艺术的审美作用精选(九篇)

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第1篇：艺术的审美作用范文

关键词 共情；艺术经验；审美愿望；中介作用

分类号 B824.6

DOI： 10.16842/ki.issn2095-5588.2017.03.001

1 引言

早在十九世纪末，有关艺术与审美的讨论中就会提到共情一词，最初用的词是德语einfühlung（Gladstein， 1984）。在艺术体验中，个体通过自身的感觉运动系统对他人心理状态或情感进行模仿，从而产生情感上的共鸣（Freedberg & Gallese， 2007）。艺术活动能够充分调动感觉、知觉、运动系统的参与，进而提升个体在认知和人际互动方面的表现（PhillipsSilver & Keller， 2012）。具体而言，参与艺术活动，反复练习了某种视觉、听觉或动作模式的技能，使之与时间空间相协调，或者通过与他人互动来达到某一个具体的目标。这些技能要求个体具有预测事件、识别他人意图以及使自己的行为与他人相适应的能力（Sebanz， Bekkering， & Knoblich， 2006）。艺术活动中建立的知觉-表现的关系（perceptionperformance relationship）能够解释个体共情能力的提升。本研究通过对艺术与非艺术专业大学生的调查，来探讨艺术经验与共情的关系，并且尝试说明审美愿望在其中的中介作用。

共情是指个体进入与他人相似的认知或情感状态的能力（Sevdalis & Raab， 2014）。目前的研究者认为共情是社会认知的核心，并且在感觉、知觉、行动和情绪之间起到联系的作用（Decety， 2010）。Goldman（2009）提出的模仿论是目前解释共情心理机制的一个非常有影响力的理论。模仿认为个体通过进入和他人相似的情境中，模仿他人从而计算和预测他人的情感状态（Gallase & Goldman， 1998）。例如，当一个人失恋并悲伤的时候，我们之所以能体会到对方这种悲伤，是因为我们将自己置身于失恋这种情境中，从而理解和体会对方的悲伤情绪。而且这种共情的能力是与生俱来的，人天生就有模仿他人的能力（Arkway， 2000）。艺术经验能够影响个体的共情，正是因为艺术活动使我们进入一个模仿的共情过程。

艺术经验与共情的关系得到了一些实证研究的支持，音乐、舞蹈、表演等不同领域的艺术活动都与共情能力有关。音乐作为一种交流信号，最早被认为是对大自然的一种模仿，倾听者通过模仿后的体验领会到音乐所表达的情感，而这个机制便是共情的过程（Egermann & McAdams， 2013）。有研究发现，音乐教育可以明显提升共情能力（Kalliopuska & Ruokonen， 1993）。Goldstein（2011）的研究也发现对被试进行一年的艺术训练（视觉艺术和音乐）后，被试的共情水平明显提高。舞蹈作为一个个体动作模仿的过程，也被证明可以培养人的共情能力（Behrends， Müller， & Dziobek， 2012）。同时，在观看舞蹈表演时个体能够通过舞蹈演员的面部表情和身体姿势来获得一些情感信息，然后经过大脑区域的模仿从而体会到相同的情感体验，因此这种带有情感的身体活动使观看者自身的情感过程得到激发，从而产生情感上的共情（Christensen & CalvoMerino， 2013）。

在表演领域，戏剧理论学家们研究不同人的共情能力发现，表演艺术可以提高个体理解他人的共情能力（Verducci， 2000），这是因为在表演过程中需要深入理解和感受所要诠释的角色，而这个过程实际上就是演员对剧本角色的模仿并产生共情的过程。但是，也有研究发现了不一致的结果，如有研究表明演员的共情得分虽然比非演员的高，但差异并不显著（Goldstein， Wu， & Winner， 2009）。

上述研究大多基于短时间的艺术训练，研究涉及的样本量比较小，并且只是以某一种艺术形式为分析对象。本研究以长期从事艺术活动的专业人士对研究对象，同时在研究中包含了不同的艺术活动形式，希望进一步确认艺术经验与共情之间的关系。

艺术经验影响共情能力的过程，目前尚缺少解释。审美愿望（aesthetic desire）是审美的动机成分，在艺术活动中发挥着重要作用。审美愿望是指个体在日常生活中对美的关注程度，代表了个体发现美好刺激的全部动机（包括和艺术相关的刺激和非艺术刺激）（Lundy， Schenkel， Akrie， & Walker， 2010）。马斯洛相信人有审美的需要，即对美的欣赏和追求的需要，并且这种对美的追求与关注能够使个体产生一种精神上的愉悦感。有研究表明，审美愿望强烈的人能更好地理解艺术作品（Lundy et al.， 2010）。在音乐赏析中，个体的审美愿望越强烈，对音乐的敏感性越强（Gordon， 1965）。也就是说，在艺术活动中，审美愿望强烈的个体会更加关注艺术品的审美价值，更加深入地体会艺术所带来的感受。

一方面，艺术经验丰富的人审美愿望更强烈。人们经过艺术训练之后会影响人们对艺术的情感反应，艺术方面的专家相比于新手更能理解抽象艺术，也对这种抽象艺术更感兴趣（Millis， 2001）。随着艺术经验的增加，表演家们会更加注重自身的妆容和服饰，关注事物美的一面，从而希望给观众带来最大程度的美的享受以及审美愉悦。Manesi（2015）的一项研究结果表明，观察带有斑纹的蝴蝶的图片能够提升被试对美的欣赏以及审美的态度。因此，艺术经验的增加能够提升个体的审美愿望。

另一方面，审美愿望高的人也具有更好的共情能力。Lundy（2010）等人在审美愿望的测量研究中提到，审美愿望得分高的个体能够更好地与他人相处。艺术品不仅满足了人们的审美愿望，同时唤起人类更多的情感体验，从而能够更好地共情他人（Smyth， 1996）。因此，从事更多的艺术活动可能会影响个体的审美愿望，同时审美愿望强烈的人会具有更好的共情能力。基于上述分析，本研究尝试为审美愿望对艺术经验与共情的中介作用提供实证研究证据。

艺术活动是需要身体多感官参与和协调运动的复杂活动，但是艺术经验与个体心理过程的关系并没有被充分揭示出来。艺术领域的实践经验和共情的模仿论都指出，艺术经验与共情能力有密切的正向关系，然而目前的实证研究还非常有限，对其中的心理过程也缺乏探索。本研究以艺术院校艺术专业、管理专业，以及普通高校经管专业学生为调查对象，考察了艺术经验与共情能力的关系，并且进一步分析了审美愿望的中介作用。

2 研究方法

2.1 被试

本研究调查了280名艺术及非艺术专业大学生（男生135人，女生136人，9人未报告性别，平均年龄为18.55岁，标准差为3.08）。艺术专业大学生来自北京市某艺术院校（音乐专业63人和舞蹈专业77人），非艺术专业大学生来自该艺术院校非艺术专业（文化管理专业62人，以下简称文管专业）和另一所北京市普通高校（经管专业78人）。

在调查中询问了不同专业背景学生的艺术专长，艺术专业大学生100%具有艺术专长，并且在校主要从事艺术学习、艺术实践，同时也会进行大量艺术赏析；艺术院校文管专业学生有80.3%具有某种艺术专长，目前在校并非专业从事艺术学习和实践，但是有较多的艺术赏析经验；普通院校大学生中有11.5%具有某种艺术专长，同时其日常学习中跟艺术有关的活动非常少。

2.2 研究工具

2.2.1 艺术经验问卷

参考Chatterjee等 （2010）的艺术经验问卷，根据本研究的调查情境进行了修改，以考察被试日常从事各类与艺术相关活动的频率。问卷包含三个项目，分别为“您每周从事各类艺术学习的时间大约为多长？”“您每周参与各类艺术活动的时间大约为多长？”“您每周用于各类艺术欣赏的时间大约为多长？”。题目所指的艺术学习、活动与欣赏包括绘、音乐、戏剧、文学、舞蹈、雕塑、影视制作、景观建筑、工艺品等，但不包括电子游戏、影视剧、动漫、流行音乐。问卷采用7点评分，0代表“几乎没有”，1代表“1～2个小时”，2代表“3～4个小时”，3代表“5～6个小时”，4代表“7～8个小时”，5代表“9～10个小时”，6代表“11个小时以上”。将三个项目的分数平均，作为被试艺术经验得分，分数越高代表艺术经验越多。该问卷的Cronbach α系数为0.66，达到了测量学的基本要求。

2.2.2 审美愿望问卷

本研究将Lundy等人（2010）编制的审美愿望量表（Desire for Aesthetics Scale，DFAS）进行了中文修订。由具有良好双语能力的心理学研究者进行翻译，并请英语专业的研究生进行回译，然后由另一名在美国工作多年的心理学研究者进行比对，确定最终中文题目。问卷共有36个项目，为单一维度问卷，采用李克特7点量表进行评价，1代表“非常不同意”，7代表“非常同意”。

审美愿望问卷评价的是在日常生活中，个体对美的偏好和兴趣。典型题目如：“如果我要养一只宠物狗或猫的话，我非常在意它看起来有多漂亮”，“周围环境是否美好会影响我的心情”，“当挑选储蓄卡或者信用卡的时候，我并不关心卡片背景设计是不是吸引人（反向计分题）”。为确保中文版问卷具备良好的测量学指标。首先对问卷进行项目分析，通过题总相关和区分度检验，删除其中的2、19、24、26题，剩余32个题目。对这32个项目进行内部一致性分析，Cronbach α系数=0.76，信度良好。英文版原始问卷为单一维度，因此，将所有项目分数平均，反映审美愿望，分数越高表明审美愿望越强烈。

2.2.3 共情问卷

共情测量采用人际反应指针量表中文版（Interpersonal Reactivity Index， IRI-C； 张凤凤， 董毅， 汪凯， 詹志禹， 谢伦芳， 2010）。该问卷由四个分量表组成，分别为幻想（fantasy）、观点采择（perspective taking）、共情关注（empathic care）和个人痛苦（personal distress），共22个题目，采用李克特5点量表评价， 1代表“完全不像”，5代表“完全像”。 Cronbach α系数为0.70。分数越高表明共情能力越强。

2.3 研究程序与数据处理

施测过程为集体施测，向被试统一发放问卷并统一收回。最后会要求被试填写一些人口统计学变量，如性别、年龄、专业等。施测过程要求环境保持安静，并告知被试希望认真填写，确保数据的可靠性。

数据录入使用Epidata软件，并采用SPSS20.0进行数据分析与处理。

2.4 共同方法偏差的控制

本研究采用问卷法收集数据可能会导致共同方法偏差，参照以往研究进行了如下控制和检验（周浩， 龙立荣， 2004）。施测程序方面的控制主要包括：

（1） 选取信效度较高的成熟量表进行施测，尽可能减少研究中由于问卷的局限性对研究结果产生的不利影响。

（2） 采用匿名的方式施测，确保被试能够放心作答，没有掩饰的必要。

（3） 部分问卷有反向计分题。

（4） 对问卷的指导语和计分方式做出适当区分和转换。统计上的检验包括，数据收集完毕后，采用Harman’s单因素检验法来检验问卷的共同方法偏差，第一个因子所解释的变异量为11.95%，小于40%的临近标准，因此，本研究所使用的问卷中并没有某一个因子解释力很大，共同方法偏差不明显。

4.2 美愿望对艺术经验与共情的中介作用

对艺术经验、审美愿望和共情三者关系的分析表明：审美愿望在艺术经验和共情间起部分中介作用。艺术经验会直接影响个体的共情能力，同时艺术经验也能够通过审美愿望的中介作用对共情产生影响。审美愿望是审美的动机成分，有研究表明，和那些对审美不感兴趣的个体相比较，那些在审美愿望量表上得分高的个体更可能产生高峰体验，体验到由审美所带来的愉悦感（Lundy et al.， 2010）。随着个体从事艺术活动的时间增长，艺术经验的不断积累不仅仅会增加他们与艺术活动相关的知识与经验，他们的审美愿望也会变得强烈，即会越来越喜欢关注事物美的一面。正如表演者更加注重自己的外貌形体以及服装是否得体，因为他们需要在表演的过程中尽可能给观众带来审美愉悦。本研究的结果证实随着个体艺术经验的增加，个体的审美愿望也越来越强烈，进而提升个体的共情能力。

4.3 研究局限与展望

本研究考察了艺术经验与共情的关系，以及审美愿望在其中的中介作用，发现艺术经验高的大学生共情能力也高，这验证了之前的假设。同时审美愿望对艺术经验和共情的中介作用表明，艺术经验不仅可以提升共情能力，而且还会通过影响审美愿望来间接提升共情能力。这一结果为提升共情能力提供了新的思路。但本研究还存在一些不足与需要改进的地方。本研究被试选取的专业为音乐、舞蹈、文化管理和经济管理，涉及的艺术门类和总样本量有一定的局限性。未来的研究还需要选取更大的样本量，进一步检验该结论的可靠性。同时，从本研究的结果来看，审美愿望在艺术经验与共情的关系中起到了部分中介作用，有关艺术经验影响共情的心理过程还可以进行更进一步的分析。另外，本研究仅为相关设计，未来可以通过实验研究来证实艺术训练对于提升审美愿望和共情能力的作用。

本研究的结果表明，从事和艺术相关活动（无论是舞蹈还是音乐）的人确实具有更高的共情能力，并且，其中的部分原因是他们具有更强烈的审美愿望。随着经济的快速发展，人们从只关注物体的实用功效开始向同时关注物体的装饰功效过渡，即人们越来越追求艺术和美的价值。与此同时，随着艺术经验的增加还会提升我们对美好事物的关注程度，使我们的审美愿望更加强烈，强烈的审美愿望可能促使我们发展出更好的共情能力。未来的研究可以区分不同的艺术形式对个体共情能力的影响，建立标准化的干预方案，可应用于学校情商教育，企业领导力教练、团队合作训练，人格及孤独症谱系障碍的临床治疗。总之，本研究探索了艺术活动在提升个体心理能力中的作用，揭示了艺术活动在心理干预领域的潜在应用价值。

参考文献

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第2篇：艺术的审美作用范文

[文章编号]：1002-2139（2016）-24--01

一、民间西兰卡普中的艺术元素在艺术创作中的运用

1.艺术体验

土家族是我国少数民族之一，以其独特的民族文化和传统的风俗习惯闻名。其中，人们将土家摆手舞和西兰卡普织棉喻为土家民间艺术的两朵奇葩。西兰卡普是土家族的一种传统手工织棉，“西兰”―“被面”，“卡普”―“花”，“西兰卡普”就是“带花的被面”的意思。西兰卡普具有制作手法奇特、成品美观、表达内容丰富、色彩鲜艳等特点，是土家民族的精神风貌与传统文化外在的体现，传达着土家民族独特的审美趣味、民族风貌和奇特的工艺制作方法，就有极高的审美价值与借鉴意义。现在我们就来品味它的美学价值和借鉴价值。

2.艺术构思

由于西兰卡普的图案大都是人们手工制作而成的，曲线较少，结构上以直线为主，多用二方连续，四方连续等方式，制作方式单一。着眼于整体观感出发，西兰卡普是比较典型的平面构成。如在制作时，多采用垂直、水平或斜线有规律地排列、交织，形成各种有序的几何图案或者无序的其他图案。这种构成使色彩丰富、线条明显的主体图案和色彩、线条简单的次要图案，产生了繁复与简单、单调与复杂的对比，使明显的图案更为突出，使西兰卡普的图案不仅具有线条的运动感还有疏密有度的秩序感。因此在作品中都要考虑点线面。掌握规律并在实践中运用。在包装外观，造型设计以中国传统图案为基础，运用卡普的装饰性图案，古朴简单原始、传统韵味浓厚雅俗共赏。在对西普兰卡进行包装时，还要对其图形与包装结构的结合方式进行巧妙地处理，不同的图形应有不同的表现形式，在视觉效果上更能取胜。歌德曾经说过：“自然对象只有在自然中才是自然的，艺术家一旦涉入，在其中穿插自己的思想，那自然对象就不能称之为自然对象了。艺术家在创造中使之前那个自然对象更具价值。”通过民间中的对象，在经过艺术的构想加后得以升华，这升华的过程源于生活的提炼。

大自然谨慎地向我们所显示的色彩是无比微妙的，它们激起艺术家的灵感，为装饰图案的色彩变现提供取之不尽用之不竭的源泉。卡普原汁原味的色彩中体现出大自然的基本配色规律，这种色彩的搭配体现出大自然的和谐，另一方面，也体现出土家族人对大自然的热爱之情和对自己民族的喜爱与自豪。作为忠于艺术的我们如果能及时从自然中汲取色彩的精华和做好传承民间艺术精神。那么作品的色彩表现将会更加广阔。西兰卡普在色彩的运用中所体现出的最大特点是在同一画面中具有强烈的色彩冲突。在这种色彩的强烈反差中，又有着一种难以言喻的特殊的和谐与宁静的感觉。因此，在把西普兰卡色彩的特点在包装中得以运用时，可以用纯净肃穆的黑色打底，使其他颜色的对比更为突出，主题和图形特征更为明确，从中体现出独特的民族特色。除黑色外，红色也是一种不错的选择，可以以红为主，以黑为辅，在包装的设计中错落有致的出现，使之更加具有活力，再在包装中适当的添加其他色彩，使包装整体色彩具有对比感和层次感。最后，适当处理各种色彩在包装中出现的比例和所在位置，对整体效果进行估计，使包装在色彩上达到完美与协调。正如马克思说的“某种意义上还存在着一种规范和不可企及的标本的意义“。

第3篇：艺术的审美作用范文

【关键词】艺术类高职院校 大学语文 审美教育 作用 策略

2007年3月，教育部高教司下发《关于转发〈高等学校大学语文教学研讨会纪要〉的通知》，艺术类高职院校大学语文教学改革也随着全国高校的大学语文改革逐渐升温。其中针对艺术类高职大学语文教学中的审美教育，相关学者及一线教师在普通高校、一般高职高专院校研究基础之上，进行了有限的针对性研究。他们或从大学语文教材中的文本本身所具有的审美性出发，进行课堂教学方式方法的探讨；或从大学语文教学课堂评价标准的角度论述关注学生精神成长的重要意义，以彰显其课程审美意义；或从大学语文的功能性方面强调审美性的核心地位。然而这些研究或只停留在文本层面，广度上有待延展；或在研究方向的精准度上有待深度探讨。

笔者作为艺术类高职院校一线语文教师，在多年的教学过程中，对大学语文的教学对象、教材、教师、教学方式方法、教学评价等问题进行了深入的观察、研究，进而对本学科的功能作用做出如下定位：艺术类高职院校大学语文教学应以其人文性为核心，工具性为基础，审美性为实现其教学目标的切入点，逐渐培养学生良好的审美能力和审美品质。

一、艺术类高职院校大学语文教学中审美教育的地位作用

如何定位大学语文的功能作用？首先必须从教学对象出发。与普通高校和一般高职高专院校的学生相比，艺术类高职院校的学生是一个特殊的群体，具体表现为以下两点：1. 与普通高校的学生相比，他们的文化课底子薄弱，学习兴趣不高，学习方法不对路，更有甚者学习态度不端正，厌恶学习；2. 与一般高职高专院校的学生相比，他们同中有异，相同点如第一条；不同点在于，艺术类高职院校多数学生的专业与艺术相关，他们的思维方式较为感性、发散、灵活，多年的艺术熏陶使得他们对艺术和美的理解较为深刻。

综上所述，不难发现大学语文作为一门人文素质必修课，如果继续沿用中学语文的教学思路、方法，必定会被学生排斥，最终走入绝境。同时我们更加不能无视：正是艺术类高职院校学生的独特性给大学语文教学关上一扇门的同时也为它打开了一扇窗，这扇窗就是审美。大学语文的审美借助文学作品实现，文学与艺术是相通的，这正是艺术类学生的兴趣点和较为自信之处。如果教师把审美教育当作大学语文教育的切入点，从审美的角度与学生进行沟通，学生会因产生共鸣而积极参与到教学互动中。这就会成为实现大学语文教育人文性和工具性目标得以实现的切入点和关键，进而促使学生形成良好的审美能力和审美品质，促进其对专业艺术学习的理解。

二、艺术类高职院校大学语文教学中审美教育的实现策略

大学语文的审美教育是一套系统工程，需要在以下方面做出改革才能顺利实现其人才培养目标。

（一）教材的编订、教学方式方法和教学考评制度是审美教育成功的决定因素

1. 教材的编订。

近几年来，随着高职高专大学语文教改的深入发展，大学语文教材建设取得了令人瞩目的成就。其中较有特色的是2012年以文化部、全文化艺术职业教育学会牵头编订的《大学语文》，采用“主题+文选”模式，兼顾了大学语文的人文性、工具性、审美性及职业核心能力的培养，围绕几个核心思想选取了古今中外的经典名篇，既能突出经典，又能与学生艺术专业契合，体现了编者的别具匠心和教育理念，成为艺术类高职院校大学语文课程的首选教材。

2. 教学方式方法。

契合的教材为大学语文审美教育提供了一个良好的开端，而教学过程的成功还需要有一套良好的教学方式方法。传统的、单纯的、封闭的审美训练方法是不可取的。教学方式方法的选择必须以教学对象为首要标准，以调动学生的兴趣，激发他们的审美感受为目标。具体做法如下：

（1）篇目的选择。

针对不同专业的学生，根据他们的专业特征、性格特点及学习方式，选择能被他们接受的篇目。如针对舞蹈、戏剧专业的学生，无须给他们选择《大学》《中庸》等艰涩拗口的文章，只需选择《论语》《孟子》等这些耳熟能详的语录或故事，更能激发这些从小就擅长背诵的学生的兴趣。

（2）教学形式的选择。

以诗歌为例，过分的讲解反而会毁灭其艺术美，不如采用朗诵比赛的形式。为了保证最终效果，每次活动的准备、教师指导和演练必须在课上，有计划，有步骤，有阶段性结果。首先制定比赛规则，在规则的制约下进行下一步准备工作。其次，为了保证读音准确，每个人或小组必须通过查字典确定读音；要想把感情读准确，必须理解诗歌意思、作者的创作背景及创作意图，甚至需要细细体味诗歌的内涵，还可以上网搜索诗评或诗歌鉴赏之类的文章，以帮助自己更准确地把握诗歌的情感。再次，为了把诗歌朗诵到位，还需要反复练习，包括运用相关的动作与表情等。这样，大学语文课堂就真正变成了以学生为主体的课堂。再如，对一些有意思的故事或经典的戏剧，可以让表演专业的学生排练，进行巡演或专门展演。在此项活动中又衍生出来另一批团队，如剧本创作组、导演组、美工组、摄影摄像组等，几乎可以实现全员参与。

（3）审美教育过程中思维训练模式的选择。

艺术类高职院校的学生大多已经成年，拥有较为成熟的思维逻辑，并且他们学习语文的目的不是为了参加高考。因此，大学语文的任务并不是教给学生一个专制的、“正确”的结论，而应当是敞开审美的思维空间，引导学生自主形成醇正的趣味和品位。例如对于鲁迅散文《聪明人和傻子和奴才》、司马迁《垓下之围》等作品，教师与其自己在讲台上唱独角戏，不如还学生一个舞台，让他们谈一谈自己的感受，或者干脆来个辩论赛，让学生们各抒己见。

（4）教学设备的选择。

根据不同的教学内容和教学形式，应选择不同的教学设备。例如学习张若虚的《春江花月夜》，完全可以以人为教具，让舞蹈系的学生跳一段同名舞蹈，跳的过程中可配以诗歌朗诵；学习曹雪芹的《黛玉葬花》，可以直接用多媒体播放一段电视剧或戏曲。这都会对审美教育起到辅助作用。

（5）提升职业能力的选择。

高职教育的理念就是“以就业为导向”，培养学生的职业能力。所以，教师在大学语文的审美教育中，一定也要贯彻这一理念。例如，讲到徐志摩的《偶然》等作品时，可以让学生去大自然、社会中寻找那一刹那的美或感动。那么如何将这种审美感受记录并传达出来呢？摄影摄像专业的学生可以用手中的相机或录像机拍摄下来，播音主持专业的学生可以用语言文字的形式描写出来，美术专业的学生可以用画笔描绘或者把图片和文字制作成PPT呈现出来。这些都是用自己的专业能力来表现内心情感的方式。

3. 教学考评制度。

教学考评制度一定不能死板，要体现动态评价的原则：把过程性评价与终结性评价相结合，项目展示考核与试卷考试相结合。

（二）师资队伍建设直接影响审美教育的效果

大学语文课程涉及范围很广博，教师不仅要有过硬的专业素质，还要有全面的知识结构，通晓古汉语、古文化历史、哲学、美学等知识。此外，教师还要具有极高的教学艺术修养、极强的组织协调能力和亲和力。因此，艺术类高职院校要构建一支结构合理、学术分支健全的师资队伍并在教学中实现传帮带的良好风气。

（三）大W语文的课程体系建设即配套课程的建设与审美教育相辅相成

艺术类高职院校大学语文所占课时有限，而审美教育却是一个长期训练的过程。因此，为了保障教育效果的实现，需要建立并完善大学语文的课程体系。这个体系的建立，可以以一系列选修课或专题讲座的形式实现。如《名著影视作品欣赏》课作为河北艺术职业学院的大学语文课的配套课程，以选修课的形式安排在刚刚结束大学语文学习的大二第一学期，对大学语文课起到了延展和强化的作用。

艺术类高职院校大学语文的审美教育作为教育教学活动的切入点，恰恰抓住了学生的艺术性这一本质特征，投其所好，并且以学生喜闻乐见的形式寓教于乐，寓美于教，让学生在审美愉悦中学到了知识，掌握了能力，涵养了品质，最终体现了大学语文教育的人文性、工具性和审美性，为学生职业能力的提高积蓄了力量。

【参考文献】

[1]叶朗.现代美学体系[M].北京：北京大学出版社，1999.

第4篇：艺术的审美作用范文

插图的美学特征是显而易见的，如：目的性、实用性、通俗性、形象性、直观性、创造性等等。儿童读物插图除了插图普遍具有的美学共性之外，还有其自身独特的审美内涵和美学特征。其中最突出的有下述几方面特性。

趣味性――“趣”指表现在艺术作品中能给人以美感的生活情趣。趣味是审美欣赏中的一种偏好和情趣，可体现为儿童这样一个群体的审美倾向。儿童读物插画普遍具有使人愉快、使人感到有意思、有吸引力的特征，这是儿童读物插图一个十分重要的特征。有趣味的插图才能吸引儿童的关注和兴趣，才能吸引儿童的注意力，才能吸引儿童接着读下去，才能起到图书的作用。

幽默性――儿童读物插图具有有趣、可笑、意味深长的审美特性。幽默是运用夸张、比喻、转换、对比等手段，通过反映情节中的某些现象和情感变化等来间接、含蓄地传达某种意念和信息。幽默感是儿童读物插图审美特征的重要组成部分。插画家们用的丰富的人生经验，对于描绘的对象进行特别的观照，赋以一种幽默型态的表现，使情节更加妙趣横生。同时，反映和提示出平凡事物表面下掩藏的深刻本质，让儿童读者在轻松愉快的笑声中引发出深度的思考。

幻想性――儿童读物插图常常让读者产生幻想，以某种理想或愿望为依据，对还未实现的事物进行想象。插画家在绘画时绘入了浪漫、神秘、甜美的意绪，也有忧伤、不安、恐怖的情怀，这些情绪给读者们带来进行想象的空间。

拟人化――儿童读物插图中常常将所要表现的对象（如动物、植物、器具等）予以人格化，并赋予其新的内涵。比如动物会说话、房子长了脚、云朵有表情、花朵们跳舞等等。插画家们根据主题和情节的需要，运用拟人化的手法创造出生动活泼、天真可爱、幽默风趣的形象，具有一定的生动性、奇特性和亲切感，容易受到儿童读者的喜欢和欢迎。

稚拙感――很多插画家表现画面时常常故意使用幼稚笨拙的表现技法，因为这种感觉更接近孩子本身在绘画上的表现方式，更有童趣，更让孩子觉得熟悉和亲近，也更易于儿童接受。

夸张与变形――儿童读物插图创作中的夸张与变形是常见的特性。夸张是以现实生活为依据运用丰富的想象力和各种对比因素及变形等方法，对画面形象的某些典型特征加以夸大和强调的一种表现形式。变形是在夸张的基础之上有意识地对自然原形在某种程度上加以改变，使其偏离正常的标准、比例、结构、性质形态，它完全是插画家的一种主观意识行为。变形是夸张的需要，变形与夸张互为联系，相互依存。夸张以不改变对象基本形为前提，而变形则既可改变形象的基本形和固有特征，也可改变其局部特征。在儿童读物插图中，夸张与变形的形象比比皆是。夸张与变形使原有的事物的基本形得以改变，从而特征更加的突出，使儿童在欣赏过程中会有更加强烈的视觉刺激，从而也更加吸引儿童的注意力。

第5篇：艺术的审美作用范文

关键词：城市环境雕塑艺术审美特征

城市环境雕塑简称城市雕塑，是现代城市建设和环境艺术的产物。现代城市雕塑与古代雕塑在功能上有本质的不同，古代雕塑主要服务于宗教，以雕塑为载体宣扬宗教教义，多雕刻于洞窟和寺院之中，没有环境艺术的本质概念。而现代城市雕塑作为公共艺术的重要组成部分，是在物质环境满足人类生存和行为方式等基本需要的同时，给环境注入人类意志、理念、情感和美感的综合性艺术。公共性是现代城市雕塑的显著特征，这就决定了现代城市雕塑在现代生活中所具有的公共环境艺术的本质，也决定了现代城市雕塑在与环境的共生中自身所具有的不同于古代雕塑的审美特征。

一、尺度与美感

自20世纪中叶始，欧美等国家一些建筑师和艺术家提出了“环境艺术”或“环境意识化”的概念，人和空间的关系就被提到了首要位置。在对待与环境相关的城市建筑、城市雕塑、壁画、园林等艺术时，雕塑家不再孤立地把城市雕塑作品作为目标，而是从文化和审美的视角来关注人们的生存空间，将环境与艺术作为一个整体进行综合性的设计。作为公共艺术的城市雕塑，从设计开始就与环境产生了密切的联系，它必须通过建筑与环境要素相协调才能实现自身的价值，也只有与建筑物及其环境在空间尺度上的和谐才能产生美感，这就提出了城市雕塑设计在尺度把握上与建筑环境空间的关系的问题。

首先，整体考察建筑环境及其地面空间面积关系，这是确定城市雕塑尺度的基本前提。空间是由建筑结构体系间的空地形成的，地面空间的长、宽、大、小、方、圆、高、低的形成，直接和建筑物结构体系的布局组合有关，形成规则的几何形地面空间和不规则的自由地面空间两个概念。不论哪种地面空间，都由诸多复杂的地面组织元素构成，如花坛、草地、水池、台阶、路面、桥、柱以及栏杆等，它们互相连接，规划出高的、低的、纵的、横的、斜的和彼此交错的地面空间，在视觉上形成各种地面形态，直接或间接地影响着城市雕塑的造型与布局，制约着城市雕塑体积的大小，这就要求城市雕塑的设计必须因地制宜，顺应各种具体地面结构形态，同建筑的结构逻辑之间保持着必然的联系。同时，也要巧妙地利用地面上那些必然元素（花坛、草地、水池、台阶、路面）的规律性，使之既不影响地面环境空间结构又能弥补建筑的缺陷，增加环境美感，整体思考城市雕塑尺度大小与地面空间比例的关系，取得和谐统一的尺度美感。

其次，把握好城市雕塑尺度大小与视距的关系。视距指人们欣赏艺术品的视觉距离。欣赏作品获得的视觉美感一方面靠雕塑作品的内容和形式；另一方面靠视距来调整，才能产生完整的视觉效果，符合我们常说的距离产生美。视距的调整有两种方式：一是观赏者的脚步可以前后位移，产生和雕塑远、中、近不同的视觉距离；二是观赏者的位置不变，雕塑的尺度在设计时可考虑其合适的大小变化，最终和固定的观赏点达成协调的最佳的视觉效果。前者是灵活的，适合较开阔的空间环境，而后者是被动的，适合较窄小的空间环境。城市建筑结构不同，地面空间预留也就不同，提供给雕塑家设计的地面空间也就千差万别。面对这些理想或不理想的建筑与地面空间，就要求设计者在追求美也就是和谐的基础上因地制宜，在尺度大小确定方面既要考虑城市雕塑与地面空间的关系，又要考虑观者视距的需要，对城市雕塑进行整体而巧妙的设计，使作品在保持完整性的同时给人以赏心悦目的审美感受。因此，在城市雕塑设计中对尺度大小的把握上，不能脱离实际情况而一味追求抽象的、绝对的、理想中的尺度比例，要与周围的建筑、地面空间的实际空间和观者的审美心理结合，进行深入研究，试验不同尺寸的效果，遵循“尺度产生美感”这一美学原则。二、材料与美感

自然造物给视觉艺术提供了丰富的材料资源，不同的材料体现出不同的质地。从材料的原始状态来看，材料本身就具有自然之美，加上艺术化的设计与工艺制作，材质美在城市雕塑设计中就更为明显地具有了独立的审美价值。

城市雕塑具有实体性，构成实体的物质材料本身便成为城市雕塑作品呈现的一个重要方面。材质对城市雕塑来说，其表现力既体现在内容的传达上，又体现在形式的构筑中。作为物质实体的城市雕塑，其材质自身所具有的审美价值往往通过它的肌理、质感、色彩直接作用于人的视觉，产生审美感受。在城市雕塑所使用的材料中，无论是金属、石材、木材、陶瓷、水泥还是树脂等，这些材料都具有不同的特性，显现出各自特有的材质美。材料的丰富为雕塑家提供了更多的创作空间和传递思想内涵的可能性，雕塑家通过合理的选材，把触觉、视觉的感知与内容形式进行巧妙结合，来提升作品的审美品质。然而，在关注材质自然属性的同时，也应该看到现代城市雕塑是工艺与材料相结合的艺术。尽管可选择的材料很多，每一种材料都会显露出自身所具有的美感，但还是首先要了解材质美在人们视觉心理中的审美作用，以及应用材料的工艺水平，也应注意审美价值与材料价值绝不可等同这一事实。物质属性转化为审美属性并非单纯是由材质纯自然的实际存在引起的，应该认识到开发材料的审美特征，是设计者在充分显现材质本来属性的同时，经过艺术的创造过程产生出来的，是艺术地选择、利用和创造的结果。

材料的多元化与多样性是现代城市雕塑艺术的一个显著特性，现代城市雕塑艺术向着多种材料与多种工艺手法发展，这种趋势伴随着科学技术的发展愈来愈明显。材料的品种与工艺手法的扩展，进一步丰富了建筑、环境与城市雕塑的有机结合点，从而也不断强化了人们认识现代城市雕塑的艺术特性与审美方式。材料天然存在的魅力与雕塑家艺术创造的结合，传递着艺术家的意志与观念，产生了视觉和心理功能的变化和美学上的效果，材料不仅是城市雕塑艺术表现的媒介，而且材料工艺的美感也大大丰富了其整体造型语言。因此，对材料自然形态美的认识，对材质审美价值的发掘以及与建筑空间环境的结合，共同构成了现代城市雕塑的材料的审美观念。

三、形式与美感

城市雕塑视觉形式的产生，来源于雕塑家对某种特定空间环境的把握和对形式法则的创造性运用。城市雕塑艺术形式的创造不同于架上雕塑，架上雕塑的表现形式可以自由表述；而城市雕塑是在限定中寻求形式的创造，是与特定空间环境的统一协调来整体思考的。限定与创造是矛盾的两个方面，城市雕塑设计恰恰是在这一矛盾中通过雕塑家自觉地运用一定的形式规律与法则，融入个人的情感与理想所产生的视觉样式。袁运甫先生认为：“作为城市建设中的公共艺术创作，我们必须要考虑到如何适应大多数市民对待艺术的基本态度和理想追求，并正确地导向更具崇高精神意义的文化境界。”①基于这种认识,我们既要协调特定空间环境与雕塑表现形式的问题，还要考虑到如何适应大多数市民对待艺术形式的适应问题。

现代建筑在功能及风格样式上与传统建筑大相径庭，这就要求城市雕塑的形式应与建筑风格协调一致，从建筑的功能属性、空间环境的特性、工艺与材料的运用三个方面整体思考城市雕塑形式的创建问题。“形式”一词拆开来用，“形”可理解为象，“式”可理解为韵，在整个形式范畴中是韵统象，而不是象统韵。有了这种认识，我们就不难理解，在形式的创造过程中，对“式”的把握是十分重要的。所谓“式”，从整个作品来认识，指的是支撑作品的整体结构关系，是形成“韵”的主要方面，也是产生形式美感的重要视觉因素。

城市雕塑艺术形式的建构，还需要注意对作品“正视面”的把握。正视面也称“主体面”或“主视面”，是指作品整体结构的主体朝向，诉诸视觉。它实际上表现为一种极为明晰的视觉状态，往往是依赖于雕塑主体的朝向、动势的伸展、形象的直观、内容的明确,完成作品整体形式的创建。正视面是建立在对环境空间和城市雕塑整体结构关系把握的基础上而完成的，是感性与理性的统一，是在具体形态展开之时所凸显出来的作品的整体结构关系。成功的正视面的获得，是建构城市雕塑形式美感的关键因素。另外，材料工艺以及色彩的独特运用也是构成城市雕塑形式美不可忽略的方面。

总之，作为公共艺术的现代城市环境雕塑，其审美特征表现在诸多方面，本文仅从尺度、材料、形式方面对城市雕塑的审美特征作了一些探讨性研究。随着社会的不断发展，城市环境雕塑艺术也正在发生着巨大的变化。我们相信，在创造人类更美好的生存环境的过程中，城市环境雕塑艺术将会发挥其应有的审美作用。

注释：

①袁运甫.有容乃大[M].岭南美术出版社.2001.

参考文献：

第6篇：艺术的审美作用范文

人类对于美的认识来自各个感觉器官的体验，是人类精神满足的感知，这是人类生理和心理共同活动、人与物互相融合、直觉和思维互相补充的结果。在设计艺术中，美感不仅是艺术设计形式客观的反映，更主要的是接受者主观的感受和联想。

一、设计艺术美学

设计艺术学和美学都是人文学科，而设计艺术美学是美学的一个分支学科，是一门更新兴、更具交叉性的学科，因此设计艺术美学的基本定位也是人文学科，主要研究人类在设计艺术的创作和欣赏活动中的价值实现问题。在当代西方美学中，对设计艺术的美学研究有取代纯粹艺术美学研究和美的基本原理研究而成为美学的趋势，研究设计艺术美学、走向设计艺术美学是时代的发展趋势。

二、设计艺术的美学内涵

设计艺术的美学是一种应用美学，是把美学原理应用到设计艺术中而产生的一种美学，这种美学消减了生活与艺术的距离，使生活艺术化，艺术生活化，这也是当代社会与文化的一个突出变化。西方学者维尔什在《审美化过程：现象、区分与前景》中认为：“近来我们无疑在经历着一种美学的膨胀。它从个体的风格化、城市的设计与组织，扩展到理论领域。越来越多的现实因素正笼罩在审美之中。作为一个整体的现实逐渐被看作是一种审美的建构物。”对设计艺术的审美应作整体的把握，它的内涵包括功能美、形式美、技术美、生活美等。

1.设计艺术的功能美。设计艺术的功能美主要表现在三个方面：适用、经济、审美。适用兼具实用和使用，设计艺术一定要具备满足人们需求的实际用途，同时还要为人们提供良好的使用方式和使用环境，要使人用起来方便、顺手、舒适、安全等。设计艺术的审美，不是为了美而美，而是功能与审美的统一。

2.设计艺术的形式美。形式是艺术作品内容的存在方式，也就是艺术设计作品的内部联系和外部表象的表现形态。形式美是对美的形式的知觉抽象和概括。设计艺术形式的美学意义与主旨思想的美学价值的有机结合，又包含设计作品本身所显现出来的意境和情趣的美。

设计艺术形式的意境美。设计艺术的意境美体现在两个方面：一方面是把感情化为形态，做到托物言情，情感与境界相和谐，情形合一；另一方面就是凝聚、象征和暗示，做到意在象中，入乎其内，出乎其外，虚实相生。对艺术设计作品的鉴赏和感受，可以使人进入一种情景交融、虚实统一的精神境界，使审美主体超越感性的具体物象，领悟到某种宇宙或人生真谛的艺术境界。

设计艺术的形式美还体现在实用的基础上。实用功能反映在产品的技术性能、环境性能和使用性能上，这三者共同构成了实用功能。在设计艺术实践过程中，尽管实用功能是最基本的功能，但是实用与审美两方面的功能的侧重却要视不同类型和不同档次产品而各异。

设计艺术的形式美还体现在简洁上，尤其是在现代设计艺术中。简洁体现出视觉的完整、单纯和一目了然的特点与当今社会所倡导的快节奏、高效率和节约时间的生活方式相吻合。简洁的本质表达出的效率显示了人类社会发展文化的基本特征，人类发展的文明史实际上也就是不断提高生产、生活效率的历史。

3.设计艺术的技术美。在西方美学史上，纯艺术一直是主流美学研究的主要对象，美学因之称作“艺术哲学”。美学家们忽视了技术美的存在，从手工业时代到大工业时代，直到今天的信息时代，技术美一直存在着。技术美作为设计美学的基本概念和基本范畴，它具有自己独特的审美个性，即功利性、物质性和情感性。人类最早的设计活动，是从实用功利出发的，而审美意识是在实用意识中孕育而成的。

4.设计艺术的生活美。设计艺术的本质，就是对人们生活方式的设计，生活美就是设计美学的主要范畴；社会生活方式（劳动方式、娱乐方式等等），往往决定了设计艺术的审美本质。设计艺术之中的生活美，实实在在地存在于人们的日常生活之中，如服饰的美、家具的美、交通工具的美、产品的美等。

第7篇：艺术的审美作用范文

我国社会主义文艺是在党领导下的人民大众的文艺，是为人民服务，为社会主义服务的。科学的历史唯物论和辩证唯物论，使我们能够认识一切事物的本质及其发展规律。在初期，新秧歌运动的兴起，推动了我国无产阶级文艺的蓬勃发展。当时解放大军打到哪里，秧歌就扭到哪里，腰鼓就打到哪里，人们称之为翻身秧歌，进军腰鼓。可见，当艺术和时代的脉搏一起跳动，反映了社会生活，反映了人民的思想感情时，它将产生巨大的社会作用。

舞蹈是最古老的艺术之一。我国各民族古代的先民们，早就以歌舞这种形式，来传授生产知识和战斗知识，寄托本民族的理想和愿望，进行广泛的社交活动，做为团结自己，教育后代起着巨大的社会作用。它与人们的生活紧密相连，与一个民族的盛衰兴亡休戚相关。至今在我国的边远地区少数民族中，在婚丧嫁娶，治病祛邪，耕耘播种，祈求风调雨顺等活动中，还可以见到远古舞蹈的痕迹。文艺作品的社会作用及所产生的社会效果是客观存在的。做为社会主义的文艺工作者，要时时刻刻意识到自己的职责，应该创作一些什么样的艺术作品，以满足广大人民的精神生活需要。

有些人认为舞蹈只是娱乐，甚至有些舞蹈工作者自己也认为舞蹈艺术仅仅是娱乐，从而抹杀了舞蹈的其他作用，这是可怕的。"舞蹈是一种有节奏的、常合着音乐节拍的身体动作，用以表达感情、思想，表现故事情节，或仅仅为了娱乐。"这是西方不列颠百科全书对舞蹈的撰写。在这里我们并不否认舞蹈有其娱乐作用，但是我们还应该用辩证统一的观点看舞蹈的其它作用。群众看电视、电影和文艺演出，要从中得到娱乐和休息，你通过典型化的形象表演，教育寓于其中，寓于娱乐之中。这就是从事物的本质上运用辩证的观点看待文艺作品"寓教于乐"作用，娱乐和教育是不可分的。舞蹈做为艺术的一种，与其它艺术门类一样，都要反应生活，塑造鲜明的艺术形象，表现人物的思想感情，充分发挥艺术作品的审美价值和社会作用。

表现什么和怎么表现，始终是围绕艺术创作的最大核心问题。由于舞蹈艺术特点不是用语言，而是用人的形体动作来反应生活，表现人的思想感情的，这就决定了它在题材的选择和撷取生活的角度上有更多的考虑。任何艺术作品都包含了人的思想感情，不表达任何思想感情的作品很难称得上艺术。"荷花出淤泥而不染"显示了人的高洁品格。"托物言志"物与志相映才能生辉，"借景抒情"情与景交融才能照人，情是人有感于事物，才发于内而形于外。一个艺术作品首先应该让人看懂，才能引起人的共鸣，否则就成了单纯玩弄辞藻的无病，或是自我感情的陶醉与宣泄，引不起观众的任何反响。舞蹈"拙于叙事"并不是不能叙事，一些富有情节的舞蹈和舞剧，不叙事就不能将故事情节交代清楚。叙事包括对生活的高度集中高度概括和凝练，对情节的选择与结构。要去其枝蔓，留其主干，择其细节，抓住"情"处，以"舞"体现。切记平铺直叙，就事论事。我们有些富于情节的舞蹈作品，之所以不感人，往往是陷入了单纯表现事件的过程，从而形成了见事不见人，见人不见舞，，见舞不见情的结果。就这样故事情节表现清楚了舞蹈也就结束了，引不起人们的联想和深思，激不起感情的浮动，艺术作品的社会效果也难以达到。舞蹈是艺术，不是单纯的技术。任何事物都是辩证的，我们不能抛开作品的主题思想单纯的谈形式，也不能不顾形式而单纯的谈内容，艺术作品的内容和形式是不可分的。有很多优秀的舞蹈作品，都取得了很大的社会反响，起到了团结人民，教育人民，鼓舞人民的强大作用，充分发挥了舞蹈艺术的认识作用，教育作用和审美作用。

第8篇：艺术的审美作用范文

西方美学的影响在20世纪末的中国经历了一个盛极而衰的过程。西方美学特别是德国的古典美学曾经吸引、感召和造就了一大批人文学者。它所起到的社会解放作用是其它人文学科望尘莫及的。美学为当时人们的生存状况赋予了一种极为理想化的意义,即审美作为感性与理性的统一所昭示的生存自由。但是,用西方理论家阿尔都塞和伊格尔顿的术语说,这不过是一种意识形态,一种对现实生活的想象的表述。本章主要从美学的层面探讨生活艺术化和审美经验在当代社会中的命运;在描述这种美学意识形态的产生、发展和社会作用的同时指出,由于1990年代以后中国急遽向商品社会转化,美学的上述意识形态功能也因之逐渐丧失。不仅如此,审美本身由于资本的同化作用已经成为一种客体的、物质的、量化的存在。这是当年的唯美主义者所无法想象也难以承认的。

一、 1980年代的美学热

中国在20世纪70年代末至80年代兴起了一次美学热。在学术界、文艺界,美学与艺术问题引发了无数次热烈的讨论。首先是1977年诗人何其芳披露了1961年关于共同美的谈话,引起文艺界对人类审美意识的是否具有共同性的大讨论,一直持续到1981年左右。接着就是马克思《1844年经济学-哲学手稿》在1980年代初再度引起人们的高度重视。特别是《手稿》中蕴含的美学思想即关于自然的人化、人的本质力量的对象化和劳动创造了美等命题被看作是现代美学的理论基础。到了1980年代中期,主体性美学,特别是朱光潜的主客体统一理论和李泽厚的实践美学,已经成为学术主潮。当刘再复的《论文学的主体性》(1985-1986)发表之后,主体性美学的讨论在更为通俗的层次上展开,因而也更为深入人心。1

今天看来,当时人们对于美学的热情确实超乎寻常。那时美学专题充斥于各种学术刊物2, 美学专着层出不穷,美学译着也是汗牛充栋。西方近现代的许多美学着作均被翻译成中文。李泽厚主编的一套美学译文丛书覆盖面很广,包括克罗齐、科林伍德、杜威、克莱夫·贝尔、苏珊·朗格、玛克斯·德索、托马斯·门罗等人的着作。3 甘阳主编的现代西方学术文库也选录了马尔库塞和耀斯等人的美学着作。4 有趣的是,西方一些非美学领域的学术着作,比如某些符号学着作,也被冠以美学的题目出版。如巴尔特的《符号学原理》(1964)的一个中文本的译名为《符号学美学》(1987)5。 在一些课本教材中,西方文论的各个流派最初也是被当作美学流派加以介绍的。6 这可以说是文学理论研究中的一种泛美学化倾向。美学跨越了学科的边界而不断扩张,其号召力和影响力可以略见一斑。当时无论学者教授还是年轻的文学爱好者,都以谈论和研究美学为时尚。美学一时成为社会科学领域中的显学。朱光潜、李泽厚的美学着作甚至在社会上非学术圈子里广为流传。和今天的畅销书相比,它们的销量也绝不逊色。

与此相呼应,中国自1980年代以来对西方以文本为核心的形式主义文论也进行了系统的翻译与介绍。俄国形式主义、英美新批评、芝加哥学派、原型理论、结构主义诗学的主要着作在中国均有翻译,其代表人物也有详细的介绍。这些翻译介绍引发了人们对文学独立性的思考以及对文学文本的关注。特别是韦勒克和沃伦的《文学理论》(1942)的翻译出版(1984),在文学理论和文学批评领域产生了广泛的影响7。 他们所提出的文学的内部研究和文学的外部研究的区分,8 成为形式主义文学批评的理论依据。文学的内部规律和审美特性,也就是形式主义文论家雅可布森所说的文学性,受到极大的重视。

这场声势浩大的美学热以及文艺界对文学独立性的追求是值得深入反思的。它的意义远远超越了当时所涉及的理论问题。那时的热门话题诸如美的客观性、主观性、实践性及其主客体关系以及艺术的内在形式等问题至今也没有得出一致的结论。但是,在美学争论中形成的一整套关于审美经验的话语,即对主体性的探讨,对审美感性的强调,对文艺独立性和所谓内部规律的研究,使审美本身获得了前所未有重要性,也使文学文本获得了一种非政治化的存在基础。文学似乎可以脱离思想意识形态,脱离社会生活的其它部门,成为一种独立自主的存在。文学的认识功能和政治工具功能让位给一种更普遍、更抽象、更感性化的功能,即审美功能。文学艺术首先是一种审美活动,它本身自有特定的规律。文学不是知识,更非政治,它诉诸于人的感性。

我们应该记得,在此之前的传统美学理论和文艺理论是强调理性、认识论以及社会性的。别林斯基、恩格斯和卢卡奇的典型说是权威的理论,自1940年代末以来在中国学界占据了主导地位。此外,形象思维也是当时最有影响力的概念,对这一概念的梳理和讨论构成了文艺论争最重要的组成部分。典型理论强调的是历史发展规律;而形象思维概念强调的是艺术的认知功能。虽然它们不排除文艺的感性存在,也认可典型的生动活泼的个性与形象的审美特点;但实际上这种理论的意义恰恰就在于超越人的个性与感性存在。从某种意义上可以说这是对于个性和感性的一种否定形式。感性的形象仅仅是对社会生活理性认知的途径;个性化典型的背后是抽象的时代共性。正是在这种政治

第9篇：艺术的审美作用范文

【关键词】点线面服装设计视觉审美

一、引言

点、线、面是美学语言中重要的内容，在现代派绘画、现代主义设计中发挥了重要的作用。服装设计是指运用美的法则将点、线、面协调组和的过程。在服装设计中，点、线、面的作用表现得更为明显，因为无论款式如何变化、流行趋势如何变化，服装设计依然是运用点、线、面三种语言创造新式服装的过程。所以在服装设计中，对点、线、面的性质、特点的把握与运用成为必然的选择。

二、点在服装设计中的审美作用

1.点的性质与特点。虽然在数学中点是没有大与小的区别的，但是在艺术学中是没有必要遵循这种分类的，我们完全可以说点就是服装设计中最小的元素。这些元素一般是指服装上的门襟扣，其次是袖扣、肩扣、腰扣、领扣、袋扣等，但也包括小口袋、胸花、装饰小绊或蝴蝶结等因素。正是因为有了这些“小”元素的大小、疏密、轻重、虚实的组合与排列，使整件服装获得了不同的艺术效果，充满了生命的灵动与艺术的美妙。

2.点的审美表达。服装设计师对服装视觉效果的把握,主要是通过点的位置、排列、形态等元素的布置，从心理上影响人的观感。例如，通过服饰上领结数量的变化、扣子数量的变化，等等，便是这个道理。另外，无论是服装上一个或多个领结，一个或多个纽扣，除了其实实在在的功能性作用外，还可以起到标明位置，吸引人的目光的作用。点的数量的增加会相应的增强稳定性，在视觉上完成心理学上所谓的“完型”过程。如若将服饰上的点增加到三个，则会在局部区域形成雄沉的力量组合，还可以分散观者的注意力，同时在视觉移动的过程中，形成某种小的趣味。依据完型原理，在局部位置上相近的点会使人在视觉上有连成一条线的感觉，又或者是通过其它美学原则中的重复、节奏、韵律等，达到预期目的。

一般来说，要想取得圆润感，宜采用曲线，要想取得动感，宜采用斜线，要想取得稳定感，宜采用水平线。从点的色彩来看，点和点所在的面有图和底的关系。点和点所在的面的色差大，这种图底关系就会表现得很明显。点和点所在的面的色差小，这种图底关系就会很弱。从设计师对点的表现看，会用少量的点完成形态的变化，用数量多的点表现排列形式的变化。点在服装中主要是通过视觉发生作用，点的排列可以形成线，使人产生错视，横向排列的点会使服装有宽大的错觉，而产生修长错觉的一般是垂直排列的点。点的集合力度高或者有着明显的疏密关系时，便会产生不同的透视、立体或者运动感。我们在服饰设计上经常见到的以点这种视觉形态出现的有纽扣、耳环、饰针、胸花等，它们的作用主要是为了装饰，并以不同的层次成为视觉焦点。

三、线在服装设计中的审美作用

1.线的性质与特点。当代服装设计中的线可以有宽度、面积和厚度等诸多变化，当然还有形状、色彩、质感等的变化，这些都可视为充满生命力的线条，在服装设计中经常出现的流苏、腰带便是如此。大多数人都认为线条本身是无所谓情感的有无的，但是现代派艺术家如康定斯基，就坚定地认为线条中会有人的情感的投射，现在，这种理论在服装设计中已被越来越多的人所采用。

2.线的审美表达。线条可以简单的分为直线和曲线，具体到服饰中又分为轮廓线、结构线、装饰线。人们常常是把坚毅、刚强、硬朗以及男性看作是与直线的特性相对应，在男装服饰中便常常会看到表现理性、稳重感觉的直线条。如前所述，设计师常常用斜向线条表达轻松活泼、健朗飘逸的感觉，在表现运动感时，则多采用数条平行线。许多运动服饰上会有此类线条的运用，甚至是以此作为产品的LOGO，多条线条相互交叉会产生向心的感觉，还有的会在服装设计中采用不对称的线条造成剧烈动感，运用的也是这个道理。人们常常把曲线与女性、婉约、感性等特性与曲线联系在一起。

四、面在服装设计中的审美作用

1.面的性质与特点。面在服装设计中是一种与点/线相对应的美学概念、美学语言，面比点大，比线宽。服装设计中的面对人的视觉效果的影响，主要是通过面在服饰中的位置、大小、形状的不同形成的。面的形式，既有具象，又有抽象。具象的面是指以自然界中本就存在的事物为模仿对象，具象的面竭力追求一种原始自然的意象，表达轻松、随意、可爱等情感。抽象的面则是对自然物象的概括与总结，着重表达的是对理性、秩序的崇敬，但也可能表达的是相对的概念，如荒诞、怪异等。服装设计中对面的表达运用的是综合手段，这其中当然离不开点与线的辅助。

2.面的审美表达。服装设计对面的表达并不是纯粹的，即并不可能是单独运用面这一个元素进行，必须借助点、线、色彩的辅助才行，甚至我们根本就可以这样想象：面，只有在点、线、色彩的辅助下才会有存在的可能，面根本就是由点、线、色彩组成的。服饰中对面的表达，对于我们来说并不陌生，例如对花纹的表现，还有的服饰只有底色没有花纹，这样整件服饰就都可以看成一个立体的面，有的还会用不同质地的材料的组合造成剧烈变动的肌理感和视觉刺激。

五、结语