当代手工艺论文精选(九篇)

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第1篇：当代手工艺论文范文

一、从精英审美走向大众审美

基于西方大众文化影响、渗透下逐步发展起来的中国大众文化，其又立足于中华民族传统文化的基础上，而且还可以做到与当代中国其他文化形态并存。根据对其特点进行分析，主要体现为以下几个方面：一是中国大众文化包容西方大众文化，而且将西方大众文化当成其重要的文化资源；二是传统的中国民间通俗文化将丰富的历史文化资源提供给中国大众文化；三是中国大众文化利用与改造精英文化，在精英文化与大众文化两者之间做到相互影响、相互渗透，有相当一部分经典的精英文化作品凭借相应的加工改造之后则发展成为大众文化的有机构成部分；四是主流文化运用于渗透中国大众文化。大众文化作品将国家的法律法规、社会道德规范等隐含其间，从而导致大众在文化娱乐的过程当中还可以对相应思想道德教育获得。大众审美文化的出现使得文化更好的走向大众，从精英、贵族中走向普通老百姓中，使文化的享有权转向多专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net数人，这也是符合我国主流文化的民主性和科学性要求。

大众文化已成为中国人的日常生活当中不可或缺文化现象构成，其拥有的作用于地位显得越来越重要。艺术家所处的社会文化语境产生艺术，决定了艺术家的创作动机应该是从民众中产生，欣赏与使用的过程则是“回到群众中去”的一个完整审美过程。

二、从技术走向艺术

技术与艺术的首场创造性革命来自于包豪斯设计学院的尝试，近一个世纪过去了，包豪斯所创立的设计理念为后世奠定了理论基础与实践的科学方法。进入21世纪后，设计与艺术结合的愈来愈紧密，在民众的生活中扮演这重要角色，它不仅完成了对批量机械化产品转型，同时引导并启发着大众对于生活美得思考和理念。当工业化脚步迈入陶瓷艺术领域，使得现代陶瓷艺术逐渐失去了往日手工制造，相对地，人性化、艺术化的设计更加受到人们的青睐，这是一场来自于设计艺术的自我革新，与科学技术发展与制造工艺关系甚微。

从当前的陶瓷艺术发展的现状不难看出，陶瓷批量化的生产已经渐渐使人们审美疲劳，相反，大众更加喜欢形式考究、注重欣赏陶瓷艺术人工性、手工艺的本质。陶瓷艺术的这种转性变化看似突然，实则必然。早在20世纪70年代，西方学者就提出，由于当前高科技、高机械化和电子时代的来临，人们在享受这种便利的同时，往往使用需求与生活情感需求相失衡。奈斯比特在《大趋势——改变我们生活的十个方向》中写道：“无论何处都需要补偿性的高情感。我们的社会里高技术越多，我们就越希望创造高情感环境，用技术的软性一面来平衡硬性的一面。”在这里奈斯比特所指的“高情感”即是符合艺术美的生态设计和符合手工艺术之美的艺术之美。而当前备受推崇的“创意手工陶瓷”则是此类具备高情感设计的代表，创意手工陶瓷脱离了当前机械化生产的模式，进入了小批量个性化设计领域，更加注重汲取手工艺造物的情感特点，使其具备设计与工艺的双重艺术美。

三、从地域走向国际

任何文化只要有历史，就会有传统。这种文化传统包含着深厚的民族心理、道德风俗以及社会意识形态，随着全球经济一体化进程的推进，民族文化间的交流日益加深，中国陶瓷艺术也逐渐展现出国际化的创作特征。

我们谈到陶瓷艺术创作设计中，已趋向于国际化设计的品相。首先在造型上选取西方日用瓷设计之长，其次，在装饰设计上，将西方设计理念和部分元素符号与中国传统纹样相结合，有着较高的审美趣味。企业需要推广品牌，出口外贸需要符合对象国大众审美习惯，这是这一变化的直接原因，同时民族间的文化交专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net流促使现代设计朝向多元化、人性化、艺术化的方向发展也是现代设计的大趋势和必然。

陶瓷艺术从地域走向国际的另一个因素便是传播媒介的扩大，拉近了中外艺术的距离。改革开放后，中外导演学者筹划并只做了许多有关中国陶瓷艺术的纪录片，其中卓有影响的有董浩珉《瓷路》和央视跨国打造的纪录片《china 瓷》等。《瓷路》摄制组辗转欧亚两地，在世界范围内探索中国古代陶瓷的影子，在中外陶瓷艺术爱好者中产生了巨大的反响。此外，《china 瓷》这部纪录片联合了英国大英博物馆、英国瑰丽维多利亚与艾博特博物馆与中国国家博物馆一道，设计组从中国外销瓷为主线，足迹踏遍欧亚8个国家和重要港口，此次纪录片在摄制和交流活动中无不体现出陶瓷艺术国际化合作的特征。此外，在现代陶瓷交流活动中，一些针对外贸的企业针对自身产品特色与出口国人文特点等拍摄了大量的宣传片投放于外文网站，对于促进企业进步与世界陶瓷文化交流具有双重意义。以陶瓷为创作动机的电视剧电影的制作也是陶瓷艺术国际化的重要媒介之一，例如热播的电视剧《大瓷商》和《剩女的代价》都是以陶瓷艺术为剧情主体，不仅在大陆范围内深受喜爱，在台湾地区、韩国、新加坡等南亚地区亦有较高的收视率，这种软性文化输出，将中国陶瓷的风貌潜移默化的带给观众，使得中国陶瓷国际化的影响力更加深入人心。

四、从传统图像提升到当代创作

（一）重构扩大了中国传统图像语言

传统图像包括纹样、图腾符号、民间美术以及具有民族审美特质的具象画面或艺术语言。中国历朝的图像内容都有所不同，或有创新发展，或有倾向性探索，作为一门开放性学科，有着自身的发展格局，但总体而言，传统图像语言总是与中国民族的审美意识形态息息相关的。现代陶瓷艺术创作在画面装饰中，注重突破传统，在把握图像基本构成原理上将传统的图像符号进行拆分重构，从而形成了现代陶瓷艺术创作装饰的新风貌。例如学院派代表陶艺家秦锡麟的作品，在图案运用上不拘一格，善于提取中国传统图案中的经典样式进行分割，且以手工胎质泥性特点构成独特的点面装饰，具有强烈的民族装饰意味和艺术美感。

（二）二是将传统图像综合为民族艺术符号运用到创作中

从文化学层面而言，中国传统图像并不仅仅作为一种具象的可识符号为传承的，它更多是作为一种民族心理与审美自觉共同作为中国文化体系的一部分，构建成为完整的民族文化体系。在中国传统图像的形成与发展过程中，亦有着其严密的科学步骤和意象考究。现代陶瓷艺术创作并不仅仅依靠有形的图像语言为创作元素专业提供论文写作、写作论文的服务，欢迎光临dylw.net，艺术家逐渐从图像中去寻找中国文化脉络的本源，将图像符号演化为一种民族精神的自觉，从更深层次探源陶瓷艺术与中国文化的关系。例如景德镇乐天创意集市中某仕女茶具装饰中，作者选取了中国仕女这一传统形象，但从具体的形态设计上，突出了现代、趣味的艺术特征。

参考文献：

[1]尼古拉斯·佩夫斯特.现代设计的先驱——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯.中国建筑工业出版社，1987.

第2篇：当代手工艺论文范文

【论文摘要】 中国的广告设计起步较晚，随着市场经济的发展广告业的繁荣使整个社会对广告设计者的关注空前提高，目前针对广告从业者需要那些知识体系问题，在此进行了探讨。

一、当前广告设计人才的现状

广告设计是一门实用性学科，广告设计是以综合为手段，以创新为目的思维过程。这就要求作为一名广告设计师，必须具备多方面的知识与技能。早在1919年包豪斯为了适应现代社会对设计师的要求，明确了他的教学原则：设计师必须先经受实际工艺训练，既要掌握手工艺，更要了解现代工业生产的特点，用手工艺的技巧创造高质量的产品设计，提供给现代化工厂大规模生产。培养学生既有理论素养和造型能力，又要能够动手制作，学校设计教育与社会生产结合，提倡“艺术与技术的新统一”。并开创了类似三大构成的基础课。随着社会的进步，最主要的趋势是社会分工越来越细，对从业者提出了更高的要求。但时至今日，大多数广告设计师仍主要以美术和平面设计方面的知识为基础，基本都是围绕着构思、创意、构成要素、色彩、字体、版式等在各种类型的平面广告商运用和表现主题，缺乏广告设计创意人才所必须的跨学科、跨媒体的思维和创造能力。

二、多元化的知识结构

广告设计行业是一个充满创意的行业，它需要从业者具有渊博的文化知识、精深的专业知识、丰富的想象力、创造力以及良好的职业道德。

1．美术基础知识。广告设计相对而言是一种特殊的图形符号，具有艺术和文化双重性的特点。广告设计是一门综合性的学科，是文化艺术与数码技术相结合而产生的一门交叉学科，广告设计者，不仅需要有较好的美术理论知识和丰富的专业知识，还应该具备心理学、营销学、社会学、人类学、美学等多方面的知识和修养，对于广告设计都是需要的，设计的本质是创造，设计创造始于设计师的创造性设计思维，系统的掌握美术理论基本知识，能具有比较宽广的人文社会科学及美学视野，了解广告设计的基本研究方法，以及拥有认识和分析设计市场的能力，是对当代广告计工作者提出的素质要求。广告设计专业具有很强的综合性、广告设计成为介于传播学、艺术和科技之间的综合性学科。当今的广告设计艺术已进入多元化时期，如何更好地把握设计动脉，突出特色，广泛的社会知识会发挥着举足轻重的作用。特别在当今信息化、数字化走向大众的情况下，要求广告设计人才不仅要时刻关注本专业的文化知识发展，更要了解与设计息息相关的知识。这样才能随着时代的进步不断提高自己的设计水平，不断有新的设计。

2．艺术与设计专业知识。设计与艺术有着与生俱来的亲密关系，设计专业知识是广告设计人才知识结构的主要部分，其内容既有理论要求，又有很强的专业性和操作性。从大的方面讲，设计专业知识主要包括造型基础技能、专业设计技能和相关理论知识。从小的方面讲，更具体的是传播学、广告学、市场学、心理学、印刷工艺等。随着社会的需要，科技的进步也为设计师提供了更新的设计技能和手段，电脑辅助设计实际上已成为设计师最有利的武器，贯穿于设计的整个过程。

电脑辅助设计对广告设计发展的推动力可以说是一场空前的革命，电脑辅助设计作为现在信息时代的一个重要组成部分，已渗入到生活的每一个领域，成为各个环节中必不可少的运作手段。而在现代广告设计行业对电脑辅助设计的应用，已基本取代了传统的手工绘制，为设计师提供了一种前所未有的艺术表现空间，更为设计师提供了实现创意的极大潜能。通过电脑辅助技术的应用，简化和加速了创作设计的流程，有着广阔的应用与发展空间。

3．实践经验知识。广告设计是实践性很强的科目，设计如不能接触市场，不实践，难以从现实的层面了解广告，许多设计师对市场调查、消费分析、媒介投放、受众心理、广告效果反馈等操作流程中必须考虑的因素还没有概念，这反映到具体的设计中是对广告作品视觉美感的偏执和不理解市场的创意表现，设计实践是整个设计过程不可或缺的环节，经验不仅是设计师不断积累的宝贵资源，同时也是设计作品的重要保障。不重视实践经验，广告作品就很难站在一定的高度审视正在发生的广告现象及广告带来的社会影响。

在经济高速发展的今天，广告领域也在发生翻天覆地的变化，这也不断加快了广告设计知识的更新，向现在的广告设计者提出了新的要求，即设计人才的培养必须加强实践能力和创新能力的训练，以适应新时代和市场的需要。作为广告设计者来说要不断的学习新的知识，接受新讯息来完善自己的知识体系，是广告设计工作者当前的任务。

参考文献

第3篇：当代手工艺论文范文

摘要：藏壁挂是在藏毯从地面装饰艺术走向墙面装饰艺术的一个升华，是民族文化、民间传统工艺、特染工艺与现代绘画艺术相结合的产物。围绕现代人对民族地区的关注和好奇，根据藏族的地域特征，其工艺特点、艺术特点展开创新性的保护。做到原样传承，又能创新地以新的形式给藏族地区带来社会、经济价值，并增强其文化的传播。

关键词：藏式 壁挂 保护 创新

藏族艺术同其他民族艺术一样，有着其特有的地域环境和人文环境，人们的生活方式、、文化习俗、经济关系、产生的生命意识等都是其产生的必然条件。藏毯的制作技艺源远流长，在由地面装饰向墙面装饰的转化过程中，藏壁挂的制作也形成了自己的一道工序。虽然制作藏壁挂的工序是一成不变的，但是，每幅藏壁挂都是纯手工编织的，由于每个人对细节的处理不同，所以每幅壁挂都是独一无二的，极具收藏价值。

面对以藏壁挂为代表的藏民族艺术，我们不仅要合理的保护它，还要应用创新性的思维去开拓地发展。藏壁挂的精神寓意、文化内涵、造型特征等内容是其保护的实施点也是创新的源泉，如何做到原样传承，又能创新地以新的物化形式给藏族地区带来社会，经济价值、并增强其文化的传播。民间艺术创新要做到在保护其原有的基础上进行，在开发的环节里弘扬民族文化，保护传统。保留原有的优秀传统，但又不局限于原有传统而一成不变，并在突破传统束缚时摒弃不适合于社会需要的东西。

在此，民间艺术的抢救与保护措施，主要体现在对民间手工艺的调查与文化保护，民间艺术品的收藏以及民间艺术品的旅游开发再生三个方面。藏壁挂工艺品的保护也体现出以上的特点并具有创新性。

1.民族用品だ发展与保护

藏区博大的文化吸引着世界人民，这使得藏式壁挂获得众多消费对象，作为藏毯艺术的升华，藏壁挂已成为集装饰、收藏、馈赠为一体的高档艺术品。但是，目前国内综合材质壁画制作尚处于萌芽状态，，藏饰壁画本身的装饰性也很强，综合材质藏饰壁画研究成功将会为文化乃至旅游、经济、社会的进步做出巨大贡献。

围绕藏族的地域特征，现代城市人对民族地区的关注和好奇展开旅游式的生产，可以从几个方面进行策划设计。

（1）藏区用自己特有的东西吸引着四方的客人，除了壮观的自然风景外，最吸引人的就要算那些古老的民族习俗和特有的传统手工艺，这些也构成了来藏旅游的特色。在编织壁挂时，让来藏区对藏壁挂有兴趣的游客观看编织壁挂的流程，听编织人讲每个壁挂上的故事，让游客进行壁挂编织制作的体验，了解藏壁挂的艺术魅力和其独特之处。

（2）保护藏壁挂工艺的基础是保护编制这个工艺的方法，这就需要发现和保护现有的编制的传承人。市政府为藏壁挂艺术家颁发津贴，鼓励他们带徒弟，这也是一种有效的保护手段，保留住了学习工艺、制作工艺的人，就能够留住手艺。传统的工艺包括一些艺术，都是口传心授，一旦传承人过世，就可能销声匿迹。

（3）通过电视、电影、广播等媒介传播传统藏壁挂的工艺、艺术特点，将编制藏壁挂的工艺程序编辑成视频，向大众传播，将高原民族文化艺术通过现代工艺制作展现给世人，满足社会各界和广大消费者对文化艺术高层次的需求和享受，使许多人因此达到了文化增收的目的，更继承和弘扬了高原民族文化。

2. 设计创新 强调引导藏族文化创意

以传统文化为基石，运用现代科技与材质，对藏饰壁画进行现代化升级，保留核心的藏族传统风格，做一些材料上工艺上的改进，使其适合现代化商业需求，新工艺的采用避免了传统藏饰壁画制作周期长成本高的缺点，为文化的传承与发展打开一条新的大道，为寻求低廉的制作成本，运用多种材质进行多重复合试验，用一种取材便利同时兼具环保、无污染、可回收的新型材料同时改进制作工艺，使其能够实现批量化大生产，在藏饰壁画的销售过程中也进行了文化的传播，将藏区文化介绍给世界，让世界更了解中国，为藏区传统文化注入新的活力。

（1）现在市场有的藏壁挂多以唐卡、民族风情、景色、藏族人民生活场景为主，有的地方还别具匠心地将诗词、各大活动和赛事等制作，极大地丰富了内容，而为了更接近高原人民的生活，可以将制作的重点放在‘六字真言’、‘彩粉坛城’、藏族群众日常生活及风情等方面，不仅结合了藏族的元素，形象生动地突出文化和宗教，更是满足了信教人的心理，而且还提供了来藏区旅游的游客多种挑选购买。精心的设计，使其从本身的壁挂功能特征达到旅游纪念意义。

（2）采用不同的材料，创造出新的传统工艺。

壁挂的材料以布和线为主，可以折叠、卷起，但材料具有变形性，不具有长久性。而且最具有藏族特色并且藏族人皆爱的藏银.玛瑙.松石没有融入的壁挂中，虽有藏族特色但不具有代表性。而我们在对藏壁挂的创新时，应考虑到了现有壁挂存在的这些问题。在现有的以布和线为主编织的壁挂，以绘画的形式制作的壁挂的基础上，还可以采用更多的不同的材料来进行制作，或是用更多不同的制作形式来制作壁挂如：用木雕刻出藏族人民的生活场景的壁挂，或是以镶嵌的方法，在制作壁挂的过程中在其中加入了藏银.玛瑙.松石等这些藏族人人皆爱的配饰，使其色彩更加丰富。采用具有藏族特色的综合材质纯手工制作。结合了其他具有表现力的材质。继承和保留了传统工艺文化，也取得了一些新的发展，是传统的壁挂进入了程式化的壁挂模式，同时还引用了藏民喜爱的饰品，使藏族式壁挂文化长盛不衰。

民族文化的创造、传承和发展都是因其存在现实需求，简单的说就是能“为我所用”。藏壁挂具有厚重的历史文化价值感，从其不同的场景中传递出浓浓的现代设计理念。具有绿色环保、简约、社会责任感，这充分体现了当代设计的核心思想。以创新思想来保护藏壁挂是属于当今最好的形式。

参考文献：

[1]《壁画》——张映辉

第4篇：当代手工艺论文范文

【关键词】漆艺家具 室内陈设 应用

中国是世界上最早开发与应用天然大漆的国家，经历了7000年的孕育和发展的漆文化，是历史文化遗产中不可或缺的重要组成部分。漆艺家具是漆艺术的立体表现形式，融合了实用性和艺术性为一体的典型形式，在古典家具中一直独占鳌头。

中国的漆艺家具可以说“雏于商周，丰满于汉代，辉煌于两宋”。商周至三国时期，因当时有席地而坐的风俗习惯，矮形家具成为当时的至宠，此时的漆艺家具种类并不是很多，仅有席、几案、塌等。魏晋南北朝至汉代，矮形家具开始向高形家具过渡，除了家具形态的转变以外，种类也丰富不少，如塌、床、挂屏，还有凳、椅，其艺术表现力从注重实用性转变为以审美为主，漆艺家具以陈设性漆器登上漆艺的舞台，成为室内设计中的新形象。北宋时期，高形垂足而坐的漆艺家具基本稳定。由于漆器的工艺水平与产业规模得到了迅速发展，较完整的漆工艺被移植于建筑、园林装修以及大型家具制作中。直到南宋，由于众多官、私所办的漆工厂店铺的兴起，结合以实用、贴近生活的设计理念为漆艺家具注入了新鲜血液，这一时期的漆艺家具被广泛运用在社会各阶层中，可谓是史上的黄金时期。

时至今日，由于各种原因，遗憾的是漆器已逐渐从现代人的生活中消失，现在漆器只是一门手工艺品、艺术品的方式存在。漆器的装饰纹样上大量使用龙凤纹样，传统图案占领大部分市场，这些图案已经不能满足于现代人的审美要求，也很难符合现代的室内陈设的需求。如今人们很难想到用漆器作为家居陈设品，甚至无人问津，漆艺产品已经退出现代居室行列。基于目前状况，我们应对漆艺家具在传统的基础上加以创新，服务于现在的居室陈设环境，同时对装饰效果进行分析归纳，解读漆艺家具的装饰之美，鼓励现代人重新认识和接纳漆艺家具，进而创造出有中国味道的漆艺家具，走向世界。

漆艺家具设计需要遵从两个原则：（一）家具属于住宅的一部分，不能从单独的个体出发设计，应将家具作为室内空间的一部分考虑，从材质、造型、空间结构上要与建筑相呼应。室内空间的功能决定了陈设品的具体内容，配合特定的空间结构，结合人的习惯，进行布置和装饰，必须要考虑家具陈设品与该室内大环境中的色彩、形状、材质之间的和谐，从而达到局部风格和整体风格的统一。为了使漆艺家具更好地适应现代室内陈设，在设计时要考虑实用性、市场性、审美性，在人体工程学的指导下，家具造型、色彩、纹案装饰以及功能要诠释出现代家具的特色。漆艺家具融入室内环境中要产生视觉美、触觉美、形式美，漆艺家具陈设在内部环境中，通过对器物材质、肌理的处理，要注重外观的视觉美感，形成一个美的、舒适的空间。如一个欧式陈列风格，漆艺家具为了风格统一，在造型上要多运用富有动感的曲面与曲线，在纹样样式上多运用蔓藤纹、贝壳纹、七叶树纹等欧式花纹进行装饰，色彩要多运用些熟褐、赭石、黄色，这样色调才能统一。总之，只有局部服从整体，才算是真正意义上的统一。（二）家具作为与人们生活最贴近的产品，对其要求不仅仅局限于使用功能上，更多的人可能会关注家具与人之间的情感互动。漆艺家具与室内陈设的设计宗旨都本着“以人为本”的设计理念，所以为人服务的漆艺家具在室内陈设中，除了要考虑其基本的功能外，还需要开拓出可以满足人们需求的更多功能。一件漆艺家具在功能上再强大，如没有视觉上的美感也是白搭，所以，漆艺家具的视觉美很重要。漆艺家具的材质也很重要，在绘制漆艺家具时，将使用很多特别的材质，如蛋壳、螺钿、金银箔等，结合大漆完成。不同材质展现不同艺术效果，向人们展现出既神秘又变化莫测，赋予漆艺家具独特的美。

漆艺家具在室内陈设中具有两方面的重要作用：（一）营造丰富有个性的空间。一件成功的家具陈设品是整体空间的灵魂和支撑点，其依附于环境并能用自己的语言来体现环境的整体风格特征、文化意境和审美理念。但在当前社会，伴随着信息化和机械化生产，居住空间呈现千楼一面而缺乏个性。在这种情况下，漆艺家具可以发挥个性，漆艺家具的作用体现在构建室内环境与陈设品之间的协调性，良好的陈设能使空间变得有灵性，空间层次得到丰富，且能感受到主人的品位，赋予空间以灵魂。随着经济和社会的发展，人们的审美也发生了变化，其越来越追求个性化的家具，富于现代装饰感的漆艺家具受到人们热捧。其功能性和风格越来越受到人们的喜爱，往往成为环境中的视觉中心和引领空间气氛的兴奋点，起着强烈和烘托气氛的作用，在造型上与空间各种装饰形态和谐并存，丰富了空间形式美感。（二）营造丰富空间层次。漆艺家具有组织空间、分隔空间、填补空间、扩大空间的作用，在丰富了空间的表现力的同时，还增强了室内环境的艺术趣味，漆艺家具既是一种塑造室内空间的装饰手段，又是人们借助室内空间展现人文精神的一种方式。漆艺家具可以通过造型，如圆弧形的造型可以丰富空间的层次性;还可以通过可活动性来丰富空间层次，如可以利用一个漆屏风分隔空间，同时还有较高的艺术观赏价值，从而丰富了空间区域层次。漆艺家具的色彩表现力，不同的室内陈设风格需要不同色彩的漆艺饰品，如地中海室内陈设风格，家具的色彩一般选择低彩度，而传统的漆艺家具在色彩上一直延续黑红色彩搭配，为了融入这种风格，在色彩上就要调整，需要用些化学涂料来完成。

漆艺家具在现代室内陈设中，要体现出文化性、审美性、装饰性。漆艺家具是建筑空间中重要的文化组成部分，它与当代室内环境文化共繁荣，传统技艺的精髓将重新解构，使得漆艺家具在现代室内陈设中找到归属感。传统漆艺家具有古韵美，不单是其器形、图形以及色彩的搭配，在其背后隐藏着深厚的文化底蕴，所以把具有文化气息的家具和室内空间联系到一起，可以提高大众的审美情操和文化素养。传统家具演变到现代漆艺家具，经历了一个视觉审美发展过程，在很多充满现代风格的建筑中，可以大量使用充满现代感的漆屏风、漆壁饰、漆艺家具，形成视觉美。漆艺家具有很强的装饰性，漆艺陈设品不仅起到装饰效果，还可以为室内环境增添艺术气氛。

可以看出，漆艺家具从古至今是人们生活中不可或缺的一部分，也是室内陈设艺术的重要扮演者，其材质质感、文化内涵、造型形式无不在人和空间之间传递着某种情感氛围。

（注：本文为2014年度黑龙江省艺术科学规划课题立项《漆艺的髹饰技法在现代家具装饰中的应用研究》的成果论文，项目编号：2014D017）

第5篇：当代手工艺论文范文

根据美林证券预估，至2014年止，全球奢侈品市场的销售金额将以6.3%的年复合成长率上扬，其中，我国将以14.8%的最高成长率成长。在这样的趋势下，对市场现有奢侈品产品包含的设计美学以及消费者的购买心理进行调研和分析，能够帮助我们更好的对奢侈品行业的设计与发展进行研究和展望。

奢侈品的设计美学

众所周知，仅依靠品牌效应难以取得良好的销售业绩。奢侈品之所以能保障经久不衰的品牌寿命，与其产品本身带来的设计魅力密不可分。根据此次对奢侈品市场的调研分析，可将奢侈品的设计美学归根为以下几个特征：有温度的手工艺术，昂贵、稀有的材料以及独特的设计风格。

1. 有温度的手工艺术

即使随着制造业的发展出现了各种各样的生产机器代替传统手工，人们还是会追求工匠的手工制品，因为这些手工制品拥有机器无法达到的美妙。奢侈品牌一直保持着手工制作的传统，并保证其完美品质。例如在爱马仕的工厂里，一位工匠每周大约只会制作十五只皮包，从选皮，切割皮料到缝制，每一步骤都精益求精。即使是皮包上的一个金属配件，也会经过捶打、拉伸、磨光等步骤使之散发出珠宝般的生命光彩。很多奢侈品牌以传统的或独特的工艺著称。“马鞍针”是爱马仕传承了100多年的特有的缝制马鞍的针法，是运用两根针一根线的缝法，以保证骑士安全的牢固的针法。如今这种针法被用在了缝制皮具上，使之异常的牢固耐用。

2. 昂贵、稀有的材料

奢侈品大多使用昂贵、稀有的材料，这符合与其他大众商品拉开距离的品牌定位需求以及人们追求新奇的心理特性。奢侈皮具常使用牛、羊皮两种材质，而牛皮又分为颈部皮，小牛皮，公牛皮等，羊皮也会按照羚羊皮、公羊皮等细分。同时还有鳄鱼皮、蟒蛇皮、袋鼠皮等其他特种材质。公司从世界各地采购上等皮质，再由专门的工作人员的精挑细选。在材质的处理上也会使用大量创新技术，例如路易威登经典的Monogram帆布系列。Monogram帆布是一种喷胶帆布，在合成的纤维制成帆布之后，将化纤溶胶直接喷在上面，压花而成。与普通帆布包不同的是，Monogram帆布具有防水，防刮花的特点，这种轻盈和坚固耐用的质料已成为路易威登完美品质的标志。

3. 独特的设计风格

设计风格也是奢侈品的设计美学中重要的组成部分，明确的风格及设计理念是品牌打动人心的关键。例如，MIUMIU是定位于女性消费者的品牌，设计风格轻灵简约。在材质上MIUMIU多使用羊皮、清逸布料等柔软的材质与金属链条搭配，颜色上多用蓝色、粉色等明亮轻快的色彩，形式上经常会采用一些不同的形状以及运用褶皱、蝴蝶结等元素来加强女性的特质。这些鲜明的设计理念使MIUMIU的设计风格独树一帜。此外，很多品牌会一直延续着自己的品牌设计基因，并随着时代的改变进行新的演变。如菲拉格慕的“Gancino”。Gancino 的创意产生于上世纪五十年代，这种金属扣环应用到菲拉格慕的各种皮革配饰和鞋品中，并于上世纪八十年代声名鹊起，如今菲拉格慕品牌的皮带、皮包等用具仍然沿用这种金属扣环。 Gancino这一独特的标志已是菲拉格慕的品牌象征。

奢侈品的消费心理分析

1. 奢侈品消费心理分析

通过分析不同购买群体的消费心理，可以将中国奢侈品购买者的消费心理分为三种：符号性消费心理、从众性消费心理以及享乐性消费心理。

（1）符号性消费心理

根据世界奢侈品协会的数据，有76%的人群认为奢侈品是超出实用价值的“社交符号”，象征着财富、社会地位。基于这种认知，当人们拥有足够的财富时就会消费奢侈品，以此证明自己从属于某个特定阶级的一员。对于一个普通白领而言，一件奢侈品手袋往往要花去几个月工资，而这种独有的奢侈品符号却可以给他们带来自我的存在感与优越感。这种符号消费不断激发着人们的消费欲望，从而出现了对奢侈品趋之若鹜的现象。

（2）从众性消费心理

相比西方人注重独立自我的观念，东方人更注重人与人之间的依赖关系，即更容易被身边人群带动消费，这就产生了从众性消费的概念。当某种消费品在部分人群中开始流行时，这将引起其他人的追随，以保证与他人的行为一致性，避免心理上的矛盾与冲突。这种从众性的消费使人们在购买奢侈品时更多关注社会趋势而非自我需求。

（3）享乐性消费心理

奢侈品以卓越的品质特征和优良的设计被人们所喜爱。对高收入阶层来说，奢侈品已不仅仅是一件商品，已成为了一种高品质的生活方式。他们并不会为了追随大众而消费，而是在众多品牌中挑选适合自己的产品，奢侈品消费对于此类消费者而言，为了追求生活的精致与自我享乐而消费。

结语

第6篇：当代手工艺论文范文

一、人才培养状况新变化

设计学升级为一级学科所带来的变化首先是学科及专业目录的调整。2012年教育部颁布实施新的《普通高等学校本科专业目录（2012年）》，新目录的学科门类由原来的11个增至12个，增加艺术学门类；专业类由原来的73个增至92个，由原来的635种调减至506种。其中针对理工科的“工业设计”专业仍保留在工学门类下，而原本在文学门类下的则转入艺术学门类下的设计学类，命名为“产品设计”。在本科招生目录中，原来的“艺术设计”专业不复存在，代之而来的是具体的设计各专业方向，如：“视觉传达设计”、“环境设计”、“产品设计”、“服装与服饰设计”以及“艺术与科技”特设专业等，并且，从2013年度开始，各个院校还可以根据专业目录自行设置本科专业，也可以申请设置尚未列入目录的新专业。

新的设计学本科专业目录的调整和确立结束了设计学科长期附属于美术学科之下的尴尬局面，设计学科终于第一次以独立的姿态出现在世人面前。长期以来，作为美术学的附属，设计学科无论是在招生、考试还是人才培养模式方面都存在与美术学相重合的地方，客观上造成了设计从属于美术的局面，这并不利于设计学科的健康发展。无论是从历史演进过程还是从今天的发展状况来看，设计学科都具有与美术学科相区别的学科特征与性质。作为一个显著注重使用价值、材料、技术等因素的学科，设计学科所表现出来的特性及其所承载的社会价值早已为当代社会所认可，设计在今天人类生活中早已扮演了与美术截然不同且同等重要的角色。因此，这次设计学升级为一级学科可以说是业界期盼已久而又顺理成章之举。从此，设计学将作为一个具有独立理论和实践体系的学科登上中国学科专业设置榜单。当然需要注意的是，这种变化所带来的不仅仅是表面上专业名称的改变，今后，作为独立的一级学科，设计学不但需要重视作为一门具有高度实践性学科为社会生产生活服务的应用价值，同时也需要更加关注本学科理论体系的完善和构建，严谨的学科理论将是提升设计学科形象地位和本学科建设发展的重要保障，设计学旗下各专业发展也将在未来面对更多的发展机遇和更广阔的发展空间。

随着设计学上升为一级学科，设计学一级学科硕士和博士点也随之发生变化。2012年国内具有设计学硕士学位授予权的单位约138家，设计学一级学科博士学位授予权的单位约为11家，分别为：清华大学、中央美术学院、中国美术学院、湖南大学、南京师范大学、南京艺术学院、四川大学、上海大学、苏州大学、武汉理工大学和西安美术学院等院校，清华大学设计学科为国家重点学科。与之前属于美术学科时相比，设计学一级学科的数量略有上升，但单位变化较大，南京师范大学、四川大学、上海大学、西安美术学院等都跻身于国内设计学一级学科授予权单位，反映出这些院校在新的学科分类体系中设计学科占有的突出地位。清华大学设计学科仍然为国家重点学科，延续了该校在设计学科中的领军地位。作为上世纪中国最重要的设计院校――中央工艺美术学院的延续，清华大学美术学院设计学科拥有良好的设计实践与设计理论研究相互结合促进学科成长的特点，使其具备了更大的学科发展优势。

经过这次学科调整，设计学一级学科博士后科研流动站的单位数量也有所变化。2012年8月29日，国务院学位委员公布的国内46个艺术学一级学科博士后流动站点中拥有设计学一级学科博士后科研流动站的单位有6家，分别为：清华大学、南京艺术学院、中国美术学院、南京师范大学、武汉理工大学和苏州大学。值得一提的是，南京艺术学院取得艺术学理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学、美术学、设计学5个一级学科博士后科研流动站，这也使得南艺成为国内拥有艺术学博士后科研流动站最多的院校。

2012年，全国设计类高考学生人数虽仍然保持了较大规模，但与前些年“艺考”呈井喷态势相比，由于录取、投入、就业、毕业后深造等条件和环境的制约，报考已逐渐趋于理性，国内重要设计院校的招生规模保持了大致稳定的态势。如清华大学设计类招生人数近几年来一直保持在200人左右的规模，一定程度上保证了教育质量；其他主要院校也大都保持相对稳定的招生人数：中国美院各类设计专业招生人数超过1300人；中央美术学院约400人；西安美术学院超过500人；鲁迅美术学院包含大连校区在内超过1500人，天津美院近600人；广州美院近700人；四川美院约1200人。

和本科生报考相比，设计类研究生报考仍然处于上升态势，由于受到就业、工作等压力增大的影响，不少毕业生和在职人员选择报考研究生，客观上加剧了硕、博士研究生的竞争激烈程度。

二、科研项目申报立项与科研成果出版

2012年国家社科基金艺术学项目申报仍然呈现上升态势，共收到全国31个省、自治区、直辖市申报的课题2624项，较2011年的2502项有所增加，确定544项初评入围项目，最终确定项目立项123项，其中重点项目8项，一般项目59项，青年项目40项，西部项目16项。涉及到设计理论、设计历史、中外设计交流、民间工艺美术以及具体设计门类的研究项目共约31项。其中《中国传统蓝印花布纹样研究》（吴元新，南通大学）为国家重点项目，其余16项为国家一般项目，14项为国家青年项目，总体数量略少于美术学。

与之前的立项项目相比，本年度立项除了将研究视野投向传统的设计历史、设计理论等领域之外，更加关注对具体设计实践的研究，如《纤维艺术的应用之美》、《东方服饰设计审美研究》、《比较艺术学视野下的中日动漫创作研究》、《基于国际前沿视野的交互设计方法论研》、《节约型社会住宅空间的低碳设计创新与实践》等项目。设计史和设计理论研究的关注点也较以往有了更细致的划分，研究的关注点集中在具体的区域及专业理论或设计史断代的研究，前者如《现代玻璃艺术的学科构建及发展研究》、《鄱阳湖生态经济区漆工艺和陶瓷工艺的保护与发展》、《信息化时代“艺工商结合”的纺织品设计理论与实践研究》等；后者如《器用与生活――以宋辽金时代为例》、《晚清至民国前期西方设计在中国的传播与影响研究（1840―1937）》、《汉代谶纬与汉画像祥瑞图式研究》等。而民族民间手工艺研究则更加注重对区域手工艺体系的考察，如《东北少数民族萨满教造物艺术研究》，《新疆少数民族传统手工艺技艺传承谱系研究》，《工业化背景下的嘎玛藏族传统首饰设计艺术与工艺研究》等，反映了设计学科日益细分的研究趋向。

2012年度教育部人文社会科学研究规划基金、青年基金、自筹经费项目共3961项，其中艺术学项目约232项，比2011年增加8项。在此当中，相关设计学科的项目约为52项，其中规划项目24项，青年基金项目28项。本年度项目申报呈现出民族、传统、历史与现代、时尚、技术并重的特点。一方面不少申报者将关注的焦点集中在民族、民间传统工艺文化的发掘，以及对古代某一时期设计历史的整理研究；另一方面，适应于现代社会发展的现代设计理论与实践研究也受到较多的关注，这也与近年来政府提倡和鼓励研究的政策密切相连。前者如《独龙族民俗艺术研究》、《北方满族民居历史环境景观分析与保护》、《建国以来民生百货设计价值及对当代设计的启示》、《贵州傩面具非物质文化遗产以传统功能为基础的多元化发展趋势研究》、《辽宋金元饮食器具设计研究》、《新疆民间工艺美术资源保护与开发策略研究》等；后者如《数码艺术与文化创意产业研究》、《时尚创意中的民族元素与文化认同研究》、《中国动画产业化语境下的现实主义创作研究》、《美国动画研究及其对中国动画的启示》、《新农村建设中乡土景观资源保护策略研究》、《可持续背景下产品服务系统设计方法研究》等。研究者的申报和立项较大程度上反映了目前设计学科研究的热点和趋向。南京大学周宪主持的《当代中国社会转型中的视觉文化研究》被列为2012年度教育部哲学社会科学研究重大课题攻关项目，但其余立项中均无直接与设计学相关联的项目入选，也从一个侧面反映了设计学科成长和发展的现状，社会对其重视的程度有待提升，而其自身理论和学科系统的建设也亟需进一步完善。

2012年第六届高等学校科学研究优秀成果奖（人文社会科学）评选的与设计学相关奖项包括：三联书店出版的《百年衣裳――20 世纪中国服装流变》（袁仄），中国纺织出版社出版的《从一元到二元――近代中国服装的传承经脉》（张竞琼），内蒙古人民出版社出版的《契丹艺术史》（李晓峰），重庆大学出版社出版的《设计道--中国设计的基本问题》（杭间），江苏美术出版社出版的《设计艺术学研究方法》（李立新编著），山东人民出版社出版的《手艺农村――山东农村文化产业调查报告》（潘鲁生）以及东南大学出版社出版的《中国宋代家具――研究与图像集成》（邵晓峰）。获奖著作多研究将关注的重点集中于中国传统设计历史的挖掘和整理，当代设计理论的总结和探索，民间设计、非物质文化遗产的保护和创新，以及创意文化产业研究等领域，反映了当下设计学研究正向着更为广阔和细化的方向发展。

三、国际国内重要学术会议

学术会议是促进设计学科研究发展的重要手段之一，国内国际会议不但有助于中国更好地吸收和学习国际先进设计理念和实践模式，更能够为学界提供更多的交流机会，拓宽视野，推进学术研究。2012年一系列重要学术会议的举行继续推动中国设计的发展。

以“信息-生态-智慧”为主题的“第三届艺术与科学国际作品展暨学术研讨会”于2012年11月1日-30日在中国科学技术馆举办。这次会议由中华人民共和国文化部、中国科学技术协会、中国文学艺术界联合会支持，清华大学等主办。参展作品来自美国、德国、荷兰、奥地利、法国、西班牙、英国、澳大利亚、意大利、加拿大、厄瓜多尔、丹麦、墨西哥、中国国内的多所艺术院校和研究机构等。作品涉及新媒体艺术、产品设计、建筑与环境设计、视觉传达设计以及艺术创作等领域。当今社会，艺术与科学之间的关系变得愈加紧密，二者相互融合，良好的创意需要科学技术支撑实现，而科技发展的目的则是更好地实现人类艺术化生活的目标。在这当中，设计扮演了桥梁和纽带的作用，将高度集中人类智慧的两极巧妙地契合在一起，构成立体的人类物质文化形态。会议还出版了《第三届艺术与科学国际学术研讨会论文集》，汇集了90余篇国内外学术论文。

中国设计各专业自我认同进一步加强，视觉传达、环境设计、工业设计以及设计教育年会和论坛相继召开。2012年11月24日-26日“第六届全国视觉传达设计教育论坛”在南京艺术学院举行。论坛主题为“链接与升华”，具有呈现文化性、交叉性、国际性的特点。论坛关注视觉传达设计的文化意义与本体形态，视觉传达设计在信息时代中的存在方式，在消费社会中的经济价值，以及视觉艺术与设计发展的多元取向；讨论视觉传达设计教育的新观念、新空间、新方法，多学科的交叉方式，实验性与研究型课程建构的途径等，以及建立在这些问题探讨基础之上的设计文化与视觉传达、设计教育的未来发展。

2012年12月15-16日，2012中国高等学校环境设计教育年会暨第十届中国环境设计学年奖颁奖典礼在华南理工大学举行。年会分为“2012中国环境设计教育年会分论坛：建造的虚构与现实”主论坛及“建筑与城市设计”、“景观设计”、“室内设计”、“光与空间设计”四个分论坛。与会专家就设计的再教育、重返风景的景观设计、梳理与展望――中国环境设计学年奖10周年、光的舞台等主题进行了演讲和讨论，对中国环境设计的热点问题进行了探讨并提出了各自的观点，共同探讨了中国设计的现状与未来以及如何提升中国环境设计教育水平。

2012年高校工业设计教育研讨会2012年10月10日在燕山大学举行。论坛由教育部高等学校工业设计专业教学指导委员会、中国机械工业教育协会工业设计学科教学委员会、中国工业设计协会教育委员会主办。论坛以“反思・ 交融・ 重构”为主题，来自国内外工业设计教育界、工业设计界和产品制造界的专家学者围绕这一主题进行充分交流和深入探讨，共同谋划中国工业设计教育的未来。论坛举办了8场专题讲座。湖南大学、清华大学、香港理工大学、江南大学、广州美术学院、中国美术学院、西北工业大学等高校的学者在论坛上分别做了学术演讲。与会代表还就“工业设计教育现状”、“工业设计的前沿与趋势”、“工业设计教育改革”等话题进行了分组讨论。

此外，设计教育方面，2012年12月22日-2012年12月24日，“南昌启意”2012中国高等教育学会设计教育专业委员会学术年会暨全国设计教育学术研讨会在江西南昌举行。会议议题包括：跨界设计与教育、地域性设计教育、设计教育的理念、方法与经验等。设计教育理念、方法、各类设计之间的关联等是当下设计教育所要面对的问题，区别于美术教育并确立设计教育理论体系及价值取向是设计教育急需明确的方向。

上述会议和论坛的举行，不单是设计学下属各专业的年度总结，更重要的在于更加明确了本专业领域的研究范畴以及关注到各自专业的热点及趋势。

四、中外设计交流与重要设计奖项

现代设计源于西方，中国现代设计也是在不断发掘自身和向西方学习的过程中逐渐成长和发展起来的。2012年，中外设计交流显著加强，范围上进一步扩大，中国设计的国际地位也进一步提升，设计生态环境有了较大的改善，逐步成熟并与国际接轨。

2012年6月15日，北京继柏林、蒙特利尔、名古屋和深圳、上海等城市之后，成为入选联合国创意城市网络“设计之都”的全球第12个城市。北京有着优越的现代设计发展的外部环境，包括历史遗产、高等教育机构、设计教育中心、科研院所、高新技术企业、文化机构、创意产业基地、设计从业人员等，这些条件成为北京“申都”成功的必要条件，表明中国设计正在受到国际设计界的关注和认可，北京成功申请“设计之都”成为中国设计发展生态环境提升的一个缩影。

以“设计提升城市品质”为主题的2012北京国际设计周举办。这次活动由教育部、科技部、文化部和北京市人民政府共同主办。活动展示了设计对于促进城市可持续发展，带动社会经济文化进步，推动设计产业发展，促进设计交易与设计消费，提升公众生活幸福指数的重要性。与往届相比，本届设计周活动凸显在“设计改变城市”、“设计走进社会”、“设计走进生活”和“设计关乎你我”四个层面的提升。北京设计周活动有助于汇聚国际设计资源，帮助北京建设“文化中心”，将科技成果转化成为社会服务的价值力量，从而促进中国设计产业的健康发展，在一定程度上扩大了中国设计品牌影响力，促进了设计交易。另外，这届设计周活动设立意大利米兰市为主宾城市，米兰市政府组织意大利品牌企业、设计院校、设计媒体代表团，参与设计周活动，使得中国设计在更广阔的层面展开国际间交流与合作。

近年来，中国设计师参与国际评奖和竞赛逐年增多，特别是一些具有国际影响力的设计奖项中屡屡出现中国设计师的身影。2012年，中国设计师在这些国际顶级设计大奖上均有所斩获，如江南大学设计学院师生的10件创意作品获得2012年德国红点奖，其中《Defender》、《Jarpet》、《Disposable Raincoat》3件作品荣膺“红点至尊奖（Best of Best）”；大同大学工业设计系同学设计的“倾净杯”（Tilt Cup），获得2012美国杰出工业设计奖（IDEA）大奖铜奖。江南大学因此还成为国内为数不多的囊括世界三大顶级设计大奖――德国红点概念奖、德国iF概念奖和美国IDEA奖的院校之一。此外，中国设计“红星奖”2012年度也进行了评奖，与往届相比，这次评奖吸引了包括美国、荷兰、日本、英国等25个国家和地区的1279家企业的5348件产品，其中包括世界五百强企业17家、外资企业84家。发达国家积极参与中国国家及设计奖项，其数量超过了德国红点奖的全球征集量，并首次出现非洲企业参评，表明中国设计已具备一定的国际号召力，同时也反映出中国设计水准乃至中国制造业发展水平已上升到一个新的高度。

第7篇：当代手工艺论文范文

关键词:“十一五”；当代中国；美术研究；学术成果；现状；分析

中图分类号：J201 文献标识码：A

“十一五”期间，美术学与设计艺术学研究领域的发展变化较大，随着高等美术教育规模的不断扩大，研究生教育日益普及，高等院校逐步向研究性大学转换，高校教师的研究性成果成倍增长，研究机构纷纷成立，课题申报数飞速上涨，立项数不断上升①，但高品质的学术成果却并不多见，反而在总量扩大的情况下，质的相对比率反而下降。这种情况在“十五”期间已经出现，国家也采取了相应的措施，如控制博士生的招生规模，对学术期刊进行学术评估，对核心期刊进行动态评估，加强对课题项目后期资助的审核及资助力度，出台各种对优秀著作及科研成果的奖励措施，各家出版社对优秀科研成果也在每年的出版计划中留有一定的比例，但在市场经济的环境中，不良的学术风气依然存在，量与质的问题并没有得到有效控制。

全国美术学与设计艺术学学科研究的整体态势是个体性的研究增加而集体性的研究减少，专门领域内的研究向纵深发展，个案研究比较多，边缘性研究比较多，地域性美术研究亦逐渐增多，一些新兴学科的概论性著作也逐渐增加。整体上说明了学科研究领域的面在不断扩大，基础研究也在不断深入，处于历史上最好的发展时期。这主要体现在两大方面，一是国家项目的推动及省（市）、部门各级项目的立项与资助力度不断增强，大多数有研究前景的个人与集体项目都能获得各种不同的支持；二是研究生的学位论文成倍增加，尽管存在种种问题，但在总体上还是推动了学科研究的发展，因为其中的开题、评审、答辩等种种环节，在掌控论文的学术质量上还是发挥了作用，还有一些学生在认真地钻研学问。

与美术史论的传统学术研究相比，创作实践方面的研究更为活跃。美术市场空前繁荣，展览不断，当代艺术的浪潮一浪又一浪，画册、期刊及各种出版物让人目不暇接，对现状的研究也随之展开，美术批评理论也随着批评实践活动而有所发展，推动了各种创作理念；尤其是设计艺术理论研究，虽然还处于初创时期，亦初具规模，这与设计艺术教育的普及有关，与学科的基本教育规模与实践性有关，其研究成果大多还体现在教材与基础理论问题上。

现依据“十一五”期间美术与设计艺术学科研究的主要情况与基本特点，分述如下。

一、基础理论研究

“十一五”期间的美术基础理论比较薄弱。与“十五”期间相比，在研究范围上无突破，在数量上基本持平，基本上一年出版一本，还是以高等院校教材或辅助教材为主，如“美术概论”一类，有邓福星的《美术概论》（2009年版）、赵一丹的《美术概论》（2008年版）、陈美渝的《美术概论》（2007年版）及高国良的《影视美术概论》（2008年版）、肖清风的《设计艺术概论》（2007年版）、朱主编的《设计艺术概论》（2006年版），其特点是强调了个体性的研究，突出一家之言，走出了集体编著的大一统模式，展开了多元论述。在门类美术的基本理论研究方面，近十年来还是局限在影视美术，未见其他门类美术的著述。在博士论文方面，则有些专题性的理论研究，如王云亮的《话语的转型：以宗白华的中国画理论为解析案例》（2008年版），就在探讨20世纪中国美术理论话语的现代问题。

在“十一五”国家课题立项中，基础理论方面的选题比例也小，占美术类课题总量约17%，其中包括对西方艺术理论的研究，设计艺术理论、批评理论及各项专题理论研究，未见原理论研究，而且有些选题重复立项。

与美术基本理论研究现状相比，设计艺术理论的研究成果略为突出，且作者队伍也趋向年轻化，其成果形式还是以教材为主。如余强主编了一套设计艺术基础理论丛书（2006年版），以及邵宏编著的《设计学概论》（2009年修订版）、胡守海的《设计概论》（2006年版）、张焘的《室内设计原理》（2007年版）、焦健等主编的《空间设计原理》（2007年版）、清华大学课题组编的《设计艺术的环境生态学》（2007年版，“十五”规划题）、何灿群主编的《人体工学与艺术设计》（2007年版）、陆小彪等的《设计思维》（2006年版）等等。专题性研究则有桂宇辉的博士论文《包豪斯与中国设计艺术的关系研究》（2009年版），以及熊的博士学位论文《器以藏礼：中国设计制度研究》（2007年）。

二、美术史研究

“十一五”期间的美术史研究依然是重头戏，成果数量不少，但值得称道的却不多。其间以教材为多，特别是中外美术通史写作，虽然看似以个人撰著为主，体现研究主体的学术立场及其观点，实际上还是取通用的体例及通常的史学观，无甚建树。五年间，据不完全统计，中国美术史出版有13本，外国（西方）美术史出版也有13本，基本上都属于简编。②其中，值得关注的是中国工艺美术史就出版6部，有5部是个人专著。应该说，这与“十一五”期间国家非物质文化遗产保护工作的大力展开有关，与设计艺术学科的兴起与普及有关，与文化研究及新美术史学观的兴起也有关系。外国美术史写作中比较值得关注的是陈平的《西方美术史学史》（2008年版），特别是他又主编了一套“美术史里程碑”丛书，包括《罗马艺术》、《作为精神史的美术史》及《罗马晚期的工艺美术》。

美术史的研究方法是这一时期倍受关注的问题。图像学、艺术形态学、艺术社会学及艺术心理学等研究方法，甚至包括政治学、经济学、意识形态研究、比较研究等不同学科的研究方法，也不断地渗入中国美术史学界，挑战传统的历史文献学及风格样式研究。其间，较有影响的是美籍华人学者巫鸿的著作被介绍到大陆，如《礼仪中的美术》（2005年版）与《武梁祠：中国古代画像艺术中的思想性》（2006年版）。2007年4月，首届高等艺术院校美术史学教育年会在中央美术学院召开，会议主要着眼于青年一代的美术史学者，而来自各艺术院校及科研机构的青年学者所提交的论文，引起与会者的极大兴趣。两天会议不时掀起讨论的热点，如华南师范大学颜勇的论文《西学语境中的传统画论：以“墨分五色”的二三种现代诠释为例》，又如中央民族大学吴雪杉的论文《清初“四僧”与历史书写――民国时期美术史的一个考察》，还有中央美术学院张鹏有关寺观庙堂绘画、雕塑的研究，都具有各自不同的角度及独到之处。2008年4月第二届年会在四川美术学院召开，其研讨的主题是“美术的地缘性”，并设六个分论题，即（1）差异与融合；美术考古的视角；（2）地域性母题的图像呈现；（3）美术及其理论中的地方观念；（4）地缘性与风格流派；（5）文化地域性的价值限度；（6）地缘性理论的回顾和反思。显然，年会的学术议题已转向有关方法论的专题研究，“研究视角”比“学术立场”更受人关注。2009年10月第三届美术史学教育年会在清华大学美术学院召开，主题是“边界与范式”，曹意强与潘耀昌均关注到越界问题，即在全球化视野下的“世界艺术研究”；而在“中国古代美术研究新视野”的专场讨论中，郑岩、张鹏等人所提交的论文依然注重图像分析，注意讨论具体的问题，由此及彼，由小见大。这样的研究方法正被越来越多的青年学者所接受。

中国美术史专题研究的主要成果来自于之前的一些研究项目。如属于“十五”国家重点项目之一的“中国道教美术史”（2003年立项），其课题成果之一《论〈八十七神仙卷〉与〈朝元仙仗图〉之原位》（李淞著）获首届中国美术奖理论评论奖（2009年），与其同时获奖的还有李超的《中国早期油画史》（2001年立项的国家年度课题）及裔萼的专著《二十世纪中国人物画史》（2001年立项的文化部青年项目）。

中国近现代美术研究在“十一五”期间依然是一热点③。已出版的专著有吕澎的《20世纪中国艺术史》（2006年版）、张晓凌主编的《中国现代美术史文献集》第一辑（2007年版）、陈瑞林的《中国现代美术史教程》（2009年版）；再版的有阮荣春的《中国近现代美术史》（原名为“中华民国美术史”，2005年版）、潘耀昌的《中国近现代美术史》（北京大学出版社，2009年版）。潘公凯负责的“中国现代美术之路”的课题组（北京市教委共建项目）于2006年相继在香港、上海组织召开学术研讨会，会议邀请海内外学者就20世纪中国美术的现代转型问题展开讨论。张晓凌负责的“中国现代美术史”课题组（“十五”国家重点）也相继在北京、杭州组织召开编委会，其项目将在2010年下半年结题。郑工的《民国时期美术思潮》（2001年文化部项目，原题为“20世纪中国美术大论辩”）已于2006年结题（将在2011年出版）。而在博士学位论文选题方面，数量更多，出版的也不少。如顾丞峰的《现代化与中国百年美术》（2007年版）、薛娟《中国近现代设计艺术史论》（2009年版）、马琳的《周湘与上海早期美术教育》（2007年版）、华天雪的《徐悲鸿的中国画改良》（2007年版）等等。相比“十五”期间，研究范围扩大了，研究深度也加强了，其特点是以现代化理论为核心，注重社会文化的整体转型，同时也在进一步整理资料，敞开学术视野，消除偏见。

中国书法史论研究在“十一五”期异军突起。说“异军”则是因为在20世纪书法渐次游离出了中国美术圈，而在21世纪，在学科整合的过程中开始有所沟通，学科建设迅速发展，“十一五”期间推出了一批成果。如丛文俊等人合著的《中国书法史》丛书（2007年版），欧阳中石主编的《中国书法艺术》（2007年版）；专题研究成果可见之南方出版社的“书法研究博士文库”（第1辑，2009年版），王元军的博士后出站报告《汉代书刻文化研究》（2007年版），获第三届中国书法兰亭奖理论奖一等奖。

三、区域美术（含民族美术）研究

“十一五”期间区域美术研究比较活跃，正因为这一时期通史性的写作基本处于停滞状态，而地域性的美术研究又受到地方政府及有关文化教育单位的重视，作为地方文化建设的一项重要内容或有地方特色的研究项目进行扶持。区域美术研究的特点，一是文化中心区域，二是文化边缘区域。如北京的地区性美术研究就有两项成果，即邵大箴、李松主编的《20世纪北京绘画史》(2007年版)与李福顺主编的《北京美术史》（2008年版，北京市“十一五”社科规划项目）。前者聚集了国内颇有建树的美术史论家，如李树声、薛永年、水天中、单国强等人；后者主要是一批青年学者。二者体例不同，水平各异。相比“十五”期间出版的《上海美术志》（2004年版）和《20世纪上海美术年表》（2005年版），在研究思路及具体做法上已不相同。澳门文化局近年也资助一批有关澳门美术与设计方面的研究项目，已结题并待出版的成果有胡光华的《澳门绘画史》、刘佳的《澳门设计艺术》。由澳门基金会编辑出版一套《澳门史新编》（2008年版），收录了莫小也的《澳门早期美术史：远古至1850年》与郑工的《澳门美术史的分期与分类》。莫小也的研究课题“澳门美术史”（2003年立项的国家年度题）也基本完稿。

相关的研究成果还有李伟卿主编的《云南民族美术史》（2006年版）、张亚莎的《美术史》（2006年版）、范晓杰等人合著的《山西美术史》（2009年版）、朱琦的《香港美术史》（2007年版）、徐文琴的《台湾美术史》（2007年版）。还有一些民族美术史的研究课题在“十一五”期间陆续立项，如彭林绪的《土家族工艺美术史》（2007年度）、张景明的《中国北方游牧民族的造型艺术与文化表意》（2007年度）、李青的《丝绸之路与西北民族美术史研究》（2007年度）、李宏复的《中国少数民族刺绣工艺文化研究》（2008年度）及姜钟浩的《中国朝鲜族百年美术发展历程与特性研究》（2009年度）。

区域研究的性质应属于文化研究，或者说是有关地方知识及在特定空间区域内文化关系的总体叙述，故在文化边界、共时性关系、差异性论述等问题上容易形成关注的焦点。只是目前美术学界对文化研究的方法及意义认识还不明确，故在写作时容易出现视野不清。其中最大的认识误区，就是将区域美术研究作为局部范围内的一般美术史写作，即被缩小了空间范围的通史性写作。实际上，这是两种不同类型的研究，其目的不一，研究对象与研究方法都不一样，要解决的问题更不相同。这一问题在2010年4月的“中国地域性美术史研究暨《北京美术史》学术研讨会”上已被提出，但并没有引起足够的重视。

四、边缘性的文化研究

边缘性的文化研究主要指跨学科的综合性研究。“十一五”期间，美术学及设计艺术学处于学科的基本建设阶段，新的边缘类型学科出现不多，其队伍基本是由民间美术、工艺美术及设计艺术等相关领域的研究人员构成，理论基础较为薄弱。其中最引人注目的是非物质文化遗产保护工作兴起后，带动了民间美术与民间工艺美术的文化研究热潮，但真正理论上的带动却是文化人类学及民俗学。如乔晓光的《本土精神：非物质文化遗产与民间美术研究文集》（2008年版）、吴志跃的《非物质文化遗产新视野下的福建民间美术》（2008年版）、沈泓的《节庆狂欢：民间美术中的节俗文化》（2009年版）等。还有一些研究课题在“十一五”期间陆续立项，绝大部分都属于调查报告④，其立项在美术及设计艺术类中每年的比例数高低不等，如2007年有五项（其中两项为国家重点），2008年有四项，2009年有六项（其中两项为国家重点），分别为当年美术及设计艺术类总立项数（含文化部项目）的19%、10%、17%（不含工艺史研究），但重点题所占比例很大，2007年为50%，而2009年则为100%。⑤

随着2007年当代艺术市场的火爆，艺术市场学也为人们所关注。有些学者开始研究艺术市场的运作规律，涉及种种与艺术品交易有关的经济现象，思考其中的理论问题，并涉及当代艺术的存在意义及其评价体系，重新判定艺术与社会意识形态之间的关系，重新判定艺术与经济社会之间的关系，重新面对艺术的公共性，面对在新的城市天空中艺术的存在方式及交流方式。艺术社会学的内容必须置换，重新书写，其研究方式也不是传统的历史学所能胜任的。应该说，这方面的研究正处于开始阶段，研究成果多是调研报告，以及建立在宏观基础上的分析判断。中国艺术市场的不规范，许多统计数字不可靠，资料来源也很复杂，给深入而客观的研究带来很大困难。有些学位论文涉及到艺术市场机制、艺术市场语境下的当代艺术发展问题，关于中国艺术市场史的研究也已起步。

2006年，中央美术学院成立了艺术市场分析研究中心，由赵力主持，并主编了一套《艺术财富》丛书，如《艺术财富》（一）（2006年版）、《艺术财富：全球艺术市场新格局》（2007年版）、《艺术财富：全球化与中国艺术市场》（2008年版）、《艺术财富：金融危机下的艺术市场》（2009年版）；同时艺术市场分析研究中心还陆续出版了2006年至2010年的中国艺术品市场的研究报告。自2009年起，国家文化部艺术市场研究中心也连续了2008年与2009年的《中国艺术品市场年度研究报告》。2010年4月，由北京市中关村科技园区雍和园管理委员会、艺术北京当代艺术博览会主办了“2010艺术经济论坛――后金融危机时代的艺术市场与艺术收藏”，其议题有宏观经济背景与目前艺术市场、中国经济发展和艺术市场复苏、亚洲当代艺术市场是否能够走出危机以及亚洲艺术市场的前景。

五、创作理论与实践研究

美术创作理论与实践的研究历来是美术学研究最为薄弱的环节。大多数著述都停留在基础性技法理论教材的编撰，也有结合自身的艺术创作实践总结一些经验，提出一些看法，有的也试图建构一个系统的创作理论框架，实现自己的艺术主张。

与原理论研究不同，创作理论的研究正在于实践性及可操作性，其中技术性的成分比重较大，或者说，其解决的主要就是技术理论问题。特别是在新媒介、新材料不断出现的当代社会，艺术的创新性不断为人所重视，而创作理论与实践研究却有所不足。研究比较活跃的应属设计艺术学科，如新媒体艺术、图形创意研究、传统文化元素在现代设计中运用等，论文数量较多，也有一定的见地，而那些传统的绘画与雕塑领域，创新性研究不多。但在“十一五”期间立项的一些国家课题，有望在这一方面取得发展。如2007年度的“中国画写意传统中的世界性研究”（国家重点）、“中西绘画图式与时空观念比较”（国家一般）；2008年度的“书法创作理论研究”（文化部项目）；2009年度的“当代中国水墨语言体系研究”（国家一般）、“中国北派山水画的自然形态与笔墨形态研究”（国家一般）、“基于工作过程的服装设计理论与方法论研究”（国家一般）、“数字传媒设计中中国元素的融入及其应用研究”（国家一般）等。

六、问题及反思

问题一：在国家社会科学基金艺术学选题规划上最突出的问题是美术学与设计艺术学依然混合在一起，既不利于设计艺术学的项目规划与立项，也在挤压美术学的项目资源。在国家学科分类目录上，美术学与设计艺术学都是二级学科；同样，在国家学科分类及代码表上，美术与工艺美术、书法也是并置的。

因为多项学科均囊括在“美术学”内，造成每年“美术学”类的项目申报数居高不下，从而引起项目资源配置上的问题，导致“美术学”类的申报项目被大量削减，影响了学科的健康发展。同时，我们还应该看到一些新兴学科的研究出现不少学术泡沫，与规划项目扶持不当也有关系。我们往往看到社会的需求，却没有注意到项目承担者的实际学术水平与科研能力。

问题二：学术创新最重要的就是要有独到的见解，这一点在集体编撰的项目中最容易被中和，最终使研究成果流于平庸。这并不意味着否定集体的智慧，否定研究课题的集体行为，否认学科带头人的积极意义，而在于我们如何正确处理科研立项中学科的“体系化”建设与“课题性”研究的关系。所谓“体系化”建设，即指那些学科的系统性理论建构；而“课题性”研究，则是针对某一具体项目的深入研究。从目前的学科发展情况分析，恰恰需要的不是这些“通史”或“通论”，而更需要在某一课题上深入发掘研究，得出新的研究成果，拓宽研究领域。如果没有基础性的“课题”研究先行，那么，“通史”和“通论”只能停留在编撰的水平，不断重复地拼凑组合，在所谓的“框架结构”上做文章。但这并不等于说我们不需要学科的体系化建设，学科的体系化建设不能只停留在“通史”、“通论”上，而应该形成各自不同的理论派别，从基础理论开始，形成“一家之言”，才能构成“百家争鸣”的大局，促进学术繁荣。

现阶段我们更需要独辟蹊径式的研究，从而加强某一选题的研究力度，以点带面，拓宽研究的领域。特别在传统的中国美术史学领域，鼓励那些最适合个体性研究的选题系列，形成几项有国际影响力的学术成果。如中国的宗教美术就是一个极有学术发展前景的研究领域，尚且不论四大石窟（云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟及敦煌莫高窟）美术，论敦煌学的影响及其在国际学术上的地位，就算那些零星散布在全国各地的佛、道美术作品，数量也极其庞大。中国古代美术遗品中，半数以上应与佛、道有关。这是其它国家和地区难以具备的文化遗产与学术资源。与非物质文化遗产保护工作一样，古代美术遗址及遗迹的保护与研究也迫在眉睫。过去，我们已经整理出版了大量的图录与图册，相关的文献资料也陆续加以整理，但深入细致的高品质论文却难得一见，相关的研究选题也很少。

另外，继续鼓励少数民族美术研究，以边缘性的文化研究排解单一性的主体叙述，建立中华民族多元一体的文化新格局。同时，由少数民族美术及边远地区的美术研究拓展至周边国家和地区的美术研究，提升区域美术研究的学术水平，既看到历史文化在不同区域间的交流与互动，也揭示美术在地区性政治生活与文化生活中的作用及意义。

问题三：美术基础理论研究贫弱。基础理论需要较长时间的学术准备，尤其需要由创作理论沉积一段时间后再行引发新的突破。目前，艺术创作空前活跃，艺术家的创作自由度也大，但却匮乏新的理论思考及相关艺术实验的研究报告。

我们不能说美术创作中没有学术问题。过去美术家总期待着理论家帮他们解决理论问题，而理论家往往又帮不了这个忙，因为那些理论问题都与创作实践密不可分。与其他的人文学者一样，美术创作者总为范式问题所困扰，而突破范式的束缚则被认为是天才的创造力的体现。但范式的成形及传播需要知识的帮助，一个成系统的新知识才能支撑艺术的新范式。当代艺术鼓励创新，也为新的艺术理论出场提供了前所未有的机遇。而这种理论又会支持新的艺术批评，促进艺术创作的实践，沟通艺术与社会公众之间的审美联系。（责任编辑：楚小庆）

① 仅就“十一五”期间国家社会科学基金艺术学项目立项情况统计，2007年度为18项，2008年度快速递增为29项，2009年度为30项，分别占当年立项课题总量的21%、30%及29%，连续三年居各学科之冠。“十一五”期间，美术与设计艺术部分的结题数量也高居各学科之首，2007年度为18项，2008年度为9项，2009年度为12项，分别占当年结项课题的53%、50%与40%。

② 统计资料来源于国家图书馆馆藏书目。

③ “十一五”期间，中国近现代美术研究的课题立项数占当年美术学及设计艺术学项目总数的比例约为23%（2007年）、25%（2008年）、31%（2009年）。

④ 如“当代中国的社会变迁与传统手工艺的保护、发展”（2007年度国家重点）、“中国民间工艺美术传承人口述史数据库”（2007年度国家重点）、“闽台民间美术渊源与流变”（2007年度国家一般）、“珠江流域少数民族铜鼓艺术与非物质文化遗产保护”（2007年度国家一般）、“毛南族传统织锦技艺的抢救与研究”（2007年度文化部课题）、“安徽省徽州雕刻艺术非物质文化遗产的保护与传承研究”（2008年度国家一般）、“现代社会湘西南少数民族民间美术生态与保护研究”（2008年度国家西部）、“赣闽粤边区客家服饰的艺术人类学研究”（2008年度国家青年）、“中国苗族刺绣艺术数据库”（2008年度国家数据库）、“中国现代手工艺术的发展研究”（2009年度国家重点）、“中国少数民族剪纸艺术传统调查与研究”（2009年度国家重点），“全球化背景下的岭南莨纱绸服饰文化资源保护与复现对策研究”（2009年国家一般）、“布依族摩教艺术调查研究”（2009年度国家西部），“民间美术资源的调查研究”（2009年度国家西部），“撒拉族文化遗产保护与研究――以青海河湟地区撒拉族民间艺术为例”（2009年度国家西部）。

⑤ 据《全国艺术科学规划历年立项课题汇编（1983-2009）》统计。

Primary Analysis on Research State for Chinese Fine Art in the 11th Five-Year Period

ZHENG Gong

(Institute of Fine Art, Chinese Academy of Arts, Beijing 100029)

第8篇：当代手工艺论文范文

【关键词】 乡村旅游 入境旅游 体验乡村生活 措施建议

北京市已规划要把旅游产业培育发展成为首都经济的支柱产业和新的经济增长点，把北京建设成为国际一流旅游城市，在目前全球旅游市场竞争日益激烈的形势下，无疑需要北京旅游行业有创新的思路、创新的方法，并付出持续的努力。

北京市原有的入境旅游资源的承载力是有限的，经过几十年的开发和使用，这些资源的再开发潜力已经不大，只可能有一定的改进和完善，因而应当开发北京市新的入境旅游资源，包括推出新的景点、新的体验内容、新的旅游方式，增加对境外游客新的吸引力，而将已开发的适于区域内游客的旅游资源升级为入境旅游资源，无论从经营条件的成熟度还是时间和成本的节约上来说，都是一个现实的选择方案。

乡村旅游是近年来世界流行的旅游休闲方式之一，一些国家的乡村旅游已成为入境旅游的一部分。北京市的乡村旅游发展也如火如荼，但是无论在理念上还是在实践中，北京市的乡村旅游依然停留在为北京城市人群提供差异性体验，还没有将乡村旅游延伸到为境外游客提供服务。

为了进一步提高国际旅游竞争力，北京市可以开发“体验北京乡村生活”深度旅游，与原有的经典入境旅游项目进行组合，将入境旅游的线路和游客逗留时间拉长，使旅游的内容更加丰富充实，满足境外游客对当地人实际生活的兴趣，将北京市更具体而立体地展现在境外旅游者面前，将北京市的乡村旅游国际化，不仅可以增强对境外游客的吸引力、增加北京市入境旅游收入，对北京乡村的经济发展也会有相当大的贡献。

一、乡村旅游对城市游客具有较强吸引力是国际上共同的特点

乡村旅游是从一些经济发达国家和地区首先产生的，从20世纪中叶开始在美国、加拿大、英国、德国、法国、西班牙、奥地利、丹麦等国家蓬勃发展。目前，在许多发达国家乡村旅游已具备相当规模并且经营比较规范。

例如日本的乡村旅游经过60多年的快速发展，已经处于世界先进水平，一些知名的乡村旅游目的地不仅吸引了中远程的国内城市游客，还吸引了一些国外游客，乡村旅游的国际化进程也随之加快。美国从县、州到联邦各级政府都对乡村旅游有一系列的扶持政策。西班牙的每一个地区政府都有关于乡村旅游的立法和行业标准。

法国的乡村旅游也已成为了一种时尚的旅游方式，法国乡村农舍目前主要采用与诸多旅行社合作的方式进行推广，这种组织形式已经出现在欧洲主要的旅游市场。而荷兰“自由休闲基金会”的成立，使得荷兰的乡村旅游客户遍布荷兰、法国、德国及其他欧洲国家，成功打开了乡村旅游的对外扩张。瑞士的葡萄园、牧场等乡村旅游项目已经成为世界各地旅游者所喜爱的旅游内容。Julia M．Frater在其论文中引用Pevetz主持的一项针对澳大利亚乡村度假者的调查显示，76%的乡村度假者都是入境游客。

近年来乡村旅游以极快的速度在世界各国发展起来，足以说明各国的城市人群对于乡村生活的好奇和喜爱，说明各国旅游人群都需求短期的对于不同文化不同生活方式的体验。

二、“体验北京乡村生活”对国外游客可以构成较强吸引力

差异性越大、越具有独特性的旅游项目越具有吸引力，“越是民族的就越是世界的”。对于跨境旅游的人群来说，追求的是与本国差异性较大的具有独特性的旅游项目，以一定的支出获得更多更深入的享受和体验是各国旅游者都比较追求的结果。

一直以来，北京市对境外游客构成实际吸引力的入境旅游资源主要有：长城和与皇家相关的旅游资源，如颐和园、十三陵、天坛等积淀了中国历史和文化的文物古迹；一些较有影响的宗教场所、博物馆；民俗旅游如胡同游、中华民族园等具有中华民族特色的旅游产品；展览会、休闲娱乐、城市建设和商业服务等具有鲜明时代特色的现代化旅游项目；2008年奥运会后，奥运场馆也成为一个新的入境旅游景观。

北京市的这些经典旅游项目为国内外游客所熟知和向往，为我国入境旅游做出了重要的贡献，并且今后依然会是主要的入境旅游吸引物和入境旅游收入的贡献者。但是，由于大部分只是观光景点，必然会造成绝大多数曾经来过一次的游客就不大会再选择来第二次观光，如果将境外有可能来京旅游的人数假设为一个定数的话，显然这些景点所能吸引的入境游客会越来越少。并且由于只是游览，游客在北京需要逗留的时间也比较短暂。

事实上，入境旅游人群并不会只停留在对于某个国家人文历史或自然景观的兴趣上，而往往对于当地人们的真实生活有着没有被满足的好奇和兴趣。如果只是走马观花看过了当地闻名于世的景观，对这个国家和地区并没有更深刻的印象，对这样的旅游总会感觉存在缺憾。入境旅游人群需要一些深入当地生活的体验性旅游项目，这也正是一个可以创新开发的新的增长点。

带有神秘色彩的中国文化和中国人的生活能够牵动境外游客的好奇心，深入当地人们的生活、了解当地的民风民俗以及不同的审美情趣、体验当地民众的日常生活方式的国际旅游项目，无论对境外城市的还是乡村的旅游人群来说都具有相当大的独特的吸引力。北京市的乡村生活具有其鲜明的地方特色，在北京旅游并深入到乡村生活对境外游客来说会是一种很不同的体验和感受。“体验北京乡村生活”旅游项目完全可以成为北京一个重要的入境旅游新产品。

三、开展“体验北京乡村生活”入境旅游具备条件

1、北京有各种旅游资源可以组合推出

单独的乡村旅游一般不会对境外游客构成很大的吸引力，对旅行社来说利润空间也太小，大多数旅行社不会单独开发这样的产品。然而将北京市的多种旅游资源组合在一起对外推出，就可以对境外游客产生很大的吸引力，同时，旅行社推出的旅游内容更加丰富多彩，线路拉长、时间拉长、深度增加，对于旅行社利润的增加也大有裨益。

北京市的经典旅游景点世界闻名，可以将“体验北京乡村生活”旅游与这些经典景点组合推出。入境游客到北京来，可以游览举世闻名的文物古迹，比如首先可以游览故宫、长城、颐和园等处，了解中国的历史；其次，游览现代化的北京，体会大都市在当代的发展；再次，进行体验式旅游，深入当代北京人民的日常生活，既可以体验城市胡同、四合院或高楼中北京人的生活，更可以到北京山清水秀、民风民俗浓郁的乡村去体验当地的生活。

通过三个层次展开的旅游项目，可以将北京市立体地、多侧面地展现在境外游客面前。原有的闻名于世的旅游资源与新开发的体验式旅游资源相互衔接、相辅相成，可以丰富北京市入境旅游的内容、提升旅游线路的档次、吸引境外游客的关注和参与，从而推动北京市入境旅游的发展。

2、北京市乡村旅游资源丰富

北京市乡村地域比较广阔，农村面积占全市的86％，包括通州、昌平、房山、门头沟、大兴、顺义、怀柔、密云、延庆、平谷10个区县。自然景观众多并且差异很大，有森林、山脉、湖泊、峡谷、溶洞、草原，农家院附近一般都有自然景区和优美的乡村自然环境。同时，由于地理相近，还可以把河北省的一些乡村旅游资源纳入其中。

北京市有很明显的季节变化，春季、夏季、秋季、冬季各有鲜明的特色，这也使得不同季节的乡村具有不同的吸引力。北京市农业资源丰富，各种农作物种植、果园采摘、养殖业、放牧，可以展现丰富而真实的乡村生活。

北京的乡村有几千年的历史，积聚了独特而深厚的乡村文化。具有浓郁地方特色的节日很多，每一个节日都有它独特的活动。丰富多彩的民风民俗活动可以为入境游客带来很多的乐趣，如老人做寿、年轻人结婚、小孩过满月、乔迁新居等等，都会有不同的内容和形式。乡村的日常生活、家庭结构、交往礼仪、歌舞娱乐、手工艺等等，也都可以构成对境外游客较大的吸引力，可以成为体验乡村生活旅游项目的亮点。

如上的这些条件为北京市发展体验式入境乡村旅游提供了良好的基础，事实上，乡村可供开发利用的潜在旅游资源在此基础上还有相当大发挥空间。

3、北京市乡村旅游的发展基础较好

北京开展乡村旅游已经二十多年，发展了度假村模式、观光购物农园模式、休闲农场模式和民俗文化村模式，各种模式已经为北京市当地旅游人群提供了多年的服务，无论在发展水平、经营规模、经济总量增长等方面都居于全国领先地位，旅游资源、旅游设施、旅游服务已形成了比较浓厚的地方特色、乡村特色和民族特色。

目前北京市各区县正积极寻求自身文化和资源特征，努力实施差异化和错位发展战略，力争形成各具特色的旅游小城镇、特色村落、特色乡村酒店、特色民俗活动和特色地域文化的乡村旅游产业体系。随着这些乡村旅游产业体系的形成，相信对体验式乡村入境旅游的推动作用会更大。

4、乡村旅游价格相对低廉

在2008年金融危机的影响下，各国人们对未来经济形势的预期和消费信心都发生了一些变化，许多旅游者会重视考虑价格的问题，提供低价而内容丰富的旅游项目成为各国参与世界旅游市场竞争的一个重要手段。相对大型旅游度假区的开发建设而言，乡村旅游开发建设所需资金要少得多，旅游项目价格可以比较低廉，使境外游客可以得到物超所值的体验。

四、开展“体验北京乡村生活”入境旅游的现存障碍

北京市乡村旅游虽然已经发展多年，但是还存在一些问题会对开展入境旅游形成明显的障碍：第一，规划布局不完善。目前北京市乡村旅游大多为散户家庭经营，缺乏统筹规划，呈现“小而散”、各自为阵、无序经营，遍地开花、重复建设的状态，整体接待能力不强，难以发挥乡村旅游应有的经济、社会和生态效益。第二，经营项目单一。北京乡村旅游主要从事较为普遍单调的“住农家院、吃农家饭、干农家活”，还未能充分挖掘和展现特色的乡土文化、民俗风情、人文内涵，难以满足游客的深层次需求。第三，城市化倾向加剧。农家院经营者将城市的一些生活方式和城市的周末娱乐搬进乡村旅游，使得原本吸引游客的特色地方文化资源弱化，渐失本真，旅游吸引力下降。第四，经营水平较低。由于大多数是小规模经营，组织化程度较低，经营服务不规范，安全卫生状况较差。第五，从业人员素质有待提高。现有的乡村旅游业从业人员大多数没有经过系统培训，专业的管理人员严重缺乏，如果面向国际市场，将乡村旅游提升为入境体验式旅游的话，需要一批懂得国际化经营的旅游业管理人员，也需要一大批整体素质较高的基层旅游业从业人员。第六，宣传促销乏术，缺乏品牌意识。北京乡村旅游资源有很多还处于“养在深闺人未识”，经营者或者是没有意识到宣传促销的重要性，或者是缺乏宣传促销的手段和技术。另外目前乡村旅游经营者明显缺乏品牌意识，这些对于开展入境旅游显然都是不利的。

五、开展“体验北京乡村生活”入境旅游的措施建议

1、统筹规划

乡村旅游的发展与政府的支持有密切的关系，很多国家的乡村旅游都是在政府的推动下发展起来的。北京市各个郊区应在旅游管理部门统筹规划和监督下，对自身的区位条件、资源特色、生态环境、社会经济进行认真和详实的调查与评价，做好详细的统筹规划和开发工作，分出不同主题不同类型的“乡村生活体验项目”进行开发，合理整合资源，科学管理，推进适度集中与规模化，确保旅游资源开发合理有序地进行。

2、本土化特色化发展

各乡村应根据统筹规划，立足原汁原味各具特色的农家乡土文化，塑造个性品牌。本土化是实现乡村旅游可持续发展的关键因素，乡村旅游强烈依附于当地的乡土民俗文化和乡土地域特征，应在当地创造和谐文明、传统与现代良好融合的环境，使参与到乡村体验式旅游资源开发中的当地居民，在与时代同步的同时并不放弃传统和地方特色的生活。本土化特色化不能简单地理解为保持当地的一切旧的生活状态和旧的生活习俗。乡村旅游展示给世界的应当是一个与时俱进的但是又保持了传统特色的乡村生活。

3、避免城市化

幽雅无喧嚣的自然生态环境，异国他乡难以企及的北京乡野文化将是吸引国外游客的重点，他们追求与乡村环境相协调，无城市渲染的特别感受。乡村特色是乡村旅游的核心竞争力。比起与城市趋同的酒店、旅社，游客更倾向于极富特色的小木屋、小院落等住宿环境，城市化的住宿条件及餐饮只会带来事倍功半的效果，宜充分展现本地居民的居家风格和饮食文化。农家餐饮应尽量以当地民间菜和农家菜为主，并且可以让游客充分体验农家菜制作的全过程，增强参与性。应注意新农村生活现代化不要与城市化混为一谈，不能因为要搞乡村旅游就让乡村呆在落后的“原生态”下，也不能因为生活要现代化便一切向城市生活看齐，失去了自身的乡村性也就失去了对外界游客的吸引力。

4、提升从业人员素质

培养一批当地的体验乡村生活入境旅游经营者，提升其国际化的经营理念和经营思路，加强乡村旅游建设和管理，不断树立品牌意识、规模意识和特色意识，提高经营水平；组织从业人员学习各种与入境旅游相关的业务知识，增强对当地民俗文化和风土人情的理解和阐释能力，提高体验式乡村入境旅游从业人员的综合素质，从而提高体验北京乡村生活入境旅游服务的质量和水平。同时，体验北京乡村生活入境旅游的开展，增加了当地人们与来自世界各地游客的交流，在各种交流的实践中人们的综合素质可以逐步获得提高。乡村旅游的服务人员应该体现淳朴和亲情，尽量弱化商业气息。

5、提升旅游活动项目的品质

体验北京乡村生活入境旅游活动项目应多元化、特色化、参与性强。北京乡村入境旅游不能只停留在让游客吃农家饭、住农家院、看乡村景的水平上，可以在原有资源的基础上，策划一些与本土文化密切相关的大型活动，如结合我国及北京一些传统的节日，举办一些文化节，增加传统节日的气氛；还可以让游客参与到一些当地的民俗表演及活动中，如舞龙舞狮、扭秧歌、推磨、纺织等等；又如可以发展民间手工艺乡村旅游，可以将某项民间手工艺作为一村的重点项目，通过对民间工艺各个制作环节的拆分和组合，在一个村里形成产业链，不仅提供工艺成品的销售，还提供游客亲自制作、参与的机会，这样的项目富有趣味性和参与性，对于国内外游客都会有很大的吸引力，也是向世界展示中国乡土文化的途径。

6、注重营销，打造品牌

将体验北京乡村生活旅游打造为国际性旅游项目，必然离不开打造品牌，品牌化有利于推向国际市场、增加乡村旅游的附加值，提高当地居民收入。应注重选用各种方式进行国际市场营销，将体验北京乡村生活旅游项目和相关品牌介绍给世界各国的旅游者。目前北京市旅游部门采用的各种向世界推介北京旅游的营销方式都可以采用，事实上这些营销方式中只需要加入体验北京乡村生活旅游项目这一内容即可。

7、加强卫生和安全工作

由于多方面的原因，现阶段我国城乡居民在生活方式、生活水平及卫生习惯上还存在一些差异，在乡村的一些地方，基础卫生条件还较落后，因此应加强卫生工作。对旅游地和接待食宿的农户家的厨房、餐具、卧室、浴室、厕所、用水及公共娱乐场所要进行严格的卫生管理。同时，乡村是社会治安力量较为薄弱的地方，人口密度小、农户分散，游客分散住宿的特点容易使犯罪分子有机可乘，因此一定要加强乡村旅游地的安全保障工作。

8、加强乡村旅游地与旅行社的合作

经营入境旅游项目的旅行社具有国际化经营的经验，对入境旅游的各个环节能够专业化掌控，具有一批专业人才，有比较稳定熟悉的客源国家，对于入境旅游中突发的一些问题具有一定的经验。因此，乡村旅游地应加强与旅行社的合作，双方可以达到互利共赢。

总之，随着经济全球化进程的加快，乡村旅游的国际化也随之加快。北京市入境旅游可以适度延伸到乡村，将具有浓郁北京特色的体验北京乡村生活旅游项目与北京市原有经典旅游项目组合推出，让世界更全面地了解更真实的北京，而不仅仅是历史遗留下来的文物古迹，不仅可以提升北京乡村旅游的发展水平，促使其规范化、国际化，而且可以增加北京市入境旅游消费，促进北京市入境旅游市场的增长。

（注：该论文获得中国地质大学（北京）资源环境管理实验室科研项目资助。）

【参考文献】

[1] 樊欣、王衍用：国外乡村旅舍开发与经营研究综述[J].旅游科学，2006（6）.

[2] 郑凤萍、丁永义、闫晶：国外乡村旅游发展经验对我国的启示[J].北方经贸，2008（3）.

[3] FRATER JULIA M．Farm tourism in England[J].Tourism Management，1983（9）.

第9篇：当代手工艺论文范文

一、民间艺术相关理论与产业发展研究

在我国，具有现代色彩的民间艺术研究已有百年历史。20世纪初，在救国图存的社会背景下，一代知识分子注重改造民众心灵，关注现实政治，较具现代色彩的中国民间艺术研究从此开始，并由此形成横贯20世纪的一种文化思潮。20世纪30年代，钟敬文的系列论文在我国民间艺术研究史上具有特别重要的意义。其中，《关于民间艺术———〈艺风•民间专号〉卷头语》（1933年10月18日）、《民间文艺学的建设》（1935）、《〈民间艺术专号〉序言》（1937），是他在这一时期的重要文章。《关于民间艺术———〈艺风•民间专号〉卷头语》论及民众艺术的社会功能与研究现状，指出它们对于探索艺术的性质、起源、发展和技能等重要问题的研究价值①；《民间文艺学的建设》首次提出构建中国民间文艺理论体系的设想，并创用“民间文艺学”的概念②；《〈民间艺术专号〉序言》则讨论了民间艺术的功能和存在形式，重点强调了民间艺术在学术研究和社会教育等方面的意义③，虽字数不多，却切中肯綮，至今仍具活力。学者们对民间艺术的早期研究多限于民俗、美学和艺术学等单向度层面，与精英艺术相比，其研究始终处于边缘化状态。现代社会环境下民间艺术面临的困境以及世界话语对民间艺术的关注，使民间艺术研究逐渐从边缘回归中心的舞台。民间艺术的传承与发展成为民间艺术研究的重点。同时，这些研究不再拘泥于原有的美学、艺术学和民俗学的取向，而是以艺术人类学、艺术民俗学、艺术社会学等更多学科交叉，更为宽广的视野对民间艺术进行日渐深入的解读。从相关文献来看，研究主要集中在以下方面：

1．民间艺术的当代文化生态研究对于民间艺术的生存现状，张道一认为，从传统农业社会向现代工业社会的转型，使民间艺术的生存与发展面临严峻挑战。在西方一些科技和工业发达国家，民间艺术已经不多，特别是在实际生活中，手工制品早已被现代化的机械制品所替代。而中国在不自觉地重复着西方道路，大多数传统民间美术已不再引起人们的兴趣，能否走出困境难以预卜。④吕品田通过对百年来中国民间美术发展历程的分析指出，由农业手工业文明转向工业文明的现代潮流，使中国民间美术不可避免地遭受严峻挑战。滋养民间艺术原生形态的“原始生态环境”，已经随着农民精神世界和整个乡村社会的深刻变化而被破坏。百年来，民间艺术的原生形态如江河日下、颓势难逆。⑤然而，民间艺术的衰落并不意味着民间艺术的消亡，而是民间艺术的重构。李砚祖认为民间艺术有两种存在形式，一是原生态的民间艺术，二是市场态的民间艺术。市场态的民间艺术品本质上已不再是传统意义上的民间艺术品，而是文化工业的产品。这种市场态存在是20世纪社会和文化变革对传统民间艺术的最深刻改造，除形式外我们再也难以发现民间艺术那种原生的意义和内涵，它不过是精英文化选择和改造的结果。⑥方李莉通过考察西部传统民间文化，证实了民间艺术在社会转型期的嬗变及其被重构的事实。西部许多民间仪式、歌舞以及手工艺作为艺术表现形式，不仅仍然存在，而且还有所发展，并且其艺术形式更加美学化、专业化。她认为传统民间文化重构来自于多种力量，这种建构促成了旅游与民间艺术的结合、传统手艺的边缘化和新民间艺术的崛起。⑦民间艺术的重构来自于多种力量，政策制度和社会力量的保护是其中的主流力量。全国民协主席冯骥才提出，我们应该做保护民族文化根脉的工作，要对中国民间文化遗产进行全面的地毯式普查、编辑、整理和保护。⑧刘锡诚提出保护民间文化的具体措施，要在中小学生中加强民间文化的教育；在有条件的地区，特别是少数民族聚居地区建立民间文化博物馆，在全国建立中国民间文化博物馆；要充分估价民间文化在民族发展中的巨大作用和对民族文化的贡献。①白庚胜就民间文化传承内涵与手段进行了分析，认为民间文化要传承的是民族精神、民族标识、社会制度、文化传人、学术资源、知识系统等，而这种传承要依靠教育传承、媒体传承、产业、学术传承和民间传承的手段来实现。②黄波引入社会资本理论，对转型期民间艺术的发展路径予以分析，认为社会资本、社会力量同构形成的社会网络，是转型期民间艺术发展的促进力量。③民间艺术的乡土语境是民间艺术赖以生存的文化生态环境。有些学者从关注、保护民间艺术的文化生态环境入手，研究民间艺术的传承与发展。潘鲁生认为，只有在民众的生活环境中才能深入探讨民间文化的内涵，要保护失落的文化传统，就要保护民族民间文化的生态环境。④唐家路认为从民间艺术的生活形态和文化生态入手，通过对民间文化的价值观念、自然环境意识、生活方式、造物观念、信仰观念、技术因素、民间社会组织形式以及文化时空发展等内容进行研究，可以全面体认民间艺术，协调民间艺术的文化生态各要素之间的关系，从而谋求民间艺术的可持续发展。⑤张士闪从艺术民俗学的视角，以村落为单位，以近20年来我国乡土传统的再造与复兴为背景，对山东中部地区的四个村落进行了实地田野调查。他通过对家族与村落传承中的集体记忆、民间心理和行为叙事等层面的挖掘，深入探讨了村落语境中乡民艺术传统的形成、保持与衰变的内在规律，重新阐释在村落语境中乡民艺术的特征与意义，提供了研究乡民艺术的“家族—村落”传承体系及其当代意义的新模式。⑥孙晓霞认为，政府和学术界引导下的非物质文化遗产保护工作一定程度上忽略了民间文化自然存在、自然传承方式的特殊性，真正能使文化生存下去的“保护”还要多依靠民间社会的力量。⑦

2．文化产业化视域下的民间艺术研究民间艺术的产业发展古而有之，只是呈现分散的、个性的、小规模的状态。在现代社会转型期，某些民间艺术品类在区域经济发展中所呈现出的良好态势和民间艺术“生产性保护方式”的提出，使民间艺术的研究不再停留在单纯的记录和圈护阶段，民间艺术产业化渐入视野，并掀起了理论研究的热潮。“艺术民俗虽然产生于乡土社会，但又是一种‘活的民俗’，它完全有能力在脱离了乡土语境之后继续地表达自己、实现自己。这要求我们换一种立场去看待‘文化搭台，经济唱戏’的艺术民俗现象。从新的语境来看，‘文化搭台，经济唱戏’应该是传统民俗从神圣空间向公共领域融入后，因适应公共领域的经济属性而表现出的新的文化属性，是其自身‘活的民俗’属性的激活与生长。”⑧从主张民间艺术的现代适应性这一角度出发，张胜兵等提出作为文化符号的民族艺术可以作为宝贵的文化产业资源进行产业开发，并就产业化途径进行了探讨。⑨刘锡诚认为，产业化是一把“双刃剑”，而我国非物质文化遗产必须走适度的产业化道路。瑏瑠张士闪认为民俗文化具有适应现代社会发展、不断自我更新的能力，提倡民俗文化产业的有序开发，有益于我国现有文化产业结构的优化调整，促进城乡互动。瑏瑡王松华、廖嵘撰文指出，在非物质文化遗产保护利用过程中，通过产业化手段寻求非物质文化遗产在新的环境下传承与传播的市场空间，并借市场化的机会扩大规模、集聚资金，实现非物质文化遗产存续与发展的良性循环。①王文章认为对非物质文化遗产中的工艺性、记忆性项目，进行产生经济效益的生产性保护，使其成为提供就业机会和产生经济效益的生产行业，能给项目保护带来可持续性的长远发展。②作为重要文化资源的民间艺术，在区域经济发展中日益成为重要力量。但是，产业开发中的盲目滥用行为，使民间艺术资源遭受很大损害。如何处理好保护与开发中的矛盾，带来民间艺术的可持续发展，是学者们普遍关注的问题，并积极探求解决路径。顾江等编著的《文化遗产经济学》③综合文化学、历史学、艺术学、经济学等多学科知识，在对文化遗产价值进行科学评估的基础上，探索文化遗产可持续发展有效途径及不同的开发模式，书中以批判性的态度指出那些为了追求眼前经济利益的开发经营对文化遗产具有“毁灭性”，指出文化遗产经营开发的目的，是使其保存时间延长，实现可持续发展，在合理经营中实现更好的保护。王会莹指出，民间艺术如果只根据市场的需求进行创作，结果可能会抹杀民间艺术固有的乡土味，成为形式单一、缺乏内涵的商品，这是民间艺术商品化过程中不能回避的问题。同时，审视过去开发利用中出现的问题，还必须在产业化的同时，建立起非物质文化遗产市场化后的评估、监测、规范等管理机制与收入分配体系，要在坚持整体性保护的原则下，积极寻求新时代背景下非物质文化遗产的生存与发展空间。④另外，刘建华的《手工艺文化产品营销传播的新华村模式》⑤、胡晓蕾的《民艺产业化的品牌建设研究———以谭木匠为例的实证与规范分析》⑥等文章也提出了民间艺术产业开发的品牌建设、市场营销等问题。

3．民间艺术产业开发的区域和个案研究还有许多学者以区域或者个案为视角，由小及大，展开对民间艺术产业化的研究。有学者选取民间艺术单个品类进行深入研究，以探寻民间艺术传承与开发中的个性与共性。个案研究涉及在享誉国内外的“映像”系列歌舞的编创和产业化探索，如《云南映象》、《印象刘三姐》等；在演艺业和影视艺术业不同凡响的郭德纲相声、东北二人转；民间工艺品类的保护与市场开发，如风筝、鲁锦、泥塑、丝绣等等。区域民间艺术研究，大到省市、小到一个民间艺术流传的县乡，提出民间艺术区域保护和开发的构思与设想。学者们从民艺个案的传承保护入手，以不同的研究视角关注这些民间艺术在现代市场中的动态流变，对民间艺术的深刻细描使民间艺术更加立体丰富。随着社会对于民间艺术的重视不断加强和其经济文化价值的不断彰显，文化产业界面上的“民间艺术之舞”正在华丽登场，这已是学界的普遍共识，并在文化产业的实践中获得了验证。

二、民间艺术的经济文化意义

民间艺术具有经济功能，这是文化与经济的同体共生关系决定的。生存于村落文化视野下的民间艺术一直起着满足审美需求、丰富艺术生活、抚慰乡民心灵、营造民俗氛围的重要作用。随着社会生产的进步，使商品交换成为可能。以实用为创生基础的民间艺术，逐步成为民间艺人谋生的手段。“因为艺术作为一种生产活动，其产品即艺术作品也内在的具有商品的属性。”⑦民间艺术在其发展中，逐渐内化为一种生活方式，转变为民众获取生活资料的一种手段。许多民间艺术历经社会变迁、淘洗，发生了由产品到商品的质变，创造了可观的经济效益，才能鲜活地存在。民间艺术的经济意义表现为以下两个方面。一方面，民间艺术以灵活的形式和丰富的艺术特质，成为经济发展的有效补充。民间艺术起源于劳动和由劳动构成的原始经济关系，在其发展承传过程中，始终带有明显的功利色彩。原始工具、装饰物的产生和进步，是艺术不断创新的过程。艺术在运动变化过程中，起着促进和发展生产力、完善生产形式的作用。艺术本身所有的特性鼓舞着人们的生活追求，刺激着生产和流通。艺术成为经济构成，表明区域社会有着较高的文明程度。例如，大汶口时期的陶器、石器是原始时期的例证；元明清至近现代的手工艺、戏剧、曲艺等说明民间流布以追求美、精巧、省力为目的的民间艺术活动，使民间艺术流布区域生产力更趋生气和活力。并且，由于民间艺术的介入而引起的人们物质消费文化和经济生产文化的观念变化，形成了一种循环往复的作用力，制约和推动着生产方式的变化。另一方面，民间艺术作为一种符号和表述，反映了社会经济发展的某些历史状况。民间艺术的发展形态随着社会经济形势而不断波动，在内容和形式上也反衬了经济的变化。战国时期，齐国经济的强盛，直接体现为齐国民间工艺美术、音乐、舞蹈等形式的繁荣。凡是民间艺术品类繁多，体系完备的区域，在总体趋向上该地区也呈现经济历史的繁荣景象。以山东为例。虽然山东经济呈现农耕经济文化的特点，以自给自足的小农经济生态为主，但是山东民间艺术从发展初期就显示了其商品经济的特点。春秋前，山东就出现了以民间艺人为骨干的手工业者队伍，它们的艺术产品不断地流入市井，成为商品进行流通。后来形式不断完备的民间戏曲班社，其管理、组织完备，对现代都具有借鉴意义。比如，著名的山东杨家埠木版年画本身就是一个民间艺术行业，其产生或存在与明清时期民众的基本生活状况有着密切关系。当时从事年画制作的人员主要有两类，难以自给的农民和作坊艺人。当年的山东潍县杨家埠年画，并不是兴起于市中繁华地带，而是在潍坊老城区东部15公里开外寒亭地区的杨家埠村。当地的民间口头传说与家谱资料表明，一些四川移民于明初迁居该村时，这一带土地贫瘠，地少人多，仅靠农业难以维持生计。于是村民中有掌握刻版技艺者，开始利用一技之长，以家庭为单位，翻刻复印当时已十分流行的年画，并拿到市场上出售。①后来村民们发现这种行业投资少，收益多，制作和经营的周期短，于是纷纷操此行业。在杨家埠村的带动下，周围数村很快出现了多个年画作坊，并发展成为全国著名的民间年画产地之一。可以说，山东民间艺术在社会功能指向上，是超越了传统小农经济形势的，同时，民间艺人也充当了传统经济的叛逆者和新兴经济的弄潮儿。可见民间艺术的商品性质是民间艺术的特性和惯性使然。

三、民间艺术产业开发是对民间艺术价值的重构

法国社会学家皮埃尔•布迪厄在1986年《资本的形式》一文中第一次完整地提出了文化资本理论。布迪厄认为，资本可以分为经济资本、文化资本和社会资本三种基本形式。在这三种资本形态中，他对文化资本在社会生活中的影响尤其关注。他认为，文化资本也分为三种基本的形态，一是以精神和身体的持久性情的形式体现的具体的状态；二是客观的状态，以文化商品的形式（图片、书籍、词典、工具、机器等等）形式体现；三是体制的状态，以一种客观化的形式体现。②文化产品，是客观化的文化资本和经济资本的统一。文化本身具有价值并能转化成经济价值。布迪厄的文化资本理论，是文化产业的理论基础。文化资本有利于文化遗产的可持续发展。文化资本是一种经济现象，文化价值能够产生经济价值，并在产生经济价值的过程中提升原来的文化价值。文化生态系统支撑着文化资源的传承与发展，影响着人们的生活行为方式。让文化遗产在文化的演变发展过程中自行衰落，而不进行必要的投资来维持和增加这种无形文化资本，这种忽视文化资本的行为很可能会导致文化体系的衰落甚至崩溃。民间艺术是一种客观形态的文化资本。民间艺术产业开发，是对民间艺术价值的重构，是民间艺术资源资本化的过程。民间艺术资源转化为可资利用的文化产业资源必须满足三个条件：一是资源具有独特性和不可替代性；二是资源转化的成本是可控制的；三是要具有市场竞争力。不是所有的民间艺术资源都可进行产业开发，只有满足上述条件的才能实现由艺术品、实用品到商品的转化。民间艺术的产业开发，首先要转变思维，树立民间艺术不仅仅是文化“艺术瑰宝”，而且是一种可转化为商品的潜在资源的理念。民间艺术的产业开发就是要把某些过去私相授受、零散学习的民间技艺形式，变成艺术商品并按照市场规律运作的自由企业经济形式，且达到相当规模，创造利润的过程。民间艺术的产业开发，也是在民间艺术所惯有的属性上，予以规范、创意，用现代化的市场理论和经济理论，使其更加适应现代市场经济发展方向，成为当今社会经济发展的助推力。

1．提升和保护民族文化遗产的有效手段从民间艺术创生流变的运动变化过程中可以看出，民间艺术出自人类物质生产活动的实用目的，在社会变化发展中，不断调整自身存在状态，逐渐成为调节装点人类生活，为生产主体创造审美情趣和经济效益的物质或精神存在。这说明民间艺术具有主动适应外部环境的功能，它能够根据社会环境的变化不断地改变自身的生存样式，以求逐步完善和更新。在现代社会中，某些民间艺术品类的消亡正是自身不能适应社会发展的结果，外界力量的挽救和保护只能保存其历史存在的事实，却无法挽回其弱化到消亡的脚步，因为这种民间艺术品类已经失去了其赖以生存的环境，也失去了欣赏和需要的受众。民间艺术的产业开发实质上是其自身和外部力量双重作用的结果。民间艺术在其发展历史上，曾产生过巨大的经济效益，出现过商业化的萌芽。比如宋代就有了专门供戏曲演出的商业场所“瓦舍”，而到了清代，戏曲的商品性越来越强，京剧更是发展成为拥有巨大商机的艺术形式，许多人投身京剧艺术，并不仅是出自对于艺术的热爱，而是将其作为一种谋生的手段。许多民间艺术品类的辉煌时期也正是它创造巨大经济效益的时期。民间艺术历经时代的沧桑变迁，洗尽铅华，还能露出其本真的美丽，这就是其强大的生命力所在。或者任其随波逐流，或者只是单纯的框护，都不可能实现民间艺术的当展。只有让其与现代生活接触，让其在现代生活中找到应有的位置，实现其价值，民间艺术才能持续传承。在产业化过程中，会有这样与那样的不足，会有一些与乡土语境脱离的变化，但是，哪一种民间艺术不是在不断地适应社会，不断自体更新的过程中坚持走到了现在？从这种意义上来说，民间艺术的产业发展首先是对自体的保护，是对自身发展的扬弃。

20世纪90年代以来，在市场经济条件下，艺术商品化成为主要的发展趋势，许多地区的政府、企业都看到了民间艺术潜在的商业价值。但是，不考虑资源的承受能力的盲目、重复开发，凭空猜想、粗制滥造造成硬质景观的堆叠，使伪民俗大行其道。这种为了追求经济利益，以牺牲自然环境和民族文化生态环境为代价的掠夺式开发手段，使民间艺术产业化走上了工业社会先发展、后保护的老路，偏离了民间文化资源生态健康发展的轨道，这也是许多学者反对民间艺术商品化的根源所在。民间艺术开发和保护之间的矛盾不是不可调和的，关键是看开发者对开发的认识和由认识所决定的开发行动。要正确认识民间艺术产业开发的必要性，它不但能给当下带来客观的经济收益，在方式方法科学得当的前提下，还会弘扬本民族、本地区的传统文化，使之得以传播，并在传播过程中完成文化的传承与优化。如果片面强调民间艺术资源的保护，在全球化的发展大潮中，在外来强势文化的冲击下，容易使民族文化淡化和边缘化，甚至在强势文化的冲击和掠夺下，民族文化生活被逐渐遗忘，甚至消失。在此意义上说，开发不仅仅是经济上的收益，还是对文化的另一种保护，产业的发展就是文化的发展。对于适应产业开发，能够满足市场需求的民间艺术资源，进行合理有效地开发，使更多人了解民间艺术的生存状况，认识民间艺术的独特魅力和文化意蕴，使之与当地民俗文化环境、物质环境和社会环境相适应。民间艺术借助现代科技手段进行文化艺术创新，不再拘泥于传统的题材和技巧，而是挖掘出新的主题，创造出更多的经典作品，使民族民间文化得以传承和延续。民间艺术产业开发不是对于民间艺术的曲解，不是对传统直线性的继承，而是一种发展中的求舍，是在民族传统中融入现代意识的再创造，也正是回应了文化随时代变迁而流变的本质面目。

2．打造民族文化产业品牌，提高文化竞争力的有益资源文化品牌，对于一般产品来说，是指具有明显的文化附加值，它能给消费者提供额外的精神享受；而对于文化产品来说，就是它能充分提供某种特定的文化消费和文化服务，使消费者的特定文化需求得到满足。文化品牌实质上是具有文化意义和文化价值并具有独特标记的产品。①文化品牌是经过市场检验，被消费者信赖的产品。一个国家、地区，所拥有的文化品牌越多，它的文化竞争力就越强。文化品牌以特定的文化为灵魂，文化品牌的打造首先是文化资源的提炼和利用。打造民族文化品牌首先必须发掘、整理、总结、提升民族文化资源，把民族文化资源中那些有意义、有价值、符合时展需要的因子发掘、整理出来，并进行总结、提升，重新编码。②民间艺术扎根于民族文化的沃土，富有深沉的文化艺术价值和独特的艺术思维观念，是民族文化中最具代表性的载体。中国民族民间艺术无比灿烂、丰富，其中经典的艺术符号数不胜数，是文化产业发展中的“魅力资源”。开发民间艺术资源，从民间艺术中汲取精神营养和灵感，为文化产品打上鲜明的民族个性标签，塑造富有特色的民族文化品牌，提升文化竞争力。民间艺术产业化的过程，也是弘扬民族文化，增强民族自信心和认同感的过程，同时又为民族文化产品奠定了可持续发展的基础。通过特色民俗文化产业的跨越式发展，盘活民俗文化与现代工业的关系，发展民俗文化产业链条中的信息服务业，改善工业生产的生态文化环境，实现民俗文化与现代经济之间的张力性共存。

3．实现区域经济跨越式发展的有生力量通常认为，影响区域经济增长的因素主要是自然条件和自然资源、劳动力资源、资本、技术条件、制度、区际贸易因素等。而对于不同区域来说，其深厚的文化资源积淀也是促进区域经济增长，增强区域竞争力的主要因素。区域经济发展模式与地域文化密切相关，地域特色文化渗透到区域经济中，可形成有特色的区域经济模式，从而形成不同区域的特色产品。民间艺术具有显著的地域特性，特色鲜明，又极富自然与人文内涵，显示了巨大文化差异性，在区域内往往有广阔的市场和受众，也会成为吸引域外消费者的主要产品。民间艺术作为历代先民们创造的极其丰富的和珍贵的文化财富，是一个区域、一个民族的民族精神、民族情感、个性特征的重要载体，其所蕴含的文化符号可以成为区域文化产业的文化资源，为文化产品的符号价值的生产提供原材料。民间戏曲可以进入演出市场，实行产业化运作；民间工艺可以进入制造业，提升区域文化产业的竞争力。区域民间艺术资源禀赋为区域经济发展创造了比较优势。虽然民间艺术的产业开发在学术研究中尚有争论，但是民间艺术产业化实践已经走得很远。随着区域民间艺术产业实践的深入展开，民间艺术产业在文化产业结构调整和区域文化经济水平提高等方面的作用将进一步得到彰显，尤其是对于农村文化产业和农民生活水平的提升将显示出强劲的推动作用。民间艺术产业，是传统文化资源同现代审美、创意、科技以及市场共同打造的产业，它可以是单纯的影视产业、制造业、旅游业、演艺业、出版业，也可以是将所有产业串成链条的内容因子；它可以是促成农村文化产业的主要因素，也可以成为推动区域文化产业发展，带动区域经济腾飞的有力支点。民间艺术作为民族文化的遗传密码，在当代社会正以不同的语言，不同的方式被翻译、被注解。

四、民间艺术产业开发的几个问题

1．坚持可持续发展的层次开发模式民间艺术产业开发是对民间艺术资源的有效保护和提升，但是不适宜产业开发的民间艺术品类也不能扔进历史的故纸堆。坚持可持续发展理念，完善民间艺术保护和开发的机制，要建立民间艺术保护与开发的金字塔模型，即民间艺术资源层次开发模式。在充分论证和调研的基础上，将民间艺术资源根据其性质、留存现状和产业开发适宜程度进行分类。不适宜产业开发的民间艺术品类，处于整个模型的根部，通过建立民间艺术博物馆，非物质文化遗产保护、研习、立法命名等方式进行静态记载，由政府出资或争取社会资金的注入，以及民间艺术博物馆的自身收益来维持其发展。这部分民间艺术资源是民族民间文化的根基，记录和保留其文化形态和文化精神，可以使这些民间艺术资源得到有效地传承，也为民间艺术的产业化发展寻求历史的足迹和文化的滋养。中间层次是可以在社会中流传生存的民间艺术形式，在其乡土语境中有广泛的受众，但是体现较强的文化地域性，可在其流布区域内进行产业开发，使之创造经济效益，服务区域经济发展，同时得到文化的传承。最上层是民间艺术中较为活跃的部分，可塑性和可变性比较强，甚至可以说是从民间艺术中抽离的艺术元素，置入现代文化产业语境中，大力开发，实现规模经营，成为区域间、国际间可以广为交流的文化产品，成为打造民族文化品牌的核心元素。这种保护与开发模式在民间艺术各门类中形成资金的良性循环，也在区域内形成文化产业的新增长点。这种金字塔的保护与开发模式，对不同性质、不同品类的民间艺术资源区别分类，统筹配置，合理利用，从而保证民间艺术资源的可持续发展和永续利用。