扩展到国际范围。这一时期涌现出了一批职业作曲者，如谭盾、赵季平等，他们也成为了当前中国电影音乐创作群体的主流。

第2篇：电影发展的几个阶段范文

目前，在我国的影视制作行业中对于前期制片的重视相对薄弱，制片观念偏于狭隘，甚至很多影视作品制作流程缺少前期制片这一环节。在很多影视制作中，“前期制片”的概念职责仅限于“制片主任”这一角色，也就是对于财务主管以及后勤管家这一范围。而对照美国好莱坞的电影生产，一位美国著名电影制片人在谈及中美制片的不同时曾说过：“好莱坞电影工业与中国电影工业的差别在于，中国只重视制作（PRODUCTION）这一阶段，但制作前的筹备（PRE PRODUCTION）这个阶段通常很短，差不多只有一年甚至几个月，但在好莱坞平均将近七年，斯皮尔伯格的《辛德勒名单》从拿到剧本到最后开拍一共是整整10年。”产生这种制片模式的原因很多，但随着中国电影的不断发展，特别是越来越多的跨国度、跨领域合作模式，新的电影模式的不断涌现使得更多的电影从业者开始重视影片的前期制片，特别是目前风头正盛的微电影形式已经成为百 年电影史上的新拐点，越来越受到 观众的关注和喜欢，呈现一片欣欣向荣之势，因此有必要重新审视和研究前期制片流程。

一、从“商业微电影”到“商业定制微电影”

在WEB3.0信息技术的推动下，我们来不及思考就被抛向了“融媒时代”，各大行业商家在视频领域的广告投放竞争异常激烈。一方面，高昂的广告费导致了巨大的运营成本，另一方面，网络视频广告同质化竞争严重，很多商家只是一味要求增加品牌LOGO的出镜次数，这种强迫性的灌输广告对于商家自身产品的宣传起不到很好的效果，甚至会触发观众的抵触心理，起到反作用。品牌商家需要寻找差异化、个性化、特色化的视频广告路线，提升品牌影响力和认同感。随着新媒体时代的到来，越来越多的品牌商家把营销重点从品牌秀、产品目录升华到情绪体验跟精神认同上，“微电影广告”、“商业微电影”、“微电影营销”等概念应运而生。2011年堪称微电影元年，这一年微电影得到了井喷式发展。从Chanel的《巴黎-上海狂想曲》、 宝马的《微旅行》，再到科鲁兹的“老男孩系列”、凯迪拉克的《一触即发》，甚至到近期腾讯推出的《弹指间》，我们都不难发现，要发挥新媒体的“蔓延”效应，让这些活在新媒体上的顾客用交互网站、微博、电邮等方式帮助品牌传播，扩大品牌影响力，提升品牌形象，为品牌量身定做一部能够代表其品牌精神，传达品牌背后的文化内涵的微电影是最行之有效的一个选择，由此也就引出了“商业定制微电影”这一概念。而传统意义上的电影前期制片流程的弱化性已经无法满足商业定制微电影的策划制作要求，在考虑影像传播和影响力的同时，需要去挖掘品牌背后的人文价值和精神闪光点，前期的创作目标定位更加的精准化，比如从“草根”代表跟“精英阶层”的碰撞与不同偏好出发，利用自媒体广泛传播的模式，从整体和战略角度出发进行市场定位，能够更充分阐释其品牌的价值意义，而且在今后的相关推广运营中享有更多的主动权和话语权。如何通过有效的介入规制性管理前期制片流程使得商业定制微电影的制作更有针对性，强调品质化，从而提高品牌的忠诚度和品牌形象。

二、关于商业定制微电影前期制作模式的思考

目前，商业微电影的制作模式是以定制和系列为主导。电影制作环节是整个电影流程的核心环节，这一环节主要包括剧本的创作、演员的筛选、导演的控制和制作团队的后期制作。在内容为王的数字化时代，电影制作是最为重要的，尤其是电影公司失去院线的控制权之后，只有生产出更好的电影作品才能更多地吸引观众的眼球。虽然微电影比之正常的电影长度缩短，但是制作要求和流程是不变的，特别是商业定制微电影因为背后代表的强有力的品牌推动性使得对于整个片子的制作有更为严苛的要求，商业定制微电影如何建立自己的独特运作模式和制作模式对于它的成功有很大的影响。目前在我国，商业定制微电影主要分为两种，一种是有完整的故事情节、以宣传某一产品为主要目的的商业定制微电影，另一种是概念化的，以宣传品牌形象为主要目的的商业定制微电影。在制作过程中，软性的情感共鸣要比单纯的LOGO广告植入更能让用户记忆深刻，寻找一个打动人的故事能在这样一个社会化媒体中持久的存活于观众心中，从而增强品牌印象、提升品牌形象，这才是最重要的品牌价值的有效传达。

前期制片阶段需要从剧本、拍摄成本、电影类型、目标观众群、市场营销等方面对于整个片子进行评估，对于商业定制微电影来说，拥有一个好的策划书是最为重要的，“商业定制”——最重要的就是了解品牌背后的经营核心价值理念，深入挖掘品牌意义和文化闪光点，在讲好一个故事吸引观众的同时，还要建立品牌情感，这需要前期制片阶段进行大量的市场比对分析和调研工作， 在品牌宣传和电影艺术表现力上找到一个契合点，达到完美的平衡。再者，对于导演和整个拍摄团队的实力（包括导、摄、美、录、服、化、道等部门）考量也是极为重要的，前期制片需要将拍摄精确到天数的每一场，提高拍摄效率，还要协调整个团队的运作，考虑后期制作的要求，这样才能确保拍摄质量和进度。此外，数字化信息技术时代的飞速发展，要求前期制片阶段的工作要尽可能的考虑到制作技术的数字化变革，美国好莱坞调查发现，大数据入侵了好莱坞，有很多社交软件可以通过大数据修改剧本，决定演员、导演等等，因此，前期制片阶段的介入和思路要围绕数字时代的观影变化相应作出调整和对策，多描写现实的、普通的、平民的题材和生活，播出时间的限制以短镜头、多切换角度为主，注意节奏的把握和电影语言的叙事等等制作模式的转变，还有从传播链上的改变，微电影已经形成了整个传播链条以视频网站为中心，过去电影是以院线、电视等等大的传统大媒体为中心，而且以视频网站为中心来建立，它有一个很好的传播媒介的通道，包括整合娱乐媒体资源为载体，它已经形成了从编剧到导演、到传播、到娱乐营销的链条一体化。以商业定制微电影的“定制”为核心，将不同资源的优势配置实现整个产业的价值最大化，新媒介下的商业定制微电影的制作模式也为电影产业的发展提供了一个全新的思维方式和研究视角，它的内容上的广“众”传播，也给微电影的制作模式提供了全新的分析视角。

三、关于商业定制微电影前期营销思路的拓展

企业品牌应该在商业定制微电影的前期策划案准备和前期制片阶段就确定产品的营销思路和产品推广方向，确定商业定制微电影的营销传播重点并不在于产品，而在于打造品牌和受众体验。商业定制微电影在前期制片和策划阶段要根据目标受众群的生活习惯、消费爱好等方面进行调研分析，年轻观众占微电影受众群很大一部分，他们对于新兴事物和新媒体具有高度敏感度，对新生网络事物具有强烈观注度，因此，在商业定制微电影的前期制片阶段务必考虑到整个商业品牌的营销推广模式的变化，引入互动、介入、参与、沉浸式概念，改变传统观影模式的被动地位，将观众（也就是目标客户群）变为主角，改变传统电影营销中点对面的单向宣传模式，采用双向式交互式的传播模式，用户可以自由点播、定制剧情，对于微电影具有很强的操控度和影响力，主要制胜点在于量身定做的故事吸引受众，唤醒观众某种未被触及的情愫，产生关联性，引起观众精神上的认同感和愉悦感，并考虑受众日常生活中碎片化观赏时间的应用，帮助品牌建立与观众的情感纽带，令后者产生对品牌价值的强烈认同感。

前期策划出好看的故事、考究的视听语言唯一目的是把产品功能、品牌理念巧妙地渗透进去，达到润物细无声的效果。全民都在做微电影，拍个视频就可以上传网络的时代，观众已经审美疲劳，有的商业品牌喜欢利用恶搞、制造娱乐噱头等引起观影注意，但是这种形式是无法承载着商业诉求，大品牌的微电影营销比较忌讳闹剧，或是出现容易被恶搞的元素，这对于品牌形象有很大的负面影响，造成无法挽回的局面。但也并不意味着商业微电影必须远离娱乐、严肃、高高在上，商业微电影也是微电影的一种，但需要智慧的设计、有底限的幽默和标志鲜明的品牌精神。好的品牌需要打造品牌精神，宣扬品牌理念，依靠品牌的内在精神打动观众，而不是一味的灌输强加，改变传统的硬性品牌植入模式，要有效的影响受众的情绪情感，帮助建立品牌与观众之间的情感纽带，提升品牌的知名度与忠诚度。在方式上需要在营销过程中摒弃粗暴的大规模公关广告投放，避免产生抵触心理，通过互动剧情实现引爆扩散。把观众从被动观看转到主动参与决定剧情走势、多次观看，挖掘隐藏剧情，拉长品牌与受众相处的时间，实行情感营销和内容营销相结合，让观众掌握主动权，去不断从中探索，进而互相传播、分享，形成良性传播链，发自内心的对品牌产生认同感，这也改变了传统电影的营销过程和营销模式。 尽管现在很多商家觉得网络营销应该是一种零成本推广营销模式，但想要达到良好的效果，整合传播是必不可少的，从PC到移动终端的全覆盖，配合线上线下互动联合、促销活动来变现微电影的商业价值。以桔子水晶酒店为例，他们的商业定制微电影“十二星座”的推出十分成功，艾瑞网是这么报道这次营销的， “一部微电影火了一个酒店”，整个营销到现在为止，视频的播放量已经破亿，口碑营销的效果在不断扩大。伴随着与新浪微博病毒营销的配合，微电影为桔子酒店带来了入住率100% 的增长。可见，一个成功的商业定制微电影对于一个品牌一个商家的影响力。

第3篇：电影发展的几个阶段范文

    别的问题就不重复了，我只强调一下数字电影或者叫做电视电影的概念，因为今天来的绝大部分是各个制片公司、制片厂的负责人、制片人，需要从宏观上掌握这个概念。现在一会儿用数字电影这个概念，一会儿用电视电影这个概念，这不是我们在概念上的混乱，而是针对不同的范围而言。叫电视电影是针对市场的，就是说这个片子拍完之后主要是在电视上播映，我们就把它叫做电视电影，而不管你的物理介质是什么，是胶片拍的，还是数字拍的。

    你的目标市场是哪儿？在这个意义上讲影院电影、网络电影、手机电影等等关键是市场是什么，这个时候把它叫做电视电影，它就不是一个片种概念，而是一个市场概念。

    现在有的人觉得数字电影是一种影片，电视电影是一种影片，不是这个概念。如果讲片种那就是故事片、纪录片、科教片等等，电视电影就属于故事片。至于是用胶片拍还是用数字技术拍，在电视上播放时，它的市场是一样的。所以，当我们从技术上讲的时候，电视电影其实就是数字电影，但是当我们专门针对电影频道出品、拍摄的这些故事片的时候，我们又经常把它们叫做电视电影，以区别于全国其他电影摄制单位拍摄的那些数字电影。在这儿把这个概念再给大家明确一下。

    到现在为止，cctv-6组织拍摄和播出过的电视电影已经是900部了，到今年年底将达到1000部，这是一个具有标志性的数字，说明我们在数量的积累和质量的提高上都已经实现了阶段性成果，应该跨入一个更高的阶段。在这个时候，我们更感到对电视电影的艺术规律、创作规律，包括技术制作等等方面都应该进行更深入的总结。所以，在明年工作会议的时候，也就是电视电影达到1000部这样一个具有纪念意义的时刻，我们将对九年来在电视电影创作生产方面做出过突出贡献的制片单位、做出过突出贡献的制片人、做出过突出贡献的编剧、导演以及责任编辑和媒体工作者给予表彰和奖励。希望所有与会同志和没有到会的同志进一步努力，争取得到这样的表彰和奖励。

    另外，从数字电影技术的发展来看，现在我们大概可以说这样的话了，就是数字电影技术已经达到胶片的水准。不久前我到日本去了一趟，专门参观了索尼公司的先进产品展示。其中他们的数字摄影机已经达到电影胶片摄影机的水准，它的说明书上是这么写的。我跟索尼公司的总裁见面的时候，我又问他，现在你们这套摄影机跟胶片究竟还有多大的差别？他的回答是“没有差别”，我以为我听的不准确，我说你再重复一遍，他说没有差别。我们都是搞数字电影的，一定要看到数字技术突飞猛进的发展。数字电影确确实实已经让我们感到了它的日新月异，它的发展是超乎我们想象的。我们2003年第一次召开高清电影研讨会的时候还在那儿预计是不是15年以后数字技术将会取代胶片，看来没有那么久。所以，我们要进一步提高对数字电影技术特性和艺术特性的认识，从必然王国逐渐走向自由王国，尽快把我们的整体水平提升上去。

第4篇：电影发展的几个阶段范文

关键词：影视后期技术 应用专业 实训 四个阶段

目前，我国影视后期行业对既掌握影视后期相关理论知识又熟练掌握相关软件操作的中职毕业生的需求越来越大，由于影视后期技术发展日新月异，教学内容与计算机操作水平总是偏于滞后。职业学校学生的知识结构、反应能力、创新意识和创新能力、创业能力等方面存在很大的差异。随着教育改革的深入开展，传统教育面临着巨大的挑战，教学方法的改革已势在必行。中等职业技术教育必须适应新经济的发展，随时拓宽、更新知识；同时，必须培养学生具备很强的适应能力，能够迅速地迁移所学的知识于新的环境，能够迅速地更新知识以适应相应的行业或职业要求。但是，实际上教学经费投入的不足限制了实习、实训及应用软件的投入与更新，为了满足社会对影视后期技术应用型人才的需求，更为满足学生的需要，我校对现有的影视后期教学进行了相应的调整。

我校计算机影视后期专业学制为三年，课程也是针对本专业由浅入深地进行布置，把理论教学和计算机实训教学有机地结合在一起，在理论学习期间，特开设了计算机基础课程、OFFICE7办公软件课程、PS图像处理课程、FLASH动画制作课程、PREMIERE影视后期处理课程、AVID影视后期技能大赛参赛训练等十几门专业课和专业基础课，使学生学习起来循序渐进，使他们的知识结构更趋于合理，为实训作了很好的铺垫，夯实了基础。

目前在影视后期实习教学中存在这样的问题：无视学生差异的存在，希望按照统一程序和标准制造统一的“标准体”。这是难以适应学生掌握影视后期技能的实际情况的，会限制或阻碍学生的发展。

学生在理论知识的学习上存在着“差异”是众所周知的，而学生在技能的掌握方面所存在的“差异”，很多学者专家都进行过认真的研究，其各方面的因素也是众所周知的。那么如何在教育教学的实践中克服这些因素的影响，充分挖掘每一位学生的学习潜能，在技能领域中充分发挥每一位学生的特长，从而使每一位学生取得最佳的学习效果呢？如何做好实训教学呢？

为了更好地向企业输送合格的影视后期人才，笔者尝试把影视后期实训分为四个阶段，以巩固和深化理论知识，提高和完善操作技能。

第一阶段：AVID案例训练。

这一阶段是学习影视后期不能逾越的过程。通过前面部分的基础课学习，学生已经学习了影视后期重要软件AVID的相关基础部分，在影视后期实训的第一阶段通过AVID的专项实例训练，重点让学生掌握软件的采集、输出流程、软件的特效和字幕制作。学生根据难度划分的“基础篇”、“提高篇”、“综合篇”的内容进行相关的练习，在这一过程中深刻理解AVID软件的相关重点内容。在实例讲解上，每个实例都包含“知识点介绍”、“实例分解”、“最终效果展示”，细致介绍每一个操作及知识要点，关键知识点还设置有“小技巧”，对知识点进行重点讲解辅导，让学生知道只有完成这一阶段的实训任务，将来才有可能自己制作精彩的短片。

第二阶段：仿真实训。

第一阶段的实训后，对学生进行技能测试。操作达到要求的学生上机进行AVID综合练习的考试，参与电影短片的后期制作。这样做同时也能促进那些未选中的学生努力练习，激发他们的学习兴趣和竞争意识。

首先，让学生熟悉需要剪辑的后期电影素材，明确每个短片的内容及需要进行剪辑的顺序要求，然后详细讲解短片制作的系统方法，最后让学生根据案例短片的讲解方法，使用所给素材进行电影短片的后期制作。完成制作后，通过作品展示讲评会，让大家一起欣赏同学们自己制作的电影短片作品，并通过讲评及同学们的心得交流，共同提高电影短片的制作水平。

第三阶段：实训拓展。

在第二阶段实训合格的学生进入第三阶段的电影短片创作阶段。

通过案例讲解电影短片创作的具体流程，包括：编写电影短片脚本、台词脚本，拍摄电影短片，对所有拍摄的电影短片素材进行筛选以及电影短片的后期制作。通过实际案例操作进行演示教学，在具体教学中解决学生不理解的相关环节。

在这一阶段中，把实训合格的学生分成几个小组，根据所给的实训拓展题目――“毕业短片创作”、“纪念回忆录”、“文明春风吹遍校园”、“雷锋就在你身边”、“焊花舞青春”等，进行电影短片的创作。小组成员根据创作要求，分工协作，按照编写电影短片、台词脚本、拍摄相关电影短片素材、进行电影短片的制作的步骤进行电影创作。在此过程中通过实际指导协助各组成员解决制作过程中遇到的各种问题。本阶段的实训拓展练习遵循由易到难、由简单到复杂、由单项到综合这一过程，重视在实践教学中培养学生的实践能力和创新能力。

把学生完成创作的电影短片作品按小组进行互评。学生都有好胜心理，会对对方的作品一丝不苟地检查，不放过任何一个细节。最后教师根据实际情况给出综合性的评价，或者让学生保存自己满意的作品，激发学生的兴趣。学生的学习效果非常明显。

如此，学生能全面了解电影制作的全过程，深刻理解电影脚本、电影拍摄过程、电影后期制作的原则，能够对电影短片制作过程中出现的常见问题予以解决，对于将来从事影视后期工作有很大帮助，不仅上手快，而且操作规范，使学生在以后的工作中具备很强的解决问题的能力。

第四阶段：总结提高。

老师和学生共同探讨实训经验及实践教学中遇到的问题。由于实训内容较多，步骤实施复杂，学生在短时间内既要掌握影视后期的制作步骤，又要对电影短片的制作过程进行合理的安排和准确实施，现场讲解又具有很大的局限性，故将电影短片的制作过程制成课件，能方便学生掌握和复习。多年来的实践证明这是行之有效的方法，可以优化实训的效果。

影视后期实训教学过程：编写电影短片台词脚本――摄电影短片――电影短片的后期制作。这几步走的教学方案能最大限度地发挥教学资源的使用性和实用性，提高学习的互动性和趣味性，如果能结合工作实际案例，其教学效果将更显著。

刚开始学习影视后期，指导老师可以展示一些精彩的影视后期案例，如公司的精彩短片案例、历届同学的精彩短片等，让他们体会到影视后期的趣味性；也可以带同学们去参观一些公司，让他们看到影视后期制作的高质量和高效率，体会现代大生产的魅力，从而激发他们学习兴趣，调动自主学习的积极性。在实习教学中，教师既要做老师也要做公司中的师傅，进行授课时要亲身示教。要考虑以新颖新奇的知识牵动学生的“好奇心”，调动学生的积极性，培养接受新知识的能力。

总之，理论与实际要紧密结合，突出技能培养，用多样化的教学手段来激发学生的学习兴趣，提高教学效果，争取让学生变被动学习为主动学习，达到良好的教学效果。

参考文献

[1]何文生 等 计算机技能大赛实战丛书[J].电子工业出版社，2011，1。

第5篇：电影发展的几个阶段范文

【关键词】新世纪；大陆青春；校园电影

“青春”这个词在大陆电影行业之中被反复提及是在进入新世纪以后，这也与当前的生活中有关‘校园’话题的热度居高不下有很大的关系。其实对比台湾、日本以及美国的青春校园电影我们就可以发现，中国大陆的青春校园电影有着独特的叙事特征以及叙事语境。综合相关的文献，当前对新世纪以来大陆青春校园电影的研究仅仅停留在个人感性表达的阶段，尚未开始理性的研究，所以说对这部分内容进行更深层次的挖掘有着非常重要的意义。

一、大陆青春校园电影火爆的原因探析

（一）题材的怀旧性

“青春”是一人一生中非常重要的主体，它不会随着时间的流逝而消磨，只会随着岁月的积累而沉淀。‘校园’其实更是我们每个人心中青春的胜地，在每个人心中都有一份关于校园的，独一无二的回忆。而大陆青春校园电影的选材正是围绕着校园以及与青春有关的回忆展开的，这正好迎合了人们内心对于这份记忆的追忆。现在还在学校的人，可以通过青春校园电影来体验以下那份别样的美好，而已经离开学校的人，这种类型的电影就更是为他们提供了一个追忆过去的渠道。

不管是《同桌的你》还是《匆匆那年》，亦或者是《致青春》，这类电影作品中的怀旧风格都十分鲜明。它们或者追忆曾经美好的爱情，或是缅怀逝去的岁月。这样的设计在观众中间产生了非常强烈的共鸣，所以说这类电影也因为怀旧而取胜，取得了非常良好的票房成绩，从而为中国电影市场创造了一个崭新的片种。站在观众的角度来说，题材的怀旧其实在帮助他们追忆过去的同时，也让他们暂时忘却了现实的压力，回归到了最真实的自己。

（二）话题性十足，市场受众广

曾几何时，电影市场一直是一些大制作、高成本的商业片的天下，但是近年来在其中脱颖而出的小成本电影中，就有青春校园电影的身影。究其原因是因为这种类型的电影定位的是当前国内电影市场消费的主力军――年轻化的观众。不管是对于学生还是对于刚刚离开学校的人来说，青春校园电影都具备足够的话题性。其实从另一方面来说，青春校园电影如此火爆与当前青少年文化的发展有很大的关系，当前青少年文化已经逐渐发展为社会的主流文化，在加上制作成本低而且周期短，所以说越来越多的电影创作者都加入到了该类型电影的创作之中。该类型的电影在上映之前会制定出全方位的宣传方案，而且宣传的方式都是从当下新兴的自媒体平台中展开的，很好的迎合了青年观众的信息获取渠道。这同样也是这种类型的电影能够获得巨大成功的原因。

二、当前大陆青春校园电影的局限性

当前大陆青春校园电影的局限性主要表现在叙事方面的重复性与保守性之上，其实电影市场的大环境已经影响到了校园青春电影的叙事，因为在成本投入方面与商业片相比没有优势，所以说青春校园电影就只能够在情节上一味的迎合观众的需求。但是这种‘迎合’却使得青春校园电影失去了自身的特色，在讲述那种模块化爱情故事的同时却不敢直面学生成长过程中的心理问题。具体来说，从以下几个方面都能够体现其叙事的重复性：角色类型设定的模式化，女主角要么是疯疯癫癫的女汉子，要么是知书达理的邻家女孩。男主角要么是高冷孤傲的学霸，要么是玩世不恭却又有背景的学渣。而且在所有的电影中男女主角都有一群一呼百应的兄弟与闺蜜。当前几乎所有的这一类型的电影都逃不开这种套路。叙事环境的表象化，这是指的虽然电影的情节是在校园中推进的，但是却没有触及到校园的内涵，仅仅只是将其当做简单的背景来对待。过度的渲染那种青春的‘校园恋’，很容易会失去这类电影的内核。其次在《致青春》取得巨大的成功之后，现有的创作者都不敢进行创新，来突破这种已经固化的创作模式，生怕观众不买账。这就是该类型电影叙事方面保守性的最主要原因。

三、大陆青春校园电影未来的发展

首先在叙事方面，未来大陆青春校园电影一定要打破现有的叙事模式，来拓展影片更深层次的价值。要做到这一点，在影片创造阶段电影的导演就需要改变借鉴已经成功的影片的做法，去拓展素材的渠道，保证创作的丰富性。当前有很多网络小说作家，如果稍加培养，其实完全能够胜任这一工作。其次青春校园电影要处理好商业与艺术的关系，不能因为过度的追求商业价值而放弃了影片本身的内涵，也不能够完全无视商业的需求来追求‘纯粹的电影艺术’。正所谓，‘艺术源于生活，高于生活。’只有将两者很好的结合，创作出来的影片还能够焕发出魅力。要发挥出青春校园电影的优势，来直面青年成长过程中的内心世界。最后要说的就是，中国的电影行业有着非常严格的审核制度，但是这已经影响到了青春校园电影的创作。因此有关人士可以尝试开放这方面的政策，在道德以及法律的允许之内放宽电影的审核制度，为大陆青春校园电影的创作营造一个更宽松的空间，让相关的作者去创作一些贴近学生成长的故事。这类电影作品的内涵如果提高了，也能够起到一定的舆论导向的作用。

四、总结

新世纪以来，大陆青春校园电影在国内的电影行业之中大放异彩。其发展的过程中浓缩了中国社会的很多变化，一个个成长的故事吸引着他们不断的走进电影院去回顾自己的青春。其实该类型的电影除了追忆往昔之外，还程度着传递社会主流价值观以及引导青年思想的作用。当前该类型的电影虽然处在高速发展的阶段，但是也存在很多问题。上文根据笔者的经验对此进行了总结，希望该类型电影以后的创作能够真正关注青少年的成长。

参考文献：

第6篇：电影发展的几个阶段范文

姜：对，我最早从事广告行业，2005年底和几个朋友一起做了个动画公司，2010年创立星乐影业。创立的初衷也是因为有很多动画行业的朋友需要有人能为他们的电影从融资、营销、发行等方面去解决一些问题，所以我对动画还是有着特殊感情的。

我记得2009年年底的时候，我们就参加过一个关于动画电影营销的论坛，在2010年上映动画电影的出品方大部分都参加了。当时中国电影市场能过3000万的动画电影屈指可数，不过随着《功夫熊猫》、《冰川时代3》等影片取得过亿票房的成绩，大家也都看到了动画电影市场的前景。星乐成立之初，主要还是为一些大片做营销以及参与部分发行工作，我们自己的定位还是以宣发为主，并参与影片的前期策划和投资，同时也针对电影市场到一线做一些市场调研工作。

记：您曾说动画电影需要更“诚恳”，这“诚恳”是指哪些方面？

姜：这种诚恳，不仅指影片本身，还包括各个环节的合作。从《兔侠》这个项目来说，我觉得还是一个比较诚恳的作品，我们和《兔侠》的片方合作得是非常愉快的，大家一步一步相互信任，共同推进，争取更好的成绩。同时我们应更多地从策划、立项开始，把剧本、角色设计提到最重要的位置，把影片打造成一部观众喜爱的影片。由于国家近几年大力扶持动画行业，但政策扶持主要以动画电视剧为主，现在电影市场升温，结果很多原先做电视剧的公司进入动画电影行业，这其中的风险是非常大的。这些公司对电影及市场了解并不深，就立项制作，导致现在很多项目都无法上院线，电影这个行业要比电视残酷得多，一切都以市场来说话。我这里经常能拿到一些片子，不是说不想做，而是如果推出去对双方的品牌发展都不是什么好事。作为动画电影项目，如果在策划初期就能跟电影圈的人多进行交流，其实是能帮助他们把片子从题材、到卖点、再到受众定位等方面做得更好。如果一个动画项目在策划阶段就把后面宣传、发行的事情都考虑好，那么它成功的希望就会更大。

记：从您的角度看，动画电影的档期应当如何选择？或者说应该考虑哪些因素？

姜：档期的选择的确是非常重要的。我们应从题材、对票房的理性预期、同期上映的影片情况来综合考虑，多听发行方的建议，留出足够的时间去做发行及相关推广工作。电影有很多种题材，例如近期上映的《全球热恋》首周只有3000万左右的票房，如果选择情人节档，可能完全不同的结果。另外一点是一部影片对票房的预期，你到底想赚多少钱？3000万和1个亿的票房，对市场容量的要求是完全不一样的，这时需要对同档期竞争对手进行考量。

记：您对目前国产动画电影的市场总体情况怎么看？

姜：从市场空间来看，中国电影票房的空间完全有比美国更大的潜力，就像汽车、通讯等行业一样，总有一天会成为全球最大的市场。如果我们面对的是这样一个市场，那我们未来应该制作的是什么样级别的影片？

但是，目前中国动画市场现在处于一个无品牌和无序竞争的阶段，在这个阶段如果我们不注重产品本身的话，你是无法建立品牌的。在这样一个阶段，作为出品公司、发行公司和营销公司，都必须抓住一切机会去建立自己的品牌，这对于动画电影相关的人来说其实是一个机会。就《兔侠传奇》来说，它的第一部可能卖得不是特别好，但是在看过影片的大部分观众中，树立起了良好的口碑，第二部现在也已经开始了前期筹备，如果在剧本结构和人物上能够再提升一下，这个品牌还是非常值得做下去的。

记：动画电影的宣传营销和普通电影有什么区别？

姜：其实我们就应该把动画电影当成普通电影一样来营销。就《兔侠传奇》来说，首先它是一个电影，我们给它的定位还是全年龄段，它不光针对低幼市场，所以我们70%的资金和精力都是放在电影受众关注的媒体上，我们要让影院经理和普通观众知道这个片子。我们会做好阵地宣传，投入了大量的户外广告等许多都让大家知道这部影片的地方，其他低成本的营销手段也是很重要的。当然在宣传上，我们也是有遗憾的，很多细节没有做到位。由于时间原因很多地方没有渗透下去，所以北京的排片量比地方就差一些。

记：我们知道《魁拔》的宣发是“赶”，您刚才也说《兔侠传奇》的宣发也是“赶”，为什么“赶”成为国产动画电影宣发的一种“必然”现象呢？

姜：这就要回到我前面提到的一点，片方应该多听发行方的建议，留出足够时间给宣发环节；后期的宣发环节尽量能渗透到前期的项目研发环节中去。我觉得中国动画的制片环节基本没有什么问题，市场也没有什么问题，宣发环节现在也有公司具备足够的实力了，还需要大家增强交流与合作。

记：一般要留出多少时间才足够呢？

姜：在发行许可证下来以后，至少还要留出1个月的时间做上映前的宣传。当然，从制作完成开始算，你还得留出1个月的审片时间。所以一般要在暑期档上映的影片，尽量要在4、5月份就能完片。不然的话，很多发行推广的工作都没法做到位。

记：您怎么看待市场对国产动画电影口碑较差的现状？

第7篇：电影发展的几个阶段范文

电影艺术传入中国之初是无声的，伴随着电影艺术本身的发展，美国好莱坞创作出了大量音乐歌舞片，随之中国电影也出现了大量的外国歌舞元素。可以看作是中国电影音乐的开端。总体来说，20世纪30年代之前的电影音乐发展，可以归结为洋为中用、逐渐认知和初步使用三个阶段。

（一）洋为中用阶段

有声电影的初期，歌舞片成为好莱坞的新宠，一些经典的歌舞片段开始出现在电影中，并随之传入中国。但是因为当时中国电影水平发展有限，对影片的歌舞元素没有正确的认知，所以对其产生了误解。当时中国电影多直接使用外国现成的音乐，其本身和电影没有什么直接的关系，令人啼笑皆非的是，画面上明明展现的是中国农民的困苦生活，而耳边传来的却是美国的爵士乐。胡乱放进去的音乐不但没有起到积极的作用，反而让电影多了一个令人嘲讽的元素。这显然是由于对电影音乐的功能和性质认知不清的表现。

（二）初步认知阶段

在经过了一段盲目使用之后，中国电影人逐渐冷静下来，开始对电影音乐进行全新的审视。并逐渐形成了两个正确的观点。一个是电影音乐一定要和电影本身相契合，而不是随意添加使用，这种随意性反而会给电影本身起到一种破坏作用。一个是鉴于中国当时现实的客观环境，在器乐创作和演奏条件有限的情况下，歌唱是当时中国电影音乐的最佳形式。树立了这两种理念之后，就开始在实践中予以运用。、安娥、任光、聂耳等词曲作家，纷纷加入到电影歌曲创作的队伍中来，他们已经具有声音和画面相结合的意识，努力让自己的歌曲创作和电影内容紧密地结合在一起。尽管在后来的发展中，受到当时时代环境的限制，还是在一定程度上对歌曲进行了突出，但是可以肯定的是这一时期电影音乐创作的理念的初步树立还是正确的，且有了成功的尝试。

（三）初步使用的阶段

在《渔光曲》《桃李劫》等影片歌曲获得了良好评价之后，中国电影人也认识到了两个问题。一个是电影音乐创作的必要性，一个是单纯采用歌曲的形式太过单一。于是聂耳等作曲家开始呼吁真正的电影音乐创作。第一步是将西洋音乐向民族音乐逐渐转变，以使音乐能够和电影更好地结合。如影片《大路》中，就选用了中国民歌中的号子作为配乐。《天伦》中，作曲家任光采用了中国民族乐器中的月琴、琵琶等，将音乐的走向和剧情发展紧密结合在一起，都受到了观众的肯定和好评。第二步是创作全新的电影音乐。电影音乐的选配应该适合于剧情的发展需要，这是音乐选用的第一原则。1935年，在影片《都市风光》拍摄中，集中了赵元任、黄自、贺绿汀等多位优秀的作曲家，创作出的《西洋镜歌》《都市风光幻想曲》等，都是经过了通盘考虑和精心编配的，真正做到了和影片的完美结合。既有歌曲，也有器乐；既有民族歌曲，又有西洋音乐，类型十分丰富，被视为初步掌握电影音乐创作规律的代表作品。

代表作品《马路天使》的电影音乐特征分析

作为20世纪30年代中国电影发展的压轴之作，《马路天使》被誉为描写当时中国现实生活的伟大杰作，是反映中国早期社会的集大成者，被视为20世纪30年代中国电影发展的最高峰。导演是袁牧之，担任影片音乐创作的则是贺绿汀，两位都是中国近代艺术史上的代表性人物。这部电影的音乐创作，集中代表和体现了当时中国电影音乐的特征和发展，主要表现在以下两个方面。

（一）电影导演和音乐创作者的声音意识

导演袁牧之作为一名资深的电影导演，一直对电影音乐有着较为深刻的认识。早在《桃李劫》中，他就首创了将音响融入影片中去，并逐步开始把声音作为一个独立的系统来看待。《都市风光》中，他的声音意识进一步增强，在拍摄之初就决定采用专门的电影音乐创作，使得该片在当时成为电影音乐创作的典范之作。他曾经表示，包含自己在内的多数早期中国电影人，都曾经对电影音乐有过盲目和幼稚的认识，但是经过不断的探索之后，逐渐认识到了电影音乐对影片本身的巨大意义。通过《桃李劫》和《都市风光》两部作品，到了《马路天使》的时候，袁牧之无论是在观念上还是技术上，都有了较为正确和系统的思考，影片中声乐和器乐运用得都十分成熟。

作为音乐创作者的贺绿汀，曾经凭借一部《牧童短笛》而著名。作为电影音乐创作者，也先后创作了《乡愁曲》《都市风光幻想曲》等，到《马路天使》的创作之前，已经有了十多部电影音乐的创作经验。而且贺绿汀的创作观念是较为开放和超前的。面对当时针对电影音乐中采用西洋音乐的质疑，贺绿汀认为，无论是西洋音乐还是中国民族音乐，都应该以和电影内容的契合作为前提，两种音乐本身并没有是非优劣之分。在这种观念的指导下，他总是能够选用最切题的音乐来展现不同内容和情绪，不断挖掘音乐在电影中的艺术魅力，赋予了电影画面之外的新的内涵。

（二）电影音乐和电影的有机结合

从这部影片中可以看出，创作者对电影声音艺术的把握能力，较之以往的作品又有了突出的进步，能够把语言、音乐、声响等多个声音要素，用声画结合的蒙太奇方式有机和谐统一起来，从而给观众以耳目一新的艺术感受。首先是电影插曲参与叙事。片中有两首经典的歌曲《天涯歌女》和《四季歌》，直到今天还在广为传唱。两首歌曲分别选择苏州民谣《哭七七》和《知心客》，贺绿汀以此为素材，进行了适当的加工，在充分保持原作特色的同时，创造性地让歌曲参与到了影片的叙事中来。其设计之巧妙，直到今天还值得我们充分借鉴。这两首歌曲的演唱者均是影片的主人公小红，“九?一八”之后，小红流落到上海，成为一个以卖唱为生的歌女。《四季歌》是小红在酒馆卖唱时候演唱的。歌曲一共分为四段，以春夏秋冬四个季节为划分，所表现的内容是“九?一八”之后，中国人民的苦难生活和军民奋起抗战的故事。伴随着二胡声的响起，小红低着头，手指玩弄着手绢，开始了吟唱。随之镜头中出现了上海的酒楼、东北的阁楼、抗日的战场等多个场景，借助歌曲一一展现出来，寓情于景，情景交融，声音和画面紧密交织在一起，后来的研究称这段戏是中国最早MV的雏形，可见对其评价之高。《天涯歌女》在影片中先后出现了两次，第一次是在阳台上，小红和小陈嬉戏，小陈用口哨吹出曲调，小红则在一边附和，唱着唱着，小陈索性拿起了墙上的二胡，拉起前奏，而小红也唱出了歌词。镜头中的小红一边唱，一边做着家务，如喂小鸟、擦鸟笼等，真实再现了两个人的日常生活，其整体的情绪是较为欢快的。而歌曲的第二次出现，在情绪上和第一段形成了鲜明的对比。恋爱的热情不再，而是充满了委屈和心酸。小红在演唱的力度和速度上都有了突出的变化。而画面中则不断出现两个人之前甜蜜的场景，起到一种反衬的作用，令人叫绝的是，伴随着小陈的锤声，小红的歌声也戛然而止，剩下了没有唱完的“恩爱深”三个字，可见导演构思之精妙。在本段中，贺绿汀采用了民族乐器琵琶、三弦和打板作为伴奏，采用了对位的手法，在影片中作为客观的伴奏出现。加之周璇自然和生动的演唱，给观众留下了极为深刻的印象，这也是这两首歌曲直到今天还在广为传唱的原因之一。

第8篇：电影发展的几个阶段范文

[关键词]戏曲；电影；流变

戏曲电影，乃是中国电影独有的类型形式，既有戏曲审美情趣，又具有电影审美特征的艺术品类，是舶来品电影在中国结成正果的第一个灵感。从无声电影到有声电影，从黑白片到彩色片，戏曲艺术形式对电影的影响始终存在，而且这种影响不仅仅体现在戏曲电影这一类型形式中，在其他更广范围的影片创作类型中，直到现在，这种影响依然存在。

一、纪录性戏曲电影

1905年，由我国京剧艺术大师谭鑫培主演的《定军山》可以认为是戏曲电影的诞生，并开启了中国电影的历史。戏曲电影和中国电影一起诞生，写下了百年中国电影史上辉煌的一笔。从一开始，电影便与戏曲结下了不解之缘。1933年京剧戏曲片《四郎探母》是我国第一部有声戏曲长片。1937年的《斩经堂》，是周信芳“麒派”表演艺术第一次正式被拍成电影。这部影片也在戏曲与电影两种艺术形式的融合上作了大胆的探索。1948年梅兰芳先生主演了我国第一部彩色京剧长片《生死恨》。1948年拍摄的由袁雪芬与范瑞娟主演的越剧戏曲片《祥林嫂》引人注目，影片在与地方戏曲相结合上迈出了第一步，并把戏益电影由单一的京剧转向其他多种地方剧种，扩展了题材领域。

《定军山》的拍摄，仅仅是单镜头、全景式地对戏曲演出的记录，还只是停留在给戏曲演出“照相”的阶段，还无法把戏曲和电影进行有机的融合，还谈不上真正电影艺术手段的运用。但《定军山》意味着戏曲艺术传播手段的延伸，也意味着中国电影以自己独有的戏曲电影类型开启了历史。

二、艺术性戏曲电影

上世纪50年代中后期到60年代前半期，戏曲电影创作空前活跃起来。随着戏曲电影创作的发展，戏曲电影开始向各个大剧种发展。代表性的京剧戏曲片有《杨门女将》、《野猪林》。由袁雪芬与范瑞娟主演的越剧戏曲片《梁山伯与祝英台》，在50年代公映后在全国引起轰动，妇孺皆知、深入人心。1954年，同卓别林在日内瓦一同观看了《梁山伯与祝英台》这部戏曲电影。这位世界艺术大师看得簌簌泪下，连连称赞这是部好片子。在60年代初轰动一时的另一部越剧戏曲片《红楼梦》，由徐玉兰饰演的贾宝玉和由王文娟饰演的林黛玉两个经典文学形象得到了广大观众的认可。这部影片不仅在内地激起强烈的反响，而且在港澳轰动一时。许多人反复观看多遍，仍然兴趣甚浓，可见这部影片的艺术魅力何等强烈。评剧戏曲片《秦香莲》，也是一部受到观众欢迎的影片。受到观众欢迎的评剧戏曲片还有由新凤霞主演的《刘巧儿》和《花为媒》。由严凤英主演的黄梅戏戏曲片《天仙配》，一经问世即大受欢迎。这一时期出现的另一部令人瞩目的昆曲戏曲片是《十五贯》。由著名的汉剧表演艺术家陈伯华演的《宇宙锋》和《二度梅》都是汉剧的代表性剧目。

从1964年到1976年，编演现代戏的风潮达到了顶峰，传统戏曲和以传统戏曲为题材的戏曲电影被一扫而净。在这些现代戏曲影片中，不能不提到的是“八个样板戏”：《智取威虎山》、《红灯记》、《沙家浜》、《奇袭白虎团》、《海港》、《龙江颂》、《红色娘子军》和《杜鹃山》等。

上世纪50年代中后期到60年代前半期戏曲电影无一例外地受到了观众的欢迎和称赞。在这个时期，对戏曲电影艺术做出最具创造性贡献的是崔嵬。他在60年代将我国戏曲电影艺术提高到了一个臻于完美和成熟的美学水准。《杨门女将》、《野猪林》、《穆桂英大战洪州》等片是他美学理想的结晶，在戏曲电影史上独放异彩。确立了以戏曲的舞台程式化风格为主，电影表现手段附属于这种戏曲艺术风格的创作特点。

从1964年到1976年，那些戏曲影片在创作手法上具有一些共同的特点。它们经过千锤百炼，从全剧到每一句唱词、每一个动作，都是精益求精，经过反复推敲。使用一切手法为塑造英雄人物服务，而这些手法应该说是出于政治性需要的。在那些戏曲电影中抛开了其自然写实的本性，而以一种超越这种自然写实的要求，采用反常规的非写实手段，去追求所谓“革命现实主义与革命浪漫主义”结合的美学要求。那些样板戏具有音乐性和舞蹈性特点，注重场面性和造型性，给观众提供了比舞台演出更多的观赏角度，发挥了电影表现的特长。样板戏中一些新的创造也对后来的包括戏曲电影在内的电影创作产生着多方面的影响。数年中，人们的文化娱乐只有从这些戏曲电影中获得，全民不厌其烦地观看和搬演这些剧目，他们对这些戏耳熟能详，甚至成为一种时代和生命的记忆和情结。京剧和戏曲电影从未普及到如此的程度。戏曲电影借助一种异乎寻常的方式得到了延续。戏曲、电影艺术家们对戏曲电影集中的认真的探索形成的经验，还有京剧和戏曲电影全国性的普及可以说是这一时期戏曲电影的意外收获。它们是戏曲电影创作历史中一个重要的阶段。

三、故事性戏曲电影

1979年京剧戏曲片《铁弓缘》公映后在全国很受欢迎。1980年京剧戏曲片《白蛇传》、《李慧娘》吸引了广大观众。1979年豫剧戏曲片《七品芝麻官》是一部以丑角为主的喜剧戏曲片，豫剧名丑牛得草以幽默、诙谐的丑角表演受到观众的喜爱。1979年，曲剧戏曲片《卷席筒》是另一部以丑角为主的喜剧片。

新时期以来，戏曲电影的创作进入了一个崭新的时期，戏曲电影创作样式又出现了一次突破性的进展。戏曲电影创作中，有的仍然承继了戏曲艺术片的余波，但是起引领潮流作用的是戏曲故事片这一新的样式。它们主要有《升官记》、《五女拜寿》、《朱门玉碎》、《徽商情缘》等。

第9篇：电影发展的几个阶段范文

在这里要先说一下从无声电影到有声电影的发展过程。无声电影（默片）经过了30多年的探索，才发展成有声电影。有声电影的产生，通常是指1927年美国华纳兄弟电影公司推出的有部分对话的故事片《爵士歌王》，从此，电影实现了有声。动画片实现有声较晚一些，通常是指1928年11月美国动画巨子沃尔特・迪斯尼拍摄的第一部有声动画片《汽船威利号》。

中国电影人也不甘落后，开始了制作有声片的试验。1931年3月15日，中国第一部蜡盘发声的有声片――由明星公司制作的《歌女红牡丹》在上海新光大戏院首次公映，此后友联公司的《虞美人》、大中国及暨南公司的《雨过天青》、天一公司的《歌场春色》等有声电影相继出现。从此，中国电影开始迎来有声片时代。

有声电影的出现对万氏兄弟是一个挑战，他们很快就着手进行有声动画的试验活动。原因很简单，万氏兄弟很清楚，欧美电影带来的竞争非常激烈和残酷，中国动画这株刚刚破土的稚嫩小苗能否继续存在和发展，关键是突破声音这一关。如果短时间内拿不出一个有声动画片来，中国动画艺术将会在激烈的商业竞争中夭折。所以他们认为，我国动画艺术要发展，就必须解决声、光、画的合成问题。如不解决，无声动画就会很快被淘汰。

1935年，万氏兄弟接受明星影片公司委托，制作了我国第一部有声动画片――《骆驼献舞》，是万籁鸣根据《伊索寓言》中的一则故事改编的。

这部很简单、会说话的动画片，现在看来，算不了什么，可是在70多年前，却是一件有里程碑意义的大事。这是万氏兄弟第一次成功拍摄有声动画片。他们坚持独立自主、自力更生，在外国动画技术对我们封锁保密的情况下，经过反复试验，不断摸索前进，闯过了一个又一个难关，才拍摄成功。