艺术特征论文精选(九篇)
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第1篇：艺术特征论文范文
探寻歌唱艺术的审美特征，展示歌唱艺术的独特魅力和美好感受，体现歌唱情感表现的自我创造与需求，塑造感人的歌唱艺术形象，构筑理想的艺术境界，追求震撼人心的艺术效果，对于歌唱艺术的发展具有十分重要的意义。
一、对歌唱艺术审美的认识。
在音乐艺术中，歌唱的审美是歌唱者对歌唱艺术美的一种感受和体验。任何人对现实生活中美的生活、美的事物以及对美的艺术的欣赏都是一种审美活动。相比较之下，歌唱艺术在展示其审美功能的方法和形式上是极其独特而富有魅力的。因为歌唱艺术美的构成法则，不仅在于歌唱审美的功能与价值上，而且还在于它充分体现了人类情感表现的自我创造与追求。从美学角度来看,无论西方美学强调音乐形式属性的“听觉艺术”、“情感艺术”，还是中国古典美学的“心声结合”与“心物结合”、“听觉——心觉”艺术，作为艺术审美对象，歌唱艺术其审美价值都存在于整个审美活动过程——审美感受和审美体验中。也就是说，声乐艺术作品不是离开主体独立存在的，它的价值“正在于它以其感性存在的特有形式呼唤并在某种程度上引导了主体审美的自由创造”。“它在本质上是一个问题，一句向起反应的心弦所说的话，一种向情感所发出的呼吁”。歌唱艺术正是这样一种人类心灵对世界感应的产物，是以歌唱声音为物质材料的人类精神唤醒、生命升腾的展开形式，是一种“有生命力的形式”。歌唱艺术以它独有的魅力，从审美创造到精神愉悦，在广阔无垠的音响空间里，回荡着激情昂扬、细腻深情、如泣如诉、扣人心弦等美妙动听的声音。没有哪一种艺术能像歌唱艺术一样，拥有如此众多的热爱者、参与者和审美从众者。这就要求在声乐作品的演唱中，必须渗透着歌唱者的审美感受和情感体验，歌唱者只有在歌唱时把自己所有的情感都倾注在作品之中，把自己对作品的理解、审美感受和爱憎情感，通过歌唱形式全部呈现给听众，才能使听众从中得到美感和享受。
歌唱艺术作为人声音响的美，它是以文学作品的语言美、音乐作品的旋律美、歌唱的声腔美、表演动作的形态美和乐器的伴奏美为基本构成要素。在一般的音乐审美活动中，欣赏者是审美的主体，音乐是审美的客体，而在歌唱审美中，歌唱者扮演着审美主体的特殊角色，他既是一个优秀的审美者，同时又是美的声音的创造者，歌唱者只有具备高超的审美能力和歌唱水平，才能创造出美的歌唱声音，为听众提供美的审美音响材料，使听众获得美的享受。可见，歌唱艺术的审美感受和体验是具有一定审美态度和超越意识的主体，在以某种感性存在的特有形式（客体）的呼唤下，经过生理愉悦到精神愉悦乃至精神升华的心理感应过程。它包括了生理和心理两个方面的因素，是美感经验的基础和出发点。在生活中，我们都有这样的感受，比如当你听到某一位歌唱家的歌声以后，在未听清楚歌词与旋律时，就已经被他那明亮清脆、悦耳动听的声音深深地感动了，当你听到某种不同的声音时，就会产生不同的感觉，有些声音会使人产生兴奋或轻松的感觉，有些声音会使人产生忧伤的感觉，有些声音仿佛使人感到微风拂面，十分美妙，并在很短时间内就可以激发我们对歌声美的感受。因此，研究和确立正确的歌唱审美观，形成正确的歌唱审美感受，对于一个歌唱者来说是十分重要的，应当引起广大声乐教师和歌唱学习者的高度重视。
二、歌唱声音的审美特征。
根据多年的教学实践，笔者认为，学习歌唱的人，首先要充分认识歌唱声音审美的重要性，应当从一开始就要注意形成正确的声音审美感受。歌唱者对声音的审美感受，实际上是根据自己以往形成的听觉经验，依靠长期积累的声音形象，在内心构想出实际的艺术形象，并产生一种愉快的心理体验。实践证明，“如果单纯追求生理方面的感觉，歌唱的声音就会缺乏美感，似乎只是一些纯技巧性的肌肉声，是一种没有任何表现力的声音”。这样的声音是毫无价值的，是不会打动人的心灵的，更不会使听众得到美的感受和享受。因此，歌唱者必须建立良好的声音美感。歌唱者只有把声乐作品深刻的思想内涵和美好情感融入到自己的歌声之中，他的歌唱才能具有美感，才能产生更强的艺术感染力，才能引起听众的共鸣，打动听众的心弦。
笔者认为，对歌唱声音的审美，不能仅仅局限于听觉与情感方面，还要进一步从歌唱者的视觉、味觉、触觉等方面的美的感受上去把握。因为歌唱审美心理要通过想象和联想，它不仅要让耳朵听到美的声音，似乎还要让眼睛也能看到美的声音的色彩，让味觉感受到美的声音的味道，让触觉感受到美的声音的力度和分量。如通过视觉看到美丽的景色，感觉很好看，进而引发赏心悦目的美感感受和体验，然后再通过歌声把这种情感表现出来。又如当你听了某一位歌唱家的演唱后评价说：“他的歌唱声音很甜美”等等。这说明人的感知系统的味觉器官对声音产生了美的感受，如同你通过味觉尝到了蜜糖一样，感觉很甜蜜，进而引发了愉悦的情感体验。再如当你听到“她的声音很柔和、细腻、富有弹性”等等。这种评价是来自人的触觉器官对歌声的一种审美感受。无论那一种感官的审美感受，就其实质来说，都是对声音的审美评价。声音美感的构建和培养除了声乐教师的悉心指导之外，主要应通过歌唱者自己的心理感觉去细心体会和领悟，应充分发挥和调动人体各种感觉器官的作用，感受和体验声音的美感。虽然说人体各种感知觉器官是来自大脑的不同反应，但在歌唱艺术审美中，各种感官却可以打通，交互作用，即产生文学上所说的“通感”现象。所以说,歌唱者的声音审美应该是“通感”现象的产物。如当你看到白色和听到明朗的声音时，会感到一种淡雅、纯洁的情绪和情感；看到黄色和听到明亮的声音时,使人产生活跃、欢快的情绪和情感；抚摸柔软的物品和听到轻柔的声音时,使人产生柔和、细腻的感觉等等。
在歌唱声音的审美中，对歌唱声音的波音技巧的运用也是一个极其重要的因素。歌唱声音的波音技巧是歌唱的生命线，缺乏波音的歌唱声音是没有生命力的声音。大家都有过这样的感受，当你聆听了一个没有歌唱方法者的演唱以后，总会认为他的声音生硬、僵直、浅白，喊叫的成分较多，显得很刺耳、很难听，其原因是他的歌声里严重缺乏波音。“从歌唱声音的艺术角度来讲，没有波音的歌唱声音就不是乐音，其歌声也就不具有美感”。自然、良好的波音技巧是在正确的发声基础上形成的，掌握了科学的发声方法，就能获得美好奇妙的波音，使歌唱的声音增添异彩，魅力无穷。曾经有人认为“歌唱的波音是天生的，不可训练”，实践证明这种观点是不科学的，波音完全可以经过科学的发声训练来获得。歌唱的波音是通过母音振动表现出来的，波音的产生离不开母音频率的快速振动，这种振动能够超出歌唱者本身有意识控制的范围。歌唱声音的波音振动频率与歌唱声音的高低有着直接的关系，音高频率则高，（振动次数越高）；否则相反。歌唱声音的波音振动频率不能过快，也不能过慢，振动次数过快就会产生尖细、刺耳的声音，振动次数过慢就会产生一种慢速的、大波浪曲线感的声音，犹如电压不稳，忽高忽低，也很难听。歌唱的波音振动频率只有适度，才能使歌唱出来的声音具有美感。
此外，对歌唱声音音色的审美也是歌唱声音审美中不可忽视的又一重要因素，应值得每一个歌唱者积极探索和潜心研究。因为，歌唱的音色是歌唱者心理上的思维反映，漂亮的音色能为歌唱的声音带来金子般的光辉，没有漂亮的歌唱音色，就不可能生动地表现声乐作品的情感内涵，那种失去光泽的歌唱声音是毫无价值的，绝对不会产生任何美感。
三、歌唱音乐感觉的审美特征。
在歌唱艺术的表演中，音乐感觉的美感是歌唱审美的重要方面。歌唱艺术的审美愉悦和审美情感是靠歌唱者的心理感觉而感受的。一个成功的歌唱家和演奏家在演唱、演奏时，都会有一种独特而奇妙的感觉，这种感觉就是对音乐的审美感觉。它不仅能使歌唱者充分地表达声乐作品，而且更能打动听众的心灵，并同时唤起听众与歌唱者同样的审美感受。歌唱者的音乐美感除了良好的天资以外，主要应在长期的音乐学习和实践中逐步养成，不断提高。对于歌唱者而言，不但要注重音乐审美感觉的培养，而且要重视音乐的音准、节拍、节奏、速度、力度等基础训练,还要注意体验生活，观察日常生活中人们说话时的情绪、语调和心理状态,观察动人的景色和美丽的风光，体验大自然的美感,观看著名歌唱家、演奏家的艺术表演，倾听美的音乐，从中领略声音与语言的美感、韵味与风格的美感、情感与形象的美感等等。还可以通过阅读小说、朗诵诗歌、观看电影、电视等途径，加强自身的艺术修养，体验不同人物的性格和内在的情感活动，丰富音乐感觉的美感性。
四、歌唱情感的审美特征。
歌唱是最富有情感的艺术，而情感审美又是歌唱艺术的重要因素之一。歌唱情感的审美是一种心理反映，包括了声音技巧和情感表现两个方面。在歌唱中，声音的美感是重要的，但歌唱情感审美也不能轻视，二者联系紧密，相辅相成，互相补充，互相促进。歌唱时不但要追求声音的美感，而且要注意声音的情感表现，只有做到声情并茂，才能达到歌唱艺术的最高境界。情感是歌唱艺术的核心，歌唱又是情感的艺术表现形式，而艺术的魅力就在于表现情感。歌唱是情感的美化和升华，要想把审美情感正切地表达出来，就必须“进入角色”，全身心地投入到声乐作品所表现的情境之中，才能赋予歌唱以感人的魅力。声乐作品能否产生震撼人心的艺术效果，让听众得到美的情感的感受，关键就在于歌唱者需要准确表达作品的内涵，从心灵深处爆发出一种把自己美的情感表达出来的强烈愿望。
笔者认为，歌唱的情感审美具有三个方面的表现特征。
一是情感审美表现与情感审美价值标准的制约。人不但有情感，而且是丰富多彩的，只是对情感的表现方式及程度不同，但不论是哪一种情感都要受到社会环境与历史条件的规范和制约，都要受到理智的支配。情感审美标准实际上就是对是非、利害的评价，如大家都喜欢美的情感，讨厌丑恶的情感。这说明歌唱艺术美作为生活美的反映，作为一种观念和形态的美，本身就存在着采取哪种审美态度，反映怎样的客观内容，表达什么思想感情的问题。成功的歌唱在体现社会意义、时代精神、听众的愿望和理想时，都表达着歌唱者美的心灵感受，倾注着歌唱者的爱憎情感，这是感染听众，引起共鸣的原因所在。例如抒情优美的《牧歌》，它是一首蒙族民歌，歌词两句一番，共四句，艺术形象纯朴、富有诗意，作品处处都流露出对草原和生活的热爱。音乐旋律悠扬、飘逸、婉转，充满着浓郁的情感，十分动人，充分展现出草原牧区美丽、壮阔的自然景象。词曲结合恰当、巧妙，互为一体，准确反映了词曲作家的艺术情思和情感审美态度。歌唱者在演唱此歌时，也同样要蕴涵着词曲作家的情感审美感受。听众在欣赏这首佳作的演唱时，也同样要契合心境，感思。
二是情感审美表现要力求真实性。也就是说歌唱要有真情实感，所谓真情实感就是要极力抛弃虚情假意和矫揉造作的东西，使歌唱所表现出来的喜怒哀乐等情感的轻重、强弱、深浅及准确程度，都要与音乐作品中产生的各种情感刺激物相互对应。例如爱的感情，恋人之间的爱与夫妻的爱不同，朋友之间的爱与情爱不同，父子之间的爱与师生的爱不同等等。因此，歌唱者一定要注意挖掘作品的思想内涵，把握好歌唱的表现分寸，使歌唱充满真实的情感，保持很强的艺术感染力，唤起广大听众的情感共鸣。歌唱中所强调的真情实感的表现，生活不是简单的真实再现，而是源于生活又高于生活，以现实生活为情感基础，进行艺术创造，刻画和塑造出感人的艺术形象。
三是情感审美是心灵的直接语言。歌唱艺术表演之所以能广为流传，并深受大家的喜爱，其关键就在于它富有感人的情感力量。每当人们听到优美的歌声和动人的旋律时，在心理上就会产生一种精神愉悦的感觉，得到歌唱的审美愉快。例如人们听到活泼、欢乐的歌声，就会情不自禁地快乐起来，听到悲哀、痛苦的歌声，就会产生悲伤的情绪等等。只有听众的精神活动拥有了审美愉快，才是他们所获得的真正意义上的审美感受，只有当歌唱者对于听众的审美感受是有知的，他的歌唱才可能有效地作用于听众的思想。从艺术影响的有效性来讲，一个出色的歌唱者，不但有着极好的歌唱能力和审美感受能力，而且具有极高的歌唱审美与欣赏水平，他既是一个歌唱家，又是一个审美家。
五、歌唱艺术形象的审美特征。
歌唱者在塑造感人的艺术形象时，主要应以人为表现主体来塑造歌唱艺术形象。因此，必须对声乐作品的艺术形象充满强烈的审美感受。人既有理智，又富有感情，在塑造艺术形象的过程中，应以表现人的思想感情为核心，要注意把人的情感与理智紧密结合起来。因为，歌唱在表现以人为主体的艺术形象时，无论是反映什么主题和什么内容的声乐作品，实际上都是在表现人和人的思想感情。
笔者认为，在歌唱艺术形象审美方面应注意这样几个问题：一是要突出歌唱艺术形象的个性特征。这是因为，歌唱者所表现的艺术形象个性特征越突出，其艺术魅力和艺术风格就越具有独特性，它所产生的艺术感染力就更加强烈，展现给听众的艺术形象就越动人。人都有喜怒哀乐之感情，但在对待生活中的任何事物中，其内心活动和感情的表现方式大不相同，而歌唱者的情感表现则更为深刻、更为丰富、更为生动，对待生活的爱憎情感更加分明、强烈。他们能在歌唱时把自己的感情融入到艺术形象中去，使表现的艺术形象有血有肉，鲜活逼真，生动感人，更具美感。可以说，在歌唱家的心中始终都燃烧着炽烈的感情火焰，一直都在注意着艺术形象的内心活动和内在性格，并运用一切技术手段刻画具有独特个性的艺术形象。因此，声乐作品的表现，一定要注意表现人物形象的鲜明个性，要特别注意在对比中突出地刻画不同形象和不同个性。
二是要突出歌唱艺术形象的典型性。因为，具有独特、鲜明的个性形象并不等于是典型的歌唱艺术形象。只有当独特鲜明的个性充分地体现了社会生活的本质和规律时，它才具有典型性，才能成为典型的艺术形象。相比而言，典型的艺术形象比一般的艺术形象有着更高的概括性，因而,它反映社会生活会更集中、更全面、更深刻、更具有普遍性。
三是要突出歌唱艺术形象的独创性。别林斯基认为:“在真正的艺术作品里,所有的形象都是新鲜的、独创的,每一个形象都凭自己的独有的生命活着。”歌唱艺术形象也如此。这就要求歌唱者不仅要深入生活、体验生活，而且要有内心的独特感受，感受越独特，情感的个性就越鲜明、生动。歌唱者对歌唱艺术形象的独创性和独特感受，与本人的音乐、文化素养及心理素质有着密切的联系。歌唱者必须借助对人和事物的感觉和知觉，去突破一般人的心理定势，在声乐作品情感的激发下，产生丰富的想象和联想，从而使自己的歌唱独放异彩。歌唱者在塑造美的歌唱艺术形象时，要具有创造性的思维方式和表演意识，善于表现歌唱艺术形象的独特个性，揭示歌唱艺术形象的内在活动特点，克服歌唱艺术形象表现的雷同化现象。
四是要突出艺术形象的美感性。歌唱者要用美的观念去塑造声乐作品的艺术形象，按照歌唱艺术美的要求进行性格变化和情绪发展，依照美的法则进行歌唱表演，运用外形美的艺术表现，揭示形象的内在美，使塑造出来的声乐作品艺术形象符合美感的要求，让听众最终得到美的享受。
总之，歌唱艺术的审美特征是多方面的，它包括歌唱的审美认识，审美观念，审美感受，以及对歌唱音乐感觉的审美、声音的审美、情感的审美、艺术形象的审美。这些都是歌唱艺术审美的重要因素，都有其独特的审美特征和奇妙的审美感受，只要我们每一个歌唱者积极探寻，潜心研究，才能使我们的歌唱感觉更好，声音更漂亮，表现的情感更丰富，塑造的形象更典型、更完美、更动人。
参考文献：
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赵梅博著：《歌唱的艺术》，上海音乐出版社，1997年，11月。
第2篇：艺术特征论文范文
由《春天》《九月》《入睡之时》《在夕阳中》4首歌组成，女高音声部演唱，交响乐队伴奏。《春天》完成于1948年7月，《九月》完成于1948年5月，《入睡之时》完成于1948年9月，《在夕阳中》完成于1948年8月，4首歌曲的顺序虽然与作者实际完成的时间相同，但整个主题的构思是在同一时段内进行，作品中的歌曲顺序是后来学者们的安排。《最后四首歌》创作于1946—1948年间，作曲家历经了漫长而又骚动的职业生涯，正值人生苦闷与晚年之秋。诗人艾辛多夫的同名诗歌《在夕阳中》所描写的一对老人家面对近在眼前的死亡所表现的沉思与作曲家的个人处境形成强烈的共鸣，引发了作曲家的创作灵感。这是一部极具价值的音乐文献，作曲家的创作风格和写作手法在以往德、奥艺术歌曲的基础上有了新的发展，可以说这部作品完美地表达了作者对事物终结、生命即将消亡的哲理性思考。《最后四首歌》于1950年5月22日在皇家阿尔伯特音乐厅进行了首次演出，担任这首歌曲独唱的是弗拉格施塔特•魏尔海姆，富特文格勒指挥爱乐乐团伴奏。《最后四首歌》每首歌曲中至少都有一个“主导动机”穿插在声乐和乐队的声部中，其中由一个忐忑不安情绪的主导动机，把前三首歌曲联系在一起，第四首歌是套曲的和总结，通过前三个阶段后，逐步地描绘出一个美满而又静止与安息的意境；同时，套曲在4首乐曲的结束处，都运用了施特劳斯最宠爱的法国号的独奏旋律作为结束，使整部套曲在创作上既有统一又有对比。《最后四首歌》的调式、音色自然和谐，极富意象描绘功能；音乐织体和谐统一、清澈透明，表现了四季的更始复新、爱情、沉睡与死亡；管弦乐配器安排周密细致，特别是弦乐为女高音声部提供了明晰的背景又与之有机融合在一起；为每首歌曲伴奏的管弦乐以缥缈不定、起伏错落的经过句为背景，伴随着节奏的徐缓急驰与对比，同整部作品一道，在夕阳的余晖中、在怀旧的冥思中、在庄严的诀别中逐步消退。《最后四首歌》曲式结构非常自由，两段歌词也会时常连接在一起，乐队间奏时常在段落的中间部分穿插。歌曲乐句的长度也有长有短，长短分布的情况也极不规则和极不均衡。从宏观上来看，《最后四首歌》的序奏部分是第一首《春天》，第二首与第三首歌《九月》《入睡之时》是两个相对来说比较抒情性的段落，第四首《在夕阳中》则是终曲。因此，演唱者在演唱时尤其要注意作品情感的整体性与一致性。
1.《春天》：选自海曼•赫瑟诗歌，Andante（行板），套曲的前奏曲。歌词大意如下：在那阴暗潮湿的地方，我会经常这样梦想着，你就是那些丛林与晴空的微风，你就是那些花朵的芬芳与娇艳，是那雀鸟般的歌声。在灿烂的盛装中，你彰显出了自己。在明亮的光辉的照耀下，你竟然奇迹般地来到我面前。我已经认出了那就是你，并在不断地温柔地向我招手。这时我的四肢都不由自主地激动地颤抖。那是因为我知道幸福就要来临。这首《春天》一直贯穿着一种忧郁与不安的情绪和沉思与暗淡的音响，所唤起的是对春天的怀念。但是，听起来却没有春天的气息，可以理解为作曲家暮年对春即将离去的感受。全曲开头部分的调中心不稳定，没有调号标记。统一的和声基础为c小调的主和弦与降a小调的主和弦组成的琶音音型，通过这一推动力的音型，给全曲奠定了比较坚实的基础，歌者演唱时可以自由地、潇洒地纵情歌唱。歌曲第一、四行诗的最后一个字总共长5小节，作曲家在处理旋律与歌词之间的关系上突破了传统的处理方式，引导我们从整体的音响与声部线条中去思考。歌曲中采用的主导动机多次变型，调性复杂、变化音较多。这是一首调性相对来说比较复杂，需要变化的音节比较多的现代艺术歌曲，所以歌唱者在演唱这首歌之前，一定要相当熟悉这首歌的旋律，充分感受旋律的方向，使其成为一个完整的整体。再一个就是要严格按照节拍朗诵歌词，发音一定要正确，这些都是歌唱前必须要做到的、不可缺少的预习工作。这首歌在演唱时可以较为自由地发挥想象，演唱者要从传统的对称、呼应等关系中解脱出来。歌曲的最后，歌声在悠扬的威尼斯船歌的伴奏下要与宽广的音程一道，和着圆号的响应完美地结束全曲。
2.《九月》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。歌词大意如下：雨水是无情的，它冰冷地洒落在娇艳的花朵上，就连花园都在悲伤。夏天的明媚阳光也在不由自主地战栗，非常安静地走到了尽头。金黄色的叶子无力地低着它的头，就这样从高大的洋槐树上无奈地落下。夏日带着惊奇的笑容，在那将近毁灭的梦境中一点一点地耗尽自己。但它仍然逗留在玫瑰花丛中，慢慢地逝去。双眼也慢慢地闭上了，因为它太乏了。《九月》将诗中金色树叶的下落与滴雨渲染得栩栩如生，而晚夏后虚弱的微笑、“闭上了双眼”的描写等都是对生命逐渐消失的一种象征，也是留给人们一种“一切即将终结”的印象。演唱者在演唱时一定要注意对歌中情绪的表达，注意在较为稳定的调性中平静地歌唱，力求突出女声部的歌唱性与抒情性特点。《九月》1—4小节乐队部分中的装饰音，高声部中由三个音组成的和弦组，都是歌曲中最重要的主导动机或音型组，以此贯穿全曲而引申到《入睡之时》中，这样的效果是不仅旋律优美动听而且具有戏剧性。乐曲最末的圆号独奏部分是全曲最的部分，曲中主导动机最后由一支安慰性的独奏圆号封住这朦胧的气氛，求得与整部套曲的和谐与统一。
3.《入睡之时》：选自海曼•赫瑟诗歌，套曲的抒情乐章。《入睡之时》这首歌词的形象鲜明、诗意浓厚。作曲家借描写孩童的天真暗示历经坎坷的自己，渴望、期待着卸掉所有的重担去寻得安歇。歌声在一声疲惫的叹息中进入，刻画的是一种精神恍惚的状态；随后小提琴独奏将人们带到临睡时刻，用动人心弦的旋律来替代灵魂在太空中自由飞翔的情景，这是全曲情感最浓郁的部位，也是全曲的。歌者演唱时要唱出心灵随着令人神往的歌声而放飞的情景，唱出让人感到片刻的安息、无比的满足又不得不回到现实生活中的矛盾心理。这里的心理表达，要运用稍有变化的音色，唱出矛盾的戏剧性，同时也要借助第二段与第三段歌之间的小提琴独奏段落的抒情力量，唱出独奏之后最为激动人心的乐段。要注意旋律部位从降a与降g推至最高点降b的过程，这样的旋律我们称为模进，它与下面声部的和声充分地结合在一起，构成了全曲极为辉煌的。所以，演唱、演奏时更要注意用歌声与乐声互为表达，艺术地再现歌曲的抒情性与交响性情景。
第3篇：艺术特征论文范文
(一)装饰材料的视觉特征
室内设计中所有的感觉都是通过装饰材料来传播的，而室内设计中的色彩是给人们的第一印象，是人们对整个空间的最直观感受。不同颜色可以反馈出不同的情感特征。从艺术特征来讲，装饰材料的色彩在一定程度上具有物理特征和心理特征。比如，黑色给人以神秘感具有想象特征，白色给人一种纯净和视觉的扩张感，黄色给人一种柔和感，红色让人充满激情，生活充满能量。这些装饰材料特有的特征赋予了空间生命力，色彩的搭配可以说对整个室内的影响作用是很重要的，在色彩的使用上要注重这个空间的具体结构，同时也要把握整个室内的装饰风格来进行色彩搭配，以充分实现渲染空间气氛和情感内涵的特点。
(二)装饰材料的触觉特征
装饰材料根据材料本身所表现的结构和组织特征，是材料本身的自然属性，这种属性就是我们通常在材料选择上对材料的触感也就是我们经常说的质感。这种给人们表现出的质感感受可以引发人们不同的触觉感受。主要表现有粗糙或者光滑，透明度，这种视觉结果同人们的触觉感受是相联系的，给人们一种真实感。在一定程度上传达了一种艺术特征，这也是装饰材料重要的艺术特征。例如毛绒给人舒适感、皮质表现大气典雅、木材表现的事亲切和安全等等。
(三)装饰材料的肌理特征
装饰材料的肌理特征就是物体表面所表现的一切现象。这种材料在室内设计应用的时候可以给整个室内环境营造一种特定的表面艺术品位。由此可见装饰材料的肌理特征是进行室内设计的重要表现形式。肌理特征和人的视觉表现是分不开的，人们对环境的细节感受都是来源于材料的肌理特征。这种肌理特征大致分为两种人为创造的肌理和自然形成的物质肌理。这些肌理特征赋予了室内空间一种节奏的美感，同样为室内的设计提供了丰富的视觉材料。
(四)装饰材料的规格特征
装饰材料都是以自身或者特定情况相爱经过设计或者雕琢的形态出现的，这种形态被统称为材料的规格。这些规格具有大小之分，而在室内设计中对规格的运用也是表现规格特征的重要表现。在进行材料设计的时候要充分考虑整个空间和材料本身的尺寸进行设计的，这样才能更好地表现整个空间的协调感，充分体现不同材料表现的艺术风格，这种规格在一定程度上增添了空间在形式上的美感。
二、装饰材料艺术特征在室内设计中创新
在进行室内设计的时候要针对装饰材料所表现的艺术特征进行不断地创新，充分体现整个空间的艺术形态，空间感觉。利用更新和创造为室内增添魅力满足人们的生活需求和审美需求。
(一)在装饰材料的色彩上进行创新
在进行室内设计上要对色彩进行大胆的尝试，色彩的尝试可以在一定程度上缓解人们生活的疲劳，使人们生活充满激情。采用创新设计的原理，利用更新创造改变的法则使装饰材料遵循设计的要求，打破常规使用方法，为室内空间注入无限的趣味与魅力，满足个性化的审美需求。
(二)在装饰材料的形状组合上进行创新
运用材料所表现出的固有的肌理特征，在室内设计中对图形组合进行创新和探索，可以营造出材料的图形艺术，可以通过夸张对比的组合方式体现图形的结构特定变化，形成新的结构组合。打破图形固有的形状进行全新的组合可以打破材料本身固有的形状特征，给人以全新的视觉再造感受。利用装饰材料不同肌理形成的表面进行图形变化，针对需要的比例进行大小的变化可以改变呆板的艺术形状，在一定程度上赋予了空间活力，同时一定的形状可以给人强烈的线条感和运动感。
(三)装饰材料的质感转换创新设计
装饰材料固有的质感特征给人一种真实的触觉感受。在室内设计上需要把握其固有的质感特征进行创新设计，可以突破事物的固有质感特征从本质上进行反差性的干煸，这样可以打破常规的视觉框架，构造出全新的质感，从根本上激发出固有的审美价值。质感上的变化可以有力的提升材料的艺术表现力，还可以从改变材料本身属性的角度进行实践创新，赋予材料一定的感情，在视觉上也会有意想不到的效果。例如竹子我们可以改变常规的固有属性。利用塑料或者金属进行创新制造，在保留原有的形态和色彩特征基础上，改变质感和属性。这种创新后不但给人一种时尚感，在一定程度上给人一种视觉冲击，使人们在艺术欣赏上产生了一定的张力。
(四)废旧材料的再生利用与创新设计
在进行室内材料创新上，人们往往会忽略原有的旧的材料，而往往这些材料是创新灵感的来源。旧的材料带有时间的痕迹，可以体现出另外一种感觉。对废旧材料的创新和改造，可以给旧的材料一种新的生命。如对收纳筐进行创新，可以将这种柳条的材质设计成台灯或者装饰花瓶等等，同一材料在空间上进行再造可以体现出不同的利用价值，也会赋予该材料一个不同的意义。如交换空间节目中对废旧材料的改造，就是对废旧材料最好的处理方式，不仅一定程度上降低资源和金钱方面的浪费，同时给空间一种改头换面的感觉。由此可见，废旧材料的再造创新有着重要的现实意义，可以体现出再造人的情感思想，同时也体现了材料的空间趣味特征。这种废旧材料创新再造是当前室内设计中广为应用的创新方法，值得大家广泛应用。
三、结束语
第4篇：艺术特征论文范文
中国与韩国同样属于亚洲文化圈，且二者的传统文化有着不可分割的关系。同时，中、韩穿越剧二者具有较大程度上的相似性，但同时有很多的不同之处。本文尝试着对于中韩穿越剧艺术特征进行简要的分析和比较。
一、类同的穿越模式与形式
穿越时间、空间是人类的一种存在方式，不管是个体，还是人类存在，都是在追忆历史与源头中完成自我理解与自我认同，从而确认自己的身份。过去的历史故事在现代人眼中，好似被蒙上了一层神秘的面纱，似有似无。因此，人们对于历史总是充满着好奇心和窥探欲。时间机器是现今人类仍然无法打破的禁律，人类无法超越时空。正如古时人们对于月亮的向往“嫦娥奔月”神话正是人类借助想象力为自己插上了飞翔的翅膀。穿越影视剧正是一部时光机器，它可以实现人类自由穿梭于过去、现在和未来的梦想。中国与韩国虽说语言文化有所差异，但是穿越的模式与方法却大多相似。
1.穿越模式。
(1)现代穿越到古代:中国的穿越剧里多为现代人穿越回古代的故事《寻秦记》《神话》《古今大战秦俑情》与秦朝有夫《九五之尊》《宫锁心玉》《宫锁珠帘》《步步惊心》等皆与清朝有关。而早期的《穿越时空的爱恋》则是明朝，讲诉的是“靖难之变”历史故事。韩国穿越剧中从现代穿越回古代，主要是朝鲜时代《仁医》外科医生陈赫后在与患者争执时不慎跌下楼，穿越到1860年的朝鲜时代。
(2)古代人穿越到现代《九五之尊》，清朝的雍正与刺杀他的吕四娘在船上打斗之际，天象突变，二人被卷入漩涡中，穿越到了21世纪的香港。韩剧《屋塔房世子》中朝鲜王世子李悟与三位臣子在调查世子殡的死因时，因意外穿越300年的时空，来到了21世纪首尔朴荷住的屋塔房里。《仁显王后的男人》的金鹏道同样来自于朝鲜时代，在现代遇到了自己真心相爱的女子。
2.穿越形式。
借助器物媒介:《神话》的穿越器物是虎形吊坠和宝盒《穿越时空的爱恋》则是梦游仙枕遇上十三颗行星排成一线的一刻《宫锁心玉》，晴川通过古树和古井穿越于现代与古代《屋塔房世子》李悟纵马飞跃遇到圆月，穿越到现代。
意外:《步步惊心》中，若曦触电被送至清朝《仁医》陈赫与病人争执，意外坠楼，穿越回到朝鲜时代。
符咒或高科技:《寻秦记》中项少龙利用高科技穿越到了秦朝《仁显王后的男人》中，金鹏道利用符咒多次穿越与朝鲜和韩国之间。
二、单元时空与多元时空交错叙事结构
穿越意味着时空之间的界限是可以被打破的，历史和现实这两个原本不可能并存的时空，通过“穿越”被连接起来。交错的时空、现代文明与传统文化之间相互碰撞，给予编剧者无尽的想象和制作空间。多种元素的聚集，再现的历史情景和缠绵悱恻的浪漫爱情，吸引了越来越多的观众。
1.单元时空叙事结构。
中国式穿越剧在剧情设置上多是主角因为某种方式从现代这一时空穿越至古代另一时空，进入某一朝代。亲身经历已经尘埃落定的历史生活，并且卷入感情纠葛中。在这样一部穿越剧中，只是在开头和结尾出现在现代时空的生活场景，重点放在穿越者穿越后生活的时空。如《宫锁心玉》，讲述的是现代女子洛晴川在订婚仪式上为了追一幅被风吹走的清装美人图而跑至一座神秘树林中，美人图到手的一刹那却脚下一空，跌入时空隧道并穿越到清朝。在清朝被卷入风云诡辩的宫廷生活，并且陷入四阿哥和八阿哥之间的皇位争夺战及爱情之电《宫锁珠帘》《步步惊心》等都属于单元时空叙事结构。
2.多元时空交错叙事结构。
韩国的穿越剧多采用的是多元时空交错的叙事结构，在古人穿越到现代《仁显王后的男人》中，生活在朝鲜肃宗年代的状元书生金鹏道，因党派之争家族被灭。王上怜惜他的才华将其留下，后遭人刺杀凭借一纸“符咒”穿越到现代的首尔。不同于其他穿越剧中的单向次的时空转换《仁显王后的男人》中金鹏道用一张“护身符咒”完成了多元时空的自由转换，现代与古代场景的随意转化，完美地构成了整部剧的叙事结梅《仁医》所讲述的是外科医生陈赫因为不愿救治在工地受伤的病人与女友美娜发生争执，美娜伤心离去后遇到车祸昏迷不醒。经历这一变故的陈赫在与病人的争夺中意外坠楼后穿越至朝鲜时代，在那里他遇见了与美娜相貌相同的英莱。整部剧的大背景是皇位争夺战中紧张的政治环境，揪人心魄的医治过程，让观众的心随着主角的经历，上下起伏。陈赫身处150年前的朝鲜时空，面对与女友相同面貌的英莱，无比牵挂昏迷中的美娜，而花魁春红的奇怪行径更是让他迷惑。春红知道他的来历，也知道美娜的处境，她告诉陈赫美娜已经死了。因为她在13岁时因坠落悬崖，穿越至现代韩国，她听到的是美娜已经死了。至此，朝鲜时空、现代韩国时空、13岁小春红所处的医院与成年花魁春红，在此交错，完成了整部剧的叙事结构。
三、错综复杂与模式化的人物关系
不论是中国还是韩国的穿越剧中，走的都是俊男加美女模式。而关于剧中的人物设置，中国表现为错综复杂的关系模式，韩国则是模式化的双生双旦的人物模式。
1.错综复杂的人物关系。
中国的穿越剧中人物关系较为复杂，女主角、男主角并不是一开始就确定了关系，他们往往经历了曲折的过程才能在一起。女主角从异世而来，带着不同于传统女性的思想和才智而来“男女平等”“一世一双人”的思想观念，给各位身处于“以夫为天”“三从四德”的男子们耳目一新的感觉。他们为她的独特所吸引，为她的聪明才智所倾倒。因此“好女众男求”的现象，屡见不鲜;而同样优秀的男主角，受到很多女子的喜爱。如《步步惊心》中的若曦《宫锁心玉》的晴川，《宫锁珠帘》中的怜儿，皆是受到众位阿哥的青睐。这就导致了剧中人物关系的复杂性。
2.模式化的人物关系。
韩国穿越剧延续了偶像剧的人物关系设置，即男一号喜欢女一号，男二号也喜欢女一号，而女二号又喜欢男一号，女一号却始终与男一号互相喜欢。这是一种双生双旦的人物模式。就算是在不同的时空，他们之间的关系模式依然没有变。
如《屋塔王世子》中，世子殡、世子、妹妹之间的关系，就算穿越到现代也同样未曾改变。时空转换了，人物的性格、品质，彼此之间的关系却没有变。再比如《仁显王后的男人》中金鹏道为保护中宫娘娘仁显王后而穿越。正巧碰上出演仁显王后的崔茵珍，二者之间产生了跨越时空的爱情。对于金鹏道而言，崔茵珍就是他豁出性命也想保护的“王后”。
四、庄重严肃与清新淡雅的美学风格
作为一种艺术作品，中国和韩国穿越剧在整体上形成了自己独特的美学品格，中国穿越剧主要表现为庄严严肃，而韩国穿越剧电视剧则是清新淡雅。
1.庄重严肃的美学风格。
中国作为具有五千年文明的国家，有着自己的传统文化，其中占据主流和大统的是儒家文化。儒家文化即可称之为“礼乐”文化《论语·颜渊》“齐景公问政于孔子。孔子对日:君君，臣臣，父父，子子。公日:善哉!信如君不君，臣不臣，父不父，子不子，虽有粟，吾得而食诸?”就是对于“礼”最好的阐释。中国注重不可逾越的等级制度，要求凡事以大局为重，虽然说现代社会提倡自由平等，但是这种深入骨髓的儒家文化已经深深刻入了我们的骨血里。中国穿越剧多数是由现代穿越入古代，首先就确定了整部剧的大背景是古代，整个画面所呈现的就是庄严的皇城、礼制森严的古代社会图景。尽管女主角由现代社会穿越而来，带着现代新思想而来，却只能入乡随俗。如《步步惊心》，整部居}l所处的背景就是清朝，故事的场景就设置在京城，天子脚下。如此一开始就会给人一种压抑的感觉，就算是有着轻松愉快也只是短暂的，更何况剧情随着众皇子夺嫡之战，更加严肃。剧中的衣食住行皆有规制，稍有差池便是大错。所以，中国穿越剧主要呈现出庄重严肃的美学风格。
2.清新淡雅的美学风格。
第5篇：艺术特征论文范文
一运作程序专业：
一些西方出版社在国际版权贸易方面之所以能成功，离不开其成熟而专业化的运作。
首先，当确定好选题计划后，出版商会先审查一下自己对哪些作品拥有国外版权，并将这些书目集中成简短的介绍收入到新书目录里。这些书目通常会用英语撰写，以便于与世界各国的出版商和商交流。接着，出版商会将新书目录寄给选定好的版权机构或人。由于许多商能够更好地判断哪类书更适合于哪家出版社，西方国家的版权贸易大多是由版权机构或人来直接完成的。因此，多数大型出版社都与世界各主要的语言地区的一些机构有合作关系，或者专门聘请人来为自己和其他语言地区的出版社之间的合作服务。在进行版权谈判时，许多出版商和商通常严格按照规则办事，签署的合同条款详尽而细致。一旦签约后，他们大多能够严格执行合同，具有强烈的法律意识。为了维护与合作伙伴的长久合作关系，许多出版商和版权商都很重视老客户，不唯版税率高低是从。
另外，出版社内部对版权交易的管理也较周全。通常情况下，版贸部门会保存基本的版权贸易档案记录，对于每笔操作都予以集中管理，记录每个项目确切的情况和授权对象，以便日后能很快地查询到每一个选题的版权及版权销售情况，其记录甚至还包括了每一客户的兴趣和购买方式，以及版权收入的详细分配等。
二市场调研周密
版权贸易前进行周密的市场调研是西方诸多出版商获得成功的法宝之一。版权贸易通常是一种主动销售的结果，这就需要进行相应的市场调查，以明确版权贸易的地区、对象和时机等。这种调查需要了解的是每个潜在市场的政治、经济状况、阅读品位、读者需求以及每个出版社的专长、出版记录、在当地的地位、潜在版权购买者的购买能力等。根据调查的结果，版贸人员会结合具体的项目进行评估，以最终确定版权贸易的对象以及可销售的版权范围等等。
三宣传促销多样
图书版权贸易的宣传工作有别于图书宣传工作，它主要是指出版社以版权贸易为中心开展的图书营销宣传，包括出版社总体实力的宣传、图书广告宣传、寻找理想的版权等等。近年来，西方出版业的宣传促销活动不断升级。发达国家出版商用于宣传促销的费用，一般占到图书发行总码洋的5%～8%，新书宣传费用占其初版销售码洋的10%～15%。其中，版权促销推广的费用占了很大一部分。一般来讲，西方出版商会采取以下宣传促销手段来推进国际版权贸易的顺利发展：（1）国际书展。法兰克福国际书展、美国国际书展、北京国际书展、东京国际书展等都是国外出版业巨鳄宣传、展示自己的优版图书，开展版权贸易的重要舞台。（2）开发衍生版权产品。如英国布鲁斯伯利出版社在促销《哈利·波特》时，就采取了开发衍生版权进行交叉促销的手段。（3）媒体攻势。利用媒体进行图书版权促销也是国外一些出版社常用的一种手段。多样化的宣传促销手段使得出版商的图书更易被人们发觉，从而走向更广阔的出版市场。
第四，版贸机构专门化、版贸人员高素质
国外综合大型出版社通常设有专门化的版贸机构，如德国斯普林格出版公司就设有版权及版权许可部门（RightsandPermissions）。另有一些大型的出版机构，如汤姆森学习出版集团，在世界各地设立分公司、分支机构或处来打理版权的有关事宜。另外，国外的版权业也十分发达，版权贸易最活跃的美国有600多家版权公司，英国也有200多家。且版权形成规模发展，网络布局，成为版权产业链的重要一环。同时，从事版权贸易的工作人员通常都具有较高的素质，他们不但有良好的专业素养、丰富的知识储备，同时还具有广泛的社会关系以及较强的公共关系能力和技巧。
我国近年来版权贸易发展也十分迅速。从1995年到2002年，我国进行的图书版权贸易高达5万余种，其中引进45561种，输出4551种。据国家版权局公布的数据，1995～2001年全国版权贸易年平均增长率为28.1%。但是我国许多出版社在开展版权贸易方面依然存在许多不足，如版贸人才缺乏、机构不健全等等。
从发达国家的版权贸易经验中我们可以得到如下启示：
首先，要提高版权贸易方面的专业化水平。这包括组织周密的市场调研、确定目标市场，进行全程策划、提高版权贸易策划水准等等。
其次，建立一支版权贸易专业人才队伍。可以在高校的编辑出版专业中增设相关课程，还可举办各种形式的研讨班、短训班。
第6篇：艺术特征论文范文
关键词：红山文化；红山文化图饰；艺术特点
中图分类号：K871；J522 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）03-0005-03
红山文化是中国北方地区新石器时期比较重要的文化之一，属于彩陶和细石器共存的新石器时代文化，距今约有五、六千年的历史。多年来，许多考古工作者对红山文化遗址开展了大规模的调查和发掘，使红山文化的研究不断进入新的阶段。与此同时，广大艺术工作者也在孜孜不倦地探索红山文化先民的生产生活方式，以获取红山文化中有价值的艺术符号，为现代的艺术创作提供更高质量的文化给养。
一、承载红山文化图饰的器物类别
红山文化是中华文明发展中具有重要历史地位的一支文化，它为中华五千年文明发展奠定了基础。按照当时的使用功能，可以将红山文化时期的器物大体分为盛器、生产工具、礼器三大类别，又以陶器（彩陶、之字纹陶器等）、细石器（石耜、双孔石刀等）、玉器（玉龙、玉璧、箍形器等）为代表，以崇龙尚玉、尊祖敬宗为基本特征，因此形成了它自己独特的文化体系。
（一）红山陶器
从已经出土的大量陶器来看，红山文化代表着发达的原始农耕文化，当时陶器不仅用来作炊具和容器使用，还被当作生产工具、祭祀用品和生活的装饰品。红山文化时期的陶器有灰陶、红陶、白陶、彩陶和黑陶等，器身上无釉。器型主要有：瓮、罐、钵、碗、盆、斜口器和无底筒形器以及塑像等。其中以彩陶为典型代表，以红陶饰黑彩最常见。彩陶的纹饰多样，绚丽精美，蕴含丰富，突出地代表了当时社会的文明发展程度，具有极高的装饰艺术价值。
（二）红山石器
考古学证明，陶器、新石器、细石器共存是红山文化独具的特点，其中红山文化的石器以磨制为主，较全面地反映了中国北方地区新石器时代的社会发展和内涵特征。代表器物是掘土工具石耜和桂叶形双孔石刀，器形主要有烟叶形和草履形两种。此外，石器中以动物和人物的塑像居多，这与红山先民的图腾崇拜密不可分。
（三）红山玉器
在红山文化中，玉器一直以来都处于研究的核心地位，玉器不单纯是当今人们普遍认识中的礼器，而且还是原始宗教的祀神器，这说明红山文化时期就已经进入了以玉祀神的阶段，这样玉器就被注入了深厚的文化基因。红山玉文化里，有4个大类是非常独特的：云勾形玉器、斜口筒形玉器、龙形i和丫形器。特别是被考古界誉为红山文化象征的“中华第一龙”――玉龙的出土，不仅让中国人找到了龙的源头，充分印证了中国玉文化的源远流长，更是引来了许多海内外学者的广泛关注。红山玉龙造型完整独特，工艺精湛，栩栩如生，神秘精美，并且已经显示出成熟龙形的诸多因素。在红山玉器的发展过程中，主要呈现出3个造型特征，即规整型（如勾云佩）、动物型（如玉龙）、神像型（如玉面人），其造型及特征在一定意义上说明了红山玉器在中华文明史上的重要地位。
二、红山文化图饰的艺术造型种类
鉴于红山文化时期的石器造型较简单、雕琢纹饰单一的特点，本文主要从红山陶器和红山玉器这两个方面对红山文化图饰的艺术造型进行分析。
（一）陶器的纹样及图饰
在红山文化中出土的陶器上的纹样种类繁多，常见的主要有：细绳纹、篦纹、太阳纹、划纹和附加堆纹；由细绳纹组成的菱形回字纹；彩陶纹饰有斜平行线纹、同心圆纹、折线回字纹、之字纹等。考古工作者为了方便研究，将以上这些纹样分为自然纹样和几何纹样两大类，这种划分方法也为艺术工作者的研究提供了便捷的途径。
红山文化陶器纹饰特点主要有：
1.红山文化陶器的纹饰由早期比较简单的直线条逐渐发展到晚期的较复杂的几何纹样，纹饰以菱格纹、勾连纹（图1、图2）和叠弧纹最有特色。
2.红山文化陶器纹饰里最有代表性的就是压印“之”字纹（图3）。之字纹线细，纹带较宽，连线和篦点有共用线，横压竖排与竖压横排共用，直线与弧线、波浪线共用。
3.红山时期彩陶居多，以黑彩为主，也有红、紫彩，典型的绘制方法为施白衣后用平行斜线画出区界，内添黑、红、棕色3彩，组成回字、三角、八角、网状等多种几何图案，图案以鳞形纹、勾连纹和棋盘格纹3种最具代表性。
（二）玉器的纹样及图饰
红山文化时期拥有一大批造型生动别致的玉器，这些玉器主要可以分为四大类型，分别是动物形玉器，如玉猪龙、C形龙、玉龟、玉蝉、玉凤等；祭祀类玉器，如箍形器（或称马蹄形器）、勾云形玉佩等；装饰类玉器，如玉璧、玉丫形器、玉i；人物形玉器，如玉人等。相对来说，在红山文化玉器种类中，玉猪龙、玉箍形器和勾云形玉佩为重器。
红山玉器造型及纹饰的主要特点为：
1.红山玉器造型简练概括，器型以圆形居多，大量运用凸弦纹（图4）即棱线，如在出土的红山玉器中鸟类翅膀和尾巴、蛹的腹部和脊、龙的长鬃和勾云形器的弦等都采用棱线的表现手法。
2.广泛运用仿生和摄象造型手法，其中仿生手法的运用占主要地位，主要是摹仿被神化了的动物形和人物形玉器等，以动物形玉器最为显著。摄象手法即摄取自然形象再经过艺术加工的手法，主要适用于璧、环、箍形器和勾云形玉佩等。
3.浅雕和浮雕雕刻手法的使用。在红山玉器中，先民们大量应用雕刻手法，线条勾勒简单熟练，碾磨技艺精湛，将动物和人物形象或神态表现得惟妙惟肖，极具神韵。其他器物一般通体滑润无纹。
4.红山玉器十分注重局部特征的刻画与表现，其中以蛙状、棱状、梭状、环形和漩涡形（图5）这5种典型的眼部纹饰雕刻手法最为典型，这也是明显区别于其他时期玉器的一种雕刻手法。
三、红山文化图饰的造型特点
1.红山文化图饰的造型高度抽象，简练概括，通过大胆想象、夸张的造型，惟妙惟肖地刻划出极具艺术特征的生活形象。
2.红山文化图饰抓住生活形象中的突出特征进行重点刻画，通过最具表现力的局部特征来展现物体的全貌，收到了奇妙的艺术效果。
3.红山文化图饰造型表现手法大气恢弘，线条简练传神，没有精雕细刻却流畅生动，线条变化多端却有着独特的秩序和规律，凹凸、虚实结合，不论从哪个角度来欣赏，都达到了高超的艺术水准。
四、对红山文化图饰的提炼及创作
对红山文化中的图饰及其造型特点进行研究，主要是为了从红山文化图饰中提炼出有效的艺术形态，并将其符号化，进而形成具有标志性的文化形式，再通过对红山文化图饰的艺术加工和创作，达到古为今用的目的。下面以2013年已经完成的赤峰学院新图书馆的视觉系统设计为例，总结出对红山文化图饰进行提炼及创作的方法和步骤：
（一）收集红山文化图饰资料
大量收集红山文化中有价值的图形、图片资料，并筛选有价值的图饰备用。收集的过程为：
1.将诸多红山文化图饰资料按照发展时间分类细化，注意不同时期或不同阶段的不同特点。一个时期内出现的纹饰一般都有其特定的象征意义，前人在研究红山文化过程中虽然对这些纹饰的特殊含义没有得出定论，但仍然为我们研究红山文化图饰提供了重要参考。
2.总结归纳同时期图饰的特点和共同点，为创作新的图饰做准备。
（二）提炼红山文化图饰
运用艺术手段，对收集到的红山文化图饰进行提炼，其方法是：
1.抽象法。将现有图饰的造型或线条高度概括或几何化，运用形式美法则进行艺术加工。
2.夸张法。把握收集图饰的特点，将图饰的特点进行放大，达到夸张的效果。
3.联想法。利用想象力对收集的图饰进行组合、添加、简化，形成新的具有装饰性的图饰。
（三）创作新图饰
面对当今读图时代，运用现代思维、现代审美和现代艺术等元素，把红山文化用图饰的方法传达给大众，无疑能让更多的人对红山文化有更全面和深入的了解，为传承红山文化提供更便捷的途径。对红山文化图饰进行再创作的方法主要有：
1.重复法。将相同的纹饰进行反复的、连续的排列，形成一种有规律的视觉效果，并造成较大的视觉冲击力，收到使人记忆深刻的效果。这种重复既有绝对重复，也有正负形重复，其重复的形式主要有二方连续重复和四方连续重复。
2.对称法。将一个图饰或纹样参照同一个轴线或同一个轴点，相对应地、等距离地排列成一个新的整体，形成均衡、稳定的视觉形象。这种创作方法是形式美法则中完美的构图方式，具有很强的秩序感和节奏感。
3.渐变法。将一个图饰进行有规律的循序变动，在视觉上产生较强的层次感和韵律感。其渐变的形式是多种多样的，如大小、疏密、粗细、距离、位置、层次、深浅、明暗等等。
4.旋转或放射法。旋转或放射，其实是一种特殊的重复，将一个图饰参照一个或多个中心点向外扩散或向内集中，一般可以形成很强的空间感和运动感。
以红山文化中的回旋纹为例：
总之，丰富多彩的红山文化图饰，不但反映出先民的文化形成进程和独特的审美思维，还为后世研究和利用红山文化提供了大量的实物资料。作为现代艺术设计者，必须珍视这一灿烂的古代文化，古为今用，不断推动对红山文化图饰的深入研究和开发利用。
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第7篇：艺术特征论文范文
关于经济管理学学生论文的写作要求有哪些？经济管理学论文参考文献要求呢？以“商业银行论文英文参考文献”为案例标题引导大家。
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第8篇：艺术特征论文范文
论文摘要：作为现代设计与绘画艺术，应以多视角的认识论与方法论来认识其艺术设计与绘画领域的各种不同“性相特征”与语言选择，从而整合各自独到的艺术观与方法论。
由于不同的“性相特征”须选择不同的“语言结构”方式，其艺术表现因形式、风格而各有不同。绘画与设计，作为两种不同形式的艺术表象，在世界各地多元文化的互相浸透与整合下，其界限趋于融汇而显得模糊不清。因此，传统意义上的绘画与设计在其发展的进程中，常常表现为被现代艺术所取代。这种现象的产生，理应归功于时代演进的人性本体精神。如果艺术都要表达个性化了的审美特性，那么不管何种门类的艺术同都属于形式各异且“个性化”了的精神产品，并同时作为客观实在的精神实体而存在。这是人性本体的审美价值取向所决定的。毫无疑问，绘画与设计均属于艺术品范畴。其作品内涵的“立意与观念”，实质即是个体精神价值取向所决定了艺术作品的灵魂。选择这些与灵魂相匹配的语言、方法与逻辑形式(包括独创)，就成了呈现画面审美价值的关键所在，无怪乎在哲学中，有其“观念形态”的名词界定之说。
一、观念与性相特征的关系
“现代艺术”除偶发性艺术、实验艺术、儿童艺术外，只要预先有实现自我精神价值取向定位的艺术作品，都不可避免地要面对如下问题：一、创造某种客观表象的价值意义何在?二、主观上能否创建某种具有独特性精神价值的表象?三、实践过程中是否能够实现超越自我，即以此来升华自我精神?正是因为被这种纯真的“内在”精神所驾御，那么，意向性的某种特定“观念”则应运而生，如若“观念”有这样一种思考前题，性相问题的特征一经创立，就成了被精神化了的艺术作品。过去，许多理论家有“形象特征”一说，把“形象”特征称之为客观实在的外在表象，我在这里估且以“性相”取代“形象”二字，其实质是因潜藏在“人性本体”的内在精神与“感官知觉”之别。具体地说，“性相特征”则是已被内化了的精神形态(它同时也包含着抽象与具象两种类别)。从“性相特征”出发，我们能够极大地注入客观形象的精神内涵，从而强化“人文本性”的标志性特征。
“内化”了的外在形象，从心理学与生理学、物种学与形态学的角度看来，“性”有别，则“形”各异，犹如倔犟与懦弱、男人与女人、物种之类别、方圆之形态等等差异，大干世界，万物之美，大凡可说均同属于内化之“性质”不同，因而其形态各异。由此，社会现象才显得如此千姿百态、丰富多彩。新、奇、无非在于“观念内涵”的变异。
但是，假若“性相特征”是“人文”所造的价值取向，那么，抽象与具象、写实与变形、理性与感性，就只是一个心理定向问题，可以理解为不同观念下的不同语言表象，出于个人特定的“性相”所造。因此作为“人文”的表现，我们从过去的“自然景观”过渡到目前的“人文景观”，其实质就是一个“质”的变化，说明人性化了的多元文化与自然文化在表象上有着“人文”特征的差异。因此，确立“性相特征”的标准，实际是在一种多元文化交织中被提取且重新整合的“新人性化”表相，即个人智能与价值取向的内在精神特性。
在实践超越自我的过程中，体验着艺术的真谛，浸透在美化了的精神实体之中，看起来仿佛是“艺术品”而纯属于唯心主义的产品，但实际是由社会滋润着艺术家个体精神的成长，因而它仍是客观的(客观精神及其产品)。因此内化了的“性相”特征，仍属于社会精神的外延。
二、性相特征与艺术语言的关系
绘画与设计同作为精神“性相”的客观实体，作为与艺术相“匹配”①的绘画与设计“语言”组构方式来构建，其首要问题，即是对绘画与设计语言中(点、线、面、色彩、明、暗、形态、方法、质材、技法等诸要素)的选择与界定，从而构建其形式上新产生的“性相特征”。出于不同的人文特点(或不同性别)，对其周围事物的认知方式、价值取向，则大不相同，其表现在对同一客观现象的描述上，各自则存在有表达方式上的认知差异，一如演译与归纳、摸似与表现、比喻与象征。这些现象，究其原因，主要表现在界定某一现象之前的观念界入。由于各自所注入的文化内涵不同，认识方式各异，因而在所表现的精神价值取向上、定性上各不相同。因此，在选择与界定语汇形式上，譬如：对点、线、面某一形式的界定(定形、定色、定调)上，乃至方法与构图等，则各不相同。
查看更多相关论文：艺术理论学论文艺术类论文目前，就绘画与设计界的传统语言的形式(单指点、线、面)而言，则有几何学的界定、心理学的界定、过程主义(即无果)的界定、错视学的界定等等。总之，同一艺术对象的客观实体可作多元的界定；认识与应用在艺术表现中各有各的定向。色彩也同样如此，中国水墨画为了求得去欲呈慧、清心雅致的审美标准，从而简略了光效应中的所有色彩，而在水墨中寻求干、湿、浓、淡、焦，即所谓的“五色”。对色彩而言，“水墨”(黑白二分，阴阳互现)就是中国水墨画的色彩语言，这是典型的士大夫文化观念所界定的，从而导致了中国“水墨”画派。在中国道家文化中，“太极”则是“知黑守白”，表阴、阳两极，并认为此两极的和谐运行，有如宇宙本体的守恒定律一样，这不能不说“水墨画”的呈现，意味着文人墨客再现了“宇宙本体”的审美特性与真实的道家文化观。而西洋画的形、光、色、质等。由于以相对客观呈现的认知方式为基准，对自然表象作客观解析与表现，从而获得有如照片似的审美效应。可见，如若绘画与设计乃致各种艺术门类，其本质是从人性特征的某点出发。
据分类学原理，知识分为“纯粹知识”与“应用知识”两类，如若我们所学知识大多属于“纯粹知识”的话，那么“应用知识”的提升则成了自我认识能力的问题，立意与能力指向与观念是艺术的关键所在。只有将上述两类知识有机地结合、定性后，“纯粹知识与应用知识”方能显示出能力与观念的统一。一如对点、线、面、形态的有效界定，对明暗、色性、质地的有效配搭，对透视法、构成法(大小与方向，位置与空间，节奏与均衡，对立与统一，分解与整合、方法与技巧)等诸法则应用。这一系列的所谓“纯粹知识”，我们怎样去表现观念中的主题，就成了我们对纯粹知识的理解方能到达便通的应用。从而既不舍弃“纯粹知识”，而又合理便通地使用这些有效的艺术语言，来解决“观念”这一问题。否则，就会受到所学“纯粹知识”的制约，从而导致机械地拼凑与堆积，“纯粹知识”就会障碍自我认识能力，失去自我构建观念的主动权，在这种被动的情形下产生不了艺术的感染力，找不到个性化的艺术语言。所以，“语言”选择重在观念、重在塑“意”，即重在“性相特征”的构造与把握。
还有一点必须指出的是，选择重在“合适”。所谓“合适”，就是选择与既然定的性相特征相关的，能最忠实地表达某种艺术观念的艺术语言。比如旨在咫尺间创造无限天地的中国山水画，正是因为他有“内化”的认识能力，并能动地运用相匹配的构图散点透视等法则，因而能突破有限，“黑”是实体，“白”是空间，创造无限。否则，没有预先“贴切”的观念界定，或不明确意境，简单的“合适”、“贴切”、“匹配”的艺术选择就难以进行，因为任何选择都，要能够经得(诸如形、色等要素整合，再现“性相特征”)起“观念”的检验。
绘画与设计艺术中“性相特征”的表象，如同文字艺术一样，语汇众多，选择各异，不同的语言塑造出不同的个性形象，不同形态色质的点、线、面，适合于不同质的“观念”要求，“贴切”与“合适”的表意，在这种意义上，方能显示其“性相特征”。从古典主义到后现代主义，流派众多，无不是从特定的自我认识(绘画语言)界定出发，创造性的表达了某种主义；“个性化”展示并由此产生，其“人文”特性的扩充与演进方能呈现。因此，在不同的历史长河中不断地向前推进，创造出各不相同的、新的审美标准，也充分地展现了不同的“性相特征”的文化底蕴与“人性本体”即时代精神。
第9篇：艺术特征论文范文
关键词：大洋洲，独木舟艺术
大洋洲工艺美术作为海洋文化的一个重要代表，具有独特而鲜明的艺术风格。这其中，独木舟艺术作为海洋文化的一个象征，在大洋洲工艺美术中有着独一无二的地位。独木舟的存在与发展集中体现了大洋洲民族的生活特征。从巨大的远征用独木舟，到最简单的捕鱼用独木舟，独木舟为太平洋的岛民们带来了食物，同时也带来了便利的交通。
大洋洲地区群岛分布广阔，每一个地区都会由于特定的地理环境而拥有特定的造船材料，这就形成了各地区各具特色的独木舟制造。此外，根据教材记载，“对土著人来说制造独木舟是件神圣的事。有关船只的尺寸和造舟的各种技艺，均由祖传世袭的制船师所掌握”。所以，研究各地区的独木舟制造形式的差异是十分必要的。以下就大洋洲的三大群岛，简单介绍几种不同的独木舟制造形式。
在三大群岛中，美拉尼西亚群岛盛产高大的树木，所以独木舟的制造是最为发达的。人们会选用优质树种的高大树干，将中部挖空，制作真正意义上的独木舟。
右图为一名巴布亚新几内亚人，正在用一根树干制做独木舟。
在密克罗尼西亚群岛，可以直接用来制作独木舟的高大树木很难找到，所以这个地区的独木舟制造与美拉尼西亚地区相比，有很大的差异。人们通常会将木板用胶液黏合（胶液通常来自一种叫做面包果树的树液），再用椰子的纤维部分制作绳结，用来固定木板。这种船只的制造技术从严格意义来说，不能称之为“独木舟”，但根据现有资料的记载，通常还是将其看成是独木舟艺术的一种形式。
在三大群岛中，波利尼西亚群岛距大陆及其他文明最远，想必这一地区的独木舟制造应该是十分发达的。但根据现有的资料搜集，这一地区独木舟制造的特征很不明显，没有形成统一的制造传统。但通过一些图片资料，还是能够感受到独木舟制造的发达，尤其是用于远洋的船只制造。
左图是一艘仿制的玻利尼西亚远洋舟（voyagingcanoe），运用传统的手工技艺与材料，在夏威夷岛完成。这种远洋舟在玻利尼西亚的祖先中，运用得十分广泛，在广袤的太平洋上航行，来往于太平洋的中部岛屿以及复活节岛等地区。
以上分析了大洋洲独木舟制造形式的地区差异。事实上，制造形式的地区差异仅仅是一个方面，大洋洲的各个地区在独木舟的装饰上，体现出更加明显的艺术风格差异。下面就几个装饰风格突出的地区加以分析与比较。硕士论文，大洋洲。
一．美拉尼西亚群岛的巴布亚新几内亚地区：
该地区的独木舟装饰艺术风格，与河流有着密切的关系。硕士论文，大洋洲。不同的河流出现了不同的独木舟装饰风格。
a.拉穆河（Ramu River）流域
拉穆河是巴布亚新几内亚最长河流之一，源出东南部的克拉特凯(Kratke)山，西北流经中部洼原。根据资料记载，巴布亚新几内亚地区的独木舟装饰风格分为两种，分别代表了拉穆河中游以及拉穆河下游的装饰风格。中游的装饰，往往会表现先祖的面容。这种表现先祖面容的装饰形式与原始宗教有密切的联系。右图中的这一木刻作品是独木舟的零件，刻于独木舟的船桨的上部，属于拉穆河中游的作品。
b.Sepik River流域
Sepik River同样是巴布亚新几内亚的重要河流。在这里居住着一个叫做Iatmul的民族。这个民族有一种特殊的信仰，他们相信自己是从鳄鱼背上诞生的。所以鳄鱼的头经常被刻在独木舟上以及独木舟的船桨上部。图中的这一独木舟就是一个典型作品其全长11英寸,中间有12'宽。美丽的对称图形刻于船的两侧，船头则雕刻成一个鳄鱼头的样子。驾驶独木舟的人站在船的中央划桨。
二.美拉尼西亚地区的索罗门群岛地区：
索罗门群岛的独木舟船桨，具有独特的装饰风格，运用极浅的浅浮雕创作鸟纹或者一种叫做Kokorra的变体纹样。Kokorra通常以蹲坐的姿势出现，两手叉腰，头部带有巨大而突出的头巾，如同那些成年的男子。硕士论文，大洋洲。虽然kokorra在北索罗门群岛十分的普遍，但没有人知道这种纹样的精确含义。由于kokorra经常出现在与宗教有关的物品上，人们猜测kokorra可能具有某种超自然的重要性。
左图中的船桨，是索罗门群岛的Buka岛或Bougainville岛的作品。发现于19-20世纪。其中的装饰图案就是这种kokorra的变体纹样。
三．新西兰毛利人地区：
根据教材记载，“毛利人的装饰工艺常有表现鱼和鸟人的纹样或图形，这大概与他们及其祖先长年与大海相伴为生有关。”这种装饰特征在毛利的独木舟艺术中得到体现。
上图中的作品是早期毛利人创造的独木舟船头，属于Te Tipunga时代（1200年~1500年）。
这个船头雕刻体现了毛利特有的艺术风格，该风格是从其祖先的传统雕刻中演变而来的。据教材介绍，“毛利人源出自玻利尼西亚人”，这就可以解释，为何一些资料称该作品的造型与装饰仍然保留了一部分波利尼西亚的风格。同时，该雕刻这种形似龙头的造型很像后来毛利族的manaia——一种毛利独有的形似鸟类或爬虫类的风格。
此外，还有一些直接刻画祖先像的雕刻运用于毛利的独木舟艺术装饰中。
图中的作品曾经是征战用独木舟的船头横向甲板，29.5英寸宽。该作品以其精致的雕刻而著名。自然主义的男首领跪像雕刻，面对着独木舟的划船者。男首领的雕像由背后的菱形几何纹衬托。从风格上来说，属于新西兰的东北部风格。硕士论文，大洋洲。
最后，谈一下大洋洲独木舟艺术在现代社会中的生存状况。大洋洲的独木舟艺术品，作为一种文物具有很高的市场价值。苏世比拍卖行的拍卖纪录有关于大洋洲独木舟艺术品的纪录。
右下图是一个独木舟的船头装饰，来自索罗门群岛。这个8英寸高的物件预估价格为30,000至50，000，美元。硕士论文，大洋洲。1906年收集。
左下图所示的这个独木舟船头，是新几内亚独木舟的一部分。83英寸高，这个船头装饰附着在船头巨大的突梁上。保守拍卖估价为6万至9万美元。最后的拍卖价格为55375美元。
拍卖价格有力的说明了大洋洲独木舟艺术品在当今社会的受重视程度，从这方面来看，可以说它已经被当今社会所接受。但与此同时，从学术角度来看，我认为对于大洋洲艺术的研究是很不够的。硕士论文，大洋洲。在本人搜集资料的过程中，感受到这方面资料的严重匮乏，国外的研究著作都尚未有中文译本，并且这些著作也没有建立起完整的体系。所以从这个角度看，社会对于大洋洲工艺美术的认识，还仅仅停留在一个比较肤浅的层面，需要继续深化与扩充。
俞熔
