音乐学专业可论文精选(九篇)

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第1篇：音乐学专业可论文范文

【关键词】音乐学专业 课程体系 人才培养 教学改革

【基金项目】吉林省教育科学“十二五”规划课题《2005年―2014年吉林省高师音乐学专业课程体系建设研究》，批准号：GH14374。

【中图分类号】J60 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2016）31-0211-01

吉林省教育科学“十二五”规划课题《2005年-2014年吉林省高师音乐学专业课程体系建设》申报于2014年5月，于2014年7月18日，经吉林省教育科学研究领导小组办公室审核批准立项。课题的研究背景建立国家教育部在2004年12年下达的《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》以及2006年11月下达的《全国普通高等学校音乐学本科专业必修课程教学指导纲要》这两个重要的教学改革指导文件基础之上。自上述两个文件下达之后，吉林省高校音乐学专业积极响应改革，并根据自身办学基础与办学条件，调整课程体系。在近十年间，各所高校通过不断的调整课程体系，实现了各具特色的音乐学专业人才培养。课题的研究正是基于国家宏观教学改革方案，对近十年来在国家“方案”下达后，吉林省地方高师音乐学专业课程体系的具体建设情况进行调查研究。

前期的文献梳理：

近年来，随着教学改革的不断深入，有关高师音乐教育课程体系建设方面的论文层出不穷。仅从知网中获取相关论文，包括公开发表的期刊论文以及硕士与博士毕业论文有就243篇（从2005年-2014年）。这些论文从不同的角度对高师音乐教育改革提出不同的建议。对此类论文进行筛除，最后精选了其中的部分具有代表性的文献进行述评。

1.从宏观高师音乐教育专业课程体系进行研究。

这一类的文章直接从高师音乐教育专业课程体系的构建方面，通过较为详细的数据支撑其结论。代表性的文章如王丽燕的硕士论文《我国高师音乐教育课程体系改革研究》[D].（中央民族大学，2005.）等。

2.以某一专业方向作为切入点，对高师音乐教育专业课程体系进行研究。

这一类文章通常以“声乐”、“器乐”、“作曲技术理论”、“音乐基础理论”等专业方向作为研究的切入点，在高师音乐教育课程的整体中取其研究的部分进行专门研究。代表性的文章如龚迅的文章《浅谈高师音乐教育专业乐理课程教学框架与教学流程》[J].（《音乐探索》，2012，04：124-126.）等。

3.以基础音乐教育改革为中心，对音乐教育专业的课程设置进行研究。

这一类文章从高师音乐教育与基础音乐教育之间的统一性出发，以基础音乐教育教学改革的动向作为高师音乐教育课程调整的依据，对高师音乐教育课程体系提出合理化建议。代表性文章如张海彬的硕士论文《基础课程改革视野中的高师音乐教育课程整合研究》[D].（东北师范大学，2006.）等。

4.以社会人才需求为中心，对音乐教育专业课程设置进行研究。

这一类文章从社会人才需求、各类技能大赛中反映出的人才培养规格等方面，对音乐教育专业课程设置与课程体系建设展开研究。代表性的文章如李艳红，刘雪松的论文《以市场需求为导向的高校音乐课程设置与改革策略》[J].（《大舞台》，2013，10：178-179.）等。

综上，近十年里，有关于高师音乐教育专业课程体系的建设方面的研究已经形成了一定的成果。但是，以服务于吉林省音乐教育事业为研究目的，将吉林省省属高师音乐教育专业作为研究对象，对长春师范大学、吉林师范大学、通化师范学院、白城师范学院的音乐教育专业近十年来的课程体系建设方面的综合性研究成果目前还处于空白状态。

在过去的一年多的调查与研究工作中，我们先后走访了长春师范大学、吉林艺术学院、吉林师范大学、北华大学音乐学院、通化师范学院、白城师范学院等六家高校的音乐学（教师教育）专业，在各兄弟院校音乐学院教学院长与教学秘书的大力支持下，我们搜集到了各校近十年来人才培养方案共计11个版本。这些人才培养方案对于本课题的研究起到了关键性的支撑作用。

另外，在走访过程中，我们还对于课程的实际开设情况作出了一定的了解，在此基础上交流各校教学改革思路，这些工作中，课题组成员无论是从教学研究的视角与视野，还是从教学改革的构思与课题调研实践，各方面均有所收获。

本篇文章所综述的内容仅是课题研究过程中的阶段性成果。课题的研究目前仍在进行，课题的下一步工作将把重点放在人才培养方案及课程结构与课程体系的进一步对比研究之中，通过上述内容的比较研究得出结论，为吉林省乃至全国的高师音乐学教学改革提供一定的参考。

参考文献：

[1]王丽燕.我国高师音乐教育课程体系改革研究[D].中央民族大学，2004.

[2]龚迅.浅谈高师音乐教育专业乐理课程教学框架与教学流程[J].音乐探索，2012，04：124-126.

[3]张海彬.基础课程改革视野中的高师音乐教育课程整合研究[D].东北师范大学，2006.

[4]李艳红，刘雪松.以市场需求为导向的高校音乐课程设置与改革策略[J].大舞台，2013，10：178-179.

第2篇：音乐学专业可论文范文

关键词：澳大利亚；音乐院校；人才培养；教学体系

一、基本概况

澳大利亚音乐院校众多，比较知名的有澳大利亚国立大学堪培拉音乐学院、悉尼大学音乐学院、格里菲斯大学昆士兰音乐学院、墨尔本大学音乐学院、蒙纳士大学（又译莫纳什大学）音乐学院等。自20世纪80年代以来，澳大利亚音乐院校进行了一些调整，一些原本独立的音乐学院与综合大学合并，成为半独立的音乐教育院校，如悉尼大学音乐学院。下面笔者简要介绍几所知名的澳大利亚音乐院校。

悉尼音乐学院始建于1915年，1990年并入悉尼大学，定名为悉尼大学音乐学院。学院靠近大海，与悉尼歌剧院相邻，校园环境优美。学院师资来源国际化、教学模式多元化、文化艺术交流常态化，且设施完善、管理科学、人才培养水平一流，是澳大利亚乃至世界顶尖的音乐院校之一[1]。学院教师主要来自澳大利亚本土和西欧地区，20世纪90年代以来，俄罗斯和东欧国家的一些杰出音乐家也移民到澳大利亚并受聘于悉尼音乐学院。学院还聘请了许多世界一流的艺术家作为客座教授，兼职讲授各专业的主干课程。他们不仅具有扎实的理论知识，还拥有丰富的舞台表演经验，能够有力提升学院的人才培养质量。

墨尔本大学成立于1853年，是澳大利亚历史最悠久的大学之一。墨尔本大学音乐学院成立于1891年。1994年，墨尔本大学音乐学院合并了教育学院中的音乐教育专业，正式将培养音乐教师作为人才培养目标之一，并对课程体系进行了改革。在保留部分音乐表演专业的同时，墨尔本大学音乐学院将公共音乐教育作为教学重点，注重音乐教育的创造性和职业化。

昆士兰音乐学院成立于1957年，位于昆士兰州首府布里斯本市区。20世纪80年代，昆士兰音乐学院与格里菲斯大学合并为格里菲斯大学昆士兰音乐学院。自创办以来，昆士兰音乐学院见证了澳大利亚音乐教育的变迁，培养了诸多优秀的音乐家。作为澳大利亚最大的音乐院校之一，昆士兰音乐学院各类学生总计超过800人。[2]

二、教学体系

澳大利亚音乐院校继承了欧美尤其是英国的教学体系，同时吸取了各国音乐教育的精髓，并与本土音乐和人才培养实际相结合，形成了独具特色的教学体系。

（一）学制和专业设置

澳大利亚的音乐教育体制与英国的音乐教育体制相似。本科阶段的音乐专业有两种学制：一种是学士学位教育，学生需要进行四年的学习并通过考核方可获得音乐专业学士学位；另一种是大学文凭教育，类似国内的专科教育，学生通过三年的课程学习获得毕业文凭，没有学位，如钢琴专业学生通过三年学习可获得钢琴演奏文凭。研究生阶段的音乐专业教育分为硕士教育、博士教育两个阶段。硕士研究生教育分为两类：一类为课程型硕士教育，学生只需完成一年的全日制学习，获得一定的学分后即可毕业；另一类为研究型硕士教育，学生需要完成两年的全日制学习，并在导师的指导下完成硕士学位论文，毕业后可获得硕士学位。博士研究生需要完成两年至四年的全日制学习，学生需在导师指导下独立开展研究并完成博士学位论文以获得博士学位。

澳大利亚音乐院校专业设置多样。例如，悉尼大学音乐学院设置有表演、指挥、作曲、音乐学、计算机音乐等专业，其中，表演专业又包括声乐、弦乐、管乐、钢琴、吉它、爵士乐表演等。昆士兰音乐学院的专业也非常丰富，包括现代流行音乐、爵士乐、西方古典音乐、音乐技术、音乐理论等学科，可授予音乐学、音乐技术、现代音乐、音乐研究等学位。墨尔本大学音乐学院设有音乐教育、表演、作曲、音乐学、音乐治疗等专业[3]。澳大利亚音乐院校一般都设有辅修专业。在昆士兰音乐学院，二胡、古琴、琵琶等中国乐器的演奏也被列为辅修专业。

（二）教学理念与培养目标

澳大利亚音乐院校的教学理念体现了人本化的特点，其人才培养目标与社会发展需求紧密相连。

悉尼音乐学院秉承以人为本的教学理念，坚持以学生为中心，因材施教，通过多元化教学全方位发展学生能力，使之成为社会所需要的复合型人才。悉尼音乐学院的办学目标是培养一批音乐家而不是少数独奏家。学院推崇快乐学习法，认为学习音乐是一个享受音乐、享受生活和享受工作的过程[4]。这样的教学理念使教师和学生能够保持良好的心态，在教和学的过程中平和从容。教师积极引导学生参加比赛，多是为了提高学生的舞台实践能力，发现教和学的不足之处，而不是刻意追求获奖或衡量教师教学能力。

昆士兰音乐学院提出学以致用、将教学与学生职业发展相融合的教学理念。昆士兰音乐学院因材施教、注重激发学生兴趣，鼓励学生自主学习。学院将创新实践与艺术转化融入教学，与昆士兰艺术学院、昆士兰电影学院开展合作，促进音乐艺术与电影艺术、设计艺术等交叉融合，鼓励学生整合专业技能，提高学生综合素质。学院以就业为导向，与音乐产业广泛合作，并引入团队协同创新模式，开设大量艺术实践课程，培养复合型音乐技能人才，提升学生就业竞争力。

澳大利亚的音乐学院与社会联系密切，注重为学生艺术实践及职业发展提供机会。一些文化机构、知名公司经常资助音乐院校举办各类音乐会，设立各种社会奖学金，为学生学业发展提供资助和艺术实践舞台。澳大利亚音乐院校经常举办校园“开放日”（open day）活动。在开放日，学院会举办大量的师生演奏会、音乐会，并热情接待社会各界来访者。参观者可以免费欣赏音乐，所有学生都有演奏或演唱的机会，拉近了学校和社会的距离。

（三）课程设置和教学形式

澳大利亚音乐院校教学形式多样，有个别课、小组课、集体课、表演课、实践课等不同类型的授课模式。

同一音乐院校中不同专业的课程设置也都不尽相同。悉尼音乐学院为了学生的全面和谐发展，根据多元社会的多种需求来设置课程，“悉尼音乐学院小提琴专业学生主科可学习四种不同风格的乐队音乐（交响乐队、室内乐队、古典乐队、现代乐队）”[5]。小提琴专业的学生除了主修的专业科目之外，还可以自主选择大量的选修课。最受学生欢迎的选修课主要有教学法、室内乐、交响乐、爵士乐、即兴演奏、理论文献、教学实习等。

昆士兰音乐学院钢琴专业课程设置简约且连贯，“形散而神不散”。必修课程系统性较强，主要课程有钢琴教学法、键盘基础能力、键盘乐、表演、音乐理论、听觉训练等，具有很强的连续性，主要培养学生扎实的音乐功底与个性化创作的能力。选修课注重因材施教，拓展学生的音乐视野，主要分为作曲系列、指挥系列、爵士乐系列、键盘伴奏系列、音乐英语系列、音乐行业研究系列、音乐文学系列、音乐学系列、音乐技术系列、歌剧和音乐剧系列、音乐理论与听觉训练系列、教学法系列、音乐实践项目系列等十多个模块，每个模块又由若干门相关课程组成。

三、人才培养特点

澳大利亚作为一个移民国家，注重吸收世界各地的音乐文化，并将传统音乐与现代音乐进行整合，其音乐教育体现了以生为本、注重实践、宽口径、国际化程度高的特点。

（一）注重音乐教育的“人本化”

澳大利亚音乐院校坚持以学生为中心，教学内容、教学方法、教学目标都强调因材施教，鼓励学生个性发展，并根据学生的个人兴趣以及学习程度安排教学内容、设计教学方法。在教学形式上，许多课程以研讨会、演讲、表演、即兴创作的形式展开，给学生充分的展示空间。在教学管理上，实行严格的监督与评估制度。澳大利亚音乐院校将学生学习兴趣、实践操作、就业前景相结合，教学过程层层推进、有序展开，不仅使学生拥有扎实的音乐功底，还为其日后从事艺术实践工作提供长期的理论指导，进而使其对音乐艺术有更广泛和深入的领悟。

（二）注重音乐教育的“宽口径”

澳大利亚音乐院校在课程设置与教学内容上，为音乐教育提供了一个广阔的平台，“宽口径”地引入多种音乐文化。此类院校的师生的国际化程度高，专业设置与教学内容的国际化程度也非常高，各国音乐都可以成为学生选修或辅修的课程。澳大利亚音乐院校高度重视国际学术交流，各种音乐会、学术报告、音乐节等交流活动让人目不暇接，拓展了学生的音乐视野。与此同时，澳大利亚音乐院校也非常注重学科交叉。在教学内容上，音乐理论与音乐表演实践相结合，音乐专业课与音乐通识课相结合，传统音乐与现代音乐相结合，学校限定教学内容与学生自主选择学习内容相结合，音乐艺术与电影、绘画等其他艺术形式相结合。课程设置充分融入人文历史、现代音乐、电影及其他艺术形式等课程，既能让学生领会音乐的真谛，感受人文的气息，也能使其对人生有所感悟，激发他们的学习兴趣，宽口径培养学生的音乐及文化素养。

（三）注重音乐教育的“实践性”

澳大利亚音乐院校注重实践教学，突出以学生就业为导向，强调学以致用，培养学生的艺术创新意识和实践能力，以提升其职业竞争力，体现了其音乐教育的“实践性”特点。在课程设置上，澳大利亚音乐院校设置了即兴创作、室内乐、教学法、音乐管理等实践课程；在教学环节上，明确规定学生须背谱上课、参加音乐会（交流会）、公开演出，参与音乐行业实习、音乐艺术管理实习；在学习形式上，鼓励以小组团队的形式跨学科展开学习活动；在考试考核上，不仅对学生的音乐能力进行考核，还关注学生的全面发展，包括学生的学习日志、活动经验、准备工作、排练彩排等。在澳大利亚，专业的音乐团体或各类学校对音乐人才提供的全职岗位非常少，音乐专业毕业生面临激烈的工作竞争。澳大利亚音乐院校注重职业教育，引导音乐专业的毕业生以“音乐会表演者和歌剧演员、指挥、教师、音乐机构行政管理者、交响乐团经理、音响导演和音响工程师、电影音乐作曲家、音乐评论家”等为职业。总之，澳大利亚音乐学院在人才培养的各环节都高度重视学生的职业竞争力与实践能力的培养，值得国内音乐院校借鉴。

参考文献：

[1]悉尼大学音乐学院简介[EB/OL] .http：//music.sydney.edu.au/about/history，2013-12-18.

[2]格里菲斯大学昆士兰音乐学院简介[EB/OL].http：//griffith.edu.au/music/queensland-conservatorium，2014-01-25.

[3]墨尔本大学音乐学院简介[EB/OL]. http：//vca-mcm.unimelb.edu.au/，2014-01-25.

第3篇：音乐学专业可论文范文

 

一、复试内容

复试包括以下项目:

1. 线上复试考生资格审查:

考生需按照《辽宁师范大学2021年硕士研究生招生复试、调剂录取工作方法》中的要求准备复试用的资格审核材料（须合成一个PDF文件，图文要清晰），于3月28日前将上述材料发送至学院指定邮箱：yy_yjs_jm@163.com 。PDF文件命名规则：专业+准考证号+姓名，如 音乐学10165000009999王成。

2.综合能力水平测试内容:

见附件《辽宁师范大学音乐学院2021年硕士研究生线上复试科目》。每生复试时间一般为20分钟。

3.推荐免试生无须再复试。

推荐免试生在入学时，各学院要对其进行资格复审，通过审核方可被录取，未通过者，将被取消录取资格。资格复审的主要内容是:

（1）须完成本科培养方案规定的所有课程及实践环节（含毕业论文或实习）的学分要求；

（2）毕业论文或实习成绩应在“良”以上；

（3）在取得推荐免试录取资格后，本科必修、限选及公选课程不得出现不及格成绩；

（4）至入学复审之日未受过任何处分。

二、复试方式

我校2020年硕士研究生招生复试主要采取网络远程面试方式进行。正式的网络远程面试将在模拟演练后进行，模拟演练的时间拟在3月29日进行，具体安排：

 

序号

专业方向

模拟演练时间

1

音乐与舞蹈学（舞蹈学方向）

3月29日9:00

2

音乐与舞蹈学（音乐学方向）

3月29日10:00

3

学科教学（音乐）

3月29日15:00

4

艺术硕士（音乐）

3月29日16:00

 

考生须在3月29日前仔细阅读《辽宁师范大学2021年硕士研究生招生考试网络远程复试考生须知》，并按照要求准备好正式复试时使用的设备和环境。

1. 提前准备和调试好硬件设备：电脑、高清摄像头、话筒、音箱等。如果电脑本身配置的摄像头、话筒效果较好，可直接使用；如果效果不理想，需要额外配备话筒、摄像头；

2. 提前熟悉复试流程和软件操作，确保复试时网络稳定、畅通，视频画面清晰，音频传输流畅。具体要求另行通知；

3. 场地要求安静、无干扰、光线适宜、网络信号良好、相对封闭的独立房间。不得选择网吧、咖啡室、商场、辅导机构等影响音视频效果和有损复试严肃性的场所。复试过程中，复试房间内除本考生不能有其他人员；

4. 因考生个人原因不能按规定时间参加复试的，取消复试、录取资格。

5. 复试是研究生招生考试重要组成部分，属于国家级考试，按照研究生招生考试相关保密管理规定，任何人员和机构（学校授权除外）不得对复试过程录音录像、拍照、截屏或者网络直播，不得传播试题等复试内容，否则将依据相关规定追究相关人员责任。

三、时间安排

序号

专业方向

时间

1

音乐（民族唱法）

3月31日9:00

2

音乐学（声乐表演教学与文化研究）

3月31日9:20

3

音乐学（合唱指挥与教学）

3月31日10:20

4

音乐学（艺术哲学与音乐文化研究）

3月31日11:00

5

音乐学（音乐史学与文化审美研究方向）

3月31日13:00

6

舞蹈学（舞蹈编导与教学研究）

4月1日9:00

7

音乐学（钢琴演奏教学与文化研究）

4月1日10:20

8

音乐学（音乐教育学方向）

4月1日11:00

9

学科教学（音乐）

4月1日13:00

四、关于录取

    1.成绩计算方法为：总成绩=(初试总成绩/5)*0.7+(复试成绩/1.5)*0.3。

复试结束后，同一学科、专业、方向的考生按总成绩排序，从高到低确定考生是否录取。如排名末位考生总成绩并列，则按初试总成绩、初试专业课总成绩、复试成绩顺次排序，即总分相同时,先看初试总成绩、再看初试专业课总成绩、再看复试成绩等。

    2.不符合报考条件、考试违纪、作弊、身体或思想品德不良等不符合录取要求的考生，不予录取。

    3.综合能力水平测试成绩低于90分，或同等学力加试科目中的任何一门成绩低于60分的同等学力考生，或政治理论加试不合格的不予录取。

4.思想政治素质和品德考核及体检不作量化计入总成绩，但考查结果不合格者不予录取，以及其他不符合我校复试规定的考生不予录取。    

5.复试结果将于音乐学院网站公布，请考生实时关注。

五、关于体检：

参照教育部、卫生部、中国残联制订的《普通高等学校招生体检工作指导意见》（教学〔2003〕3号）和教育部办公厅、卫生部办公厅《关于普通高等学校招生学生入学身体检查取消乙肝项目检测有关问题的通知》（教学厅〔2010〕2号）执行，体检工作由学校在入学后统一组织。

六、咨询电话

办公电话：0411-82158537    

教学秘书：于老师 18042675269

复试咨询邮箱：yy_yjs_jm@163.com 

 

 

音乐学院  

2021年3月25日

附件：辽宁师范大学音乐学院2021年硕士研究生线上复试科目

学科、专业

复试科目

音乐学

声乐表演、教学与文化研究

美声：演唱中国作品、艺术歌曲、歌剧咏叹调各一首。

民族：演唱歌剧、民歌、古曲各一首

说明：

1、由于疫情原因，现场钢琴伴奏自备。

2、限时15分钟，如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

钢琴演奏、教学与文化研究

练习曲必弹，其他三首作品自选，演奏时间为15分钟。如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

键盘和声与视唱练耳教学研究

1、视唱：单声部两升两降、三升三降、变化音； 2、练耳：音程、和弦、调内和弦连接、双声部节奏、单声部三升 三降旋律听写； 3、为指定旋律编配和弦并在键盘上演奏。

艺术哲学与音乐文化研究

1.艺术概论2.艺术哲学3.中西艺术史论（音乐史、美术史）

音乐史学与文化审美研究

1.中外音乐史常识；2.民族音乐学基本概念；3.专业英语基础知识；4.音乐美学基础知识。

音乐作品分析与音乐史论教学研究

音乐分析与写作：1.作品综合分析2.作曲家及其创作述评

口头表达本专业研究方向相关问题

钢琴即兴伴奏与自弹自唱教学研究

1、自选钢琴练习曲（车尔尼 740 及以上程度）、奏鸣曲快板乐章各一首； 2、自选声乐作品演唱一首（钢琴自弹自唱）； 3、口述分析歌曲钢琴正谱伴奏（五线谱例，现场抽签）的调性、调式、和声、伴奏织体、曲式结构及终止式； 4、歌曲钢琴即兴伴奏配弹（现场抽签，三升三降及以下）并以自弹自唱形式进行演唱（五线谱或简谱可任选）

作曲技术理论与视唱练耳教学研究

1.视唱练耳2.乐理3.和声4.曲式

在此范围之内做口试表达

音乐教育学

1、专业面试

2、器乐演奏（作品一首，乐器种类不限）

3、声乐演唱（作品一首，唱法不限）

电子管风琴演奏

1.自选一首复调作品 2.自选一首中国作品或交响乐作品 3.自选一首现代作品 。三首作品演奏时间为15分钟。如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

合唱指挥与教学

1. 自选曲目两首，自备音乐；

2. 视唱两条，两升两降及以内带升降音，随机抽取。

舞蹈学

舞蹈编导与教学研究

1、自选剧目3---5分钟2、教学教法实际操作3、即兴编舞（抽签）

专业硕士

学科教学（音乐）

1、专业面试2、器乐演奏（作品一首，乐器种类不限）3、声乐演唱（作品一首，唱法不限）

民族唱法

民族：演唱歌剧、民歌、古曲各一首

说明：

1、由于疫情原因，现场钢琴伴奏自备。

2、限时15分钟，如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

美声唱法

美声：演唱中国作品、艺术歌曲、歌剧咏叹调各一首。

说明：

1、由于疫情原因，现场钢琴伴奏自备。

2、限时15分钟，如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

钢琴

练习曲必弹，其他三首作品自选，演奏时间为15分钟。如超时需删减，由现场考官决定，不影响成绩。

电子管风琴演奏

第4篇：音乐学专业可论文范文

关键词：音乐剧；普通高校；音乐学专业；教育价值

现今普通高校音乐学专业课程体系大多沿袭音乐学院的专业教学模式，高、精、深是其特点。理论课程的深奥、乏味，理论教学与实践需求脱节。在专业技术的学习过程中存在着“为技术而技术”的教学倾向，导致学生知识面窄，文化修养与素质不高。缺乏艺术教育新课标中所要求的综合性，这样的课程标准下培养的人才是不适合中小学音乐教学要求的。

音乐剧起源于西方，目前它在我国的发展现状基本属于“二分夹层”现象，上层是西方引进的舞台音乐剧，下层是电视文娱节目中的音乐剧，中间的夹层是本土的舞台音乐剧，所以音乐剧离我们的学校教育还很遥远。在理论上有关音乐剧研究的专著可谓是硕果累累，但它的教育价值还有待开发，把音乐剧引入学校教学并对其进行理论研究的成果还非常少，有关音乐剧教学的论文也能见到零星的几篇，如赵曦的《关于高职音乐剧教学中若干问题的思考》，赖景琼的《中学音乐剧教学实践》，但对音乐剧进入普通高校音乐学专业教学进行探究的文章至今没有看到。在欧美，音乐剧是雅俗共赏的大众文化，即在俗的基础上追求雅的品位，在雅的目标中寻找俗的轻松。但在国内，音乐剧只是少数人能消费得起的精英文化。在欧美，音乐剧教学理论系统己相当完善，音乐剧已成为每一个学生都能享用的艺术大餐，在此基础上已经形成了校园音乐剧文化，在那里，学生有很多自编自演音乐剧的机会，很多的中小学都有自己的音乐剧节。本人就是音乐剧的忠实爱好者，鉴于国内《新课标》指导下音乐教学的需要和普通高校音乐学专业学生就业难问题的逐渐凸显，促使本人对《音乐剧》课程进入普通高校音乐学专业教学的必要性和可行性进行了一些前期的分析和研究。

一、《音乐剧》课程进入普通高校音乐学专业教学的必要性研究

（一）让普通高校音乐学专业的学生更加适应《新课标》指导下的教学

我国的普通高校音乐学专业主要是为中小学培养合格的教学与科研人才和社会音乐工作者的。而目前中小学的音乐课程内容从《全日制义务教育化学课程标准(实验稿)》(以下简称《新课标》)出台后已经有了比较大的调整，涉及的音乐内容多元化，包括世界各个不同国家、不同地区、不同民族、不同种类的有代表的音乐。反观中小学的师资来源――普通高校音乐学专业在课程内容上却并没有及时地与其接轨，这对普通高校音乐学专业毕业生的就业造成了一定的影响。音乐剧作为一种综合性很强的艺术形式，它将音乐、舞蹈、话剧表演等艺术形式有机结合，是艺术综合性、现代性、多元性的灵活统一。正由于它不受模式束缚的艺术特性恰好与中小学艺术教学强调的注重形式的灵活性、多样性，内容的艺术性、丰富性和充实性相吻合，让其可以成为了理想的教学载体。从目前中小学艺术新课程改革的实施情况来看，很多教学理念正是由于缺乏理想的教学载体而无法实现。虽然偶尔也能在中小学艺术课堂看到教师们采用音乐剧进行辅教学，并取得了一定的效果，但是由于大部分教师在中小学艺术教育中对运用音乐剧教学的独特价值缺乏深刻的认识，导致音乐剧这一理想教学载体没有得到充分的利用。本课题将研究如何在普通高校音乐学专业教学中加入《音乐剧》课程教学以及其必要性，以期让普通高校音乐学专业的学生更加适合中小学的艺术教育。

（二）增强普通高校音乐学专业的学生的综合实践能力

教育部教体艺［2004］12号文件《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》（以下简称《课程指导方案》）已在全国各高等院校开始实施，作为承担为基础教育培养师资的普通高校音乐学专业要培养德智体美全面发展，掌握音乐教育基础理论、基础知识、基本技能，具有创新精神、实践能力和一定教育教学研究能力，适应基础教育需要的高素质人才。在《课程指导方案》的指导下实践教学应该应遵循学科系统性、知识实用性和职业适应性相统一的原则，突出实践能力和文明礼仪综合素质的提高。实践教学改革的重点应放在实践能力的训练和培养上。

作为社会音乐工作者的贮备人才，音乐学专业的学生必须是“一专多能”的。《音乐剧》课程的学习是专业技能的综合，文化素养的提升，是增强普通高校音乐学专业的学生的综合实践能力的有效途径。另外从普通高校音乐学专业培养中小学音乐教师的目标出发，其培养的人才必须适应教学，而现今艺术课程改革对我国艺术教育现状进行了革命性的改造，同时也带来了发展的契机。随着新的艺术课程标准的颁布，一些崭新的艺术教育理念变成了可被我们直接认知的行动指南。新课改中强调学科综合，强调将教学内容和教学手段综合起来以丰富音乐课程，拓宽学术视野，拓宽教育途径，让学生从多方面接受音乐教育。但我们很容易走进了这样一个误区，认为一节课所涵盖的文化面越广，所涉及的学科越多，甚至使用的教学手段、教学教具越多，就越能显示出授课者思路的新颖和教学的水平，单纯认为简单的拼凑和粘贴就等于综合。殊不知，真正的综合理念是以音乐为本的综合观，音乐剧由于其自身的多元性和综合性成为一种非常好的教学形式，尤其是对艺术综合课程的实施。由此可见在普通高校音乐学专业教学中加入《音乐剧》课程的教学是必要的。

（三）促进普通高校音乐学专业课程改革

普通高校音乐学专业要体现“师范性”和“多能性”的特点。福建师范大学的博士生导师王耀华学者曾说过：“师范性，是普通高校音乐学专业人才与专业音乐院校人才在培养目标方面的主要区别”。师范性的特点要求音乐学专业学生全面发展，要将基础音乐教育中应该具备的各种技术技能熟练的掌握，以便于更好地适应未来的学习和教学工作。“多能性”的特点，要求学生“懂音乐”，具备基本的音乐知识和音乐技能，但并非简单的“一通百通”。随着对工作水平要求的提高，其专业性的要求也必然需要提高，要求在教学中进行有针对性的培养和训练，有针对性、专业性的培养学生的适应性和应变能力。音乐剧本身多元化的特点，使《音乐剧》课程能很好地开发艺术课程资源，而中小学音乐课程中“音乐与相关文化”领域的教学都需要施教者创造性地实施。要适应新课程教学模式，在很大程度上取决于艺术课程资源开发的状况。故在普通高校音乐学专业加入《音乐剧》课程教学能很好地适应其“师范性”和“多能性”的特点。

二、《音乐剧》课程进入普通高校音乐学专业教学的可行性研究

（一）《音乐剧》课程的教学符合高校学生的心理特征。

音乐剧无论是在艺术表现形式、舞台呈现风格、戏剧内容及其表达方式上都要求通俗易懂、生动直观、引人入胜，符合学生思维品质的特点。好的音乐剧能够对学生起到良好的导向作用，间接帮助他们解决生活中遇到的问题。而且高校青年对新鲜事物总是十分好奇的，音乐剧创演中轻松自由的氛围，使学生可以随意地把生活中遇到的问题实验化和戏剧化。这样，能给学生比较广阔的想象力空间，内在的表演欲望和创造欲望也能得到满足，提高了他们对表演的兴趣，这些都必然使其乐于接受。

（二）《音乐剧》课程的教学符合高校学生综合性审美特点。

审美心理指审美活动中各种心理现象及其变化。当今高校学生的审美心理结构是在长期的学习与生活过程中形成的。首先，社会的信息量激增促进社会文化的快速更新，信息广泛而快捷的传递，使他们的思想方式、情感方式和生活方式都受到了深刻影响。审美意识不再仅仅局限于艺术，而是伸展到生活各个方面。其次，这种变化是由市场品行和文化品行所造成的。它使包括审美在内的所有物质的、精神的关系越来越趋向于一种临时的性质。这种变化大大影响到青少年的审美，使其更具综合性。所以当今高校学生的审美心理结构特征可概括为：审美需求广泛化，审美趋向时尚化，审美意识世俗化和审美形式休闲化。音乐剧是一种综合了多种艺术样式的艺术表演形式，它有社会大众容易看懂的故事情节，有好听的歌曲，有动人的舞蹈和音乐，还有辉煌的灯光、舞美等等。这种高度的综合性，强烈的时代感，形式发展的多样性，以及对审美心理定势的可调节性都使其符合高校学生综合性的审美心理特征。故在普通高校音乐学专业教学中加入《音乐剧》课程的教学具备可行性。

在当今社会主义市场经济体制下音乐学专业必须以社会需求为基本依据制定出音乐学专业的人才培养目标及其实现步骤。运用《音乐剧》课程教学加强“多能性”人才的培养，更好地丰富教学形式，拓展艺术教学资源，以期培养更加适应《新课标》指导下音乐课程教育要求的专业人才。

参考文献：

[1]余丹红、张礼引.美国音乐剧［M］.安徽文艺出版社，

2002.

[2]居其宏.音乐剧，我为你疯狂［M］.上海教育出版社

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[3]音乐课程标准(实验稿) .北京师范大学出版社，2001.

[4]王安国、吴斌.音乐课程标准解读［M］.北京师范大学

出版社，2002.

[5]郭声健.艺术教育论［M］.上海教育出版社，1999.

[6]刘文洁.普通高校开展音乐剧教学实践活动的初步思考

[D] .首都师范大学，2006.

[7]廖向红.美国艺术院校的音乐剧教学――美国Tisch艺术

学院、辛辛那提音乐学院考察报告［J］. 戏剧-中央戏

剧学院学报，2005，（2）.

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第5篇：音乐学专业可论文范文

作曲系是各音乐院校的重要系部之一,从某种程度上说,作曲系的好坏,直接影响着一所学院的整体实力和水平。作曲教学又是作曲系的核心课程,是重中之重,是集音乐所有门类课程和知识之大成,也是最能体现技术理论、专业基础和其他课程教学水平的一门合成课、目标课。因此,加快作曲专业教学改革的步伐,是目前面临的重要任务和战略目标。

20世纪50年代起,我国音乐学院的作曲课①主要沿用前苏联的方法和模式,即一对一的教学模式。教师在课堂基本上不再向学生提供其他理论和实践的内容。这一模式在半个多世纪的专业作曲教学中没有实质改变。不可否认,这种方法培养出了许多优秀的作曲家和音乐家。一对一的教学几乎是传统精英式教育体系中培养作曲家的一种主要的(或唯一的)方法和模式。评论这种教学模式,不能简单地说是绝对的不好。但就目前状况而言,它确实显得太单一,不够完善,缺乏与之相配套的课程体系。与培养其他表演和理论专业方面的人才相比,作曲人才的培养过程是个复杂本论文由整理提供、系统和综合工程,有着很大的不同和特殊性。那么,结合实际情况吸收借鉴科学、先进的教学法,建立比较完善的教学体系是明智、务实和亟待实施之举。笔者根据多年的国内外学习经历和工作经验,特别于近几年所做大量考察后认为,作曲专业的教学模式应主要由以下四种形式和内容组成:①传统的一对一教学;②专题讨论课和学术报告会;③教学工作坊;④具有补充性的作曲教育环节:作品汇报会/演奏会或音乐会。

这里既有以理论为主,偏重于口传心授,属于“纸上谈兵”的形式和内容;也有侧重实践,着重培养学生动手能力和创新意识的内容。具体分工和功能是:①和④两种形式在作曲教学中早已存在,重要性不言而喻,可据院校各自的习惯和方式继续为之。关键是②和③两种形式内容,专题讨论课和教学工作坊如何运用,并加以认知和发挥应有作用。第②种形式由两种内容和形式组成:专题讨论课和学术报告会,即欧美大学里的Seminar(专题讨论)和Sympoduim(学术报告会)。这种教学形式,对于我国的音乐学院来说较新,甚至非常陌生。“专题讨论课”的授课形式和气氛比较活跃、生动、自由,面向所有学生,欧美国家每周一次,因此是一种系列讨论课。后者,“学术报告会”的形式比较正式和严谨,举行的时间不固定、较灵活,可以每学期、每学年或几个学期进行一次。通常由高年级学生、研究生或教师参与,是一种学术性、专业性较强的教学活动。对于我国音乐学院作曲系本科本论文由整理提供教学来说,专题讨论课是首先值得提倡的内容和形式。专题讨论课针对某些教学需要、比较重要的题目进行系列研讨,如“现代音乐专题系列讨论”“艺术歌曲专题系列讨论”“弦乐四重奏的起源及其发展”等。常以分析为主,但因分析人和主讲人主要由学生担任,不等同于通常意义上的“作品分析”。同时,分析时涉及的范围、层面和侧重点不同,内容往往更加丰富、细致和“专业化”(例如:一次“讨论课”可以就某作品的节奏或音色进行专门分析论述等)。系列讨论课的周期长度可以是一个学期、一学年或更长,往往由教师酌情排定。上课形式也较灵活、随意。一般老师先作一两次引导式的讲座,继而由学生完成拟定的一系列专题讨论(讲座)课的准备和讲解(通常借助于幻灯片形式)。讨论中每个人都可以自由插话、发表自己观点,参与讨论。最后,老师做必要的点评或补充。

这给学生提供一个展示的平台和锻炼的机会。通过参与,学生可以锻炼和加强分析问题和解决问题的能力,掌握独立工作和分析研究的基本方法,也是改善和提高学生的“动手能力”的重要方面。同时,可以培养学生积极的思维习惯,锻炼胆量,勇于发本论文由整理提供言,积极参与,敢于说出自己的观点,特别是不同观点。此外,授课形式中,师生间可以更进一步交流互动、互相补充。改善和加强学术氛围、学习风气,提高教学效率、效果起到非常重要作用。因此,专题讨论课在音乐学院作曲教学中有必要成为一种重要形式。笔者从亲身体会和观察了解中发现:通过上述方式,学生学到了一对一小课上根本无法学到的知识面和技能。另外,欧美学生在动手能力、研习独立性、知识结构和知识面等方面,具有明显优势,这门课程所起的作用非同小可。当然,先进的教育理念、有效的教学手段以及丰富的教学内容和形式,均起着至关重要的作用。另一个好处是,一名学生所做过的“专题”内容,基本上终生不忘,特别是经历的整个研习过程,对今后的工作和学习是宝贵财富。笔者至今仍深刻地记忆当时在德国音乐学院上课时学到的知识内容,特别是自己亲自做的“专题”。在西方国家,专题讨论课在教育界和学术界有着悠久历史和优良传统,是高等教育中不可缺少的内容。德国作曲教授与院方签订劳动合约时,合同上除了规定作曲课以外,还约定必需开设“专题讨论课”。那么,对于音乐学院作曲教学来说,同样可以发挥其应有的作用。

作为呼应和补充,学术报告会也是不可忽视的形式。特别对于高年级学生(包括研究生),这是个提高和充实的有利时机。由于形式内容具有较高学术水准,因此,是“专题讨论课”在更高层次上的延伸。作用和意义就是进一步加强学生的理论水平和研习能力,提升学术层次。如果这一形式作为作曲教学的内容确定下来,学生(包括教师)按照计划定期或不定期地参与学术报告会,无疑使理论水平和学术能力得到加固和强化。此外,这种做法必然触动教师业务状态的和专业能力。这些做法如能以教学大纲和教师工作任务等法规条例加以规定,那么,产生的效应无疑非常可观。长此以往,不但积淀下坚实的学术底蕴,还提高和带动创作、科研和教学水平。形成以研促教,以研促创,教学带动创研,再以创研促进教学的局面。

第③种形式“教学工作坊”(Workshop),是西方音乐教育中(所有专业)一个非常重要的环节。类似理工科大学中的实验室,这是培养学生实践能力的重要环节。在西方,这种方式相当普遍,形式内容丰富多彩,时间地点自由灵活。就作曲专业的教学工作坊而言,常常是跨学科、跨地域的学习交流。内容由两部分组成:1)纯粹研究写作技术为主(往往由教师或作曲家指导);2)侧重对某一种或几种乐器的了解、研究以及它们具体应用的可能性和效果(通常与演奏家合作)。前者的内容,纯粹以写作技术为主线,如专门研究一些确定的钢琴作品、艺术歌曲和室内乐中的具体本论文由整理提供写作技术和手法。与专题讨论课不同,学生常根据需要进行一些适当必要的练习,以巩固和加深对所学技法的理解和印象。后者以某种单一或组合乐器为对象,如长号、打击乐、声乐、双簧管与电子音乐、弦乐四重奏等形式,对性能和演奏法、发声原理以及各种非常规可能性进行研究,特别是对现代音乐中的运用进行感知、体验和研究。“教学工作坊”中,主讲教师的职责非同小可。这一形式主要对写作的“工艺流程”做比较详细的解剖、讲解和进行体验。常以一部或几部作品为范例,现场讲解、当场试验、即时比较和及时演示/奏;或对某一件(或几件)乐器的性能、特性和可能性等,进行试验和研究(常常是与演奏家进行合作),涉及更多的是与写作有关的细节问题。因此,需要教师要有较全面的理论知识和较丰富的实践经验,特别是现代音乐写作或演奏经验。在这个过程中,学生可以根据兴趣、能力对所学内容进行小规模或局部试验(写作),完成有针对性的作品,并当场演奏或剖析;或纯粹针对某些乐器进行了解和学习。最后由作曲教师或与演奏/歌唱家共同归纳总结。20世纪90年代中期,笔者跟随德国斯图加特音乐学院著名作曲家拉赫恩曼教授(Prof.H.Lachenmann)学习,他曾带领我们去附近一个打击乐器工厂现场教学,大家收获甚大,至今使人记忆犹新、受益无穷。这个教学环节中,学生接本论文由整理提供触到很多平时课堂上和课本中见不到的东西,甚至根本想象不到和感知不到的东西。“教学工作坊”比通常意义上的“作品分析”更具体、更深入细致、更接近实际,学生可将知识比较准确、恰当地运用到创作中,进而将不切实际地写法、用法等错误尽量避免,由此积累和掌握经验和知识。

专题讨论课和教学工作坊,既是一对互为补充的内容和形式,同时也是对传统、单一的作曲课教学形式(一对一)的有利补充和多层次、立体地延续。前者偏重理论,后者则重实践。“作品演奏会”是在另一个方面和层次对作曲课的有益完善。这样,作曲教学就有三个不同的层次:教师与学生单独的一对一形式(理论);教师面对众多学生(或学生面对群体)的形式(另外一个层面的理论和实践);教师和学生展示自己的成果和作品(检验理论和实践)。以上教学过程和形式,也可以理解为对学生作曲思维过程或“写作过程”(工艺流程)中不同侧面,即:背景—中景—前景,各个阶段和不同方面的引导和培养。学生通过理论学习和教育产生的内心感受,通过某种方式表达产生的构思或想法,可以称之为背景;运用某些理念、技术手段和经验将内心构思呈现在谱面,可以称之为中景;通过媒本论文由整理提供介呈现给听众所体现的具体作品,可以称之为前景。所有教学步骤和内容,实际上都是围绕这三个层次进行。如何有效地将三个层次进行衔接并取得较好的“前景”,是作曲教学的期望和目的。超级秘书网

此外,带有实践性质的“学生作品演奏会”可为补充。各司其责,各尽其能,互相配合,互相补充,共同组成多元化、立体化的作曲教学体系。就我国目前的情况来说,四个教学环节中,实施前三个教学内容应该没有什么困难。第四个环节,对于一些院校来说较难。由于扩招,各院校学生数量急剧膨胀,使教学内容名存实亡或流于形式,质量大大缩水。特别是“学生作品演奏会或音乐会”,由于人数众多,加上演奏成本的增加等,变得愈来愈难。除个别院校以外,多数院校举办演奏会越来越少。即使办了,参加人数也寥寥无几,大多数学生没有实践机会。这一环节亦变得愈来愈“精英化”。因此,我们必须在新情况下找出一条可行之路。当今教学环境和条件不断改善的情况下,关键的问题还是“软件”人。对于教学环节和内容的实施,需要专业教师具有过硬的业务素质、高尚的职业道德和敬业精神。从目前状况来看,要使作曲教学的内容和形式真正得以完善和体系化、科学化还需要一定时间消化、吸收和磨合。及时了解国内国际的业界情况,关注新动态、新信息。同时对现有教师、特别青年教师进行培训,不断提高其业务水平。

纵观西方发达国家(特别是音乐教育发达国家在这方面的成功经验,以及根据笔者考察调研后的结论,上述作曲教学模式和方法是一条培养人才的有效途径,具有较好的借鉴价值。一个院校或者一个国家的教育,不能仅仅依靠几个知名教授提升和带动教学水平和教学质量,关键是要建立一个科学规范的教学体系。教育是一门科学,必须在一个体系框架下以严肃、认真和科学态度去对待,否则付出的时间、精力和资源就难有好的效果和回报。

参考文献

M.Spahlinger1992:MusikundUnterricht,ZeitschriftfuerMusikpaedagog-ik,VolⅢ,ErhardFriedrichVerlag中央音乐学院作

第6篇：音乐学专业可论文范文

西方音乐学会自2003年成立以来，历经十载岁月，今年又迎来了第四届年会的召开。2013年9月22日至24日，来自全国各地的学会会员及参会代表近两百余人相聚于沈阳音乐学院，展开为期三天的学术交流。大会围绕“西方音乐研究的中国视野和西学前沿”这一中心议题，共设四个子议题：1.中国的西方音乐研究历史、特色与前瞻；2.中西音乐比较：方法与途径；3.当代西方音乐学术研究的走向与反思；4.瓦格纳、威尔第专题研究。本届年会共提交论文127篇（实际发言者104人），论文内容总体表现出冷静与审视的特点，无论对旧论题的再议、新命题的提出，还是研究方法与视角的展望与反思，学者和学子们以自身深厚的学识和学养展示出了高水准的专业阐释。

如何展开中国视野下的西方音乐研究成为本届年会热论的议题之一。福建师范大学叶松荣与上海音乐学院孙国忠就“中国视野”的解读与认识进行了交锋式的讨论，叶松荣从“中国视野”研究西方音乐的内容实质、以中国人的视野研究西方音乐的实践探索、对个体研究行为的认识等方面进行论述。他认为，以中国视角去观照、解读西方音乐，比之用西方人的视角，也许能获得新的认识和收获。孙国忠在《西方音乐史研究：学术传统与当代视野》一文中则认为，西方音乐（史）研究的中国视野的提法并不科学，因为“中国视野”这样的抽象概念剥离了学者个性体现与研究实践展示的密切关系。进而言之，只有以中国学者个体存在为表征的独特的学术贡献才有可能传递表明中国学者身份的具体声音，而不可能有所谓的带有国别符号并具群体选择指向的抽象性“视野”。在大会自由讨论中，于润洋、杨燕迪、余志刚、王晡、姚亚平、李兴梧、李秀军、汪申申、刘经树、高拂晓等学者也就这一议题进行了热烈发言。大家普遍认为，目前我们所做的西方音乐研究对于国内而言意义重大，但从文化背景差异角度而论，我们进行的西方音乐研究目前在国际上可能并不占优，但正因如此，把握从主体意识出发，注重研究的原创性，展现中国学者研究特色，进入“国际视野”则更需提倡。

对当代西方音乐研究学术前沿的关注是本届年会的另一重要议题。目前国内学者已不局限于单纯地呈现前沿性西学成果的内容本体，更重要的是由此引发进一步的深度思考与释义形成方法论、学科概念和研究走向等方面的启示。本届年会中，西方音乐学会会长、上海音乐学院副院长杨燕迪以及中央音乐学院刘经树与周耀群这三位学者针对西学文献的发言阐释较具代表性。杨燕迪近年来一直从事美国钢琴家、音乐学者查尔斯·罗森的专著《古典风格：海顿、莫扎特、贝多芬》的汉译工作，通过研读该书多年，深信这部西学专著不仅对理解古典风格的运作机制和三位重要作曲家风格有重大贡献，而且对整体意义上的音乐分析和批评也具有重要的方法论参考价值。他认为，音乐文字描写的成功与否，取决于作者的音乐敏感性、历史修养厚度、文字功力以及理性概括力，而这些却并不是能够靠单纯的“方法”所能解决的，因而，耐心的积累和用心的体验和学习仍然是不二法门。刘经树的发言内容为《音声缭绕无言词——论有解说的音乐与独立音乐》，他指出德奥作曲家无论创作独立音乐、有解说的音乐、音乐戏剧还是世界观音乐，他们都完全有权力事后发表或隐藏解说。他认为法兰克福学派有助于我们认识西方古典一浪漫时期音乐的实质，而且符号学理论可以对音乐的意义做出令人信服的解释。刘经树的发言中虽未以某部具体西学成果举例，但他多年所从事的德文翻译工作使其在解读德国音乐历史现象时有较强的说服力。周耀群以《作曲家的两个世界》为题发言，他较为细致地解读了诺贝特·埃利亚斯的《莫扎特的成败：社会学视野下的音乐天才》一书，该书以社会学的方式解读了莫扎特这位独特命运的杰出作曲家，为了建立他的分析理论，埃利亚斯提出了“工匠艺术”和“艺术家艺术”这两个概念，并提出了艺术家两个世界的构想。周耀群认为音乐社会学双结构的观念有助于厘清和扩展这种两个世界的理论，并可能作为可行性方法论用以解读众多西方作曲家。近些年来，国内的西方音乐学者们投入了较多精力通过编译来引介优秀的专业性西学成果，如《西方文明中的音乐》、《西方音乐史》、《欧洲中世纪音乐》、《西方音乐》、《古典音乐：海顿、莫扎特与贝多芬的时代》等。从当今学界发展的大趋势来看，引介西学前沿成果已成为从业者的重要任务之一，并且伴随着全球化、国际化的环境支持，引介过程缩短与扩展引介内容将指日可待。另外，具备高水平外语阅读能力的学者队伍正日益壮大，较多专业研究者均可通过西学文献的直接阅读、分析、理解和阐释来完成相应研究，或通过直接参与国际会议快速获取前沿性学术动态，这都对改善国内研究现状有较大帮助，对提高选题质量、缩小与学术前沿之间的差距以及减少研究中所产生的误差起到积极的推动作用。

本届年会展现出学术平等的良好氛围，年轻一辈学人与资深专家共同畅论，营造出勃勃生机且开放的学术论坛氛围，较多青年学者均提出较为创新且具前沿性价值的选题，如刘小龙的《西方音乐话题史：探索新方向》；贾抒冰的《论当今西方音乐史领域的几个核心问题》；宋方方的《女性音乐史的特点及新史学对西方音乐研究的影响》；陈新坤的《音乐诠释学：愿景、历史与方法》i杨健的《作为表演实践的音乐与作为学术研究的表演》；班丽霞的《“音乐厅博物馆”现象及相关理论述评》；杨婧的《“晚期风格”在西方音乐学界——兼谈传统风格史的艺术史地位以及理论困境》；伍维曦的《中世纪盛期教会音乐活动中的文人性因素——以彼得·阿贝拉德、瓦尔特·德·夏迪永和莱奥南为例》；孙红杰的《古代西方音乐记谱法的研究现状及其对中国西方音乐学研究的意义》；江松洁的《作为家用乐器的钢琴：社会功能与文化意义研究（1830-1970）》；徐志博的《20世纪西方音乐中声音素材的扩张——“音材料”“音响材料”》：李昂的《试论音乐心理学关照下的现代音乐接受——以笔者本人（月光下的彼埃罗）三阶段“倾听”分析为例》等。

以西方音乐史各断代为对象的发言选题虽然数量不多，但选题视角均较为新颖。如中央音乐学院余志刚选取的研究对象是文艺复兴时期作曲家奇科尼亚的两首庆典经文歌《哦，帕杜瓦，闪耀的星》和《让我们赞美彼特罗·马切洛》，通过解析作品对奇科尼亚的音乐风格做进～步的总结。英国巴洛克音乐专家、中央音乐学院访问教授彼得-奥索普（Peter Allsop）以其著作《科雷利：我们时代的新奥菲欧》其中的一个章节而展开。人民音乐出版社的徐德论述了肖邦前奏曲0p.28原作版的历史渊源，近距离审视原作版各细节，而后提出原作版在演奏出版和理论研究领域都具有重要意义。星海音乐学院黄蕾对勃拉姆斯《四首庄严的歌》中最后两首的关联性进行解析，以此挖掘作曲家的和音乐美学思想。中央音乐学院何宽钊从个人主义的泛滥与有限性的拒斥、灵韵的衰退与震惊的凸显和形式主义倾向等方面来阐述审美现代性与启蒙现代性在20世纪西方和声中的张力和冲突。这些研究成果从一个侧面可窥见国内对西方音乐通史所展开的研究深度与广度，各代表运用微观与宏观相结合地研究视角，较多选题从研究方法上兼顾传统与现代，融汇中西观念，为中国的西方音乐研究领域注入了新鲜血液。

2013年是19世纪西方音乐史两位重要作曲家瓦格纳（1813-1883）与威尔第（1813-1901）的诞辰200周年，故本届年会专设了“瓦格纳与威尔第专题研究”这一议题，起到对该研究领域进行总结、反思和开拓创新的作用。共有27位代表进行了主题发言，主要涉及对《特里斯坦与伊索尔德》、《纽伦堡的名歌手》、《尼伯龙根的指环》、《帕西法尔》、《游吟诗人》、《茶花女》、《奥赛罗》、《法尔斯塔夫》等重点作品的新角度解读。此外，来自美国南卡罗莱纳大学的瓦兹索伊（Nicholas Vazsonyi）的主题发言《瓦格纳品牌的与推广：（纽伦堡的名歌手）》给国内学者带来新的瓦格纳研究视角。来自德国拜罗伊特大学的音乐学家、戏剧史学家慕根（Anno Mungen）以《2013瓦格纳年：地方视角与全球视野》为题发言，他聚焦于2013年，即瓦格纳诞辰200周年之际的庆祝活动，通过世界各地一系列的庆祝活动表明瓦格纳已经成为全球性现象，而以作为个案的瓦格纳为标志，引发“是否存在或正在形成一个全球性的文化身份”的思考。

此外，中央音乐学院姚亚平强调理解音乐应把音乐现象置于文化学和社会学研究中；上海音乐学院韩锺恩有感于科尔曼的理论发表了关于批评音乐学的学科设想；上海音乐学院陈鸿铎提出西方现代音乐创作中的“复体裁”现象；星海音乐学院黄虹对西方器乐体裁的形式与内涵进行了音乐学角度解析；华南理工大学艺术学院何平通过对美国音乐研究的阶段成果梳理、展望该研究领域的未来前景。总体来看，各位专家学者本着客观、严肃、冷静、审视的学术态度，对西方音乐的国内现状、西学前沿和各史学专题等方面展开了开放性、多元化的研究。

第7篇：音乐学专业可论文范文

关键词：综合性艺术院校；音乐学科；个性化服务

一、综合性艺术院校图书馆对音乐学科的服务现状

高校图书馆是为教学和科学研究服务的学术性机构，图书馆学科服务是学科馆员与学科文献、学科读者之间展开的活动。

1.山东艺术学院有两个校区，文东校区有音乐学院和音乐教育学院，图书馆也有长清新馆和文东校区分馆两个图书馆组成。文东校区分馆馆舍面积1400平方米，馆藏以音乐专业文献资料为主。纸质书籍6万多册，电子图书6万册，有包括KUKE音乐数字图书馆在内的八个数据库，订阅的期刊报纸涵盖包括所有音乐类在内的艺术类一千多种。一楼流通部有包括外文书库在内的十一个书库，其中有九个音乐书库。二楼有阅览室、视听室和自习室。用户服务方面：开通了网上续借、预约业务，定期进行新书通报等。

2.音乐学科的用户对图书馆的利用情况。相比美术学科、艺术文化等其他学科，音乐学科的用户对馆藏文献的使用率不是太高。到馆用户少，不能快速准确地查找文献资源，借阅纸质书籍的大部分是乐谱。而到馆用户大多是研究生，本科生只有在写毕业论文时才会利用图书馆，视听室及电子资源的利用率也不高。究其原因：一是客观上音乐学科的重视实践的特殊性；受音乐用户掌握现代信息技术的能力制约。二是主观上图书馆的服务方式被动、服务单一化，缺乏针对性，没有推出个性化服务理念，没有建立音乐学科的服务对话。

二、综合性艺术院校图书馆针对音乐学科进行个性化服务的意义

1.音乐学科的特殊性。音乐的组织材料是抽象的、非语义的。与美术、戏剧等艺术所运用的材料、色彩线条、造型动作相比，显然是抽象的。而且音乐是用声音作媒介来表达的，它通过各种乐汇唤起联想，在情感激发中自由展开。也就是说音乐是声音的艺术。音乐又是时空性的、非静态的。音响呈流动状态，音乐艺术在时间中展现，必须在时间中展开和完成。时间可以说是一切音乐形式存在的关键因素，音响必须依赖于时间与空间发生联系，所以音乐也被称为“时空的艺术”。

音乐学科门类繁多，大致分为音乐表演（演唱、奏）与音乐学两大类专业。无论哪种专业，都是以音乐实践为基础，而音乐实践又是以音乐理论为指导的。表演类（演唱、演奏）专业以技能技巧的练习为基础，通过艺术实践的方式，不断完善对音乐作品的诠释。同一音乐作品因个体的音乐修养、表演风格不同呈现多样化，也可以说，每一个演唱者、演奏者的表演就是一种再创作过程。

2.音乐学科用户的特点。音乐具有情感的内涵，学习音乐的人较其他专业的人具有易感的特质。他们思维活跃、充满热情，感性思维大于理性思维，形象思维高于抽象思维。音乐的学生一旦确定了自己的专业，确定了主攻方向，就会根据学校的课程安排、教学内容、以及培养方案，进入多元化的、自主的学习中。表演类（演唱、演奏）专业会把大量的时间花费在专业技能、技巧练习上，学习地点大多是在琴房、排练厅。理论研究方向学生的学习途径除正常的课堂教学外，还有专题讨论、社会调查、参观考察、查阅文献资料等。这可以说是音乐专业的学生利用图书馆的时间少于别的专业学生的原因。

音乐专业用户少于其他专业有一定的客观原因，但不是说音乐专业的学生不需要图书馆，音乐实践固然重要，却离不开扎实的理论基础，如果没有丰富的艺术理论修养是不能很好地对一个作品进行诠释的，只知道练习技能、技巧，起不到事半功倍的效果。现代信息教育课程已是大学生的必修课，但是在工作中，经常发现音乐学科的用户运用现代信息技术手段查找资料的能力有欠缺，这些都是音乐学科用户存在的普遍问题。

3.为音乐学科推出个性化服务的意义。早期音乐学院的图书馆从建馆起的主要职责就是为教学实践服务，馆藏的各个时期版本的音乐文献和教科书都是为了满足教学或表演的需要;历经多年，许多这样的馆藏已经成为珍贵历史文献，成为版本研究的重要资料。在18世纪晚期和19世纪早期，有些音乐学院的图书馆是与学校同时建立的，在这些图书馆中，藏有比较早的代表了民族或地方音乐传统的原始资料。建立于1784年的巴黎音乐学院以前培养歌剧演员，曾是世界最丰富的原始资料图书馆之一。

山东艺术学院音乐学科为省级重点学科，多年来为社会培养了优秀的德才兼备的艺术人才，创建一流服务的音乐图书馆将对音乐教学、科研、艺术实践提供有力的支持。应该根据音乐学科的特点，从馆藏建设、电子资源开发、借阅服务、用户培训、学科对话等方面有针对性地进行服务。

三、如何为音乐学科进行个性化服务

1.馆藏建设专业化。评价一个图书馆的馆藏文献不是越多越好，而是看能不能最大限度地满足用户的需求。高校图书馆的基本职能是为教学和科研服务，馆藏建设应以学科专业建设为目标，为用户提供本学科专业门类齐全的文献资料，最前沿的专业文献信息、动态。具体到音乐专业不仅要有丰富的乐谱资料、本学科专业与交叉学科有关的理论书籍，还要有种类繁多的音像资料、数字化的音乐电子资源，以满足音乐专业用户的各个层次的需求。音乐是时空的艺术，电子出版物、音像制品、网络数字化资源的音乐资料为表演专业用户提供了生动、形象、丰富的电子资源。所以，音乐专业馆藏建设应重视以现代化信息为载体的电子资源建设。

2.针对音乐学科用户的个性化服务。首先，图书馆馆员要从思想上认识到为学科用户提供优质的服务是职责所系，这样才能从行动上坚持主动服务、充分服务、区分服务、科学服务的原则，“为读者找书”“为每一本书找读者”，使图书馆的文献资料流动起来，发挥其应有的价值。

（1）用户培训。在网络环境下，图书馆的教育职能与情报服务职能可更好地结合，如为用户举办讲座和培训班，普及网络知识和检索技能，介绍上网常见问题及解决办法，推荐优秀网络搜索引擎等。这种服务的结果，就是提高了用户自我服务的能力，图书馆的情报服务职能也因此得以实现。山东艺术学院图书馆每年都会为新生开设图书检索课，使新生尽快地熟悉图书馆。从到馆用户的情况来分析，有大部分学生并没有利用好检索课，所以图书馆不仅仅满足开设这门课，还要检验效果如何。

（2）节约用户时间。本院音乐学科的用户在检索文献时，为找某个乐谱经常要花费很多时间，而图书馆的检索系统只能完成一级检索，还没有细化到检索某个乐曲。图书馆要建立一套完善的馆藏文献信息检索体系，使用户能更快更好地检索到所需文献，这就要求检索系统不仅要讲究科学性，还要讲究方便，节约用户到馆时间，充分体现“以用户为中心”的服务理念。

（3）建立功能齐全、设备完善、环境优良的视听室。本院图书馆开设视听室已经很多年，最近几年利用的用户明显减少，高科技的更新换代使学生对视听设备的要求也提高了，而因为资金的紧缺，图书馆视听室并没有大的发展。基于音乐学科的发展建设，一流的图书馆视听室的建立将是以后的发展趋势。

3.建立音乐学科服务机制。图书馆学科服务是学科馆员与学科文献、学科读者之间展开的“你来我往”的互动对话。通过学科馆员开展学科服务，是图书馆为高校教学与科研提供的最有针对性和对话性的文献信息服务。艺术院校图书馆应尽快建立相应的学科馆员制度，成立学科馆员团队，利用走访、QQ群等形式，了解音乐学科的文献需求、服务要求，加深与院、系之间的沟通，建立音乐学科—音乐文献—音乐学科馆员之间的对话，为音乐学科提供个性化的服务创造更好地平台。

参考文献：

[1]曹理著,何瑞碁整理.曹理音乐教育文集[M].上海:上海音乐出版社，2000.

[2]张雄编译.西方早期音乐图书馆概述[J].音乐艺术,2009,(03):125.

第8篇：音乐学专业可论文范文

中国传统音乐实践相脱节中国实行九年义务教育之前，农村孩子大多不读书，很多都去学戏、学民族器乐、学说唱音乐等，以备日后谋生之用。从这个意义上说，中国传统音乐的传承者和受众都很多。自实行九年义务教育以来，农村不接受学校教育者越来越少。接受学校教育者中，成绩较好、能考取大学者一般都不回去农村工作生活，音乐专业人士亦是如此。即使回农村工作的音乐专业毕业生，由于在高校受到的西方音乐的熏陶或其他原因，也极少能成为中国传统音乐的活体传承者。不妨说，传统音乐的传承链发生了危机。传统音乐的后继传承者能去学校接受教育是社会的进步，但相关部门没有做好传统音乐传承的衔接工作，对传统音乐造成了极大的打击。随着时代和形势的发展变化，没有及时、相应的政策调整，导致传统音乐的传承链条逐渐走向断裂的边缘。结合笔者若干年实地调查的经验，山东民间最有活力的传统音乐主要是以民俗音乐为载体而存在的鼓吹乐、戏曲及说唱音乐。菏泽有多家不同规模的唢呐学校及戏曲学校，去学习者基本是成绩较差或者家庭条件不好的农村孩子。学生要学量的传统曲牌，学习过程中也常被带去“上事”练习演奏。对农村学生而言，练习几个月就可以参与“上事”挣钱，是非常划算的职业。唢呐学校曾经办的相当红火，培养了大批的学生分布于山东省各地的农村及部分城镇。

但近年来，由于打工挣钱更快更多更体面(由于历史的原因，至今还有很多人觉得唱戏、吹喇叭等音乐行业的职业地位低下，不体面)，且不用饱受冬冷夏热之苦。故，学习唢呐的学生人数远不如从前多。戏校也曾经办的很红火，但目前，山东多数戏曲剧种在演出、剧目、演员等环节之间也流通不畅，逐渐形成恶性循环，戏曲学校的招生也日益陷入困境。说唱音乐如山东琴书、山东花鼓等曾盛行一时的说唱音乐比鼓吹乐和戏曲境况更惨。山东琴书和山东花鼓的艺人中，最年轻的传承者目前都已50岁左右，目前来看，尚未找到下一代传承者。由于山东琴书在菏泽学院音乐系已成必修课，总体情况比山东花鼓会好很多，但毕业后的琴书专业学生也少有以此为业者。高校音乐教育中以西乐为主的内容也在一定程度上影响着中小学的音乐教育内容，所以现实情况是，学校音乐教育使音乐学习者逐渐疏离我们的传统音乐。一个多世纪的西方音乐体制为基础的音乐教育结果，使得很多音乐学习者的审美观发生了变化，这也影响中国传统音乐的传承者和受众人数逐渐缩减。对中国传统音乐的研究者而言，在本、专科阶段所受的音乐理论教育无法为其提供研究的理论基础。需要相关中国传统音乐的理论方法时，基本都需要现行学习，可以说是“现上轿现扎耳朵眼”。黄翔鹏提出:“所有的音乐学子，当他开始接受音乐教育，吸吮基本乐理的第一口乳汁时，A、B、C就把欧洲十八、十九世纪以大小调体系为基础的理论知识，当作普遍真理灌输给他。先入为主的训练迫使他今后在分析或处理中国传统音乐的作品时必须另下十几、二十年的自学功夫，才能跳出原有的樊篱，甚至终生格格不入，而强把中国音乐放上达玛斯忒斯(Damastes)的铁床，不拉断骨架就予斫头削足。”［3］即是说，中国高校音乐教育和中国传统音乐的实践相脱节。这种脱节现象会给研究者造成很大的困扰。笔者在研究中国传统音乐的相关问题时，曾深刻体会到没有“利器”而无法“善事”的苦恼。据悉，不少前辈及同仁也有过类似体验。

二回首:中华母语音乐教育的

呼吁及行动早在1942年，杨荫浏已经意识到了中西音乐交融产生的问题端倪，提出了重视国乐的呼吁。他在《国乐前途及思考》一文中说:“若过去本国人们，对于国乐曾早些给与过足够时期的相适注意的话，那么，这个时期，应当早已临到。事实上，可惜没有。于是乎我们便不得不从这个时候，做准备工作的开始。在开始已太迟了的准备工作中间，我们对于国乐，便不得不给予特殊的注意，它的程度，应当随着完成的阶段而随时改变。……原因是如此，交融的不同文化因素，因交融以前各因素，独立基础的强弱，和它准备工夫的充分与否，会形成种种不同的交融结果。全无基础，全无准备的因素，在基础稳定，准备充分的因素之前，会全被压倒，而形成被并吞被消灭的现象。以国乐而论，当前的情形是如此:我们自己还没有充分准备，世界音乐的力量却已非常强大，我们若再不准备，便只有让整个世界音乐，逐渐地来淘汰或排挤了这仅存的一些国乐成分。因此，我们必须准备。但准备的当儿少量的渐次的发见、归纳和发展，似乎很难抵挡得住世界音乐磅礴的潮流”［4］。迄今，七十余载已逝，视今日中国传统音乐发展现状，比先生当年所言更有过之。虽说中国音乐教育界诸多人士都意识到了中国传统音乐的危机，也采取过一定的措施，但仍没有从根本上解决问题。20世纪90年代初期，部分音乐学家已经认识到中国传统音乐将要面临的危机，并指出，化解中国传统音乐危机的关键在于音乐教育。相关论文有苗晶的《中国传统音乐在学校音乐教育中的地位》、沈洽的《二十世纪国乐思想的U字之路》、王耀华的《中国近现代学校音乐教育之得失》等。1995年12月，国家教委艺术委员会、中国音乐家协会音乐教育委员会联合主办了“全国第六届国民音乐教育改革研讨会”，研讨会的主题为“中华文化为母语的音乐教育”。一大批音乐学家参加大会并发表了精辟论见，从相当的理论高度为中国音乐教育的发展提出了可行性建议。此次会议的召开，可以说中国音乐教育和中国传统音乐传承的问题在中国音乐界已引起了普遍性的重视。

相关论文有:王耀华的《根，深扎于中华文化的土壤———中华文化为母语的音乐教育》、张启珩的《母语:根基和未来———论中华文化为母语的音乐教育》等。所谓中华文化为母语音乐教育的目的及意义为:“中华文化为母语的音乐教育，不仅仅是教材曲目中的民族音乐曲目的数量问题，其根本之所在是音乐理论体系和音乐教育体系的问题。因此，中华文化为母语的音乐教育的当务之急是建立自己的中国音乐理论体系。”之后，诸多音乐学者又从不同的角度对中华文化为母语的音乐教育不断“旧事重提”，同时有些音乐家不畏艰险，身体力行，于实践中苦苦探索建立中国音乐的理论体系之路，并做出了一定的成绩。这方面，杜亚雄可谓“第一个吃螃蟹者”。早在1995年，其《中国民族基本乐理》就已出版。2004年，经修正，以《中国传统乐理教程》为著作名称再次出版。2004年另有多部音乐理论著作问世，如，王耀华主编的“中国传统音乐丛书”(8本著作)，其中有《中国传统乐学》、《中国传统音乐律学》、《中国传统音乐乐谱学》、《中国传统音乐结构学》等;童忠良、崔宪等编著的《中国传统乐理基础教程》;李吉提著的《中国音乐结构分析概论》等等。上述成果可以说是建立中国自己的音乐理论体系的开端，其目的性可用王耀华的观点说明:“作者们都在试图探索用中国人的思维方式、局内人的音乐观念、中国人的话语体系，来研究中国传统音乐理论”以中华文化为母语音乐教育的呼吁声一浪高过一浪，在音乐教育中确立中国传统音乐主体地位的理念在中国音乐学界也基本达成了共识。纵观中国高校中的音乐教育，虽然对中国传统音乐的关注有了很大的改进，但中华文化为母语的音乐教育理论尚未付诸实践。中国传统音乐在民间基本还在自生自灭，随着老一辈民间艺人的谢世，中国传统音乐的曲种、剧种及乐种的活体传承还在日渐减少。中国传统音乐的传承及发展亟待大批音乐学子的加入，实行高校音乐教育改革已经是非常迫切的任务。

三展望:让中国传统音乐成为

高校音乐教育的“主旋律”在多元文化并存的当今时代，任何一种文化只有立足于民族传统的根基，才能自信地走向世界，突显自己的特色。“柯达伊认为，民族文化是民族本性、民族尊严、民族意志的标志。民族音乐文化是民族本质最完美的音乐表现”。“中国高等音乐教育的目的性之一，应使学子们增强对中国音乐文化传统的认同感。认同的基础是认知”。要使中国传统音乐在世界音乐文化中站稳脚跟，就需要让中国的音乐学子对之有正确的认知。《孙子•谋攻篇》有言:“知己知彼，百战不殆;不知彼而知己，一胜一负;不知彼，不知己，每战必殆”。如果我们不了解自己的传统音乐，在多元音乐文化大潮的冲击下，恐怕只能面临被压倒的命运。当下，中国传统音乐的种子正在通过各种途径撒向世界各国并落地生根。

作者：周景春 单位：福建师范大学音乐学院

如中国古琴、京剧及其他民族乐器在美国等国家已日渐吸引了更多的学习者，很多学琴者甚至研究者都是非华裔血统人士，他们认为古琴文化独特并充满哲理。越来越多的外国人都已意识到中国传统音乐文化的优势和文化内涵的厚重，我们自己还能继续蔑视自己的音乐文化而仰视他国音乐文化吗?如此，恐怕就是“抱着金饭碗要饭”了。印度的学校音乐教育很值得我们借鉴，他们不设钢琴等西洋乐器课程，只让学生学习印度传统音乐，所以很多印度音乐家既是传统音乐表演艺术家又是研究者。他们音乐教育的内容和传统音乐保持一致，完全不存在传统音乐濒临危机的现象。印度也提倡多元音乐文化，但学校音乐教育中始终保持传统音乐的主体地位。音乐文化具有特殊的社会功用，让接受音乐教育的每个学子都能从内心感受中国传统音乐的美，让其理解中国传统音乐所承载的厚重的文化底蕴。如此，不但可以增强其对音乐文化的自信心，还有助于增强其民族自豪感，还可以更好地培养其爱国主义精神。故此，在高校音乐教育中确立中国传统音乐主体地位的重要性不言而喻，然而其难度也可想而知。从杨荫浏呼吁“对国乐进行过度关注”至今，几代音乐学家们已呼吁了七十余载。而且不少音乐学家通过艰辛的劳动，为重建中国传统音乐的基本理论做出了开拓性的实践贡献，如前所述的杨荫浏、黄翔鹏、杜亚雄、童忠良、王耀华、李吉提等。目前来看，进行高校音乐教育改革，虽说还不至于“万事俱备”，但从理论和实践方面为“东风吹来”还是作了一定的准备。从教育部制定的《艺术课程标准》也可看出从国家层面对中国传统音乐的重视。如，2001年，国家《艺术课程标准》中即指出要使学生“形成对本民族文化的认同、热爱和对多元文化的尊重，参与文化的传承与发展。2011年《艺术课程标准》又明确提出:“艺术课程是一门综合课程，它继承和发扬中华民族诗、歌、舞、画为一体的‘乐教’传统，促进学生艺术能力和人文素养的综合发展，对社会主义精神文明建设具有重要意义”。

第9篇：音乐学专业可论文范文

关键词：公共音乐教育 培养模式 培养目标 课程设置

我国普通高校公共音乐教育事业的发展与世界上比较发达的国家相比，在整体发展水平上存在着一定的差距，但就整体来说发展方向是一致的，即公共艺术教育被认为是培养全面人才的教育、是促进社会进步的教育。公共音乐教育对于增强学生学习兴趣、完善知识结构、促进其他学科学习等方面起到了不能替代的作用。而普通高校公共音乐教育的发展，与公共艺术师资队伍水平息息相关。师资质量关键在于要有一个合理、科学的师资培养模式，普通高校公共音乐教育方向在职研究生培养模式和普通高校公共音乐教育方向统招硕士的培养模式，这两种研究生层次的培养模式在一定程度上提升了普通高校公共音乐师资的整体素质，而且也缓和了公共音乐师资匮乏的矛盾。虽然目前的公共音乐师资培养模式在特定的时期都发挥了积极的作用，但随着普通高校公共音乐教育的快速发展和对公共音乐教育的师资素质要求的不断提高，我国普通高校公共音乐教育现行师资培养模式将会出现种种不适应的状况。

在普通高校担任公共音乐课的教师，大部分是音乐学院、艺术学院及综合大学的音乐系和高师院校培养出来的师资。在这其中，音乐学院的培养目标是音乐表演型人才、高师院校则是中小学音乐教师的摇篮，这些院校的培养方向并不是高校公共音乐教师，但是因为长期以来培养模式的单一化，很大一部分本科毕业生进入到普通高校，担任公共音乐课的教学工作，成为我国长期以来普通高校音乐教师的主要来源。我国音乐学院、艺术学院及综合大学的音乐系和高师院校多年来，基本上采取的是专业为主的课程体系。形成了课程体系知识面较窄，侧重于专业性的特点。而普通高校音乐教育工作要求教师不仅专业突出，还要有丰富的教育理论知识和文化知识，也就是高校公共音乐教师需要具备较强的综合素质。所以，不能仅凭专业技能的优劣来衡量一个公共音乐教师水平的高低。我们要正视这一学科的特殊性，要培养大批高素质的公共音乐教育师资，一定要转变过去的师资培养模式，创建多元化的教师培养模式。

一、拓宽普通高校公共音乐教育的培养途径

随着公共音乐教育越来越受到重视的今天，现有的培养模式已不能满足普通高校公共音乐教育更多的需要，首先：

（一）音乐本科阶段增加公共音乐教育专业，为培养研究生等高层次人才做好铺垫

目前，在我国音乐教育本科阶段还没有一个培养目标是针对普通高校公共音乐教育这一新兴学科，尽管研究生的培养阶段有，但是这根本满足不了全国众多的普通高校的需求。而且，很多在普通高校担任音乐课的教师本科阶段的学习根本不了解这一学科，更谈不上对普通高校音乐教育这一学科的目的、研究对象、研究方法等等的相关知识的学习掌握。他们都是担任了普通高校公共音乐教师以后，才开始了对这一学科进行学习摸索，进入研究生阶段才开始了对这一学科的系统学习。如果在本科阶段增加这一教育专业，或者增加此类课程的选修，那就给研究生阶段的学习打下了良好的学科基础，那样的话我国普通高校音乐教师的质量也会随之提高，那么普通高校公共音乐教育的发展就有了有力的保证。

（二）在全国有条件的院校推广首都师范大学普通高校公共音乐教育方向的统招研究生培养模式

首都师范大学的公共音乐教育方向的统招硕士招生点在全国是仅有的，这一模式的尝试非常成功。但是就全国范围来说，仅靠这一所院校的培养力度是完全不能满足全国普通高校的需求的。现实情况是全国普通高校并不是所有的院校都开设了公共音乐课，有的虽然开设了，却处在一种散漫、不受重视的状态。所以，教师的缺口还是存在的，一线上高校公共艺术教育的教师并不够，远远达不到教育部文件中规定的：高校公共艺术教师与学生总数之比为千分之一点五至千分之二这一比例。所以，还需要加大高校公共音乐教师的培养力度，最重要的是培养高规格的公共音乐教师。

招收公共音乐教育方向的统招硕士，是培养高素质公共音乐教师的最好渠道，到目前为止，只有首都师范大学音乐学院在招收，这样的培养面太窄，培养速度无法跟上。所以，在全国有条件开展这一工作的招生院校推广此模式，为我国普通高校培养公共音乐教育的专门人才是符合教育发展规律的，最重要的是加快了培养高素质的高校公共音乐教师速度，促进了普通高校公共音乐教育的全面发展。

（三）加强普通高校公共音乐教师的继续教育工作

普通高校公共音乐方向在职研究生已经停招，考虑其公共音乐教师的继续教育是非常有必要的。笔者认为，首先可以改进普通高校公共艺术课教师在职攻读硕士学位的招生办法、攻读形式等。研究生课程进修教育肩负着社会先进生产力发展要求的责任。所以，职后培训的形式值得我们去思考。要充分认识到，普通高校公共艺术教育职后培养教育工作的开展和加强，不仅是一项可行的而且是必须的长期工作。可以开展丰富多样的教师教育，既可以是攻读学位的进修学习，也可以是其他形式的短期培训、讲座，还可以是访学、函授进修等等，以及非正式的研究与团体工作、网络学习、教学观摩活动和出国考察等方式。这些多样化的培养形式丰富了公共音乐教师职后培养形式，可以多级别、多层次、多渠道地为普通高校培养具有一定的公共音乐教育理论水平和较强的公共音乐教育能力的专业教师队伍。

二、创建多元、灵活的培养模式

在具体操作中，可灵活实行公共音乐学科教育加音乐教师专业教育的培养模式。比如： 4+1（4年音乐专业教育1年公共音乐学科专业教育，毕业时获双学士学位）、3+1+2（3年音乐教育， 1年到普通高校实践教学， 2年普通高校公共音乐专业研究性课程学习，毕业时获教育硕士学位）、4+2（4年音乐教育， 2年教师专业和高校公共音乐教育，毕业时获教育硕士学位）、4+3（4年音乐专业教育，3年普通高校公共音乐教育的研究性课程学习，毕业时获硕士学位）等多种形式。当然，这只是一个建议性尝试性的框架，是一种改革的思路或引示，各培养院校可以根据学校的具体情况进行选择和调整。

（一）本硕连读即4+2模式

本硕连读即4+2模式，主要指学生在获得学士学位后，进入到专门的师资培养机构进行教师教育的专业学习，最后授予硕士学位。4+2”教师教育培养模式是指在本科学习阶段，完全按照音乐专业的培养模式，接受专业知识的学习；本科学习结束后，经过一定的筛选程序，继续学习公共音乐教育教育这一方面的系统知识、当然还包括心理学、学科教学法的研究生课程，最后撰写专业论文，获得硕士学位。4+2培养模式可以改善培养规格，提高师资的质量，从公共音乐专业、教育专业、音乐专业三方面加强对未来普通高校教师的培养，使未来的高校教师能够胜任工作。这种模式培养了高水平、高层次的公共音乐教师。同时，这类毕业生专业知识学得充分，又懂得教育，最重要的是对普通高校公共音乐教育方向的知识进行了系统的学习。这样的话，进入普通高校就能很快的适应教学实践。

（二）本硕连读即4+3模式（4年音乐专业教育，3年普通高校公共音乐教育的研究性课程学习，毕业时获硕士学位）这种本硕连读的方式首先在本科学习期间，按照音乐专业的培养模式接受本专业的训练，本科学习结束后，经过一定的筛选程序，继续学习公共音乐教育教育这一方面的系统知识、也包括心理学、学科教学法的研究生课程，最后撰写与之相关的论文，获得双证。这种本硕连读的培养模式也会为普通高校音乐教育培养一批高素质教师。

三、建立普通高校公共音乐教育的专业培训机构

目前，师范院校综合化和非师范院校设立的教师教育的状况，教师培养呈现出多元化发展趋势。为了突出公共音乐教师教育专业特色，提高其专业质量，建立如西安音乐学院筹备建立的专为高校培养公共音乐师资的教育中心（名称暂定为“西安音乐学院第二师范系”）是非常有必要的。这个中心的建立，为普通高校公共音乐教育提供了专业的培训机构，将会为全国的高校解决一批公共音乐师资问题。而这一专业的培训机构也是值得各个培养师资的院校所借鉴的。此外，可以利用院校设立的专业的培训机构来开展公共音乐教师的岗前培训，上岗前在培训机构培训一年，取得相应的培训证书。 以此充分发挥专业培训机构的作用。

四、关于招生录取标准的思考

目前音乐教育专业的考试录取方式延续着多年来专业院校的传统方式，侧重于学生专业音乐技能的考核，而对学生文化素质的考核不足。因为音乐表演专业的传统考试办法有其针对性，他要为社会培养出高水平的音乐表演人才，从这个角度来说，学生的专业素质高水平要求是必须的。因此，对其文化课考试分数要求较低也是可以理解的。然而，这种现有的选拔演唱、演奏高水平人才的考试方式对以后要从事普通高校音乐教育工作的学生是不适宜的。

普通高校的音乐教师面对的是思维活跃的大学生，通过公共音乐艺术教育要培养大学生健康的审美情趣和审美能力，陶冶道德情操，开拓思想视野，培养创新精神，提升人格修养，促进身心全面。这一系列的培养目标就要求公共音乐教师本身就具有较全面的知识结构，普通高校公共音乐教师的培养模式要求学生要成为跨学科型的教师，这就与招生标准产生了矛盾。那么只有改革考试标准，才能满足普通高校公共音乐教师培养模式对生源素质提出的新要求。如何才能招收到具备高校公共音乐教师潜质的学生呢，首先要做的就是重视文化课的成绩，提高文化课的录取分数线；其次可以增加一些考试科目，如：艺术综合知识等等；另外，也可以在录取的学生里挑选适合从事公共音乐教育工作的，可以进行考试，考察综合素质，最后择优录取。

五、构建普通高校公共音乐教育师资培养的课程体系

培养目标是通过各个具体的教学目标落实到教学活动中取得。为了培养合格的公共音乐课程教学的师资，制定相应的课程方案，建立课程体系是非常重要的。

（一）统一普通高校公共音乐教育的课程标准，明确培养目标

普通高校公共音乐教育的师资培养中缺少统一的课程标准，如全国普通高校公共音乐教育方向在职研究生培养模式，承担培养任务的一共有13所院校，但是课程标准却存在很多不同。所以，缺少统一的课程标准必然导致各个培养学校各自为政，根据自己的理解和本校师资的实际情况设置课程，而不是完全按照普通高校公共音乐教学的需要设置课程。所以，要完善公共音乐教师培养的课程设置，必须统一课程标准，各个培养单位在这个课程标准的框架内，应根据本校实际情况作适当的调整，以此解决课程设置较为随意的问题。

普通高校公共音乐教育专业培养目标的定位应该是符合公共音乐教育专业特点的人才，不是培养技艺高超的音乐表演人才，更不是侧重于专业能力的中学音乐教师。培养学校只有具备明确的培养目标，才能合理设置课程，培养出高素质的普通高校公共音乐教育合格师资。

（二）改革课程内容，紧扣培养目标

普通高校公共音乐教育对象的特殊性要求教师的工作需要一套特殊的教育知识体系，其课程内容应该紧贴普通高校教师教育的实际。

一般来说，教师应该具备的知识内容，为普通文化知识、教育理论知识、专业学科知识三大块。对于高校公共音乐育的教师在课程结构上要求需要接受教育理论知识教育、公共音乐学科专业教育和通识教育。

教育理论知识是一个合格教师所必备的，但实际情况往往不被重视。教育理论知识包括学科的体系框架、技能技巧知识、基本理论知识，以及学科的背景知识和发展方向等。要成为一个合格的教育工作者，对普通文化知识的掌握也是非常重要的。这样的教育课程具有陶冶人文精神、提高人文素质的内在价值。它给教师带来深厚的文化底蕴、扎实的人文基础、广阔的视野、高品位的素养。它们对提高教师的综合素养、教学质量以及教师形成正确的世界观和价值观等都有着实际意义。

对于从事普通高校音乐教育的教师来讲，教育理论知识是基础，音乐学科知识是教学的主线，而其他普通文化知识则是使音乐教育全面提升的保障。缺失教育理论知识就会违背了教育的基本规律；缺乏音乐学科知识则会缺失音乐教学的实际意义，音乐艺术教育就会干涸枯竭；缺少了其他普通文化知识的补充，音乐艺术教育将会失去了光彩。所以，文化素质低的的音乐教师来从事教学工作是不可能获得成功的。

综上所述，普通高校公共音乐教育一定要走专业化培养道路。首先，重视公共音乐专业这一学科，把握普通高校公共音乐教师的职业特点，与别的专业教师培养相同的力度。其次，拟定合理专业标准，包括公共音乐教师标准、公共音乐教师质量标准、公共音乐教师教育课程标准和公共音乐教师教育机构资质认定标准。我们应当认清教师是教育的第一资源，各个专业的发展离不开师资队伍建设，而师资队伍的建设首先要有一个合理的师资培养模式作为基础。所以，构建普通高校公共音乐教育师资培养模式是公共音乐教育发展的基石。高校需把师资培养当作首要任务来抓，给以合理的指导，并且认真对待，落实好培养的各个环节，寻求更好的培养模式。

参考文献：

[1]王安国.从实践到决策――我国学校音乐教育的改革与发展[M].广州：花城出版社，2005.

[2]郭声健.音乐教育论[M].长沙：湖南文艺出版社，2004.

[3]北京当代师范教育研究院.中国当代教育研究[M].北京：中央文献出版社，2002.

[4]曹理.音乐学科教育学[M].北京：首都师范大学出版社，2000.