美术研究论文精选(九篇)
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第1篇：美术研究论文范文
关键词：吉祥美术形意势
中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶，传承并发扬它，将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。
中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福，专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术，绝大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象,蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术之中，成为中华民族思想文化得以传承的源泉。
将传统吉祥图案艺术结合到现代烹饪美术教学设计中，是引导学生掌握具有专业性和艺术性的现代烹饪理念的关键。但这样的一种结合，并不是对传统图形进行纯粹的拷贝或者简单的挪用，教师首先应引导学生认识和了解传统图形，并在此基础上让学生学会逐步挖掘、变化和改造传统图形，让传统图形成为他们进行设计的一个新的创意点和启示点，从而设计出焕发生命力的中国烹饪吉祥图案。而对中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合，可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析与沿用。
“形”的提取与衍生
“形”一般指图形所表现出来的物象外形与结构。中国传统图形是根植于中国民族性、地域性的传统艺术渊源中的，它们与现代图形的造型方式有着许多不同的地方。中国传统图形主要注重的是实形（或称为正形）的完整性与装饰性，关注形与形之间的呼应、礼让和穿插关系，在组构时多遵循求整、求对称均齐的骨式。那么如何将传统图形中的“形”运用到现代烹饪美术教学之中？首先，教师应该引导学生学会从传统图形中提取其“形”的元素；然后，再结合构成课程中所学到的一些构成手段，如：打散、切割、错位、变异等方法，将提取的“形”元素再进行新的设计重组；最后，再让学生将这种立足在传统图形原形上，而又对原形不断分解、转变和重构的衍生形糅合到图案的绘制之中。这样的烹饪美术图案，不仅能够保留传统艺术的神韵，又带有鲜明的时代特征，并且还能充分地表达出所蕴含的理念与个性。
“意”的沿用与延伸
从古至今，世世代代，人们之所以反反复复地描摹着同一个图形，不仅仅是因为它的外形具有美观的欣赏价值，更重要的是在于我们所看到的这些传统图形，其背后往往蕴含着更深更广的吉祥意义。
要将传统图形艺术与现代烹饪美术教学相结合，教师不仅要引导学生去提炼和创新传统图形的“形”，同时还要带领学生一起去探求和挖掘蕴含在它们背后的“意”。不论是古人还是现代人，对美好的事物都一样的心存向往，这正如司徒虹所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现，它具有两个特征：一个是包含科学合理部分，是古人对自然规律的总结；二是它的想象力和创造性，它体现了中国人对吉祥幸福的向往。”传统图形背后的吉祥意味同样也适宜沿用在烹饪美术教学之中。无论从对称讲，还是从偶数说，整个图案都洋溢着古老东方早已流传的吉祥之气。因此，将约定俗成，并已经在中国民众心中形成共识的传统图形“意”延展出更新、更深层次的理念精神，使其更具有文化性与社会性，这也是现代烹饪美术设计的一种很好的艺术体现。
“势”的把握与承传
“势”通常指图形所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛，“势”能传达整个图形的精神。在传统图形的“势”这一点上，特别要提到的是中国的国粹——书法。书法是从观察自然界万物姿态而得到启示，匠心结体而成，经过几千年的发展演变，形成了各种不同的个性与风格。书法不仅有结构，更有笔势。结构仅仅是书法运笔的依据，而书法个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔“势”。把握与承传传统图形的“势”，并最终将其融合到现代烹饪美术教学之中，是传统图形艺术与现代图案结合的一个难点。对于传统图形艺术中“形”与“意”的沿用，学生比较好理解，但这种沿用只能说是对传统图形艺术的一种浅层次的理解和认识，而一种新的民族形式的创造，是需要在研究传统图形时摆脱其物化表面，深入到它们精神领域的内部中的。因为只有在深入领悟了传统图形的艺术精华之后，再在现代西方设计思潮的基础上，兼收并蓄，融会贯通，找到传统与现代的契合点，才能打造出属于我们本民族的同时又是国际的现代烹饪美术。
中国传统美学强调的是主客统一的整体意识和“求全美满”的美学观念，认为万事万物都是一个和谐统一的整体，都遵循同一个本质规律。因而中国古代的艺术家始终致力于“以整体为美”的创作，将天、地、人、艺术、道德看作一个生气勃勃的有机整体，以人的情感赋予物的形式，借物抒情，“以形写意”，“形神兼备”，这是一种善和美的行为和意志。在传统图案的题材和构成形式上，都表露出我国人民那种“善始善终”的处世哲学。中国吉祥装饰艺术不重“写实”重“传神”，不重“再现”重“表现”，提升为“物我同一”的审美观念，是中国人文化意识和形态哲学观念的体现。即使吉祥主题的装饰在传统观念中仍具有神性的一面，但它还是具有现实意义的，其深层的装饰动机是创造一个吉祥化的世界，表达一种对安定、和谐、康富生活的企盼。
中国吉祥文化是东方文化的一处独特景观。它题材之广泛、内涵之丰富、形式之多样、流传之久远，是其他艺术形式难以替代的。它是中华民族历史文化宝库中一笔珍贵的精神财富，即使立于世界艺术之林，它那独特的东方文化魅力也丝毫不会逊色。把吉祥符号的精神元素融入现代烹饪美术设计之中，必定会使烹饪美术吉祥图案的设计更具文化性与社会性。
参考文献：
[1]《中国吉祥图像大观1》，《中国艺术学》,彭吉象主编,高等教育出版社,2005年3月
[2]《中国艺术设计史》，赵农著,陕西人民美术出版社,2004年1月
第2篇：美术研究论文范文
【关键词】新课标、教育、策略、研究
一．新课标教育的提出
美术课程就其人文性质特点而言,它在提高与完善人的素质方面具有独特的、不可替代的作用,因此美术教育是学校进行美育的主要途径。《美术课程标准》赋予了美术课程新理念,即以多种学习形式开展课内外有益于陶冶学生审美情操的系列活动,促使学生形成基本的美术素质,通过研究性学习,让学生通过自己设计、制作生活中的物品包装,经历在生活中感受美与创造美的探索与实践,从而锻炼学生的动手能力、思维能力、解决问题的能力和创造能力。这种学习方式可使他们与社会、生活更贴近、人际交往更融洽。
我国基础教育正经历着由应试教育向素质教育转变的历史性变革。当前教育改革之最迫切的，是从各科的无限分裂走向新的融合，使各科之间形成一种良好的生态关系。以美术课程为中心不断地与周边其它学科相互交融，特别注重综合性和人文性，能有效地传承文化，尽量使每个学生积极参与美术学习，并且促使每个学生在各自的基础上获得不同程度的发展，陶冶情感，提高学生的审美能力，促进学生感知觉和形象思维能力的发展，促进学生创新精神和技术意识的形成，促进学生的个性形成与全面发展。
然而以往美术教育在以下几个方面不适应素质教育：课程的综合性与多样性不足；过于强调学科中心，过于关注美术专业知识与技能；在一定程度上脱离学生的生活经验，难以激发学生学习兴趣。我们对学生所实施的不是专业美术教育，而应该是生活美术教育。我们所选择的教学内容应该是对学生未来生活有帮助的，有利于他们身心发展的。在教学中要更多地从教育的角度来认识美术课程，而不是从美术的角度来看待美术教育。只有这样，我们才会更多地从促进学生发展的角度来组织课程内容，才会淡化学科中心，才会关注课程的综合性和多样性，才会努力将美术学习活动与学生的生活经验联系起来，才会想方设法提高学生学习美术的兴趣。所以进行美术生活化教学研究具有十分重要的价值。
二．新课标带给美术教学的变化
1.新课标带给我们的第一个新理念——新的教材观
传统的教材是学科知识体系的浓缩和再现，教材是学科知识的载体。这种教材观的实质是“教材即知识”。新教材关注学生的学习兴趣和认知特点，一方面注意控制教材内容总量精选学生终身学习必备的基础知识和基本技能，一方面适当降低某些知识的难度要求，改变原理性知识偏重思辨和过深、过难的现象。大胆更新了“双基”的概念和内容，删除了陈旧的、用处不大的信息，充实了学生能够接受、适应现代生产与生活的信息。
传统教材把学生定格在预先设定的“书本世界”和“科学（知识）世界”之中，满足于“理论知识”的学习，而恰恰远离了儿童的生活世界。新教材观不仅关注那些客观的、系统的、逻辑的“共同知识”，而且关注那些主观的、情境的“个人知识”，关注儿童的“生活经验”和“生平情境”，力图把人类群体的生活经验纳入学生的生活世界之中，努力实现“科学世界”和“生活世界”的汇通融合。
新的教材观认为“教材既不是知识体系的浓缩与再现，也不是学生被动接受的对象和内容，而是引导学生认知发展、生活学习、人格构建的一种范例，是教师与学生沟通的桥梁。美术教材质量的优劣，对学生学习美术的兴趣、审美趣味、创新能力和个性品质有着直接的影响。美术教材的编写，应力求向学生提供美术学习的方法，展示丰富的具有审美价值的图像世界，提高他们的学习兴趣和欣赏水平”
2.新课标带来的第二个新理念——新的学习观
新课标新的学生学习观主要体现在要求注重学生的自主性学习、探究性学习和综合性学习；要求学生是在有学习兴趣的基础上学习；要求学生能在解决问题的过程中学习。具体地说，是学习方式的变革。学习方式不是单纯指具体的学习策略和方法比如背诵、练习等，这些行为方式只是载体。在学习过程中，学生的认知、行为、情感以及社会化参与进行有机结合。
3.新课标带来的第三个新理念——新的评价观
考试一直是最常用的评价方式，本来考试作为检验、筛选、强化记忆的途径并没有什么不好，但是我们都知道，在以接受知识为教学目标，以考试成绩为评价标准的应试教育下，考试就成了一种桎梏和枷锁，成了学生学习的沉重包袱。成绩好就是优等学生，成绩不好就是劣等生。考试就是拿学业性的因素来片面评定一个学生的综合素质，这显然有失公允。
新课标的培养目标变了，教材功能变了，教学模式、学习方式变了，与此紧密相连的是评价方式的变革，其注重对学生学习发展过程的评价；评价不是根据成绩来给学生下定义、分类别，而是注意学生在成长过程中的点滴变化，通过评价指引学生更好的发展。注重对学生多方面的评价；包括情感、态度、价值观的评价和学习方法的评价。
其实新课标带给我们的远不止上述的新理念，它带来的是一次头脑风暴。这些变革的构想，最后要依赖教师在具体的教学实践中去贯彻和实现，因此，我们每个教师都要树立新的教育观，了解新理念，做到与时俱进，与新课标同行，创出一片新天地。
三．新课标下美术课教学的办法和思路
1.美术教学应与学生实际生活紧密相结合
教育家杜威说：“教育即生活”，教育的目的就是为了更好的生活。现代社会终身教育理念的提出，更使教育与人的生活紧密相结合。美术是一门与生活联系十分密切的学科，生活处处有美术，美术教学要贴近学生生活，开放学生美术学习活动的空间，引导学生从生活中认识美术、走进美术世界，让美术丰富学生生活，这样学生才能感受到美的真义，才能真正热爱美术，并学会从生活中发现美、创造美。
首先，美术课堂学习内容要贴近学生生活。新课程标准指出，美术教育主要是引导学生参与各种美术活动，尝试各种工具、材料和制作过程，学习美术欣赏和评述方法，丰富视觉、触觉和审美经验，体验美术活动乐趣。因此在美术课教学时，不应一味拘泥于教材规定的题材作为教学内容，在题材、形式的选择表现上要留给学生自由空间。例如在设计制作课单元，可让学生从自己感兴趣的做起，如：给自己最喜欢看的一部电影或电视片画一张宣传画；找一找自己最喜欢的玩具或日用品，然后把不满意的地方改变一下，重新设计并画下来；为自己的亲友同学制作新年贺卡，并鼓励用刮色、涂蜡、撒盐、吹色、压印等各种新技法。还可以让学生自己命题自由创作，充分发挥学生的创造积极性。此外，美术课还可以将当地乡土民间美术搬进课堂，如蛋壳画、葫芦雕、剪纸等，以丰富学习内容，提高学生学习的兴趣。
其次，让美术教育走进学生生活，变生活为美术学习的大课堂。生活是教育的源泉，脱离了生活，美术教学就失去创造的活力。教师要开放课堂活动的空间，引导学生走向自然，走向社会，把公园、田野、村庄作为学习美术的大课堂，在大自然中学美术，感受生活的红、黄、蓝。写生课不妨带学生去野外果园、农贸市场、山麓湖畔，描绘自然界的花草树木，观察生活中千姿百态的鸟兽人物。手工制作课不妨带学生去放风筝，去迎风玩一玩小风车；用制作的彩带、挂饰、窗花美化周围环境，做到学以致用。结合欣赏课，可组织学生参观一个画展，引导学生理论联系实际，用美术课上所学的知识指导欣赏活动。
2．美术教学要充分重视学生的个性差异和不同倾向性，尊重学生的选择
个性化教育是未来教育的重要特征，它在承认学生共性的前提下，在教学过程中强调学生个性的培养和发挥，突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中，师生间的情感联络和交流得到加强，学生能发挥更大的积极性和主观能动作用，从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。美术课与其它学科相比，最突出的特征是它的表现性、多样性和个性化。因此在美术教学中教师不应制定整齐划一的学习标准，学习内容和要求不能规定的过死。传统的美术教学模式以门类、画种作为教学脉络，比较注重以教师为中心，是老师教学生怎么画，而现代美术教学模式提倡以学生为中心，是教师帮助学生将他们想要展现的事物画得更好，是老师帮学生怎么画。美术教师要把提高学生学习美术的兴趣和培养学生审美感受力作为教学的中心目标，充分尊重每个学生不同的审美感受和各自的审美表现，促进学生良好个性的发展成长。不同学生由于个人性格、气质、生活环境的不同，往往有着不同的艺术倾向和趣味，有的喜爱工笔，有的偏向写意，有的追求厚实，有的欣赏飘逸，教师要尊重学生艺术趣味的多样化，不能以自己的喜好对学生表现枉加评判。
3．努力营造平等、民主、融洽、和谐的学习氛围，注重学生学习过程的情感体验
美术教育家尹少淳说过：美术是最具人性意味和最具综合性质的人类活动之一。美术课程以实施美育为核心，情感在教学过程中起着十分重要的作用。美术教师在教学中要特别关注学生的情绪生活和情感体验。孔子说过：知之者莫如好之者，好之者莫如乐之者。学生在课堂上是兴高采烈还是冷漠呆滞，是其乐融融还是愁眉苦脸？直接影响着学习效果。心理学家认为，积极的情绪对认知具有动力功能。愉快时感知比较敏锐，记忆比较牢固，思维比较活跃。反之，消极的情绪则会阻抑认知活动的开展。这就要求美术教师必须十分重视创设良好的审美氛围。良好的审美氛围由具体的环境、教师和学生等要素相互作用形成，而教师的心理状态、精神面貌、言行举止以及工作态度与方式，对审美氛围的创设起主导作用。因此首先要求教师应该情绪饱满，言行举止富于形象性、生动性和感染力，要以热情和真诚态度对待学生，对学生的每一个作品、每一次尝试都怀着浓厚的兴趣和真诚的关注。教师要放下架子，主动与学生平等交流，关注学生学习过程的情绪和情感体验，用“心”施教。只有在融洽愉悦和谐的气氛中，学生的内心世界才会敞开，他们的个性与情感才能得以充分表现张扬，创造力得以发展，学生的心灵也才能得以陶冶净化。
“以学生为中心”是现代教育思想的核心精神。新课程强调，教学是教与学的交往、互动，师生双方相互交流，相互沟通，相互启发，相互补充，彼此分享思考、经验和知识，交流情感、体验与观念，实现教学相长和共同发展。教师不再是课堂教学的主宰者、操纵者，而是课堂教学的组织者、参与者，是“平等中的首席”，教师要积极组织学生开展合作学习，相互学习，取长补短，激发学生积极主动观察、思考、参与讨论，体现“学生是学习的主人”的精神。美术课程内容多样性和丰富性的特点更需要加强师生间的交往互动。
4．重视现代信息技术的运用，丰富教学内容，提高教学效果
二十一世纪是信息经济时代。教学活动要借助一定的手段工具来进行，以电脑、网络和多媒体技术为主的现代信息技术的出现给教学带来革命性变革。信息技术具有的直观性、形象性和超大容量，对美术课教学来说更有得天独厚的优势，美术教师要积极采取这一新的教学手段为美术教学服务。
四、利用现代教学媒体，创造新型教育教学方法
现代的教学方式不再局限于简单的讲、听、学、练，授课场地也不再局限于三尺讲台，粉笔也不再是唯一的教学工具，只要能为美术教育教学服务，随时、随地、任何方式都可以对学生进行美育。众多的变化，飞跃式的发展，对每一位教师提出了新的挑战。美术课程教育教学要发展，美术教师就必须掌握现代化教育教学方法。
1、贴近学生生活，激发学生学习兴趣
大多数学生对美术还是比较感兴趣的，因为美存在于生活的每一个角落，一片叶子、一朵花、一片云、一棵树、一只蝴蝶等等，都可能引发学生对美的追求，对美的向往，教师从事美术教学要充分掌握学生的求美心理，在新课标、大纲的指导范围内，最大限度地帖近学生生活，让学生从生活中发现美、感受美、创造美。
2、充分利用现代媒体设备展开教学
现代媒体设备能帮助我们说明抽象的问题，使一些难以形容、难以讲述的问题变得更形象、更直观，比如利用摄影机、摄像机收集一些素材，利用计算机、电视机等手段进行美术创作和展示活动，在讲风景写生的时候，我们可以根据当地情况选择性地播放一些山、水、树林、乡村等风景录像，这样会使学生很容易地进入情景之中，激发学生激情，更加投入地进行创作。
3、走出去，感受一下大自然
我们认为美术学科是一门很灵活的学科，以往的学习往往是死肯课本，就是教师教、学生画，形式很单调。不妨试一试走出去的方法，到比较安全、离学校不远、又很赋有诗意的地方去感受一下大自然，陶冶情操，开扩视野。这样的乡土课会使学生心情舒畅，更有利于提高学生的审美能力，也有利于学生健康成长。
4、和学生交朋友，在快乐中度过教学
教师应该和学生建立起融洽的关系，关系融洽了更有助于开展教育教学，通过师生情感交流，大大地提高学生学习兴趣，会让学生不拘不束地展开想象，进行美术创作，学生也会对自己的超常发挥而感到无比的快乐，这对学生性格、情感的培养和形成也有很重要的作用。
5、多种形式相结合，教学突出一个“活”字
艺术本身没有固定的尺度，大到万里长城、兵马俑，小到一个小头饰、一幅风景画，都是艺术的再现。为了追求这种多元性艺术，我们美术教学也应该是多种形式相结合的，不能只认为画画才是美术最，要丰富教学内容，让学生多学点、学多点，主要是突出一个“活”字，教师活教、活导，学生活学、活用，只有师生的默契配合才会收到更好教学效果。
6、提高专业技能，为学生做出榜样
一个成功的美术教师应该具有较强的专业技能和熟练的绘画、制作技巧，以精湛地技艺为学生做出榜样，要让学生信任老师，喜欢美术老师上课，喜欢向美术老师学习。这就要求我们加强专业训练，不断提高自己的业务水平，占居教育教学的不败之地。
7、注重交流，取人之长、补己之短
一个人的思想必须是片面的，一个再全面的人也不可能是十全十美的，定会存在这样或那样的不足。相信集思广益的道理大家都很明白，我们可以通过美术教师之间的相互交流、相互促进，共同提高对新美术课程标准的认识，加深对新教育教学技能的理解，掌握科学的教育教学方法。
以上是在实际工作中，在美术教研教改、落实新课标方面总结的几点不成熟观点，在今后的工作中，我们仍然需要不断地努力和创新，力争使我们的美术教育教学工作走向更高的位次。
致谢
在这个清爽的四月，我收获了我的成果——完成了学术论文的写作。本论文在写作过程中，得到了许多老师悉心的指导和帮助，提供了许多用于写作的资料，感谢老师给我的帮助，使我可以顺利完成论文的写作，祝福他们一切顺利！
参考文献
[1]《美术课国家新课标标准报告会》中国教育学会美术教育研究会,2001.7
第3篇：美术研究论文范文
美术教育是以美术的专业基础教育、创作能力教育和理论素质教育为内涵的。对学生理论素质的培养主要是通过美术概论、美术历史、美术批评等方面的美术理论课程来完成的。一直以来，美术院校在理论教学上存在着一些认识误区，并由此产生了诸多历史问题。有人认为美术理论是从事美术理论研究工作者的事情；技法专业学生将理论学习排除在学习计划之外并对自身的理论素养要求过低；一些学校忽视理论教学，在课程结构、课时分配和从事理论教学的人员安排上流于形式等等。有些问题大家因为习以为常而熟视无睹。
不少人感叹现在的学生一代不如一代。从表面上看，理论课受冷落的责任应归咎于学生，因为一切后果好像是由学生直接造成的。但事实却并非如此，而且也不可能完全通过学生的醒悟来改变现状。因此，提高美术院校学生对理论课重要性的认识显得非常必要。除此之外，理论课本身缺乏吸引力也是造成自己受到冷落的重要原因之一；另外，美术理论教学实践中出现的若干问题也有不可推卸的责任。也就是说，美术理论课长期以来受冷落不仅牵涉到理论研究者、教学工作者，而且与美术教育的教学模式、教学观念、教学方式、教学实践过程以及教学评价体系都密切相关。我们在分析原因时还得将批评的目光从学生身上移开，跳出传统的思维局限来进行全面审视。
首先，美术理论本体建设上存在问题。一些陈旧的理论体系，让我们在乏味的阅读中找不到学科的内在逻辑关联。20世纪80年代末，中国才开始把美术作为一个学科加以研究，其内容包括美术历史、美术理论、美术批评、美术传播四个方面。但是，“美术基础理论研究似乎还没有真正以‘美术’为基本范畴，来建立起独特的、有机的学科理论，即使曾有所谓《美术概论》教材，但也不能说完全适应了美术学科的理论结构与内在逻辑乃至完整性与有机性建设的要求。”①
某些过时的教学研究。“当时代和艺术发生变化和更新时，我们也必须随之转变和更新我们的艺术观念，否则我们就会对发生在我们日常生活中和身边的新艺术感到困惑和难以理解。”②艺术总是在创新中获得生命的。如果我们的理论研究只停留在过去，那么我们将失去对当代艺术的理解和兴趣。王南溟在批评当今美术教学研究时说过这样一段话对我们很有启发意义：“过时的教学研究将艺术教学停留在人体美的阶段，或者还停留在人文主义的审美阶段是当代艺术教学的最大障碍，这种教学让学生认为只有这种人文主义审美才是艺术，甚至会对当代艺术的教学产生抵触情绪。”③
当代艺术在中国的发展，要求将学生从封闭的理论视野中解放出来。从“五四”时期前引入西方艺术到现在，中国美术已经历了几次“革命”和思潮的起伏，这既给中国美术理论提供了宝贵的经验和丰富的材料，也给理论研究提供了崭新的视点、深刻的反思和方法论启示。新的时代语境下的当代艺术，更需要理论的支持和阐释，以利于解决传统和现代、东方与西方文化冲突与融合问题，识别和区分资本控制下流行的庸俗审美情趣，保持艺术的精神与品格。但是美术教学在与艺术时代嬗变的呼应中显得很被动，究其原因便是我们对当代艺术的教学没有从理论的源头上进行思考，没有从更深的社会背景和文化视野上进行价值判断。
脱节的理论教学与创作实践是美术专业学生彻底抛弃理论的一个重要原因。理论对学生的帮助作用没有了，学生对理论失去兴趣也似乎变得理所当然。
随着理论家和画家之间的经济差距拉大，功利的评判标准让人们对理论的重要性产生怀疑，在理论表面繁荣的背后，真正热爱理论事业、沉下心来做学问的人并不是很多。有的学生受此影响，对理论学习表现冷漠。
其次，美术院校理论课受冷落现状的形成，理论教学中存在的问题也是难辞其咎的。在直面美术学院的理论教学问题时，批评家吴味的质问一针见血：“面对我国美术学院陈旧的‘玄学’教学模式和一帮毫无社会科学背景的老师以及一群学不好数理化就改学艺术的学生，我们还能指望什么呢？”④其言辞虽然有些激烈，但美术理论教学在这样的教育环境下实施的确是雪上加霜。我国的艺术培养模式和艺术教育体系使专业化越来越强，而综合性越来越差；技术越来越好，人文素养越来越低，这种重技术轻人文的思想不仅体现在各级各类的学校教育中，而且体现在艺术人才的来源上。如果走不出“技术至上”的认识误区，理论课将永远不会受到应有的重视。这不只是艺术观念的问题，更是教学观念的问题，已触及到了艺术的本质和前途。
在具体的教学环节中，“教会如何在掌握美术史料、史实的基础上，思辨历史，重解历史和批判历史，并以历史知识解决现实问题，这是美术历史教学的关键。”⑤我们还要将美术批评教学从依附美术史教学的从属地位中独立出来，因为社会发展中许多艺术方面及与艺术相关的现象与问题，都有待于尖锐、深刻、独到的批评去分析和阐释，并从解决美术发展中的学术问题上升到解决社会文化建设中的实际问题。
在教学内容上，由于理论课不算专业课，有些老师和学生都把它看成负担，只是一种点缀。作为科学的教学体系，美术学同其他课程的关系本身不是主从、依附关系，而是相互构成合理的知识结构。在以素质教育为核心的现代美术教育体系中，美术学有着更重要的地位。“以学科为基础的美术教育”（Discipline-BasedartEducation简称DBAE）的教育观代表了美国当代普通学校视觉艺术教育的总体趋势，对我们的美术学科建设不无启迪意义。他们认为现代美术教育的基本特征是审美学、美术批评、美术史和美术创造四个方面相互渗透，形成完整统一的教学内容，并以由简入繁、循序渐进的教学方式，促进学生扩展艺术的知识面，了解与美术相关的特定文化内涵，从而提高他们创造视觉艺术形式以有效地表达思想的能力。
“随着现代艺术的发展，艺术学科专业的发展、分化、重组，以及与其他学科结合衍生出许多新的艺术专业和边缘学科新专业。艺术学院作为艺术教育和艺术研究的学术机构，无疑应对自身系科的设置和课程结构做出相应的调整。”⑥优化课程结构，增强美术学知识和相关人文知识教育，打破传统的学科与专业划分的界限，开设其他艺术门类的课程，将技术训练与审美文化教育有机结合起来，使学生获得交叉学科和跨学科领域的知识和技能。
我们需要建设一支高素质的理论教学的师资队伍。当前，我国艺术院校从事理论教学的一线教师理论水平普遍不够高。这除了跟国家理论人才培养的数量和规模跟不上艺术教育发展的需要有关外，专业人才流失也是一个重要原因。近年来理论师资情况虽有了明显的改善，但具有硕士学位以上学历人员的比例仍然比较低，本科生毕业直接留校任教的仍占很大比重。这类教师由于不具备基本的教育学理论知识和教学能力，因此教学上产生的后遗症也日益暴露出来，致使美术理论一直没有在课堂上得到很好的讲解。
近30年来，中国的美术理论的研究和教学工作总体上来讲取得了很大的成就，同时也给我们制定了更高的要求和更远的目标。院校的美术理论教学除了要在教学内容和方法上进行深入探讨和改革外，还要结合社会发展现状，不断加强对美术理论自身的研究和探讨，提高理论教师的专业水平，这样院校美术课长期以来受冷落的尴尬局面才会结束。
注释：
①周绍斌.由美术理论教学反观近三十年美术理论形态之发展.美术观察，2008.2第16页.
②常宁生.中国高等艺术教育：问题与思考.穿越时空——艺术史与艺术教育，中国人民大学出版社，2004年9月第1版，第192页.
③王南溟.当代艺术的教学：现状与分歧，/show_news.php?newid=26537，2007年05月21日14:13．
④吴味.再谈美术学院培养不出当代艺术家，/1004/2004/7/21-36997.Html，2004年07月21日．
第4篇：美术研究论文范文
艺术教育有不同于科学教育与思想教育的特殊作用，它不是单纯的艺术知识传授与艺术技能培养，而是一种提高学生智力和智慧，培养学生审美能力、创造能力、合作意识和个性，帮助学生初步形成正确的世界观、人生观、价值观的教育。”简而言之，艺术教育是实施素质教育的重要途径，它的这一特点决定了艺术课堂教学所采用的方法要有别于其他学科。艺术更为讲究的是情感的投入与心灵的交流，否则如无根之木，无源之水。但情感教育是一种春风化雨，润物细无声的教育，教师如何才能在潜移默化中让你的学生接受到这种情感教育呢？在我多年的美术教育实践中，比较注意以下几点做法，并小有收获，现简述如下。
1、角色互换，拉近师生距离
努力改变“传道、授业”的模式，把主角的位置让给学生。不要让学生产生“上美术课是一种负担，欣赏理解创作是一项任务”这样的错觉。教师可以把课堂自己坐到学生中间去，作为其中的一份子参与实践和讨论。从形式上拉近与学生的距离，营造一个愉快教学的气氛，让学生放松心情，带着轻松愉快的情绪去感受，才能得到美的体验。
2、合理评价，获得学生信赖
学生不管是完成作品还是思考问题,总是希望得到教师的肯定。作为教师首先要对学生积极参与的态度表示赞赏，然后对具体的作品要做具体的分析，做出科学、合理的评价。这样既保护了学生的学习热情，又能帮助他们提高思考分析与实践能力。合理的评价可以建立起学生对老师的信任感，同时也传递给学生一种信息——公正、公平的评价方法。评价的方式可以是多种的，可以采用学生自评或互评，再结合教师的点评，最后让学生通过自己的努力来确立正确的审美理念。比如在素描课中，大部分学生刚开始作出来的作品看起来实在不怎样，但我首先对学生的学习热情大加鼓励，然后对不同的作品分别给予分析与有选择性的建议，而避免具体教他们怎么做，教师用意见或建议的方式更善于发掘学生的潜力，这样使学生总能保持着自信的学习态度。
3、倾听心声，教学相长
现代教学论指出：教学是教师的教与学生的学的统一，这种统一的实质就是师生之间的互动，即相互之间交流、沟通及共同发展。通常在上课结束时，我会抽出几分钟时间，让学生相互之间来畅所欲言。学生可以谈自己对相互之间的作品的看法；可以讨论如何改进等等具体想法。师生间交流对教学的想法，学生会觉得老师的备课中有自己的思路，带着“这是我的课”的想法，更积极的参与到课堂教学中来。还因为得到教师的尊重而增强自信心和对教师的亲近感。作为教师则从中得到了课堂的反馈信息，得以改进自己的教学。
美术教学反思
传统美术教学只重视专业知识与技能的传授，把学习仅仅局限在书本上，脱离学生的日常生活实际，在这种学习观念下，不仅很难培养出学生的创造精神，而且会泯灭学生学习的兴趣，最终影响学生的发展。
新课改倡导的美术教学，既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养，还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系，创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，让学生在活动中学、在玩中学，让学生围绕目标自主选择内容、材料和方法，让学生在知识探索的过程中发现规律。我在教学中，努力用新的理念来组织教学，收到了较好的效果。
比如在进行色彩教学时，虽然学生对颜色并不陌生，但对色彩的调配和变化规律却不了解，而且因为学生第一次接触水粉颜料，可以说对每一种物品和色彩都充满了好奇，于是我在教学中充分让学生去自主实践，探索发现。我首先让学生观察教室里都有哪些颜色？你喜欢哪些颜色？教室里挂了很多漂亮的装饰物，有绿色的叶子，红色的国旗，黄色、紫色、粉色等各色的花瓣，还有各种颜色的衣物和文具。同学们惊喜地发现，原来我们的教室里竟然有这么多美丽的颜色，我又让学生观察外面自然界中还有哪些颜色，学生通过观察，发现了我们生活的世界真是五彩缤纷，也激发了学习色彩的兴趣。我又适时提出问题：这些美丽的颜色能不能用颜料调出来呢？学生齐声回答：能。我没有急于出示答案，而是让学生自己动手调配颜色，学生的积极性特别高，不断地向同伴和老师展示自己的新发现，学生在自主实践中体验着学习的乐趣，并久久回味。看到学生这样快乐，我明白了一个道理：不要让我们所谓权威的说教代替了学生的直观体验，扼杀了学生探索的自由，要让学生成为学习的真正主人。在教学中我们还要善于发现问题，分析问题，关注学生的情感，改进教学和组织形式，才能实现教学目标，创设教学的新境界。
美术教育是对学生进行美育、促进智力发展和进行美育、促进智力发展和进行思想品德教育的重要手段它对培养全面发展的一代新人具有不可忽视的作用。它以美为主线，陶冶学生的情操，培养他们良好的思想品德，发掘教材本身美的因素，根据教育内容进行美育。在绘画教学中要选择造型优色彩协调、明快而富有意义的实物作为教材，来培养学生对美的感受和追求。还要帮助学生创造一个"审美世界"根据画面内容进行教育，美术作品的欣赏教学，极有利于开阔学生知识面，提高他们的审美能力，我力求改变把自己审美感受直接灌输给学生的简单做法。而是让学生经过完整的审美过程，积极地进行艺术思维的锻炼与发展。现代教育不仅要传授知识，同时要开发学生的智力，促进学生才能的发展。
美术教学，在培养和发展学生的观察力、记忆力、想象力、创造力和思维能力等方面都起着特定的作用，对学生未来的成就有深远的影响。在人们改造世界的所有创造性活动中，想象力和创造力都是必不可少的。在美术教学过程中，教师要善于启发引导，让学生联系实际引起联想，充分发挥学生的想象力和创造力，发展学生的形象思维能力，创造出想象中的形象，培养学生的创造才能，而不是直接向学生传授具体形象的内容。美术教育要求通过对具体形象的观察，进行分析、比较、用提炼、概括的艺术手段加以表达，运用形象思维进行美术创伤。
美术教学对于发展形象思维促进抽象思维，提高学生的思维能力具有重要作用。
美术课教学反思
经常有不同学科的教师羡慕地跟我说，“你们的美术课最好上啦，学生上课积极性很高，上课轻松。”哎！我想想，如果真如他们所说的那样就好了。那真可以说明这位美术教师的教学能力很强。
上好美术课，是每个美术教师的追求，也是每个学生的期望。我一直在思考，如何来调动他们的积极性，让课堂既活泼又生动呢？在思考的同时，我在一次次实践的检验中寻找答案。一节课要充分利用好，又要学生兴趣能提高，就须让精彩纷呈的艺术有机的与课堂教学互相利用，使各类艺术互相渗化，保持课堂内容的新鲜感，如；预备年级的《豆贴画》，刚开始两节课，他们贴贴很有意思，兴趣也很高，但是这个作业花费的时间很多，要想很好的完成这幅画，需要三至四课时的时间完成，到后面他们就开始有情绪了。中学生对美术还处在简单的认知性审美上。美术学科也有技巧学习，要在审美与兴趣上提高还需有一些方式方法，对此我曾作过以下尝试：
一、美术的相关课外知识的运用，使学生丰富知识的同时提高兴趣。
如在上初二《雕塑》一课，这课的重点是教雕塑的用途，材料，以及如何制作圆雕。为了使学生在学之前能对该课产生兴趣，第一节课我用多媒体展示并介绍了“中国雕塑与外国雕塑”让学生参与，通过欣赏，分析说明不同时代的雕塑的不同之处，再比较得出结论。课堂上同学们观察很仔细，他们对老师出示的一些从来没有看到过的雕塑很感兴趣，学生的问题很多，有关心作者的，有关心年代的，甚至还有同学对它现在的处境很关心，整节课气氛比预期的还要好。因此我觉得像这样的课前准备是很有必要的，它在丰富学生的课外知识的同时提高学习的兴趣。
二、实物写生将提高学生兴趣。
也是初二《写生素描》一课，写生是这节课美术学习的关键，让学生知道写生是怎么回事，从而引起学生的学习兴趣，让学生去校园写生观察花草植物，通过自己的观察了解植物的结构，和写生的取景构图。最后从学生中找出几位结构特征较明显的同学出来当模特，学生的兴趣一下就提起来了，给模特摆好坐姿，坐好后，以真人为例讲解绘画要点，这时学生的兴趣明显上升，作业的质量也得到了保证。
三、欣赏与技法相结合。
初中美术教育以审美教育为主。审美能力的提高仅仅靠学生技巧的提高来实现是不可能的，只有将欣赏放在技能的前面，让学生在美术教学的基础上，拓展自己的思维，分辩美与丑。按照顺序每节课在黑板上展示范画，并在教师的引导下了解其技法的运用。通过以上的学习最后让学生通过所学的知识完成一张创作画，学以致用。
四、教师给学生的课堂作业给予鼓励和肯定。
美术作业是在课堂中完成的，教师在教学时一方面要下讲台对学生个别指导、指点。对学生的作业，给予一些赞扬，对绘画中有创造性的学生给予肯定，这对提高学生的兴趣起到一定的帮助。
以上是我这段时间的教学反思，谈及了自己的一些体会，在以后的教学中我会继续探讨研究，灵活运用各种教学方法，上好每一堂美术课。
研究的回顾于反思
一、意外收获
笔者在长期的专业培养研究中同时获得了学生的管理方法，在这里一并阐述一下：
1、学生的管理
美术专业有其独特性，除和其他术科的专业差异外还存在思维方式的差异，管理不当就会导致学生的自由散漫或阻碍正常的教学活动，因此管理学生一方面要照顾到专业的特殊性具体问题具体分析，另一方面又要照顾到学校整体的教育教学管理。根据实践和调查研究我认为用“粘贴”方法比较合适。
所谓“粘贴”就是随时随地对学生进行监督管理。这一管理办法是根据美术专业的特点进行实施的。专业辅导不是先上课后练习再讲评这么简单，而是注重在练习过程中进行个别指导。虽然老师不需要每一分钟都在教室里但需要经常在教室里。教师需要化去大量的时间在特长生的身上作个别指导，有时修改一幅画要化去相当长的时间，需要老师作出一定的牺牲，这样一来就解决了上面的三个问题了。教师在安排学生自由消化时也要经常在教室走动以免使学生在老师不在时养成自由散漫的坏习惯，这样一来就象把老师“粘贴”在学生的身上一样。不过要说明一点“粘贴”本身不是完全由老师一手控制学生的所有自由而是要经常关心学生的学习以外的活动和思想动向，课外要经常和学生一起聊聊天有利于建立新的师生关系。
当学生在班级学习文化课时就要进行“粘贴”转移至班级管理，减轻专业教师的负担。但是要解决第三个问题还得要专业教师和班主任时常联系，专业教师要做好上课情况记录及时和班主任取得联系。这样一来就又解决了第一类问题。
2、指导学生处理好专业和文化课的学习关系。
美术特长生在高中三年的学习中和其他学生相比，可以说在某种程度上来说学习负担要重一点、经济开支要大许多。他们要多学习一门专业课，而这门专业课所涉及的内容、范围又相当广泛。这一切在无形之中就会给学生增加很大的压力，如果处理不好就会使学生文化、专业两耽误，进而会引起学生的厌学心理，严重的会造成一无所获。要解决诸多问题的关键是除了关注学生的生活、学习，更重要的是要运用有意义的方法指导学生自主学习。
（1）激励方法
所谓“激励”方法主要是依靠老师的指导激励学生的学习兴趣，从而激发学生自主学习，或以激发学生自身潜力充分发挥学生自主性。在具体的操作过程中是以学生的学习阶段性及其发展过程能动地随时随地的引发学生的激情。只要把学生的激情引发出来，那么其他的事情学生自己会主动的去完成任务。有许多学生认为自己在天赋上的不足而失去信心，结果是不但专业课学不好而且文化课也落下不少。这时候就要鼓励学生，让他们觉得自己是有用的是有潜能的，只是自己的潜能没有得到挖掘，而挖掘的时间有长短。老师对学生的这一评价很容易让学生接受的。
第5篇：美术研究论文范文
[关键词]艺术学；美学；分类；标准
二级学科艺术学在国家学科目录上已经存在多年了，目前具有二级学科艺术学硕士、博士授予权的高校也有不少，从数量上看，其增长速度相当快，这也许是“学术成果大发展”的业绩证明。在增长数量的背后自然是大量的研究生，有一个真实的情况是愈是接近年底论文“开题”的时段，部分准硕士、准博士们愈是对二级学科艺术学研究什么内容，如何研究很是心焦。今年底笔者收到他们的一封电子邮件，说他们曾为此“商量”，讨论，并且在检索查看了以往历届“艺术学”博士学位论文，发现绝大多数都是二级学科的非“艺术学”的内容，最后得出结论是：大家都觉得，艺术学论文很难脱离某一个具体的艺术门类来写，如果脱离具体门类来写，纯粹形而上的东西那就变成美学、哲学了。
这让笔者想起2007年《中山大学学报》第2期上就有论者在《艺术学的学科性质与发展前景》论文中提出：“艺术学与美学并无实质性区别，必将消失于美学之中或重新成为美学的一个部门”。再看作者相关的论辨，知道他的意思并非“艺术学科消亡”，而是目前的“性质”“定位”不当：现在的二级学科“艺术学”定位在一级学科“艺术学”之下，成为“文学”门下，而作者认为应当或将来“必将”要归属于“哲学”门下。wwW.lw881.com笔者认为，哲学、美学自然有纳“艺术学”于其门下的容量，但是这不妨碍“文学”仍保留“艺术学”的空间。理由是从“文学”门下一级学科“艺术学”的角度观察的“艺术”和哲学、美学角度的观察是不一样的，结论也有不同。本文以俄罗斯美学家卡冈对“造型艺术”的分类为例，试释不同之处。
一、艺术学的分类问题
出现上述研究生疑问的原因中，至少有一个是“艺术学”迄今未有成熟的“分类”。“分类”不明，当然研究对象难免交杂不清，研究方向、目标和方法模糊就是必然的了。学术研究，不进则退。我在《艺术学，莫后退》一文中就“分类”问题略作探讨，就是希望证明二级学科“艺术学”还是能“生存”在“文学”门下而已。分类中大概只有“应用艺术学”概念被部分学者采信，其余的都未能引起学人兴趣，没有真正的学术回应。现在则恐怕连“应用艺术学”也不再引起兴趣，因为大概“艺术”一经“应用”，就会被看成不是“理论”的低层次了吧。
我想要探讨问题，先要站稳在“艺术”的起跑线上，这个起跑线不仅在于对“全部”艺术实践的理论须有所认知，更需要的是对某些门类的艺术实践有所“实践”。正如陆放翁诗句：“纸上得来终觉浅，绝知此事须躬行。”“艺术学”不同于其他纯理论学科的地方就在于“须躬行”，而不是永远的“隔岸观火”。“隔岸观火”可以观其大势，“须躬行”可以避免“隔靴搔痒”的结论。有“切肤之感”，又明其大势，“艺术学”研究才有实质的“莫后退”。
对艺术的分类，不论是对艺术总体内容、还是对某一门类“品种”的分类方面，美学和艺术学的立场不同，标准也不同，结论当然不同。下引俄罗斯美学家卡冈在《艺术形态学》中的“造型艺术”分类为例，提出疑惑之处：从这些疑惑之处引入到“艺术学”角度的分类的思考。
在上表中，卡冈把“造型艺术样式”分为5大类：“艺术摄影”和“书画刻印艺术”、“绘画”分为一大类；其他4大类是：“雕刻”、“全景艺术”、“玩具艺术”和“化妆艺术”。他提出：艺术摄影与书画刻印艺术和绘画的接近在于，它在平面上、通过对世界的假定的黑白色再现或者彩色再现而描绘世界。因此，摄影艺术仿佛重复书画刻印艺术和绘画的可能性，不过，它与书画刻印艺术和绘画的区别不仅在于技术手段，而且在于这些手段所产生的对被再现现实的反映和改造之间不同的——直接对立的——相互关系：艺术摄影总是纪实艺术的，而在书刊刻印艺术和绘画中甚至对模特儿的直接再现，也包含着无法排除的使模特儿发生变化的因素，这种变化按照艺术家对模特儿的看法、感觉和理解而产生。从这段引文中可以看到卡网关于“造型艺术”的某些概念和我们已经有了如下歧义。
先看他分出“造型艺术样式”之一的“书画刻印艺术”，在此样式下含三项“品种”：“书刊的书画刻印艺术”、“版画”和“插图”。他也知道这不是20世纪之前的分类，他说：在20世纪以前理论不把书画刻印艺术划分为与绘画和雕刻并列的第三种独立的艺术样式……在“三种最著名的艺术”中，与绘画和雕刻并列的是建筑，而素描仅仅被评价为一切“构造”艺术的基础或者绘画的一个品种。他这里说的“素描”，其实和绘画所说的素描还不是一回事，他说：
素描开始被看作为一种独立的艺术价值，而使它与版画相接近的特点，归根到底许可承认在平面上、在素描的所有技术品种(铅笔、炭笔、钢笔、色粉的素描，以及木版画、金属版画、漆布画等)中的黑白造型和单色造型是造型艺术的特殊样式，称之为书画刻印艺术。他说的素描，就是单色画(黑白依然是单色)。可见，对同一个词汇，美学家和艺术家的理解距离有多遥远，双方如有争论、探讨、研究，也许都在“各说各话”，连基本概念都没有统一的对象——除了一个词汇之外。
按照卡冈的“素描”说，如果只要是“黑白造型”和“单色造型”就是“素描”，就是“书画刻印艺术”，那么，对
如果笔者的记述不错的话，这种“全景艺术”，似乎类似“艺术学”角度所说的“装置艺术”、“行为艺术”。“装置艺术”的“空间”可以在街头巷尾，可以在市民广场，可以在厅堂、门廊……总之，有足够的“空间”就行。“行为艺术”则除了一定的造型外，也可以有“进行中的情节”，而这个“情节”的参与者可能是行人，也可能是来驱散他们的警察。总之它揉合了一点“时间艺术”的条件。卡冈强调：全景艺术与雕刻和绘画的另一个本质区别在于，如果绘画预定于从一个视点出发的完整知觉，而全雕刻作品预定于视线围绕静止的雕刻的运动，那么，围绕观众的全景造型则定向于从内向外的环形知觉。“从一个视点出发”，包含观者只可能有的“一个视点”和绘画本身的“焦点透视”及非焦点透视的构图，“全雕刻作品”显然即“圆雕”。至于“全景艺术”又有“环形知觉”，令人想到一种“全息电影”和“环形电影”。但他又提出：全景艺术的边缘形式是透景画，透景画在它的视知觉的结构和性质上接近于自己的形态学邻居——透视浮雕。卡冈列出“透景画”品种，不能详明何所指。联系他的相关论述，也许指的是博物馆陈列中普遍采用的虚拟“场景”艺术设计。这是借用电脑技术，利用光学原理合成的有真实“三维空间”的艺术设计，用来表现某种历史上曾发生过的诸如族群迁徙过程或某种手工艺工艺操作流程，如“玉作”、“陶瓷作”、“泥人作”等连贯的过程。在特殊的“橱窗空间”里，完全“纪实”的人物、器物都被按比例缩小，俨然如“小人国”般的“表演”，所以也含有相应的“时间艺术”因素。但是这些在“艺术学”角度看来，统统属于“展示设计”的范畴，上述所有具体内容的呈现手段，都只是“展示设计”指 定的某种“技术”的运用，和“雕刻艺术”没有关系。
卡冈把“玩具”列入造型艺术的一个类，下列“静态玩具”、“活动玩具”两个品种，不知道他的“静态”、“活动”是不是指不能“动”的(如泥偶等)和能“动”(如附发条机械或电控的汽车、飞机之类)的两种玩具的意思?这是出乎“艺术学”研究者的意料之外的。倘若凡有“造型”——不论何种手法、形式——皆可为“造型艺术”，那么“绘画”、“雕刻”、“建筑”都是“造型艺术”；“戏剧”、“电影”里也有“造型”，理应也是“造型艺术”，但若在艺术学分类中以呈现主要艺术效果的“手段”为标准的话，其主要艺术效果并非单由“造型”解决，更多的是音乐、表演、语言、灯光、色彩及镜头特技所起的作用，所以只好说它是“时间艺术”类的“综合性艺术”品种。
玩具则不然，首先是“玩具”的涵盖量巨大，既有平面的，也有立面的。既有芭比娃娃、变形金刚一类的“造型”，也有正方几何体拼图游戏一类的“造型”。即如卡冈列出的“静态玩具”而言，它们也不是艺术家个人完成的终端产品，一样要经过工艺制作过程，并且最重要的是只有“玩”的过程中，“玩具”的艺术功能才彰现出来。从这一点看，分类的标准和前述的“绘画”就不一致了：设定同一种标准应该是“分类”的“游戏规则”，标准不一必然带来逻辑混乱，离分类的要求太远了。
卡冈认为“玩具不仅是独立的艺术现象，而且是儿童的综合创作——艺术游戏——的一种成分。”因此他又提出“造型艺术样式”中还有一项是“化妆艺术”。他说：化妆通过演员的面孔再现完全不同的人——戏剧或者电影的角色——的面孔，从而自己的特殊手段创造类似于造型创作的其他机所创造的艺术形象。因此，对于演员，化妆艺术和木偶艺术原来是二者必择其一的；实质上，木偶本身仿佛是演员的一种“化妆”，是演员用来遮盖自己面孔的假面具。从上文可知卡冈的“化妆艺术”仅指戏剧、电影演员的“化妆”而已，但如果就“化妆”，特别是就“化妆”的“假面具”而言，儿童玩具中就有此类“化妆”物。就其形态说，在未使用前是“静态玩具”，一旦使用又是“动态玩具”，虽然它本身并不动，或只有局部动。此外，戏剧演员会有“假面具”，
“绘画”本身的“描绘”技巧可以独立，因而能够成为非“绘画”的一种表现技能，因此对“绘画”还须加以“定义”。我们可以给艺术学的所谓“绘画”设定三个条件：第一是有主题、有情节；第二是有构图范围；第三是在平面上的静态展示。所以不是有“描绘”的技术形式皆可称“绘画”，如先古时代某些“壁画”、器物上的“画”皆不可当作“绘画”讨论，因为前者缺乏第一、二项条件；后者不符第三项条件：所以它们都是“描绘”技法的运用。此外，现代出现的电视画面、电影画面虽在“平面”上展示，但非“静态”形式，故也不符合“绘画”讨论要求。这样就区分开了“青铜器”、“彩陶”以及附属于器物上的一切“图画”，也就是说，那些附丽于器物的“图画”是在器物装饰艺术中运用了“描绘”的技法而已，本身并不足以成为“绘画”。
第6篇：美术研究论文范文
关 键 词：色彩构成 教学实践 改进
色彩构成是用相对科学的分析方法，把复杂的色彩现象归纳、还原为基本要素，再按照一定规律进行各种色彩秩序的组合与重构,进而形成一种理想色彩关系的训练系统。多年以来，它一直是艺术设计基础教学中的一门必修课程。然而近几年，有些艺术教育工作者认为，传统的“三大构成”不合时宜，应彻底取消。这种观点，不论其理由如何充分，都显得有些偏激和不够理性。从某些艺术院校在绘画专业中增设“三大构成”作为基础必修课的事实来看，不但没有取消，反而得以强化。因此，在当前艺术设计或相关专业的设计色彩教学体系中，色彩构成仍然是一个不可或缺的重要环节，具有承上启下的纽带作用。
但是，任何问题都应当从辩证的角度去看；对于色彩构成，有必要在教学实践过程中进行一些有益的探索和改进研究。
一、一般性色彩构成教学实践的优劣
色彩构成教学,是通过对色彩物理、生理、心理、视觉、联想、象征等方面的研究，来培养学生对色彩表现力的把握和创造性思维。在传统的色彩写生训练中，学生对色彩的认知是相对模糊、感性的，通过色彩构成的教与学，使其逐步走向相对清晰、理性的认知，从而达到对色彩语言更深入的了解和掌控，为以后的专业设计学习作好铺垫。wwW.133229.COm
一般性色彩构成教学，大多采用传统模式。教师课堂讲授理论之后，学生以手绘形式完成作业，由教师评判成绩。这种方式的优点，使学生锻炼了手绘表现技能，掌握了基础绘图工具，尤其针对没有美术基础的理工科工业设计专业的学生比较有利；但是，随着数字化的发展，利用多媒体教学成为一种趋势，单一的传统模式显得相对机械和枯燥，如“色环”“明度九调”“色彩推移”“空间混合”等教学内容的手绘训练，在有限的教学时间内使学生投入过多精力，不利于对色彩创造性的深入思索。另外，教学中的理论讲授过于追求系统和完整，减少了实践环节；而表面上看似系统的课程内容，实际与后续的专业设计课程脱节，不利于学生以后的学习。
基于以上原因，色彩构成应明确教学目的，抓住课程自身特点，及时调整教学方式，注重教学实践的改进，在培养学生的创造性思维和综合设计素质能力方面下工夫。
二、色彩构成教学实践的改进与探索
色彩构成教学，是从科学和审美两个方面来研究色彩，科学认识规律，审美强调感觉。科学系统的理论学习是加强感觉判断和感性直觉能力的必要手段，目的是为审美服务。因此，色彩研究的科学性与直觉体验分不开，不能靠纸上谈兵来进行，需要在实践中不断地分析、综合才能逐渐深入，从而得到检验、总结和完善。
普通人看到的色彩只是一般的感性认识,经过专业训练的人能够“感觉”色彩，这个感觉其实是一种“理性”意识。因而，色彩构成教学的改进，重在通过综合性的实践训练，加强“理性”方面的“感觉”。
（一） 利用现代化手段，强化色彩基础教学实践
色彩基础知识，主要以色彩的物理、生理方面的内容为主。由于各种原因，许多学生在进入高校前只会用“颜料”模仿自然物象和别人的作品，理论知识比较匮乏，更谈不上对色彩规律的熟练掌握和运用。因而，此部分内容必须深入讲解详细阐述。除保持一般性色彩理论的严谨外，充分利用电脑图像形式来辅助教学，尤其对色相、明度、纯度、冷暖四要素以及各要素之间形成的色彩关系和色彩对比与调和进行重点剖析。
在以往教学中，教师限于口头表述，学生只能靠想象体验色彩。现在，通过多媒体教学手段使原本复杂的光色原理得以再现，进而使学生对色彩基础知识产生直观认识，同时有利于感受到色彩美所带来的视觉效应，更好地了解和掌握色彩规律。
基础部分的作业，要求学生可以利用电脑软件在短期内完成，达到对色彩原理中基础概念和基本定义的掌握即可；同时，对基础作业质与量的要求增大，教学实践得以加强。但应注意，现代化教学手段并不是万能的，电脑只是工具，代替不了人脑的创意，传统教学中的精髓必须保留，对色彩美感的研究永远重于对电脑特效的追求。
（二） 增加课题范围和文字表述，改进主观心理色彩教学实践
主观心理色彩研究是色彩构成教学的重要内容。以往的教学实践，主要以手绘形式表现“色彩联想”和“采集重构”作业。在教学改进中，对作业形式不加限制的同时，又增加了一个用色彩表现“自我”的作业，要求学生通过主观色彩构成的画面来分析认识自己、表现属于自己的色彩。
“色彩联想”作业，一般要求学生按命题完成，强调表现色彩的主观心理感受，如“春夏秋冬”“男女老幼”等。然而此类题目已沿用多年，学生可模仿和照搬的作品很多，不利于开发创造性。因此，在教学实践改进中，教师先自行设计了30套题目供学生选择，要求每个同学的选题不能重复。这些题目涵盖范围广泛、难易程度相当，比较有特点的如：金庸小说人物“东邪、西毒、南帝、北丐”和强调速度表现的“火箭、飞机、汽车、马车” 等。对“采集重构”作业的改进，体现在拓展采集内容、扩充选题范围，进一步引申到由自然景观、音乐韵律、诗词歌赋、数理逻辑、绘画名作的意境带来的主观色彩启示。
作品的色彩会体现作者的思想，同时观者看到色彩时，也会产生心理活动。但不同的人，由于生活环境、民族地域、文化修养、经验阅历等方面的不同，在对待同样一种物象时，会产生不同的心理感受。俄国画家列宾，在大雪之后和朋友一起散步。突然，这位朋友看到路边雪地上有一片黄色的狗尿，就用靴子翻起雪地上的泥土将其掩盖，列宾却勃然大怒说：“这几天我总是到这里来欣赏这片美丽的琥珀色！”
所以，对于主观心理色彩构成作业，有必要提出两点基本要求：一是尽量不采用具象图形，着重体现色彩构成关系带来的心理感受；二是每个作业都要有400字以上的分析说明，文字内容要与画面色彩紧密联系，至少要能自圆其说。提出这种要求的目的，首先在于训练学生的抽象思维能力，使其突破“形”的约束而去描绘“神”；其次，拉近了作者与观者的距离，使别人容易看懂抽象的主观色彩，同时让学生明白所谓的“主观”并不是信马由缰，而是有限度、有条件的“自由”表现；再者，锻炼了学生的文字表达能力，为将来的设计工作做准备。
（三） 综合设计专业特点和社会需求，进行主题性色彩集体创意教学实践
当今社会，各个领域的工作都需要团结协作，而绝大多数在校学生都是独生子女，普遍缺乏合作意识，急需引导和培养。同时，具有社会化商业性特点的艺术设计，本身就是“设计生活”的艺术，其特色体现在与社会、市场的密切联系。因此，综合艺术设计专业特点和社会需求，进行主题性色彩集体创意，既是对色彩构成教学实践的一种全新尝试和大胆改进，又符合时展对教育的要求，同时避免了个人经验的局限性对创造能力的制约。
主题性色彩集体创意进行之前，先将全体学生分成若干小组并按色相命名为红色组、黄色组、绿色组等，之后推选出正、副组长各一名，并由教师明确提出组长的以下职责权限：1.负责组织成员共同研究讨论课题并做好研讨记录；2.负责汇集整理演示文稿和图片资料，代表小组上讲台做汇报发言并演示集体作业成果；3.负责本组其他事务，发现问题直接与教师沟通；4.有权评判其他小组的集体作业成绩。
分组结束后，根据教学时间安排作业，要求学生每周完成一个主题。主题内容的范围可以相对广泛，但针对不同主题，教师应提出具体的基本要求。例如以“改进生活中的不合理用色” 为题的作业，要求学生以本组色相为目标，先深入生活去发现和寻找自己认为的不合理用色，每人至少找到两种以上；然后由组长组织大家一起研讨并形成书面文字，详细说明不合理的依据，最后提出合理的改进方案。各组将完成的作业在多媒体教室向全体同学演示，由大家提问并参与讨论，教师点评并与组长共同评判成绩。
主题性色彩集体创意的重点，在于明确主题内容，把握色彩创意原则。对于主题的确定，应结合艺术设计的专业特点来进行，例如“色彩推销”“色彩与时事”等。而创意原则要求学生必须重视某些功能性的色彩常识和色彩禁忌，优先考虑色彩应用对象的性质和目的，针对不同对象在不同环境、时间、地点的不同要求下，尽量正确选择与合理配置色彩，否则创意就会毫无意义。
主题性色彩集体创意的目的在于：其一，通过集体工作方式，强调“团队精神”，锻炼学生适应社会的能力；其二，通过主题性色彩研讨与互动性演示环节，增强学生应用色彩为设计服务的能力；其三，通过这种新的教学形式，让学生积极主动参与到教学实践中，进而提高自主学习的能力。
三、改进后的教学效果反馈
从改进后的教学效果来看，活跃了课堂气氛,使学生的学习态度有所改变，学生作业质量得到提高，综合素质和色彩设计应用能力得以增强。由于改进后的教学形式充分利用了多媒体手段，使抽象的色彩教学更加具体，效果明显。
色彩构成不应只是知识与技能的基础,同时也要在教学方式上为今后更加复杂的实用设计做好准备，对教学方式的改进是必然和必要的，只有融综合设计素质训练于色彩构成教学中，才能使其和整个艺术设计课程设置结合得更紧密,更好地发挥纽带作用。
参考文献：
第7篇：美术研究论文范文
关键词: 格式塔心理学 音乐教育 整体论 顿悟理论
格式塔心理学是西方现代心理学的主要流派之一,根据其原意也称为完形心理学,完形即整体的意思,格式塔是德文“整体”的译音。它于1912年在德国诞生,后来在美国得到进一步发展,与原子心理学相对立。格式塔这个术语起始于视觉领域的研究,但它又不限于视觉领域,甚至不限于整个感觉领域,其应用范围远远超过感觉经验的限度。苛勒认为,形状意义上的“格式塔”已不再是格式塔心理学家们的注意中心。根据这个概念的功能定义,它可以包括学习、回忆、志向、情绪、思维、运动等过程。广义地说,格式塔心理学家们用格式塔这个术语研究心理学的整个领域。格式塔心理学采取了胡塞尔的现象学观点,主张心理学研究现象的经验,也就是非心非物的中心经验。在观察对象的经验时要保持现象的本来面目,不能将它分析为感觉元素,并认为现象的经验是整体的或完形的,所以称为格式塔心理学。由于这个体系初期的主要研究是在柏林大学实验室内完成的,故有时又成为柏林学派,主要代表人是维特海默、科勒和考夫卡。
一、格式塔心理学的整体论对音乐教育的启发
“格式塔”意为“完形”、“整体”,这一学派否认对心理现象的认识等于对其分解的种种元素的认识,强调整体大于部分之和,研究兴趣主要集中在直觉和问题解决方面。Www.133229.cOM格式塔心理学认为:动物和人都是以相互关系来感知、学习的,事物相互间体积的大小、颜色的深浅、位置的上下左右、呈现时间的先后长短等关系才是感知、学习和记忆的关键。
在音乐教学中,联系格式塔心理学的整体理论,可以运用“先整体后局部”的方法,弄清学科的结构,就能发现一系列个别事实和技巧之间的内在联系,有利于学生的记忆和知识迁移,以后的学习就会变得容易,这样才能在有限的时间内掌握必要的学科材料。例如,在合唱的教学中,传统教学法是一个声部一个声部地教和学,每一个声部在演唱的时候尽量不要互相交流,等到每一个声部学会了,再合起来演唱,并在合唱时要求各声部不要去听其他声部的演唱,以免受到干扰。而在格式塔心理学的整体论的指导下,则首先要求教师尽力帮助学生了解和把握所有声部合起来的音响形象,并要求各声部在演唱时随时注意倾听其他声部的演唱,在了解其他声部的基础上达到配合一致。在器乐教学中,传统教学法是一段一段地学习,再整体连起来演奏。而整体教学法则要求教师先讲述这首乐曲的整体风格,然后分段讲解,其中必须注意段与段之间的区别与联系,最后逐段讲解。学生在学习过程中,自己会注意段落之间的关系,并会在段落过渡时做相应的情感转变的处理。如果依照传统教学法,就割断了乐曲段落之间的联系,在表现乐曲上缺乏完整性和对乐曲的宏观理解。声乐艺术中的“整体”概念是指:人的思想感情与演唱能量整体运作的整体展现。例如,字正腔圆、声情并茂就是演唱方法与感情表达、声音色彩、演唱风格等种种要求同时到位的效应。思想感情是指演唱者对歌曲情感的处理和艺术升华。演唱能量是指演唱者的歌唱技巧,如歌唱的呼吸、咬字、共鸣、声音的强弱、音色的明暗,等等。声乐教学的整体概念指的不是一个单一的整体,我们将它归纳为一个由多个部分构成的整体,部分与整体之间既是独立的又是层层制约、环环相扣的,并且整体教学取得的效果不仅仅是部分之和。整体与部分理论指导下的声乐教学要求我们做到把声乐学习中的每一个环节看成一个整体来对待,尽管教学过程中每一个层次的每个阶段的学习都有步骤、有计划及侧重点,但是却不能把演唱者的声音、语言、情感分割开来单独进行训练,片面强调声乐单方面某个表现,往往会阻碍声乐训练的进展,这是不可取的。
二、格式塔心理学的顿悟理论对音乐教育的启发
顿悟理论是格式塔心理学的一个重要方面,它是以有名的“接竿问题”实验得出来的结论。把饥饿的猩猩关在笼里,食物放在笼外一定距离处,笼与食物之间猩猩伸手可及的地方则放了几根木杆,每根都不能单独够着食物,但木杆之间有机关可连接。猩猩在几次无效地尝试之后,突然显出明白的样子,把两根木杆接起来,达到了取食的目的。这就说明:这并非练习和经验积累的结果,而是猩猩观察、试探了整个情境,明了情境中各种条件之间的联系后,产生了顿悟。格式塔学者认为,顿悟是思维的基础,只有对事物整体的思维才会真正理解问题,并领悟解决问题的原则,而这种原则的迁移就是“触类旁通”,是创造性学习的重要环节。
从音乐学习来看,对音乐语言的概念的理解、对音乐表现内容及风格特点的把握等,适合用顿悟的学习模式。而在技能技巧学习中,除了模仿、练习之外,有时也要用到顿悟学习模式。顿悟实际上是一种在感知、想象、联想和情感等多种心理因素的基础上渗透着理性色彩的直觉。音乐艺术作品最深层次的意蕴,往往是将无穷之意蕴在有尽的形式之中,具有多意性和模糊性。在很多时候,这种“弦外之音”,仅仅靠感性直觉、体验或是单纯的理解都难以把握,只有欣赏者将自己的心灵完全沉浸在艺术的境界里,在一霎时获得顿悟,才能把握住。
心理学认为,顿悟可以通过一定的情境或情绪来激发。那么,在音乐欣赏教学中,教师可以通过设置适当的情境,营造符合音乐情绪的某种特殊氛围,来激发学生的情感,促进学生顿悟的形成。例如在欣赏钢琴协奏曲《黄河》时,教师可以选择一种配有电视画面的vcd作为音响载体给学生欣赏。强劲有力的音乐伴随着黄河之水奔腾跳跃的壮观画面,在课堂里营造出雄壮豪迈的情境和氛围,学生对音乐艺术形象有了更为直观的感受,进而对作品所蕴涵的情感内容有了更为深刻的体验——结合关于作品创作的基本介绍,他们很容易就联想到这雄伟豪迈的音乐所描绘的奔腾不息的黄河,不正象征了中整理
参考文献:
[1]库尔特.考夫卡.黎炜译.格式塔心理学原理[m].杭州:浙江教育出版社,1997.
[2]大桥正夫.钟启泉译.发展心理学[m].上海:上海教育出版社,1980.
[4]赵宋光.音乐教育心理学概论[m].上海:上海音乐出版社,2003,4.
第8篇：美术研究论文范文
塑料大棚应建在背风向阳、有灌溉条件、地势平坦、土壤肥沃的地块，以东西走向为宜，长60m，宽9m，高2.7m。两端建三墙长9m，底宽1.2m，顶宽0.8m，中点高2.7m，两端高1.2m。预制水泥中柱长3.1m（埋深40cm），需用水泥中柱19道，水泥拱架长6.3m（埋深40cm），需用水泥拱架19道，水泥拱架每3m栽1道，拱架顶端与中柱顶端用Φ14﹟铁丝捆绑连接牢固。在水泥拱架两侧距地面1.4m处，用Φ14﹟钢丝拉第1道横拉筋，从第1道横拉筋向上每隔0.5m拉1道横拉筋，共拉19道。2道水泥拱架之间架设3道竹竿拱架，间距0.75m，每道竹竿拱架用3根竹竿孔扎成拱形，需用竹竿180根，竹竿接头处要用布条绑扎不能露出竹竿头，防止刮破棚膜。在塑料大棚东西的山墙外侧距墙30cm处挖长7m、深80cm、宽30cm的地锚坑，埋入直径12~15cm的水泥预制件或檩条，预埋件上绑6根长1m的Φ8﹟铅丝作为横拉筋固定端点（要求端点高出地面10cm），预埋件放好后填土时每20cm夯筑1次。在塑料大棚两侧每隔3m挖一地锚坑（长50cm×宽30cm×深50cm），共挖40个，在坑里埋入直径8~10cm的木棒，将长60cm的Φ8﹟铅丝绑扎在木棒上，铅丝露出地面10cm，作为地锚线固定端点，地锚线用Φ14﹟钢丝分别固定在每个地锚端点上。选择晴天无风的中午扣膜，先将宽幅10m的棚膜扣在拱架上铺展，用长1.5~2.0m的木椽5~6根，把棚膜两端卷起拉紧，固定在东西两端的山墙上，最后将大棚北侧棚膜压在土槽内，埋土压实，再将窄幅2.5m的棚膜扣在大棚的南侧，上边掺入宽幅膜之下，下边压在土槽内，埋土夯实。扣好膜后，在膜上每隔2m系1道压膜线，共拉29根，压膜线的两端固定在大棚南北两侧的地锚线上，拉紧压膜线防止大风揭膜。
2控制适宜温湿度
草莓果实发育的适温为18~25℃，要在冬季和早春达到这一温度，可在大棚内套中棚并盖地膜，力争棚温白天达到25~28℃，夜间5℃以上，最低温度0℃以上。但出现30℃以上高温时要及时通风降温。土壤湿度以保持40%~60%为宜，过大过小均会影响草莓根系活力和果实正常的生长发育。
3肥水管理
塑料大棚草莓结果期长，为防止脱肥早衰，要重施基肥，及时进行追肥和经常喷施叶面肥。在施肥上要掌握适氮增磷钾（生长弱时增施氮肥，结果多时增施钾肥）。一般基施腐熟栏肥30t/hm2，配施复合肥450kg/hm2，钙镁磷肥1500kg/hm2。中后期结合喷药，可喷叶面肥（200倍绿威18），以促进中后期果实的发育，提高果重及含糖量。草莓在整个生长过程中要求水分充足，开花期土壤可稍干些，在草莓生长旺盛期和浆果膨大期需水就较多。灌水可结合施肥进行，将肥溶于水中配成1000倍左右溶液施用。在土壤湿度大不必灌水时，可将肥液直接通过管道施入土壤，在土壤干燥时，可将肥料稀释到4000倍，也采用管道灌水的方法，既省工又方便。翌年开春后随着气温回升，生产速度加快，为避免草莓果实酸化，应增施钾肥，施0.3%硫酸钾75kg/hm2左右。
4摘叶疏果
结果期及时摘除下部衰老叶，并及早去除匍匐茎。另外，在开花前后疏除一定的高级次花果，不仅可降低畸形果率，也有利于集中养分供应低级次花果发育，使果个增大，提高整齐度。
5综合防治病虫害
防治大棚草莓病虫害要以农业防治为主，药剂防治为辅。即通过采用脱毒壮苗、高垄栽植、地膜覆盖、水旱轮作及避免干旱、高湿等措施预防病果、烂果的发生。田间发现病烂株叶和果实要及时清除，严防扩展蔓延。药剂防治要注意开花前后不用药，以免影响授粉，使畸形果增多。采果期要尽量少用药，必须用药时应选择残毒低的药剂，并且喷药后2~3d内停止采果，防止果实残毒影响人体健康。
6适时采收
塑料大棚草莓果实以鲜食为主，必须在70%以上果面呈红色时方可采收。冬季和早春温度低，要在果实8~9成熟时采收。早春过后温度回升，采收期可适当提前。采摘应在上午8~10时或下午4~6时进行。不摘露水果和晒热果，以免腐烂变质。采摘时要轻拿、轻摘、轻放，不要损伤花萼，同时要分级盛放并包装。
参考文献
[1]冯琳，韩彩娥.大棚草莓高效栽培技术[J].现代农业科技，2008（15）：62，64.
[2]杨月通.大棚草莓栽培技术[J].江西园艺，1997（3）：5-6.
[3]刘启发，何淑华.大棚优质草莓栽培技术[J].江西园艺，1997（3）：5-6.
第9篇：美术研究论文范文
【关键词】媒介；媒介技术；传播
传播学作为一门独立的学科从创建到现在，不过是几十年的历史，然而传播作为一种社会性的现象则是和人类社会的产生是同步的。并且，媒介和传者与受者两者一样，是作为最基本的传播要素而出现的，它是信息传递和接受的手段、载体。在最初的传播历史中，媒介表现为语音、语言和一些简单的符号等形式，随着科技的发展，媒介的技术含量越来越高。随着现代印刷机的发明，传播第一次有了现代性的意义，开始跨越以前人类想象力的极限，摆脱了时间性与地域性的制约，使地球上每一个个体都身陷于现代传媒的巨大旋涡之中。伴随着工业革命的继续发展，电台、电视等媒介也竞相跃上传播的舞台，并且，每一个媒介的产生，都在很大意义上影响了人类的生存境况，甚至同人类社会的变迁与文明的发展有着莫大的关系。特别是电视的发明与成熟，其作用更是巨大，这也使得媒介技术分析的现实意义迅速而明晰地凸显出来。在媒介分析理论界中至今享有盛誉的理论大师：雷蒙·威廉斯、麦克卢汉、梅罗维兹都有着自己对独特的理论思辩。
20世纪的最后十余年的时间里，更是科技日新月异、信息技术更新提速的年头，数码技术、光纤卫星通讯技术、电脑网络技术大放异彩。在所有这些技术逐渐走向融合和协调的基础上，世界性的因特网迅速崛起，成为人类历史上前所未有的崭新媒介，它不但打破了地域限制和国家疆界，还打破了文字、声音、图象等各种符号形式的隔膜，更使得个人的单向传播（自我传播）、人际传播、组织传播、大众传播等各个层次类型和规模的传播走向统一。其影响的触角也正伸向人类社会生活的各个方面，渗透到全世界的各个角落。对于传媒界而言，这些变化中包含着新的挑战和机遇，对于传播学研究界而言，这些令人激动的变化构成推动媒介分析研究的动力：一方面，要对信息传播新技术、新媒介、新环境、新实践作出深刻的分析和解释，离不开传播学理论的指导。另一方面，传播领域层出不穷的新变化，将一系列有关信息传播高新技术同社会发展的关系新传播研究课题摆在了学术界面前。将传播学理论研究和应用研究相结合，从前人的成果中获取启示，而又追求联系实际充实传播学理论，这是时代赋予传播学界的双重任务。媒介分析作为以媒介技术为焦点、以媒介分析及其发展同人类社会变迁的关系为核心的研究部类，正为这样的研究提供了极好的切入口。
一提到媒介分析理论，很多人第一个想起的名字便是麦克卢汉，殊不知，麦克卢汉的媒介分析理论在很大程度上是受英尼斯的影响，他自己也把英尼斯称为“良师”。早在20世纪50年代初期，英尼斯就在他的专著《帝国与传播》、《传播系统的偏向性》中广泛分析了人类转播的各种形式、各种技术手段，提出了一种把传播技术及其发展同人类社会变迁、文明发展史联系起来考察的媒介理论。比起麦克卢汉的媒介分析理论，英尼斯的媒介理论要早问世十多年。
英尼斯从20世纪40年代初起，在他生命的最后10来个年头里，他把传播置于人类历史运转的核心位置进行研究，并在此基础上形成了他的媒介理论。这一理论认为，一切文明都有赖于对空间领域和时间跨度的控制，与之相关的是传播媒介的时空倾向性，因而文明的兴起与衰落同占支配地位的传播媒介息息相关。英尼斯认为任何传播媒介都具有时间偏向或空间偏向，也就是说，传播媒介或具有长久保存但却难于运输的倾向性，或具有易于运输却难以保存的倾向性，前者便于对时间跨度的控制；如羊皮纸、石头等，英尼斯将其称为“偏向时间的媒介”；后者便于对空间的控制，如轻便的纸张，英尼斯将其称为“偏向空间的媒介”。根据英尼斯的观点，就这两种媒介同权利结构的关系而言，“偏向时间的媒介”有助于树立权威，从而利于形成等级森严的社会体制；“偏向空间的媒介”则有助于远距离管理和广阔地域的贸易，有助于帝国领土扩展，从而有利于形成中央集权但等级制度不强的社会体制。英氏还探讨了媒介的时间偏向和空间偏向两者之间的平衡对社会稳定的影响。他的媒介理论认为，建立在强调时间偏向的传播手段或强调空间偏向的传播手段基础上的两种不同的权威和知识垄断——宗教的或国家政府的，道德的或科技的，是帝国兴衰的主要动力、文明兴衰的主要动力。这种理论还把时间偏向和空间偏向视为辨证的统一体，认为一味地向时间倾斜和向空间倾斜会造成社会不稳定，一个稳定的社会离不开维护时间倾向和空间倾向间平衡地机制。
英尼斯的媒介理论最重要的一个特点是作者对科技理性的怀疑态度，尽管英氏很看重媒介技术发展史在文明发展史上的作用，但他并未从新的传播媒介的出现中看到解决现代文明中如下重要问题的希望：如何发展道德的力量去和物质科学所释放出来的力量向抗衡，以维持一种社会的平衡。例如，他在《传播系统的偏向性》一书中，英尼斯对知识的机械化中所隐伏的问题作了如下的评论：“机械化强调了复杂性和混乱，它造成了知识领域的垄断。对于任何文明而言，如果它不屈服于这种知识的垄断的影响，对此进行一些批判性的调查和提出批判性的报告已成为极其重要的事项。思想自由正处于被科学、技术和知识的机械化及伴随他们的西方文明摧毁的危险之中。”也许尽管英尼斯在对待科技的态度方面的悲观论调和怀旧情绪并不可取。但是他对现代西方文明过于强调物质科技的力量，忽视道德力量的批判性思考确是每一个习惯于独立思考的知识分子所必须尊重的。
假如说英尼斯是将媒介技术与人类文明发展史联系起来进行思考的先驱，那么麦克卢汉则是继续开拓这一领域、并在传播学领域研究中确立以媒介技术为焦点的研究传统的关键人物。麦克卢汉提出的媒介理论以其一系列大胆新颖的论点，迅速在西方学术界引起了重视，非但如此，他还在美国媒体与大众之间掀起了一阵麦氏风暴。
麦克卢汉最为重要的一个论点应该是“媒介即讯息”，这即是麦克卢汉与另一学者合著的一本重要著作的书名，也是其媒介理论的发人深思的主题。麦氏从功能和效果两个方面阐述了“媒介即讯息”的论点。首先，麦氏从媒介技术的功能作用的角度理解“内容”，提出任何媒介的“内容”总是另一媒介。“言语是文字的内容，正如文字是印刷的内容一样。而印刷则是电报的内容。如果有人要问，‘那么言语的内容是什么？’那么就有必要回答说，‘它是思想的实际过程，这本身就是非言语的’”。此外，麦克卢汉还从媒介技术的社会影响、效果的角度赖理解“内容”，认为一种新的媒介一旦出现，无论它传递的是什么样的讯息内容，这种媒介本身就会引发社会的某种变化，这就是它的内容，也就是它带给人类社会的讯息。
麦克卢汉另一个重要的观点就是其“媒介是人体的延伸”理论。他把媒介技术比作人体或人类感官的延伸，并提出了“感官的平衡”的概念。他指出，使用不同的传播技术会影响人类感觉的组织。例如，文字与印刷媒介是视觉器官——眼睛的延伸，广播是听觉器官——耳朵的延伸，而电视则是全身感觉器官的延伸。麦氏根据人类历史上占主导地位的传播方式手段的演变，把人类社会分为三个主要时期：口头传播时期、文字传播时期以及电子传播时期。在每个时期，人类感官之间的相互作用以及思维的方式都有其自己的特点。与此相应的是部落文化、脱离部落文化和重归部落文化。他认为人的感觉需要平衡，任何一种感觉一旦占据主导地位，那么另外的感觉的作用被人们所疏远，这样的个体不会是健全的。而新兴的电子传播时期，将会使人重新走向和谐，使人的各种感觉重新达到平衡状态。另外，麦还有关于“冷媒介、热媒介”的理论。
二人把媒介技术置于人类文明发展史的大背景进行考察，强调媒介技术本身的作用，在传播学研究中开创了以媒介技术为焦点的新的研究传统。这是此二人学说的重要历史地位。但是，他们的理论也存在着重要的缺陷：陷入了唯技术决定论的悖论。他们的媒介理论都失之于过分强调媒介技术的作用，把媒介描绘称导致社会变动的最大动力。从而被学界批评为陷入唯技术决定论的极端。这是我们在阅读他们的著作，吸取其精华思想时所必须警醒的。除此之外，两人在写作中，常常对一些基础的定义未作明确的界定，而为了追求一种夸张的风格造成了思维逻辑上的混乱。这一点也同样需要读者加以注意。
与此二人形成鲜明反差的是英国著名学者，西方批判学派中的社会文化学派的理论先锋、西方的文化批评家雷蒙·威廉斯。威廉斯毕生致力于文化研究，于他而言，大众传媒研究是其中一个重要组成部分。他认为，文化研究就是研究整个生活方式的组成部分之间的关系。首先，他认为，对媒介文化研究要运用一种整体的、历史的、动态的观点。其认为，文化现象（包括媒介文化）是和所有社会现象紧密联系的一部分，它们的变化牵涉到所有社会现象包括内在结构的变化，是一个永不停止的运动过程，“在任何时候，它都即包括对现代的反应，也包括对历史的延续。”其次，他把文化研究同社会制度联系在一起，试图探询文化制品与社会制度之间的关系。这可以从他以下观点看出来：第一，强调社会传播过程就是意义和定义在社会上建立并且历史地演变的过程，强调传播和社会制度机构、习俗之间关系密切。第二，指出大众传播的商业形式并非象某些人吹嘘的那样是自由的大众传播模式，而是一种实际上由商业系统控制社会的模式。第三，指出文化现象的复杂性以及传媒文化中的种种问题的社会性。他反对非此即彼的简单两分法去看待社会文化问题，大众文化中存在着内容低劣等问题，但并不是孤立的，他主张把他们看作社会问题，其背后有着复杂的社会原因，这其中包括：对过去真正的通俗文化传统的蔑视；作为人类文化伟大成就的伟大文化传统又被搞成少数人的独占；投机商们的乘虚而入。
对于传媒科技发展与社会关系这一问题，威廉斯批评了传播界占有显赫地位的两位大师的理论，一是拉斯韦尔的传播模式，二是麦克卢汉的媒介理论。威廉斯对拉斯韦尔的传播模式颇为不满，他认为这一模式遗漏了对真正社会与文化过程至关重要的“意向”问题，如果忽略了为什么目的而传播，那么就等于忽略了所有真正的社会与文化过程。这涉及到传播过程所指向的意向和利益等问题。他进一步指出，西方传媒的真正意向常常与有关当局公开宣言的意向有很大的区别，并与那些假象的一般的社会过程中的情形有很大区别。只有对意向的正确分析，才能更深的理解西方传媒的内在制度。
威廉斯也在以下几个方面对麦克卢汉的媒介理论提出了自己的批评，首先，他认为在麦氏的媒介理论中，实际上见不到社会的踪影，它丝毫不能解释不同的媒介特征与特定的历史文化情境及意向之间的相互关联。麦氏的理论虽然关注到不同媒介不特殊性，但只是把它们臆断地指派给媒介的心理功能。其次，麦氏的理论不但认可西方社会与文化的现状，而且尤其认可这种社会文化状况的内在倾向。也就是说，它缺乏对西方社会与文化状况及其发展趋势的理性批判，最后，麦的理论中还存在着严重的逻辑混乱的缺陷。
在提出对这两者进行批评的同时，威廉斯也谈到了自己对媒介文化意向与社会科技发展关系的看法：第一，所有技术的创造与发展都是为了有助于已知的人类实践，这是基本的意向因素，但却不是唯一的。第二，在许多情况下，技术往往产生原先并未预料到的使用情况与效果，他们也是对初使意向的真正的修正。第三，真正的决定是一个过程，一个牵涉到整个现实的社会过程，受到各种因素的制约。
总之，媒介技术是媒介发展的一个重要层面，它往往能引起巨大的传播方式的变革，从而导致社会本身巨变。所以媒介技术不仅仅是一个技术性的定义，其蕴涵的社会含义值得更多有识之士对其进行更深入的研究。
【参考文献】
