古典主义下钢琴作品演奏技巧浅析

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摘要：古典主义和钢琴在18世纪中期的结合，使人们在艺术品位和审美观念上获得了极大改变，对于钢琴表演技巧、演奏方式影响较大，在此情况下，钢琴古典主义这一派系逐渐形成，这实际上是键盘音乐出现的历史性转折。其中以巴赫作为代表，使主调音乐迎来了发展热潮。

关键词：古典主义；钢琴作品；演奏技巧

古典主义时期音乐为十八世纪五十年代到19世纪二十年代在欧洲中出现的主流音乐，处于这一时期时，新制度正在向旧制度过渡。在西方贵族中，音乐品鉴属于其日常享受，中产阶级中逐渐发展为一种潮流。对于音乐也不再是一味注重精细和典雅，比较重视质朴、简练的体现[1]。

一、古典主义时期音乐分析

第一，作品分析。这一时期，音乐比较重视理性思维，感情因素实现平衡状态下，将道德行为对应规范融入其中，主调音乐属于主流，单个曲调进行作曲属于音乐主线，同时将和声、和弦等适当添加进来，并且奏鸣曲整体发展逐渐趋向于成熟，在其结构定型情况下，现代钢琴取代了古钢琴，对于现代钢琴来讲，功能上与钢琴相比更完善，在此过程中，形成了将贝多芬以及莫扎特等人作为主要代表音乐派系，推动了乐器音乐发生了质的飞跃[2]。同时表演形式的精炼性、严谨性，音乐风格上的明朗性、质朴性等，也将演奏形式和艺术内容之间的有机融合完美地诠释了出来。在这一时期中，古典主义时期向着主调音乐不断发展，并逐渐使处于巴洛克时期时复调音乐被取代。钢琴作品在原本乐章模式基础上，针对不同乐章彼此的结构主题进行了对比分析，无论是乐句结构还是乐句内容都变得更为清晰，并且音质体也从纵向空间转变为横向时间，运用复调和多声部对比向相同声部进行乐句主题对比转变，这实际上有利于对主次之间差异性并不大的复调旋律进行分解，形成了将单独旋律作为主要组成，以及其他旋律作为辅助的演奏形式的有效形成，也就是阿尔贝蒂低音，主要在和弦分解当中运用，波动并不是很大，对于原和声影响相对较小，与声部之间进行融合时可以烘托旋律，并且发挥伴奏的作用，莫扎特、海顿等都对其十分重视，一直到十九世纪和十九世纪以后，仍然被传承和应用[3]。古典主义时期中，明朗和质朴为音乐显著特点。第二，奏鸣曲式。巴赫属于古典奏鸣曲领域先行者，他创作的作品感情十分充沛，同时音色上比较优美，协调对比这一主题的奏鸣曲的对于音乐领域产生的影响较大，贝多芬、莫扎特等都受到了其影响[4]。巴赫创作的奏鸣曲能够达到两百以上，这些奏鸣曲韵律高雅、节奏精炼，实现了单纯由对位写作到主调音乐方面风格的发展和转变，这也在一定程度上表明奏鸣曲运用于情绪表达和性格塑造中具有无限可能。

二、古典主义时期进行钢琴演奏的基本技巧

这一实施钢琴演奏时，主调音乐为主要呈现形式，大小调整体运用比较广泛，在和声水平方面提升幅度较大，和声、低音等主要运用于伴奏中，音乐中的典型结构为奏鸣曲，整体发展前景良好。

（一）触键

就触键来讲，主要为演奏方法，钢琴表演时，可以将其划分为四种类型，即非连奏、连奏、半跳音以及断奏。弹奏音乐作品过程中，奏法的运用十分重要。进行联奏时，需关注这几方面：首先，键盘和手指不能出现间隙，并且联奏时较为重视乐句感，下键时不能将手指抬高，手指和琴键之间保证严密贴合。其次，未进行特殊要求时，演奏过程中手指不能与琴键之间脱离，任何音在演奏时，均需保持其特殊时值，对于应展开同音联奏的一些部分，这一要求尤其明显，音符之间最终的持续时间比较重要[5]。为确保演奏时的整体效果，应积极运用手腕力量，将手腕作用充分发挥出来。最后，音符需呈现出明显重合性，下个音正式开始情况下，前一个音才能离键，也就是上一个音最终呈现内容与和下个音开始部分需具有重叠性。非联奏这种形式在快速跑动这种类型的乐段比较常见，它和联奏之间进行对比，并没有严格要求手指和琴键之间保持十分贴合，但是这并不是说可以断奏，需关注第三关节在起落时的整体速度，下指时做到干净利落[6]。就跳音来讲，应避免出现仓促性，最好可以达到演奏音符中的二分之一。对于钢琴初学者来讲，会存在一定误区，即跳音在弹奏时较为短促，同时音调较为尖锐，这实际上会使旋律统一性受到较大不良影响。演奏钢琴作品时，演奏者应注重第一关节中力量的发挥，抓住跳音，保证触键的目的性，促进演奏品质的提升，加强演奏者整体掌控能力。就半跳音来讲，在速度比较缓慢的段落中比较常见，主要指相同连线音符跳点，其和跳音之间具有本质区别，和连奏之间比较相似。在音符实现定值时，需加强对手腕力量的运用，使音符具有间隙同时的不出现完全断奏问题。

（二）踏板

对于现代钢琴来讲，主要有柔音踏板、延音踏板、持续音踏板集中，持续音乐踏板进在三角钢琴上出现，不同踏板在应用上会有所不同。延音踏板使用的比较多，使用时比较容易被弄乱，结合用途差异，可以将其分为两种类型，其中包括节奏踏板与切分踏板。切分踏板也可以将其称之为音后踏板，在音下去以后方能进行更换，可以使音符在衔接时的整体连贯性获得明显提高。这和浪漫主义当中的作品有明显不同[7]。古典主义这一时期中，作曲家将记号标记在踏板上的情况并不多见，在《月光奏鸣曲》之前，多数钢琴作品古钢琴进行弹奏，然后现代钢琴才出现，延音踏板在当时的应用不是十分成熟，旋律不出现间断性，增强乐章连贯性，将延音踏板效用充分发挥出来，在不对音乐作品产生影响基础上，体现出颗粒性和组织性，这些都会受到的演奏者音乐才能以及表演技巧的影响。踏板在使用时，演奏者需做到手脚一致，处于古典时期进行钢琴作品演奏时，sf类型，在需将音符加重以及情绪出现较大波动时，需使用节奏踏板。柔音踏板意思为一根弦，就三角钢琴来讲，柔音踏板会使琴键整体性向右一定，因此电弦机器不能对三根琴弦进行全部打击，往往会打击一根，也可能会打击两根，在此情况下，呈现出的声音比较柔美[8]。就《奏鸣曲》op.110当中的第十三章来讲，从开始便使用了柔音踏板，进行踩踏时，力度会直接影响音色转变，声音呈现出的柔和性往往会在踩入深度有所增加时获得明显提高，因此在使用柔音踏板时需关注这一点。持续音踏板在使用时，需做到这两方面：首先，延音踏板不能运用于下行音阶以及下行经过句，一般情况下，教科书不会对其有强制要求。其次，使用手指踏板时，如果某个声部当中的同音连线为跨小结以及长音，应使用手指踏板，在音乐作品当中，有较多运用了手指踏板。这种类型踏板，能够使声部长音获得保留，并且其他声部也能在此影响下加速。手指踏板实际使用过程中，不需通过将机械设备作为辅助，运用手指便可，这实际上与古典主义中呈现出的简练风格相适应。

（三）装饰音

处于巴洛克时期时，装饰音此种音乐风格具有较强代表性。古典主义时期这段时间，这一音乐风格获得了沿用，并在原本基础上作出了改变和创新。对于装饰音来讲，主要是由于波音、颤音、回音以及逆波音构成。就颤音来讲，二度音属于首音，前一个旋律和颤音中的二度音达成一致情况下，为保证旋律整体性以及统一性，本需置于颤音当中的起始位置。进行作曲时，颤音结尾处需添加尾缀与否并没有形成比较统一标准，演奏过程中演奏者应该结合以往经验和自身艺术素养展开自主处理。并且需对不同版本作出对比，并对其进行有效分析分析，形成个性化演奏风格。对于逆波音和波音来讲，需跨越三个音，如果主音实际音值过大，可以将波音延到五个音符，但是这对于逆波音并不适用。主音时间无论多长，逆波音从原则上来讲需保持三个音。

三、古典主义时期钢琴训练方法

首先，音阶训练。对于音阶来讲，主要为半音、全音、其他音构成，类型上可以分为三度、八度、六度、十几度等，一般情况下，进行音域训练时，需建立在小调式和大调式前提下，实现对四个八度的跨越，每个调性的音阶都有属于自己的训练指法，训练时如果指法出现错误，将会使练习整体效果受到影响，旋律将会比较混乱。因此进行训练过程中，应注重指法完整性以及连贯性的实现，实施日常训练时，往往会对节奏以及手型有所忽视。其次，训练琶音。琶音在音域上也为四个八度，训练时指法虽然比较固定，但是指法体系较为简单，训练过程中，重点为掌握和弦分解时的技巧。因此具体实施时，练习者应保证自身对于琴键的整体掌握能力，并且针对手指间距展开训练，保证整个演奏过程整体性。实际演奏时，手指独立性会直接影响演奏效果，因此初学者应加强对这一方面的把握，进而保证演奏整体效果。

四、结语

总之，处于古典主义时期，演奏钢琴作品时，对于旋律比较注重，在音乐中旋律发挥着主导地位。在进行作品演奏中，应注重对演奏技巧的把握，找到演奏正确切入点，保证演奏效果，提升演奏感染力，进而使自身在演奏中可以获得更多共鸣，在具体实施时，可以从触键、踏板、装饰音这几方面进行把握，并且详细了解训练时的具体方法，重视音阶训练与琶音训练，进而呈现出更优美的演奏效果，并现代钢琴进行演奏时提供参考。

作者:周希希 单位:南京艺术学院