中国美术论文精选(九篇)
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第1篇：中国美术论文范文
至于戏剧演出，由于戏剧是综合艺术，由非常复杂多样的各门艺术所组成，因此演出形式更是千变万化。纵观几千年的演艺史，就是各种演出形式的不断更迭变换的历史。而现代演出的形式趋向于多样化，不仅历史上所使用过的各种形式都在使用，而且层出不穷地追求新的演出形式，标新立异，出奇制胜。对于形式的研究在世界各国已成为了一种时髦。舞台已不再满足于现实生活的复制，而要求更多的艺术加工和处理，使每一个戏都有它特有的表现形式，对观众具有更大的感染力和说服力。
舞台布景有着它独特的艺术语言，不再完全依赖于绘画手段。各种新思想、新技术，被运用到舞台上来。新的物质材料取代了木框蒙布的传统布景方法。塑料、有机玻璃、玻璃钢、铅皮、铜片、金属结构等，以它们特有的质感，直接与观众见面。而各种投映景的运用又使戏剧演出的形式活跃和富于变化。观众正是通过各种布景所给予的视觉信息，激发想象，加深感受。现代的舞台美术应更多地运用形式感，在观众中引起一定的情绪反应，使戏剧演出达到预期的艺术效果。
在艺术创作中，一定的内容决定一定的形式。WWW.133229.coM形式受内容制约，内容又必须通过形式来表达。而在一定条件下，形式也可以反过来作用于内容，甚至在创作中起决定性的作用。形式本身也具有一定的审美价值。
为什么一个剧本可以有许多种不同的布景设计，而在戏剧舞台上，同一形式又可以适应于许多个不同戏剧的演出呢？前者是一个内容可以用多种形式来表达，后者则是许多个内容可以用一种形式来表达。
中国戏曲舞台演出是程式化的。一桌二椅，城片火旗，约定俗成，可以适用于许多不同剧目的演出。这些砌末道具本身也具有了一定的审美价值，有它相对的独立性。同一组城片，可以演《空城计》，也可以演《古城会》。戏剧的内容不同，所使用的布景形式却是相同的。犹如宝石，既可雕琢成人物，也可雕琢成花鸟果品，外形不同，而宝玉本身的晶莹的美质是相同的。
舞台美术家的任务是要创造戏剧演出的外部形式，它不是图解，而是以剧本创造为基础的一种再创造。他要在与导演和演员的合作中力图体现剧作的思想，创造与之相适应的富有表现力的形式。这个工作常常要求艺术家付出艰巨的劳动，以旺盛的精力和坚毅的意志来努力完成。
第2篇：中国美术论文范文
关 键 词：意象 中西异同 精神实质 风格特征
什么是意象？简单地说，意象就是寓“意”之“象”，就是用来寄托主观情思的客观物象。意象理论在中国起源很早，《周易》已有“观物取象”“立象以尽意”之说。不过，《周易》之象是卦象，是符号，是以阳爻阴爻配合而成的试图概括世间万事万物的六十四种符号，属于哲学范畴。绘画上借用并引申之，“立象以尽意”的原则未变，但画中之“象”已不是卦象，而是抽象的符号或者具体可感的物象。
在人类艺术发萌之初，东西方艺术表现形式十分相似。中国诸多岩画与西班牙、法国等国的早期洞窟壁画都能找到共同点，在手法上都使用了“意象”“象征”，有意识地运用绘画符号记录社会活动场景。由于各自的历史原因，东西方艺术逐渐分道扬镳。西方科学发展导致了绘画艺术以解剖学、透视学、光学、色彩学、心理学为主的以写实主义为核心艺术的产生，直到文艺复兴之后才逐步产生出印象派、立体派等艺术画派。而在中国，受着伦理、哲学、宗教诸多的影响，绘画艺术步入了更高层面的意象主义轨道。
一
中国绘画艺术，是在中国特有的历史条件、社会生活、文化氛围内产生、成长、壮大的独特艺术形式，其创作思路、形式是以意象为重要核心的形神兼备的表现艺术。wWw.133229.cOm不管中国历代的审美和绘画技术差异有多么大，中国绘画始终没有偏离意象的轨道。形象塑造的意象性，可以说是中国绘画最本质的要求。在构图上有散点透视之形，在意境上有气韵生动之说，从而产生“形神”关系之理，它在人物画上表现为身心的关系；在山水画上表现为天人的关系；在花鸟画上表现为物我的关系。以至所有中国画的传世佳作都能达到其他画种难以追求的空灵境界。
佳作诞生之前必有其雄厚的历史文化根基，中国的画家从儒释道中吸取大量精髓又从绘画作品中反映出来。孔子在《论语·雍儒》中言“智者乐水，仁者乐山”，这种把道德观念与自然景物的欣赏联系起来的说法，尤其对后世士大夫画家的审美思想产生极大影响。文人画家将这一观点发展为“仁智者乐山乐水”，后发展为“乐山水者必为仁智者”，从而为儒家既有山林隐逸思想而又并不排除其“仁智”的品德与情操找到了根据，为意象艺术发展提供了更大的空间。老子有言“大音稀声、大象无形”。他的所谓“大象”，就是他作为“道”的别名，道就是自然之道，也就是从客观存在里综合得出的真理。一切思想意识与学术文化都渊源于客观存在，绘画艺术也包括在内。但“大象”毕竟涉及到客观存在的可闻之声、可视之象与自然之理。所以，他的所谓“大象”，当指客观世界上可视与不可视的一个整体。这个整体是抽象的也是概念的。所以，诗人就可“以意写象”，画家就可以“以形写神”。所以说“大象无形”，正是为中国文人画家作画重“意象”找到了有力的理论依据。类似的根据还有如“大巧若拙”等。谢赫的《古画品录》以六法的标准系统地评点绘画。谢赫将“气韵生动”推为六法之首，充分说明谢赫推崇“意象”在绘画中的地位。气韵就是顾恺之所说的神似，谢赫自己也称气韵为神韵。谢赫时代的绘画主要是肖像画和人物故事画，气韵的本义是因人物的精神气质而生动。后来，气韵生动的范围扩展到山水、花鸟等各种题材的绘画，并且成为整个绘画艺术性的一种衡量标准，甚至笔墨效果也包括在内。同时，如果没有意象艺术的思潮存在，气韵生动的含义也很难得到发展。
意象艺术的特点是“立意造像”。在具象艺术中由于透视学的限制，光、形就是一切，一切都很符合形的要求。而意象造型中的“象”，不仅是形，而是受中国传统文化影响藏有深刻的含意，是象中有意、意中生象，立象尽意。中国绘画的意象表现为“似与似不似之间”，目的是完成“不似之似似之”的一种作品的内在“神似”，这种“神似”仅仅只是绘画作品的一种表现与表象，一种画家的理念上的技法再现而已。要使作品内涵真正达到完美的“神”的境界，还需要画家注入自身内在的丰满的精神，以求“意”的最高境界。
传统上意象艺术的中国画，通常注重的是“身心”“天人”“物我”的关系，而欠缺的是揭示事物的本质所在。现代中国绘画正以宽容的姿态和更开阔的视野注视、吸收世界各国的艺术表现形式，然而中国的绘画必须蕴藏中国的人文哲学思想，必须注重博大空灵，必须注重民族文化精髓，必须努力通过学习和反思，不断体验生活，以画家独有的灵感去捕捉现代文明给予的启示，并坚持中国特色的艺术传统，不断总结，才能使当代中国画艺术在人类文明宝座中闪出灿烂的光芒。以中国第一代油画大师的风景画为例来说，李铁夫的求实、徐悲鸿的规矩、颜文的严谨、林风眠的随意、吴冠中的抒情等等也都各具特色。许多美术家都喜欢说，艺术中的民族情感和趣味对艺术家来说是与生俱来的，不论艺术家自觉追求与否。
中国画技法的核心是笔墨，不讲究笔墨也就丢掉了中国画基本的艺术语言。南朝谢赫在“六法”中讲到“气韵生动”为笔墨的最高境界。笔墨有一定的独立审美因素，有抽象因素，但不是纯抽象，笔墨与表现形象有机结合，创造意象，正是中国画特色。西方绘画中讲究构成的方法，是从建筑中得到的启示，可以增强画面的整体感和力度，是笔墨所达不到的，也是中国画应吸取的积极因素。因此，将笔墨与制作相结合，就可以大大增强艺术感染力。中国画的笔墨处处都流淌着画家情感的轨迹，是情感的一种张扬。用线写形是中国人物画造型最主要的课题，即使是画人物小品的没骨法也要有以线造型的基础。“遗貌取神”“形神兼备”“传神”是中国人物画的最高标准，特别是文人画成为中国画的主流，更重主观表现和情感抒发。在笔墨运用中以“骨法用笔”为核心，强调书画同源、以书法入画，重在一个“写”字，而不是“描”，也不是“涂”。“写”——正是情感的张扬和心灵的轨迹，文人画将这种艺术实践的体会总结到相当高度。西方的许多现代绘画大师也是从东方艺术中悟到了这点。
二
西方油画的风格样式和技法语言多种多样，神采各异。如意大利的古典、德国的凝重、法国的优雅、西班牙的潇洒、英国的朦胧等等。因艺术家个人的艺术修养和性格爱好不同，画风及志趣也各有风貌。笔者以为要扩大绘画的外延可借助抽象艺术的表现形式。1942年在纽约古今汉美术馆举行“抽象艺术大师联展”的目录中有人写到：“抽象艺术的造形包含了艺术家的生活直觉，是不受具体外表约束的自由发挥。”抽象艺术的实质注重的是直觉与造形，是事物在人脑里的印象，通过色彩、线条的构成或即兴生成的艺术，是艺术家精神世界的随机表现的艺术形式。如具有东方血统的康定斯基画了大量的以“构成”“即兴”为标题的抽象画，作品以丰富色彩唤起人们精神性的感受，以及富于音乐性的协调之感。
尽管抽象艺术最早源于中国，但西方抽象艺术与中国的抽象艺术以及意象艺术在理念上有着很大的区别。中国的抽象艺术主要表现在中国书法上，最早的汉字甲骨文、金文通过结构的疏密、点画的轻重、行举的缓急把象形的图画模式逐渐变为纯粹化的抽象的线条和结构。就像音乐艺术从自然界的群声里抽出乐音来一样，发展其相互结合的规律，用强弱、高低、轻重、疾涩、虚实、转折、顿挫、节奏、韵律等有规律的变化来表现自然界、社会界的形象和内心的情感。
从表现形式上看，中西艺术中各取所需。西画讲构图，国画讲经营位置；西画讲透视法（焦点透视），国画讲“三远”法（平远、深远、高远）；西画对色彩研究至广，国画对墨色研究至精；西画论刀法笔触，国画重骨法用笔，还独有“十八描”和各种皴法。从内容上看，西画风景提倡野外写生（如印象派），中国山水提倡“行万里路”“搜尽奇峰打草稿”（如荆浩的“写生数万本”）；同是对自然景观的真诚描绘，油画风景重光影色调，中国山水重形体结构；油画风景偏重从自然整体中挑选和割取局部（如取景框的运用），中国山水则偏重将局部腾挪和拼装整体（如“咫尺千里”的提法）；油画风景擅绘实景是长处，下者易拘泥和呆板，中国山水擅绘大山大水是长处，下者易无序和空泛。
西方艺术语言和事物关系历史发展的重要观念，被引伸来解释西方现代派艺术，说明西方思想与艺术（文化）发展的一致性。西方现代新派艺术家所思考的是同一类的问题，艺术家们用不同方式——不同流派风格来处理“语言结构”与“意象结构”的关系，在精神上是一致的。哲学家和艺术家都生活在时代之中，都是特定的时代的“思考”。
西方绘画从15世纪到20世纪的发展，有两个特点：一是“造形表象”与“语言所指”的分离；一是“表象事实”和“表象联结之认定”的对应。前一个原则比较好懂，后一个原则相当难解。西方艺评家福柯说：“表象物”与用以表现这些“表象物”的手段（点、线、面、色彩等）之间要有一种对应关系，否则就不成其为“画”。如他提到的马格利特的《不是烟斗的烟斗》这幅画，是在一个貌似稳定的画架上，这幅在画架上的画，酷似教室里的黑板画，而这个画架的架子是不合比例的，似乎随时都有倒塌的危险；但半空中却漂浮着一个大的、像幽灵似的烟斗。我们当然不可从这里就去揣测马格利特似乎要“画”出一个“永恒”的“烟斗”的“理念”或“意象”来，但却似乎很容易引起人们想到马格利特对早年“字”“画”游戏式的“分离”“游离”有一种积极的否定态度，当游离的“字”和游离的“画”“破碎”后，“无名”“无字”的“物象”仍然高悬，虽飘忽不定，“惚兮恍兮”，但仍清晰如“画”。其实这是马格利特常用的手法，以真实画面之间的独特的处理，来表现“现实”与“梦境”“实境”与“心境”“物象”与“意象”之间的沟通关系。以独特的手法来处理“画面”正是艺术家的技巧所在。
还有克利的画，力图在“形状”的结构中表现一种“符号”，同时又具有写的成分。这种“画”与“写”的结合，使得物象变形，不易辨认。克利以结构来使形象变化，不惜割裂、扭曲实际形象以显示这种结构。到了康定斯基那里这种思路的进一步发展，则干脆舍弃了任何具体的、可辨认的形象，成为“意象”的绘画和“非表象的”的绘画。在康定斯基的作品中，只有各种用以连接表象的手段：点、线、面、颜色，但却无“表象”的“事实”，而只有惚兮恍兮的“意象”存在，触动着每个观者的心灵。这样，康定斯基的画，就成了一种新型的“几何图形”。“几何图形”本是一种“记号”，是“无形”之“形”，并无“实物”与其“对应”，为“无象”之“形”，从通常的绘画史角度来说，康定斯基的画是理智主义、科学主义的产物，它要表现的不是事物的表面形象，而是事物的“本质的结构”及“意象”。
抽象派绘画，如同其他的现代流派（达达派、立体派等等）一样，并不是要人们从绘画中“看”出“什么”，而是要人们从绘画中“读”出“什么”，“感受”到“什么”。超现实主义以梦境幻觉视象来表现“心象”，抽象派以抽象形式来表现艺术家对世界的理解。在这一点上来看，中西艺术之间似乎又是殊途同归，在“意象”的表达上又有了异曲同工之妙。
进入后现代文化情境以来，艺术无论是在观念、材料还是在技法、形式上均走向了多维的综合与多元的建构，那种单一的线性思维方式和孤立的艺术语言描述已逐步成为昨日黄花。目前，随着世界经济一体化的进一步推进，东西方的联系日益密切，中西艺术（东西方）艺术之间进一步相互影响，相互借鉴，创作意识及绘画风格会有越来越多的相同之处，而各个门类艺术之间也出现了融会贯通的局面，相互之间的门类划分也日渐模糊难辨，特别是在美术界出现了“大美术”的概念，各门类艺术之间、各国艺术之间的交流呈现出一片繁荣景象。
参考文献：
[1]葛鹏仁 著《西方现代·后现代艺术》，吉林美术出版社 ，2000年
[2]（美）威廉·弗莱明 著，宋协立译《艺术与观念》， 陕西人民美术出版社 ，1991年
[3]易英 著《创造意义》，原载于《江苏画刊》，1994年
第3篇：中国美术论文范文
一、传统民间美术的传承方式
民间美术是一种带有原发性的美术形式，它在传承的过程中与人们的日常生活休戚相关，自诞生之日起就融合在人们生活的点点滴滴之中。“言传身教”是中国民众做人和育人的宗旨和手段，民间美术同其它民间文化一样一样也没有脱离这一传统。“言传身教”在民间所承担的技艺传播作用，体现在以家庭为中心的技艺传承环境中，是师徒、父子关系直接传授的方式。从事民间美术创作的大多是没有受过正规文化教育的农民，其创作经验不可能通过文字进行传播，技艺的交流只能通过“口头”这一最为直接俭朴的方式将其技术经验传播给下一代。口头语言不需雕饰，自然随性，因此能更生动直观的交流技艺。在这言传的过程中民间艺人们创作了一些便于记忆的口诀，可以让被传播者比较方便记忆起创作的规律，是对民间美术技艺规律的高度概括，如惠山泥人的创作口诀，关于泥人造型要“先开相、后装花，描金带彩在后头”；用笔要领“直线要直、曲线要曲”施彩讲究“红要红得鲜，绿要绿得娇，白要自得净。”民间皮影口诀：“若要娃娃恶，鼻子挨眼窝”、“文人一根钉武人一张弓”等等。Www.133229.CoM在民间的师徒传承中“身教“的情况可能比“言传”多的多。在很多民艺传播者自身文化和能力的限制他们或不能准确的表达出其技术精要的情况下，以实际操作来教育徒弟，徒弟观察师傅技艺的“身教”就成为民间美术主要的传播方式之一。
殷商之后，文字的出现为民间美术的传播奠定了深厚的媒介基础，民间美术也出现了借助文字传播的方式，大大扩展了其传播的范围。出现了一些记载民间手工艺的理论专著和民间创作者所作的艺谱，前者带有官方修饰的痕迹，如先秦时期的《考工记》、唐代《工艺之法》、明代《天工开物》等等。而艺谱以物相传的民间美术，主要是通过谱子的形式传播的，如画谱、剪花样谱、影戏谱、年画版样等等，这些民间艺术形式都有程式化的范本有的是集体的创作总结，有的是名艺人亲手绘制的，有的则是借鉴其它艺术形式而从程式化的模式中套用而来的。童虽其来源不一，但都是经过不知多少代人的日积月累而逐渐积淀、完善和再创作而形成的摹本，这种传播形式有利于普及和传播。有利于民间艺人的交流。
民艺品传播和图谱传播一样属于以“物”为媒介进行的传播。但是它并不是在创作者内部的传播，而是通过这些艺术品的购买者而将民间美术的技艺带到四面八方。这种参与商品交换，又不局限于行业内部的传播方式，使民间美术的传播方式更加广泛，其社会功能也随之增强了。
二、民间美术发展现状
民间美术的产生、传播、发展都是与民众的生产、生活方式密切相关的。随着现代化的文化浪潮进入乡村的每一个角落，传统民间美术赖以生存的小农经济迅速瓦解，人们的生活方式和价值观也发生了巨大的变化。以机械化、自动化为标志的大工业生产方式，已在世界范围内逐步取代手工劳动，在这种状况下，许多民间艺术品被认为是过时的东西而被很多人摒弃了。
当代的民间美术保护者和美术理论家多是将民间美术作为一个古代生活形态的活化石来进行研究和保护，民间艺术品已经成为传统艺术的一部分而保存在博物馆之中，见证着一个古老文明曾经出现的辉煌。民间美术虽然作为一种传统文化而被人们保护和学习着，但实际上，它的发展却面临着一个尴尬的境地。很多人对它的喜欢只是出于对一个存在着文化隔膜的逝去年代的怀念，民间美术在当代已经失去了其实用性，它和当代社会的经济基础与文化状态都存在着巨大的鸿沟。
在这种缺乏时代经济与文化背景的情况下，民间美术变成了一种针对西方文化的入侵，而被艺术家与文化工作者们所重新提起的“带有本民族特色”的文化形式，很多专家对已经衰落了几十年的民间美术进行了重新整理与研究，这些工作对民间美术的保护与振兴都有着重要的意义。但是，我们应该看到的是，这种不分精华与糟粕的保护方式使我们看到的民间艺术并不能完全代表我们民间美术的真实发展状态。甚至有些艺术工作者为了西方媒体对于“神秘东方文化”的好奇心和对“他者文化”的观赏需求，而制造了一些“伪民俗”的艺术作品，混淆了媒体的视听，使我国的普通民众不能产生文化的认同感，而对民间美术的发展处于漠然的状态。
三、民间美术发展的方向
第4篇：中国美术论文范文
坡评王维画：味摩诘之诗，诗中有画；摩诘之画，画中有诗。这句话奠定了文人画的理论基础。
画于文人眼中，不过是做学者的余事，偶一挥毫，则发诸心臆。倪云林所谓“写胸中逸气耳”。传统之文人画，就是文人余事。王维，字摩诘，唐代诗人。他的诗清新恬淡，意境空灵萧散。他以水墨画著称于世，开一代先风。以诗意入画境，以画境写诗意，被后世评为文人画的始祖。明代董其昌把画史分为南北二宗，北宗以李思训为宗，南宗以王维为祖。这就把宫体画与文人画从理论上分了开来。继王维而后的五代画家董源，继承了王维的风格，写江南真山水，神韵天成，为时代之巨匠。其弟子僧巨然，妙得天真，用墨秀润，丛林叠嶂，气韵氤氲，与师齐名。另有荆浩与关仝，则写北方山水，雄奇险绝，料峭幽远。并为四大家，世称“荆、关、董、巨”。可以说山水画到此，方是体用完备，六法俱善了。其影响之大，足以千秋而论。
宋代是文人画兴盛的时期。当时之文豪学士如苏轼、米芾、文同等，莫不是书画兼工，并称一代之雄。“出新意于法度之中，寄妙理于豪放之外。”这些大家皆推崇王维，或以诗意入画，或以画境入诗。由于他们都是学者文豪，都注重于画的意趣，并且是大书家，这就更加重视笔墨情趣，东坡所谓“天真烂漫是吾师”是也。米襄阳画宗董、巨，直述王维，别开一派天地，多以点写山水。其画烟云飘渺，深邃苍润，微风带雨，婉如扑面。世所谓“米点”。其子友仁，并称“二米”。董其昌言“米家山谓之士夫画。”所谓士夫画就是文人画。文人，每以文事著称，或以画名于世，皆是余兴。其人博学，画便多雅趣。有如此之大家，文人画便昌盛了。
二、文人书画的审美视角
1.传统文人画的特点
文人，大多为不羁之士。由于仕途的不得意，难展胸中抱负，由此而放迹山野，寄情于笔墨，销胸中块垒。以画著称于世者，大都是饱学之士。画中难以尽意处，往往以诗言之。诗情画意，这是文人画最显著的特点。
元四家中的倪云林，在当时就以诗画并称。笔墨多简淡，清绝人寰。写平江疏林，如读王维诗，别有一种空灵的意境。到了明代，就更加注重诗、书、画的合一。如董其昌，是书画齐名的大家。所以以书入画，是文人画的又一特点。董其昌言“士人作画，当以草隶奇字之法为之，树如屈铁，山似画沙，绝去甜俗蹊径，乃为士气。”作画要有书卷气，要有书法味。
传统文人画，多以笔墨为主，设色偏于淡雅，重视笔墨的意趣。云林画多用侧锋，用墨极淡，往往只是略施赭色；黄公望也好作浅绛，用笔用墨也很讲究，干湿燥润，极尽灵变，即使远树杂林，也是摇拽生姿，变化万端。到了山人，笔墨更加简洁，了了数笔中，充满了无穷意趣。石涛“但出但入，凭翻笔底。”更是姿意纵横，淋漓快意。其笔墨技巧之圆熟放达，少有人比。
2.传统文人画的禅意
禅是悟，是空。“空山不见人，但闻人语响，返景入深林，复照青苔上。”这里面有禅意。所以谓之空灵。坡言：摩诘之诗，诗中有画；画中有诗。此语如坐佛悟禅。以不似似之，这是悟道后的禅机。于是，白石老人就在似与不似之间了。悟禅就在于空处着想，空中无处不有。而蓄万物于心，方能得空。空即性灵，即禅意，即无处可寻。
中国画如参禅，妙在顿悟。
3.传统文人画的境界
禅家曰境界，境界者，超然物外也。中国画首重意。何谓意——画外之余意。即笔有尽而意无穷。画家六法，第一“气韵生动”。
纵观中国画史，文人画一直占主导。大凡名家，皆以品格论高下，以胸襟定境界，又以学识增情趣。人品既高，画的境界就高，何故？以其胸襟博大而增气势；学识渊博而生新雅。其见识不凡，意境便不俗。所谓平庸者画数十年无长进，只一画匠耳！
这即是文人，即是文人之境界。
三、以“抽象”为主的大意之美
1.中国传统绘画的抽象之美是传统审美的凝聚和提练
“抽象艺术”在中国古代文人墨客的笔下，是用毛笔，徽墨和水，轻点细画勾勒描摹的江南野趣，枯树昏鸦，小桥流水和崇山峻岭，大漠荒烟，尘漠绝迹。
中国文人在笔迹墨痕的遗落中，在世代相传的口颂中，在摹写笔画中，记录下心情和思绪，记录下历史更迭和变迁。于是，有了董其昌的《潇湘图》，范宽的《溪山行旅图》，有了赵孟兆页頫（fu）笔下的《鹊华秋色图》，有了康熙时代《淳于帖》，有了流传千古的《快雪时晴帖》，于是有了文人笔下的草书，有了山川秋水中的潇洒，飘逸，有了林木葱茏的色彩，有了临岸蹉跎的忧郁，有了忘怀山水的情怀……
中国文人培育的水墨痕迹，养成的“抽象”山水，育成的笔情墨趣，是一种散淡的文人情怀，是一种见之于山林的雅致。它是一种感性于自然，间离归纳后见于笔墨的提炼，是一种将性情与笔墨合而为一的审美抽象和一种对大自然山川的“移情”解读，更是一种乐而忘返的思想境界。
2.中国传统书画的抽象之美中传递着中国式哲学的深邃
线与色中国式抽象水墨在间离和对自然山川的提炼中，形之于笔端，在水墨的氤氲中弥漫着对自然田园的归隐，在简单的黑白对比中升华着对老庄哲学的透析，在逸笔草草中寻求着对自然式山水的描绘，也在对宣纸和笔墨的执着中解脱着文人飘逸的灵魂。那些人物的衣纹，那些勾勒的轮廓，那些晕染的色彩，那些简笔的概括，那些提炼的语言，将中国文人对世界万象的观察，思考和归纳传神地表达出来。
在中国抽象水墨的传达中，那些线条和笔墨是经过提炼的，经过思考的，经过审美过滤的，抽离掉对自然山川的吟咏和赞叹，剥离掉纯粹自然的表达，中国古代的抽象水墨是简化的，单纯的，是间离和提升的，是剥离自然内涵的东方式审美表达；中国式传统水墨对自然物象的外形概括，对人物的精神传递，对自然山川的提升，在某种程度上表达着中国传统文人的诗情画意，传递着中国式宗教“寄情山林”的余兴，传统文人以“诗书画一体”的和谐获得精神和心灵的营养。
3.中国传统书画的抽象之美是一种中国式的精神表达
中国传统文人作为中国式抽象水墨的主体，在创造一种具有东方式经典样式的过程中，进行的是一种间离性的精神表达，就是在经历生活跌宕起伏和仕途挫折后，将人生的抱负和理想的破灭幻化作对自然山水的寄情。将人抽离于现实世界之外，作为一个旁观者观察自然、社会，表达对世界的评判和一种态度。
把《庄子》中的“天地有大美而不言”引申为“道是美，天地是美，德也是美”。他认为中国艺术精神可以概括为以孔子和庄子所显现出来的两种典型。由此标准来看，孔子的精神世界虽然处于上下天地同流的最高处，也是物我合一，物我两忘的艺术精神。以虚静之心和“充实不可以已”的人生态度，在笔墨纸砚结构的世界里传递着人生的理想和境界之美。
参考文献：
\[1\]董其昌.画禅室随笔.
第5篇：中国美术论文范文
关 键 词：中学生 美术 兴趣培养
兴趣可以更好地促进学生的学习，如果学生对某门课毫无兴趣，而强迫其学习的话，最后不但教学效果很差，而且会使学生更加厌烦这门课。所以，培养学生兴趣是非常重要的一件事。当代中学生对美术的兴趣远不如小学生，尤其是接受普通美术教育的中学生，他们对待美术课并不是很热情，这也是许多学校搞不好美术教育的重要原因。
美术作为空间艺术，它主要是通过色彩和形体等视觉因素来传递给人，所以具有直观性，这比起数理化、语言文字等理性、抽象的学科更容易激发人的学习兴趣，并且我们所生存的社会环境的方方面面都离不开美术，小到日常用品，大到建筑，美术都发挥着其重要的作用。因此，一个社会人不可能也不应该对美术一点兴趣都没有。那么为什么许多中学生对美术提不起兴趣呢？我们又该怎样去改变这一状况，培养中学生对美术的兴趣呢？这是一个值得探讨的问题。
一
我们应该找出中学生对美术缺乏兴趣的原因，在这里主要归纳为以下三种：
1.社会原因
社会原因是最根本的原因，这主要表现在整个社会对美术及其教育的重视程度上。最近几年，尽管美术在我们社会生活中的地位有所提高，但是中学美术教育在广大地区仍然处于一种副科之副科的地位，甚至是可有可无的状态，并未实现其真正意义上的普及。WwW.133229.CoM
美术应该是一种全民都应具备的素质，而不应只属于少数人。我们应该认识到，如果美术教育的这种副科地位得不到改变的话，就永远无法受到真正的重视，从而实现全民性的美术教育普及。尽管美术教育有时以课外活动小组的形式出现，但是这与普通美术教育的全民性是不相符的，只能有一小部分的学生受到美术教育。
美术作为非中考、高考科目，给非美术专业的中学生造成了“美术不重要”的思想，在巨大的升学压力下，他们又怎么会对美术这一副科提起兴趣呢？
这种社会原因是受经济影响的美术教育的发展离不开必要的经济支持。目前，我国处于社会主义初级阶段，虽然经济正在飞速发展，但比起发达国家仍然存在着一定的差距，这种差距也同样反应在美术教育的发展上。美术同样会对经济发展起促进作用，美国每年为了棉布艺术性的设计花掉大量的美金，日本仅动漫艺术的市场就达到4万亿日元。可见美术对经济的影响也是不容忽视的，投资在美术教育上是绝对能够实现其价值的。而现实是作为所谓“素质教育”的美术学科并未得到足够的重视。
2.学校的原因
学校往往会受到社会大环境的影响。这个原因主要分为两个方面：主要是校方和教师。
对于校方来说，通常以“升学率”为重，美术课在这种情况下就要退居二线了，所以美术课在课时安排、教学设施及工具、教师待遇等方面远不如其他学科。这些前提条件都没有搞好，很难对学生进行全面、系统的高质量美术教育。就算学生对美术很感兴趣，在这样的教学环境中又怎能得到更好的发展呢？
另一方面，也是最关键的一个环节——教师。美术教师的自身素质及其授课方式对于培养学生兴趣是极其重要的。有些教师的授课方式或内容极为枯燥，连成年人都无法忍受，更不用说青少年了，这无疑使本来就对美术提不起兴趣的学生更加厌烦，从而致使一节美术课变成学生“放松和娱乐”的时间，而不是学习美术知识和技能的时间。
3.学生自身的原因
有些中学生对美术缺乏兴趣是受其自身能力的影响，他们往往是那些被称为在美术方面毫无“天赋”的学生。这也是由于多年来我国美术教育中注重技法培养所造成的后果。他们的努力总是在这种大环境中不被承认，收获很小，所以就形成了挫败心理，自然就不会有太大兴趣。其实，普通美术教育的对象是全体学生，它是对人的素质的培养，而不是将每个学生培养成美术专家。
另外，中学生随着年龄的增长，他们已从少儿时期以形象思维为主的阶段进入了抽象思维为主的阶段，加上各方面的影响，他们的注意力也更多地停留在理性思维较强的学科。再加上中学生学习美术的动机并不明确，所以学习热情就不那么高，而学习困难则相应比较大，这些困难反过来又会降低学习兴趣，挫败学习美术的积极性。
二
但是，我们不能因为各种困难而放弃或忽略对青少年美术素质和能力的培养，美术是人应具有的基本素质，因此应当及早地，至少在少年时期就开始加以培养，而不是当作一种可以随意处置的游戏一般的东西来对待。所以对中学生美术兴趣的培养，首先要将美术教育重视起来，在教学工作各个环节上都要做到位。
1.课时安排
作为一个全面发展的人，必须具备美术方面的知识，但是美术课在普通中学的地位处于严重失调的状态。美术课程在中学的安排一般是一周一节，这已经很少了，而有些学校的美术课根本就是形同虚设，只作为其他科目的补习课出现。这就要求课时量的增加，而不应作为可有可无的科目给其他课让路，让学生有充足的时间系统地、全面地学习美术，这也使教师有充足的时间对学生进行美术兴趣的培养。
2.教学设施及工具
除了课程安排，学校的硬件设施也应提高，让学生在美术课上摆脱枯燥的学习环境。学校应配备专门的美术教室，教室里的布置应活泼自由，符合美术课的学习特点。
教具的运用也是必要的，一块黑板、几支粉笔，是无法使美术的特点得以发挥的。应适当引入高科技，美术主要靠视觉传达给人，所以多媒体是必不可少的。如美术欣赏课，可运用幻灯片或放映美术记录短片，吸引学生的注意力，不要忘记精彩的讲解。
3.室外美术课
美术课可以让学生走出教室，让他们认识和发现存在于生活中的各种各样的美术形式。这在一些比较落后的乡村学校更为适用，这些学校的教学设施及工具比不上发达地区的学校，所以应更充分地运用校外的美术资源。比如，在当地自然风光较优美的地方进行户外写生，或者结合当地的民风民俗学习民间美术等等。
在欣赏课上，如果有条件应带学生去博物馆或参观艺术展览。在引导学生走进文化遗产和美术作品时，不要将我们固有的认识强加给学生，要尊重学生的感受和意见，鼓励学生进行大胆地讨论，避免积极性地压制，这直接影响学生对美术课的兴趣。
4.教师的重要作用
美术教师在培养学生兴趣方面起着直接的、不容忽视的重要作用。学生主要靠教师的授课来学习美术，这是一个关键因素。下面是笔者关于教师提高学生对美术学习兴趣的建议：
首先，要有活跃的课堂气氛，美术课根据其自身特点来说，本来就是一个自由度较广的学科，它没有过于严格的评判标准和范围准则，这也给了美术教师个人以更多的发挥空间。所以，教师应在课堂上鼓励学生动手、动脑，放宽评价的标准，从各个方面入手发现学生的优点，及时给予肯定和鼓励。
其次，技法在普通美术教育中并不是最重要的，重要的是要让学生通过美术教育认识到美术与社会生活的关系，培养学生的创造力与想象力，以及运用美术思维、解决问题的能力。这种能力运用到其他学科还可以促进其发展，这可以从美术与其他学科的结合中得以体现。还有就是通过美术活动抒发自己的情感，陶冶情操，使学生成为品格高尚、全面发展的人。
再次，每个人都有自己的个性，也有自己的偏爱和弱点。美术是强调个性化原则的，它不像科学那样追求绝对性和一元性。对于进行普通美术教育的中学生来说，应尊重和提倡他们在美术课上表现出来的个性和差异，同时也不能强迫他们学习美术的某一种类。教师应充分尊重学生的个性，尊重他们自己的选择，允许他们的兴趣转移，广泛地涉猎各美术领域。
最后，美术作为一门用途非常广泛的学科，它与其他学科或多或少地有一定联系，并且美术自身的弹性很强，教师可以尝试将美术与其他学科相结合，打破学科界限，使学生在美术与其他学科的融会贯通中学习美术知识。从多个面学习美术，使美术变得更立体，使学生真正摆脱“美术无用”的错误思想，从而提高他们学习美术的兴趣和积极性。但要特别注意的一点是：其他学科只是起辅助作用，要以美术知识和技能的培养为主，不要喧宾夺主，这是非常重要的。
第6篇：中国美术论文范文
论文摘要:风闻杜璞近来有大动作，于是，便不顾39度高温赶到他的画室，看看他究竟在半遮半掩地做些什么。才一进门，便从玄关处张望到整幅墙上挂满了同一尺寸的近四十幅人物肖像油画，男女老少，情态各不相同。
画室中的杜璞正一脸严肃地对着模特作画，他没有欠身，甚至没打一声招呼，里外全是他美丽的夫人在端茶递水。记者绕到杜璞身后，看看画布上大体完成的作品，再打量眼前那位上了年纪，皮肤黝黑发亮的模特，猛一眼的印象是不很像，但再看两眼，却推翻了第一印象，觉得很精准，精准在神情的捕捉上，似乎将人物本身几十年的生活经历都浓缩提炼在了这张肖像上，表现出了模特本身在现场并未散发出的气息来，不可谓不惟妙惟肖。
乘着模特休息的间隙，杜璞换上了一副轻松愉快的表情与记者对谈起来，瞬间判若两人。他的笑容爽朗，说话也大声，说到妙处眼睛会眯成一条缝，像是进入时光机器中挖掘最有趣味的片段或最精彩的光华与人分享，带着点神秘，这份时不时的玄虚与他的音容形成了极大反差。忽然就想到了外界对他油画“大器豪放、恬淡宁静”的评价，若不是一个反差极大的人，恐怕也难有反差极大的作品问世，如是，杜璞倒应当是这样一个人。
今年大半年多数时间，杜璞都在做一件事——《新老苏州人系列肖像》的创作，这是他为建国60周年而特别准备的，此系列的第一幅作品动工于新年的第一天，而今，距收工之时指日可待，稍后，杜璞还将请每位模特写感言，同时，自己也写下在创作过程中对每个人的感言，而后，办专场画展，最后，结集出书。wWw.133229.cOM这一系列动作均于国庆前完成。
“今年是建国60周年，因此，我也将画出生于1949年及以后的60位各条战线上的普通市民，以人来表达这一甲子的变迁。”这60位市民来自社会各个阶层，有民警、演员、农民、教师、建筑工人、作家、保安……还有刚一周岁的儿童。
“人是形成社会的元素，肖像最能反映人与社会的关系，从眼睛、皱纹、表情等可知他们各自的家庭是否幸福、工作是否如意、生活是否快乐，这些岁月的印迹都会自然而然刻画在脸上，我试图通过这一张张神情各异的面容，去说明建国60年来的伟大进程。通过记录当下，以期承前启后。”杜璞道。
当天，杜璞要画两个人，一位是正画着的来自东山的农民，一位是街道主任，记者问这位只见过杜璞一回的宋老伯，怎么就敢把自己交托给一位陌生人来画，淳朴的老人说：“杜老师曾在我家门前一小时内现场画过两幅作品，我觉得他画得很好，我每天与这些景物照面，都没觉得它们那么好看。所以，我相信杜老师。他叫我来，我就来了，来了，才知道是这么大的一个计划。”老人家专注地盯着画布上的自己喃喃道，有点出神的样子，像是想到了些什么往事。
“今年本来是要画世界遗产的，但是，国家就像自己的父亲，你说父亲60岁了，做晚辈的能不表示一下么？而一名职业画家，除了画画外，还能有什么别的表达方式呢？所以，我就搁下了原本的计划，花了大半年的时间，虽然也中断过，比方说4月去了云南，但是，大多数时间都花在这上了，我觉得很值，也很开心。”杜璞由衷道。
在人们的熟知中，杜璞擅长的是风景，中央美院博导邵大箴称赞他“有广阔的艺术视野，不拘泥于形式，着重写自己对自然景色的印象与感觉，注重对客观物象神韵的把握，笔触雄健有力，充满意趣。”而江苏省美术家协会副主席张华清也曾撰文称“强烈中显示出柔和，单纯中蕴含着丰富，把自然美与意境美熔入画幅中，富有诗情画意。”著名美术评论家、教授丁涛说：“杜璞的油画中常常带有一股国画的写意味……他的方形色块和平面构成感，会令不少读者想起塞尚，但我想他的出发点和目标，都是以东方人的传统视觉经验为参照的。”
就是这么一位被充分肯定的风景画家，却画起了并不拿手的人物，杜璞自己也说这是项挑战，不过，战绩甚好。杜璞指着墙上的几幅画说：“你看，我初期的肖像，人物总提不亮，面部层次也不分明，但现在，已不会再有这样的困扰，而且，现在画画的速度也提高了很多。可以说，这阵子集中力量的画肖像，是受益良多的。”
杜璞一向是个有计划的人，世遗会召开期间创作的世界遗产组画28幅，成为联合国第28届世界遗产大会唯一特展画家，是中国的世界文化与自然遗产专业画家；伴随昆曲抬头创作的《牡丹亭》大型组画，又把他推到了风头浪尖上。每一步的发展都精准地踏在了时代动向的关节点上，致使他新世纪以来逐渐赢得了国内外声誉，他本人对此并不讳言，并认为“东一榔头，西一棒”的创作方式是对艺术生命的耽误。
其实，杜璞一路走来，都是按着既定计划，以坚持不懈的努力走进了他设定的梦想里。
杜璞曾经从商，而且干得不错，这让他看上去不像位纯粹的艺术家。他呲牙咧嘴的笑容里，有着毫不掩饰的张狂劲，这股劲，体现在作品中，就是一种颠覆，他颠覆油画，他的画中线条总是扮演着极为重要的角色。说他将国画中的大写意拿来在画布上挥毫自在也好，说他用西方技法在国画造境中涂鸦撒野也罢，总之他让读者在视觉追逐中对形体都不太在意了。
中国画的一些抽象在形式上是与油画水火不容的，但杜璞乐于颠覆。同时，他也颠覆国画，用西方油画中的笔触，诸如强烈的色彩，去颠覆国画的原则。幸而，在杜璞的大颠覆下，读到的不是混乱，不是自我矛盾，虽然不时左奔右突，痛苦冲撞，但他的画与人一样，在极富侵略性的表相下，内里，蕴含的是恬淡和一份内敛的秀逸。
第7篇：中国美术论文范文
中国画的发展离不开美学思想的积淀，尤其是在中西方文化交流频繁的基础上，其思想更具融合性。中国古典美学是当代美术教育思想的基础，一是强调传统儒学思想美与善的统一，借助于儒家对“五色”、“五味”“、五声”的论断，深刻阐释审美与艺术的表征关系，从精神美与情操的陶冶上提出对人的心灵的关照。二是道家美学思想中真与美的统一，道学家将“悟道”、“观道”“、体道”作为对道学理论和审美思想的表征，并从还原事物的本原上来阐述超越人世的自由境界。三是楚骚美学中儒道思想的混合，将儒学的高尚情操与道学的自由奔放融合一体，以开启思维的情怀。四是禅宗美学中的美与禅的统一，佛家思想汲取各类文化思想并从解脱和认识上倡导“梵我和一”的世界观，以淡薄空灵的心理追求澄清的内心感受，将艺术与审美主体的内心感受提升到极高的境界。西方美学思想主要是围绕艺术与人、艺术与自然、艺术与社会来进行研究，如亚里士多德提出的传统美学理论模仿说，将“艺术模仿于自然”作为其艺术理论的重要思想；现代派美学思想是以印象派为传统艺术与现代艺术为分水岭，印象派反对古典派，利用现代光学理论和实践，从对光的研究中来表现绘画艺术。
2当代美术教育对中国画创作的利弊分析
中国画在创作中受到当地美术教育的影响，一方面在推动中国画的创新中，也束缚了传统中国画的时代步伐。在创作题材上，中国画取材丰富，尤其是对现实生活的客观梳理，如宋代画家梁楷的《泼墨仙人图》，就以泼墨方式来刻画人物的面目神情，从而凸显简略放逸的创作格调。而与传统中国画题材选择相比，当代美术教育一方面继承了传统中国画的题材格局；另一方面也从创作理论知识的系统化上，为美术教育拓宽了天地。但需要强调的是，随着现代信息技术，尤其是网络化的今天，高科技技术对中国画创作题材的影响，如对照片的临摹，也大大弱化了绘画者的基本功，降低了对中国画创作中观察力的表现。在创作技法上，中国画主要有写意、工笔两种，但随着西方油画、现代设计等门类的出现，使得当代美术教育在技法上革新了传统中国画的创作手法。一方面油画的创作技法拓宽了中国画创作方式，冲破了传统材料的束缚；另一方面新颖的创作技法反而忽视了中国画创作手法的独特性。例如，晒盐法在创作中，利用水墨掺入少量碱，调匀后在纸上作画，待到不汪水时用干燥的盐面撒下去，使其变化，等到预想效果时再用干燥的纸来固定。
3当代美术教育对中国画的影响与应对思路
当代美术教育注重审美观念的提炼，而在表现作品时则从形式感受和审美情调上来创作，传统中国画将“清、淡、雅、俗”作为审美标准，而当代美术教育则更加凸显艺术思想的融合。因此，在中国画的发展方向上，需要从以下几个方面来加以改善：
（1）重视绘画形式的丰富与深远。中国画十分注重绘画形式语言的表现，而形式语言既有对构图的布局，还有对造型的定格，以及色彩的运用，从而表现出画家的情志与理想。顾恺之在探讨绘画构图时，提出“置陈布势”的原则，理论加谢赫提出“六法”思想，都从中国化的构图形式来凸显其地位。例如《，清明上河图》在构图上分为三段：一是对汴京郊野风光的刻画，以人物、环境来凸显其氛围。二是以汴京市区街道为对象，对高大的城楼、繁华的都市进行细致描绘。三是以具体的人物情态为主体，以焦点透视和散点透视的方式来观察自然事物，从而表现出浓厚的情感色彩。再如宋代马远的《寒江独钓》，其构图特色是留白，将留白作为艺术语言来表现严谨的创作手法。利用简单地勾勒来表现水纹，借助于俯身垂钓的老者来融入江水浩渺、寒气逼人的情景。中国画在造型上，也是讲究视觉的真实性，尤其是在点线面的构成上，凸显线的质感，使得事物生动传神。例如，在吴道子的《送子天王图》中，对于龙、火焰、神像的刻画是利用线条来表现的，其质感与动感栩栩如生。这种将主观与具象的联合，正是基于对点线面造型艺术的精彩运用。
（2）强化对艺术审美意象的创新。艺术创作的关键在于对审美意象的表征，刘勰在《文心雕龙》中提出“独照之匠，窥意象而运斤”，从意象的选择与情感的融合上凸出事物的形象与意趣，从而提炼出客观材料的想象力。对于艺术审美来说，中国画的审美特征是对美学思想的凝练，更是从美学的高度来观照事物的审美，以实现全方位、深层次的对审美特征的展现。例如，在中国画中的山水、人物、鸟鱼等元素的创作中，需要从艺术表现手段中来融合审美意向，凸显时间、空间、视觉、听觉和造型的表现，以强化对观者审美感受的丰富。例如，李苦蝉的鹰，潘天寿的荷，徐悲鸿的马等，其题材与内容虽不一样，但其在艺术审美上却表现出高度的综合性。当代美术教育在倡导自主性和创新的同时，也需要从中国画的学习中，汲取对大自然、生活的细致观察与思考，从中来体现画家的思想与情感。
（3）关注对创作思维的激发和培养。中国画在创作中不能拘泥于古法，而是应该从创作思维上来融入多元理念。研究中国画，分析当代美术教育，都需要从不同视点来观察事物的个性和特征，不同的人其感受也不同，对自身情感的影响与表现也是差别的。因此，在创作中国画中，一方面要从自身品格的洗练上追求高尚；另一方面从创作手法和题材选取上，不拘泥于时间、地点、客观事物的限制。曾说“这个借鉴和没有这个借鉴是不同的，这里有文野之分，粗细之分，高低之分，快慢之分。”对于中国画的创新，应该从长期的实践与积累中，一方面向传统学习，一方面要善于总结和发现，以推进艺术存在的广度和维度。
4结语
第8篇：中国美术论文范文
论文摘要：贾克梅蒂用现象学式的直观,在视觉和意识的不断感知和流变的过程中,通过抹去重画、反复描绘的方法,直指物象存在的真实状态,以追求新的表现方法。
2002年夏天，当我在香港艺术馆第一次看到自己向往已久的贾克梅蒂的素描时，我的心被深深震撼了。一个苹果、一个杯子和一把椅子，如此平凡的物象，在他的视觉方式中竟然能表达得这样动人心弦。于是，我便自觉地走近了贾克梅蒂的素描作品，探索他的素描方法。
贾克梅蒂1901年出生于瑞士，他的父亲是瑞士印象主义画家，也是他的启蒙老师。1922年贾克梅蒂定居巴黎，他早期受立体主义的影响，后参加超现实主义运动，但从1935年开始，他便主动切断了与这个时髦运动的联系，重新回到自己的故乡，从事绘画和雕塑工作。1966年去世。
那么，走近了贾克梅蒂的素描作品，我们能看到什么呢？
在贾克梅蒂的素描作品中，大部分是描绘了他自己工作环境中的物象，这些物象都是生活中常见的东西，但却被他直觉地表现出来，他千方百计地在人与物之间寻找一种关系，希望得到一种共同语言，并按照自身的理解去创造新的表现方式。
贾克梅蒂的素描始终结合着他在观看过程中的具体描绘。贾克梅蒂这样说过：“绘画艺术只是一种看的方式。”他又说：“重要的是避免一切先入之见，试图只看那些存在着的东西”。这里的“看”，其实就是现象学式的直观，强调要返回事物本源，由此，我们可以理解为在描绘的过程中，应该严格地限制在直观中直接呈现出来的现象，抛弃一切主观的视觉经验和意识成见，完全依靠本质的直觉去观察物象，或者说是用眼睛去思考问题，努力寻找出一种最接近自然的视觉形象来，就象初生婴儿一样纯真地观看世界，完全在一种放松的状态下，去发现所表现的物象与整个环境的关系。WwW.133229.Com这些对于一个成熟的画家来说又是何等困难！但贾克梅蒂却孜孜不倦地实践着用本质的直觉去思考问题、观察物象，并把自我完全融入于物象之中，用主体的心灵去聆听物象的心声，因此，他的作品已经超越了对象，超越了自我。
贾克梅蒂的素描从一开始都不是预先设计的，随着他观察时间的推移，在视觉和意识的不断感知和流变的过程中,不断地否定和肯定他所追求的东西，他把握对象，直指物体存在的真实状态。贾克梅蒂曾经说过：“写实主义在于原样模写一只杯子在桌上的样子，而事实上，所模写的永远只是它在每一瞬间所留下的影像。你永远不可能模写桌子上的一只杯子，你模写的只是一个影像的残余物。当我看一只杯子，关于它的颜色，它的外形和它上面的光线，能够进入我每一次注视的，只是一点点某种很难下定义的东西。这点东西可以通过一条条线，一个个小点表现出来，每次我看这只杯子的时候，它好像都在变，也就是说，它的存在变得很可疑，因为它在我的大脑是可疑的，不完整的。我看时它好像正在消失……又出现……再消失……再出现……，它正好总是处于存在与虚无之间。这正是我所想模写的。”
贾克梅蒂的素描力求在静止的画面忠实记录着描绘对象不断变化的过程，捕捉对象自身的存在方式。在人物写生的过程中，模特儿所摆的动作有时难免会有移动，贾克梅蒂为了想要准确地捕捉模特儿的外形，就用线条在画面上来来回回进行调整，做到及时修正模特儿微小移动的形体变化，贾克梅蒂不介意直接在画面上修改，他倒是认为这些改动不正是让你能看到他绘画的整个过程吗？
因此，贾克梅蒂每次作画时，都会毫不犹豫地将上一次画的物象删改、抹掉，再按此时的感觉去重画，再抹掉，再重画。贾克梅蒂认为这种通过抹去重画，反复描述的方法，会大大加深了他对描绘对象的理解，体验着他所认知物象的真实。贾克梅蒂的这种描绘方式，使得充当他模特的诺德时常处于精神崩溃的边缘，心想是什么缘故使得贾克梅蒂的创作如此艰难，如此缺乏自信？诚然，贾克梅蒂这样反复的工作，并非他犹豫不决，而是他精确的演绎。所以，贾克梅蒂所描绘的画面到处呈现出不断修改过的密密麻麻的铅笔痕迹，并形成了痕迹叠痕迹的效果，画面看起来完全是草图性质。
如果我们看了贾克梅蒂的人物素描《安丽德》，刚开始时我们会觉得画面上的线条很零乱，当你再细心观察那浑沌一片，似乎显得乱糟糟的线条痕迹时，你就会发现画面人物其实是由横线、竖线、斜线和弧线的组合而成，这些线条组合是沿着一个十字坐标展开，并组成网状般的秩序结构，所有线条都趋向画面中心，而这个中心就是人物的面部，在这个中心之中，所有的线条又引向鼻端，并在鼻端这里反复强调，形成一个实体。这些线条在指向中心同时，又在相互交叠运行着，形成内聚，而身体的轮廓线却散落着，若隐若现地迷失在茫茫的空间里。贾克梅蒂把边缘线藏匿于背景里，大大加强了画面的次序感和节奏变化，使人物的形象在观者的眼中产生强烈的视觉纵深感和令人琢磨不定的心理感受。
再看了贾柯梅蒂的风景素描，几乎任何一个有受过艺术教育的人都会在作品面前感到困惑，这一堆乱槽槽的东西是什么呀？其中有一张称为风景素描的作品很难让观看者认同，在杂乱的线条中．依稀可辨的花园小路被堆积在画面中间的一侧，像是漂浮在空中的巴比伦花园，画面上方稀疏的线条如行人留下的踪迹。这些看上去非常杂乱和草率的线条，其实，这都是贾克梅蒂作画时不作刻意修饰而留下的整个过程的痕迹，仿佛他暂时离开画架，回头还需继续工作。因此，画面的许多地方还有意保留着未完成的状态，贾克梅蒂认为这是艺术作品真实的表现。
综合上述，贾克梅蒂的素描表现方法是对传统的视觉模式的反叛、他将现象学的观察方式引入绘画领域、尝试用抹去重画、反复描绘的方法,来刻画表现对象在“不断流变、不断生成”过程的视觉印象,力求运用新的表现方法，达到他对物象真实的体验。他的绘画理念，对处在复杂、多元艺术环境下的中国艺术家具有深刻启示意义，引导着更多的艺术家走向成功的道路。
参考文献：
第9篇：中国美术论文范文
关键词：写实主义油画 情感表达 直觉表现 视觉世界
进入21世纪，作为架上绘画的主要种类，油画及其创作在中国已呈现出繁荣的发展趋势。画家们从学习、研究油画的传统技法和以前的风格流派，到理解油画的视觉规律和表现形式，逐步认识到油画的理性和感性层面，以及影响力和冲击力，已开始介入抽象、半抽象、实验表现、行为艺术等的语言探索，许多较为独立的个体风格也逐渐形成和建立。油画的表现问题，尽管在世界艺术的发展潮流中已不再是一个争论的热点，但对于当今的中国美术界来说却并非毫无意义。由于中国传统艺术形式中，普遍存在着有抽象意味的视觉传统，中国油画家在利用合适母题、意象、符号转换方面，也有着广泛的创作空间。加之时尚文化的影响、个性的张扬、经济的需要、社会的认可度，油画这门在中国以严谨写实、纯客观表现为基础的艺术，已开始走向直觉表现和抽象表现。当然，表现仅仅是一种外在的方式，探求其视觉世界的深层含义更为重要。
所谓视觉世界是指画面呈现给人的感观和刺激，其中包括了形体、色彩、线条、笔触、肌理等一系列的表层概念和由此产生的深度、层次、体量、质感和色调、氛围，更体现了作者的一种情感因素，是自身经验、造型能力、表现技巧的融合，这属于画面深层次的内容，是可以引起视觉兴奋乃至产生思想共鸣的东西；写实主义是指以“全因素”素描为基础，“印象派”色彩为表现方法，比较接近“照片”效果的一种“真实”和“纯客观”的绘画方式；直觉表现可以说是现代油画表现手法中的一种形式，也可以认为是画家在创作过程中的一种自觉和不自觉的行为方式，在此不作理论和技法上的深入探讨，只是借用这一形式的大概念而已。Www.133229.cOM
写实主义与具象表现
中国油画最早的发展离不开徐悲鸿先生，他是写实主义油画的倡导者，早年曾提出“美术应以写实主义为主，虽然不一定为最后目的，但必须以写实主义为出发点”。他还曾旗帜鲜明地反对过后期印象派和野兽派，倾向古典主义造型的油画，主张“尽精微，至广大”。实际上他本人的油画就是既得益于新古典主义严谨、细腻的分析与表现，又融合了现实主义油画的用笔和直接表现。在徐悲鸿先生油画观念和美术教育思想的影响下，中国油画多年来的发展一直是以写实主义为主导地位，写实主义油画在很大程度上体现的是油画的具象表现。这一时期的风格形式的表现，画面常常采用传统油画中的同类色为调子，取景比较局部化，画面表现严谨，对细节的描绘也比较多，传统的技法贯穿始终，充满少许故事化、情节化的处理，尤其是对质感、层次和深度的表现，有了叙事结构的意味。这一类的表现已基本形成了写实主义油画的语言风格：具象、细节、厚重、体量、空间、明暗以及与现实世界的可比性、参照性，凸现出艺术观念上的禁忌和传统惯例的作用。“眼见为实”成为一种观念、见解和认识。“真实”被一再构筑，一再重建，当然也开始了一再质疑和一再追随的创作过程，这就是当时写实主义的油画呈现的视觉世界和与之相应的具象表现形式。
情感需要与自然表达
随之而来，“现代艺术之父”塞尚的画风在中国的美术界掀起了一股浪潮。他主张的用主体意志改变自然对象，在画面上创造“第二个自然”的新理念和革新精神，逐步被中国的油画界广泛接受，这一观点与中国的古典文化传统有着惊人的吻合。中国文化传统中一直认为艺术是一种人格，是画家本人在世界面前的一种态度，人应该用自己的体验和情感表现在画中。《尚书·舜典》中的“诗言志”说的是：诗词创作应当表达个人的情感。我们也可以理解成“画言志”，让个人的富于个性的情感及所表达的艺术，引起与作者有相同的情感体验的民众理解，从而产生情感的认同、艺术的共鸣，这才是艺术的影响力和魅力。当然，美术，尤其是油画仍然离不开形、色、线、结构的独特表达，这样才能成为人类对视觉美的不可或缺的需求，成为社会的需求。在这种思潮影响下的油画，画面用色已经带有一定的主观倾向，构图有了一定的表现力和张力，加入了现代平面设计构成的理念。减少细节刻画，减弱画面的前后关系和层次感，但是仍然离不开形的体积感和自然的光感，明暗处理仍旧遵循自然原则，色彩冷暖手法的运用、画面厚薄的安排，一如写实主义油画的原则，偶尔也出现些装饰意味的表现，但表现得并不充分和成熟。回想起来，这一时期是对油画的视觉世界的理解和迷惑，是对自然极端谦虚的态度。一心一意表现空间、体积、色彩的协调以及形式的流畅与和谐，但又逐步离开了“文学性的东西”，去除了叙事结构和情节性描绘，加入了一些理性上的内容，还试图表现画家的某些感受和认识。不过由于思想的局限性和手法的沿旧，所以画面不够完整，艺术的语言也不强烈。在视觉世界的表达上，虽然看上去充满了静默和永恒，但同时体现了一定的跳动和徘徊，这一时期的油画有视觉上的体现，但没有相对的表现形式和方法，是一种由于情感需求和认识的深入，自然而然的表达方式。
直觉表现与意象再现
如何更深层次地发展，如何由客观到主观，由感性到理性，再由理性回复到另类感性，这是一个摆在每一个画家面前不可回避的问题。想要寻找到“代表自然”的本质特征，自己必须通过视觉和大脑来整顿、梳理感觉，从自然中领悟出其内在的关系——固有的形式与秩序，进而生成既有理性结构又有直观意味的创作性意象。我们知道，视觉世界中眼睛对形和色的反应是有“记忆性”和“遗忘性”的，从人的精神领域或者直接说从人的视觉经验中，人只记住强烈刺激的景象。但是，油画的创作以及最后呈现给人的油画作品的画面，并不只是产生一种视觉上的强烈刺激，而是需要既有刺激，又能给人留下思索的余地，还要有愉悦之感，补充、缓和、松弛部分眼部神经。这就是油画的视觉世界的真谛。
油画直觉表现就是基于此理论上的一种创作方式，凭直觉捕捉对象，可以无具象的形态，无叙事结构，无严谨的、纯客观的事物表象，只有显现的“心象”和“意象”。当然也可能完全进入“痕迹化”“点划式”“符号化”的地步，这是另外研究的话题。目前，我们所经历的直觉表现仍然要有或多或少的原型，以及客观事物的成分。随着信息文化和消费文化的产生，画家个人的处境与感受的强烈，为了体现对当代社会文化语境的反映，内心深处文化记忆的萌动、调整和升华，人们需要个性语言，需要抽象表现、需要直率表达，在这种前提下的油画表现，呈现出了一种新的气象。画面笼罩在优雅的调子之中，微微透出一些主观色彩，表现的是整体上的、印象中的事物，基本元素多层组合，减弱了空间的前后关系。某些方面作了概括性的装饰性处理，用光集中，画面中的物象自由组合，表现了世界的拥挤、无序、神秘而自然，是一种精神层面上的再现，更是一种内心强烈感受的表现。这种经过思索和整理后的直觉表现，手法轻松自如，尽抒心中意气，既让人愉悦，又能让人思考，是从物质感觉到精神结构的内在转换，是一种从混乱、相对、零碎，到秩序、绝对、坚实的视觉领悟和视觉世界的表达。
毋庸置疑，没有个性就没有艺术的独创。面对新一轮的油画浪潮，每个从事油画创作的人都应该保持足够的反思与警醒。我们需要想的问题、需要做的事情还很多，笔者认为，把握好油画在视觉世界里的规律和原则，无论是具象表现还是直觉表现——正如毕加索所说：“抽象艺术不存在，立体主义也不存在，作品的任何元素不过是另一种的表达需要。”——只要采用符合自己心迹的表现形式，大胆地创作，认真地思考，再创作，再思考，一定能创作出发自内心的能引起共鸣的艺术作品，直面世界，通过理解和感受进入艺术的冥想状态，从而实现自我内心世界的协调和完美，进入一种新的艺术境界。
参考文献：
[1]戴士和《标准样式质疑》
[2]谭天《新学院主义》
[3]林木《先为自己服务，再为社会服务》
