音乐文化论文精选(九篇)

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第1篇：音乐文化论文范文

可持续发展的基石是一个可循环再生、良性科学的社会、生态、经济环境。人文生态的可持续发展，必然离不开某一区域某一族群社会伦理道德、风尚习俗、人居环境的保护，进而维系其族群繁衍、文化传承，进而可持续地发展。而文化则承载伦理道德、风尚习俗、人居环境的构建功能。所以我们今天国家的文化保护则亦应类属与可持续发展得范畴之内。文化保护包括物质文化保护与非物质文化保护两个类型。贵州苗族地区农村音乐文化可持续发展需要从整个人文生态即社会伦理道德的构建、人居环境的保护、优秀的民族传统文化系统整体地探索策略和路径。这势必涉及贵州苗族农村地区的物质文化保护和非物质文化保护的相关问题，它们之间的关系交叉复杂。

二、贵州省苗族地区农村音乐文化可持续发展与物质文化保护的关系

贵州苗族地区农村音乐文化是依附于各地区各支系苗族族群各种祭祀、婚恋择偶、社交礼仪等习俗。这些特殊的生活习俗与各地区各支系的自然地理、苗族族群的历史性建筑（如古老芦笙坪、鼓楼）、居住房屋（吊脚楼—古老杆栏式建筑）、生产器具、娱乐器具（乐器）等物质文化形成水融的共生关系。而可持续发展的一个基本内容之一乃是“生态可持续发展”，生态应为自然生态和人文生态。而构成贵州苗族地区农村音乐文化的自然生态和人文生态的那些物质文化，首先应得到保护才有可能创生其新的时代功能，才能推动其可持续发展。与贵州苗族地区农村音乐文化相关的物质文化应包括与祭祀相关的木鼓音乐、铜鼓音乐、芦笙音乐、歌舞音乐中的鼓、铜鼓、芦笙、芦笙坪、吊脚楼、酒具等等。所以对贵州苗族地区这些物质文化的保护就是保护其音乐文化整体的一部分，进而为贵州苗族地区农村音乐文化可持续发展创生一种新的人文生态，促进其可持续发展。

三、贵州省苗族地区农村音乐文化发展与非物质文化保护的关系

第2篇：音乐文化论文范文

1．音乐新课程改革的基本要求在音乐新课程改革指导文件中，地方和学校自主开发突显地方所特有的人文地理及民族文化的课程成为该次改革中尤为重要的一点，这为当前的中小学校本音乐课程资源开发提供了政策支持。对于音乐教师而言，除了创造性地使用国家提供的音乐教材资源外，还应结合本地区特点，充分发挥当地和学校的课程资源优势，为促进学生个性的健康发展和文化的多样。“音乐从来都被各民族视为自己民族最宝贵的文化财富，一个民族音乐所内涵的情感和精神往往就是这个民族的灵魂和思想，音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉。”[1]在音乐的教学中，让学生继承各民族的音乐财富，从而更为深刻的理解民族精神，在行动中践行弘扬民族音乐的理念。我国是个多民族的国家，每个地区、民族都有自己独特的本土音乐，这包括了民歌、说唱音乐、歌舞音乐、说唱音乐等音乐类型。如云南的纳西族自治县纳西古乐、东巴音乐都是我国历史上最具地方特色的少数民族音乐之一，这些音乐文化的传承需要我们一代又一代人去传承与发展。而如今的音乐教育现实是很多人对本土音乐不了解、不熟悉、不会唱。因此，作为具有文化传承功能的音乐教育负有责任将本土音乐渗透于音乐教育中，挖掘具有本地区特色的本土音乐资源，开发具有本地区、本民族特色的音乐文化来促进本土音乐进入课堂、进入学生的学习生活中去。然而，高师作为培养中小学音乐师资的源泉，如果在培养过程中未建立培养学生的本土音乐文化传承的机制，对于演唱、演奏本土音乐不重视，则会导致该源泉的枯竭。再者，本土音乐教育的目标是让受教育者在理解、感受、热爱本民族所拥有的音乐文化的基础之上，愿为发展本土音乐贡献一己之力，故而，受教育者了解、熟悉、会唱本土音乐是必备基础。如果音乐教师自己不具备关于本土音乐的知识和能力，又如何能够去进行本土音乐课程资源的开发与利用？又如何去进行校本课程的研究？因此，为了适应当前的音乐新课程改革，高师音乐教育中进行本土音乐文化传承是进行中小学本土音乐教育的前提。

2．全球化视野中多元文化音乐教育的诉求全球化是当今世界发展不可阻挡潮流，在全球化的大潮中，地方或本土文化极易被同质化，这是各个民族在全球化发展中需要关注的。另外，全球化大潮中，文化多元化或文化多样性发展也是急需的，因为文化同质化带来的是文化多样性的泯灭，它导致本土文化的消失，而文化多样性是保持本土文化本质的基本要求。文化多样性或文化多元化是承认不同的文化有着自己存在的价值，这种价值凝结了本土人的生活习惯、文化传统、价值观、信仰等等方面的内容，这是本土人们赖以生存的基本。所以，在全球化大潮中，我们需要的是文化多元化的存在，而不是文化同质化。从这个角度来说，多元化的音乐教育包含了传承本土音乐文化、吸收多样音乐文化等各个部分，坚持对本土音乐文化的学习，才能保持对本土音乐文化的认同感和归属感，而这又丰富了音乐教育的内容和确认了音乐教育的文化身份。另外，在当今全球多元化的发展趋势之下，教育工作也势必强调全球化视野中地方文化与教育的融合。本土音乐生存与本土的人文环境之中，其所包含的文化烙印，是音乐教育中无法脱离的一部分。所以在教学过程中，我们可以从学校、家庭、社会来考察和研究本土音乐的教学，使音乐教育的教学方式从封闭走向开放。当然，本土音乐教育还需要从全球化、多元化的视野中来研究，做到本土音乐与教育思想的融合。将学校教育与地方文化进行联系与融合，从本土音乐自身特质的角度来审视音乐教学，充分探讨和利用本土音乐的特点来引导学生认识音乐文化的多样性，理解本土音乐的价值，推动本土音乐教育的实施。

二、本土音乐文化传承之策略

1．因地制宜开发本土音乐课程资源每个地区的高师所在地都蕴含着丰富的本土音乐文化资源，这些资源记录和传递着当地的历史文化，也表达着当地人们在长期的社会实践活动中，用各种各样的音乐文化活动所表现的当地人的情感生活。然而，现实的情况是许多本土音乐正面临着传承发展的困境。如何将这些具有本土文化特色的音乐文化可持续发展是高师音乐教育需要思考的问题。在这个问题上，高师的音乐教育中可以组织教师对本土的音乐文化资源进行采集与整理，并将其运用于实际的音乐教学中，例如，让民间艺人走进音乐课堂，以直观的感受使学生们更为直接地了解当地的民间音乐，更加热爱自己的本土音乐。这对于开发本土音乐课程资源具有重要的现实意义。在开发本土音乐课程资源过程中，教师可以引导学生自主学习去挖掘具有本土特色的音乐文化。其采用的方法有综合调查类、专题采风类、访问类等等，在实践过程中，亲身感受、聆听到本土音乐，并且结合自身在课堂上所学习的技术整理音乐、记录音乐，从而发现本土音乐的特色，整理为采风报告，为本土音乐的整理与传承贡献力量。在此过程中体现本土音乐资源引入实际音乐课堂之重要性，有利于本土音乐在学生中的传播。

2．建构本土音乐课程体系自近现代以来，我国音乐教育一直沿用西方的音乐教育体系，本土音乐所具有的课程体系未进行深入探讨，其价值尚未得到充分的认识与体现。在提倡建构该体系时，我们也应该多加了解各种民间音乐的教学模式，在有关匈牙利民间音乐的教学实例中，柯达伊提出将匈牙利的民间歌曲作为教学内容，收集和编写以民族音乐作为核心内容的多声部视唱练耳，以此发展学生的民族音乐思维和听觉，让学生在接受西方音乐教育模式之下，仍保留着民族音乐的内容，这样模式与内容的相结合，不失为我们借鉴的教学方式之一。在建构本土音乐课程体系时，笔者以为需要遵循本土音乐固有的传承方式，如本土音乐传承中的即兴、口传心授的教学方法。甚至还可以学习本土音乐的固有的记谱形式，如文字谱、工尺谱等，这些记谱记载着本土音乐的历史、文化传统等，这是一种原汁原味的传承方式，这种传承将本土音乐的真实图景展现出来，保证了本土音乐的纯正，切勿让过度改编而丧失其原本面貌的民间音乐进入学生的学习范围，否则也就失去了推行本土音乐进校园的初衷了。

3．增强本土音乐教育教学科研能力本土音乐的文化传承最终要落实到人的问题，教育者是最为关键的因素之一。音乐教师是本土音乐文化传承的执行者，本土音乐能够走进课堂，音乐教师起到至关重要的作用。首先，音乐教师需要一种热爱本土音乐文化的热情和激情，要有一种传递本土音乐文化的敬业精神，这种态度与价值观是传承本土音乐文化必须具备的因素之一；其次是音乐教师自己要熟悉和会唱本土音乐，掌握本土音乐的基础知识及文化、社会背景；再次是需要掌握本土音乐的教学模式和相关的教学方法，在承担本土音乐教学的过程中不断地对本土音乐文化进行进一步的理解与认识，从而提高个人的教学水平。对本土音乐教育教学的深入研讨也是高师音乐教师专业成长的重点所在，是能够顺利进行本土音乐教育教学的保证。但由于本土音乐教育在高师的音乐教师中尚未得到应有的重视，很多教师对本土音乐教育是“不屑一顾”，令其在高师音乐教育中始终处于“边缘”位置。因此，加强本土音乐教育教学科研，让高师的音乐教师对本土音乐教育的观念、价值观、方法等有一个了解，教育者要认真学习民间音乐，深入调查民间音乐，在此基础上能够把握本土音乐教育的规律，有针对性地选择教学内容，力争用最易接受的方式来教学本土音乐，这对于促进高师本土音乐教育的发展将起到至关重要的作用。

三、结语

第3篇：音乐文化论文范文

本文着重论述音乐产业各行业分析及促进民族音乐繁荣的可行性：

一、音像制品行业

1.行业描述与现状

音像制品行业是以磁带、唱片、CD、VCD\DVD等有形实体为载体制作音乐产品，经过音乐创作、录音、加工、设计、包装、批发、运输，以物流的方式到达连锁店、零售店等销售终端，最终销售给消费者。随着现代科学技术改变了人们的生活方式，音乐演出市场的日益红火、数字音乐狂潮的来势汹汹，使得传统唱片业受到了巨大冲击。据国际唱片工业协会（IFPI）数据指出，网上传播盗版音像制品每年给音像行业带来至少50亿美元的损失。尽管唱片业不断改进经营方式，力图降低成本、缩短周期，但效果甚微。

2.行业特点

音乐产品分类全而细，能较大范围兼顾消费需求。如根据消费人群各个欣赏喜好的欧美流行音乐、日韩流行音乐、港台流行音乐、大陆流行音乐、欧洲古典音乐、中国民族音乐（古琴、二胡、古筝等）；根据生活需求（特定目的）的车载音乐、养生音乐、胎教音乐、幼儿教育音乐；这些人群在购买音像制品时，都有自己特定的目的，如作为兴趣爱好收藏、或者特定需要。消费者可能会因为对某音乐类型、音乐风格、某一明星或者某一首曲子的喜爱程度来购买，这种消费具有购买的特定性、稳定性和持续性。但是，音像业产品制作层层环节、烦琐工艺，使得产业链出现制造成本高、运作周期长、投资风险大等诸多弊端。

3.音像制品行业与传统民族音乐联系的思考

笔者认为，发行商在音像制品发行内容上多偏向城市消费人群及青年，针对镇乡消费人群的音像制品发行力度不够。在广大的镇乡村，劳动人民更需要符合他们生活方式、生产方式与娱乐的音乐音像制品。偌大的音乐产业销售市场，音像公司不能只把眼光盯向城市消费群体、年轻人消费群体。应当积极努力拓宽镇、乡、村市场，挖掘土生土长在民族民间的音乐，制造农村消费群体喜爱的音乐产品。同时，传统民族民间音乐更可通过与音像制造业的结合实现商业化生产，发挥其有效的传播力和影响力。

二、音乐商业演出

1.国内市场演出

(1)行业描述与现状。国内市场的演出，主要有流行音乐演唱会、各交响乐团、民乐团的演出。据统计，上个世纪90年代初，北京音乐厅的结算演出费由1993年的12万元增至2000年超过1000万元。2007年12月22日国家大剧院的开幕国际演出季从开始到4月6日，总计演出120场，音乐类的比例独占鳌头。

（2）行业特点。音乐产品的内容具有选择性，行业运作模式不同与音像业。消费群往往具有一定的音乐鉴赏能力，具派生音乐产品商品价值的延续性和可再生性。如炎黄风情文化产业发展有限公司，在推出《炎黄风情》交响组曲时，逐步开发《炎黄风情》系列动漫产品、新媒体绘画、雕塑、服饰、工艺品等产品；流行音乐的粉丝们也会因为钟爱某歌手或明星而购买其代言的非音乐类商品。

（3）国内演出行业与传统民族音乐联系的思考。从商业演出内容上看，每个剧场的演出内容不可能只有欧洲音乐，否则音乐产业必由单一演绎走向歧路。从观众消费角度来看，音乐文化是各民族特有的表达方式，因文化审美观的差异而呈现出不同的音乐风格，只有多领略各民族音乐，才能体会音乐世界之美。如2006年国家大剧院上映的开幕演出季中，国内剧占的比例为67％。因此，笔者认为，在现场演出和剧场演出中，民族音乐同样可以找到发展之路。民族音乐的宣传推广，应当做文化产业而不是娱乐产业，突显其文化价值，利用消费者的文化价值欣赏与认同派生其商业价值，同样可以制造追“民族风格热”，派生“民族文化”内涵的非音乐商品。

2.国际市场演出

(1)行业描述与现状。国际市场的演出是由承办和经营演出业务的专业公司组织的面对国际音乐市场的演出。如中国对外交流演出公司、中演文化娱乐公司，负责接待来华演出的外国艺术团、组和艺术家，并提供各项管理与服务。同时，更重要的是他们和经办中国表演艺术团、组和艺术家在世界各地的巡回演出。既承办官方文化交流项目，又经营商业性演出活动，通过交流为国内外演出经营者及艺术团体创造了良好经济效益。

（2）行业特点。音乐产品多具有民族性和代表性。行业定位准确，在针对国际市场挖掘利润空间的同时，旨在弘扬中华民族音乐文化。内容题材选择不如音像业、数字音乐市场广泛，节目质量筛选精于国内演出市场。

（3）国际市场演出与传统民族音乐联系的思考。国际市场演出是民族音乐做大做精的巨大推动力。在海外市场，开发我国传统的民族艺术，发扬中华民族优秀的音乐和文化，才是在国际音乐市场演出实践中一张制胜的王牌。正如2008年“北京音乐与艺术市场现状及发展态势高层论坛”中，某一国际演出公司老总谈到其公司成功经验时指出，在国际演出市场，他们公司主推原生态民族民间剧目和中国古典文化剧目。认为只有把民族点与国际接轨，吸纳我国各民族音乐文化，才能使我国的音乐产业在世界性的独特语义系统内找到属于自己的位置。当然，做好“民族化”品牌的同时，也要注重商业化运作，找到国外观众认同的文化的切入点。

三、数字音乐市场

1.行业描述与现状

数字音乐市场不同于传统音乐产业行业。它是以数字信号方式传输、以网络为载体，有电信运营商、数字音乐服务商、技术开发商加入的新兴并快速崛起的行业。如手机铃声、彩铃、MP3、无线音乐等。据易观国际的《中国唱片业年度综合报告2006》，2006年我国音乐产业市场规模达到138.2亿，无线音乐118.9亿，互联网音乐1.17亿。数字音乐市场的产值已远远超过传统音乐产业。它的出现，对于其他传统音乐产业行业，是个巨大的颠覆和挑战。超级秘书网

2.行业特点

音乐产品极其丰富、复制性强；消费者选择自主、消费价格低廉；消费市场多元化（用户选择音乐种类的多元、音乐资源分享的多元）；发行成本低廉、销售方式高效快捷、商业反馈机制快。

3.数字音乐市场与传统民族音乐联系的思考

消费者对浩如烟海的数字音乐市场中产品的选择，除了个人喜好，也会按“新、奇、特”标准，筛选个性另类的音乐商品。而生产商和销售商为了吸引更多类型的消费者，尽力充实自己的音乐产品库，由此，以民族音乐为内容的音乐商品，在流行音乐占据半壁江山的音乐数字市场中拥有一定份额。但是，笔者发现一个有趣的现象：在百度音乐、雅虎音乐等数十个音乐网站上搜索“民族音乐”时，给出链接的民族音乐都是由琵琶、古筝、竹笛、二胡等乐器演奏的器乐曲，各民族民歌作品甚少。即使有，也是耳熟能详的民歌，这说明开发商对民歌种类的挖掘力度不够。民族音乐的挖掘与整理、继承与发扬，保护其类型多样化，应该引起业内业外的重视。利用民族音乐多元化这样的丰富资源，开发以“各个民族音乐”为内容的音乐产品，足以实现经济效益和文化效益双赢。

参考文献：

第4篇：音乐文化论文范文

本研究采用准实验性研究框架，根据课题组实际收集整理的西安当地民间“非遗”音乐资源为实验性课程的教学内容，设计共4节（8课时）的讲座课，由一名教师分别在西安两所高校（师范类、非师范类各一所）公共艺术课堂开展试讲，同期进行问卷调研与意见反馈。选定音乐类型包括：西安鼓乐、蓝天普化水会音乐、阎良特技唢呐、周至厚畛子山歌、高陵洞箫艺术、周至殿镇八卦锣鼓。讲座由一名主讲教师主持，并邀请民间音乐传承人承担讲座中音乐演示及部分内容的讲解。讲座调查问卷分A、B卷，各40项五级态度量表，以参与讲座课的高校学生为调查对象。其中A问卷旨在调查学生选课的动机，设计“在什么情况下会更多参与课程学习、在什么情况下会积极主动进行课程学习、不愿意参与课程的主要原因、选择音乐课程的主要原因”等问题。B问卷收集学生参与本次讲座课的体验，问题包括“对演讲者的评价、对听讲者自身的评价、讲座内容、学习兴趣、音乐体验、欣赏习惯、学习经历、音乐爱好”八个方面。两校共发放问卷500份，回收有效问卷435份。

二、数据分析

A问卷对学生参与课程的学习动机进行调查，结果显示：92％学生会因为“教学内容有趣、实用”，89％学生会因为“喜欢教师的教学”来选择课程。而学生积极参与学习的三种倾向：“希望得到好成绩（87％）、学习让我感到快乐（85％）、希望理解教学内容（83％）”，显示出绝大多数学生的学习动力更多来源于“内因”。与之相比，仅有少数学生受外界的动机刺激而更多参与学习，如“在课程的资金投入很多（35％）”和“希望学习表现超过其他同学（43％）”。学生选择音乐课程的原因更多与个体兴趣相关（“有利于个性培养与丰富”83％）；其次为知识获得（“课程内容总体感兴趣”、“学习音乐知识，提高对音乐的理解力”都为76％）。同时，35％学生表示：会因“不喜欢该课程及学习内容”而选择不愿参与课程。因此，兴趣动机是影响学生课程参与积极性的决定性内因，而教学内容是影响学生课程参与持续性的重要因素。B问卷旨在获取学生对系列讲座课程的态度反馈。从课程内容看59％学生表示“能理解讲座内容、61％学生表示在自愿条件下愿意全程听完讲座。大多数学生在讲座之后对教师的教学内容做出正面评价“讲述内容的要点始终清晰（76％）、能感到不同内容间的关联（78％）、内容与标题、主旨一致（83％）、讲座方式与内容的结合恰当（81％）”。从教学组织方式来看，对于音乐传承人走进课堂的教学模式，83％的学生认为“讲解、演示很有意义”。同时，76％的学生表示：“讲座内容促使我进一步思考”。63％的同学表达了“我有兴趣再次参加同类型讲座或课程”的愿望。可见，学生对音乐“非遗”的课程内容抱有很高的关注度及期望值，有组织、有计划地课程实施将对学生产生积极的影响作用。就音乐欣赏习惯而言，86％的学生表示“我每天都会听音乐”，音乐成为他们生活的一部分。但对音乐欣赏渠道存在较大差异，与42％学生选择“我曾自费购票观看音乐会、演唱会”相比，83％的学生表示“我喜欢把音乐存在手机、电脑上”。但喜爱音乐的大多数学生都认为听音乐最主要的原因是“会调节心情”（79％）。即使公共艺术教育面对的是非艺术专业学生，仍有65％的学生选择“我在学校选修过音乐类课程”，上述关于“欣赏习惯”的调查数据明显表现出学生对音乐的喜爱程度。谈及音乐爱好，学生听说过的音乐风格类型占前三位的是“轻音乐（82％）、摇滚（78％）、古典（74％）”。显而易见最喜欢的音乐类型也是轻音乐占56％，对中国民族音乐的喜爱程度排在古典（33％）、摇滚乐（27％）之后列居第四。学生对于“没怎么听过也不愿意去尝试的音乐”表现较集中，42％的学生选择宗教音乐、37％的学生选择戏曲。可见受流行音乐的冲击，加之学校对本土音乐文化渗透不足，学生对此类音乐的认同受到挑战。问卷结果显示：“非遗”音乐授课的形式是否生动，能否调动学生的积极性和兴趣、学生能否在课堂上学有所获，这些都决定了课程的价值。用学生期待且乐于接受的方式组织教学，将成为吸引他们对“非遗”音乐文化感兴趣的理由。因此探究“非遗”的生存空间，进一步完善“非遗”音乐内容在高校公共艺术课堂的展开方式，是本研究的基点。

三、研究发现

（一）以师生对话为平台展开教学

公共艺术教育不应仅限于对学生进行简单音乐知识理论或技能的“培训”，更不应被视作专业课堂之余的“放松场所”。而应着眼于促进学生的丰富文化体验和创新思维能力的发展，将讲授的过程看作是与学生地位平等的进行深入探讨交流的过程，首先需要教学观念的转变。尤其对于音乐学习者，他们不是简单的存储知识而是要在教师的引导下发现音乐与其他事物的内在联系，并在与教师及其他同学的对话中获取更多主动学习的机会。以此锻炼自己的思维能力及评价能力。例如：在周至殿镇八卦锣鼓的讲座中，由周至的鼓乐引申至中国鼓的文化功能，将鼓文化作为中华民族最早形成的文化现象，作为传递“鼓励”、“激励”的精神力量与学生展开讨论。同时，在讲座中引入对音乐价值及音乐本质的讨论，分析音乐是与当地人民的生活状况、风土民情、地理环境、历史背景都密不可分，从而产生多样的音乐风格，形成了各地区不同的审美习惯和偏好。由此阐述，音乐不仅唤起人们情感共鸣，产生愉悦感，更重要的是对人们精神世界的影响。通过对此话题的讨论引导学生能主动通过已知的材料探求未知领域的音乐，从文化的视角出发，去审视不同类型的音乐［10］。

（二）以音乐体验为中心围绕教学

音乐需要通过自身体验而获得感悟，纯粹的讲解不利于学生对音乐进行深入理解。本次系列讲座课的调查结果也说明：参与式教学更有利于学生对课程产生更多积极的认同。“非遗”音乐的传承多为即兴的口传心授。以往的教学过多地定位在“演奏正确的音”，而忽略“即兴演奏是一种音乐进行思维的基本方式”。然而若将课堂进行单纯依照书面记谱衡量，以西方音乐为唯一参照物，这将与地方性音乐“传承”的方式是不相符的，公共艺术课堂应该包容“不同的声音”、分享“不同的观点”，以多种形式丰富学生对音乐的体验。厚畛子山歌的传承人吴松军先生，在讲座中演唱二十多首不同内容、风格的山歌，形象地将厚畛子山歌南北荟萃的特点呈现给学生。这样近距离的“听”山歌，“学”山歌，使学生还能接触到音乐本体之外的其他东西，提高了参与度。高陵洞箫的传承人胡永汉先生现场展示了高陵洞箫极具特色的“双音代唱”、“喉音”的吹奏技巧，这样的技艺如果作为音乐概念仅依靠文字去解释，学生将无法体会洞箫音乐丰富的表现力。结合讲座之后调查问卷反映的结果：83％的学生认为艺术家的讲解演示十分有必要。因此，创造真实的学习场景，学生将容易获得与音乐相关的若干亲身体验。当然，鉴于“技能的掌握并不能代表知识传授的方法与技巧”，且传承人由于尚不了解高校教学的具体情境，很难设计完整的教学内容，本讲座课并未将传承人置于课程的完全主导地位。另一方面，高校教师则可以利用自身的语言及教学经验引导课程的发展方向，弥补以往过度依靠教师自己进行演唱、演奏“原汁原味”的地方音乐而造成的低效率教学。课程的设计应涉及理论、欣赏、技巧，且改变“单一性”，强调“差异性”，形成注重以“体验与参与”为基点的公共艺术课程观念。

（三）音乐与人文融合升华教学

公共艺术教育的目标不是要求个别学生掌握演唱或演奏的技能，而是要让更多学生体验到学习音乐的乐趣。“非遗”音乐的传承不应局限于“教”与“学”，“欣赏”也是一种传承方式，若没有观众，“非遗”自然会渐渐消失，因此它们的价值是对等的。“非遗”音乐的显著特点表现在它的地域性，它是深受当地文化影响并存在于文化中的一种现象。因此，“欣赏”还应包括占有同等重要地位的“文化理解”。如被列为国家级非物质文化遗产的蓝田水会音乐，它反映着蓝田当地自然环境、文化习俗、，具有特殊的功能、意义、价值。只有对其文化的深入理解，才能感受到音乐最真实的面貌，音乐才有被理解的可能。

（四）音乐与多媒体科技结合拓展教学

采取现代多媒体教学手段，是实施直观教学、有效提高课堂教学效果的最佳途径。周至殿镇八卦锣鼓及蓝田普化水会音乐均属于百人综合节目。其中的大型乐器是无法在课堂进行演示的，就可以用播放图片的方式向学生展示。同时播放视频也成为课堂中无法还原真实演出场景最好的替代方式。例如为了使学生更加直接生动地学习蓝田普化水会音乐，可以播放蓝田水会音乐坐乐、行乐的视频资料，来体会音乐的不同功能，以及不同主奏乐器带来的音乐风格的变化学生对音乐的学习是通过多种感官的外界信息传递给大脑形成，因此，教师在制作多媒体课件时若能结合教学方法并考虑学习者的因素，将对引导学生学习动机，产生注意起到重要作用。在多媒体的内容选择上教师还应去探求视觉文化给学生所传达的艺术与文化价值观，将课程内容向贴近学生生活与兴趣方向扩展。例如将2008年奥运会开幕式的节目《击缶而歌》，作为周至殿镇八卦锣鼓讲授的一部分。既介绍与鼓同源的“缶”，又再次强调“缶”与“鼓”“激励”、“鼓舞”的相同文化功能。震撼的画面、强烈的视觉刺激能加强学生对鼓乐内涵及外延的深刻理解。多媒体技术也成为课后拓展的有效途径，调查问卷结果显示学生目前欣赏音乐渠道多是从网络获得，因此若能借助网络平台，利用课后的资源，将其成为课堂活动的必要部分，是符合学生音乐参与习惯的更好方式。

四、结语

第5篇：音乐文化论文范文

[关键词]中国戏曲戏曲音乐戏曲音乐文化发展

一、戏曲音乐发展

中国戏曲是包含文学、音乐、舞蹈、美术、杂技以及表演艺术各种因素综合的、有机的戏剧艺术。而戏曲音乐是戏曲重要的元素，可以集中地表现戏剧的内容。戏曲音乐包括声乐部分的唱腔、韵白和器乐部分的伴奏、开场及过场音乐。中国戏曲音乐是以群体风格、地方风格、民族风格为特征的。其发展历史悠久，民歌、百戏音乐、唐代的歌舞音乐和宋代说唱艺术音乐是其发展的基础。

在现当代，戏曲音乐是中国传统音乐文化的典型品种，对戏曲音乐旧瓶装新酒、百花齐放、推陈出新以及对传统戏曲音乐的抢救、改善、发展、创新措施是音乐文化行为的重要方面。

二、戏曲音乐文化内涵

中国戏曲音乐是在中国民族音乐百花园的土壤中繁衍发展起来的，它的内涵及外延，形式与内容，风格与色彩，集中的体现了中国民族音乐的最高水准，是我国各门类音乐的集大成者。中国戏曲是世界上比较独特的艺术现象，尤其是戏曲音乐，形成了与世界、特别是欧洲音乐迥然不同的风格及色彩。

戏曲音乐是以音乐展示剧情塑造戏中的人物形象，推动戏剧矛盾冲突的发生发展，它与戏剧表演紧密结合，并为戏剧表演服务。凡能流传下来的戏剧大都有优秀的剧本，又有美妙的音乐。

三、戏曲音乐文化的研究现状与意义

中国传媒大学影视艺术学院路应昆教授提出，从“腔依词”和“活腔活唱”为特征的南北曲,到无格无律的明代民间土腔俗调和清代“乱弹”的兴起，意味着戏曲音乐大的解放。

戏曲音乐的研究越来越引起重视，地方性戏曲音乐的发展、走向的理论探讨，近几年一直在持续不断地进行。作曲家对戏曲音乐的创作不断尝试和探索；戏曲音乐在演唱形式、唱法、乐队组成以及和声、曲式、复调、配器等作曲技术上进行更深入的研究；戏班子、剧团等文艺团体对戏曲音乐与表演在结合形式也在进行开拓和创新；戏曲音乐的文化现状目前是比较值得欣慰的，但是，戏曲音乐应该在发展中进行大力推广。

四、戏曲音乐的传承与发展

1.戏曲音乐的传承

（1）大众戏曲音乐与基础戏曲音乐教育

中国传统音乐文化是中华民族集体智慧的结晶。在长期的历史发展过程中，传统音乐无论是在音乐表现形式，还是音乐语汇的运用上均有着鲜明的民族特色。它不仅是一种音乐现象，也反映了各个时代各个地方的政治、经济文化以及民俗语言、美学观点等状况。采用这样的传统音乐文化在学校音乐教育中传承对于传承传统文化、弘扬民族精神和加强世界音乐文化的交流都有着深远的意义。对于学校戏曲音乐教育可以明确传统音乐文化教育的教学理念，培养具有传统音乐素养的教师，对调动各方资源配和教学的有效开展具有重要意义。

（2）专业戏曲音乐人才的培养

我国到现在为止还没有专门培养戏曲音乐人才的学校和专业。一方面，音乐在戏曲中的地位没有足够的重视,另一方面，对音乐上的投入不够。一个剧种如果没有音乐人才接班，这个剧种的前景让人担忧，所以戏曲音乐创作队伍的建设迫在眉睫。

戏曲音乐的传承离不开发展，而发展也离不开传承，传承也必须有新的创造和突破。发展应该在传统的基础上发展，保留其特色与精华，传统文化的精神意义。理清传统承继的脉络是继承传统的基础，也是发扬传统的前提。面对文化裂变的时代，戏曲音乐必须寻求发展。而发展的唯一途径就是继承传统的基础上的创新。

2.创作思维的多元化

（1）继承与开放的结合。在不损伤本民族审美观念和不失本剧种音乐特色的基础上，将戏曲音乐现代化，可以在演唱形式、唱法、乐队组成以及和声、曲式、复调、配器等作曲技术上进行更深入的探索。另外，与其他艺术形式的结合，如与动画。可以保留经典唱段，压缩冗长部分，在不影响经典唱腔和固有旋律下，配乐中加入适当现代元素，二度创作和录音，这是戏曲音乐与动画结合中的创作手法。动画使戏曲更具活力与动力，加上先进的多媒体技术，使二者的结合具有无限魅力。打破传统乐队作伴奏方式进行创作上创新，加入管弦乐队伴奏等手段，同时，对戏曲音乐特色乐器，打击乐的运用予以保留。在演唱中，在戏曲片断中加入合唱，伴唱等手法，从而使戏曲中的人物表现力，气势渲染力得到加强。

（2）纵向与横向的结合。“纵向”是指继承戏曲音乐本身的优秀传统；“横向”是指多方借鉴，广收博采。事实上，中国戏曲音乐创作思维上纵向与横向的结合，由来已久，并取得了辉煌的艺术成就。如京剧艺术大师梅兰芳，也在纵向继承京剧音乐的基础上，横向借鉴了汉调音乐中的[南梆子]、[四平调]等精华，丰富了京剧音乐；程砚秋甚至在京剧《锁麟囊》中，借鉴了美国著名电影明星珍丽梅唐娜的歌唱，可以称得上是横向借鉴的典范。

（3）宏观与微观的结合。宏观与微观相结合的创作方式在戏曲音乐创作中，既可以居高统观全局、掌控大势，又可以抓住各环节之间各个链条，从局部上强化各自的特长。

3.创作方式多样化

（1）创作技巧的创新。戏曲音乐的创新，是一项复杂而具挑战的任务。如果说，创作思维的创新是这项系统工程中的“软件系统”的话，那么创作技巧的创新就是这项系统中的“硬件系统”。换言之，思维创新是无形的，而技巧创新则是有形的，是思维创新的具体落实与有效载体具体而言的，戏曲音乐创作技巧的创新,主要可以从旋律的创新、声的运用和配器的运用来体现。

（2）唱腔旋律的创新。唱腔是戏曲音乐的主体,而旋律又是唱腔的灵魂,也是音乐最主要的表现手段。旋律把高低、长短不同的乐音按照一定的节奏、节拍、调式、调性关系组织起来，塑造出感人动人的音乐形象，表现特定的思想内容和思想情感。唱腔旋律具体表现在旋律因素的创新、板式的创新、流派的创新等方面。在戏曲音乐中，唱腔音乐的创新是戏曲音乐创作的关键。它可以分为以下几个方面：旋律的创新、拖腔的创新、板式与节奏的创新、调式与调性的创新、板式结构布局的创新、各行当之间不同唱腔互相转换的创新，演唱形式及伴奏形式以及伴奏乐器的创新，等等。

事实上,戏曲音乐之所以能发展到今天，具有如此深远的影响力，也是在继承和不断推陈出新的基础上的结果。无论哪一种地方戏曲音乐，都是通过不断吸取其它剧种唱腔的精华而成长壮大的。所以,要想我国戏曲音乐发扬光大，为广大人民群众所喜爱，我们必须在发展中继承传统，在创新中求发展。

参考文献：

[1]曾遂今.中国大众音乐.中国传媒大学出版社，2003.

[2]田同旭.论古代戏曲音乐的形成和民族文化融合.山西大学学报，2007，（9）.

[3]赵宇.戏曲音乐发展初探.2008.

第6篇：音乐文化论文范文

音乐美学的基本内涵

马克思的这一说法在现在看来仍然是准确无误的，因为人类审美意识的产生都是以当时的历史和社会条件为前提的。作为音乐美学重要的组成部分，音乐感知的产生也是必须以音乐艺术的存在为前提，只有客观的音乐艺术存在，人类才可能在此基础上对音乐的对象进行五官感知，把音乐的对象化为可以感觉到、聆听到以及触摸到的虚拟物体。如果音乐对象不存在，人类今无法去感知，谈论音乐美学也就毫无意义了。作为音乐美学的重要环节，审美评价是指对音乐的好坏能够做出一个客观的评价。人类的心理基础决定了其所共有的欣赏水平与审美趣味，在某种程度上来说，人类对于某一类型的音乐是认同还是排斥所依据的标准就是“共同感知”，它主要是人类在长期的社会实践与生产中产生的，因此其审美活动也就是在人类的社会活动范围内，受到人类社会本质的强烈影响，进而形成了普遍的审美评价。随着社会的不断发展和人们生活方式的改变，音乐的审美标准要紧随时代前进的脚步，这样才会引起人们的认同和接受。尽管音乐是以虚拟化的形式出现的，但人们对于音乐的感知程度却一点也不必实际物体差，这就是音乐情感的作用。人们通过对音乐情感的领悟把音乐物化和意象化，人们根据自身的文化素养和审美趣味，凭借对音乐情感体验这种直观的感受，不断的探索和揣摩，进而能够把虚拟化的音乐对象转化为实体，这种全新的对于音乐的完美诠释真实的展示出了音乐世界的博大精深与妙不可言。

音乐美学包含的文化意蕴

因为人类本身是一种感性动物，注重的是对音乐的直观感受，但音乐美学是一种感性思维与理性思维的交汇，因此，在探讨音乐的规律以及本质时，要对其进行综合分析。但一定要尊重音乐给予自身的直观感受，因为第一感觉往往是正确而又接近实际的，这是获取音乐美的最直接途径。由于人类又具备思考的能力，因此可以在感性的基础上对音乐进行理性分析。理性的分析音乐的外在形式以及内在含义，找出音乐与社会生活之间的联系，进而提炼出音乐的本质和特质，创造出更多的优秀音乐作品。每一部音乐作品都有其具体的内容和形式，音乐所表达的内容是通过演奏形式体现出来的，二者早已融为一体，而且不可分割。从某些方面来看，音乐的形式也是音乐内容的一个组成部分，因为是音乐向听众展示了其外在内容，除了乐声之外别无其它，而音乐的具体内容又是通过形式表现出来，音乐形式对音乐内容的表达起到促进或者制约的直接作用，二者互相影响，密不可分。音乐美学的产生是顺应艺术发展需要的结果。艺术的道路是永无止境的，而且作为人们精神活动的一个部分，艺术可以用音乐、电影以及绘画等丰富多彩的形式填补人们精神生活上的空虚和寂寞，人类已经离不开艺术活动，艺术装饰了人们单调乏味的平凡生活，是这个世界充满了活力与生机。音乐美学的发展程度同时制约着艺术的前进道路。音乐美学作为归纳音乐本质与审美的一般规律，是可以知道具体的音乐实践。在实际的音乐表演与创作中运用音乐美学的直观导向可以为音乐的长远发展提供可靠的前提基础，音乐的发展也会促进整个艺术界的前进，因此，音乐美学的发展程度直接影响到引述道路的前进方向与速度。从这个角度来看，艺术的真正魅力在于其不断被创新和超越，永葆生机。总结音乐美学思想蕴藏丰富，博大精深，它与同时期的文化一样历史悠久，源远流长，具有深厚的文化底蕴和基础。音乐美学的基本内涵包括音乐感知、审美评价以及情感体验三个环节，其文化意蕴更是多种形势内容以及思维的融合，只有清楚的了解音乐美学与其文化意蕴的内在联系，才能创作出适合广大人民而又优美动听的音乐作品。

本文作者：骆云飞工作单位：新乡学院

第7篇：音乐文化论文范文

良好的校园文化是社会文化的一个浓缩，它能够将社会中时代性的要求、思想、观念、原则以及价值规范蕴含到自己的教育教学中，使自己的教育表现出超前性、规范性、辐射性、多样性等特点，从而对整个社会孕育、创新出进步超前性等理论、思想和精神，为社会培养并输送大量具有较高综合素质的人才。处于青少年的中职学生则可以在校园文化潜移默化的美感作用和熏陶下，达到自身道德、思想、身心、智力等综合素质的全面发展，而音乐教育作为艺术教育的一门学科，在校园文化的建设中又有着非常重要的作用。基于培养和提升学生的音乐教育能够培养学生的审美鉴赏和审美能力，并使这种能力渗透到其他学科中，作用在学生学习的方方面面和人格的培养上，有着其他非艺术类学科所不能替代的作用。校园文化中的音乐教育是以实现青少年学生的素质全面提高为着眼点的，坚持乐以辅德，乐以益智，乐以促体，乐以怡情为定位。从校园文化下的音乐教育的特征、功能、主要内容为依据，素质教育中的音乐文化建设应充分运用音乐艺术教育的特殊功能来促进学生素质的提高，使他们从音乐自娱升华到人格的完善。校园文化建设越来越需要生动活泼、生气勃勃、充满创造性和娱乐性的教育形式，越来越需要将音乐教育引入德、智、体、劳诸育之中，进而完成对学生人格的塑造。重视音乐教育是促进校园文化得到充分、自由、全面发展的关键，是实现教育现代化、培养跨世纪建设人才的关键。因此，音乐教育是校园文化建设的重要途径之一。

二、以音乐教育的特征为基础，在校园建立具有自身特色的精神文明，对学生进行爱国主义教育

爱国思想是国家和社会精神文明建设基础而重要的组成部分，因此，在校园文化建设中树立和培养学生的爱国思想情感是思想品德教育的重点。而音乐教育则能以蕴含着爱国情义、一种鲜明且富有时代感的形象来激发和感染学生的情操、品德与情感。作为学校和音乐教师应该认识到一首好的音乐作品给学生在爱国情感和思想上所带来的巨大作用，为此，笔者提出如下几点，将音乐教育与校园文化进行融合与渗透。

1.将校园文化精神融入到音乐教学中。学校组织一些歌唱和合唱类的活动或比赛，教师选择和教授一些具有时代思想和精神的歌曲，通过音乐中的旋律、情感、形象等艺术效果来对学生进行感染和教育，使整个校园文化中渗透着爱国的思想情感。另外，课堂教学中，音乐器乐的演奏也对音乐艺术对校园文化精神建设具有推动作用。如演奏民乐合奏曲《翻身的日子》，既可通过乐曲朴实、热情、欢快、具有浓厚民族色彩的音乐语言(曲调)为学生描绘出广大农民翻身后的幸福生活和内心无比喜悦的感情，又能培养学生团结协作的集体主义精神，使他们充分认识到只有团结协作，个人的潜能才能得到发挥，个人的能力才能得到提高，个人的心智才会更加完美。

2.在课外可以通过校园音乐广播等多种形式，增强校园文化的精神氛围。音乐的聆听与欣赏对学生也有着潜移默化的影响和熏陶，因此，选择符合自己校园文化建设特色的校园音乐至关重要。如欣赏田农作词、践耳作曲的《清晰的记忆》，然后引导学生领会作品的深刻含义，帮助学生捕捉音乐形象，让学生回忆经历过的“鲜艳的红领巾，飘在我胸前”的充满朝气的童年时代，从而教育学生珍惜今天“共青团的徽章，挂在我胸前”这富有活力的青春岁月。校园文化自身的精神及其灵魂与核心所在，它既是符合现代社会思想的校园群体的本质且深层的思想意识的集中反映，又是凝聚师生和谐的团结力，形成向心力的关键。音乐教育与这一精神的产生、形成和持久存在有着密不可分，相辅相成的联系。音乐教育不仅给学生带来了精神、情感、品德等德育方面的培养，还是他们透过作品深刻了解到主题中所反映出的历史、社会思想，从而使学生逐步树立正确的“三观”、价值取向和行为模式，进而成为影响学生潜意识中方方面面的一种激励力量，最终形成完整的人格。

三、坚持贯彻和发挥音乐的教育功能，使其推动校园文化良性发展

科学良好的音乐教育，对于培养学生思想品德、情操以及审美有着其它学科所不能替代重要作用，正如古希腊哲学家柏拉图所说：“音乐能用最强烈的力量深入心灵的最深处，如果教育的方式适合，它们就会用美来浸润心灵，使它因此美化；如果没有这种适合的教育，心灵也就因此而丑化。”

1.音乐教学应坚持把良性的校园文化作为导向。教师可以在教学中结合一些著名的经典作品和具有现代社会特点的流行歌曲给学生讲授美学知识，并加以对比的引导学生进行讨论，让学生在音乐中感受到美，使审美、追求美、鉴赏美成为他们高层次精神生活的一部分，进而激励和帮助到他们的专业学习。

2.音乐教育应把发展良性的校园文化作为导向。让学生在紧张的专业课学习后，通过音乐艺术教育和各种音乐艺术类的校园活动，使自己的精神生活和课余生活得到丰富和放松，以更好的促进他们的学习和成才，也是音乐教育的目的所在。校园文化中的音乐教育不仅仅是德语的功能，还应是促进其他多方面发展的助推剂，使学生成为综合素质得到全面提高和发展的社会必须人才，社会和国家的合格接班人。

第8篇：音乐文化论文范文

在高校音乐教育与区域文化建设对接过程中，对促进区域文化繁荣有着重要影响。通过高校教育的平台，促进区域文化在继承中不断创新。

（1）创新、丰富区域文化。

区域文化是一定地域范围内历经时间的沉淀形成的一种文化形式，通过民间的耳闻言传进行文化的传播。区域文化自身的随意性较强，且缺乏规范的管理和科学的传承。目前，我国区域文化传播出现了停滞的现象，使区域文化流失较严重。通过高校音乐教育与区域文化的对接，能够以高校教育为平台，结合科学的教学方式来不断丰富区域文化内容，使区域文化发展能够不断创新，满足人们对文化的需求。

（2）弘扬区域文化。

在高校音乐教育与区域文化建设对接的过程中，对区域文化最重要的影响在于能够在传承中弘扬区域文化，使区域文化在不断拓展中发展下去。区域文化属于隐藏在民间的具有丰富内涵的文化类型，有着重要研究价值和应用价值。实现双方的对接，在高校音乐教育中添加更多的区域文化元素，丰富高校音乐教育内容，使高校师生充分了解区域文化的特色和内涵。在一定区域内，高校师生的影响作用较大。例如，在杭州的浙江音乐学院的音乐教育中，构造音乐中的“人间天堂”，使音乐创作中体现着江南水乡的气息。师生在进行音乐教育的过程中，通过举行各种形式的音乐比赛或音乐晚会，以融杭州地方特色元素为主题，促进区域文化的有效传播。实现高校音乐教育与区域文化建设对接，借助高等院校平台，不断对区域文化进行探索、挖掘，并为区域文化赋予更多创新元素，在继承中不断创新，在弘扬中广泛传播，实现区域文化繁荣发展。

（3）创造良好的区域文化环境。

随着高校音乐教育中不断加入特色文化元素，使区域文化活动的开展更加具有创新性，有效促进了一定区域范围内文化的传播，对促进人们积极参与区域文化建设有着重要的推动作用。通过高校音乐教育的平台传播，使区域文化在发展中具有更高水平，对满足人们审美需求，促进人们情感表达有着重要作用。因此，实现高校教育与区域文化的双方对接，能够为区域文化创造出更好的环境氛围，促进良好区域形象的塑造。

2高校音乐教育与区域文化建设对接，实现高校特色教育

高校音乐教育与区域文化建设的成功对接，不仅对区域文化建设有着重要影响，对高校音乐教育和学生学习也有着潜移默化的影响，促进高校音乐教育与区域文化的有机结合，实现高校特色教育。

（1）促进教学模式的创新。

通过高校音乐教育与区域文化对接，促进高校教育与社会文化的沟通交流，一定程度上促进了学生的社会实践，为丰富自身音乐灵感积累了更多素材。基于双方的对接关系，教师再进行音乐教育的过程中，鼓励学生深入实践生活，走出课堂，走向社会，充分感受来自社会的多元化音乐元素，促进音乐素养的提高，实现高校音乐教学的目标。以浙江传媒学院为例，在该校的音乐学院教学中，积极创新教学模式，倡导学生走到社会中寻找区域音乐。在浙江区域文化中，夜箫、熊林等乐器所演奏的传统乐曲，被当地认为是珍贵的传统文化。在寻找传统音乐过程中，结合现代创新思维，可以将传统区域文化与现代艺术风格有机结合，目的在于探索出一种新的音乐元素，实现由价值的音乐创作。另外，在该音乐学院中，教师常与学生一同参与“走进民间，感受艺术文化”活动，即在地方区域中体验民间古树，寻找有价值的音乐灵感，以更好的服务与音乐创作，形成独特的音乐作品。应用这样的教学模式，一方面能够锻炼学生的实践能力，促进学生开阔思维的培养，对音乐创作有着重要影响；另一方面，通过这种创新型的教学方式，能够帮助教师更好地细化教学目标，促进音乐教学目的的完成，全方位培养学生音乐能力，有利于更高质量的音乐人才的培养。

（2）教学内容融入区域特色。

实现双方的对接有利于高校音乐教学内容融入区域文化特色，丰富教学素材，提高音乐教学效率。现阶段我国高校的音乐教学中，主要包括音乐乐理知识的学习以及音乐实践活动的开展两个方面，对大众文化和区域艺术的涉猎较少，不利于学生培养全面的音乐素养。在音乐教学过程中，更多地接触到区域文化特色，促进学生更多音乐形式的了解。在我国不同社会区域中，有着不同的区域音乐类型，成为我国重要的非物质文化遗产。例如，河南省的南阳板头曲，有以民间说唱故事为主题而表现其叙述、抒情、喜怒哀乐、跌宕起伏的，如以东周列国故事命题的《哭子路》《叹颜回》，以三国故事命题的《哭周瑜》，以隋唐故事命题的《大救驾》。将各种民间的音乐形式融入高校音乐教育中，能够促进学生音乐上的创新，在浓郁的区域文化氛围中，不断创作出更具特色的音乐作品。因此，通过高校音乐教育与区域文化建设对接，能够有效丰富音乐教学内容。

（3）促进特色音乐人才的培养。

高校音乐教育与区域文化建设的对接，促进了高校音乐教学模式的创新，丰富了音乐教学内容，加入了越来越多的区域文化特色，这对培养具有特色的音乐人才有着重要作用。融入了区域文化后，通过越来越多的区域文化特色影响，促进学生自身音乐特色的培养，形成独特的音乐风格。在音乐竞争激烈的现代社会，形成自身音乐的独特性直观重要，如近年来十分受欢迎的玖月奇迹，就是将传统音乐融入现代元素，用最纯粹和直接的歌声去激活歌迷的听者细胞，又立足中国传统文化去渲染出民族文化中最炫的成分《，中国美》《青春舞曲》等歌曲广为传唱，使人印象深刻。

3实现高校音乐教育与区域文化建设对接的有效策略

为实现高校音乐教育与区域文化建设的有效对接，要注重科学策略的应用。有效的策略应用主要包括以下四个方面：

（1）充分考虑社会需求。

实现高校音乐教育与区域文化建设的有效对接，首先要考虑社会的需求情况，另外还包括民众以及政府机构与城市文化之间的需求关系。只有充分满足社会当中产生的需求，才能够更加切实地实现文化建构。这个过程中尤其表现出来的是对传统优秀文化的一种借鉴与集成。当前，区域文化需求主要表现在两个层面：其一是区域环境下民众自发形成的音乐审美与鉴赏特征。其二是区域政府制定的制度性、规范性的内容。也就是通过塑造或者是引导城市形成文化名城形象，或者是具有时尚气息的现代都市，又或者是形成具有自然生态美感的生态城市。这种情况下，城市建设过程中相关宣传活动都应当基于这个中心，并由此展开相关内容。

（2）充分掌握地域文化。

只有充分地掌握地域内的文化特征，才能有针对性的与高校的音乐教育进行对接。社会不断发展过程中，不同地区都会形成具有地域特色的文化形式，其中包括的内容十分丰富，音乐、舞蹈或者是风俗习惯等都是其中十分重要的内容。高校音乐教育在构建区域文化发展过程中具有十分重要的意义。因此，有必要进一步加强形成以高校音乐教育为中心的地域文化传播模式。

（3）创新对接方式。

为实现高校音乐教育与区域文化建设的有机对接，在对接方式上要不断创新，拓宽对接渠道，实现对接价值。高校音乐教育学院在开展特色音乐文化建设的过程中，加强人员管理，加大资金投入，更好地实现区域文化的构建和传播。例如，开设专门的“民间特色艺术欣赏讲座”，如我国的皮影戏欣赏。公开放映王华、张老壁、冯凌云、聂春潮等人的皮影戏作品，通过讲座的形式，了解传统文化，并寻找自身的灵感。在高校音乐教育中，开展文化特色文化讲座，聘请民间艺人进行讲授。通过与民间艺人的沟通，促进区域地方文化与高校音乐教育的交流，有利于学生掌握更多的民间艺术形式，对培养全面发展型音乐人才有着推动作用。

（4）加强对接后的文化传播。

在实行高校音乐教育与区域文化对接的过程中，需要实现对接之后的文化交流。高校音乐教育在发展的过程中与城市文化之间必然会产生一系列相关的对接内容，其中包括对音乐作品以及歌曲等的对接。因此，我们应当通过多种途径完成对接作品产生的文化传播价值与经济价值。这个过程更是学生能够产生学习兴趣，激发灵感的重要途径，对进一步促进城市文化传播等具有十分重要的意义。同时也能够为相关的音乐表演、音乐创作活动提供一定的经费，保障高校音乐教育与区域文化建设对接项目的顺利实施。

4结束语

第9篇：音乐文化论文范文

思想对文化产业和音乐产业理论的重要贡献是无可争议的，政治经济框架对于分析流行音乐业务的逻辑和动态及其复制的全球所有权和控制模式是不可或缺的。资本驱动的逻辑首先显示在巩固民族音乐市场上，通过战后美国的横向和纵向一体化战略，到了70年代中期已经国际化。2000年以后各大公司已经将生产和消费与流行音乐进行对接。但这远远不够。文化商品消费的波动和不可预知性，如音乐CD或专辑下载，必须采用各种生产策略，试图塑造和控制消费环境。政治经济学方法的价值在于它试图表明生产制度如何产生消费并塑造它。这意味着他们还将消费者的账户作为该控制系统的支持。但音乐消费者的文化中介，人们实际购买的品位的选择和变化在文化生产方面已经非常大的转变。法兰克福学派理论家认为，生产完全控制了音乐类型、消费者的品味以及产品被聆听的方式。因此，阿多诺认为流行音乐已经完全商品化了。这个过程是成熟的资本主义将文化商品化的战略的一部分，从而通过将文化生产与制度的要求结合起来，进一步整合休闲与工作。结果是，流行音乐变得越来越标准化，一个产品和下一个产品之间只有微小的变化。阿多诺在这里强调非常可预测的音乐类型的微小变化可以确保核心标准化，同时满足在音乐消费者中寻求新奇的欲望。

阿多诺甚至认为流行音乐的形式是预先消化的，他们对消费者进行了深入分析，这就是产品生产的消费者的可预测性。他们也会对消费者进行不注意的倾听，这样的结果是一个可预测的核心的一系列不可预测的变化。因此，阿多诺认为听众被婴儿化，即品位降低到儿童的水平。在这样的市场环境下，严肃的音乐几乎没有机会。这种观点认为，音乐不仅完全商品化，而且还成为社会控制、舒缓和安抚普通听众的人。所有这些都表明生产能够控制消费，品位的模式将由音乐事业决定。但是，数据也表明青少年流行市场非常不稳定，远远超过了命中率。这表明，流行音乐的制作与消费之间存在相当大的距离，而音乐商品化却使得广泛定义的音乐消费类型的发展不可能将消费完全整合到首选的生产设计中。

二、文化生产：从过滤到文化中介

虽然将音乐作为主导结构的重点放在生产上是非常有道理的，但音乐业界对于唱片公司等组织的分析显示，这些组织允许对可变、复杂的文化制作进行描述，在消费时甚至可以有争议。這种模式的文化生产集中于了解音乐中的象征性物品如何在特定的商业和制度环境中产生，这些环境会影响到受欢迎度和可销售的趋势，文化组织（如唱片公司）将根据消费趋势和风格来解释生产者和消费者的行为。 这种方法的价值在于它演示了音乐及其商业交换的象征价值往往是一个意想不到的结果，这些结果发生在组织中，成功取决于他们能够控制业务的程度并将音乐作为商品而不是消费者的口味。实际上，音乐风格的模式和趋势不仅仅是消费者需求的结果，更多的是生产者决策的结果，有时候能够成功地与观众和其他因素连接。这种观点表明，生产和消费之间存在相当的距离，生产者在面对不可预测性的情况下，通过开发其控制音乐市场（水平和垂直整合，过度生产，差异选择和推广）的实践来面对音乐消费者的不可预测性。产品输出的边界是媒体，它可以选择性地覆盖新的风格和标题。由于唱片公司依靠广播电视引进新艺人和创造新纪录，所以宣传活动的目标受众是媒体守门人或消费者，例如DJ，唱片评论家和作品编辑。媒体构成了文化产业的制度性子系统，因为这个战略检查点阻止或促进了时尚潮流。这是因为消费者的意识的存在和可用性取决于报纸和杂志的特色故事、评论栏和广播电台的播放。唱片公司对这些媒体看门人的反馈非常敏感。