古典主义钢琴手指技巧及踏板处理浅谈

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摘要：古典主义时期是整个西方音乐史发展中重要的一环，对于古典主义时期钢琴演奏技巧的研究，有利于指导演奏者正确且直接地演奏出风格契合的古典主义时期音乐。每一首钢琴作品都有自己独立的“语言”和作曲家当时想要表达出的风格，所以每一首作品都具有独特性，需要根据现今能查阅到的资料单独分析。此次研究主要探讨分析古典主义时期的钢琴演奏手指技巧以及踏板使用，希望能够对相关学习人员起到参考价值。

关键词：古典主义时期钢琴踏板

一、钢琴演奏中手指技巧的作用和重要性

（一）如何保证手指在演奏中能发挥正确的技巧

首先，研究古典主义时期作曲家在演奏时手臂与手的具体形态前，了解他们在演奏时的整体形态与状态是基础和前提。在古典音乐时期，专业的钢琴演奏者与专业的大键琴演奏者、古钢琴演奏者在演奏时的表演形态和状态是一样。他们在演奏时上身的动作都非常内敛，只有在处理少部分音乐段落时会使用一些容易被注意到的、幅度稍微大的动作。根据现代钢琴家对车尔尼和贝多芬的演奏动作研究及相关留存图片使我们体会到，当演奏家在演奏时，他们看起来是舒适平静地、高贵地、让观众赏心悦目地，并没有表现出其他不适当的、夸张的或者是痛苦的表情。然而，他们的手指又是相当有力的，在处理大量音符密集的乐段时，他们将指头放平，用指尖轻轻触键。克莱门第写道，“所有不需要的，多余的动作都必须被避免。”车尔尼也在《适当的演奏》中提到过“在演奏中，手的动作是舒缓安静的，在触键时指尖是坚固的，整体表现出来的感觉是优雅的。”克莱门第的学生约翰·菲尔德也在他的教学和练习中会使用一枚硬币放在自己的手背上面，从而控制演奏中手掌的动作。路易斯·亚当在《音乐学院的钢琴演奏法》中也阐述了自己的观点，“在演奏中，双臂上所有动作都是没有必要的，对于呈现出优美的音色是一种阻碍的行为。一位演奏者在两种情况下可以使用大幅度的动作：第一种是演奏者的手臂必须离开键盘作出一个短暂的音乐气口；另一种情况是演奏者必须从左到右或者从右到左在键盘上用同一只手做出不同的姿势去演奏乐谱。需要移动手臂的时候也尽量使用小臂，大臂保持稳定的演奏姿势。”根据约翰·彼得·米尔奇梅耶在《如何正确地进行钢琴演奏》中的叙述，他认为演奏时，从肩膀到大臂都应该呈现自然下垂的状态，小臂引导手掌去演奏不同的声部以及比较窄的黑键部分。为了帮助我们在演奏中呈现出无束缚的感觉，通常在双手分别负责高音部和低音部时手肘部分才需要做出距离身体比较远的动作。除了大臂、小臂以及手肘的要求外，米尔奇梅耶也在书中写到关于双手手型的要求。手指在琴键上呈现出自然弯曲的状态，并且与键盘保持一定的距离，拇指指甲根部贴在白键上方。手腕、手掌与小臂是在一条直线上的，当我们在琴键上摆出手型时，这三个部分会呈现出向键盘微微倾斜的动作。只有整个手掌在键盘支撑起来时成圆形，手指在琴键上演奏出的音色听起来才会让观众感觉丰满、立体。如果演奏者把拇指直立起来，那么我们的整个手掌和其他指头会离琴键比较远，这样的手型会导致演奏者的手腕、手掌以及小臂不能够完全放松，导致演奏出来的音色是僵硬且没有生命力的。手腕、手掌以及手臂在所有的练习和演奏中必须保持持续地放松和自由，不应该出现紧张、僵硬的情况。

（二）手指练习时呈现的状态

对于钢琴演奏者来说，在古典主义音乐时期大家一致认为拥有能在琴键上灵活跑动的手指是演奏出清晰音色的前提。演奏者想拥有灵活的手指需要日积月累的训练，训练时需要充分放松手指，使指关节活动自如。在手指训练的初期，初学者应该训练的最重要的第一点就是手指的执行能力，也可以称为手指的独立性。在练习时，初学者可以从两个方面来观察自己的手指是否具有一定的执行力：第一，在不影响整个手掌的情况下，观察自己的每一根手指是否能单独弹奏；第二，当一根手指抬起的同时，检查其他手指是否不自觉地跟随抬起。具体地说，手指的独立性必须强调双手的两根大拇指。无论是钢琴的初学者还是演奏家，在演奏一些曲子或者音阶时，都必须用到大拇指的连接。对于音色的要求，每一位听众或者作曲家都要求演奏者呈现出来的音色必须是流畅的、连贯的、悦耳的。在较宽广的音域或者音乐的跑动过程中，大拇指是作为一个枢轴来帮助演奏者手掌和手臂移动的，所以演奏时必须是大拇指带动手掌和手臂移动，这样演奏出来的音乐才能是灵动的，让人听起来身心愉悦的。每一根手指都应该轻轻地放在琴键上，为将要演奏的音符时刻准备着。当手指弹奏琴键时，指头的动作应该是灵活的，像装上弹簧一样，同时，也应该展现出天生的站立性，而不是软绵绵地“躺”在键盘上。还有一点很重要，那就是一定不能使用手臂的力量去击打琴键，我们需要的是放松手指肌肉，尽量不要让手指呈现出紧张的状态，从而去使钢琴发出声音。当我们在演奏时，手指必须一致保持卷曲状态，肌肉也应该保持放松的、柔软的状态。否则，当演奏者根据乐谱想要做出相应演奏动作的同时，肌肉的张力会“锁住”演奏者的动作，同时也让手指不能够迅速地收缩回来。同时，一根已经抬起来的手指应该是卷曲地落在准备演奏的琴键上，而不是呈现出伸直的状态。从手指在琴键上的状态以及动作和位置，我们可以讨论到钢琴音色中的断奏和连奏。钢琴发出的音色是由手指如何去弹奏琴键而决定的，按大部分演奏家的经验来说，想要获得连奏的音效，可以在手指接触琴键的时候直接演奏，不需要先把手指抬起来后再触键。与之相反，断奏则需要演奏者在演奏每一个被要求断奏的音符之后将手指抬离开琴键，听众可以从最基本的音色中感受到每一个音符间的间隔。

（三）手指技巧的提升

在早期钢琴演奏中，因为对于手指角色在演奏中的重要性强调，衍生出了很多关于如何运用手指技巧使音乐听起来更加丰富的文献和书籍。对于提升手指技能的可参考的书籍并不少，但是如何正确地、有趣地来练习却成为了一个难题。根据普莱耶尔·杜塞克在1797年出版的《方法论》中建议到，以最基本的五个手指分为一组去练习。首先，在开始练习时，练习者需要尽可能地使手指轻盈地弹奏，以最“温柔”的方式去处理音色。熟悉手指练习的把位之后，可以将手指以尽可能快或者尽可能慢的方式再强化训练。然后，练习者可以改变每一条练习的音色，使稍显枯燥的手指练习变得有趣。例如，在练习中把音色从中强(mf)渐强到极强(ff)，并且保持一定的小节后，在下行手指练习中使用渐弱，从极强(ff)练习至极弱(pp)。同样地，在音阶的练习中，普莱耶尔同样建议到，练习者需要使用不同的速度配合强的或者弱的音色去练习，才能达到一定提升的效果。并且，如果一直按压着已经弹奏过的琴键会使音色变得浑浊，降低音色的清晰度，我们需要的是听到类似大珠小珠落玉盘的颗颗分明的连贯音符。除了改变触键的力度、声音的强弱和练习音阶以外，平行三度的练习也是可以明显提升手指技巧的方法之一。平行三度的练习可以提高手指的独立性。在每一套平行三度的练习时，练习者必须使用非常慢的速度，然后逐渐加速，直至练习者能弹奏出手指最快或者说是最极限的速度。如若当练习者感到右手非常疲惫的时候，那么就换左手进行练习，如此循环往复地练习能达到最佳的效果。

二、浅析古典主义时期钢琴延音踏板的使用

（一）踏板的简介

钢琴踏板的使用并不是与钢琴的诞生同步的。现代所使用的钢琴确切的名称为“现代钢琴”。在它之前还出现过羽管键琴、大键琴、古钢琴等相似的键盘乐器，而最早期的钢琴仅配有手栓来控制制音器，直至1815年机械踏板才在J·布罗德曼的研究下诞生，而到了1830年机械踏板才开始广泛的运用。在整个西方音乐的发展进程中，踏板的发展也是逐步进行的，可以说古典主义音乐时期是踏板起源的一个重要阶段，也是从古典主义音乐时期开始，踏板逐渐“俘获”了众多作曲家的芳心。所以，踏板的使用涉及的音乐时期不同，风格不同，作曲家不同，当演奏者需要借助踏板呈现更加丰富音乐性的同时，需要根据具体的作品来调节踏板的使用。踏板的使用是钢琴演奏中不可分割的重要元素之一，它的存在时刻影响着钢琴演奏的效果和风格。钢琴有三个踏板，它们在演奏中也发挥着各自不同的作用。首先第一个是右踏板，又称为延音踏板或者强音踏板。主要的作用是延长琴弦震动的时间，以延长需要保持的音符在听觉上的时值。延音踏板的工作原理是当演奏者踩下延音踏板后，制音器抬起后不对琴锤和琴弦进行控制，以达到延长音符时值的作用。使用延音踏板所达到的音乐效果主要是增加乐句的流畅性和延续性，丰富音乐效果。接下来介绍使用频率仅次于右踏板的左踏板，它又被称为弱音踏板。在立式钢琴中，演奏者踩下弱音踏板后，琴弦与琴锤之间的距离就会缩短，那么琴锤作用到琴弦上的力度自然会减弱，自然地，琴弦发出的声音也会减弱。弱音踏板会产生音量较小、音色比较柔和的音色，通常在慢板乐章中使用。最后一个是中间踏板，这个踏板被称为选择音踏板，或者称延长音踏板。在三角钢琴中，使用中间踏板所产生的音效知识延续了正在演奏的某一个音的时值，以此来支撑所演奏的乐谱中某一声部的旋律走向。

（二）延音踏板在古典主义时期的运用

在古典主义早中期，作曲家们使用踏板的频率并不像浪漫主义时期或者现当代那么频繁。可以从莫扎特、海顿等古典主义时期作曲家的作品中看出，在当时他们追求的是连贯的乐句与清晰的音色。在快板乐章中延音踏板的使用仅仅是在很少一部分的乐段，以求在某一些短乐段的音乐线条上达到连贯、延续的效果。而在第二乐章，也就是通常的慢板乐章中，才稍微多一点地使用延音踏板，渲染舒缓的氛围，丰富音乐的表现力。直至后期，贝多芬才在自己的作品中更多地使用延音踏板来塑造他所追求的音乐形象。

（三）简述现代钢琴演奏中延音踏板的使用

现代演奏家在处理不同时期作曲家的钢琴作品时，往往需要结合现代钢琴的特点来使用延音踏板。通常可以把延音踏板在现代钢琴上的使用根据踩踏的深浅分为三大类。踩踏踏板深浅的不同导致音色的不同。踩踏踏板的深浅可以分为全踏板、半踏板、其他踏板。全踏板主要用于处理部分切分音、重音、强音，或者在乐章结束时需要呈现较强的听觉冲击力时使用，演奏者使用全踏板的目的是增加音量，所以可以称全踏板为重音踏板。半踏板主要用于一些柔和的，或者说是音乐性较强的乐段时，主要是增加音乐的润色，但是又不至于让听众觉得在歌唱性强的乐段中音乐线条出现浑浊。其他踏板的分类主要是依据演奏者对延音踏板踩踏的深浅来决定音色的不同。由于作曲家不可能在每一个踏板标记处标注出演奏者或者后人需要使用哪一种踏板，所以演奏者需要根据不同的作品、不同的乐段、不同的时期及其作曲家来决定踏板如何使用，演奏者在呈现一首作曲之前，需要根据不同的作品进行具体分析。延音踏板技术在钢琴演奏中的使用可以使不同的作品、不同的和声产生奇妙的华彩。当然，不同的作品代表着不同的时期和不同的风格。因此在分析钢琴作品中踏板的使用时，必须立足于作品本身。在分析和研究后，演奏者可以根据当时的时代背景，对踏板进行二次创作。

三、结语

综上所述，古典主义音乐在西方音乐的发展长河中持续了大概一个世纪，这是一个复杂的音乐史演变过程。音乐史上从一个时期到下一个时期的音乐元素的演变都是缓慢的，作曲家通过对前面几百年的音乐积淀研究后，再去创作更适合当时人类听觉审美的音乐。所以本文仅仅对古典主义时期钢琴作品中手指应该呈现出的状态和技巧，以及踏板的使用进行了简单的研究和阐述。每一首钢琴作品的演奏方式都不是单一的、一沉不变的，演奏者对于钢琴作品的呈现必须是根据作曲家的音乐时代背景和作曲家的个人风格为前提的。唯有针对性地研究每一首作品，用心感受音乐和聆听音乐才能使自己的演奏完美。

参考文献：

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作者:雷楷力 单位:昆明城市学院