电影技术对电影表演的影响

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摘要：电影表演中存在技术的运用，这里的技术以电影特有的表现形式即演员通过镜头进行表演。摄影对于电影演员的表演具有重要影响，演员在创作过程中应该遵循电影技术与表演艺术的相互统一。

关键词：电影表演；电影技术；艺术；演员创作

一、电影技术决定电影表演的“上镜头性”

①“日前，一种新发现，或者说一种新机器，正在努力使人们恢复对视觉文化的注意，并且设法给予人们新的面部表情方法。这种机器就是电影摄影机[1]。”20世纪20年代，世界先锋派电影运动中法国电影印象派的代表人物路易•德吕克提出了一个具有划时代意义的概念—上照相性。电影艺术探索实践的最大程度首先表现在对摄影技术中光的认识和运用。光是摄影的基础，这里的光是指电影中导演为了展现环境空间与烘托人物情绪所使用的人工光源。“灯光几乎可以决定一个影像的震撼力。在电影中，灯光不只是为了照明；一个画面中的明暗部分不但影响整个构图，也能引导观众去注意某些物体或动作——亮光可吸引我们的注意，或泄露一个重要的举动；而阴影则能掩饰某些细节，制造悬疑。此外，灯光能呈现质感，比如说，脸庞柔软的线条、木头粗糙的纹理、蜘蛛网细致的网络、玻璃的光泽、宝石的闪耀[2]。”不同的光线对演员塑造角色的影响也不同，光的方向可以分为正面光、侧光、逆光、底光及顶光。正面光看不到演员的阴影，只能看到演员的平面形象；侧光强调突出演员自身的轮廓；逆光则会使演员产生剪影的效果，人物的影子可以投射在地面或者是墙壁上，产生人物与阴影的强烈对比等。电影摄影是电影成像的基础，导演通过对各种光线的综合使用完成对画框内的演员的一切动作艺术化地呈现。演员负责创造美的形象，无论是外在美或是内在美的形象，导演负责通过镜头帮助演员塑造美的形象。“一头老虎或一匹马在光亮的银幕上将显得非常美，因为，它们原来就很美，而这种美又被摄影突出了。一个具有表现力的人，不论他是美的还是丑的，只要人们愿意，他都可以显露出自己的表情并由摄影来把它突出。”导演利用画框艺术化地提取和记录演员的身体及行动，导演突出演员用于创造角色的一切动作，特别是那些被忽略的细节动作。摄影机的出现使人内心的体验得到了更为生动且具体的表达，突破了以文字抽象表达情感的可能。人类的内心语言通过摄影机的记录成为可见的形象并使这些形象可感可知。路易•德吕克明确提出导演应该知道光作为摄影的基础，存在的价值在于呈现某种意义。也就是说，摄影机作为一个具有一定技术如光影、色彩而呈现的载体，必须通过实现某种意义为前提，光线往往具有影射人物情绪的作用。用镜头对演员进行包装是导演首先要做的事，经过镜头包装过的演员具有呈现生命美的能力。这也完全决定了电影中演员表演的独特性，演员是银幕的主体，无论身处怎样的空间，都要具备与镜头保持一致的才能。电影追求在有限的时间里提供无限的可能，演员是带着自己对美好与丑恶的理解进入这个有限的时间里对现实中存在或不存在的形象进行塑造。卡努度曾在其“第七艺术宣言中提到过，电影是运动着的造型艺术，按照节奏艺术的标准展开。”电影作为造型艺术，通过声音与画面呈现未知的世界，演员通过自己的身体与所处的环境完成对造型的补充，演员本身就是造型的呈现者，不只是通过身上穿的服装或是佩戴的首饰，更来源于自身对于表演的使命和责任感，这使演员不同于普通人[3]。“像贵族一样，演员生活在思想中。”演员通过形象表达思想，电影通过镜头记录并呈现这种思想。最具有代表性的演员与镜头完成造型统一的案例是二十世纪先锋派电影运动中德国的表现主义。“在表现主义电影中，动作常常是一阵一阵地进行，当场面调度元素组合成抢眼的构图时，叙事就会暂停或慢下来（这样的构图并不需要完全的静止。一个演员舞蹈般的运动，也许会与布景中风格化的图像结合在一起，构成一种视觉样式。”在德国表现主义的电影中演员的表演通常是夸张的，不自然的，几乎达到一种异常的程度。而这种异常的表演恰恰符合极端的表现人物情绪的可能，电影中演员的身体和环境融为一体，成为一种视觉元素。如在影片《克里姆希尔德的复仇》中，玛格丽特•舍恩瞪大眼睛，通过厚厚的妆容与服装上的抽象图形、搭配空白的背景形成了风格化的构图，与电影的其余部分完全一致一样。

二、电影技术对于电影表演创作存在局限性

技术一定程度上构建了属于电影艺术的独特表现空间，技术一定程度上也限制了演员的表演[4]。画面的有限决定了演员表演的有限性，影像仅仅是平面中舞体的投影，是否真的成为有意义的形象是依靠观众自身的想象，观众所建立的对角色的形象的幻想，是在他们进入影院之前就要有所期待的形象，在是观众对银幕中演员形象的初步印象。银幕本身无意义，观众从一个角度看到的影像是有具体限制的，物体即景物与人物在影像中的成像是物体反射光线在人眼中形成的平面形象。这个形象在银幕中的运动所形成的纵深感是由于人两只眼睛之间的距离与摄影机的运动而造成的。电影演员的表演通过与摄影机的配合，主要负责突出局部形象。观众并不能在一个画面中看到完整的人物形象，这往往是导演有意强调某种细节表演的结果。因此，电影演员需要具备适应电影技术呈现形象的能力。电影演员需要借助想象与适应完成角色的塑造，想象角色所处的表演场景、想象角色的喜怒哀乐；想象与自己进行对手戏的演员的一切，包括对手无形的思想、情感；有形的动作与语言交流。这都需要演员静下心来，与摄影机的运动进行配合，适应摄影机的运动。“进入拍摄现场，摄影机（摄像机）的取景框会紧紧地限定演员的表演区域，摄影机（摄像机）的运动透视关系，又常常给演员的表演带来障碍，如。借位置，摄影机（摄像机）取代对手等等，明明演员对手双方同在一个画面内，摄影师会提出让一方演员看另一方演员的耳朵或半张脸演戏——借位置。”演员必须适应拍摄记录自己表演过程的摄影机，习惯摄影机的走位，习惯配合摄影机的拍摄创造角色。

三、电影技术与电影表演相互统一

电影并不是客观的复制现实，它是有目的、有计划地对现实生活进行提炼、加工和创造。在这个过程中，导演会通过摄影机记录演员的表情、动作和语言。演员站在摄影机面前对摄影机的认识越深入，他就越具有安全感。因为他知道如何将自己最完美的一面呈现在这个现实中并不存在的虚拟画框之中，这也是上文提到的镜头感，镜头感会很大程度上成为限制演员表演的因素，这就是为什么许多习惯于舞台表演的演员并不擅长电影表演，而电影演员通常不会尝试涉足舞台表演的原因。除了上文所提到的光线对于电影演员塑造角色的影响之外，电影技术还集中体现在摄影机在拍摄角度、场面调度（内部调度与外部调度）及景别的选择；电影技术中光线包括人工光源与自然光源所产生的不同效果、拍摄角度即仰拍、俯拍、平行拍摄；场面调度即摄影机的调度包括推、拉、摇、移、跟、甩、升、降、景别，包括对远、全、中、近、特的使用，这些使电影成为一门建立在技术之上的艺术[5]。电影技术很好地建构了银幕的空间与造型，辅助演员塑造可视化的银幕形象。电影通过演员的面部神情、姿态、手势，作为某种涵义的象征。因此，电影表演更加具体、生动赋有内涵。这些独立的、个别的神情、姿态、手势通过电影镜头进行整体或细节的呈现，拍摄的角度可以通过人物在画面中所占的比例直观地塑造人物形象。电影表演中，演员需要与摄影机保持运动的方向和速度的一致，有利于使画面节奏与人物的心理节奏保持一致。昆汀•塔伦蒂诺导演在其最具有“暴力美学”的代表作品《杀死比尔》中，大量运用特写镜头表现女主内心复杂的心理情感，通过对女主眼睛的特写，对女主眼球瞳孔的收缩与扩张，眼球快速与缓慢转动，充分展现了其遇到敌对势力时的判断与思考。景别配合电影的剪辑有力地呈现了银幕中演员表演的细节瞬间。电影中演员的调度不仅仅是自身的调度，演员的身体不作为主要呈现的对象，仅仅是摄影机用来记录运动的一部分。特写镜头往往帮助演员表达情绪，观众可以通过镜头最大化地理解角色当下的生命状态，特别是生命状态背后的某种特殊情绪[6]。技术一定程度上会帮助演员塑造真实，电影是建立在假定环境基础上进行相对真实的影像创造。

四、结论

电影这个丰富多彩的银幕世界是以电影最基本的技术手段——摄影技术为前提而存在的。表演是一门和电影一样富有创造性的艺术，它不是科学；它是富有情感的并用于表达某种强烈愿望和急切心情也或是深刻思想而存在的艺术。作为在银幕中创造角色的演员，必须依附于特殊的电影技术手段进行表演，电影表演是电影技术与演员表演相互统一的结果。注释：①“上镜头性”原为“photogenie”,这个字是由“photo”(照相）和“ge-nie”(神采）二字组成.

参考文献：

[1]【美】大卫•波德维尔,克里斯汀•汤普森．电影艺术[M]．曾伟祯,译.北京:北京联合出版公司,2015.

[2]杨远婴．电影理论读本[M]．北京:世界图书出版公司北京公司,2012.

[3]【美】斯特拉•阿德勒．表演的艺术[M]．李浩,译.北京:北京联合出版公司,2014.

作者：韩开洁 单位：河北传媒学院