综合音乐欣赏论文精选(九篇)

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第1篇：综合音乐欣赏论文范文

关键词：初中音乐；教学；乐感；鉴赏能力

中图分类号：G633.5文献标识码：A 文章编号：1673-9795（2014）05 （C）-0000-00

乐感指的是一个人对于音乐的感知能力。乐感可以帮助人们对音乐有更好的理解，并更好地辨别音乐元素。初中音乐教学要重视培养学生的乐感，提高学生的音乐鉴赏能力。为了提高学生的乐感及鉴赏能力，需要学校与教师等多方面的共同努力，学校要加强音乐课的重视程度，教师要努力探究科学的教学方法与创新的教学模式，使学生的综合音乐水平得到提高。

1培养中学生乐感的策略

1.1强化基础训练，多进行视唱

音乐是声音的艺术，有着悠久的历史与丰富的内容形式。良好的音乐理论基础是培养乐感的基本保障。因此教师在教学的过程中首先要加强学生音乐基础的训练，然后再进一步深入地学习音乐知识。要鼓励学生平时多进行听觉训练以及视唱。良好的听觉能力是培养乐感的基础，有了良好的听觉才能更好地对音乐进行感知。在听觉训练的同时要引导学生进行视唱，先进行旋律的视唱，在对旋律有了良好的理解后再唱歌词。要由浅入深地引导学生，循序渐进地将学生的音乐基础提高。

1.2利用丰富的音乐形式，培养学生乐感

音乐是高低、长短、强弱不同以及音色有的差异的声音有序排列组织而形成的艺术，有着多种多样的形式。因此教师在教学过程中要认真地选择音乐形式，挑选不同风格形式的音乐来对学生的感官进行充分的刺激，诱导学生形成自己的审美标准，来辨别音乐的表现形式以及表现手法。学生在欣赏音乐时要全身心投入，建立起心中的听觉。教师可以利用学生喜欢的流行音乐对学生的兴趣进行激励。例如在听完《怒放的生命》后，教师可以引导学生对音乐中表达的意境做出感想，体会到音乐中对旺盛生命力的表现。再通过不同风格的作品来突出这一特征，给学生留下深刻的印象。

1.3鼓励学生自主演唱，以巩固乐感

培养乐感是提高学生综合音乐素养的手段，教师为了培养学生的音乐欣赏能力，要多鼓励学生进行歌曲的演唱，并从中了解到歌曲的情感以及歌词中所表达的意思。这对于培养学生对音乐的理解能力有着很大的帮助。

2初中学生音乐鉴赏能力培养

音乐鉴赏能力是对音乐作品进行综合分析领悟的能力。目前初中音乐教学对学生的音乐鉴赏能力的培养越来越重视，那么如何培养学生的音乐鉴赏能力呢？

2.1建立良好课堂环境，激发学生学习兴趣

良好的课堂环境对学生的学习状态以及学习兴趣有着直接影响。教师在上课时要对座位、音乐家画像以及背景音乐等多方面下功夫，努力为学生打造一个气氛轻松愉快的学习环境，以便充分地提起学生的学习热情。另外，可以在课余时间以校园广播的形式对学生进行音乐的熏陶，使学生在潜移默化中感受到音乐的魅力，提升音乐鉴赏能力。

2.2提高学生主体地位，丰富音乐教学方式

在新课改的影响下，学生在课堂上的主体地位受到了越来越多的重视。音乐课堂也应不失时机地改变传统的教师讲解为主的课堂形式，充分地调动学生的积极性，改变学生被动接受知识的现状，反客为主，在课堂上进行自主学习。自主学习可以提高学生的学习积极性，并能帮助学生更好地对音乐进行欣赏与理解。在课堂上要注意师生的角色转换，以学生为课堂的主体，教师在一旁以向导的形式进行引导。例如在鉴赏《梁祝》时，教师通过引导学生对音乐进行欣赏，让学生在课堂上对音乐中包含的主题进行分析讨论，教师在一旁进行引导，让学生自己感受到乐曲中描绘的唯美爱情故事，这样可以提高学生自主进行音乐鉴赏的能力。

2.3运用对比教学方式，培养学生鉴赏能力

在音乐教学中，常常引入对比教学法。对比教学法可以引导学生在分析音乐时在各方面进行对比分析，有助于培养学生的音乐鉴赏能力。学生可以在对比分析的过程中对不同的音乐中的创作、演奏技巧等多方面的不同有更深刻的理解，并充分地理解音乐中的情感。在教学中，教师首先要针对同一作品进行不同演绎形式的对比，引导学生对不同演绎形式的优点与不同进行分析总结，并从不同角度来对作品进行对比分析，从而得出最终的结论。另外，教师还可以引导学生进行不同作品之间的对比。由于作品的不同，在演绎方式、表现形式等方面都有着一些不同之处，教师要引导学生对这些不同点进行认真的对比分析与总结。例如在对《春江花月夜》与《野蜂飞舞》两个作品进行对比时，可以从主体形式、演奏方式等多个角度来进行分析，再引导学生找出两者共同点，即都是对作者心情的表现。通过引导学生进行不断地思考，可以提高学生对于音乐的分析总结能力，进而提高学生的音乐鉴赏能力。

2.4有效地利用多媒体，在感官上刺激学生

随着科学技术的发展，学校中多媒体教学已经基本普及。音乐教学要充分地利用多媒体设备，来提高教学效果和教学效率。相比传统的黑板教学，多媒体课件有着更加直观的视觉冲击力以及更好的影音体验，可以更好地使学生融入到音乐当中，学生可以在完整的音乐情境之下获得丰富的感官刺激，从而对学生的音乐鉴赏能力有更全面的提升效果。充分有效地利用多媒体教学，对音乐教学有着非常大的助力作用。

3结语

总之，培养学生的乐感和鉴赏能力是一个循序渐进的过程，教师应该在今后的教学中不断对教学方法进行优化，并尊重学生的需求，营造一个轻松和谐的学习环境，使学生更好地欣赏与享受音乐，在欣赏音乐魅力的同时提高乐感以及音乐鉴赏能力。

参考文献

[1] 刘利锋.初中音乐教学中乐感及鉴赏能力的培养[J].读与写杂志， 2012（12）：122-122.

[2] 任安莉.初中音乐教学中对学生音乐鉴赏能力的培养分析[J].中国校外教育， 2013（9）：196-196.

第2篇：综合音乐欣赏论文范文

论文关键词:民主性评价 演唱会 创作会 愉悦体脸

《音乐课程标准》提出新的课程价值，倡导新的课程理念，对音乐课程评价提出了建设性的实施建议。意在创设科学的音乐课堂评价方式，有效地促进学生在自信心、音乐潜能、音乐感知、表现力和创造力等方面的发展，从而推动音乐课程的建设与发展。

一、民主性评价构建丰富的舞台

新《课标》中指出的“班级音乐会”能充分体现评价的民主性，营造和谐、团结的评价气氛。定期定量地举行形式多样的音乐会，在班级里提供一个个展示不同艺术风格的舞台，让学生的音乐技能、感受、表现、创作及特长等有充分展示的机会，让学生从中学习自评与互评的方法。有利于教师对学生进行全面的综合音乐能力的了解与评析，更好地促进教与学双边活动的深人开展与提高;也有利于学校与家长对教师教学能力及效果的客观评定，不断完善对音乐课程的管理。

1、宽松愉悦的“演唱会”

唱歌是小学音乐教育的基础性内容，也是学生最易于接受与乐于参与的课堂形式。从歌曲演唱的考核中，可以了解学生在音乐实践活动中的参与态度、兴趣程度、合作情况及协调能力;可以测评出学生的音准、音色、节奏感、气息运用、表现力等技能表现。举行单元性的班级演唱会能及时评价学段的教学情况，促进下一步教学工作的顺利进行，避免学生对“考试”的恐惧心理，更好地挖掘学生的潜能，体现真实的教学水平。“演唱会”的表现形式是自由、宽松、合作的，也是丰富多彩的。师生都是演唱的合作者、表现者，也都是现场的评委。首先老师拟定一个评定方案让学生自评，然后互评，最后老师作指导性的点评或总结。例如给一定的分值，尝试去掉最高分与最低分的做法，让学生体验到公平的原则;参与的方式可以从本单元里自选一首歌曲，进行独唱、二重唱、小组唱、表演唱;或师生进行问答式对唱、或一组演唱另一组歌表演;一组唱歌另一组打击乐;还可以请同学为你钢琴伴奏……无论学生选择哪种形式，完成得较好的学生教师都予以肯定。如果第一次不太好，但能在多次表现中逐渐进步，更应得到鼓励与支持，并选择最好的成绩作为最后的评定结果。在这种宽松、愉悦的体验与表现中，更能激发学生声情并茂演唱歌曲，使学生的自主性得到充分地发挥，不断树立表现音乐的自信心。

2、诗情画意的“听赏创作会”

音乐欣赏在小学音乐教材中占重要的比重。感受与鉴赏是重要的音乐学习领域，是音乐活动的基础，是培养学生音乐审美能力的有效途径。评价学生的音乐鉴赏水平和能力，应该考虑和利用音乐与美术、文学的综合和联系，拓展思路，使之更加广阔。由于学生阅历和文学素养的差异，每个人对乐曲的感受和理解就不同，应该让学生自主选择自己最擅长的表达方式来参与测试。例如:当学生听赏完一首或一段音乐后，他可以选择语言文字来描述，把自己的感受与理解说出来;也可以用线条、图案、绘画将联想到的与音乐有关的画面画出来;中高年级的学生可以尝试配乐诗朗诵或拟题作文;编舞能力强的学生可以创编一段律动或舞蹈来表现音乐的主题。参与评价的方式可以个人展现或小组合作，各小组的听赏内容可以自选，避免雷同。师生根据参与者不同特色的展示结果给予客观评议，各抒己见。评委及时在个人的评价表上作公正的评价记录。评价在民主、轻松、愉悦的氛围中进行，让学生从不同角度审视自己，挖掘潜能，增强自信心。

3、富有创意的“课前十分钟”

创造是学生积累音乐创作经验和发掘创造思维能力的过程和手段，而创设“课前十分钟”的舞台，能为学生提供发掘潜能的即兴创造活动，运用音乐素材再创音乐作品的空间，鼓励探索和实践，相互激励和促进，增强合作与交往，关注全体与个体的全面发展;能深化教师对学生的个性评价与整体评价，有利于教学工作的不断反思与大胆探索。富有创新的课前十分钟就是在每次课程活动的前十分钟，让学生自选内容和形式到台前来展现自我的综合音乐能力。如为学过的歌曲配上表演、配上打击乐，给听赏过的乐曲编读新的故事或配乐表演。也可以利用校本教材或生活中的素材来创作:如模仿一段潮剧中的“青衣袖水”动作，演示一首喜欢的流行歌曲，学唱一小段快板，模拟赵本山学老太太等。在“十分钟”里，我们经常收获惊人的喜悦，体验学生发自肺腑的笑声，感受孩子丰富的表现魅力。

二、建立及时多样的评价记录

我们强调评价的全程化，也一定要做好评价记录的有心人。随时拿起笔记录每位学生的学习成长情况，才能使我们的评价更具科学性。

在实施形成性评价时注重各个领域的相互渗透，以发展的眼光评定效果。可以用“丫J /I”等不同档次作记录;实施终结性评价时，.应该参照整个评价过程的整体性和延续性，给予客观合理的分值或级别，如“优、良、中”等。在当面评价时采用准确、形象的文字作定性评价;而书面记录可采用量化评价。在各种评价记录中一定要重视和体现出学生的自评和互评意见，例如最受同学们喜欢和好评的节目或表演者用深色彩笔“.”作记录。

第3篇：综合音乐欣赏论文范文

关键词：多元整合；学科资源；校园文化；开发渠道

【中图分类号】G 【文献标识码】B 【文章编号】1008-1216（2016）03B-0092-01

音乐课本是国家审定通过的教材，编者在编排时更多考虑到通用性和适用性，对于地方和学校实际考虑得比较少。校本课程抓住国家审定教材的局限之处，以学生的认知和兴趣为基础，紧扣学生日常生活接触的音乐元素和学习渠道，从而实现课程生本化。

一、整合学科资源，让校本课程绽放精彩

我们在研究初中各科教材时，发现不少学科都有与音乐相关的内容，体现了学科之间的交叉与相互融合的特性。在开发校本课程时，教师要考虑到学科资源之间的互补性，以音乐为基础，以互相促进为原则，在整合中挖掘出音乐素材，从而利用其他学科的导向作用，为音乐学习找到共性的方法，促进学生音乐素养的提升。

音乐欣赏是校本课程开发的一个重要主题，教师可以整合学科资源，借助其他学科的作品表达方式领略音乐作品的意蕴。如语文教材中收录一些音乐的创作过程及听众反应的作品，作者以不一样的视角再现了音乐作品创作的过程，这个过程可能是快乐的，也可能是痛苦的，但音乐教材由于篇幅的限制无法再现这些过程，校本课程就可以从这方面入手，促使学生用不同的视角欣赏作品，体会作品的创作背景及欣赏方法。开发校本课程的目的也是促进学生音乐素养的提升，而学科之间的整合是学生综合能力提升的重要资源，学生会在体会过程中理解表现方式。

二、整合校园文化，让校本课程焕发活力

音乐教育是校园艺术文化的有机组成部分，在素质教育持续推进的今天，校园文化艺术节成为学生喜爱的特色活动，丰富多彩的校园艺术活动为学生提供了表现平台，音乐作为校园文化艺术节不可或缺的内容有着重要的地位。但纵观苏少版音乐教材，涉及的校园文化艺术节的内容很少，在开发校本课程时，教师要考虑到校园文化对学生成长的影响，理解校园文化对促进学生多元化发展有着重要作用，将校园文化中的音乐活动设计成教材，通过系统的教材为学生的音乐学习开辟平台。

如学校艺术社团，在苏少版音乐教材上仅提供一些合唱、声乐、乐器等方面的内容，编排时相对比较简单，而且对社团概念也没有过多涉及，学生想利用教材自发组织兴趣社团可操作性不强。在开发校本课程时，教师可以结合学校校园文化的实际情况，结合学生的实际情况，为学生设计几种操作性强又容易推广的社团活动方式，并巧妙融入音乐元素，使学生对校本课程产生兴趣，因为他们发现教材可操作性强，又实用。如合唱社团，教师可以将学生比较喜爱的合唱曲目收录，并将合唱的完整词曲编排进去，并对合唱的细节进行注明，学生社团看到校本课程时，就能自发组织活动。又如，乐器社团，教师可以精心搜集学生喜欢的乐器演奏知识，收集学生喜欢的曲目，设计一些乐曲合作演奏的方法，学生在课后就可以利用校本课程自发组织社团，从而让社团活动成为学生提升音乐素养的重要平台。

三、整合开发渠道，让校本课程释放魅力

音乐的表现具有多样性和抽象性，不同的音乐风格不一样，每个人对音乐的理解不一样，因为他们的生活阅历和音乐基础是不一样的，在开发校本课程时，教师要考虑到音乐表现形式的多样性，结合本地学生的实际，多元化的开发方式能将音乐教育的美感挖掘出来，学生会在校本课程中体会音乐的情感，感受到音乐对生活的影响。

传统的校本音乐开发形式比较单一，难以突破纸质媒体的影响，但在当前背景下，学生接触音乐的途径很多，教材只是学生接受音乐基础知识的一个渠道，学生在课余时间接触到的音乐元素不再是静态的教材资源，他们喜欢动态的、可视化的音乐素材。因此，在开发校本资源时，教师要开拓开发渠道，既立足静态的文字素材，又结合当前学生喜欢的音乐元素，从互联网、电子作品中挖掘出校本课程资源，让学生喜欢的音乐走入校本课程。如，不少中学生对周杰伦的音乐非常喜欢，他的音乐、舞蹈成为学生课后争相模仿的对象，教师必须正视学生现实，主动将周杰伦不一样的成功经历和经典作品收入校本课程。教师可以将周杰伦成功背后付出的不为人知的艰辛呈现，并将他的经典作品收录，学生在校本课程中接触到周杰伦的音乐作品，又能了解周杰伦的成功并不是偶然，而是付出巨大的努力，从而让学生体会到想学好音乐是需要付出努力的。

总之，校本课程是音乐教材的重要组成部分，也是音乐课堂拓展的重要载体。教师在开发音乐校本课程时，要考虑到教材和学生之间的联系，结合音乐教材与学科之间的关系，挖掘校园文化的音乐元素，拓展校本课程的开发渠道，从而让校本课程生本化，促进学生音乐素养的发展。

基金项目：本文系南通市教育科学“十二五”规划立项课题“初中地方音乐课程资源校本开发与运用研究”课题研究论文。

参考文献：

第4篇：综合音乐欣赏论文范文

一、动画音乐能丰富和充实儿童的音乐体验

在动画音乐这种艺术形式中，动画赋予音乐以形态神韵，音乐给予画面以生命活力，二者协同、共生的客观联系对应指向儿童主观的心理内部结构，视觉呈现的方式拓展了音乐的表现途径，为儿童提供了更为直观和鲜明的音乐形象。

瑞士心理学家让·皮亚杰（Jean Piaget）在其创立的“认知发展论”中指出：“我们必须承认有一个发展过程的存在：一切理智的原料并不是所有年龄阶段的儿童都能吸收的，我们应该考虑到每个年龄阶段的特殊兴趣和需要。”②对于儿童早期而言，该年龄范畴正处于皮亚杰“个体认知发展四阶段”中的“前运算阶段”，亦称作“表象思维阶段”。这一时期，“儿童频繁地借助表象符号（语言符号与象征符号）来代替外界事物，重视外部事物，并凭借象征模式在头脑里进行‘表象性思维’。”③

儿童对动画音乐情绪情感体验的产生，来源于“动画音乐”客体与“儿童”主体间的供需关系，是儿童对“现实音乐世界的一种特殊反映形式”，也是对“音乐及相关事物的客观认识是否符合自己的音乐需要而产生的音乐心理体验”④。儿童早期从动画音乐中获得的音乐情绪情感体验，包含以下三种内涵：首先是音乐作品中表现出的、作者在创作时倾注的感情；第二是个体从音乐中切身感受到的情绪；最后是被音乐激发出的、带有强烈主观意识的个体情绪与情感。这三个方面既构成有机统一的整体，又存在着逐层深入的逻辑关系，最终通过生理和心理两种途径，丰富和充实儿童早期的音乐体验。

儿童不仅可以直观体验音乐中的情绪情感，也可以通过动画形象的动作和声音辨别动画中角色的情绪，体现了上文所指前两种体验的联系与转接。动画中一些固定动作的配音，多采用不同乐器的音色和特定的音乐思维来制造音效。例如：从高处滑落的镜头用一连串下行的钢琴音阶来表现，粗暴敲门的镜头用不和谐和弦来代表，猫靠近老鼠时蹑手蹑脚的形象用大提琴的拨弦来表现。在这方面，迪士尼动画短片《猫和老鼠》中的音乐运用堪称经典，其中的《猫儿协奏曲》是代表片段之一：被猫演奏家吵醒的老鼠为寻求报复，调动钢琴的击弦使音乐不断重复。猫演奏的是李斯特创作的、难度较高的《匈牙利狂想曲第二号》，主人公狼狈不堪的视觉形象在旋律中展现得淋漓尽致。

由于动画中被表现的事物或从形态、或从属性，与特定的音响之间有极大的关联，听觉与视觉的通感被激活，儿童从动画音乐中感受到旋律与角色的交相对应。他们在领略音乐的同时，积极寻找感情的对接，进而产生心理上的共振和情感上的共鸣。

儿童早期动画音乐体验的最高层次，正是在这种共振和共鸣的基础上完成。听、视觉的多感官综合刺激唤起他们主动体验音乐的渴望，触发其内心情感的宣泄与表达。瑞士音乐学家库尔特（Emst Kurth）将儿童对音乐的这种需求描述为“心理能量”的“蓄积”与“释放”，认为“这是一种潜在的、不稳定的、出于运动状态的东西，它时刻要求发泄和寻找释放的途径，以达到内在的平衡”。⑤

二、动画音乐能提升和深化儿童的音乐认知

儿童早期从动画音乐中得到的情绪情感体验，处于音乐心理发展的最初阶段。这一环节的量变积累，诱发儿童第二阶段音乐心理的出现，即建立在感受与理解基础上的音乐认知，其内涵是对音乐及相关事物的各种属性进行综合分析的、有目的的音乐心理反应。⑥动画音乐特征与儿童早期音乐认知水平的契合，以及儿童自身音乐认知加工机制的相对完备，使得动画音乐在提升和深化儿童早期音乐认知中产生了不可替代的作用。

1．动画音乐特征符合儿童的音乐认知水平

语言和音乐的互相联结是儿童认知动画音乐的客观前提，儿童早期只有在理解了动画语言之后，才能感受并认知动画中的意义。动画中所采用的语言具备儿童可以理解的词性、语法和语气，且在很大程度上与动画音乐中的音程、旋律、调式、和弦等保持高度一致。

儿童能够较为准确地把握动画语言所描述的故事情节，就初步具备了认知动画音乐的能力。需要特别指出的是，“儿童早期”是一个动态的时间“段”概念，就这一特定时段而言，儿童音乐心理认知水平的高低与其年龄的长幼呈正相关关系。儿童的年龄越长，其音乐心理体验越深刻，对动画音乐的感知能力越强，音乐的认知水平越高。

对此，笔者进行了一次实地测试，以佐证这一观点。实验分为两组进行，对象分别为曲阜师范大学幼儿园的16名中班、小班儿童，测试内容是记录播放动画音乐《鼹鼠与音乐》时两组儿童的不同反应。实验结果如表1所示。

由测试的结果可见，对于相同的音乐内容，中班儿童基于对动画音乐语言的理解，可以领会角色特征，产生高涨、雀跃的情绪，并能简单模仿各种动作，体现出一定的音乐认知能力；小班儿童则因大脑认知水平的局限，不能在较短时间内理解动画的音乐情节，产生积极的心理反应，也就无法完成认知音乐的过程。

上述结论的提出，对利用动画音乐进行儿童早期音乐教育的方式提供了重要启示。在肯定动画音乐的特征符合儿童音乐认知水平的同时，需进一步细化儿童早期年龄的分段与分层，选择与之对应的教学内容和教学方式，开展循序渐进的音乐教育活动。

2．儿童早期音乐认知加工的心理机制

动画音乐集角色、语言和音乐组成的综合音乐形式，具有独特的传递音乐信息的编码方式。多重表征的观点认为，动画音乐包含了形、声、意三种信息表征，它们之间“是相对独立的，不同形式的信息编码被分别输入到不同的认知加工模块中”⑦：动画形码被对应输入到“视觉表象认知加工系统”；⑧而声码中的音效和意码中的音高和节奏，因与动画中的语汇意义相关联，且随着动画角色语言的变化而变化，而被输入语音表征中。

儿童早期对动画音乐的理解与学习，就是在上述分工明确的机制中进行视听觉编码的过程。儿童能结合视觉画面，对音高间的微小差异表现出强烈的“新异倾向”⑨，还可以辨认与区分节奏、节拍等局部性意义信息的变化，体现了早期对动画音乐从知觉表征过渡到音乐认知表征的上升发展过程。

儿童早期的神经加工网络把音高、音色、节奏划分到与其对应的加工区域，各区域或独立、或协作，感受不同要素的变化。认知心理学领域的相关研究成果表明，“大脑前额叶是音高加工的主要负责区，并有节奏感知能力；大脑左侧额下回主要负责语法的加工”⑩，两个区域在行使各自加工职能的过程中，出现了相似的ERP（Event－Related Potentials）{11}成分。这说明音乐和语言在人的生理器官参与加工时，具有重叠的神经来源。由于人在语言和音乐的句法加工中有“共享的神经机制”{12}，二者联结的启动对动画语义加工同样具有积极的影响。而且，儿童比成人“更容易激活左右内侧前额皮层?穴IFLC?雪和右侧上回的前后区域?穴STG?雪的前部”，{13}儿童早期的神经加工网络更容易激活动画中语言和音乐的联结区域。

三、动画音乐能巩固和加强儿童的音乐记忆

“音乐记忆是指过去积累的音乐经验在大脑中的反应，也是一种音乐心理活动过程。{14}依据20世纪50年代的信息加工理论诠释记忆时的心理活动，可将音乐记忆的类别分为 “可记忆的感知信息——感觉记忆——短时记忆——长时记忆”，{15}相应的，儿童的音乐记忆系统分为三个主要框架，即音乐感觉记忆、音乐短时记忆和音乐长时记忆，早期主要以前两种记忆方式为主。

相对于音乐感觉记忆，音乐短时记忆指“聆听和欣赏音乐时，对音乐或者音响的一种印象和反应，大多以即时的回忆和认知的方式表现出来”，{16}它的内容更为广泛、心理机制更为复杂，是儿童音乐教育得以实施的关键步骤。动画音乐对儿童早期音乐记忆，特别是短时音乐记忆的巩固和加强，通过以下三个环节来实现：

第一，儿童对动画音乐的感觉记忆。儿童的各感觉器官在接收电视媒介中的动画音乐时，有细致而严谨的分工：眼睛的感觉记忆保持了看到的视觉画面中所有可接收的光脉冲，形成了视觉表象中的动画记忆；耳朵的感觉记忆保持了听到的可接收的声音，形成了听觉表象中的声音记忆；最后，大脑对这些表象记忆进行短暂的储存，视听觉表象的综合形成了儿童对动画音乐的感觉记忆。

第二，大脑对动画音乐的视听觉编码。动画音乐的整体印象在感觉记忆中不是以其原始的形式被加工，而是被神经系统转化为适于加工动画音乐的符号贮存起来。动画音乐的视听觉编码，指的是大脑对音乐情感记忆信息的再加工过程。在儿童聆听音乐时，“旋律、节奏、节拍等表现手段所构成的音乐信息向脑神经元传递并输入”，{17}形成较前一阶段更为完备的感觉记忆机制。

第三，儿童对动画音乐的语义识记。动画中每个角色的语义既是展现动画角色性格特征的表现手段，亦是大脑保持音乐记忆的重要表征信息。儿童早期容易被动画中的语义刺激所吸引，大脑开始容纳这些语义信息，可以通过充分调动和激活大脑对动画音乐的语义识记，来实现音乐记忆的巩固和加强。

音乐心理学的研究表明，当儿童早期对音乐语义的记忆呈上升趋势时，其思维和动作会得到相应的发展。同时，音乐中的语义识记亦依赖于早期的音乐行为，儿童随动画音乐做出的无意识的身体动作，能扩充短时记忆的存储容量，成为推动儿童对动画音乐识记的不竭动力。

笔者在曲阜师范大学幼儿园进行实地调研时，在完成“年龄与音乐认知水平的关系测试”之基础上，拓展实验内容，通过音乐欣赏课的设计，进一步探讨有一定音乐认知能力的中班儿童，其音乐记忆水平的发展情况。笔者设置了三个课堂目标：1．感受动画中不同乐器（小提琴、风笛、长笛、鼓）的音色；2．体会动画中鼹鼠的心理变化（开心—失落—兴奋），并能回忆角色每次心理变化时的音乐旋律；3．引导儿童在欣赏音乐时，随着旋律、音色、情绪的变化做出相应的肢体动作，以巩固儿童对动画音乐的短时记忆。课堂提问围绕动画角色转换、音乐音色变化和音乐情绪转移三个方面展开，目的在于指导儿童有效地提取音乐要素和音乐信息。

根据课堂效果的直接反馈，笔者设置的课堂目标全部得以实现。由此可见，儿童早期可以根据动画音乐中的角色和动作音效回忆音乐旋律，且能根据动画音乐情节的发展，区分不同的音乐旋律以及乐器的音色，并能在较短的时间内对旋律、音色和音乐情绪保持记忆。

心理学家普遍认为，儿童对动画音乐的短时记忆是由大量视听觉信息组成的记忆系统，分为听觉编码、视觉编码和语义编码三种形式。“康拉德（Conard，1963，1964）认为视觉呈现的刺激材料，进入短时记忆时发生了形——音转换，编码仍具有听觉性质”。{18}儿童对动画音乐短时记忆中的信息进行分析，使视觉和听觉建立有效的联系。在这个动态过程中，提取动画中的音乐听觉信息是音乐短时记忆存储的重要条件。

随着年龄的成长，“神经元胶质和神经元之间突触连数增多，这时的短时记忆逐渐向长时记忆过渡”。{19}形成儿童长时音乐记忆的心理基础是早期对动画音乐的学习动机，生理基础在于“大脑皮层和大脑皮下组织之间的闭合神经环路。{20}儿童若能经常性地欣赏动画音乐，就会将音乐短时记忆的机制充分调动起来，短时记忆的信息就能得到反复陈述，并逐渐形成深植于大脑中的记忆。

结 语

当前，儿童音乐心理在音乐教育中的枢纽作用已被学界广泛认同。动画音乐为儿童早期带来视觉和听觉审美享受的同时，对其音乐心理发展产生深远影响。根据儿童早期生理结构和心理机制的特点，充分发挥动画音乐在儿童早期音乐心理发展的作用，有助于引发儿童对音乐的感知兴趣，有助于建立“基于儿童心理，适于儿童心理”的音乐教育教学方式，为提高儿童音乐早教的质量与效率提供新的视角和更多有益的启示。

①马东风《音乐视听觉理论的提出与发展》，《交响》2009年第1期，第15—20页。

②［瑞士］让·皮亚杰《教育科学与儿童心理学》，傅统先译，北京?押文化教育出版社1981年版，第176页。

③冯忠良等《教育心理学》，北京?押人民教育出版社2000年版，第31页。

④武敏《音乐情绪情感与个体反应对心理治疗的作用》，《音乐创作》2010年第4期，第186—187页。

⑤于润洋《现代西方音乐哲学导论》，长沙?押湖南教育出版社2000年版，第317页。

⑥张凯《音乐心理》，重庆：西南师范大学出版社2001年版?熏第82—85页。

⑦{12}侯建成《音乐认知?押脑与认知科学的研究成果及其教育启示》，《黄钟》2010年第12期，第166—173页。

⑧张媛《视觉表象认知加工系统的训练效应研究》，陕西师范大学硕士论文，第1页。

⑨Hannon E E?熏Johnson S P．Infants use meter to categorize rhythms and melodies?押Implications for musical structure learning．Cognitive Psychology?熏2005?熏50．

⑩{13}苏洁《音乐感知能力神经可塑性研究》，西北师范大学硕士论文，第2—11页。

{11}事件相关电位（ERP）是一种特殊的脑诱发电位，反映了认知过程中大脑神经点生理的变化，也被称为认知电位，也就是指当人们对某课题进行认知加工时，从头颅表面记录到的脑电位。

{14}{15}{17}{19}{20}廖家骅《音乐记忆的机制与策略》，《人民音乐》2006年第5期，第51—53页。

{16}{18}李庆昱《音乐短时记忆的测量与比较研究》，西北师范大学硕士论文?熏第2—3页。

?眼本文是2011年江苏省普通高校研究生科研创新计划项目阶段性成果之一（项目编号：CXLX11＿0903）?演

第5篇：综合音乐欣赏论文范文

关键词 武术 音乐 文化

中图分类号：G85 文献标识码：A

Research on Wushu Soundtrack， Constructing

Strong Wushu Cultural City of Baoding

ZHANG Mingqiang[1]， ZHU Peilong[2]， ZANG Shuo[1]

（[1] Agricultural University of Hebei， Baoding， Hebei 071001；

[2]Hebei University， Baoding， Hebei 071000）

Abstract This article uses the literature and interdisciplinary research to study Wushu soundtrack， pointing out that music can enhance connotation performance and improve appreciation of Wushu， beneficial to the Wushu practitioners to correctly grasp the Wushu technique， edify sentiment. It is not only necessary， but also feasible. The article also summed up the principle， method for allocation of Wushu soundtrack， and factors that affect the effect. Some Wushu soundtrack works are successfully created， in order to provide reference for the Wushu workers carrying out Wushu competition， performance and fitness score， to provide services for the majority of Wushu enthusiasts and participants， further promote the inheritance and development of Baoding Wushu， consolidate the advantage of big Wushu city and strong cultural city.

Key words Wushu； music； culture

0 前言

文化是一个城市的内核和灵魂，决定其精彩程度。武术是在中国传统文化中孕育并发展起来的，也是中华文化的重要组成部分，是融技击，健身娱乐、修身养性等功效为一体的民族传统体育项目。保定是武术大市，可谓底蕴深厚。中国武术素有“南拳北腿”之说，保定武术即是“北腿”的代表，我国130余个拳种中，有22个产生于保定。由于武术文化在保定的长期传播，尚武精神始终与城市的沿革相生相伴，塑造了独特的保定地域性格和人文风尚，武术也成为深受保定人民喜爱的一个体育项目。

然而，保定武术的发展载浮载沉。随着人们文化生活的不断丰富、外来文化的冲击，以及人们审美要求的不断提升，单纯的武术演练逐渐显得单调，习武尚武的“武术人口”显著缩水，武术文化强音减弱，保定市在2012年河北省第七届青少年运动会武术比赛中仅获2枚金牌，名列第五，与武术大市、文化强市的地位极不相称。

与此同时，武术配乐在我国一些大型节目表演中时有亮相，武术健身伴以悠扬的音乐不时可见，国家新的《武术套路竞赛规则》规定某些项目要配以适当的音乐，预示着武术的发展道路正在不断拓宽，不断寻找新的发展方向。为此，我们就武术配乐开展研究，旨在推动我市武术运动的传承与发展，增强我市武术实力，促进文化强市建设。

1 研究方法

（1）文献法：查阅国内有关武术配乐的文献和理论资料，为本研究提供依据。（2）跨学科研究法：运用武术和音乐的理论、方法和成果，对武术配乐进行综合研究。（3）探索性研究法：运用已获得的研究成果，探索、创作武术配乐作品。

2 分析与研究

2.1 武术配乐的意义和可行性分析

武术配乐是为武术演练伴以音乐，使武术和音乐相互融合、烘托，以增强武术演练的效果。

2.1.1 可以增强武术对内涵的表现，提高观赏性，有益于武术习练者正确把握武术技术，陶冶身心

武术与音乐融合，是武术演练的一种升华，可以更好地表达武术内在的含义，演绎武术的神韵，通过音乐的渲染使武术演练置身于所创造的意境中，赋予武术更加鲜活的表现力。同时，武术又为音乐提升了解释力，武术动作与音乐的交相辉映、浑然一体，显得更加生动、丰满。

武术配乐可使习练者身心合一，正确把握武术技术的速度、节奏，融入正确的意境，发挥音乐陶冶性情的作用。配乐对于初级习练武术者可以有效地调动注意力，激发学习兴趣。

2.1.2 武术配乐具有可行性

早在秦朝，军队打了胜仗，就有方阵军技操练配以乐师敲鼓吹号助兴，后有著名的公孙大娘舞剑等，都是曾经的武术和音乐相结合的例证。音乐的旋律、节奏可以使武术内在的神韵体现得更加淋漓尽致。武术有不同的动作姿势、速度、节奏，配以针对性风格、曲式结构、配器形式所形成的色彩、旋律、节奏的音乐，可以共同塑造出崭新而独特的武术形象。

社会的多元化需求注定了武术的多元化发展，武术配乐也可以涵盖健身武术、武术表演和竞技武术等不同领域，不同需求决定着不同配乐的走向：中老年人健身配合节奏稍慢或比较舒缓的音乐，武术表演则根据音乐和要表现的主题配以不同的武术动作素材，武术比赛配乐则要与不同武术套路、运动员的风格和特点相得益彰，起到增强演练表现效果的功效，从而征服裁判、赢得观众。

2.2 武术配乐方法研究

以往的武术配乐受各种条件局限，大都只是凭个人的审美和经验，选用现成的音乐与既定的武术套路相配合。用这种简单方法编排演练出来的武术显得很呆板，甚至出现音乐和武术主题、风格、节奏不合的现象。即使有些尝试运用剪接、增加特效的手段，艺术性仍不高。至今除了24式太极拳以外，少有专门、成熟的武术配乐作品，相关研究少之又少，没有完善的理论、方法、模式可循。

音乐与武术的结合是把音乐的旋律、节奏与动作的技能、技巧、方位等巧妙地结合起来，把音乐的意境、情感与武术演练的意识、技术和技能融合共进。武术配乐的项目主要有：长拳、器械、太极、集体项目等。不同的武术套路都有各自独特的动作姿态、速度、节奏，如长拳的舒展大方、快速有力，南拳短刚顿挫，太极拳柔和缓慢，而武术配乐的快慢律动，配器的轻重薄满都可与之相融并行，通过恰当音乐曲式结构的烘托甚至强化了武术的起承转合、蓄势爆发。音乐素材选取直接关系到武术配乐的效果。我国历史悠久，地域辽阔，音乐素材取之不竭。必须针对不同武术套路的风格特点配以合适速度、节奏、旋律、曲式结构和配器的音乐。武术动作的节奏表现在动作的速度、力度和幅度等，音乐则借助节奏的快慢与强弱来表现感情和主题，要力求通过音乐的引领让习练者和观赏者置身于特定的技击意境，更好地体验和表现武术的内涵和技术。

此外，要编配好武术音乐，不仅需要对武术有深刻的理解，还要有较好的音乐欣赏能力，甚至要学会挑选、制作音乐的技能。武术运动员和健身习练者的节奏感、音乐素养、审美观等也直接影响武术配乐的效果。只有武术演练与音乐达到高度统一，才能给人以深刻强烈的感染。

2.3 武术配乐作品研创

为使保定武术唱响河北省、走向全世界，我们集合了武术和音乐人士共同开展研究，依据上述对武术发展方向、自身规律和配乐原理、方法的研究基础，试验性创作了一些武术配乐作品。如我们为河北农业大学、河北金融学院和保定市武术队分别编配了集体项目、自选全术、自选剑术、太极拳和太极剑等配乐。

在编创过程中，我们根据各武术套路的律动，通过电脑音乐制作设备以及软件采样并测速，依照动作速度设置音乐拍数，在动作疾缓等变化上反复与运动员谋和，实现节奏和气势的吻合。根据编排的武术动作创作相对应的乐句，依据动作的刚柔变化配合音乐调式的大小，按照动作组合用时的长短决定小节数的多少，同时动作的编排、处理也依据乐句的音乐特性适当调整。根据整套武术动作的起承转合、难度动作的设置等形成的结构创作对应的乐段曲式结构。集体项目队形、造型、依次动作、同步动作、分组动作、多人动作等均须与乐段结构吻合。然后，针对不同动作的风格特点增添音效，如太极与自然浑然合一的大气声、流水声、宇宙声、气息运用声；长拳的风声、雷声、出拳击掌踢腿以及刺剑、开合扇声的声效等。这里要特别注意时间上的准确，声音动态比例与配乐的恰当。音乐运用什么乐器是决定武术内涵体现的重要因素，国乐中唢呐的大气奔放、笛子的灵活悠扬、古筝的拨音唯美、二胡的温婉凄怨、京胡嘹亮高亢等等都适宜与传统武术结合，再配以中国鼓、棒子、镲锣为节奏更显中国传统气势与神韵。此外，中西合璧的新民乐（NewFolk）、新世纪（NewAge）等世界与民族音乐融合的音乐风格，也可以为武术演绎增添了更丰富的表达形式。在武术配乐制作中，MIDI制作、音频制作是主要的技术手段。除了原创音乐作品，在版权许可的前提下也可使用已有的音乐作品，通过音频制作的截取片段作为素材，根据武术动作的需要重新安置乐句、乐段甚至片段，调整音乐的速度，甚至增加乐器、将不同的乐曲重组。

这些完成的配乐作品均为我市各代表队在河北省获得武术锦标赛和大学生武术比赛多个单项和集体项目冠亚军奖项发挥了至关重要的作用。我们也希望可以更多地为我市武术工作者开展武术竞赛、表演和健身配乐提供参考，为广大武术爱好者和参与者提供服务，促进我市武术的进一步传承和发展，巩固武术大市、文化强市的优势。

规划研究项目：2013年保定市哲学社会科学规划研究项目，编号 201302047

参考文献

[1] 周丽娟.关于武术套路演练配乐的若干思考.成都体育学院学报，2006（3）.

[2] 李华，郑勤.音乐在中国传统武术中的运用.湖北成人教育学院学报，2007（6）.

[3] 董国兴，杨靖.武术套路动作编排中音乐的应用.美与时代，2007（12）.

第6篇：综合音乐欣赏论文范文

而音乐教育心理学，既是音乐心理学之下的一个分支学科，也是音乐学和教育心理学学科交叉发展的结果。因此，在目前学术界倡导学术交叉研究、注重多角度考察的学术风气之下，怎样借鉴教育学、教育心理学的教学理论来指导音乐技能的学习，这一问题已经引起了越来越多学者的关注，并逐渐在音乐教学实践中得到普遍关注。但正如有的学者所提出的疑问：“哪些音乐现象应选用与之相应的心理学方法？采用这些方法得到的结论具有怎样的心理解释力？”②从中给我们的启发是，我们还应进一步思考：如果通过学科交叉理论的视角来切入，我们应当如何具体而有效地审视音乐教学活动？经这些视角审视与考察而来的实际结论与经验，是否具有音乐教育范畴内的普适意义呢？

本文即试图在研习相关学术文献的基础上，结合自身多年来的教学和演奏经验，对音乐技能课教学，尤其是钢琴演奏的教学中反映出来的教育心理学问题，做一初步的探讨。

我们知道，音乐方面的能力属于人的特殊才能，它包括了乐器演奏或声乐表演中眼、耳、口、手、脑等诸多方面的精细肌肉动作和神经系统的协调。尤其是器乐中如钢琴和小提琴，向来以其演奏难度、表现力的复杂程度等被称为“乐器之王”、“乐器之后”。仅仅是克服为成熟演奏所需的熟练技术，就往往需要花费从四五岁到十七八岁间长达十多年的学习时间。在这个漫长的学习阶段中，学生对于旋律、节奏、指法、力度、音色、分句等要求从陌生到熟练掌握，不只伴随着肌肉技能的高度发达，更重要的是其中长期贯穿着心理活动的不断复杂化和系统化。

在教育心理学中，所谓学习迁移，“是在学习者已经具有的知识经验和认知结构、已经获得的动作技能、已经形成的态度的基础上进行的，”“是一种学习对另一种学习的影响。”③因此，我们在对各种程度的钢琴学生进行指导的时候，就特别需要注意到既有知识对新学内容的影响。例如，在教初学者演奏车尔尼钢琴练习曲作品599号中的曲目时，因为许多乐曲右手的旋律框架是琶音和五指音阶音型，左手的伴奏音型则是阿尔贝蒂低音，由此，学生学习进度的快慢，很大程度就取决于他之前对于琶音、音阶及分解和弦的熟悉程度。所以说，在初步的钢琴演奏学习中，我们通常会非常重视密集的各调音阶、琶音的练习。往往那些在上述两种技术类型方面经过较多练习的学生，他们在学习左右手配合的技术类型组合时，就更加容易形成自动化的动作路线和条件反射。这种较复杂的配合动作经过从分手练习到合手练习、从有意识到下意识的动作过程时，起先的技术经验就会对新的技术组合学习形成心理学上所谓的“顺向迁移”。所以，在日常教学活动中，我们通常提倡钢琴学生花大量的时间在音阶、琶音、和弦等“基本功”的训练上，这几乎成了程度较低的学生的主导学习方式。

此外，在器乐学习中，有时候也会发生“逆向迁移”――即新的学习内容对旧的内容所能产生的影响。例如，一般钢琴学生，往往在学到第二三年的时候，都会开始接触巴赫的作品，如《初级钢琴曲集》和《二、三部创意曲集》等比较简单的多声部乐曲。由于多声部乐曲要求将隐含、交织在每个声部中的主题很有性格地呈现出来，同时，还要尽可能地做出音色、音量、速度、表情等方面的合理变化，所以，在经过一段时间的训练以后，一般学生在掌握这些基本要求的同时，左右手、左右脑的平衡协调能力和多维的音响空间感受能力也就相应地得到了提高。这样的结果是，当这些经过简单的多声部音乐训练的学生再去弹奏起初即已开始学习的音阶、琶音等常规技术练习时，就能够很轻易地在演奏中做出左右手声部音色甚至情绪方面的变化来，从而，在音乐性较强的乐曲演奏中，技术性和音乐性的协调表现就成为了一种自然而然的表演习惯。可以说，这就是心理学学习迁移理论中“逆向迁移”所发挥的作用。这种情况，并非仅仅发生于处于入门阶段的少儿初学者身上，在其他年龄层次与学习阶段的学生身上，也存在上述迁移现象。

那么，怎样才能更为系统有效地利用这些理论为乐器演奏服务呢？尤其是对于那些非钢琴表演专业的高等师范院校音乐系科学生来说，怎样才能充分发挥迁移理论对音乐学习的有益影响，使得高师音乐专业学生起点较低、基础薄弱和练习时间短、技能要求相对较高之间的矛盾得到缓解？

具体而言，笔者有如下几点体会：

一、强化练习内容之间的关联度

如前所述，与音乐学院演奏专业的学生相比，高师音乐专业学生由于基础训练开始普遍较晚，加之练习时间等因素的影响，因而，基本技术的掌握相对来说也不太全面。诸如难度较高的快速八度进行、远距离大跳、快速轮音等技术，对大部分学生来说，可能都是一种难以逾越的技术障碍。而这种技术障碍，又随之会影响到高年级学生对高难度乐曲的掌握。如黎英海先生改编的古曲《夕阳箫鼓》中，在中段的快速变奏中，就有快速轮音和双手分解八度相结合的主题陈述手法。通常情况下，由于技术的原因，有些学生在演奏该段时会将速度放慢下来，从而大大影响了音乐的情绪刻画和情绪张力。究其原因，轮音技术障碍是最大的负面因素。又如，李斯特的“帕格尼尼练习曲”第三首《钟》，其中几乎包含了常见的几种高难度技术：远距离大跳、快速轮音、快速八度进行及其震奏等，一般学生想要连贯地演奏下来都存在相当的困难，更不用说以乐曲所要求的相应速度、音色、性格、情绪来进行表演了。那么，怎样才能尽可能地让程度或年级较高的学生较为顺利地掌握这些乐曲呢？根据对心理学传统迁移理论的理解，笔者认为首要的任务是要在学生已有的相同或相近技术基础上，增加一些中等难度的有关技术练习，从而，为学生在已有技术和待学习技术之间，建造一座官能和动作记忆的“桥梁”，笔者尝试性地称之为“记忆锚（memory anchor）”。这个记忆锚的特点就在于，它必须能勾起学生对既有材料的回忆，但又有一定的新鲜刺激度。在内容构成的难度上，它必须要比学生已有经验要高，而低于待掌握的技术难度。

以上述技术训练中的八度技术为例，根据学生的身体机能、技术倾向等条件，笔者通常会采用难度较为适中的车尔尼练习曲作品299号或740号中的几首八度练习曲（或者片断）作为顺利完成上述较高难度乐曲的专门性技术准备。经过一段时间的训练，学生就可以逐渐将已经掌握的经验和动作技能，通过官能与动作的回忆、强化与再学习，形成新的技术基础。这样，当他再向更新材料、更高难度的技术方向进行努力时，前一次的“已有经验/难度新经验/难度”的学习经历，就会成为他新一轮的学习基石，新技术的掌握就从概括性的难度具体化为对旧有材料的回忆、强化并扩充的过程，从而在某种程度上降低了待学技术的学习难度。这一点，正是我们在选择学习内容、调整学习进度时，经常需要加以考虑的方面。

二、对形式训练和要素训练的合理借鉴

传统的迁移理论中，“形式训练说”曾风行一时。认为特定的官能（如记忆力、想象力、注意力等）可以通过相当难度的特定训练来针对性地加以强化。虽然目前还没有证据表明音乐技能的训练也曾经受到过这种理论的影响，但实际的钢琴教学当中，确实存在着类似于“形式训练说”这样的观念。认为孤立的、针对性很强的技术练习，可以在经过较长时间的重复后，达到掌握特定技术或提高具体某项技能指标。例如，一般钢琴学生，尤其是钢琴非主科学生在进行技术练习时，往往会将哈农《钢琴练指法》作为首选。其中一个重要的原因，大概就是因为其中的六十条练习曲，每首乐曲之前都有简短的训练提示，如“用作训练3―4指的独立性”、“用作训练震奏的力度”等等。应该说，作为其他练习曲的补充内容，这种针对性的练习具有一定的机能强化作用，对那些手指、手臂的某方面机能相对较弱的学生来说，是有价值的。但是，有的学生为了求得更“扎实”、“速成”的学习效果，有时会以缓慢且笨重僵硬的弹奏动作逐条反复练习，试图达到以慢求快、以笨重求得手指独立的效果。而实际上，在应用到其他练习曲或乐曲时，这种盲目专注于形式训练的意图，经常是事倍功半的：练习是一回事，实际演奏则是另一回事，乐曲所需的机能并没有因为这种针对性的练习而立竿见影地提高起来。所以，针对性的形式训练，必须以当前阶段乐曲所需技术为出发点，辅之以练习内容的多样化穿插，在目标明确的前提下，将新旧材料的差异度通过反复的记忆与比较，实现最大程度的关联并稳定下来。这样的形式训练，才是真正有意义的。

除了形式训练以外，“相（共）同要素说”在学习迁移试验与其他学科的教学实践中也曾经得到广泛的采用。这种学说的主旨是认为“只有当两种学习情境有相同要素时，迁移才会产生，而且两种情境中的相同要素越多，迁移越大。”④经过近百年的研究与改进，共同要素说在教学中的指导意义得到了明显的体现，尽管这种理论本身还存在着忽视学习者主动性作用的缺陷，但直至今天，这种学说仍然有它相当的影响力。就乐器演奏训练而言，笔者认为共同要素说的价值在于提示我们注意日常训练和上台演奏之间的情境异同。乐器演奏学习的最终目的，是为了上台或当众演奏，这一点，对专业音乐学院和高师音乐专业学生来说，都是同样的。但是，由于公开演奏机会多寡的不同，高师学生大多数情况下，仍然只能以琴房练习作为主要的学习情境。真正到了考试和音乐会等公开场合进行演奏时，往往产生多个方面的不适感。如对声音回馈、琴键重量、踏板深浅以及钢琴音色的陌生感等，而这种种不适感势必会影响到学生演奏水平的正常发挥，有的学生甚至因此而忘谱，平时游刃有余的演奏到此时则断断续续，当然更谈不上艺术上的表现了。所以，教师如何在平时的教学中，尽量为学生争取或创设公开演奏的情境，就显得相当重要了。比如，同门内部之间的观摩，交换不同的教学琴房和演奏场地等等，都可以在平时的教学中为学生提供一种类似于考试与公开音乐会的情境要素，这样，经过较长时间的训练，教学情境和公开演奏情境之间的共同要素就会越来越鲜明，到真正的现场演奏时，学生的适应时间就会大大缩短，真实的演奏水准也就可以得到正常的表现和锻炼。

三、对顿悟的理解与利用

学习乐器的学生经常会有这样的体验：某些技术难点，经过一段时间的集中练习，仍然无法克服，但是有一天再去尝试时，那些原本不可逾越的技术壕堑似乎在一夜之间就消失得无影无踪。其中到底存在着什么奥秘？难道是集中练习达到一定的量时，自动就会形成“质变”吗？难道是第二天的练习方法较之第一天更为有效吗？

实际上，这种情况并不仅仅存在于乐器演奏的学习过程中，根据教育心理学的研究成果，在其他类型的学习中，也存在着类似的现象。格式塔心理学家称之为“顿悟”，即学习者突然发现两个学习经验之间存在的关系。他们甚至认为，顿悟是实现学习迁移的一个决定因素。⑤笔者认为，这种发现有的时候是以下意识的方式进行的，它可能会以肌体动作记忆“快速回放”的方式呈现出来。对学生来说，无法克服某种技术障碍，多数情况下不是因为这个技术片断在机能上有多么艰深，而是因为学习者无法在既有技术经验和新的任务之间建立稳定的必然联系。因此，当他对新旧技术之间的关系无法实现可靠沟通时，顺利弹出某个技术片断，就只能是一种偶然的情形。

那么，在音乐演奏的教学中，对困难音乐片段的“顿悟”，也是可教可学的吗？就这个问题，有的学者从实际经验的角度，对乐器演奏中的灵感现象（以笔者看来，其内涵即本文所指的顿悟）进行了分析和讨论，认为灵感可以通过几种途径来“激发”：在有意追求中无意得之，在长期积累中偶尔得之，在不寻常思索中反常得之，在卸重时刻轻而得之。⑥认为经过技术上的充分准备和强烈的主观意识控制，是可以实现灵感的激发的。笔者认为，上述经验之谈，还不足以对教学环节中的顿悟实现形成具体而实质的帮助。还必须从循序渐进的角度，以环环相扣的教学手法，来切实提高学生实现“顿悟”、跨越音乐片段障碍的能力。因此，笔者认为，基于上述原理，遇到这种经刻苦练习仍无法进展的情况时，我们可以建议学生尝试技术上暂时的“回退”――即降低技术难度，将困难的段落进行织体上的分解：如去掉装饰音、暂时去掉附加声部或非骨干音型、放慢速度练习等。这样，原本令学生感到望而生畏的陌生材料与需要高度集中注意力的练习，就转变成了他所熟悉然而又只需要通过一定的努力就可以达成的任务。经过一段时间的练习，当旧有技术和待解决的技术困难之间的必然联系得到放大与强化之后，顿悟的出现和困难的解决就会更快地实现。在这个角度看，教学的实质意义也才得到了彰显。

以上所述，只是笔者在初步研习过一些教育心理学及音乐教育心理学文献之后，结合音乐专业教学的实践经验所体会到的粗浅认识。在实际的音乐技能教学实践中，仍有着大量超越音乐技巧进展本身的问题需要我们进行不断的思考和研究。通过上面的讨论，我们可以看到，在学科交叉、多元视角的启发下，许多原本停留在奥妙难测的“意会”层面，或按部就班的“机械训练”层面的技能训练课题，都可能在具体教学手法上，给我们带来新的思考。不仅如此，这种多角度研究的音乐教育心理学方法，还能够“促进整个音乐心理学理论的发展，并从音乐教学实践的角度，……揭示学生与教师心理活动和心理发展的本质属性。”⑦所以，在音乐教育心理学外，学术界在音乐心理学元理论、音乐创作心理、音乐表演心理、音乐欣赏心理、音乐教育心理、音乐审美心理、内心听觉、音乐记忆、音乐治疗学等更加细化的分支学科上所取得的成绩，也同样能够继续拓宽我们在教学研究方面的视野，这也是国内音乐教育中的技能训练走向学术成熟的必然途径。

①张前《音乐心理学》，《音乐研究》，1981年第1期

②郑茂平、张大均《自上而下与自下而上及其互补――对第二届全国音乐心理学研讨会关于研究方法趋向的元认识和反思》，《中央音乐学院学报》，2006年第4期

③刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第97页

④刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第104页

⑤刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第106页

⑥郭林《论灵感在钢琴演奏中的作用及其激发途径》，湖南师范大学，2006年硕士学位论文，第15－35页